КАРТИННАЯ ГАЛЕРЕЯ

ЭКСК ЛЮЗИВНЫЙ ФОРМАТ

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ
Издательство АСТ
Москва, 2026

УДК 75.01
ББК 85.14
П63

Все права защищены.
Ни одна часть данного издания не может быть воспроизведена или использована в какой-либо форме, включая электронную,
фотокопирование, магнитную запись или какие-либо иные способы хранения и воспроизведения информации,
без предварительного письменного разрешения правообладателя.

П63

Постимпрессионизм / Составитель А. А. Крючкова. – Москва : Издательство АСТ, 2026. – 208 с : цв. ил. – (Картинная галерея.
Эксклюзивный формат).
ISBN 978-5-17-179106-3
Коллекция шедевров великих художников от постимпрессионизма до сюрреализма представляет квинтэссенцию эстетики
различных течений в изобразительном искусстве, возникших после кризиса импрессионизма: постимпрессионизм, пуантилизм,
экспрессионизм, модерн, символизм, абстракционизм, сюрреализм; в которых работали такие мастера, как: Винсент ван Гог, Гоген,
Сезанн, Матисс, Руссо, Боннар, Сёра, Синьяк, Мунк, Муха, Климт, Рерих, Кандинский, Шагал, Дали... В уникальном подарочном
издании эксклюзивного формата — более 300 шедевров мировой живописи 30 мастеров, а также увеличенные фрагменты картин
и интересные истории о полотнах и судьбах их авторов. Вы побываете на острове Таити и в джунглях Индии, насладитесь сочными
яблоками Сезанна и танцами в кабаре Мулен Руж, восхититесь афишами Сары Бернар и Жанны Авриль, заглянете на ночную террасу
кафе в Арле и полюбуетесь звёздами над Роной, познакомитесь с заклинательницей змей, последним ангелом и Матерью Мира,
оцените красоту мгновений и прикоснётесь к вечности. Совершите незабываемое путешествие во времени и пространстве, чтобы
увидеть мир глазами бессмертных творцов!
УДК 75.01
ББК 85.14
Издание для досуга
Бос уа&ыт&а арнал'ан басылым

СЕРИЯ «КАРТИННАЯ ГАЛЕРЕЯ. ЭКСКЛЮЗИВНЫЙ ФОРМАТ»

Постимпрессионизм
Составитель Александра Крючкова
Руководитель редакционной группой «АиД»
Шеф-редактор
Выпускающий редактор
Корректор
Компьютерная верстка
Технический редактор
Компьютерный дизайн обложки

Ангелина Швырёва
Александра Крючкова
Александра Пьянова
Софья Хлопикова
Валентина Гуськова
Наталья Чернышёва
Виктор Чапурин

Подписано в печать хх.хх.2026. Формат 70x100/4. Усл. печ. л. 78.
Печать офсетная. Гарнитура Circe. Бумага мелованная.
Тираж 2 000 экз.
Оригинал-макет подготовлен редакцией «АиД»
Произведено в Китае по заказу ООО «Издательство АСТ». Изготовлено в 2026 г.
Поставщик, Импортер и Уполномоченное лицо по принятию претензий от покупателей:
ООО «Издательство АСТ» 129085, Российская Федерация,
г. Москва, Звездный бульвар, д. 21, строение 1, комната 705, пом. 1, 7 этаж.
Наш сайт: www.ast.ru. E-mail: ask@ast.ru
Общероссийский классификатор продукции ОК-034-2014 (КПЕС 2008): – 58.11.1 – книги и брошюры печатные
Shenzhen Full idea Pack Co., Limited
Юридический адрес и адрес фабрики: Building A, No.199 Mingguan Road, Egongling, Pinghu, LongGang
District, Shenzhen, China, Beijing, China, PC 100176 (Строение А, Мингуан-роуд, 199, Эгонглинг,
Пинху, район Лунган, Шэньчжэнь, Китай, Пекин, Китай, ПК 100176)
«Издательство АСТ» ЖШ` тапсырысы бойынша `ытайда жасалbан: «Издательство АСТ» ЖШ`
129085, Ресей Федерациясы, Звёздный бульвары, 21-fй, 1-jpрылыс, 705-бqлме, I fй-жай, 7-jабат.
vнім qндіру jызметін жfзеге асыру мекенжайы: 123112, Ресей Федерациясы,
М{скеу, Пресненская жаb., 6-fй, 2-jpр., «Империя» іскерлік кешені, 14, 15-jабат
Бізді| электрондыj мекенжайымыз: www.ast.ru. E-mail: ask@ast.ru. Интернет-дfкен: www.book24.kz.
Импортер в Республику Казахстан ТОО «РДЦ-Алматы».
`азаjстан Республикасындаbы импорттаушы «РДЦ-Алматы» ЖШС.
Дистрибьютор и представитель по приему претензий на продукцию в республике Казахстан:
ТОО «РДЦ-Алматы» `азаjстан Республикасында дистрибьютор ж{не qнім бойынша
арыз-талаптарды jабылдаушыны| qкілі — «РДЦ-Алматы» ЖШС
Алматы j., Домбровский кqш., 3«а» fй, Б литері, 1 ке|се.
Тел.: 8(727) 2 51 59 90,91, факс: 8 (727) 251 59 92 ішкі 107;
E-mail: RDC-Almaty@eksmo.kz, www.book24.kz
Тауар белгісі: «АСТ» vнімні| жарамдылыj мерзімі шектелмеген.

ISBN 978-5-17-179106-3

© УПРАВИС, 2026
© ООО «Издательство АСТ», оформление, 2026

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ
ОТ ВАН ГОГА
ДО САЛЬВАДОРА ДАЛИ

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ
Постимпрессионизм — обобщающее наименование различных течений в изобразительном искусстве, возникших после кризиса импрессионизма
и отталкивающихся от него. Представлявшие данные течения художники не были объединены общей программой, школой или методом, некоторые
из них начинали работать в импрессионизме, но
позже стали искать новые темы и выразительные
средства, отказываясь от спонтанности и стремления запечатлеть сиюминутность. Сохраняя
реалистичность в изображении людей, предметов,
ландшафтов, они не копировали действительность,
но отражали её, выражая своё отношение к ней,
свои мысли и чувства.
Совершенствовалась техника фотографии, набирал невиданную скорость научно- технический
прогресс, европейская культура переживала очередной духовный кризис, возрос интерес к философским и символическим началам, радикально
меняя отношение к задачам искусства, его формам
и техническому арсеналу.

ПУАНТИЛИЗМ
В конце XIX века благодаря Жоржу Сёра и Полю
Синьяку возник пуантилизм — логическое продолжение импрессионизма. Жорж Сёра разработал
технику наложения точек на холст без предварительного смешивания на палитре. Расположенные
рядом друг с другом, эти точки создавали иллюзию
формы и света. Данная техника основывалась на
теории оптики и восприятия цвета, утверждающей,
что чистые цвета сливаются на определённом расстоянии, создавая новые оттенки. При взгляде на
картину с близкого расстояния зритель видел лишь
отдельные точки, которые при отдалении от картины сливались в целостное изображение.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ
Начало XX века было тревожным, социальная
и политическая напряжённость разрешились катастрофической кульминацией — Первой мировой вой ной и русской революцией. Художники
остро ощущали мировоззренческий кризис — исчерпанность нравственных норм и девальвацию
религиозных устоев, рост мистических настроений и общую усталость. Тенденции постимпрессионистов и фовистов нашли акцентированное
выражение в экспрессионизме, истоки которого
прослеживаются в северной готике и творчестве
Эль Греко. При всей новизне и радикальности
художники- экспрессионисты много почерпнули
у предшественников: им были близки гротескные видения Иеронима Босха и Франциско Гойи,
мрачная патетика барокко, мистические ожидания
и чувственный индивидуализм, свойственные романтикам.

МОДЕРН
Стремление порвать со стереотипами на рубеже
XIX–XX веков породило, возможно, последний
единый стиль в изобразительном искусстве —
модерн. Он подвергался влиянию национальных
культур и традиций и именовался по-разному:
«ар-нуво» во Франции, «сецессион» в Австрии,
«тиффани» в США, «югендстиль» в Германии, «модерн-стайл» в Англии. Распространению модерна
способствовали бурно развивающиеся технологии
типографского дела и фотографии, особенно повлиявшие на графические книжные иллюстрации

4

и рекламные плакаты. Характерные черты стиля —
плавность линий, гибкость, текучесть и округлость
двумерных форм, декоративность, большое количество орнаментов, преобладание приглушённых
тонов в палитре, изобилие символов и аллегорий
в сюжетах. Первая мировая война перечеркнула
попытки вовлечь зрителя в прекрасное, но модерн
повлиял на дальнейшее развитие искусства — его
отголоски звучат в работах символистов, неоромантиков и даже сюрреалистов.

СИМВОЛИЗМ
Зародившись во Франции в 1870–1880-х годах,
символизм оказал существенное влияние на искусство во многих странах, особенно в Германии,
Бельгии и России, достигнув кульминации развития
на рубеже XIX–XX веков. Черты символистского
мироощущения во многом присущи и художникамромантикам, но романтизм был нацелен на познание
и раскрытие внутреннего мира человека, а символистов занимали тайны абсолютного бытия и Мирового Духа, их произведения полны мистики, намёков,
иносказаний. Символизм различал два мира: мир
вещей и мир идей; условный знак, соединяющий
миры видимого и невидимого, — символ. Связь
устанавливается художником таким образом, чтобы символы были понятны зрителю. Символизм не
является ни отдельным направлением, ни тем более
стилем, поскольку не характеризуется определёнными формальными носителями, но имеет значение
существенной тенденции развития культуры.

АБСТРАКЦИОНИЗМ
С появлением фотографии правдоподобное прорисовывание объектов на полотнах потеряло
смысл: природа совершенна — и любое копирование бессмысленно. Да и искусство мастеров классической живописи достигло совершенства, что
обрекало художников на бесконечное повторение
и подражательство. Отказ от предметной формы
привёл к возникновению абстракционизма. Художники сосредоточились на создании ритмических,
цветовых и пластических композиций, предполагавших свободу ассоциаций без конкретной смысловой нагрузки, работая с линиями, плоскостями,
цветовыми пятнами и отвлечёнными конфигурациями — картины нужно не анализировать, а чувствовать. Абстрактное искусство представлялось
универсальной моделью миропорядка. Термин
«супрематизм», впервые использованный К. Малевичем для описания своих абстрактных композиций, предполагал доминирование и превосходство
цвета, комбинации разноцветных плоскостей геометрических форм: прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника. Супрематизм стал одним из
центральных явлений русского авангарда.

СЮРРЕАЛИЗМ
В 1920-е годы сформировалось экстравагантное
направление — сюрреализм (фр. surréalisme —
«сверхреализм»), предполагающее минимальное
сходство с действительностью и провозгласившее
свободу восприятия мира важнейшей ценностью
творческого человека. Главный инструмент сюрреалистов — аллюзии. Художники черпали вдохновение в глубинах подсознания, перенося
на полотно невысказанные мысли и создавая
фантастические миры, объединяющие вымысел
и реальность в некое сновидение наяву. Сюрреалистические картины подчёркнуто эпатажны,
часто обращены к магическим, фантастическим
и эротическим мотивам. Истоки сюрреализма
прослеживаются в работах таких мастеров эпохи
Возрождения, как И. Босх и Д. Арчимбольдо.

5

Ночная терраса кафе в Арле, 1888 г.
Холст, масло. 80,7 х 65,3 см.
Музей Крёллер-Мюллер,
Оттерло, Нидерланды

Картина ночного Арля отличается насыщенным контрастом между жёлтыми и синими
красками с небольшими вкраплениями красного и зелёного. Ван Гог был доволен
произведённым эффектом: «Я считаю, что обилие газового света, который, в конце
концов, бывает жёлтым и оранжевым, усиливает синий цвет».

6

ВИНСЕНТ
ВАН ГОГ
(1853–1890)

«Трудно познать самого себя. Однако написать самого
себя не легче».

Винсент ван Гог

Нидерландский живописец и график, постмодернист, автор более
2 100 картин.
Винсент ван Гог родился 30 марта 1853 года в Зюндерте в семье кальвинистского пастора. С 13 лет он брал уроки рисования, много читал и прослыл
интеллектуалом, за что получил прозвище Спиноза. Вскоре Винсент
стал продавать предметы искусства в гаагском филиале фирмы «Гупель»,
затем был направлен в её филиал в Лондоне, а позже — в Париж. Посетив
выставки в Салоне и в Лувре, Винсент начал пробовать себя в живописи
и ушёл из фирмы.
Вернувшись в Англию, он устроился на работу учителем и помощником
пастора и в ноябре 1874-го прочитал первую проповедь. Желание быть
полезным людям направило художника в Протестантскую миссионерскую
школу под Брюсселем, откуда он был выгнан из-за неряшливого внешнего
вида, вспыльчивого характера и частых приступов ярости. В 1878–1879 годах Ван Гог работал миссионером в шахтёрском районе на юге Бельгии:
посещал больных, читал Писание, обучал детей, а по ночам для заработка рисовал карты Палестины. Обратившись от имени рабочих к дирекции
шахт с ходатайством об улучшении условий их труда, он был отстранён
от должности проповедника.
Винсент вернулся домой и справлялся с депрессией при помощи живописи, поощряемый братом Тео, успешным арт-дилером. В 1885 году при
содействии Тео несколько работ Ван Гога были выставлены на продажу,
и через год он переехал к брату в Париж, где познакомился с Полем
Синьяком, Тулуз-Лотреком, Писсарро, Дега и Гогеном; изучал японскую
живопись и ксилографию. В парижский период жизни Ван Гог создал
около 230 картин, а также серии натюрмортов, автопортретов и пейзажей.
Прорабатывая самобытный стиль, который отличался яркостью и экспрессивностью, художник принимал участие в выставках, но встретил полное
непонимание публики и переехал в Арль, где создал «Мастерскую Юга» —
братство художников-единомышленников, работающих для будущих поколений. Винсент жил в Арле в полном одиночестве, много писал и пил.
Приезд в «Мастерскую» Поля Гогена обернулся творческими спорами.
Ван Гог набросился на Гогена с бритвой, но, встретив холодный взгляд,
отступил, а затем отрезал себе ухо. Художника поместили в психиатрическую больницу в Арле, а затем перевели в Сен-Поль, где Ваг Гог создал
более 150 картин и около 100 рисунков и акварелей. В конце 1889 года
художника пригласили участвовать в брюссельской выставке «Группы
двадцати». Картины Ван Гога вызвали интерес, и вскоре появилась первая
восторженная статья о его работе «Красные виноградники в Арле».
27 июля 1890 года Винсент ван Гог выстрелил в себя из револьвера,
купленного для отпугивания птиц, во время работы на пленэре. Раненый
художник сам добрался до гостиницы, но через сутки скончался и был
похоронен в Овер-сюр-Уаз. В честь Ван Гога назван кратер на Меркурии.

7

Едоки картофеля, 1885 г.
Холст, масло. 82 х 114 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Проживая в доме родителей в маленьком городке Нюэнен,
день ото дня слушая их укоры из-за безработицы, Ван Гог
загорается идеей создать 50 полотен с крестьянской тематикой. Привыкшего к жизнерадостным пейзажам Винсента
зрителя поражает угнетающая атмосфера «Едоков картофеля». Бедная семья на картине сидит за скудной трапезой
при таком же скудном освещении, даже манера их изображения кажется грубой и неотёсанной. Мрачный сюжет точно
передаёт внутренние переживания художника и сердобольность, с которой он думал о простом народе.

Пара башмаков, 1887 г.
Холст, масло. 37 х 45 см.
Частная коллекция

Пара ботинок, 1887 г.
Холст, масло. 32,7 х 41,3 см.
Художественный музей, Балтимор, США

Ботинки, 1886 г.
Холст, масло. 38,1 х 45,3 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

8

На картине «Ботинки» заметно влияние голландского
реализма — сумрачный колорит гнетущего быта крестьян
и рабочих. Эти ботинки художник приобрёл на рынке,
но посчитал их слишком чистыми и прогулялся в них во время
сильного ливня, чтобы придать ботинкам более подходящий
для изображения изношенный вид, заставляющий зрителя
задуматься о нелёгкой жизни их обладателя.

Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин», 1887 г.
Холст, масло. 55,5 х 47 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Художники, чьи авангардные картины не принимались крупными галереями, зачастую обращались к владельцам кафе
и клубов, которые предоставляли творцам возможность проводить выставки. Итальянка Агостина Сегатори, у которой
были с Ван Гогом личные отношения, — владелица кафе «Тамбурин». Она брала у него картины в качестве платы за еду.
Благодаря мягкой светлой палитре Ван Гогу удалось передать свои нежные чувства к Агостине.

9

Автопортрет в соломенной шляпе, 1887 г.
Холст, масло. 40,6 х 31,8 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

У Ван Гога не было натурщиков, поэтому чаще всего он писал автопортреты: «Я специально купил хорошее зеркало,
чтобы рисовать с себя, за неимением модели». Эта картина написана на обороте эскиза с крестьянской тематикой
и демонстрирует, насколько художник был знаком с теорией цвета и техникой неоимпрессионизма.

10

Сеятель на закате, 1888 г.
Холст, масло. 64 х 80,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

Снопы пшеницы, 1890 г.
Холст, масло. 50,8 х 101,6 см.
Музей искусств, Даллас, США

11

Жёлтый дом, 1888 г.
Холст, масло. 91,5 х 72 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

На картине «Жёлтый дом» изображено здание на площади Ламартин, где Ван Гог некоторое время снимал четыре комнаты, мечтая создать «Мастерскую Юга» — союз художников-единомышленников, которые могли бы жить и творить вместе. В одном из писем брату он пишет: «Хочу, чтобы это был настоящий
дом для художников, но чтобы никаких ценностей в нём не было, совершенно никаких ценностей — даже
наоборот, но чтобы всё от стула до картины имело бы особый характер». Картина выполнена в привычной
Ван Гогу цветовой гамме — жёлтые дома и голубое небо помогают зрителю оценить городской пейзаж
за счёт яркого контраста.

Ивы на закате, 1888 г.
Холст, масло. 31,5 х 34,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

12

Автопортрет с перевязанным
ухом, 1889 г.
Холст, масло. 60,5 х 50 см.
Галерея Курто, Лондон,
Великобритания

Спальня в Арле, 1888 г.
Холст, масло. 72,4 х 91,3 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

«Спальня в Арле» — серия картин, посвящённых комнате в Жёлтом доме. Скромное убранство спальни выполнено в столь же
скромной палитре: кровать с двумя стульями, небольшой столик, окно и картины на стене — портреты друзей Эжена Боша
и Поля-Эжена Милле, а также «Валуны и дуб» 1888 года. Изначально стены на полотне были окрашены в бледно- фиолетовый,
но кармин в составе краски со временем выцвел.

Кресло Гогена, 1888 г.
Холст, масло. 90,5 х 72,7 см.
Музей Винсента ван Гога,
Амстердам, Нидерланды

Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой, 1889 г.
Холст, масло. 51 х 45 см.
Частная коллекция

Стул Ван Гога, 1888 г.
Холст, масло. 91,8 х 73 см.
Национальная галерея,
Лондон, Великобритания

13

Два срезанных подсолнуха, 1887 г.
Холст, масло. 50 х 60 см.
Музей искусств, Берн, Швейцария

Подсолнухи, 1888 г.
Холст, масло. 73 х 58 см.
Частная коллекция

«Два срезанных подсолнуха» — одна из первых картин с изображением любимых цветов
Ван Гога. Полотно, испещрённое тонкими жёлтыми, голубыми, тёмно-коричневыми мазками,
будто не позволяет взгляду остановиться.
Чуть позже Ван Гог создал два великолепных
цикла «Подсолнухи», посвящённые его любимым цветам, которые, по мнению художника,

14

Ваза с пятью подсолнухами, 1888 г.
Холст, масло. 98 х 69 см.
Уничтожена во время Второй мировой войны.

Ваза с пятнадцатью подсолнухами, 1888 г.
Холст, масло. 92,1 х 73 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Двенадцать подсолнухов в вазе, 1888 г.
Холст, масло. 91 х 71 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия

Ваза с подсолнухами, 1889 г.
Холст, масло. 92,4 х 71,1 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

«выражают благодарность». Оба цикла представляют стадии жизни подсолнухов — от полного цветения до увядания. Одно из полотен написано исключительно в жёлтых тонах, поскольку Ван Гог желал продемонстрировать, что
изображение, выполненное в вариациях одного и того же цвета, не теряет живописности. Некоторые исследователи полагают, что художник часто писал в жёлтых тонах, поскольку злоупотреблял абсентом и / или лекарством
из наперстянки, вследствие чего его восприятие цвета изменилось. Но в начале XIX века живописцам стали доступны ярко-жёлтые масляные краски, и Ван Гог был в числе первых, кто начал их использовать в своих работах.
Первые две картины подсолнухов Ван Гог разместил в комнате Жёлтого дома «Мастерской Юга», предназначенной
для Поля Гогена. Гоген хотел забрать себе одну из картин, но Ван Гог не спешил расставаться с любимыми работами.

Подсолнухи в жёлтой вазе, 1889 г.
Холст, масло. 95 х 73 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Подсолнухи в вазе, 1889 г.
Холст, масло. 100 х 76 см.
Мемориальный музей искусств С. Того, Токио, Япония

15

Звёздная ночь над Роной, 1888 г.
Холст, масло. 92 х 72,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

«Звёздная ночь над Роной» — ночной пейзаж французского Арля, недалеко от Жёлтого дома. Тёмно-синяя цветовая гамма в сочетании с золотыми проблесками создаёт единое пространство ночного неба и реки,
рядом с которой прогуливается влюблённая пара. Ван Гог хотел передать
зрителю свой восторг от звёздного неба и даже отправил с письмом
один из эскизов картины другу Эжену Боку.

16

«Звёздная ночь», одна из самых известных картин Ван Гога, отображает душевное состояние художника
в последний год его жизни. На полотне изображён вид из окна восточной спальни Ван Гога в больнице
Сен-Реми. Ограниченное узкими рамками, небо над спокойной деревней взрывается яркими клубящимися узорами, отчего появляется ощущение безмятежности и хаоса одновременно. Астрофизик
Нил Тайсон назвал эту картину первой, в которой небо становится главным субъектом произведения.

Звёздная ночь, 1889 г.
Холст, масло. 73,7 х 92,1 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

17

Ван Гог был очарован Арлем,
и тусклые краски на его полотнах сменились яркими
и жизнерадостными. На картине «Вид Арля с ирисами»
художнику особенно нравился контраст между жёлтыми и фиолетовыми цветами
в поле: «Если поляна не будет сострижена, я бы хотел
повторить этот рисунок, ведь
место было действительно
красивым, и мне было трудно
подобрать правильную композицию».
Вид Арля с ирисами, 1888 г.
Холст, масло. 54 х 65 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Персиковое дерево в цвету, 1888 г.
Холст, масло. 80,9 х 60,2 см.
Музей Винсента ван Гога,
Амстердам, Нидерланды

Цветущая ветка миндаля в стакане,
1888 г. Холст, масло. 24 х 19 см.
Музей Винсента ван Гога,
Амстердам, Нидерланды

Ирисы, 1890 г.
Холст, масло. 73,7 х 92,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Ваза с сиренью, ромашками
и анемонами, 1887 г. Холст, масло.
46,5 х 37,5 см. Музей искусства
и истории, Женева, Швейцария

В последние недели пребывания в психиатрической
лечебнице Святого Павла
Мавзолийского близ СенРеми художник написал серию натюрмортов с ирисами,
в которых отмечается влияние японских гравюр, чрезвычайно популярных в те
времена, но именно картину
«Ирисы» 1889 года (на следующем развороте — прим.
ред.), выполненную в технике
импасто (с плотным покрытием полотна краской) сам Ван
Гог называл «громоотводом»
для своей болезни. Полотно пронизано спокойствием,
что не свойственно последующим работам художника.

Ирисы, 1890 г.
Холст, масло. 92,7 х 73,9 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

На этой картине Ван Гог убрал тени и занял большую часть полотна вазой на выразительном жёлтом фоне, блестяще контрастирующем с синим букетом. Живые
краски натюрморта свидетельствуют об экспериментах художника в области цвета.

19

20

Ирисы, 1889 г.
Холст, масло. 71 х 93 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес, США

21

Кипарисы, 1889 г.
Холст, масло. 93,4 х 74 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

22

Дорога с кипарисами
и звездой, 1890 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Музей Крёллер-Мюллер,
Оттерло, Нидерланды

Дома в Овере, 1890 г.
Холст, масло. 60,6 х 73 см.
Музей искусств Толедо, Огайо, США

Кипарисы
и две женщины, 1890 г.
Холст, масло. 43,5 х 27 см.
Музей ван Гога, Амстердам,
Нидерланды

Ван Гог любил кипарисы так же, как и сосны, считая их «прекрасными с точки зрения линий и пропорций,
как египетский обелиск», однако в беспорядочном движении мазков на его картинах присутствует тревожность,
передающая душевное состояние художника. Несколько исследователей выдвинули предположение, что «Дорога
с кипарисами и звездой» отражает предчувствие Ван Гогом своей близкой смерти: дерево между звездой и луной
символизирует порог между жизнью и смертью; дорога с путниками, идущими в одном направлении, — аллюзия
на жизненный путь, ведущий к одной точке. Интересно, что на большинстве работ художника с кипарисами
верхушки деревьев обрезаны — выходят за край холста.

Пшеничное поле с кипарисами, 1889 г.
Холст, масло. 73,2 х 93,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

23

Вспаханное поле и пахарь, 1889 г.
Холст, масло. 50,3 х 64,9 см.
Частная коллекция

Оливковые деревья под жёлтым небом, 1889 г.
Холст, масло. 73,7 х 92,7 см.
Институт искусств, Миннеаполис, США

Пребывая в лечебнице в Сен- Реми,
Ван Гог получил письмо от Эмиля Бернара, в котором тот поделился своими
впечатлениями от полотна «Христос
в оливковом саду» Эль Греко. Ван Гог ответил, что предпочтёт написать сад под
своим окном, а не воображаемые деревья Христа, которые не может ни рассмотреть, ни потрогать. Так родился цикл
картин с оливковыми деревьями, окружавшими психиатрическую лечебницу.
Деревья на полотнах Ван Гога зачастую
сливаются с землёй, холмами и облаками в единое целое, охваченное вихрем;
тени обретают незаурядные силуэты,
а непрерывные короткие мазки создают
ощущение тревожной дрёмы.

Оливковые деревья, 1889 г.
Холст, масло. 72,5 х 92 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

24

После выхода из лечебницы Ван Гог поселился в деревне Овер-Сюр-Уаз, где провёл
последние два месяца своей жизни и написал около 70 работ, включая «Церковь
в Овере», на которой изображён готический костёл XIII века, будто искривляющийся под давлением яркого голубого неба и сходящихся к нему дорожек.

Церковь в Овере, 1890 г.
Холст, масло. 94 х 74 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

25

Портрет папаши Танги, 1887 г.
Холст, масло. 92 х 75 см.
Музей Родена, Париж, Франция

Портрет Жюльена-Франсуа Танги, известного французского маршана, повлиявшего на распространение импрессионистского и постимпрессионистского искусства, объединяет в себе влияние японизма, импрессионизма и других популярных течений того времени. Японские гравюры, изображённые за спиной торговца,
подтверждают тот факт, что Ван Гог вдохновлялся японской культурой и искусством. Сам художник называл использование им ярких красок «гимнастикой», придающей картине необходимую глубину и гармонию.

26

Портрет доктора Гаше, 1890 г.
Холст, масло. 67 х 56 см.
Частная коллекция

«Портрет доктора Гаше» — одна из картин, написанная Ван Гогом незадолго до его
смерти. На ней изображён врач, который следил за здоровьем художника в последний год его жизни. Существует два варианта картины — на обоих Поль Гаше
сидит за красным столом с веточкой наперстянки, из которой он готовил лекарство для художника.

27

Пьета, 1889 г.
Холст, масло. 73 х 60,5 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

28

Пшеничное поле с воронами, 1890 г.
Холст, масло. 53 х 105 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Картина «Пшеничное поле с воронами», написанная за 19 дней до смерти художника, возможно его последняя работа,
отражает душевные страдания Ван Гога, которые проецируются на окружающую действительность в вихревом ритме
мазков и создают гнетущую атмосферу полотна. По недоказанной версии фильма «Жажда жизни» (1956), художник
ушёл из жизни, завершая работу над этой картиной.

Четыре срезанных подсолнуха, 1887 г.
Холст, масло. 60 х 100 см.
Музей Крёллер-Миллер, Оттерло, Нидерланды

29

Выразительные цвета, плоские формы, неестественная композиция и откровенная символика перекликаются с синтетизмом
ранних работ Гогена. Мягкие плавные контуры сельского пейзажа
и спокойных крестьянок резко контрастируют с прямыми линиями креста, словно отражая равнодушие мира к страданиям Христа.

30

Жёлтый Христос, 1889 г.
Холст, масло. 92,1 х 73,3 см.
Музей искусств, Буффало, США

ПОЛЬ ГОГЕН
(1848–1903)

«Искусство – это абстракция, извлекайте её из природы,
фантазируя на её основе, и думайте больше о процессе
творчества, нежели о результате».

Поль Гоген

Крупнейший представитель постимпрессионизма, французский
живописец, скульптор и график.
Поль Гоген родился 07 июня 1848 года в Париже в семье журналиста, одержимого радикальными демократическими идеями.
После поражения в революции 1848–1849 годов его отец отправился с семьёй в Перу, на родину матери Поля Гогена, но заболел
и скончался в пути. Мать Гогена происходила из богатой креольской
семьи, в которой прошли первые 7 лет жизни художника. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы,
беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти
на всю жизнь, предопределив неуёмную жажду путешествий и тягу
к тропикам.
В 1855 году семья вернулась во Францию, а 10 лет спустя, провалив экзамен в мореходное училище, Поль нанялся на судно в качестве ученика лоцмана и до 1871 года почти непрерывно находился
в плавании по всему свету: в Средиземном море, в Южной Америке,
в северных морях и в Индийском океане. После смерти матери он
прибыл в Париж, устроился на работу биржевым брокером, удачно
женился и стал отцом пятерых детей.
Благосостояние Гогена улучшалось, он начал коллекционировать
картины. Один из первых пейзажей 1873–1874 годов был выставлен
в Салоне 1876 года. Художник познакомился с импрессионистами,
подружился с Писсарро и Дега. Начав активно заниматься живописью, он забросил работу брокера; финансовое положение семьи
ухудшилось, и жена, забрав детей, оставила Гогена.
В период 1880–1890-х годов художник увлечённо работал и много путешествовал. В 1887-м он отправился на остров Мартиника
вместе с художником Лавалем, в 1888-м жил у Ван Гога в Арле, что
закончилось ссорой. Испытывая тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию болезнью, Гоген, жаждущий слиться с природой,
в 1891 году уехал на Таити, где в 1892 году написал 80 полотен.
После кратковременного возвращения во Францию (1893–95) из-за
болезни и отсутствия средств он навсегда уехал в Океанию: сначала
на Таити, потом на Маркизские острова, а именно — на остров ХиваОа. Несмотря на болезни, бедность и депрессию, он много работал,
лучшие и самые известные картины Гоген создал именно там.
В последнее время художник страдал от болезни сердца, экземы
и последствий отравления мышьяком. Положение усугублялось постоянными конфликтами с администрацией из-за попыток Гогена
отстаивать права туземцев. Его поддержка протестных выступлений
привела к судебному процессу, штрафу и 3 месяцам тюрьмы, но заключения удалось избежать.
Поль Гоген умер 08 мая 1903 года в Аутоне от сердечного приступа
и был похоронен на кладбище острова Хива-Оа. Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено
227 его работ. В честь Гогена назван кратер на Меркурии.

31

Портрет Мадлен Бернар, 1888 г.
Холст, масло. 72 х 58 см.
Музей Гренобля, Гренобль, Франция

Сад Писсарро, Понтуаз, 1881 г.
Холст, масло. 65 х 54 см.
Частная коллекция

«Сад Писсарро, Понтуаз» — одна из первых импрессионистских работ Гогена. Уже в этой картине присутствуют тёплые тона, которые будут появляться в работах его «полинезийского» периода, но сам пейзаж нарисован непривычными для творчества художника мелкими мазками.
На «Портрете Мадлен Бернар» изображена младшая сестра Эмиля Бернара, в которую Гоген был влюблён.
Картина написана в сдержанной, но насыщенной цветовой гамме с преобладающим синим цветом, которая
подчёркивает черты девушки. Образ Мадлен вовсе не похож на привычные ангельские фигурки; напротив,
она лукаво, почти вызывающе смотрит на зрителя.

32

Фигуры в саду, 1881 г.
Холст, масло. 87 х 114 см.
Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген, Дания

Рю Жувене, Руан, 1884 г.
Холст, масло. 55 х 48 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

33

Мартиника. Пейзаж, 1887 г.
Холст, масло. 115 х 88,5 см.
Национальная галерея, Эдинбург, Великобритания

На полотне «Мартиника. Пейзаж» представлено множество красок, образующих прекрасный вид на тропическое побережье. Художник долгое время мечтал оторваться от «грязной» городской жизни и был счастлив
окунуться в загадочную атмосферу островов, ещё не в полной мере соприкоснувшихся с цивилизацией.

34

Пришли и ушли. Мартиника, 1887 г.
Холст, масло. 72 х 92 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Пребывая на Мартинике с июня по октябрь 1887 года, Гоген был поражён красотой и экзотикой карибского острова. Однажды, вдохновившись языком тела местных жителей, Гоген
разместил свой мольберт на краю тропы, по которой шли носильщицы корзин с фруктами. Он зарисовал их бесконечные «приходы и уходы» — так появилась картина «Пришли и ушли. Мартиника».

Иди сюда, 1891 г.
Джут, масло. 72,4 х 91,4 см.
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк, США

35

Вернувшись в Понт-Авен, небольшую прибрежную деревушку в Бретани, после поездки на Таити, Гоген с удовольствием работал над наивными
сельскими сюжетами, но влияние Океании уже
прослеживалось в его полотнах. Изображение
местных костюмов и танцев свидетельствует об
интересе художника к жизни бретонских крестьян. Формы намеренно упрощены, а краски
насыщенны, что указывает на синтетический
подход к сюжету.

Четыре бретонки, 1886 г.
Холст, масло. 71 х 91 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия

«Бретонские крестьянки» изображены с нетипичной для европейских женщин внешностью.
Всё в оживлённом пейзаже, от крестьянок до
дома за полем, обведено чёрным контуром, также характерным для гогеновского клуазонизма.

Бретонские крестьянки, 1894 г.
Холст, масло. 66 х 92,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

В 1888 году Гоген писал о «Бретонских девочках» брату Ван Гога: «Я пишу бретонский гавот:
три маленькие девочки танцуют на сенокосе…
Картина кажется мне оригинальной, и я вполне
доволен композицией».

Бретонские девочки, 1888 г.
Холст, масло. 73 х 92,7 см.
Национальная галерея искусства,
Вашингтон, США

«Портрет мадам Рулен» написан Гогеном
в «Мастерской Юга» у Ван Гога на юге Франции. Ван Гог написал похожую картину с той же
моделью, которая была женой местного почтальона. Гоген старательно запечатлел её румяные щёки и пшенично-золотистые волосы.

Портрет мадам Рулен, 1888 г.
Холст, масло. 51 х 64 см.
Художественный музей, Сент-Луис, США

«Видение после проповеди. Иаков борется с Ангелом» стало настоящим постулатом нового стиля Гогена — синтетизма, направленного на более яркие цвета и упрощённые формы. Широкое красное поле окружают фигуры набожных
бретонских женщин в белых головных уборах, в благоговении представляющих себе напряжённую борьбу между
Иаковом и ангелом.
В письме Ван Гогу Гоген сообщил: «Я думаю, что достиг в образах людей большой простоты, выражения безыскусности
и суеверия. Для меня в этой картине и пейзаж, и борьба существуют лишь в воображении молящихся после проповеди.
Отсюда и контраст между реальными людьми и борющимися фигурами Иакова и ангела, которые нереальны и несоразмерны».
Ван Гог мыслил более позитивно: «Вера этих благочестивых женщин столь велика, что они видят чудесные события прошлого столь ярко, словно они происходят наяву».

Видение после проповеди.
Иаков борется с Ангелом, 1888 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Национальная галерея, Эдинбург, Великобритания

37

Маленький бретонец с гусем, 1889 г.
Холст, масло. 92 х 71 см.
Собрание Поля Розенберга, Париж, Франция

38

Пейзаж со свинопасом, 1888 г.
Холст, масло. 74 х 93 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США

«Пейзаж со свинопасом» демонстрирует интересное видение художника — жёлтые свиньи пасутся на чересчур ярком
для скудной бретонской местности пейзаже. Элементы синего снижают резкость и напряжённость цветов в картине.

39

Женщина с цветком, 1891 г.
Холст, масло. 70 х 46 см.
Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген, Дания

«Женщина с цветком» — первая работа, созданная Гогеном на Таити. Художник, по его собственным словам, «вложил
в этот портрет всё, что… сердце позволило увидеть глазам, а особенно то, чего одними глазами не увидишь». Однажды
соседка заглянула к Гогену в хижину, чтобы посмотреть на его картинки. Увидев на зарисовках себя, женщина убежала,
переоделась в праздничное платье и, закрепив белый цветок гардении в волосах, вернулась. На этой картине таитянка в европейском платье с белым воротничком кажется немного скованной, лицо неподвижно и задумчиво. Манера
живописи подчёркнуто декоративна, чистые краски положены на полотно крупными пятнами, условный плоский фон
лишён перспективы, но художник откровенно любуется моделью.

40

Женщины на картине «Куда ты идёшь?» наполовину
обнажены, что гораздо чаще встречается в работах
Гогена таитянского периода. На первом плане картины 1892 года молодая женщина в ярко-красном
парео бережно держит волчонка, а на одноимённой картине 1893 года – плод тропического дерева.
По одной из версий, это сосуд для воды, сделанный
из тыквы, по другой – аллюзия запретного плода
в руках у полинезийской Евы. Возможно, художник
написал юную Техуру (Техаамане), свою таитянскую
жену, которая в то время предположительно была
беременна, и плод в её руках мог символизировать материнство. Первозданная красота природы,
естественная, невинная нагота женщин и неподвижное голубое небо передают атмосферу гармонии
и покоя.

Куда ты идёшь? 1892 г.
Холст, масло. 96 х 69 см.
Государственная галерея, Штутгарт, Германия

Золото их тел, 1901 г.
Холст, масло. 67 х 76,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Автопортрет, посвящённый Винсенту ван Гогу.
«Отверженные», 1888 г. Холст, масло. 45 х 55 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Картина «Когда свадьба?» была написана Полем
Гогеном в период его пребывания на Таити и изображает двух таитянок на фоне красочного пейзажа. Диссонанс между девушкой на переднем
плане, одетой в яркое парео, и женщиной в закрытом платье символизирует борьбу свободных
нравов островитян и строгих порядков запада.
Лицо таитянки в европейском наряде находится в
оптическом центре изображения, что намекает на
доминирующую роль колониализма. Её рука сложена в позе буддийской мудры, а глаза смотрят на
зрителя как бы с насмешкой.

Когда свадьба? 1892 г.
Холст, масло. 101 х 77 см.
Музеи Катара, Доха, Катар

41

Совершенные дни, 1896 г.
Холст, масло. 94 х 130 см.
Музей изобразительных искусств, Лион, Франция

Что нового? 1892 г.
Холст, масло. 67 х 92 см.
Галерея новых мастеров, Дрезден, Германия

42

Ia Orana Maria, 1891 г.
Холст, масло. 113,7 х 87,6 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

43

Дух мёртвых не дремлет, 1892 г.
Джутовое полотно на холсте, масло. 73 х 92 см.
Музей искусств, Буффало, США

В работе «Дух мёртвых не дремлет» заметно влияние
мистических местных легенд, которыми Гоген увлекался
на островах. За обнажённой девушкой в центре картины следит привидение в чёрном одеянии, протягивающее к ней руку с недобрым намерением. Тёмно-синие
и фиолетовые тона поддерживают таинственную атмосферу, а белая постель выгодно обрамляет смуглый
силуэт, приковывающий взгляд зрителя.

Дорога на Таити, 1891 г.
Холст, масло. 115,6 х 88,6 см.
Музей искусств Толедо, Огайо, США

44

Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём?
1897–98 гг.
Холст, масло. 139,1 х 374,6 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США

Мата Муа. В прежние времена, 1892 г.
Холст, масло. 91 х 69 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» —
крупнейшее полотно художника. Страдая физически
и морально, не обнаружив оазиса в экзотических
тропиках, Гоген перед уходом с Земли хотел написать последнюю великую картину. В разбросанных
по сцене фигурах, как будто вышедших из загадочного сна, можно увидеть процесс жизни человека от
рождения до смерти.

Три хижины, 1892 г.
Холст, масло. 41,2 х 67,1 см.
Музей изобразительных искусств Пола, Хаконе, Япония

45

Новаторский подход Сезанна к изображению повседневных предметов бросил вызов
художественным традициям его времени, но искажённая перспектива и композиция
своей нестандартностью невольно притягивали к себе внимание зрителя.

46

ПОЛЬ СЕЗАНН
(1839–1906)

«Когда я принимаю у самого себя картину, то это
посерьёзнее, чем если бы её судили все жюри на свете!»
Поль Сезанн
Французский живописец, чьё искусство заложило основы перехода от традиций живописи XIX века к новым течениям XX века, включая кубизм,
автор более 800 работ маслом, не считая акварелей и других произведений.
Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в Экс-ан-Провансе внебрачным ребёнком богатого банкира и мастерицы-шляпницы. Поль хорошо учился в школе
и колледже, получал награды за успеваемость в математике, латыни и греческом, с увлечением читал классических авторов, писал стихи на французском
и латыни, цитировал Апулея, Вергилия и Лукреция, однако по рисованию Поль
ни разу не удостоился приза, в отличие от своего лучшего друга, Эмиля Золя.
По настоянию отца Сезанн поступил в университет Экса для изучения права,
но в 1860 году, бросив учёбу, перебрался в Париж, начав занятия живописью
в возрасте 23 лет.
Ранние работы Сезанна отличал мрачный колорит и стремление достичь весомости форм и живописной фактуры. В выборе тем и сюжетов проступало
влияние старых мастеров Лувра, а в их интерпретации — влияние романтизма. Позже художник примкнул к импрессионистам и участвовал в их первой
выставке в 1874 году, подружился с Камилем Писсарро. Его палитра стала более светлой, а мазки — раздельными и динамичными. Но, в отличие от друзей,
Сезанн хотел превратить импрессионизм в нечто основательное и долговечное, подобное искусству в музеях. Его интересовала не переменчивость,
а постоянство комбинаций цветов и форм в природе. Он перенёс некоторые
приёмы акварельной живописи в масляную — писал на холстах по белому
грунту. Красочный слой на них стал облегчённым и словно высвечивал изобразительное пространство изнутри. Поль Сезанн стал ограничивать работу
тремя цветами — зелёным, голубым и охристым, сквозь которые просвечивал
белый цвет самого холста, а во многих местах специально оставлял фон нетронутым, чтобы подчеркнуть экспрессию положенных рядом мазков.
По легенде, молодой и смелый арт-дилер Амбруаз Воллар решился сделать
ставку на Поля Сезанна, скупив разом 150 его картин, и вскоре сумел продать
работы втридорога, после чего стал постоянным агентом художника. К тому
времени отец Поля умер, оставив сыну наследство, чем обеспечил ему полную
свободу для творчества. Сезанн купил маленький домик на окраине родного
Экс-ан-Прованса, устроил там студию и, став «затворником», писал местных
крестьян и любимые с детства пейзажи.
По сравнению с Полем Гогеном и Винсентом ван Гогом, чьи богемные жизни
были полны приключений, страстей и безумств, Поль Сезанн может показаться
скучным и чересчур нормальным для гения человеком. Территорией его драм
и метаний была внутренняя жизнь, скрытая от посторонних глаз. Его страстью
был цвет, а целью — достижение совершенства в искусстве.
Поль Сезанн умер 22 октября 1906 года в Экс-ан-Провансе от пневмонии
и был похоронен на кладбище Сен-Пьер на юге Франции.

Натюрморт с гипсовым купидоном, ок. 1894 г.
Деревянная панель, бумага, масло. 70,6 х 57,3 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

47

Автопортрет с палитрой, ок. 1890 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Собрание Фонда Эмиля Бюрле,
Цюрих, Швейцария

Портрет отца, 1866 г.
Холст, масло. 200 х 120 см.
Национальная галерея искусства,
Вашингтон, США

Портрет Гюстава Жеффруа,
1896 г. Холст, масло. 116 х 82 см.
Музей Орсе, Париж,
Франция

На автопортрете Поль Сезанн запечатлел себя в возрасте 48 лет. Картина выполнена преимущественно в тёплых
тонах — жёлтой, оранжевой, салатовой красками, на фоне которых статно выделяется фигура художника, облачённого в тёмную одежду. Лицо Сезанна сосредоточенно, он целиком погружён в написание картины.
В марте 1894 Гюстав Жеффруа, французский писатель и искусствовед, один из первых историков импрессионизма,
написал хвалебную статью о творчестве Сезанна, и в ноябре того же года Клод Моне организовал встречу Сезанна
и Жеффруа. С апреля 1895 года Жеффруа три месяца позировал для Сезанна в кабинете своей парижской резиденции, но в итоге разочарованный результатами художник оставил работу над портретом, покинув Париж.

Игроки в карты, 1890–92 гг.
Холст, масло. 135,3 х 181,9 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США

В период с 1890 по 1896 год Сезанн написал пять картин с названием «Игроки в карты», отличающихся размерами,
количеством персонажей и колористикой. Художник по-своему осветил популярный мотив французской живописи
XVII века, представив персонажей философами с напряжённо-сосредоточенными лицами. Позировали Сезанну
крестьяне из его семейного поместья, расположенного недалеко от Экс-ан-Прованса. Во время работы над циклом
художник сделал более дюжины эскизов, часть из них сегодня воспринимаются как самостоятельные произведения.

48

Портрет мадам Сезанн в красном кресле, ок. 1877 г.
Холст, масло. 72,5 х 56 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США

Художник создал в общей сложности около 30 портретов своей будущей жены МариГортензии Фике. Поэт Райнер Мария Рильке упомянул данный портрет в одном из своих
писем: «В этом красном кресле, которое само по себе является личностью, сидит женщина,
сложившая руки на коленях, в платье с широкими вертикальными полосами <…> Кажется,
что каждое пятнышко знает друг о друге. Так много они сотрудничают; так много в них приспособления и отрицания; так много каждый по-своему заботится о равновесии и создаёт
его, поскольку вся картина в конечном счёте поддерживает реальность в равновесии».

49

Дома в Провансе близ Эстаке, ок. 1883 г.
Холст, масло. 65 х 81,3 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

Купальщицы, 1875 г.
Холст, масло. 38 х 46 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Большие купальщицы, 1905 г.
Холст, масло. 210,5 х 250,8 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

За свою карьеру Поль Сезанн написал около 200 работ, посвящённых купающимся мужчинам и женщинам.
Он использовал простые формы и цвета, чтобы создать ощущение гармонии и равновесия. Картина 1875 года
показывает переход Сезанна от тёмной палитры и плотной манеры письма к более светлым тонам и свободному стилю. Над «Большими купальщицами» 1905 года художник работал с 1898 года, и на момент его
смерти, по словам самого Сезанна, картина оставалась незавершённой. Влияние «Купальщиц» прослеживается в творчестве многих художников, в том числе Пабло Пикассо и Анри Матисса.

50

Гора Сент-Виктуар с большой сосной, 1887 г.
Холст, масло. 66,8 х 92,3 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

Гора Сент-Виктуар, 1890 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция

Поль Сезанн родился в Экс-ан-Провансе, и с юных лет его внимание привлекал неизменный элемент пейзажа,
видимый с любой точки города, — гора Сент-Виктуар. В одноимённом цикле из 87 картин, из которых 44 были написаны маслом, а остальные выполнены акварелью, художник экспериментировал с цветовыми оттенками для передачи
глубины объектов. В относительно поздних работах Сезанн почти полностью отказался от линейной перспективы.
Так, в полотне 1906 года, представляющем плоскую цветовую мозаику, кроны деревьев изображены довольно условно, единственным чётким ориентиром остаётся лишь сама гора.

Гора Сент-Виктуар, 1906 г.
Холст, масло. 57 х 97 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

51

Су-буа, 1893–94 гг.
Холст, масло. 116 х 81 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США

52

Дома в зелени, 1881 г.
Холст, масло. 206 х 165 см.
Частная коллекция

В центре картины — группа домов, частично скрытых густой листвой. Цветовая палитра характеризуется множеством
оттенков зелёного: от тёмно-изумрудного до светло-салатового. Короткие и толстые мазки кисти создают ощущение
текстуры и глубины, при этом цвета образуют сложный и динамичный сюжет, сохраняя атмосферу тишины и уединения.
В начале 1870-х годов, пытаясь избежать призыва на военную службу после начала Франко-прусской войны, Сезанн приехал
в Эстак, небольшую деревню на юге Франции, где написал четыре пейзажа. Картина «Эстак с красными крышами» представляет зрителю вид на Средиземное море. Крыши домов радостно контрастируют с лазурью моря и яркой зеленью деревьев.

Эстак с красными крышами, 1885 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция

53

«Натюрморт с яблоками и апельсинами» — пример уникального стиля Поля Сезанна. Он обожал яблоки как объект
живописи и писал их сотни раз. Яблоко было для него идеальной моделью, молчаливым и неподвижным собеседником, заключающим в себе всю тайну мироздания, да и своим живым моделям художник говорил: «Сиди как яблоко».
По композиции картина близка к классическому голландскому натюрморту, но Сезанн добивался иллюзорной достоверности фактур, не стремился передать запах и вкус фруктов. Художник не копировал природу, но внимательно
всматривался в неё и вдумчиво анализировал. Его интересовала лежащая за внешней оболочкой геометрическая
основа формы, построение объёмов сгустками чистого цвета. Пикассо назовёт Поля Сезанна своим главным и единственным учителем, который предвосхитил кубизм и картины которого можно изучать годами.
Во время постановки композиции для этого натюрморта Сезанн подкладывал под фрукты, вазы и тарелки монеты разного достоинства, пытаясь придать предметам точный наклон и ракурс. Как позже вспоминал один из его друзей, «сначала часть стола была прикрыта искусно сложенной скатертью. Затем Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их
так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за появлением дополнительных цветов: зелёного на красном
и жёлтого на синем… Было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Натюрморт с яблоками и апельсинами, 1900-e гг.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

54

Натюрморт с яблоками, 1893–94 гг.
Холст, масло. 65,4 х 81,6 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес, США

Натюрморт с кувшином и драпировкой, 1893–94 гг.
Холст, масло. 59 х 72,4 см.
Частная коллекция

Натюрморт с кувшином молока и фруктами, 1900 г.
Холст, масло. 45,8 х 54,9 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

Натюрморт с яблоками и персиками, ок. 1905 г.
Холст, масло. 81,2 х 106 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

Яблоки, 1889–90 гг.
Холст, масло. 38,5 х 46 см.
Частная коллекция

Натюрморт с кувшином и фруктами, 1893–94 гг.
Холст, масло. 43,2 х 62,8 см.
Частная коллекция

55

АНРИ РУССО
(1844–1910)

«Я всегда вижу картину, прежде чем нарисовать её…»
Анри Руссо
Выдающийся представитель примитивизма, известный культовыми
изображениями диких зверей и субтропических джунглей.
Анри Руссо родился 21 мая 1844 года в небогатой семье, в небольшом
городке Лаваль. Потеряв последние сбережения, его семья была вынуждена отправить ребёнка в школу-интернат. Там он впервые проявил интерес к рисованию. По окончании школы Анри устроился
помощником в адвокатское бюро, но его поймали за мелкой кражей
и из-за скандала заставили отправиться на военную службу, чтобы
избежать тюрьмы. Руссо с огромным удовольствием слушал истории
солдат, побывавших во французской экспедиции в Мексике, и впоследствии воплощал их в своих работах.
После смерти отца в 1868 году Анри Руссо сократили срок службы,
и он переехал с матерью в Париж, работал в конторе судебным приставом, а затем — на таможне, где прямо на рабочем месте написал
множество картин, позже известных как «таможенные пейзажи».
В 1893 году он оставил государственную службу и решил полностью посвятить себя творчеству, познакомился с поэтом Альфредом Джерри, который представил художника кругу интеллектуалов,
связанных с авангардистским журналом «Mercure de France». Руссо
получил разрешение копировать картины в Лувре, делал эскизы
в городских ботанических садах и исторических музеях.
В 1886 году художник впервые участвовал в Салоне независимых
с картиной «Карнавальный вечер». Несмотря на критику публики
за неправильную перспективу и чрезмерную детализацию пейзажа,
Камиль Писсарро пришёл в восторг от работы Руссо. Чуть позже
Пабло Пикассо, заявивший, что «Руссо — это совершенство наивного образа жизни», организовал в честь Анри банкет, на который
пригласил последователей авангарда, включая Гийома Аполлинера,
Жана Метценже, Макса Джейкоба. Пикассо освободил одну из стен
своей мастерской, где висели африканские маски, и повесил на
стену «Портрет женщины» Руссо, которого посадил во главе стола.
Сам Руссо говорил Пабло: «Ты да я — два самых важных художника
эпохи: ты — в Египетском стиле, а я — в современном».
Руссо всегда стремился к признанию, но «детская» наивность его
творчества, чрезвычайная плоскостность картин с неестественными
позами и выражениями лиц вследствие отсутствия академических
навыков письма не вызывала отклика ни у публики, ни у критиков.
Анри Руссо умер в парижской больнице 02 сентября 1910 года от гангрены. В 1947 году останки художника перезахоронили в общественном саду Перрин в его родном городе.

Карнавальный вечер, 1886 г.
Холст, масло. 117,3 х 89,5 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

57

Таможня, 1890 г.
Холст, масло. 41 х 33 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

58

Впервые представив «Автопортрет
с палитрой» в 1890 году, художник
множество раз вносил изменения
в работу в течение жизни. Так, на
палитре в руках Руссо написаны
имена двух его жён, Клеманс и Жозефины, но имя второй жены художник добавил только после свадьбы
в 1899 году. Через два года Руссо
стал преподавателем Филотехнической школы, и на лацкане пиджака
появился соответствующий значок.
Художник также добавлял к автопортрету больше седых прядей в волосах и бороде по прошествии лет.

Автопортрет с палитрой, 1890 г.
Холст, масло. 146 х 113 см.
Национальная галерея, Прага,
Чехия

Анри Руссо никогда не встречался
с французским писателем и морским офицером Пьером Лоти, но
написал его портрет, опираясь на
фотографию и впечатления от его
книг. Пьер часто путешествовал,
в том числе в экзотические страны,
поэтому на портрете рядом с ним
восседает полосатый кот, напоминающий тигра, символ всего таинственного и экзотического.

Портрет Пьера Лоти, 1906 г.
Холст, масло. 61 х 50 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария

59

Набережная Иври, 1907 г.
Холст, масло. 46,1 х 55 см.
Музей Артизон, Фонд Исибаси, Токио, Япония

В начале XX века дирижабль являлся символом освоения неба. Руссо лично наблюдал
за испытаниями дирижабля «Родина» 14 июля 1907 года и впоследствии изобразил
дирижабль на ещё двух картинах 1907 и 1908 годов.

Пейзаж и четыре девушки, 1895 г.
Холст, масло. 38,1 х 46 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США

Повозка папаши Жюнье, 1908 г.
Холст, масло. 97 х 129 см.
Музей Оранжери, Париж, Франция

Клод Жюнье занимался продажей овощей, был соседом и давним другом Анри Руссо.
Однажды художник задолжал торговцу небольшую сумму денег и предложил написать по фотографии портрет его семьи в качестве возврата долга.

60

22 сентября 1792 года было объявлено первым днём Французской республики. В центре картины «Столетие независимости» изображены крестьяне, танцующие вокруг трёх деревьев свободы и двух женских фигур с развевающимися
флагами — женские образы символизируют Первую (1792–1799) и Третью (1870–1940) Французские республики. Руссо
перенёс образ танцоров из иллюстрированного журнала, добавив знамёна, колья и аллегорические фигуры. В правом
нижнем углу представлены четыре лидера Республики, которые отличаются от крестьян строгой одеждой и сосредоточенностью на лицах. Динамичность фигур, символизм и яркая цветовая палитра воссоздают весёлую и счастливую
атмосферу исторического события.

Столетие независимости, 1892 г.
Холст, масло. 112 х 158 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес, США

61

62

Прогулка в лесу, 1890 г.
Холст, масло. 70 х 60 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария

Женщина в тропическом лесу, 1905 г.
Холст, масло. 100 х 80,6 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США

63

Картина «Нападение в джунглях»
стала первой работой Руссо из
цикла более 25 работ, посвящённых джунглям. Художник применил
собственный метод изображения
тропического ливня тонкими «нитками» серебряной краски, наносимыми на полотно по диагонали.
Изначально Руссо выставил картину под названием «Сюрприз!»,
позволяя предположить собственный исход охоты — будущая жертва
тигра находится за правым краем
картины и не видна зрителю.

Нападение в джунглях, 1891 г.
Холст, масло. 130 х 162 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Руссо вдохновляли иллюстрации
животных и растений, опубликованные в современных художнику журналах, но деревья и цветы
на картине «Трапеза льва» словно придуманы самим Руссо. Такое
впечатление создаётся за счёт цветовой палитры и диспропорции
размеров льва и окружающих его
цветов и деревьев.

Трапеза льва, 1907 г.
Холст, масло. 113,7 х 160 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

«Сон» — самая большая картина
из цикла, посвящённого джунглям,
и одна из последних работ художника. Ядвига, возлюбленная Руссо, лежит обнажённой на диване
и наблюдает за пёстрым пейзажем
с яркими бутонами лотоса, птицами, обезьянами, змеями, слоном,
львом и львицей. Левая рука Ядвиги протянута к львам и заклинателю
змей, играющему на флейте среди
деревьев на заднем фоне, — поза
женщины напоминает фреску «Сотворение Адама» Микеланджело.
«Когда я нахожусь в этих оранжереях и вижу странные растения из
экзотических стран, мне кажется,
что я погружаюсь в сон», — сказал
однажды Руссо, посещая парижский музей естественной истории
и ботанический сад.
Сон, 1910 г.
Холст, масло. 298 х 204 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

64

Заклинательница змей, 1907 г.
Холст, масло. 190 х 169 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

В центре картины «Заклинательница змей» изображена женщина
с флейтой у рта, словно сотканная из тьмы, где единственный проблеск
света — глаза заклинательницы. Образ женщины одновременно напоминает изображение древнего мистического существа и Еву в райском саду.
Картина написана под заказ для Эли Делоне, матери художника Робера
Делоне, заядлой путешественницы, чьи рассказы о поездке в Индию могли
вдохновить Руссо на написание картины с мотивами экзотических джунглей
и древних божеств. «Заклинательница змей» вдохновила Сильвию Плат на
написание одноимённого стихотворения в 1957 году, а Уилларда Эллиота —
на одноимённую композицию для альтовой флейты с оркестром 1975 года.

65

66

ЖОРЖ-ПЬЕР
СЁРА
(1859–1891)

«Я ХОЧУ СВЕСТИ ФИГУРЫ СОВРЕМЕННЫХ ЛЮДЕЙ К ИХ СУТИ,
ЗАСТАВИТЬ ИХ ДВИГАТЬСЯ ТАК ЖЕ, КАК НА ФРЕСКАХ ФИДИЯ,
И РАСПОЛОЖИТЬ НА ПОЛОТНЕ В ХРОМАТИЧЕСКОЙ ГАРМОНИИ».
ЖОРЖ СЁРА
Французский художник, представитель постимпрессионизма
и родоначальник пуантилизма, чьё творчество произвело настоящую революцию в живописи конца XIX века.
Жорж-Пьер Сёра родился 02 декабря 1859 года в состоятельной
семье в Париже и с ранних лет проявлял интерес к живописи.
В Школе изящных искусств он изобрёл свой метод, основанный
на научных принципах восприятия цвета и света, — пуантилизм
(фр. pointillisme, point — «точка»). Сложные цвета разделялись на
близко расположенные простые цвета и изображались в виде точек; таким образом цвета смешивались не на палитре или холсте,
а при взгляде зрителя с удалённого от картины расстояния.
Жорж Сёра пытался теоретизировать искусство и отвести художнику роль учёного-ремесленника, который, владея методом,
мог бы создавать шедевры, не нуждаясь в таланте. Однако формулировать теоретическую основу своего метода художник не собирался: его больше занимали творческие поиски на практике.
Помочь изложить идеи пуантилизма вызвался его соратник —
художник Поль Синьяк, а позже — критик Феликс Фенеон, который изобрёл термин «неоимпрессионизм». Камиль Писсарро
окрестил метод Сёра «научным импрессионизмом».
Под конец жизни в творчестве Жоржа Сёра появляется тема
театральных представлений и бурной ночной жизни Парижа.
Картина «Цирк», написанная в 1891 году, стала последней работой художника. Это произведение демонстрирует его увлечение
театром и цирком, отражая динамику и радость представления. На полотне изображены акробаты и зрители, погружённые
в атмосферу веселья и восторга. Сёра использует яркие цвета
и контрастные пятна, чтобы создать ощущение движения и энергии. Эта работа стала своеобразным итогом его творческого пути,
объединяя элементы реализма и символизма. В марте 1891 года,
за несколько дней до смерти художника, полотно было представлено на выставке Салона независимых живописцев.
Жорж-Пьер Сёра умер в Париже 29 марта 1891 года от инфекционного заболевания, природу которого так и не удалось установить.
Он похоронен на кладбище Пер-Лашез вместе с сыном, пережившим отца всего на две недели.

Эйфелева башня, 1889 г.
Дерево, масло. 24 х 15 см.
Музей изобразительных искусств, Сан-Франциско, США

67

Купание в Аньере, 1884 г.
Холст, масло. 201 х 300 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Картина «Купание в Аньере» написана художником в 1884 году в технике пуантилизма, которая создаёт иллюзию
остановки времени. Сёра сосредоточился на передаче света и движения людей, купающихся в реке, что вызывает у зрителя ощущение лёгкости и свободы. Композиция строго продумана, при этом мужские фигуры простых
рабочих похожи на каменные изваяния. Эта картина стала важным этапом в творчестве мастера, способного
передать эмоции и состояние природы через эксперименты с цветом и светом. Жорж Сёра работал над полотном
целый год, однако оно было отвергнуто официальным Салоном, но выставлено в Салоне независимых художников,
где не осталось без внимания.
«Купание в Аньере» и «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» считаются парными картинами, которыми Сёра
продемонстрировал контраст между отдыхом высшего общества и рабочего класса.

68

Одним из самых известных произведений художника, демонстрирующим стиль
пуантилизма, является картина «Воскресный день на острове Гранд-Жатт».
Эта работа не только свидетельствует о техническом и новаторском мастерстве автора, но и отражает дух времени — эпоху, когда буржуазия наслаждалась
праздностью и свободой. Масштабное полотно представляет отдыхающих на
берегу. Это место было популярно у парижан и называлось островом любви, поскольку там можно было познакомиться и найти любовь, в том числе и за деньги.
Сёра работал над полотном 2 года. Отойдя от импрессионизма, художник использовал маленькие точки чистого цвета, которые сливались в восприятии зрителя, создавая яркие цветовые пятна. Несмотря на то что картина в глазах многих
выглядела монументальной, тяжёлой и неподвижной, именно она принесла славу своему автору на последней, восьмой выставке импрессионистов в 1886 году.

Воскресный день на острове Гранд-Жатт, 1884–86 гг.
Холст, масло. 207,5 х 308,1 см.
Институт искусств, Чикаго, США

69

Пудрящаяся женщина, 1889–90 гг.
Холст, масло. 95,5 х 79,5 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

Канкан, эскиз, ок. 1890 г.
Холст, масло. 21,8 х 15,8 см.
Институт искусства Курто,
Лондон, Великобритания

70

Канкан, 1889–90 гг.
Холст, масло. 170 х 141 см.
Музей Крёллер-Мюллер,
Оттерло, Нидерланды

Цирк, 1890–91 гг.
Холст, масло. 185 х 152 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

71

72

ПОЛЬ СИНЬЯК
(1863–1935)

«ПУАНТИЛИСТ ВЫБИРАЕТ СПОСОБ ВЫРАЖЕНИЯ, ПРИ КОТОРОМ
ОН НАНОСИТ ЦВЕТ НА ХОЛСТ НЕБОЛЬШИМИ ТОЧКАМИ, А НЕ
РАЗМАЗЫВАЕТ ЕГО ПО ВСЕЙ ПОВЕРХНОСТИ».
ПОЛЬ СИНЬЯК

Французский художник, один из ведущих представителей
постимпрессионизма и основоположник неоимпрессионизма.
Его творчество стало знаковым в контексте художественных
поисков конца XIX — начала XX века, когда молодые творцы стремились к новым формам выражения и понимания света и цвета.
Поль Синьяк родился 11 ноября 1863 года в Париже. С раннего
возраста он проявлял интерес к искусству, а выставки импрессионистов вдохновляли его на поиски собственного стиля.
Впечатлённый работами Жоржа Сёра и Клода Моне, Поль начал
экспериментировать с цветом и светом.
Личное знакомство с Жоржем Сёра в 1886 году оказало значительное влияние на творческий путь художника. Поль Синьяк
стал не только писать в технике пуантилизма, изобретённой
Сёра, но и популяризировать метод своего товарища и учителя.
В исследовании «От Эжена Делакруа к неоимпрессионизму»
(1899) Синьяк описывает и защищает принципы пуантилизма,
раскрывает историю зарождения метода и подчёркивает важность научного подхода к живописи — через теорию колористики и цветовосприятия. Он считал, что цвет можно использовать
для передачи эмоций и настроений, а не только для изображения
реальности.
Поль Синьяк стал отходить от рассудочного и монументального
пуантилизма после смерти Жоржа Сёра — не только писал
мазками вместо точек, но и разрабатывал свой уникальный,
более эмоциональный и чувственный метод, основанный на том
же сочетании контрастных цветов, чуть позже признавшись:
«Я всё больше и больше ненавижу мелкую точку и сухость».
Портретные работы Поля Синьяка не отличаются такой искренностью и непосредственностью восприятия, как его пейзажи,
но среди них выделяется «Портрет Феликса Фенеона» на эмалевом
фоне, ритмизованном размерами и углами, тонами и красками.
Персонаж изображён на фоне орнаментальных контрастных
узоров, которые закручивают взгляд зрителя в визуальную
воронку. Сама фигура будто застыла во времени и напоминает
изваяние.
Поль Синьяк умер в Париже 15 августа 1935 года от сепсиса,
вызванного продолжительной болезнью, и был похоронен
на кладбище Пер-Лашез.

Портрет Феликса Фенеона (фрагмент), 1890 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,5 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

73

Женщина, закалывающая волосы, 1892 г.
Холст, энкаустика. 70 х 59 см.
Частная коллекция

Во времена гармонии, 1893–95 гг.
Холст, масло. 312 х 410 см.
Городская мэрия, Монтрёй, Франция

74

Портрет Феликса Фенеона, 1890 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,5 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Женщина с зонтиком, 1893 г.
Холст, масло. 81 х 65 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Женщины у колодца, 1892 г.
Холст, масло. 194,5 х 130 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

75

Порт в Сен-Тропе, 1901–02 гг.
Холст, масло. 131 х 161,5 см.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония

Папский дворец в Авиньоне, 1909 г.
Холст, масло. 73,3 х 92 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

76

Колокольня Сен-Тропе, 1896 г.
Холст, масло. 70,3 х 67,7 см.
Музей фонда Бемберга, Тулуза, Франция

77

Марсель. Нотр-Дам, 1906 г.
Холст, масло. 88,9 х 116,2 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

На картине «Гранд-канал в Венеции» Поль Синьяк изобразил вид
на величественную архитектуру
зданий Доган-да-Мар и Марияделла-Салюте. Цветовое решение
строится на контрастных сочетаниях розовых, жёлтых, синих и фиолетовых оттенков, а манера, в которой
написана картина, создаёт ощущение мозаики, смягчающейся по
мере удаления от полотна. В отличие от картины Эдуарда Мане
«Большой канал в Венеции», полотно Поля Синьяка композиционно
охватывает более широкий вид на
Гранд-канал, предоставляя зрителю
возможность оценить его красоту
издалека.

Гранд-канал в Венеции, 1905 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,1 см.
Музей искусств Толедо, Огайо, США

Венеция. Розовое облако, 1909 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Галерея Альбертина, Вена, Австрия

78

Вход в порт Ла Рошель, 1921 г.
Холст, масло. 130,5 х 162 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Золотой рог. Минареты, 1907 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Частная коллекция

Константинополь. Золотой Рог, 1907 г.
Холст, масло. 46,5 х 55 см.
Частная коллекция

79

80

МАКСИМИЛЬЕН
ЛЮС
(1858–1941)

«ЛЮС – ЧЕСТНЫЙ ХУДОЖНИК С ГРУБЫМ ТАЛАНТОМ».
ФЕЛИКС ФЕНЕОН
Французский художник-неоимпрессионист, живописец, график
и иллюстратор, чьё творчество стало важной вехой в развитии
постимпрессионизма и символизма. Активный деятель анархистского движения. Участник всех выставок Салона независимых
художников, а после смерти Поля Синьяка — глава Салона.
Максимильен Люс родился 13 марта 1858 года в Париже в семье,
не имевшей отношения к искусству, но с раннего возраста проявлял талант к рисованию. Он начал свой творческий путь в живописи
с изучения ремесла офортиста и гравёра, занимался иллюстрацией,
позже увлёкся методом разделения цвета Жоржа Сёра. Его ранние
работы отражали влияние импрессионизма, но вскоре Люс стал развивать собственный стиль, сочетая элементы символизма и декоративности.
Максимильен Люс представлял свои работы на всех выставках Салона
независимых, чем привлекал внимание критиков и коллекционеров.
Его картины отличались яркими цветами и сложными композициями,
спектр тем был широк — от пейзажей до портретов и жанровых
сцен. Как и все «независимые», он не всегда находил понимание
среди современников — его работы воспринимались как слишком
авангардные.
В 1900-х годах Люс начал экспериментировать с абстракцией, предвосхитив многие направления XX века. Его работы становились всё
более свободными в композиции и экспрессивными в использовании цвета. Он искал новые способы передачи эмоций через форму
и цвет и стал одним из предшественников абстрактного искусства.
В 1920-х годах Максимильен Люс занялся преподаванием живописи
в художественных школах, передавая знания подрастающему поколению творцов, но не прекращал совершенствовать своё мастерство,
работая над самым широким спектром тем и сюжетов.
Свободолюбие Люса не в меньшей мере проявило себя и за пределами художественных студий и выставок. С 1893 года он оставался верен своей музе и любовнице Амбруазине Симоне Буэн, подарившей
ему двух сыновей, и не переставал называть её «мадам Люс», хотя
поженились они только в 1940 году. Всего через несколько месяцев
Амбруазина умерла. Убитый горем художник скончался 07 февраля
1941 года и был похоронен на местном кладбище в Рольбуазе вместе
с супругой.

Установщики свай (фрагмент), 1902 г.
Холст, масло. 154 х 196 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

81

Сена в Эрбле, 1890 г.
Холст, масло. 50,3 х 79,3 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Монмартр, вид с улицы Корто на Сен-Дени, 1900 г.
Холст, масло. 40,6 х 50,2 см.
Частная коллекция

82

Нотр-Дам.
Вид со стороны улицы Сен-Мишель, 1900–01 гг.
Холст, масло. 86,5 x 80,5 см.
Частная коллекция

Картина «Вид Лондона» написана в технике пуантилизма, однако движение воздуха, облаков, проплывающих
по небу, колышущиеся тени и отражение моста вызывают у зрителя иллюзию импрессионизма. Чернеющий
силуэт Кэннон-Стрит на фоне живописного неба и водная гладь создают мощный цветовой контраст.

Вид Лондона (Кэннон-стрит), 1893 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция

83

84

ШАРЛЬ ТЕОФИЛ
АНГРАН
(1854–1926)

«ХУДОЖНИК ИСПОЛЬЗУЕТ ТОЧЕЧНЫЙ РИСУНОК В ГРАФИКЕ,
ДОСТИГАЯ ФИЛИГРАННОГО МОДЕЛИРОВАНИЯ ОБЪЁМА, СВЕТА
И ТЕНИ ОДНИМ ТОЛЬКО ЧЁРНЫМ ЦВЕТОМ».
ШАРЛЬ АНГРАН

Французский художник, яркий представитель постимпрессионизма и важная фигура в движении неоимпрессионизма;
один из основателей Салона независимых художников.
Шарль Теофил Ангран родился 19 апреля 1854 года в семье
деревенского школьного учителя в Нормандии. Он начал
свой творческий путь в Руанской школе изящных искусств,
где его работы заметил сам Камиль Коро. Ангран продолжил обучение живописи в Париже и познакомился с такими
художниками, как Жорж Сёра и Поль Синьяк, что оказало
значительное влияние на его творчество.
С начала 1880-х годов Шарль Ангран активно участвовал в художественной жизни Парижа, присоединился
к группе неоимпрессионистов, работавших в технике
пуантилизма, чтобы совершенствовать навыки передачи
игры света и цвета.
Художник часто писал повседневные сцены, пейзажи
и портреты, наполненные светом и жизнью, на пленэре
в окрестностях Парижа вместе со своим товарищем —
Жоржем Сёра.
Ангран мастерски использовал точечный рисунок в графике,
достигая филигранного моделирования объёма, света
и тени одним только чёрным цветом. На его картинах палитра
зачастую сводится к нескольким приглушённым оттенкам.
Несмотря на успех и признание в художественных кругах,
Ангран столкнулся с трудностями в карьере. Его полотна
не всегда находили понимание у широкой публики, и он
часто испытывал финансовые трудности, но продолжал
творить до последних дней своей жизни.
В 1896 году Ангран отдалился от парижской суеты и переехал в Нормандию, чтобы ухаживать за престарелой матерью после смерти отца. Со временем его образ жизни стал
более сдержанным и замкнутым, и в итоге художник пришёл
к добровольному затворничеству, сохранив лишь привычку
к переписке с давними и преданными друзьями.
Под конец жизни Шарль Ангран перебрался в Руан, где
когда-то начиналась его карьера живописца. Он умер
01 апреля 1926 года в возрасте 71 года и был похоронен
на местном кладбище.
Пара на улице, 1887 г.
Холст, масло. 38 х 33 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

85

Жнецы, 1892 г.
Холст, масло. 79 х 123,5 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США

86

87

88

АНРИ ЭДМОН
КРОСС
(1856–1910)

«МОИ ОЩУЩЕНИЯ, КАК РЕЗУЛЬТАТ СВОЙСТВ МОЕГО ХУДОЖЕСТВЕННОГО ТЕМПЕРАМЕНТА, НУЖДАЮТСЯ В ГРАММАТИКЕ,
РИТОРИКЕ И ЛОГИКЕ».

АНРИ КРОСС

Французский художник, чьё творчество стало важной вехой
в развитии постимпрессионизма. Настоящее имя — Анри Эдмон
Делакруа. Художник вынужден был взять псевдоним, чтобы зрители не связывали его творчество с искусством именитого предшественника.
Анри Эдмон Кросс родился в Дуэ, на севере Франции, 20 мая
1856 года. Он получил юридическое образование, а затем изучал
живопись у Ф. Бонвена, долго придерживался академической манеры письма и отправлял свои работы в официальный Салон.
Однако знакомство с Жоржем Сёра, Полем Синьяком и принципами пуантилизма пошатнуло традиционную манеру его живописи. Вдохновлённый их работами, Анри стал использовать
раздельные точки и мазки чистого цвета, чтобы создавать яркие
и насыщенные композиции. В 1884 году Анри Кросс, Жорж Сёра
и Поль Синьяк организовали Салон независимых художников.
Кросс часто обращался к пейзажам и женским портретам.
Он создавал яркие и живые картины, полные света и движения.
Его произведения отличались гармонией и глубиной, что привлекало внимание зрителей.
Анри Кросс считается неоимпрессионистом второго поколения.
Он исследовал метод пуантилизма и преобразил его в собственной неповторимой манере.
Ещё в начале 1880-х годов Кросс стал испытывать проблемы со
здоровьем, прогрессировавшие в течение последующих 20 лет;
он терял зрение, а его суставы постепенно подчинялись развившемуся артриту.
В 1909 году у художника, практически прекратившего писать
и страдающего от непрекращающихся болей, диагностировали
рак. После нескольких месяцев, проведённых в больнице, Анри
Эдмон Кросс вернулся домой, где и скончался 16 мая 1910 года.
Он был похоронен на кладбище Ле-Лаванду в присутствии любящей жены, Ирмы Клэр, и верных друзей, многие из которых заняли свои заслуженные места в истории европейской живописи.

Вечерний воздух (фрагмент), 1893 г.
Холст, масло. 164 х 116 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

89

Купальщицы, 1895 г.
Холст, масло. 73 х 53,6 см.
Частная коллекция

90

Одно из самых известных полотен Кросса, «Купальщицы», является примером мастерски переданного
колорита южной природы. Полотно создаёт ощущение мозаичности и древней фрески. Цветовые точки
настолько яркие и контрастные, что эффекта оптической иллюзии в сознании зрителя не возникает — он воспринимает картину мозаикой. На поверхности воды, написанной сочетанием пятен жёлтого и синего цветов,
играют солнечные блики. Фигуры купальщиц, вглядывающихся вдаль, замерли, подобно каменным изваяниям.

91

92

ТЕО ВАН
РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ
(1862–1926)

«ТЕО ВАН РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ ПЫТАЛСЯ СОЧЕТАТЬ НА ОДНОМ
ПОЛОТНЕ ТОЧКИ РАЗНЫХ РАЗМЕРОВ».
ДЖОН РЕВАЛД

Бельгийский художник-пуантилист, чьё творчество стало важной вехой в развитии современного искусства,
сооснователь авангардной «Группы двадцати».
Тео, младший брат архитектора Октава ван Рейссельберге,
родился 23 ноября 1862 года в Генте. Он обучался живописи в Брюссельской Академии художеств. В 1881 году
принял участие в брюссельском Салоне. В его ранних работах прослеживается влияние Эдуарда Мане
и Эдгара Дега.
В 1883 году Тео становится одним из основателей авангардной «Группы двадцати», а также участвует в развитии
художественных связей между Францией и Бельгией:
организовывает выставки пуантилистов в Бельгии
и представляет свои работы в парижском Салоне независимых художников.
Знакомство с Жоржем Сёра и Полем Синьяком оставило
неизгладимый след в творческом мировоззрении бельгийского художника. Тео увлёкся идеями пуантилизма
и более 20 лет писал в этом стиле. Лишь после смерти
Сёра он постепенно отошёл от пуантилизма.
Тео ван Рейссельберге привнёс в метод пуантилизма
собственное видение: он использовал сочетание точек
разного размера в одной картине. Фон и крупные объекты художник писал большими мазками, а детали и лица —
мелкими точками. Даже при работе с классическими
композициями и академическими портретами он использовал технику раздельных мазков чистых оттенков.
Художник умер в Сен-Клере 13 декабря 1926 года и был
похоронен на кладбище Ле-Лаванду рядом со своим
другом и коллегой — Анри Эдмоном Кроссом. Полотна
Тео ван Рейссельберге хранятся в крупнейших музеях
Бельгии и за её пределами, а его вклад в современное
искусство продолжает вызывать интерес у исследователей и ценителей живописи.

Элизабет ван Рейссельберге, 1897–98 гг.
Холст, масло. 40 х 31,5 см.
Частная коллекция

93

Прибрежная сцена, 1892 г.
Холст, масло. 51 х 61 см.
Национальная галерея,
Лондон, Великобритания

Главный персонаж картины «Прибрежная сцена» — свет. Он рассеивается
с неба и отражается в водной глади, его отражения и отблески просматриваются даже на далёком берегу. Спокойные цветовые сочетания создают ощущение лёгкого движения ветра и воздуха, пронизывающего места,
свободные от цветовых пятен.

Портовый вход в Волендам, 1896 г.
Холст, масло. 137,9 х 93,9 см.
Национальный музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

94

Время для загара, 1897 г.
Холст, масло. 329 х 228 см.
Новый музей, Веймар,
Германия

На картине «Время для загара» художник изобразил купание девушек на закате. Несмотря на то что работа выполнена в технике пуантилизма, изображение природы и женских фигур лишено монументальности и окаменелости,
присущей этой манере письма. Позы девушек живые и непринуждённые, благодаря чему у зрителя создаётся ощущение своего присутствия рядом с ними.

В июле, перед полуднем (Сад), 1890 г.
Холст, масло. 115,5 х 163,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

95

ПЬЕР БОННАР
(1867–1947)

«Главной темой является поверхность, которая имеет
свой цвет, свои законы сверх тех объектов».

Пьер Боннар

Французский живописец и график, величайший колорист XX века, преимущественно известный за особую декоративность и смелые комбинации цветов в своих картинах, участник группы «Наби».
Пьер Боннар родился 03 октября 1867 года в состоятельной семье чиновника в Париже. Не желая перечить отцу, который был категорически против его увлечения живописью, Пьер поступил на юридический факультет.
С 1891 года он начал выставлять свои картины в Салоне независимых
художников, а нарисованная им афиша удостоилась похвалы Анри де ТулузЛотрека, что смягчило отца, и Пьер оставил юриспруденцию, полностью
сосредоточившись на живописи.
В 1905 году Пьер Боннар отправился в путешествие по Испании, а затем
побывал в Англии, Италии, Голландии, Тунисе и других странах. Виды Средиземноморья произвели на Боннара сильное впечатление, и постепенно
афиши, эскизы мебели и иллюстрации книг уступили место пейзажам, а работы стали отличаться всё большим разнообразием красок.
Многие называли Боннара последним представителем импрессионизма,
но сам художник критиковал импрессионистов за излишнее подражание
действительности и недоработанность композиции, делал наброски на улице, а в мастерской дописывал картины, придавая им своё видение цвета.
Пьер нашёл единомышленников во французской художественной группе
«Наби», которая отрицала традиции изобразительного искусства и исповедовала свободу экспрессивности, считая главной целью художника не имитацию увиденного, а «визуализацию грёз».
Личная жизнь Боннара сложилась удачно: более 30 лет он прожил с Мари
Бурсэн, которая стала моделью для ряда его работ, включая «Женщину,
дремлющую на кровати» и картины в жанре ню. Друзьям и коллегам Мари
казалась сварливой и причудливой, слишком замкнутой, но художник был
без ума от её красоты и таинственности. Боннар часто отдыхал вместе
с женой на Лазурном берегу в Ле-Канне, где впоследствии приобрёл дом.
Художник любил изображать на полотнах своих питомцев, кошку и таксу,
а также других животных — они присутствуют на трети из 2 300 его работ.
В 1946 году Боннар устроил ретроспективную выставку своих картин, о внушительной стоимости которых он говорил: «Все эти нули меня раздражают».
Пьер Боннар умер 23 января 1947 года в возрасте 79 лет в Ле-Канне. В отличие от многих творческих людей своего века, он прожил по-настоящему
счастливую жизнь. Перед смертью художник написал: «Надеюсь, мои работы смогут пережить испытания временем. Я хочу предстать перед ценителями прекрасного следующего тысячелетия на крыльях бабочек».

Портрет мадмуазель Андре Боннар с её собаками, 1890 г.
Холст, масло. 188 х 80 см.
Частная коллекция

97

Женщина в платье в белый горошек, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

98

Женщина с кошкой, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Серия картин «Женщины
в саду» состояла из четырёх панелей, которые
изначально задумывались
художником как украшение для ширмы, но были
представлены Боннаром
в Салоне независимых
как отдельные произведения. «Женщина в клетчатом платье» в своём
исполнении отсылает зрителя к японскому искусству — художник изобразил
«плоских» персонажей
на плоском фоне, при отсутствии светотени и пространственной глубины.

Женщина в клетчатом платье, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Женщина в перелине, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

99

Осенний букет, 1912 г.
Холст, масло. 53 х 50 см.
Частная коллекция

Автопортрет, 1889 г.
Холст, масло. 21 х 15 см.
Частная коллекция

Синий кувшин, 1920 г.
Холст, масло. 46 х 40 см.
Частная коллекци

Натюрморт с клубникой, 1910 г.
Холст, масло. 63 х 51 см.
Частная коллекция

100

Анемоны, 1917 г.
Дерево, масло. 41 х 32 см.
Частная коллекция

Обед с кошками, 1906 г.
Холст, масло. 60 х 73 см.
Частная коллекция

101

Молодая женщина в шляпе, 1905 г.
Дерево, холст, масло. 48 х 41 см.
Частная коллекция

102

Сидящая женщина, 1907 г.
Холст, бумага, масло. 47 х 63 см.
Частная коллекция

Кофе, 1907 г.
Холст, масло. 40,6 х 43,5 см.
Частная коллекция

103

104

Музы в исполнении Дени одеты в платья современной эпохи и расположились
на стоящих на коврах стульях в тени каштановых деревьев, но оставляют после себя
сказочный и таинственный флёр.

МОРИС ДЕНИ
(1870–1943)

«Картина, прежде чем стать боевым конём, обнажённой
женщиной или какой-то историей, по своей сути, плоская поверхность, покрытая цветами в определённом
порядке».
Морис Дени

Французский художник-символист, иллюстратор, историк и теоретик
искусства. Гениальный художник-символист, один из главных теоретиков французской художественной группы «Наби», стремившийся к возрождению духовного искусства.
Морис Дени родился 25 ноября 1870 года в портовом городе Гранвиль,
куда во время Франко-прусской войны был командирован его отец, железнодорожный служащий. После войны родители перебрались ближе
к Парижу, в Сен-Жермен-ан-Ле. Дени был единственным ребёнком в семье, с ранних лет увлекался рисованием и религией; в подростковые
годы передавал в своём дневнике впечатления от атмосферы местной
католической церкви, его воодушевлял огонь свечей и запах благовоний. В 15 лет он писал: «Да, я должен стать христианским художником,
я должен воспевать все чудеса христианства, я чувствую, что это то, что
мне нужно».
Творческий путь Дени начался в престижном лицее Корденсе, где он
учился с Эдуаром Вюйаром и Кер-Ксавье Русселем, много времени
посвящал изучению работ великих мастеров, часто посещал Лувр, особенно ценил картины Фра Анджелико, Рафаэля и Боттичелли. В 1888 году
Дени поступил в Академию Жюлиана, где среди его одноклассников
были Поль Серюзье и Пьер Боннар, с которыми он разделял позитивистские представления об искусстве. Вместе с другими художниками они
образовали группу «Наби», которая дала толчок к развитию модерна.
Как и его товарищи, Морис Дени создавал картины, отличающиеся лёгкостью и мягкостью форм, тонкими линиями и композициями, похожими на аппликации. Морис также писал статьи для авангардного журнала
«La Revue Blanche», где утверждал, что новое искусство должно быть
дерзким, провокационным, а не слепо копировать материальную реальность. Эти идеи оказали большое влияние на его современниковтворцов и на протяжении десятилетий цитировались представителями
других модернистских направлений.
В июне 1893 года художник женился на Марте Мерье и увековечил её
во множестве своих произведений. После поездки в Италию в 1907 году
в творчестве художника стали прослеживаться неоклассические мотивы. В том же году он прибыл в Москву, чтобы выполнить ряд панно
в особняке знаменитого русского предпринимателя Ивана Морозова —
«Историю Психеи», а 2 года спустя вернулся, чтобы оценить свои работы в интерьере и сделать несколько дополнительных. Дени работал
также над росписью купола театра на Елисейских Полях, создал множество витражей, гобеленов и фресок, украшающих нынешние церкви,
соборы, часовни и государственные здания.
Морис Дени скончался 13 ноября 1943 года, попав под колёса грузовика.
Музы, 1893 г.
Холст, масло. 171 х 137,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

105

Католическое таинство, 1889 г.
Холст, масло. 97 х 143 см.
Музей Мориса Дени, Сен-Жермен-ан-Ле, Франция

Морис Дени часто писал картины на христианские сюжеты, за
что в группе «Наби» получил прозвище «Мастер красивых икон».
«Католическое таинство», под
которым художник подразумевал евхаристию (причастие),
отличается преимущественной монохромностью цветовой палитры.

106

Вопреки традиционной композиции сюжета «Святые жёны у гроба», Дени расположил Агнца Божьего
в глубине картины, стоящим перед Марией Магдалиной. На первом плане слева запечатлены два ангела,
поднявшие руки и подтверждающие жестом рассказ о Воскресении Христа, справа — благочестивые жёны
и девочка-причётница в белых одеждах, которые внимают словам ангелов. Дени придал сюжету современное
звучание и символизм, отражавшие его собственные представления и эмоции.

Святые жёны у гроба, 1894 г.
Холст, масло. 74 х 100 см.
Музей Мориса Дени, Сен-Жермен-ан-Ле, Франция

107

Шествие, 1919 г.
Картон, масло. 50,5 х 75,4 см.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония

Снятие с креста, 1901 г.
Холст, масло. 114 х 131 см.
Частная коллекция

108

Семья художника, 1923 г.
Картон, масло. 100 х 125 см.
Частная коллекция

Вечернее шествие, 1926 г.
Холст, масло. 65 х 92 см.
Частная коллекция

109

110

ЖАН ЭДУАР
ВЮЙАР
(1868–1940)

«Я не пишу портреты, я пишу людей в их домах».
Жан Эдуар Вюйар
Французский живописец и график, представитель символизма и модерна,
прославленный за детальное изображение интерьеров и оригинальный
жанр портретов, автор около 3 000 картин, участник группы «Наби».
Жан Эдуар Вюйар родился 11 ноября 1868 года в небольшом городе Кюизо, недалеко от швейцарской границы. Когда Эдуару было 9 лет, его семья
переехала в Париж. После смерти отца мадам Вюйар открыла в доме швейную мастерскую. Юный Эдуар рос в окружении пёстрых тканей, роскошных
клиенток и красочного убранства, что глубоко повлияло на его творческое
восприятие.
Вюйар получил стипендию в одной из самых престижных парижских школ,
лицее Кондорсе, где встретил будущих участников группы «Наби», и решил
не следовать военной карьере отца и стать живописцем. В художественном
училище Эдуар подружился с Пьером Боннаром.
Ранние работы Вюйара напоминают по стилю картины голландских живописцев XVII века, некоторые из них несли в себе отголоски импрессионизма, помимо этого, так же как и многих представителей постимпрессионизма,
художника вдохновляли японские гравюры. На всех портретах Вюйара его
родные, друзья и покровители изображены в окружении тщательно прорисованного интерьера, большое внимание уделяется обоям, коврам и мебели,
поскольку, по мнению самого живописца, комната всегда является продолжением личности.
После распада «Наби» в 1900 году Вюйар стал писать картины в более живописном и ярком стиле, интерьеры и пейзажи обрели глубину. Он привнёс
в работы технику, сосредоточенную на декоративности и реализме, формат
картин увеличился до размеров панно, и вскоре ими начали украшать театры, дворцы и дома богатых людей.
Вюйар часто контактировал с интеллектуальным обществом, включая писателей и театральных режиссёров, стал другом и постоянным гостем издателя
авангардного журнала, в жену которого был безнадёжно влюблён.
Принимая события близко к сердцу, помимо своей невозможной любви, он
сильно переживал смерть Поля Серюзье и начало войны.
Эдуар Вюйар умер от сердечного приступа 21 июня 1940 года в коммуне ЛаБоль-Эскублак.

Сад в Вокрессо, 1920 г.
Холст, темпера. 151,1 х 110,8 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

111

Городские сады, 1894 г.
Холст, масло. 213 х 308 см.
Музей Орсе, Пари, Франция

Цикл работ «Городские сады» был
заказан соучредителем литературного и художественного журнала
«La Revue Blanche» Александром
Натансоном для его особняка в Париже. Каждая панель триптиха имеет
свой сюжет: няня, пристально наблюдающая за играющими детьми,
беседующие в тени дамы и облачённая в чёрное женщина — вероятно,
вдова, — сидящая под красным зонтом. Фрагменты триптиха связаны
цветовой гармонией пейзажа. Декоративный аспект панелей отсылает
зрителя к японским гравюрам и ширмам, которыми вдохновлялся Вюйар.
«Женщина в полосатом платье» —
одна из пяти декораций, созданных
Вюйаром для семьи Натансонов.
Две женщины на картине нарушают
молчаливое бытие окружающих их
предметов. Цветовое пространство
создают узоры платьев, рисунок
фона, орнаментальная декоративность вазы и цветов. Эта работа полна символизма, скрытого смысла
и недосказанности.

Женщина в полосатом платье,
1895 г.
Холст, масло. 65,7 х 58,7 см.
Национальная галерея искусств,
Вашингтон, США

112

В парке Шато-де-Клей, 1938 г.
Холст, бумага, темпера. 155 х 135 см.
Частная коллекция

113

Игра в карты, 1928 г.
Картон, бумага, темпера. 48,6 х 60,9 см.
Галерея искусств, Абердин, Великобритания

Визит, 1931 г.
Холст, масло, темпера. 99,6 х 136 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

114

Портрет Джейн Ренквардт, 1927 г.
Холст, масло. 130,3 х 98 см.
Частная коллекция

Портрет Терезы Дорни, 1933 г.
Холст, бумага, темпера. 140 х 93 см.
Частная коллекция

Портрет графини Ланской, 1935 г.
Холст, масло. 87,7 х 80,5 см.
Частная коллекция

115

116

ПОЛЬ СЕРЮЗЬЕ
(1864–1927)

«Главное устремление его духа заключалось в достижении равновесия между частным и общим, между собственной душой и миром».

Шарль Шассе

Французский художник и постимпрессионист, один из основателей группы
«Наби», который унаследовал от Поля Гогена идеи о переходе от традиций
классической живописи на новое искусство, изображающее самые сокровенные мысли и чувства человека.
Поль Серюзье родился 09 ноября 1864 года в Париже, в семье среднего
достатка. Отец не желал обеспечивать ему художественное образование
и устроил его в писчебумажный магазин на улице Жубер, но позже по настоятельным просьбам матери и семейного врача Полю разрешили поступить
в Академию Жюлиана. В 1888 году Серюзье представил в Парижском салоне
картину «Мастерская бретонского ткача» и получил положительные отзывы
критиков.
Серюзье считал, что живописи требуются кардинальные перемены. Летом,
в Понт-Авене, куда приезжали многие французские и иностранные живописцы, внимание Поля привлекла небольшая группа художников, которых
тянуло к эстетическим принципам Эмиля Бернара и Поля Гогена. Гоген преподал Серюзье урок рисования, предложив написать пейзаж, отказавшись от
подражательной живописи, используя чистые яркие цвета и придавая картинам собственное видение. Так родилось самое знаменитое полотно Поля
Серюзье, «Талисман», написанное на деревянной крышке коробки из-под
сигар и кардинально изменившее его жизнь и течение искусства второй половины XIX века.
Вскоре вместе со своими сокурсниками, среди которых были Пьер Боннар,
Эдуар Вюйар, Морис Дени и Феликс Валлотон, Поль Серюзье основал группу
«Наби», вдохновлённую учениями уехавшего в Океанию Гогена и азиатской
эзотерикой. Участники группы следовали идеалу упрощения и синтетического символизма. «Синтез, — заявлял Серюзье, — означает сведение всего
многообразия форм к малому числу форм, которые мы способны помыслить:
к прямым линиям, нескольким углам, дугам окружности и эллипса; выходя за
эти пределы, мы теряемся в океане разнообразия».
По мере совершенствования навыков художник выработал свой стиль, отличный от Гогена. Он всё чаще вкладывал в свои картины мифологические
или библейские образы, обогащал интеллектуальное содержание своих
работ, хотя и не переставал писать природные ландшафты, работал над театральными декорациями и сотрудничал с небольшими журналами. Теоретическая деятельность Серюзье имела в его жизни равное живописи значение
и пользовалась популярностью в интеллектуальных кругах. Он активно участвовал в литературных сообществах символистов, интересовался неоплатонизмом и восточными учениями.
С 1907 года Поль регулярно преподавал в Академии Рансона и начал работу
над одним из самых выдающихся своих трудов — книгой «Азбука живописи», оказавшей большое влияние на многих художников XX века.
Поль Серюзье скончался 07 октября 1927 года в бретонском городе Морле.
Талисман, 1888 г.
Дерево, масло. 27 х 21,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

117

Две бретонки под цветущей яблоней, 1892 г.
Холст, масло. 73,5 х 60,5 см.
Музей Тиссена-Борнемиссы, Мадрид, Испания

Ливень, 1893 г.
Холст, масло. 73,5 х 60 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Борьба бретонцев, 1893 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Бретонская девушка вяжет, 1920 г.
Холст, масло. 81,2 х 57,2 см.
Частная коллекция

118

Урожай гречихи, 1899 г.
Холст, масло. 129,5 х 78,5 см.
Институт искусств, Чикаго, США

119

120

Дочери Пелихтима, 1908 г.
Холст, масло. 162 х 100 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

121

122

ЭДВАРД МУНК
(1863–1944)

«Не стул нужно писать, а то, что чувствуешь, глядя
на него».
Эдвард Мунк

Норвежский живописец, представитель экспрессионизма,
живописец и график.
Эдвард Мунк родился 12 декабря 1863 года в Лётене, в бедной
семье военного врача. В 5 лет он потерял мать, которая скончалась от туберкулёза. Из-за проповедей глубоко верующего
отца Эдвард плохо спал по ночам, преследуемый видениями
ада, а воспоминания о смерти сестры Софи легли в основу первых работ художника. Обучаясь на дому из-за слабого здоровья, он увлёкся живописью, писал этюды и посещал «Общество
поклонников искусства» и Национальную галерею.
В 1879 году Мунк поступил в технический колледж, где был
успешен в физике, химии и математике, но через год бросил
учёбу, чтобы стать художником. В 1881-м он поступил в Королевскую школу рисования и в 20 лет представил свой «Этюд
головы» на выставке в Осло. В 1884 году художник получил
стипендию, которая позволила посетить Парижский салон, —
Мунк восхищался импрессионистами и копировал картины
Гюстава Кайботта.
С рождения болезненный и впечатлительный, страдающий
от одиночества и мании преследования, художник пережил
несколько нервных срывов, годы отчаянных страхов и необъяснимой тревоги.
С 1913 года начался период широкого признания Эдварда
Мунка: его пригласили расписать актовый зал университета
в Осло, ратушу и театр, создать декорации к пьесам Ибсена,
представить его картины в Париже, Вене, Праге, Мюнхене,
Дрездене, Копенгагене, в Англии и даже в Америке; но с картинами художник расставался с трудом: удачные продавал
с болью, неудачные — с отчаянием. Однако покупка виллы
позволила Мунку заняться сельским хозяйством, а его работы
стали более спокойными.
В 1930 году художник практически перестал писать из-за
кровоизлияния, нарушившего зрение, но рисовал эскизы
с искажёнными формами.
Эдвард Мунк умер 23 января 1944 года от паралича сердца
в своём особняке недалеко от Осло.

Четыре возраста жизни, 1902 г.
Холст, масло. 130,4 х 100,4 см.
Музей KODE, Берген, Норвегия

123

В наше время в День Святого Валентина в галерее Бельведер, где хранится оригинал картины,
влюблённые пары могут получить специальные входные билеты, включающие бокал шампанского
и возможность поцеловаться на фоне «Поцелуя», также разыгрывается свадебный пакет
с государственной регистрацией брака в Бельведере и венчанием в часовне.

146

ГУСТАВ КЛИМТ

(1862–1918)

«Кто хочет узнать обо мне как о художнике, должен
внимательно изучать мои картины и пытаться узнать
из них, кто я такой и что я хотел».

Густав Климт

Австрийский художник, мастер архитектурного интерьера, один из основателей «Венского сецессиона», один из основоположников европейского модерна, автор более 250 полотен.
Густав Климт родился 14 июля 1862 года в Баумгартене в бедной крестьянской семье. В возрасте 8 лет он стал заниматься гравюрой и ювелирным
делом, в 14 лет поступил в Венское художественно-ремесленное училище на преподавателя рисования. Особую роль в его становлении сыграл
директор учреждения Рудольф фон Эйтельбергер: он познакомил ученика с новейшими зарубежными направлениями в искусстве. Получив академическое образование в Вене, Густав долго писал в соответствии с его
канонами.
В 1879 году Густав Климт, его брат и Франц Мач основали своё художественное товарищество, а через 4 года открыли собственную мастерскую
в Вене, где работали с заказами для столицы. За оформление венского театра и музея Климт получил императорскую награду, но вскоре возглавил
бунт молодых художников, основав объединение «Венский сецессион».
Любимой темой Климта была обнажённая женская натура, но откровенная сексуальность и чувственность женщин на его полотнах далеки
от пошлости и вульгарности. В конце 1890-х в творчестве мастера
начинается «золотой» период. Произведения, написанные с использованием сусального золота и украшенные затейливыми орнаментальными
узорами, стали его самыми знаменитыми и дорогими работами.
«Поцелуй» — кульминация двухмерности и орнамента в лучших традициях византийской мозаики и иконописи. На фоне из медной потали, на
краю усыпанного цветами луга у самого обрыва влюблённые сливаются
в поцелуе, укрывшись золотыми одеждами с рельефными орнаментами,
которые подчеркивают разграничение мужского и женского. Одеяние
мужчины расчерчено чёткими квадратами и прямоугольниками, а в орнаменте, украсившем платье возлюбленной, преобладают более мягкие
круги и спирали. Художник использовал золото, серебро, платину, свинец,
медь, а после выставки дорабатывал картину ещё год: переделал лужайку
и орнамент, удлинил голени стоящей на коленях женщины.
Густав Климт прожил счастливую жизнь. Он с детства занимался любимым делом, был популярен, никогда не нуждался в деньгах, что позволяло
ему быть разборчивым в выборе заказов. Художника окружали восторженные поклонники, любимые женщины и боготворившие его молодые
коллеги. В последние годы Климт переключился на пейзажи, он писал их
на квадратных холстах, считая, что данная форма позволяет бесконечно
расширять пространство во всех направлениях.
Густав Климт умер 06 февраля 1918 года в Вене после перенесённого инсульта и воспаления лёгких и был похоронен на Хитцингском кладбище.
Поцелуй, 1908 г.
Фигуры — холст, масло, золото, серебро, платина.
Фон — латунь, масло, хлопья листового металла. 180 х 180 см.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

147

Музыка, 1895 г.
Холст, масло. 27,5 х 35,5 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия

Появление практически каждого из признанных шедевров Климта, включая «Юдифь
и Олоферна», сопровождалось скандалом. Библейскую
историю о молодой вдове,
которая соблазнила и обезглавила ассирийского полководца Олоферна, привычно
толковали как торжество добродетельной храбрости над
злом и пороками. Но картина
Климта настолько пропитана откровенной чувственностью, что никак не вяжется
с образом добродетельной
вдовы, рискнувшей принести
в жертву своё целомудрие,
чтобы спасти родной город
от вражеской армии. Экстатическое выражение лица,
напряжённые пальцы, страстно сжимающие отрубленную
голову Олоферна, и бесстыдно обнажённое тело даже
отдалённо не напоминали
классические трактовки сюжета, данные в произведениях Джорджоне, Боттичелли
и Караваджо.

Юдифь и Олоферн, 1901 г.
Холст, масло, золото.
84 х 42 см.
Галерея Бельведер,
Вена, Австрия

148

Голая правда
(Обнажённая истина), 1899 г.
Холст, масло. 252 х 56,2 см.
Театральный музей,
Вена, Австрия

«Портрет Адели БлохБауэр I» («Золотая Адель») —
самый известный из портретов
Климта. На картине изображена 26-летняя жена сахарозаводчика, сидящая в кресле.
За 4 года работы над картиной
художник сделал более 100
набросков. На платье Адели
выделяется египетский глаз
Гора / Всевидящее Око. Климт
отказался от перспективы
в пользу разнообразных орнаментов — треугольников,
квадратов, кругов, спиралей,
благодаря которым удаётся
различить отдельные элементы картины. Полотно было
продано наследницей художника в США за $ 135 млн
в 2006 году.

Портрет
Адели Блох-Бауэр I,
1907 г.
Холст, масло, золото,
серебро. 140 х 140 см.
Новая галерея,
Нью-Йорк, США

Ожидание, 1911 г.
Аппликация, рисунок, калька, гуашь,
пастель, графит, золото, платина,
серебро, бронза. 200 х 102 см.
Музей прикладного искусства, Вена, Австрия

Упоение, 1911 г.
Аппликация, рисунок, калька, гуашь,
пастель, графит, золото, платина,
серебро, бронза. 200 х 102 см.
Музей прикладного искусства, Вена, Австрия

Портрет
Эмилии Флёге, 1902 г.
Холст, масло. 178 х 80 см.
Венский музей,
Вена, Австрия

149

Бетховенский
фриз,
1901–02 гг.
Казеиновая
краска,
штукатурка,
позолота,
стенная
роспись.
Дом сецессиона,
Вена, Австрия

150

151

Золотые рыбки, 1901–02 гг.
Холст, масло. 181 х 66,5 см.
Художественный музей,
Золотурн, Швейцария

Водяные змеи I, 1904–07 гг.
Пергамент, карандаш, акварель,
сусальное золото. 200 х 50 см.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

Блуждающие огоньки (фрагмент), 1903 г.
Досчатый деревянный холст, масло. 52,1 х 59,7 см.
Частная коллекция

Серебряные рыбки (Нимфы), 1903 г.
Холст, масло. 82 х 52 см.
Частная коллекция

Водяные змеи II, 1904–07 гг.
Холст, масло. 80 х 145 см.
Частная коллекция

153

Медицина, 1897–98 гг.
Холст, масло. 430 х 300 см.
Уничтожена в мае 1945 г.

154

Три возраста женщины, 1905 г.
Холст, масло. 180 х 180 см.
Национальная галерея современного
искусства, Рим, Италия

Смерть и жизнь, 1908–16 гг.
Холст, масло. 178 х 198 см.
Музей Леопольда, Вена, Австрия

Адам и Ева, 1917–18 гг.
Холст, масло. 173 х 60 см.
Галерея Бельведер,
Вена, Австрия

Надежда II, 1907–08 гг.
Холст, масло, золото, платина. 110,5 х 110,5 см.
Музей современного искусства,
Нью-Йорк, США

156

ГЮСТАВ МОРО
(1826–1898)

«Я никогда не искал снов в реальности или реальности
во снах. Я дал свободу воображению».

Гюстав Моро

Французский художник, гравёр, скульптор, представитель символизма.
Гюстав Моро родился 06 апреля 1826 года в Париже, в семье архитектора Луи Моро и Полины Демутье, дочери мэра города Дуэ.
Мальчик рисовал с 6 лет, и его отец поощрял занятия сына, прививая
ему классическую культуру. В 1842 году Моро получил удостоверение копииста картин, что позволило ему посещать Лувр и работать
в залах. В 1846 году Гюстав поступил в Школу изящных искусств
к Франсуа Пико, мастеру салонно-академического направления.
Обучение было крайне консервативным и сводилось к копированию гипсовых слепков с античных статуй, рисованию мужской обнажённой натуры, изучению анатомии, перспективы. Потерпев фиаско
в конкурсе на Римскую премию, Моро ушёл из мастерской и позже
стал учеником Т. Шассерио. Считая живопись импрессионистов
поверхностной, лишённой морали и ведущей к духовной гибели,
но преклоняясь перед Эженом Делакруа, Гюстав всё больше верил
в то, что он сам является последним хранителем традиций, и редко
отзывался о своих современниках положительно.
В особняке на берегу Сены, приобретённом для него отцом в 1852 году,
Моро устроил мастерскую — в то время он начал получать престижные заказы и был вхож в высшее общество. В 1856 году, на смерть
Шассерио, Гюстав написал картину «Юноша и смерть», в дальнейшем
влияние его учителя прослеживалось в полотнах «Женихи Пенелопы» и «Дочери Феспия», над которыми мастер работал практически
не выходя из мастерской.
После смерти матери в 1884 году Моро несколько месяцев не подходил к мольберту, но уже в 1888-м художника пригласили в Академию
изящных искусств, а через 3 года он стал профессором в Школе изящных искусств в Париже, где среди его учеников были Матисс и Редон.
В технике живописи Гюстав Моро добивался особого мерцающего
эффекта, сочетая лессировки с пастозными мазками, работая кистью
и мастихином. Сюжеты его картин преимущественно мифологические. В трактовке образов героев отразились идеалы эпохи и индивидуальное мировоззрение художника.
В последние годы жизни художник не выставлял свои картины, не
разрешал их фотографировать и не соглашался продавать.
Гюстав Моро умер 18 апреля 1898 года от рака желудка и был похоронен в склепе своих родителей на кладбище Монмартр в Париже.
Он завещал государству около 1 200 картин и акварелей и более
10 000 рисунков и оставил инструкции, согласно которым его смерть
не должна быть объявлена в прессе; похороны должны быть скромными; все цветы необходимо возложить на могилу его возлюбленной
Александрины Дюрё.
Гесиод и Муза, 1891 г.
Дерево, масло. 59 х 34,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

157

Напряжённая и осторожная борьба взглядов захватывает внимание зрителей на картине «Эдип и Сфинкс».
Грациозное тело крылатой львицы с головой прекрасной девушки на груди героя придаёт полотну большую
чувственность, контрастную по отношению к условно
написанному фону, похожему на театральную декорацию в виде живописных скал и серого неба.

Эдип и Сфинкс, 1864 г.
Холст, масло. 206,4 х 104,8 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

«Прометей», изображённый прикованным к скале,
несмотря на угрожающую близость орлиного клюва,
выглядит не сломленным, а, напротив, победителем:
в его позе чувствуется сила и решимость, рельефная
мускулатура напряжённого тела тщательно прописана,
во взгляде читается непокорность и вызов.

Прометей, 1868 г.
Холст, масло. 205 х 122 см.
Национальный музей Гюстава Моро, Париж, Франция

158

Юпитер и Семела, 1895 г.
Холст, масло. 212 х 118 см.
Национальный музей
Гюстава Моро,
Париж, Франция

Апофеоз роскоши — «Юпитера и Семелу» — Моро писал
более пяти лет и завершил её за год до смерти. Чудесное явление верховного божества земной возлюбленной обернулось
закономерной трагедией — смертью Семелы, так как никто из
смертных не сможет вынести и постигнуть величие бога Юпитера, и его жена, Юнона, восторжествует: соперница мертва.

159

«Закрытые глаза» написаны в очень сдержанной, спокойной цветовой гамме.
Веки женщины, по плечи погружённой в воду, закрыты.
Взгляд обращён внутрь, к собственному сознанию.

160

ОДИЛОН РЕДОН
(1840–1916)

«Мне пришла мысль о создании новых существ
по своей воле… Меня называли визионером, даже
спиритом. Но для меня это реальность. Это у меня
в глазах. Я приоткрыл дверь, ведущую к тайне».
Одилон Редон
Французский постимпрессионист, литограф, один из родоначальников символизма, автор более 450 картин.
Одилон (Бертран) Редон родился 20 апреля 1840 года в Бордо в многодетной
семье. До 11 лет он жил в винодельческом поместье на попечении кормилицы: родители прятали сына, страдавшего эпилепсией с 4 лет. Болезнь отступила
после паломничества Одилона в базилику Нотр-Дам де Верделе и приношения
«Чёрной Деве». Мальчик вернулся в семью, поступил в школу в Бордо, учился играть на скрипке и фортепиано, с 1855 года изучал акварельную живопись
у местного художника С. Горена. Через 2 года Редон провалил вступительные
экзамены в Школу изящных искусств, но в 1858-м успешно продемонстрировал
две картины на ежегодной выставке Общества любителей искусств и в 1864 году
стал учеником Жана Леона Жерома и Анри Фантен-Латура в парижской Школе
изящных искусств, вдохновляясь живописью Моро, Милле и Коро.
В период 1867–1915 годов Редон вёл дневник, в котором излагал свои мысли о творчестве. Интересно, что в 1868-м, когда комиссия парижского Салона приняла картину «Роланд у Ронсеваля», художник испугался критики и забрал свою работу.
В 1870 году неожиданно для многих он ушёл добровольцем на Франко-прусскую
войну, где проявил себя храбрым и стойким солдатом. В 1874-м, после смерти отца,
Одилон переехал в Париж, решив полностью посвятить себя искусству.
В 1879 году был выпущен альбом литографий Редона под названием «В мире
снов». Художник считал ложной целью в живописи изображать видимое:
творец вправе черпать сюжеты и образы из собственного воображения.
Из двух периодов творчества мастера, «чёрного» и «цветного», наиболее
известен первый. Навеянные кошмарными видениями и страхами, рисунки
углём и литографии были представлены в 1881 году на «Ви модерн», где
посетителям особенно запомнились чёрный ворон (вестник смерти) и гигантский
паук с человеческим лицом. Впоследствии Редон выпустил несколько циклов
работ с причудливыми образами и существами, проиллюстрировав в том числе
Эдгара По, «Цветы зла» Бодлера и «Апокалипсис».
В 1880 году Редон женился на Камилле Фальт. Супруги были счастливы, но им
пришлось пережить смерть своего первенца. В 1886-м художник принял участие в последней выставке импрессионистов и всё чаще обращался к масляной
живописи и пастели, при этом, как и прежде, рассказывая миру историю своей
внутренней жизни. Постоянно всматриваясь в себя, он иногда находил в душе
и радость, тогда в его картинах звучали красочные ноты. В 1899 году на выставке
молодых художников под названием «В честь Редона» были представлены рисунки Одилона пастелью, но они не пользовались популярностью. В 1913 году
несколько работ Редона участвовали в выставке в Нью-Йорке. «Я доволен
своей жизнью, — написал мастер, — и спокойно иду навстречу судьбе».
Одилон Редон скончался в Париже 06 июля 1916 года.
Закрытые глаза, 1890 г.
Холст, наклеенный на картон; масло. 44 х 36 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

161

В мрачных фантазиях «чёрного периода», выполненных на бумаге мелом и углём, неизменно
присутствует одна деталь — глаз.
Картина «Дух-Хранитель вод» изображает
занимающую больше половины поверхности
листа голову бестелесного духа, с интересом
наблюдающего за крохотным парусником, окружённым чайками.

Дух-Хранитель вод, 1878 г.
Бумага, мел, уголь. 46,6 х 37,6 см.
Институт искусств, Чикаго, США

Улыбающийся паук, 1881 г.
Бумага, мел, уголь. 49,5 х 39 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

«Глаз-Воздушный шар» — одновременно композиционный и смысловой центр. Обращённый
чёрным зрачком в небо, он парит над землёй
и несёт маленькую корзину, привязанную, как
стропами, ресницами нижнего века.
Даже «Улыбающийся паук» хитро и угрожающе
посматривает на зрителя одним полуприкрытым
глазом.

Глаз-Воздушный шар, 1878 г.
Бумага, мел, уголь.
42,2 х 33,3 см.
Музей современного искусства,
Нью-Йорк, США

162

Циклоп, 1914 г.
Деревянная панель, картон, масло. 65,8 х 52,7 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

Неожиданным буйством красок и мягким юмором удивляет поздний
шедевр Редона «Циклоп». На фоне светлого неба выделяется огромная голова циклопа Полифема, выглядывающего из-за горы, и его единственный глаз. Трогательный и наивный, но одновременно ревнивый
и опасный взор влюблённого чудовища направлен вниз и влево. Проследив за этим взглядом, зритель находит прекрасную нимфу Галатею,
томно возлежащую на покрытых цветами прибрежных скалах.

163

Мадонна, 1894 г.
Холст, масло. 90 х 68,5 см.
Национальный музей, Осло, Норвегия

124

Вампир, 1895 г.
Холст, масло. 91 х 109 см.
Музей Мунка, Осло, Норвегия

«Вампир» («Любовь и боль») изображает рыжеволосую
женщину, обнимающую мужчину, который уткнулся лицом
в её грудь. Губами женщина приникла к его щеке, то ли утешая
возлюбленного, то ли питаясь его силами, подобно вампиру.
Исследователи видят в этой работе отражение комплекса
Мадонны и блудницы и страха, который испытывал художник перед женщинами.
Художественный мир Мунка — враждебный, навеянный
трагическими детскими воспоминаниями и взрослыми
страхами — оказался созвучен ощущениям и мировоззрению
целого поколения молодых художников десятки лет спустя.
Именно у него впервые любовь становится пугающей,
жадной, вампирской, а пейзажи вызывают необъяснимое
ощущение постоянной угрозы.

125

Крик, 1893 г.
Картон, масляная пастель, темпера. 91 х 73,5 см.
Национальная галерея, Осло, Норвегия

«Крик», самая известная картина Мунка, стала культовым образом в XX веке, который неоднократно переосмыслялся и пародировался, эксплуатировался в рекламе, комиксах и мультсериалах. Изломанная фигура кричащего человека на фоне кроваво-красного неба и обобщённого пейзажа упрощена до примитивности — критики сравнивали
её со скелетом и эмбрионом. Волнообразные линии пейзажа повторяют закруглённые контуры головы и широко
раскрытого рта; создаётся ощущение, будто крик разносится повсюду: либо негативная эмоция человека захлёстывает весь окружающий мир, приобретая вселенский размах, либо человек агонизирует по поводу раздающегося
отовсюду, как выразился сам автор, «крика природы». Согласно биографу Мунка, образ навеян психиатрической
клиникой в Экеберге, где лечилась его младшая сестра. Здание располагалось недалеко от скотобойни, и крики
забиваемых животных, смешиваясь с воплями душевнобольных, становились невыносимыми.

126

Отчаяние, 1892 г.
Холст, масло. 92 х 67 см.
Галерея Тильска, Стокгольм, Швеция

Тревога, 1894 г.
Холст, масло. 93,5 х 73 см.
Музей Мунка, Осло, Норвегия

127

Удлинённые лица и непрорисованные глаза без зрачков — особенность письма
Модильяни, но Жанна Эбютерн — исключение, она оглядывается на художника,
и в её взгляде читается нежность, тревога и огромная внутренняя сила.

128

АМЕДЕО
МОДИЛЬЯНИ
(1884–1920)

«Когда я познаю твою душу, я нарисую твои глаза…»
Амедео Модильяни

Итальянский художник и скульптор, представитель экспрессионизма, автор
около 500 картин.
Амедео Модильяни родился 12 июля 1884 года в Ливорно и был четвёртым
ребёнком в семье. В 1898 году мальчик заболел брюшным тифом, в лихорадочном бреду он увидел шедевры итальянских мастеров и осознал, что хочет
стать художником. После выздоровления Амедео бросил школу и брал уроки рисования и живописи в ливорнской Академии искусств.
В 1903 году Модильяни поступил в Институт изящных искусств в Венеции,
где познакомился с картинами известных импрессионистов, изучал античное искусство и творчество мастеров Возрождения. В 1906 году в Париже
Амедео познакомился с Морисом Утрилло и Пабло Пикассо и влился в шумную жизнь Монмартра. По словам его друга Людвига Майндлера, «наш Моди,
как его называют, был последним истинным представителем богемы».
Испытывая вечную нужду, Модильяни часто менял жильё, иногда оставляя свои картины вместо квартирной платы. В 1907 году Амедео поселился в особняке, который для молодых художников снимал врач Поль
Александр, ставший первым покупателем его рисунков и картин. В 1909-м
Модильяни увлечённо занимался скульптурой, но в итоге вернулся к живописи. В 1914-м из-за плохого здоровья Модильяни не взяли на военную
службу, поэтому во время Первой мировой войны он проводил время
с художниками, оставшимися в Париже.
По заказу польского поэта Леопольда Зборовского в период 1916–1917 годов Модильяни написал около 30 полотен в жанре ню, и в декабре 1917 года
в галерее Берты Вейль была открыта выставка его работ. Галерея располагалась напротив полицейского участка, и стражи закона, возмущённые видом
выставленных картин, заставили закрыть экспозицию всего через несколько
часов после её открытия.
В апреле 1917 года 32-летний Амедео Модильяни встретил 19-летнюю студентку Жанну Эбютерн, которая стала основной моделью художника: он
изобразил её на своих полотнах более 25 раз, но никогда — обнажённой.
В 1918 году вместе с супругами Зборовскими они уехали на юг Франции
из-за угрозы вторжения немецких войск. Модильяни много работал, и его
картины, выставленные в Лондоне благодаря Зборовскому, получили восхищённые отклики. В мае 1919 года художник вернулся в Париж и принял
участие в Осеннем салоне. Узнав о беременности Жанны, пара решила обручиться, но свадьба так и не состоялась из-за болезни Амедео.
Амедео Модильяни умер 24 января 1920 года от туберкулёзного менингита
в одной из парижских клиник и был похоронен в скромной могиле без памятника на кладбище Пер-Лашез.

Портрет Жанны Эбютерн, 1918 г.
Холст, масло. 91,4 х 73 см.
Частная коллекция

129

Женщина, лежащая на кровати (Анна Ахматова), 1911 г.
Бумага, карандаш. 26,3 х 42,7 см.
Частная коллекция

Весной 1910 года в кафе «Ротонда», где обычно собирались представители литературной и художественной богемы, художник познакомился с Анной Ахматовой и Николаем Гумилёвым, приехавшими в Париж в свадебное путешествие.
Модильяни был заинтригован тонкой фигурой, точёными чертами лица и печальными глазами Ахматовой. Между художником и Гумилёвым почти сразу после
знакомства произошла ссора. По словам Ахматовой, её с Модильяни связывала
исключительно дружба: они прогуливались по улочкам Парижа, сидели в парке
на скамейке под большим чёрным зонтом и декламировали стихи.
По мнению исследователей, из 16 портретов Анны Ахматовой большинство
были утеряны, до нас дошло лишь несколько, включая знаменитый карандашный набросок — по свидетельству поэтессы, сделанный художником по памяти после его возвращения домой с прогулки. «Женщину, лежащую на кровати»
Модильяни набросал несколькими линиями, за исключением узора на платье
и тщательно выписанной головы.

130

Обнажённая, сидящая на диване, 1917 г.
Холст, масло. 100 х 60 см.
Частная коллекция

131

132

«Портрет Валли» и «Автопортрет с физалисом» —
парный портрет Шиле и его любимой Валли.

ЭГОН ШИЛЕ
(1890–1918)

«Искусство не может быть современным. Искусство изначально вечно».

Эгон Шиле

Австрийский художник и график, ярчайший представитель экспрессионизма, автор около 300 картин и более 1 000 рисунков.
Эгон Шиле родился 12 июня 1890 года в Тульн-на-Дунае. Он потерял отца
в 15 лет и воспитывался в семье у дяди. В возрасте 16 лет юноша поступил
в Венскую школу искусств и ремёсел, а после перешёл в Академию изобразительного искусства. В 1908 году прошла первая выставка работ Шиле.
Художник начинал творческий путь под наставничеством Густава Климта.
В 19 лет он принял участие в Венской художественной выставке, его работы
соседствовали с картинами самого Климта, Мунка, Ван Гога и других знаменитых художников.
В 1911 году с подругой и моделью Валли Нойциль он уединился от венской
богемной жизни в провинциальном городке Нойленгбах, где через год был
арестован по обвинению в аморальном поведении. Вина Шиле не была доказана, но при обыске полиция обнаружила у него несколько десятков откровенных рисунков, за которые художника подвергли кратковременному
тюремному заключению.
В последующие пять лет Эгон Шиле успешно участвовал во многих выставках в разных европейских городах. В 1917 году он вернулся в Вену и после
смерти Густава Климта стал претендовать на роль крупнейшего художника
Австрии.
В историю искусства Эгон Шиле вошёл как дерзкий новатор. Основным
и почти единственным объектом его творчества было человеческое тело.
Шиле занимала сексуальность, и в её передаче он был предельно честен
и прямолинеен. Тела мужчин и женщин на его картинах неестественно худые,
в изломанных позах, с болезненно-бледной кожей, а лица — с напряжённой, нервной мимикой. Художник отвергал общепринятый канон красоты,
саму эстетическую категорию, и говорил: «Я пишу свет, который льётся изо
всех тел».
Эгон Шиле создал множество автопортретов. Пристально вглядываясь
в себя, он беспощадно исследовал тему распада человеческой личности.
В его картинах — тревога и страх. Согласно его современникам, художник
всегда писал портреты непрерывными линиями, не отрывая карандаша от
бумаги и взгляда от модели; пренебрегал светом и тенью, только контуром
передавая движение и жест; ни фона, ни орнамента — ничего, что отвлекало
бы от главного: человека и его истории.
Эгон Шиле умер во время эпидемии «испанки», в возрасте 28 лет, через три
дня после смерти своей беременной жены Эдит, 31 октября 1918 года в Вене.
О жизни художника написан роман «Высокомерие» Джоанны Скотт.

Портрет Валли, 1912 г.
Дерево, масло. 32,7 х 39,8 см.
Музей Леопольда, Вена, Австрия
Автопортрет с физалисом, 1912 г.
Дерево, масло. 32,2 х 39,8 см.
Музей Леопольда, Вена, Австрия

133

Картина «Объятия» («Любовники») написана художником в возрасте 27 лет незадолго до смерти. По словам искусствоведа Анны Сидельниковой, «в изображении сексуальной страсти и желания… он никогда не бывает шаловливым

134

Объятия (Любовники), 1917 г.
Холст, масло. 100 х 170,2 см.
Верхний Бельведер, Вена, Австрия

и хихикающим. Его сладострастие отчаянно и мучительно, священно и спасительно… любовники спасаются друг в друге; в страстном, нервном объятии находят недолгое ощущение счастья».

135

136

АНРИ ДЕ ТУЛУЗЛОТРЕК
(1864–1901)

«Я рисую вещи как они есть. Я не комментирую. Я делаю
запись».

Анри де Тулуз-Лотрек

Французский живописец, литограф, автор более 1 000 картин, 5 000 рисунков и 300 гравюр и плакатов, прославившийся работами, посвящёнными звёздам кабаре, артистам цирка и насыщенным краскам ночной
жизни.
Анри де Тулуз-Лотрек родился 24 ноября 1864 года в графской семье.
Предположительно из-за наследственной болезни у него были крайне
хрупкие кости — после перелома обоих бёдер в 13 лет его ноги перестали расти, он навсегда остался калекой и большую часть детства провёл
в доме, наблюдая за соседскими детьми, которые резвились на улице.
Талант будущего художника впервые заметила его мать. Уже в подростковые годы он начал интересоваться искусством и активно занимался
рисунком карандашом. В 1882 году Анри поступил в мастерскую к художнику Леону Бонна, а после её закрытия перебрался в мастерскую
Фернана Кормона, где учился живописи вместе с Эмилем Бернаром.
В 1884-м художник переехал в студию, где по соседству работал Эдгар
Дега, который оказал на него огромное влияние.
Осенью 1885 года Тулуз-Лотрек начал жить на Монмартре, стал завсегдатаем театров и кабаре Мулен Руж и Мулен де ла Галетт, с головой
погрузился в развлечения. В окружении художника часто бывали актёры, танцовщицы, обитатели кафе и кабаре, которые, как и он, пытались
отвлечься от угнетающей повседневности. В 1892 году Анри получил
заказ на создание картин для салона на улице д’Амбруаз и написал
16 уличных женщин — портретов, лишённых всяческого вуайеризма
и непристойности.
Фривольный образ жизни сильно отразился на его работах, где пышная
театральность переплетается с игривостью и сатирическими аллюзиями. Быстрые длинные мазки в сочетании с интенсивными и лёгкими
пастельными оттенками в живописи Тулуз-Лотрека создают ощущение
непрерывного движения, вибрации воздуха. Афишные плакаты его авторства, на которых присутствуют вдохновлённые японскими гравюрами модернистские элементы, пользовались особой популярностью,
а по ночам парижане нередко снимали их со стен и забирали себе
домой. Его реклама помогла наплыву посетителей кабаре Мулен Руж,
и среди заказчиков пошла молва: «Хочешь успеха своего предприятия — найми Тулуз-Лотрека для создания рекламной афиши». Однако
его картины считались слишком провокационными и не принимались
критиками, что способствовало ухудшению психического состояния
художника.
Анри де Тулуз-Лотрек умер 09 сентября 1901 года от цирроза печени
на руках у матери.

Сокольничий, граф Альфонс Тулуз-Лотрек, 1881 г.
Дерево, масло. 23,4 х 14 см.
Музей Тулуз-Лотрека, Альби, Франция

137

В Мулен де ла Галетт, 1889 г.
Холст, масло. 88,5 х 101,3 см.
Институт искусств, Чикаго, США

Клоунесса Ша-Ю-Као в Мулен Руж, 1895 г.
Холст, масло. 75 х 55 см.
Частная коллекция

Палитра картины «В Мулен де ла Галетт» ограничена, почти всё полотно испещрено вертикальными штрихами, а атмосфера заурядной повседневности контрастирует с солнечной атмосферой известной картины Ренуара «Бал в Мулен де ла Галетт», на которой люди радуются жизни.
«Клоунесса Ша-Ю-Као в Мулен Руж» — первая клоунесса в истории современного цирка и одна из любимых моделей
Тулуз-Лотрека.

Ла Гулю входит в Мулен Руж, 1892 г.
Картон, масло. 79,4 х 59 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Танцы в Мулен Руж, 1889–90 гг.
Холст, масло. 115,6 х 149,9 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

На картине «Танцы в Мулен Руж» известный танцор Валентин Бескостный обучает новеньких в кабаре. На фоне переполненного зала в зелёных оттенках выделяется розовый силуэт незнакомой аристократки, наблюдающей за происходящим.

138

Сидящая танцовщица в розовом трико, 1890 г.
Картон, пастель. 56,8 х 46,4 см.
Частная коллекция

В ресторане Ла Ми, 1891 г.
Картон, масло. 53 х 67,9 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США

В Мулен Руж, 1895 г.
Холст, масло. 123 х 140 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго, США

Аналогично картине «Абсент» Эдгара Дега, работа Тулуз-Лотрека «В ресторане Ла Ми» представляет ничем не
приукрашенные, практически порочные образы в окружении одних лишь пустых бутылок и бокалов. Оранжевые
и красные оттенки и свободные штрихи точно передают вечернее освещение ресторана.

139

Ла Гулю. Афиша, 1891 г.
Бумага, литография. 170,2 х 118,7 см.
Художественный музей,
Индианаполис, США

Афиша Бюрана в кабаре «Амбассадор»,
1892 г. Бумага, литография. 150 х 100 см.
Музей Тулуз-Лотрека, Альби,
Франция

Японский диван. Афиша,
1892–93 гг.
Бумага, литография. 80,8 х 60,8 см.
Частная коллекция

«Ла Гулю» — первый плакат художника, на котором королева канкана Ла Гулю, одна из любимых моделей Тулуз-Лотрека,
исполняет свой «скандальный танец» вместе с партнёром Валентином Бескостным, изображённым тёмным силуэтом
впереди. Изначально плакат нарисовал уже популярный в то время Жюль Шере, но заказчики предпочли вариант
Тулуз-Лотрека — модный тогда «японский стиль» создал идеальную, не перегруженную элементами, композицию.
Рекламный плакат с изображением Аристида Брюана, певца и друга Тулуз-Лотрека, выполнен в особенно ярких,
смелых красках. Когда Брюану предложили дать концерт в престижном кабаре «Амбассадор», он потребовал лишь
одного — чтобы афишу нарисовал Тулуз-Лотрек.
Афишу «Японского дивана» Тулуз-Лотрек написал под заказ владельца кабаре. Певица Иветт Гильбер, одна из самых
известных исполнительниц кабаре, стоит в углу плаката со скрытым лицом, хотя её можно узнать по «фирменным»
чёрным перчаткам. Сама Иветт писала о них: «Чёрные перчатки — это символ изысканности, который я могу внести
в эту хулиганскую и немножко простецкую атмосферу». На переднем плане — Жанна Авриль в качестве зрительницы;
её строгий чёрный наряд создаёт сильный контраст в сравнении с её сценическим образом.

Жанна Авриль
танцует, 1892 г.
Картон, масло.
85,5 х 45 см.
Музей Орсе,
Париж, Франция

140

Жанна Авриль в «Жардин».
Плакат, 1893 г.
Бумага, литография. 129 х 93,5 см.
Метрополитен-музей,
Нью-Йорк,
США

Танцующая
Жанна Авриль, 1893 г.
Картон, масло, карандаш,
графит. 99 х 71 см.
Частная коллекция

Иветт Гильбер на
поклонах, 1894 г.
Бумага, уголь,
масло, скипидар.
41,7 х 24,5 см.
Музей
Тулуз-Лотрека,
Альби, Франция

Жанна, выходящая из Мулен Руж, 1892 г.
Картон, гуашь, масло. 84,3 х 63,4 см.
Уодсворт Атенеум, Хартфорд, США

Артистка Жанна Авриль прославилась своим коронным танцем с резкими движениями и внезапными рывками, за что
её прозвали «Мелинит» — по названию взрывчатки. Тулуз-Лотрек любил рисовать Жанну, а она восхищалась его
талантом и с удовольствием позировала. Художник мастерски изображал прозрачные кружева её платья, отражение
стен и теней на отполированном полу, окрашивая лишь фон вокруг её силуэта, отчего кажется, что её танец вдыхает
жизнь в интерьер кабаре. Однако «Жанна, выходящая из Мулен Руж» сильно отличается от своего яркого, подвижного сценического образа: здесь она превращается в спокойную тёмную фигуру. Чёрные и фиолетовые оттенки резко
выделяются на слепящем оранжевом фоне, будто девушка мысленно отгораживается от суеты недремлющего мира.

141

142

Лето из серии «Времена года», 1896 г.
Бумага, литография. 54 х 103 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

АЛЬФОНС
МУХА
(1860–1939)

«Искусство существует только для передачи духовного
послания».

Альфонс Муха

Чешский художник, график, иллюстратор книг, театральный декоратор,
представитель модерна (арт-нуво).
Альфонс Муха родился 24 июля 1860 года в Айбеншютце (Южная Моравия)
в семье судебного пристава. С 12 лет он пел в хоре собора Св. Петра и Павла
в Брно. Исключение из гимназии за неуспеваемость подтолкнуло его
к осуществлению давней мечты — стать профессиональным художником.
После провала экзаменов в Пражскую академию искусств в 1879 году
Альфонс Муха устроился учеником художника-декоратора в венскую
театральную компанию, посещал художественные курсы и выставки
современного искусства. После пожара в венском Рингтеатре Альфонс
лишился работы и уехал в Микулов, где выполнял заказы на портреты,
театральные декорации и кладбищенские надгробия. Граф Эдуард КуэноБеласи, оценив талант художника, заказал у него серию фресок для своих
замков, а позже спонсировал поездки Мухи в Венецию, Флоренцию и Милан
и его обучение в Академиях художеств в Мюнхене и Париже.
Сотрудничество с актрисой Сарой Бернар в 1894 году вознесло Альфонса
Муху на вершину парижского мира иллюстраций и дизайна. Художник
приобрёл фотокамеру — фотографировал модели и переносил изображения
на картон или холст. В его циклах «Времена года», «Драгоценные камни»,
«Звёзды» и «Цветы» женщины предстают страстными, нежными, иногда
полуобнажёнными и всегда окружёнными ореолом причудливо уложенных
волос. Параллельно с работой в Театре Возрождения Альфонс разрабатывал
этикетки и рекламные плакаты, календари и упаковки для духов и мыла,
печенья и папиросной бумаги, обивочных тканей, сигарет, шампанского.
По его эскизам был расписан кафель в ванных комнатах «Восточного
экспресса», создавались ювелирные изделия. Роскошные «женщины Мухи»
с лёгкостью продавали любую продукцию.
В 1918 году, после распада Австро-Венгрии по итогам Первой мировой
войны, художник получил заказ правительства Чехословакии на разработку
новых банкнот, герба, бланков и почтовой продукции. Альфонс Муха стал
одним из первых художников-бонистов, который уделял большое внимание
защите купюр от возможной подделки. Чехам очень понравились новые
деньги, именуемые в народе «муховками» в честь их создателя.
В 1928 году Муха представил цикл картин «Славянская эпопея». В него вошли
батальные сцены, исторические и религиозные эпизоды из общего прошлого
чехов, русских и болгар, над которыми художник трудился около 20 лет.
Средства для реализации проекта предоставил американец-славянофил
Чарльз Крейн, и по взаимному согласию все работы были переданы в дар
чешской столице — Праге. В марте 1939 года нацисты захватили Прагу,
художника несколько раз арестовывали и вызывали на допросы, во время
одного из них он сильно простудился и заболел пневмонией.
Альфонс Муха умер 14 июля 1939 года у себя дома и был похоронен
на Вышеградском кладбище. В честь художника назван астероид.

143

• Утреннее пробуждение
• Прелесть дня
Афиша «Жисмонда»
с Сарой Бернар, 1894 г.
Бумага, литография. 216 х 74,2 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

На второй день после Рождества знаменитая
актриса Сара Бернар столкнулась с проблемой: для возобновлённого спектакля
«Жисмонда» не были вовремя заказаны
афиши. От «горящего» заказа отказались
все, кроме Альфонса Мухи. Так появилось
его первое знаковое произведение «Афиша
к пьесе “Жисмонда” с Сарой Бернар».
Художник решил сделать афишу нестандартного размера, и результат привёл актрису
в восторг. На улицах города она предстала
перед зрителями в полный рост — прекрасная стройная женщина, объект восторга
и почитания; согласно парижскому журналисту, это был «триумф шёлка, золота и драгоценных камней, это богатство, брошенное на
сомнительную белизну стен нашего города».
Сара Бернар предложила Альфонсу выгодный
контракт, по которому он становился декоратором и художником по костюмам в Театре
Возрождения, а также создателем всей печатной продукции, включая афиши и буклеты.
Времена суток, 1899 г.
Утреннее пробуждение
Прелесть дня
Вечерние грёзы
Ночной отдых
Бумага, литография. 107,7 х 39 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

•
•
•
•

• Вечерние грёзы
•

Ночной отдых

Голова византийки. Брюнетка, 1897 г.
Бумага, литография. 34,5 х 28 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Афиша «Дама с камелиями»,
1896 г. Бумага, литография.
207,3 х 76,2 см. Частная коллекция

Грёзы, 1897 г.
Бумага, литография. 72,7 х 55,2 см.
Частная коллекция

Голова византийки. Блондинка, 1897 г.
Бумага, литография. 34,5 х 28 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Танец и Поэзия, 1898 г.
Бумага, литография. 60 х 38 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Зодиак, 1896 г.
Бумага, литография. 65,7 х 48,2 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

145

164

ХУГО СИМБЕРГ
(1873–1917)

«Настоящее искусство говорит зрителю об иной
реальности».

Хуго Симберг

Финский художник, график, представитель северного символизма,
визитной карточкой которого является его картина «Раненый ангел».
Хуго Симберг родился 24 июня 1873 года в Фридрихсгаме в семье военного. Когда ему было 8 лет, семья переехала в Выборг. В 1891 году он
поступил в выборгскую школу любителей искусств, а через 2 года —
в Художественную школу Финского художественного общества, но обе
школы Хуго не закончил, потому что ему не нравилось преподавание.
Позже он брал уроки у Галлен-Капелла.
Художник путешествовал по Европе, посещал Париж и Лондон, побывал в Италии, а также ездил на Кавказ и в Нью-Йорк, жадно впитывая
художественные образы мастеров живописи: классиков Ренессанса,
старших современников — А. Бёклина, Э. Бёрн-Джонса — и прерафаэлитов. Симберг никого не копировал, никому не подражал — он нашёл
свой живописный почерк и образный строй на пересечении символизма и фольклорных мотивов и успешно участвовал в выставках в Финляндии, где его работы удостаивались благосклонных отзывов критики.
Вскоре он был принят в Союз художников, а затем преподавал в школе
любителей искусств.
В 1895 году Симберг открыл для себя фотографию и, осознав, что фотоснимки подчёркивают важность света и тени, дополняя художественное
творчество, стал использовать их для подготовки этюдов.
На Всемирной выставке 1900 года Симберг представил «Осень», за которую получил почётный диплом. Через 2 года художник был удостоен
стипендии для путешествия по Европе.
Осенью 1902 года у Хуго случился серьёзный нервный срыв, и до весны
1903-го он лечился в больнице Каллио в Хельсинки. После выхода из
больницы художник создал свою самую известную картину «Раненый
ангел». Симберг не любил разъяснять символику произведений, но его
излюбленными персонажами были черти и ангелы.
В 1904 году он получил первую премию на национальном конкурсе
портретной живописи и заказ на росписи церкви Иоанна Богослова
в Тампере. Вернувшись в Хельсинки в 1907 году, после путешествия
в Нью-Йорк, Симберг стал преподавать в Художественной школе Финского художественного общества. В 1908-м 20 работ Симберга были отобраны для участия в выставке финского искусства в Париже.
Последнее зарубежное путешествие художник совершил в 1910 году,
посетив Нидерланды, Бельгию и Францию благодаря полученной им
стипендии. После 1910 года он начал уставать от художественных кругов
Хельсинки и постепенно отошёл от живописи.
Хуго Симберг умер 12 июля 1917 года в городе Эхтяри от воспаления
головного мозга. На надгробии художника установлена версия его
бронзовой скульптуры «Смерть стучится».

Поток жизни, 1896 г.
Бумага, гуашь, акварель. 23,6 х 14,2 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия

165

166

Мороз, 1895 г.
Бумага, гуашь, акварель. 18 х 27 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия

Сад смерти, 1896 г.
Бумага, гуашь, акварель. 15,8 х 17,5 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия

«Сад смерти» — одна из излюбленных тем художника. Он создал несколько версий картины, две самые известные — акварельная 1896 года и фреска в кафедральном соборе Тампере
1904–1906 годов. В этом саду, помимо смерти, присутствуют три фигуры — скелеты в чёрных
плащах, заботливо ухаживающие за цветами. Вероятно, цветы — человеческие души. Смерть
у Симберга неотвратима, но дружественна, даже нежна; возможно, она — другое лицо любви.

Раненый ангел, 1903 г.
Холст, масло. 127 х 154 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия

На фоне скупого пейзажа полотна «Раненый ангел» изображены два мальчика, несущие
носилки с ангелом в белом, у которого перевязана голова. Мальчик справа, одетый буднично,
хмуро смотрит на зрителя. Мальчик в чёрном костюме смотрит вперёд. Куда и откуда они несут
ангела, в чём причина его ранения? Каждому зрителю предстоит понять самому. Необычный
сюжет без малейшего намёка на эпатаж и учительский пафос, интонационный и ритмический
строй картины, колорит и композиция рождают тихую и безнадёжную, щемящую грусть.

167

168

НИКОЛАЙ
РЕРИХ
(1874–1947)

«Каждый конец есть лишь начало чего-то ещё более
величественного и прекрасного».

Николай Рерих

Русский художник, философ, писатель, путешественник, археолог,
ученик Архипа Куинджи, автор более 7 000 произведений.
Николай Рерих родился 27 сентября 1874 года в Санкт-Петербурге
и с раннего детства увлекался живописью и археологией. В 1893 году
он поступил в Петербургский университет на юридический факультет
и в Высшее художественное училище при Императорской Академии
художеств, через два года начал заниматься в студии Архипа Куинджи,
а его дипломная картина «Гонец» была приобретена П. Третьяковым.
В студенческие годы Рерих также стал членом Русского археологического общества.
С 1906 года в творчестве художника начался новый период: сочетая
реализм и символизм, он практически отказался от масла и перешёл
к темперной технике. Используя метод накладывания красного тона
на другой, Рерих экспериментировал с составами красок. В 1907 году
после многочисленных зарубежных выставок художник был избран
членом Общества осенних салонов во Франции, а впоследствии стал
участником Национальной академии в Реймсе и французского
Доисторического общества. До 1918 года Николай Рерих являлся
директором Школы Императорского общества поощрения художеств
и, занимаясь также преподавательской работой, продолжал творить —
создал 12 эскизов для церкви Покрова Богородицы в имении Голубевых, мозаики для церкви Святых Петра и Павла Шлиссельбургских
пороховых заводов.
Впервые Рерих отправился в Индию в 1923 году в составе ЦентральноАзиатской экспедиции. За плечами уже были длительные путешествия по России, Европе и Америке. В работах того периода он искал
гармонию на стыке реализма и символизма. Природа, искусство
и философия Индии настолько соответствовали его исканиям, что
в 1935 году художник остался жить в долине Куллу у подножия
Северных Гималаев. Воплощая в своём творчестве идеи символизма —
каждый из знаков несёт определённое значение, а совокупность
всех символов отражает глобальную картину мироустройства, —
художник создал более 2 000 полотен, используя сюжеты индийской
мифологии и легенд.
Николай Рерих умер 13 декабря 1947 года, его прах был развеян
в долине Куллу. В честь великого мастера назван астероид.

Матерь мира, 1924 г.
Холст на картоне, темпера. 97,8 х 65,4 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

169

Ангел последний, 1912 г.
Картон, темпера. 52,5 х 73,8 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

София Премудрость, 1932 г.
Холст, темпера. 107,2 х 153 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

170

Белый камень, 1933 г.
Холст, темпера. 80 х 103 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Картина «Белый камень» («Знак Чинтамани», «Конь счастья») — образец зашифрованного послания, значение которого доступно лишь посвящённым. Изображения Белого коня, несущего на спине Чинтамани — Сокровище Мира,
Рерих часто встречал во время Центрально-Азиатской экспедиции. Согласно монгольским и тибетским преданиям,
в давние времена чудесный камень Чинтамани — Спаситель Мира — упал с далёкой звезды на землю. Белый конь Эрдени Мори несёт его с горных вершин для помощи людям, и всюду, где появлялся Эрдени Мори, приходит счастье.
На огромном белом камне — высеченное изображение коня с огнём на спине, а также несколько важнейших
астрологических и геометрических символов. На втором камне внизу выбита надпись тибетскими буквами: «Аум!
О сокровище в лотосе». Золотое пламя на спине коня — знак трёх сфер, один из древнейших символов человечества, избранный Николаем Рерихом для Знамени Мира.

Святые пещеры, 1932 г.
Холст, темпера. 107 х 153 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

171

Сжигание тьмы, 1924 г.
Холст, темпера. 88,5 х 117 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Мадонна Лаборис (Труды Богоматери), 1931 г.
Холст на картоне, темпера. 84 х 124 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

172

Помни, 1924 г.
Холст, темпера. 87,5 х 117,5 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Кришна, 1929 г.
Холст, темпера. 74 х 118 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

173

Зелёная полоса (Мадам Матисс), 1905 г.
Холст, масло. 40,5 х 32,5 см.
Государственный музей искусств, Копенгаген, Дания

174

АНРИ МАТИСС
(1869–1954)

«Не я выбрал эту работу, судьба определила мне её
в конце моего пути, моих поисков».

Анри Матисс

Французский живописец, гравёр и скульптор, один из главных европейских художников модерна, один из основоположников фовизма.
Анри Эмиль Бенуа Матисс родился 31 декабря 1869 года в Ле-КатоКамбрези в семье торговца зерном. Матисс был старшим ребёнком в семье,
поэтому должен был унаследовать семейное дело, но после обучения
в школе он уехал в Париж изучать юриспруденцию и в 1888 году устроился
на работу клерком у присяжного поверенного.
В 1889 году Анри 2 месяца пребывал в больнице и коротал время за копированием цветных открыток. Это занятие очень увлекло его, и он решил
стать художником наперекор отцу, записавшись в школу рисунка Катен де
ла Тур. Позже Матисс поступил в Академию Жюлиана, где учился у Виллиама Бугро.
В 1893 году Анри Матисс познакомился с Альбером Марке во время
обучения в мастерской Гюстава Моро в Школе декоративных искусств,
где Матисс копировал произведения старых французских и голландских
мастеров в Лувре. Творчество Анри в тот период находилось под влиянием
японского традиционного искусства, Жана-Батиста Симеона Шардена
и импрессионистов.
С 1890 по 1902 год Анри Матисс создавал картины в духе импрессионизма, зимой 1902 года принял участие в выставке в галерее Берты Вейль,
а уже в июне его первые картины были куплены. Через два года прошла
первая персональная выставка художника в галерее Амбруаза Воллара.
Под влиянием Поля Синьяка Матисс некоторое время работал в технике пуантилизма, а в 1905-м создал новый стиль, для которого характерны
плоские формы, чёткие линии и лёгкий пуантилизм, и вместе с товарищами
представил свои картины на Осеннем салоне в Париже, где их творчество
подверглось критике. Жиль Блаз назвал художников «фовистами», что
означало «дикари».
В 1906 году Матисс подружился с Пабло Пикассо, а затем отправился
в Алжир, вдохновился линейными орнаментами мусульманского Востока
в стиле арабесок и скульптурой народов Африки, начал интересоваться
примитивизмом и классической японской ксилографией, создавал литографии, а также гравюры на дереве и керамике.
В 1908 году, после распада группы фовистов, Матисс основал собственную
академию. После знакомства с группой «Мост» в Германии художник стал
уверен в необходимости непосредственной передачи эмоций за счёт
простых средств. Через 4 года состоялась его первая выставка в США,
а в 1918-м — выставка с Пикассо в галерее арт-дилера Поля Гийома.
В 1920 году Матисс создал эскизы костюмов и декораций для балета
«Песнь соловья» по просьбе Сергея Дягилева, позже — эскизы декораций
для балета «Красное и чёрное», писал картины для Сергея Щукина, русского предпринимателя и коллекционера.
Анри Матисс умер 03 ноября 1954 году в Симиезе и был похоронен на кладбище монастыря Симье в Ницце. На могиле художника принято оставлять
камни вместо цветов. В честь Матисса назван кратер на Меркурии.

175

Радость жизни, 1905–06 гг.
Холст, масло. 176,5 х 240,7 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США

Одалиска в красных штанах, 1921–24 гг.
Холст, масло. 50 х 61 см.
Музей Оранжери, Париж, Франция

176

Натюрморт, 1915 г.
Холст, масло. 180,9 х 220,8 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Синие глаза, 1935 г.
Холст, масло. 45,7 х 38,1 см.
Художественный музей, Балтимор, США

Розовая обнажённая, 1935 г.
Холст, масло. 66,4 х 93,3 см.
Художественный музей, Балтимор, США

177

В чёрном квадрате, 1923 г.
Холст, масло. 97,5 х 93,3 см.
Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, США

ВАСИЛИЙ
КАНДИНСКИЙ
(1866–1944)

«Он писал маленькие пейзажные этюдики, пользуясь
не кистью, а мастихином и накладывая яркими
красками отдельные планчики. Получались пёстрые,
никак не согласованные этюдики. Все мы относились
к ним сдержанно, подшучивали между собой над этими
упражнениями в чистоте красок…»
Игорь Грабарь

Русский художник и теоретик изобразительного искусства, стоявший
у истоков абстракционизма.
Василий Кандинский родился 04 декабря 1866 года в Москве в семье
коммерсанта. В детские годы он путешествовал с родителями по России
и Европе. В 1871 году семья осела в Одессе, где Василий окончил гимназию и театрально-художественное училище. Уже тогда его живописные
штудии отличали смелые сочетания цветов, а сам он утверждал, что каждый цвет имеет свой характер. В 1895 году художник решил оставить занятия наукой: «…чем дальше идёт время, тем сильнее притягивает меня
к себе старая и прежде безнадёжная любовь к живописи». Кандинский
уехал в Мюнхен и примкнул к русской художественной группе, обучался
живописи в студии Антона Ажбе, а затем — в Мюнхенской академии.
В 1909 году Василий Кандинский стал председателем «Нового мюнхенского художественного объединения», а в 1911-м вместе с немецким
художником Ф. Марком создал объединение «Синий всадник», целью
которого было освобождение от отживших традиций академической
живописи, стремление к чистоте формы, выразительности цвета и изысканному, эстетскому отношению к линии.
С началом Первой мировой войны он вернулся в Россию, работал
в художественной коллегии Отдела изобразительного искусства Наркомпроса, был председателем Всероссийской закупочной комиссии,
учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской,
но не вписался в постреволюционную реальность и в 1921 году навсегда покинул Россию — в немецком Веймаре его ждала работа в колледже
Баухаус, где преподавали архитектуру и дизайн.
В 1933 году, после прихода Гитлера к власти в Германии, абстрактное
искусство было объявлено «дегенеративным», а художники подверглись гонениям. Картины Кандинского были изъяты из музеев, а сам он
с семьёй уехал во Францию. Поселившись в пригороде Парижа, Кандинский много и увлечённо работал. Иногда добавляя в краски песок,
художник получал неожиданный эффект с биоморфными элементами.
Последняя картина «Сдержанный порыв» была написана им в 1944 году
за 5 месяцев до смерти.
Василий Кандинский умер 13 декабря 1944 года от инсульта в Нёйисюр-Сен и был похоронен на Новом кладбище Нёйи. В июне 2017 года
на аукционе Сотбис картина «Мурнау — пейзаж с зелёным домом» была
продана за $ 26,7 млн, а «Картина с белыми линиями» — за $ 42 млн.

179

Белая точка, 1923 г.
Холст, масло. 73,3 х 91,5 см.
Кунстхалле, Гамбург, Германия

Лирическое, 1923 г.
Гуашь, акварель, тушь, бумага. 36,8 х 36,2 см.
Частная коллекция

Круги в круге, 1923 г.
Холст, масло. 98,7 х 95,6 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

Однажды Кандинский увидел потрясающее полотно, прислонённое к стене мастерской и поражающее сочетанием
красок. С удивлением узнав свою работу, стоящую в перевёрнутом виде, он понял: важно не то, что изображено на
картине, а то, какие мысли и эмоции она вызывает у зрителя. Ему захотелось создать новые формы искусства, объединяющие в одно целое живопись, танец, поэзию и архитектуру, о чём он заявил в теоретических трудах «О духовном
в искусстве», «Точка и линия на плоскости».
Искусство Василия Кандинского апеллировало к иррациональному, было рассчитано на возбуждение ассоциаций —
в цвете он слышал звучание стихов, музыки, а в линиях и точках видел ритмическое, эмоционально окрашенное движение. Авторская манера письма окончательно оформилась в узнаваемый и неповторимый стиль, воплотившийся
в картине «Композиция VIII», которую художник считал одной из главных в своём творчестве — точным выражением
теории об эмоциональных свойствах цвета, линии, формы. Во время работы над ней он писал книгу «Точка и линия на
плоскости», увидевшую свет в 1926 году.

Композиция VIII, 1923 г.
Холст, масло. 140,3 х 200,7 см.
Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, США

180

Чёрный и фиолетовый, 1923 г.
Холст, масло. 77,8 х 100,4 см.
Частная коллекция

Непрерывная линия, 1923 г.
Холст, масло. 140,8 х 202 см.
Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия, Дюссельдорф, Германия

181

182

ПИТ
МОНДРИАН
(1872–1944)

«Абстрактное искусство – это не создание другой
реальности, а истинное видение реальности».

Пит Мондриан

Нидерландский художник, стоявший у истоков абстракционизма наряду
с В. Кандинским и К. Малевичем.
Пит Мондриан родился 07 марта 1872 года в Амерсфорте в Нидерландах.
Отец художника не мог обеспечить семью, однако с особым вниманием
отнёсся к таланту сына. В 20 лет Пит отправился учиться в Амстердам,
а затем работал преподавателем рисования в начальной школе, всерьёз
увлёкся теософией Елены Блаватской и глубоко воспринял идеи
кубизма. С 1913 года картины мастера всё больше становились похожи
на абстрактные матрицы из горизонтальных и вертикальных линий.
Мондриан выступал за отказ от естественных форм и призывал к «денатурализации» искусства.
В 1915 году Мондриан и Тео ван Дусбург основали движение «Де
Стейл» и одноимённый журнал, который стал органом неопластицизма.
Пит Мондриан называл себя «голландским философом с кистью в руке»,
а «универсум — это сама красота, она не требует украшений или изображений. Живопись теперь архитектурна, поэтому потребность в живописи скоро исчезнет — её заменит чистая архитектура». Эти взгляды стали
основой неопластицизма. В 1917 году была опубликована серия из 12
очерков под названием «Новый пластицизм в изобразительном искусстве», а в 1920-м — книга «Неопластицизм: общий принцип пластической эквивалентности». Расположение линий на его холстах становится
упорядоченным до правильной решётки с ячейками, закрашенными основными цветами. В основе структурных построений положены дихотомии: цвет — не-цвет (чёрный, белый, серый), вертикаль — горизонталь,
большая поверхность — малая поверхность, единение которых символизирует равновесие сил в гармонии мироздания. В 1930-х французский
модельер Лола Прусак вдохновилась абстракциями Мондриана и создала линейку чемоданов и сумок для модного дома Hermès.
В 1919–1938 годах художник работал во Франции, затем переехал
в Лондон, а в 1940-м — в Нью-Йорк. После некоторого периода забвения состоялось второе открытие его творчества: разноцветные прямоугольники и квадраты понравились американцам. Мондриан начал
давать картинам названия, своего рода подсказки зрителям, наводящие на ассоциации с бурлящим ритмом американской жизни — «НьюЙорк I», «Победа Буги-вуги», «Бродвей Буги-вуги».
Пит Мондриан скончался от воспаления лёгких 01 февраля 1944 года
и был похоронен на кладбище Сайпресс-Хиллз в нью-йоркском Бруклине. В 1965–1966 годах модельер Ив Сен-Лоран представил миру на показе
мод линейку платьев «Мондриан», которые имели декор в виде крупных цветных клеток — «цитат» из картин художника-абстракциониста.
Деревья, ок. 1912 г.
Холст, масло. 71,8 х 94 см.
Музей искусств Карнеги, Питтсбург, США

183

Таблица № 1, 1913 г.
Холст, масло. 96 х 64 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

184

Композиция с красным, синим
и жёлтым, 1930 г.
Холст, масло. 45 х 45 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария

Нью-Йорк I, 1942 г.
Холст, масло. 114,2 х 119,3 см.
Национальный центр искусства
и культуры Жоржа Помпиду,
Париж, Франция

Всё гениальное просто: горизонталь противопоставлена вертикали, мужское начало — женскому, сочетание красного, жёлтого
и синего смотрится гармонично. Минималистичная «Композиция с красным, синим
и жёлтым» с чёрными линиями разной толщины, которыми разграничены цветные прямоугольники, — вот образец «спасительной
живописи» по Питу Мондриану.

Ритм прямых линий, 1937–42 гг.
Холст, масло. 72,2 х 69,5 см.
Художественное собрание земли
Северный Рейн-Вестфалия,
Дюссельдорф, Германия

Бродвейский буги-вуги, 1942–43 гг.
Холст, масло. 127 х 127 см.
Музей современного искусства,
Нью-Йорк, США

Победный буги-вуги, 1942–44 гг.
Холст, бумага, уголь, цветная клейкая лента,
масло, карандаш. 178,4 х 178,4 см.
Художественный музей, Гаага, Нидерланды

185

Англичанин в Москве, 1914 г.
Холст, масло. 90,5 х 59 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум,
Амстердам, Нидерланды

186

КАЗИМИР
МАЛЕВИЧ
(1879–1935)

«Бег лошади можно передать однотонным карандашом,
Но передать движение красных, зелёных, синих масс
карандашом нельзя».
Казимир Малевич

Русский и советский художник-авангардист, педагог, теоретик искусства,
философ, основоположник супрематизма.
Казимир Малевич родился 23 февраля 1879 года в Киеве и стал старшим
среди 14 братьев и сестёр. Его отец был управляющим на сахароваренных
заводах и часто брал сына на работу, где под механический лязг и грохот
рассказывал, что будущее — за машинами. Страсть к рисованию завладела
мальчиком, когда он увидел работу маляра на крыше дома. Казимир рисовал самодельными красками из глины и различных порошков. Заметив столь
сильное увлечение, мать подарила ему настоящие масляные краски.
После переезда семьи в Курск в 1896 году Малевич устроился чертёжником в управление железной дороги, собрал вокруг себя кружок художников
и устраивал выставки. Через 5 лет, переехав в Москву, он поселился в коммуне художников в Лефортово, начал учёбу в студии Ф. Рерберга и вскоре
с энтузиазмом встретил революционные события 1905 года, баррикады манили его и в переулках, и в искусстве: в студии Рерберга он освоил основы
живописи, у импрессионистов вдохновился свободой творчества, у фовистов — буйным цветом, у кубистов — аскетичной формой.
Малевич, участник диспутов, авангардных вечеринок и эпатажных акций,
активно участвовал в выставках «Бубнового валета», группы «Ослиный
хвост» и Московского салона, «Союза молодёжи» в Петербурге, «Синего
всадника» в Мюнхене, в 1-й футуристической выставке «Трамвай».
В 1913 году он создал художественное оформление к футуристической
опере «Победа над солнцем», во время работы над которым к нему пришёл
«Чёрный квадрат»: половина задника декорации выглядела как квадрат,
закрашенный чёрным. Окончательно образ оформился, когда художник
увидел маленького гимназиста: ранец практически скрывал его самого,
равенство сторон означало квадрат, и он представлял собой всё, что
с человеком уже произошло и однажды произойдёт.
Демобилизовавшись с военной службы в 1917 году, Малевич активно
сотрудничал с большевиками, работая в Москве, Петрограде и Витебске,
где руководил мастерской в Народном художественном училище М. Шагала.
В 1922-м подготовил теоретическую работу «Супрематизм. Мир как
беспредметность или вечный покой».
Казимир Малевич скончался от рака 15 мая 1935 года в Ленинграде и был
кремирован в Москве. Урну с прахом захоронили под любимым дубом художника недалеко от деревни Немчиновки, над могилой установили деревянный кубический монумент с изображением чёрного квадрата. В годы
Второй мировой войны могила была потеряна. В 1988 году памятный знак —
белый бетонный куб с красным квадратом на лицевой стороне — разместили на опушке леса, в 2-х километрах от реального погребения, поскольку
оно оказалось в пахотном поле. В 2007 году в честь художника назван один
из самолётов «Аэрофлота».

187

Музыкальный инструмент, 1913 г.
Дерево, масло. 87,5 х 73,5 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

188

Дама на остановке трамвая, 1913–14 гг.
Холст, масло. 92 х 92 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

Гвардеец, 1913–14 гг.
Холст, масло. 59 х 68,9 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

189

190

МАРК ШАГАЛ
(1887–1985)

«Никакая академия не дала бы мне всего того,
что я почерпнул, бродя по Парижу, осматривая выставки
и музеи, разглядывая витрины».

МАРК ШАГАЛ

Русский художник, один из самых известных представителей авангарда XX века,
удостоенный высшей награды Франции — Большого креста Почётного легиона.
Марк Шагал родился 06/07 июля 1887 года в Лиозно (Витебской губернии),
в семье приказчика. Он поступил в Витебское училище, с 14 лет обучался
рисованию у местного художника Ю. Пэна, а позже — у Л. Бакста в Петербурге,
в школе Общества поощрения художеств, возглавляемой Н. Рерихом. В 1909-м
Шагал вернулся в Витебск, где встретил свою любовь — Беллу Розенфельд,
которая оставалась единственной музой художника на протяжении жизни.
В 1911 году Марк продолжил учиться в Париже, поселился в знаменитом доме
«Улей», где находились мастерские художников, познакомился с представителями кубизма и авангарда. Денег едва хватало на еду и аренду мастерской, поэтому
художник писал на натянутых на подрамники кусках скатерти, простынях и ночных рубашках, продавая свои картины дёшево, но уже в 1913-м три полотна Шагала
успешно участвовали в первом немецком Осеннем салоне, а через год состоялась
его персональная выставка в Берлине — 34 картины на холсте и 160 рисунков на
бумаге. Вернувшись в Витебск, Шагал женился на Белле, а после революции стал
уполномоченным по делам искусств в Витебской губернии, в 1919 году организовал Витебское художественное училище, где преподавали К. Малевич, А. Ромм,
Н. Коган и первый учитель Шагала — Ю. Пэн. Студентов было разрешено обучать
по собственным программам, но под влиянием Малевича школа приобрела супрематический уклон, и Марк уехал в Москву, где учил рисованию беспризорников, писал декорации для Еврейского камерного театра.
В 1922 году Шагал вывез большую часть своих работ в Берлин на Первую русскую художественную выставку, а через год в Париже создал офорты к коллекционному изданию «Мёртвых душ» Н.В. Гоголя тиражом 368 экземпляров,
каждая иллюстрация была пронумерована и подписана. В 1934-м часть картин
Шагала в берлинских музеях была сожжена по приказанию Гитлера, а оставшаяся выставлена в 1937 году как образец «дегенеративного искусства». В 1941-м по
приглашению Музея современного искусства художник переехал в Нью-Йорк,
в 1947-м вернулся во Францию. После смерти Беллы Шагал был женат ещё
дважды, но продолжал писать только Беллу.
С 1960-х Марк Шагал занимался мозаикой, витражами, скульптурой и керамикой, среди его работ — мозаики и шпалеры для здания парламента в Иерусалиме, плафон Гран-опера в Париже, два панно для музея Метрополитен-опера
в Нью-Йорке. В 1966-м он переехал в провинцию Ниццы, работал над книжными гравюрами. В 1973-м по приглашению Министерства культуры СССР посетил
Ленинград и Москву, где прошла выставка его картин в Третьяковской галерее.
Через 4 года выставка Шагала была организована в Лувре.
Марк Шагал умер 28 марта 1985 года в особняке в Сен-Поль-де-Ванс и был
похоронен на местном кладбище. В 1992 году дом-музей художника был открыт
в Витебске.

Белла в белом воротничке, 1917 г.
Холст, масло. 149 х 72 см.
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж, Франция

191

Я и моя деревня, 1911 г.
Холст, масло. 192,1 х 151,4 см.
Музей современного искусства,
Нью-Йорк, США

Картина «Я и моя деревня» написана в Париже. Справа мы видим профиль самого художника, а напротив, как зеркальное отражение, — профиль коровьей морды, которой он протягивает связку веток и цветов. Зеркальные профили в верхней части,
словно мостом, соединены изображением Витебска: церковь и дома, некоторые из которых перевёрнуты вверх дном; мужчина с косой подходит к перевёрнутой женщине; внутри коровьей головы расположена отдельная картина — корова и доярка.

192

Обручённые и Эйфелева башня,
1938–39 гг.
Холст, масло. 150 х 136,5 см.
Национальный центр искусства
и культуры Жоржа Помпиду,
Париж, Франция

Свадебные свечи, 1945 г.
Холст, масло. 123 х 120 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария

На многих полотнах Шагала изображён его родной провинциальный городок:
покосившиеся заборы, горбатые мосты, кирпичные улочки, старая церковь,
которую он часто видел из окна мастерской. Да и летающие люди — частые
герои его картин: счастливые влюблённые, цирковые акробаты, обнажённые
женщины… В безудержном полёте фантазии всё настолько психологически
достоверно и поэтически убедительно, что представляется абсолютно реальным: полёт — это простое и естественное состояние человека. На картине
«Обручённые и Эйфелева башня» Шагал изобразил себя и Беллу на фоне двух
любимых городов — Витебска и Парижа. Признаваясь Парижу в любви, художник восклицал: «Париж, ты мой Витебск!» Преодоление земного притяжения благодаря любви, а также использование образов животных в необычных
ипостасях, как, например, коза-скрипачка, — отличительная черта творчества
Шагала. Льющиеся с картины лучи солнца и музыка вечной любви вдохновляют зрителя совершить свой волшебный полёт.

Голубой цирк, 1950–52 гг.
Холст, масло. 232,5 х 175,8 см.
Музей Марка Шагала,
Ницца, Франция

Крестьянская жизнь, 1925 г.
Холст, масло. 101 х 80 см.
Художественный музей в Буффало,
Нью-Йорк, США

Сон в летнюю ночь, 1939 г.
Холст, масло. 116,5 х 89 см.
Художественный музей,
Гренобль, Франция

Ангел с палитрой, 1936 г.
Холст, масло. 131,5 х 89,7 см.
Национальный центр искусства
и культуры Жоржа Помпиду,
Париж, Франция

193

Сон, навеянный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения, 1944 г.
Деревянная панель, масло. 41 х 51 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

194

САЛЬВАДОР
ДАЛИ
(1904–1989)

«СЮРРЕАЛИЗМ – ЭТО Я!»
САЛЬВАДОР ДАЛИ
Испанский художник, один из самых известных в мире, ярчайший
представитель сюрреализма.
Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в Фигерасе в семье зажиточного нотариуса и с детства был эпатажным и непослушным ребёнком, поступающим вопреки чужим мнениям, страдал
от комплексов и фобий, включая страх перед кузнечиками. С 1914
по 1918 год он учился живописи в Академии братьев ордена маристов, в 1921-м поступил в Академию изящных искусств в Мадриде
и увлёкся работами Фрейда. «Я не болтался по улицам, никогда
не ходил в кино, не посещал своих товарищей по Резиденции.
Я возвращался и закрывался у себя в комнате, чтобы продолжать
работать в одиночестве», — вспоминал Дали о своём студенческом досуге, но в 1926 году был отчислен из-за конфликтов с консервативными преподавателями. Художник отправился в Париж,
известный свободными нравами, и окунулся в мир авангардного
искусства, познакомившись с П. Пикассо.
В 1929 году, проклятый и выгнанный из дома отцом, Дали познакомился с Еленой Дьяконовой (Галой), супругой поэта Поля Элюара, на которой женился в 1934 году. Гала была на 10 лет старше,
но Сальвадор боготворил её до конца жизни. Жена стала его музой
и арт-директором. В 1933 году, осмысляя отношения с отцом, Дали
написал картину «Загадка Вильгельма Телля», изобразив героя
в образе Ленина с огромными ягодицами. Друзья-сюрреалисты,
сочувствовавшие коммунистам, посчитали рисунок карикатурой
и попытались его уничтожить, но Дали был полностью аполитичен.
В 1936 году после начала Гражданской вой ны в Испании
состоялся его окончательный разрыв с сюрреалистами, и он
заявил: «Сюрреализм — это я». В период 1940–1948 годов он жил
с женой в США, где сотрудничал с У. Диснеем и А. Хичкоком.
В 1942-м выпустил автобиографию «Тайная жизнь Сальвадора
Дали», в 1964-м — «Дневник одного гения». После венчания
с Галой в Жироне в 1958 году художник начал создавать фильмы
и сюрреалистические фотографии, снимался в рекламе шоколада.
В 1981-м у Дали развилась болезнь Паркинсона, через год умерла
жена. Художник жил в замке супруги, стал подозрительным
и нелюдимым и страдал от депрессии, в его картинах преобладал
мотив скорби. Будучи парализованным, он кусал ухаживающих
за ним медсестёр. После пожара в замке в 1984 году мастер
переехал в Фигерас.
Сальвадор Дали умер 23 января 1989 года от сердечной недостаточности. Проститься с ним пришло около 20 000 поклонников.
Художник завещал похоронить себя под стеклянным куполом в одном из залов своего музея-театра в Фигерасе, чтобы по его могиле
могли свободно прогуливаться посетители, а своё состояние завещал Испании.

195

Постоянство памяти, 1931 г.
Холст, масло. 24,1 х 33 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

«Постоянство памяти» — небольшая по размеру, но, возможно, самая известная картина Дали, часто называемая «Текучими / мягкими часами». По словам Галы, однажды увидев эту картину, её уже невозможно
забыть. Искажение времени и уход от линейности художник объяснял своими размышлениями о природе
плавленого сыра. В виде спящей головы по центру Дали изобразил себя. Муравьи — и на оранжевых часах,
и в других работах мастера — использовались художником в качестве символа распада.

Лицо войны, 1940 г.
Холст, масло. 79 х 64 см.
Музей Бойманса ван Бёнингена, Роттердам, Нидерланды

196

Пейзаж с загадочными деталями, 1934 г.
Дерево, масло. 72,8 х 59,5 см.
Фонд «Гала-Сальвадор Дали», Фигерас, Испания

197

Дом для эротомана, 1932 г.
Дерево, масло. 14 х 18 см.
Частная коллекция

198

Искушение Святого Антония, 1946 г.
Холст, масло. 89,5 х 119,5 см.
Королевский музей изящных искусств, Брюссель, Бельгия

199

Галатея сфер, 1952 г.
Холст, масло. 54 х 65 см.
Фонд «Гала-Сальвадор Дали», Фигерас, Испания

200

Галатея в момент творения, 1954 г.
Холст, масло. 100,6 х 101 см.
Частная коллекция

Пытаясь восстановить в сознании пошатнувшуюся картину миропорядка, Дали стал интересоваться достижениями ядерной физики и искать внутреннюю опору в объективном, физическом мире. «Галатея сфер» — кульминация
творчества Дали.
Идеально прекрасное лицо его Галатеи сложено из сферических элементов, расположенных на осях симметрии
и образующих трёхмерное пространство. Художник сумел добиться потрясающего эффекта глубины и объёма,
выстроив безупречную перспективу.

201

УКАЗАТЕЛЬ
АНГРАН, ШАРЛЬ ТЕОФИЛ
Пара на улице, 1887 г.
Холст, масло. 38 х 33 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Жнецы, 1892 г.
Холст, масло. 79 х 123,5 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США

БОННАР, ПЬЕР
Автопортрет, 1889 г.
Холст, масло. 21 х 15 см.
Частная коллекция
Портрет мадмуазель Андре Боннар с её собаками, 1890 г.
Холст, масло. 188 х 80 см.
Частная коллекция
Женщина в платье в белый горошек, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Женщина с кошкой, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Женщина в клетчатом платье, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Женщина в перелине, 1891 г.
Холст, бумага, темпера. 160,3 х 48 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Молодая женщина в шляпе, 1905 г.
Дерево, холст, масло. 48 х 41 см.
Частная коллекция
Обед с кошками, 1906 г.
Холст, масло. 60 х 73 см.
Частная коллекция
Сидящая женщина, 1907 г.
Холст, бумага, масло. 47 х 63 см.
Частная коллекция
Кофе, 1907 г.
Холст, масло. 40,6 х 43,5 см.
Частная коллекция
Натюрморт с клубникой, 1910 г.
Холст, масло. 63 х 51 см.
Частная коллекция
Осенний букет, 1912 г.
Холст, масло. 53 х 50 см.
Частная коллекция
Анемоны, 1917 г.
Дерево, масло. 41 х 32 см.
Частная коллекция
Синий кувшин, 1920 г.
Холст, масло. 46 х 40 см.
Частная коллекция

202

Ваза с сиренью, ромашками и анемонами, 1887 г.
Холст, масло. 46,5 х 37,5 см.
Музей искусства и истории, Женева, Швейцария
Портрет папаши Танги, 1887 г.
Холст, масло. 92 х 75 см.
Музей Родена, Париж, Франция
Четыре срезанных подсолнуха, 1887 г.
Холст, масло. 60 х 100 см.
Музей Крёллер-Миллер, Оттерло, Нидерланды
Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин», 1887 г.
Холст, масло. 55,5 х 47 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Ночная терраса кафе в Арле, 1888 г.
Холст, масло. 80,7 х 65,3 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
Сеятель на закате, 1888 г.
Холст, масло. 64 х 80,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
Жёлтый дом, 1888 г.
Холст, масло. 91,5 х 72 см.
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Ивы на закате, 1888 г.
Холст, масло. 31,5 х 34,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
Спальня в Арле, 1888 г.
Холст, масло. 72,4 х 91,3 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Стул Ван Гога, 1888 г.
Холст, масло. 91,8 х 73 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания
Кресло Гогена, 1888 г.
Холст, масло. 90,5 х 72,7 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Ваза с пятью подсолнухами, 1888 г.
Холст, масло. 98 х 69 см.
Уничтожена во время Второй мировой войны.
Ваза с пятнадцатью подсолнухами, 1888 г.
Холст, масло. 92,1 х 73 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания
Подсолнухи, 1888 г.
Холст, масло. 73 х 58 см.
Частная коллекция
Двенадцать подсолнухов в вазе, 1888 г.
Холст, масло. 91 х 71 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия
Звёздная ночь над Роной, 1888 г.
Холст, масло. 92 х 72,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Персиковое дерево в цвету, 1888 г.
Холст, масло. 80, 9 х 60,2 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

ВАН ГОГ, ВИНСЕНТ

Цветущая ветка миндаля в стакане, 1888 г.
Холст, масло. 24 х 19 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Едоки картофеля, 1885 г.
Холст, масло. 82 х 114 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Вид Арля с ирисами, 1888 г.
Холст, масло. 54 х 65 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Ботинки, 1886 г.
Холст, масло. 38,1 х 45,3 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой, 1889 г.
Холст, масло. 51 х 45 см.
Частная коллекция

Пара башмаков, 1887 г.
Холст, масло. 37 х 45 см.
Частная коллекция

Автопортрет с перевязанным ухом, 1889 г.
Холст, масло. 60,5 х 50 см.
Галерея Курто, Лондон, Великобритания

Пара ботинок, 1887 г.
Холст, масло. 32,7 х 41,3 см.
Художественный музей, Балтимор, США

Подсолнухи в жёлтой вазе, 1889 г.
Холст, масло. 95 х 73 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Автопортрет в соломенной шляпе, 1887 г.
Холст, масло. 40,6 х 31,8 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Подсолнухи в вазе, 1889 г.
Холст, масло. 100 х 76 см.
Мемориальный музей искусств С. Того, Токио, Япония

Два срезанных подсолнуха, 1887 г.
Холст, масло. 50 х 60 см.
Музей искусств, Берн, Швейцария

Ваза с подсолнухами, 1889 г.
Холст, масло. 92,4 х 71,1 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

Звёздная ночь, 1889 г.
Холст, масло. 73,7 х 92,1 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Фигуры в саду, 1881 г.
Холст, масло. 87 х 114 см.
Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген, Дания

Ирисы, 1889 г.
Холст, масло. 71 х 93 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес, США

Рю Жувене, Руан, 1884 г.
Холст, масло. 55 х 48см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид , Испания

Кипарисы, 1889 г.
Холст, масло. 93,4 х 74 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Четыре бретонки, 1886 г.
Холст, масло. 71 х 91 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия

Пшеничное поле с кипарисами, 1889 г.
Холст, масло. 73,2 х 93,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Мартиника. Пейзаж, 1887 г.
Холст, масло. 115 х 88,5 см.
Национальная галерея, Эдинбург, Великобритания

Вспаханное поле и пахарь, 1889 г.
Холст, масло. 50,3 х 64,9 см.
Частная коллекция

Пришли и ушли. Мартиника, 1887 г.
Холст, масло. 72 х 92 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Оливковые деревья под жёлтым небом, 1889 г.
Холст, масло. 73,7 х 92,7 см.
Институт искусств, Миннеаполис, США

Бретонские девочки, 1888 г.
Холст, масло. 73 х 92,7 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

Оливковые деревья, 1889 г.
Холст, масло. 72,5 х 92 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Портрет Мадлен Бернар, 1888 г.
Холст, масло. 72 х 58 см.
Музей Гренобля, Гренобль, Франция

Пьета, 1889 г.
Холст, масло. 73 х 60,5 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Снопы пшеницы, 1890 г.
Холст, масло. 50,8 х 101,6 см.
Музей искусств, Даллас, США
Ирисы, 1890 г.
Холст, масло. 73,7 х 92,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Ирисы, 1890 г.
Холст, масло. 92,7 х 73,9 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Дорога с кипарисами и звездой, 1890 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
Дома в Овере, 1890 г.
Холст, масло. 60,6 х 73 см.
Музей искусств Толедо, Огайо, США
Кипарисы и две женщины, 1890 г.
Холст, масло. 43,5 х 27 см.
Музей ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Церковь в Овере, 1890 г.
Холст, масло. 94 х 74 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Портрет доктора Гаше, 1890 г.
Холст, масло. 67 х 56 см.
Частная коллекция
Пшеничное поле с воронами, 1890 г.
Холст, масло. 53 х 105 см.
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам, Нидерланды

Портрет мадам Рулен, 1888 г.
Холст, масло. 51 х 64 см.
Художественный музей, Сент-Луис, США
Видение после проповеди. Иаков борется с Ангелом, 1888 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Национальная галерея, Эдинбург, Великобритания
Пейзаж со свинопасом, 1888 г.
Холст, масло. 74 х 93 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США
Автопортрет, посвящённый Винсенту ван Гогу. «Отверженные», 1888 г.
Холст, масло. 45 х 55 см.
Музей Винсента ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Жёлтый Христос, 1889 г.
Холст, масло. 92,1 х 73,3 см.
Музей искусств, Буффало, США
Маленький бретонец с гусём, 1889 г.
Холст, масло. 92 х 71 см.
Собрание Поля Розенберга, Париж, Франция
Иди сюда, 1891 г.
Джут, масло. 72,4 х 91,4 см.
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Женщина с цветком, 1891 г.
Холст, масло. 70 х 46 см.
Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген, Дания
Ia Orana Maria, 1891 г.
Холст, масло. 113,7 х 87,6 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Дорога на Таити, 1891 г.
Холст, масло. 115,6 х 88,6 см.
Музей искусств Толедо, Огайо, США

ВЮЙАР, ЖАН ЭДУАР

Куда ты идёшь? 1892 г.
Холст, масло. 96 х 69 см.
Государственная галерея, Штутгарт, Германия

Городские сады, 1894 г.
Холст, масло. 213 х 308 см.
Музей Орсе, Пари, Франция

Когда свадьба? 1892 г.
Холст, масло. 101 х 77 см.
Музеи Катара, Доха, Катар

Женщина в полосатом платье, 1895 г.
Холст, масло. 65,7 х 58,7 см.
Национальная галерея искусств, Вашингтон, США

Что нового? 1892 г.
Холст, масло. 67 х 92 см.
Галерея новых мастеров, Дрезден, Германия

Сад в Вокрессо, 1920 г.
Холст, темпера. 151,1 х 110,8 см.
Метрополитен музей, Нью-Йорк, США

Дух мёртвых не дремлет, 1892 г.
Джутовое полотно, наклеенное на холст, масло. 73 х 92 см.
Музей искусств, Буффало, США

Портрет Джейн Ренквардт, 1927 г.
Холст, масло. 130,3 х 98 см.
Частная коллекция

Мата Муа. В прежние времена, 1892 г.
Холст, масло. 91 х 69 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Игра в карты, 1928 г.
Картон, бумага, темпера. 48,6 х 60,9 см.
Галерея искусств, Абердин, Великобритания

Три хижины, 1892 г.
Холст, масло. 41,2 х 67,1 см.
Музей изобразительных искусств Пола, Хаконе, Япония

Визит, 1931 г.
Холст, масло, темпера. 99,6 х 136 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

Бретонские крестьянки, 1894 г.
Холст, масло. 66 х 92,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Портрет Терезы Дорни, 1933 г.
Холст, бумага, темпера. 140 х 93 см.
Частная коллекция

Совершенные дни, 1896 г.
Холст, масло. 94 х 130 см.
Музей изобразительных искусств, Лион, Франция

Портрет графини Ланской, 1935 г.
Холст, масло. 87,7 х 80,5 см.
Частная коллекция

Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём? 1897–1898 гг.
Холст, масло. 139,1 х 374,6 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США

В парке Шато-де-Клей, 1938 г.
Холст, бумага, темпера. 155 х 135 см.
Частная коллекция

Золото их тел, 1901 г.
Холст, масло. 67 х 76,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

ГОГЕН, ПОЛЬ

ДАЛИ, САЛЬВАДОР

Сад Писсарро, Понтуаз, 1881 г.
Холст, масло. 65 х 54 см.
Частная коллекция

Постоянство памяти, 1931 г.
Холст, масло. 24,1 х 33 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

203

Дом для эротомана, 1932 г.
Дерево, масло. 14 х 18 см.
Частная коллекция

Бетховенский фриз, 1901–1902 гг.
Казеиновая краска, штукатурка, позолота, стенная роспись.
Дом сецессиона, Вена, Австрия

Пейзаж с загадочными деталями, 1934 г.
Дерево, масло. 72,8 х 59,5 см.
Фонд «Гала-Сальвадор Дали», Фигерас, Испания

Золотые рыбки, 1901–1902 гг.
Холст, масло. 181 х 66,5 см.
Художественный музей, Золотурн, Швейцария

Лицо войны, 1940 г.
Холст, масло. 79 х 64 см.
Музей Бойманса ван Бёнингена, Роттердам, Нидерланды

Портрет Эмилии Флёге, 1902 г.
Холст, масло. 178 х 80 см.
Венский музей, Вена, Австрия

Сон, навеянный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения, 1944 г.
Деревянная панель, масло. 41 х 51 см.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Блуждающие огоньки (фрагмент), 1903 г.
Досчатый деревянный холст, масло. 52,1 х 59,7 см.
Частная коллекция

Искушение Святого Антония, 1946 г.
Холст, масло. 89,5 х 119,5 см.
Королевский музей изящных искусств, Брюссель, Бельгия

Серебряные рыбки (Нимфы), 1903 г.
Холст, масло. 82 х 52 см.
Частная коллекция

Галатея сфер, 1952 г.
Холст, масло. 54 х 65 см.
Фонд «Гала-Сальвадор Дали», Фигерас, Испания

Три возраста женщины, 1905 г.
Холст, масло. 180 х 180 см.
Национальная галерея современного искусства, Рим, Италия

Галатея в момент творения, 1954 г.
Холст, масло. 100,6 х 101 см.
Частная коллекция

Водяные змеи I, 1904–1907 гг.
Пергамент, карандаш, акварель, сусальное золото. 200 х 50 см.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

ДЕНИ, МОРИС

Водяные змеи II, 1904–1907 гг.
Холст, масло. 80 х 145 см.
Частная коллекция

Католическое таинство, 1889 г.
Холст, масло. 97 х 143 см.
Музей Мориса Дени, Сен-Жермен-ан-Ле, Франция
Музы, 1893 г.
Холст, масло. 171 х 137,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Святые жёны у гроба, 1894 г.
Холст, масло. 74 х 100 см.
Музей Мориса Дени, Сен-Жермен-ан-Ле, Франция
Снятие с креста, 1901 г.
Холст, масло. 114 х 131 см.
Частная коллекция
Шествие, 1919 г.
Картон, масло. 50,5 х 75,4 см.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония
Семья художника, 1923 г.
Картон, масло. 100 х 125 см.
Частная коллекция
Вечернее шествие, 1926 г.
Холст, масло. 65 х 92 см.
Частная коллекция

КАНДИНСКИЙ, ВАСИЛИЙ
В чёрном квадрате, 1923 г.
Холст, масло. 97,5 х 93,3 см.
Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Белая точка, 1923 г.
Холст, масло. 73,3 х 91,5 см
Кунстхалле, Гамбург, Германия
Композиция VIII, 1923 г.
Холст, масло. 140,3 х 200,7 см.
Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Лирическое, 1923 г.
Гуашь, акварель, тушь, бумага. 36,8 х 36,2 см.
Частная коллекция

Надежда II, 1907–1908 гг.
Холст, масло, золото, платина. 110,5 х 110,5 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Поцелуй, 1908 г.
Фигуры — холст, масло, золото, серебро, платина.
Фон — латунь, масло, хлопья листового металла. 180 х 180 см.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия
Ожидание, 1911 г.
Аппликация, рисунок, калька, гуашь, пастель, графит, золото, платина,
серебро, бронза. 200 х 102 см.
Музей прикладного искусства, Вена, Австрия
Упоение, 1911 г.
Аппликация, рисунок, калька, гуашь, пастель, графит, золото, платина,
серебро, бронза. 200 х 102 см.
Музей прикладного искусства, Вена, Австрия
Смерть и жизнь, 1908–1916 гг.
Холст, масло. 178 х 198 см.
Музей Леопольда, Вена, Австрия
Адам и Ева, 1917–1918 гг.
Холст, масло. 173 х 60 см.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

КРОСС, АНРИ ЭДМОН
Вечерний воздух (фрагмент), 1893 г.
Холст, масло. 164 х 116 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Купальщицы, 1895 г.
Холст, масло. 73 х 53,6 см.
Частная коллекция

ЛЮС, МАКСИМИЛЬЕН

Круги в круге, 1923 г.
Холст, масло. 98,7 х 95,6 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

Сена в Эрбле, 1890 г.
Холст, масло. 50,3 х 79,3 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Чёрный и фиолетовый, 1923 г.
Холст, масло. 77,8 х 100,4 см.
Частная коллекция

Вид Лондона (Кэннон-стрит), 1893 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция

Непрерывная линия, 1923 г.
Холст, масло. 140,8 х 202 см.
Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия, Дюссельдорф, Германия

Монмартр, вид с улицы Корто на Сен-Дени, 1900 г.
Холст, масло. 40,6 х 50,2 см.
Частная коллекция

КЛИМТ, ГУСТАВ

Нотр-Дам. Вид со стороны улицы Сен-Мишель, 1900–1901 гг.
Холст, масло. 86,5 x 80,5 см.
Частная коллекция

Музыка, 1895 г.
Холст, масло. 27,5 х 35,5 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия
Медицина, 1897–1898 гг.
Холст, масло. 430 х 300 см.
Уничтожена в мае 1945 г.

204

Портрет Адели Блох-Бауэр I, 1907 г.
Холст, масло, золото, серебро. 140 х 140 см.
Новая галерея, Нью-Йорк, США

Установщики свай (фрагмент), 1902 г.
Холст, масло. 154 х 196 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

МАЛЕВИЧ, КАЗИМИР

Голая правда (Обнажённая истина), 1899 г.
Холст, масло. 252 х 56,2 см.
Театральный музей, Вена, Австрия

Музыкальный инструмент, 1913 г.
Дерево, масло. 87,5 х 73,5 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

Юдифь и Олоферн, 1901 г.
Холст, масло, золото. 84 х 42 см.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

Англичанин в Москве, 1914 г.
Холст, масло. 90,5 х 59 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

Дама на остановке трамвая, 1913–1914 гг.
Холст, масло. 92 х 92 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

Мадонна, 1894 г.
Холст, масло. 90 х 68,5 см.
Национальный музей, Осло, Норвегия

Гвардеец, 1913–1914 гг.
Холст, масло. 59 х 68,9 см.
Городской музей Стеделейкмюзеум, Амстердам, Нидерланды

Тревога, 1894 г.
Холст, масло. 93,5 х 73 см.
Музей Мунка, Осло, Норвегия

МАТИСС, АНРИ

Вампир, 1895 г.
Холст, масло. 91 х 109 см.
Музей Мунка, Осло, Норвегия

Зелёная полоса (Мадам Матисс), 1905 г.
Холст, масло. 40,5 х 32,5 см.
Государственный музей искусств, Копенгаген, Дания
Радость жизни, 1905–1906 гг.
Холст, масло. 176,5 х 240,7 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США

Четыре возраста жизни, 1902 г.
Холст, масло. 130,4 х 100,4 см.
Музей KODE, Берген, Норвегия

МУХА, АЛЬФОНС

Натюрморт, 1915 г.
Холст, масло. 180,9 х 220,8 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Афиша «Жисмонда» с Сарой Бернар, 1894 г.
Бумага, литография. 216 х 74,2 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Одалиска в красных штанах, 1921–1924 гг.
Холст, масло. 50 х 61 см.
Музей Оранжери, Париж, Франция

Лето из серии «Времена года», 1896 г.
Бумага, литография. 54 х 103 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Синие глаза, 1935 г.
Холст, масло. 45,7 х 38,1 см.
Художественный музей, Балтимор, США
Розовая обнажённая, 1935 г.
Холст, масло. 66,4 х 93,3 см.
Художественный музей, Балтимор, США

МОДИЛЬЯНИ, АМЕДЕО
Женщина, лежащая на кровати (Анна Ахматова), 1911 г.
Бумага, карандаш. 26,3 х 42,7 см.
Частная коллекция
Обнажённая, сидящая на диване, 1917 г.
Холст, масло. 100 х 60 см.
Частная коллекция
Портрет Жанны Эбютерн, 1918 г.
Холст, масло. 91,4 х 73 см.
Частная коллекция

МОНДРИАН, ПИТ

Зодиак, 1896 г.
Бумага, литография. 65,7 х 48,2 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия
Афиша «Дама с камелиями», 1896 г.
Бумага, литография. 207,3 х 76,2 см.
Частная коллекция
Грёзы, 1897 г.
Бумага, литография. 72,7 х 55,2 см.
Частная коллекция
Голова византийки. Брюнетка, 1897 г.
Бумага, литография. 34,5 х 28 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия
Голова византийки. Блондинка, 1897 г.
Бумага, литография. 34,5 х 28 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия
Танец и Поэзия, 1898 г.
Бумага, литография. 60 х 38 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Деревья, около 1912 г.
Холст, масло. 71,8 х 94 см.
Музей искусств Карнеги, Питтсбург, США

Времена суток, 1899 г.
(Утреннее пробуждение. Прелесть дня. Вечерние грёзы. Ночной отдых)
Бумага, литография. 107,7 х 39 см.
Фонд А. Мухи, Прага, Чехия

Таблица № 1, 1913 г.
Холст, масло. 96 х 64 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

РЕДОН, ОДИЛОН

Композиция с красным, синим и жёлтым, 1930 г.
Холст, масло. 45 х 45 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария
Ритм прямых линий, 1937–1942 гг.
Холст, масло. 72,2 х 69,5 см.
Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия, Дюссельдорф, Германия
Нью-Йорк I, 1942 г.
Холст, масло. 114,2 х 119,3 см.
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж, Франция
Бродвейский буги-вуги, 1942–1943 гг.
Холст, масло. 127 х 127 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Победный буги-вуги, 1942–1944 гг.
Холст, бумага, уголь, цветная клейкая лента, масло, карандаш. 178,4 х 178,4 см.
Художественный музей, Гаага, Нидерланды

МОРО, ГЮСТАВ

Дух-Хранитель вод, 1878 г.
Бумага, мел, уголь. 46,6 х 37,6 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Глаз-Воздушный шар, 1878 г.
Бумага, мел, уголь. 42,2 х 33,3 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Улыбающийся паук, 1881 г.
Бумага, мел, уголь. 49,5 х 39 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Закрытые глаза, 1890 г.
Холст, наклеенный на картон; масло. 44 х 36 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Циклоп, 1914 г.
Деревянная панель, картон, масло. 65,8 х 52,7 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ, ТЕО ВАН

Эдип и Сфинкс, 1864 г.
Холст, масло. 206,4 х 104,8 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

В июле, перед полуднем (Сад), 1890 г.
Холст, масло. 115,5 х 163,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

Прометей, 1868 г.
Холст, масло. 205 х 122 см.
Национальный музей Гюстава Моро, Париж, Франция

Прибрежная сцена, 1892 г.
Холст, масло. 51 х 61 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Гесиод и Муза, 1891 г.
Дерево, масло. 59 х 34,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Портовый вход в Волендам, 1896 г.
Холст, масло. 137,9 х 93,9 см.
Национальный музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Юпитер и Семела, 1895 г.
Холст, масло. 212 х 118 см.
Национальный музей Гюстава Моро, Париж, Франция

Время для загара, 1897 г.
Холст, масло. 329 х 228 см.
Новый музей, Веймар, Германия

МУНК, ЭДВАРД

Элизабет ван Рейссельберге, 1897–1898 гг.
Холст, масло. 40 х 31,5 см.
Частная коллекция

Отчаянье, 1892 г.
Холст, масло. 92 х 67 см.
Галерея Тильска, Стокгольм, Швеция
Крик, 1893 г.
Картон, масляная пастель, темпера. 91 х 73,5 см.
Национальная галерея, Осло, Норвегия

РЕРИХ, НИКОЛАЙ
Ангел последний, 1912 г.
Картон, темпера. 52,5 х 73,8 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

205

Матерь мира, 1924 г.
Холст на картоне, темпера. 97,8 х 65,4 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Дома в Провансе близ Эстаке, около 1883 г.
Холст, масло. 65 х 81,3 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США

Сжигание тьмы, 1924 г.
Холст, темпера. 88,5 х 117 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Эстак с красными крышами, 1885 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция

Помни, 1924 г.
Холст, темпера. 87,5 х 117,5 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Гора Сент-Виктуар с большой сосной, 1887 г.
Холст, масло. 66,8 х 92,3 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

Кришна, 1929 г.
Холст, темпера. 74 х 118 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Яблоки, 1889–1890 гг.
Холст, масло. 38,5 х 46 см.
Частная коллекция

Мадонна Лаборис (Труды Богоматери), 1931 г.
Холст на картоне, темпера. 84 х 124 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Автопортрет с палитрой, около 1890 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Собрание Фонда Эмиля Бюрле, Цюрих, Швейцария

София Премудрость, 1932 г.
Холст, темпера. 107,2 х 153 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Гора Сент-Виктуар, 1890 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция

Святые пещеры, 1932 г.
Холст, темпера. 107 х 153 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Игроки в карты, 1890–1892 гг.
Холст, масло. 135,3 х 181,9 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США

Белый камень, 1933 г.
Холст, темпера. 80 х 103 см.
Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Натюрморт с кувшином и фруктами, 1893–1894 гг.
Холст, масло. 43,2 х 62,8 см.
Частная коллекция

РУССО, АНРИ

Натюрморт с яблоками, 1893–1894 гг.
Холст, масло. 65,4 х 81,6 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес, США

Карнавальный вечер, 1886 г.
Холст, масло. 117,3 х 89,5 см.
Художественный музей, Филадельфия, США
Автопортрет с палитрой, 1890 г.
Холст, масло. 146 х 113 см.
Национальная галерея, Прага, Чехия
Таможня, 1890 г.
Холст, масло. 41 х 33 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания
Прогулка в лесу, 1890 г.
Холст, масло. 70 х 60 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария
Нападение в джунглях, 1891 г.
Холст, масло. 130 х 162 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания
Столетие независимости, 1892 г.
Холст, масло. 112 х 158 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес, США
Пейзаж и четыре девушки, 1895 г.
Холст, масло. 38,1 х 46 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США
Женщина в тропическом лесу, 1905 г.
Холст, масло. 100 х 80,6 см.
Фонд Барнса, Филадельфия, США
Портрет Пьера Лоти, 1906 г.
Холст, масло. 61 х 50 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария
Трапеза льва, 1907 г.
Холст, масло. 113,7 х 160 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Су-буа, 1893–1894 гг.
Холст, масло. 116 х 81 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США
Натюрморт с гипсовым купидоном, около 1894 г.
Деревянная панель, бумага, масло. 70,6 х 57,3 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания
Портрет Гюстава Жеффруа, 1896 г.
Холст, масло. 116 х 82 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Натюрморт с яблоками и апельсинами, 1900-e гг.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Натюрморт с кувшином молока и фруктами, 1900 г.
Холст, масло. 45,8 х 54,9 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Большие купальщицы, 1905 г.
Холст, масло. 210,5 х 250,8 см.
Художественный музей, Филадельфия, США
Натюрморт с яблоками и персиками, около 1905 г.
Холст, масло. 81,2 х 106 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Гора Сент-Виктуар, 1906 г.
Холст, масло. 57 х 97 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

СЕРЮЗЬЕ, ПОЛЬ

Заклинательница змей, 1907 г.
Холст, масло. 190 х 169 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Талисман, 1889 г.
Дерево, масло. 27 х 21,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Набережная Иври, 1907 г.
Холст, масло. 46,1 х 55 см.
Музей Артизон, Фонд Исибаси, Токио, Япония

Две бретонки под цветущей яблоней, 1892 г.
Холст, масло. 73,5 х 60,5 см.
Музей Тиссена-Борнемиссы, Мадрид, Испания

Повозка папаши Жюнье, 1908 г.
Холст, масло. 97 х 129 см.
Музей Оранжери, Париж, Франция

Ливень, 1893 г.
Холст, масло. 73,5 х 60 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Сон, 1910 г.
Холст, масло. 298 х 204 см.
Музей современного искусства (МоМА), Нью-Йорк, США

Борьба бретонцев, 1893 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

СЕЗАНН, ПОЛЬ

Урожай гречихи, 1899 г.
Холст, масло. 129,5 х 78, 5 см.
Институт искусств, Чикаго, США

Портрет отца, 1866 г.
Холст, масло. 200 х 120 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Купальщицы, 1875 г .
Холст, масло. 38 х 46 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Портрет мадам Сезанн в красном кресле, около 1877 г.
Холст, масло. 72,5 х 56 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Дома в зелени, 1881 г.
Холст, масло. 206 х 165 см.
Частная коллекция

206

Натюрморт с кувшином и драпировкой, 1893–1894 гг.
Холст, масло. 59 х 72,4 см.
Частная коллекция

Дочери Пелихтима, 1908 г.
Холст, масло. 162 х 100 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Бретонская девушка вяжет, 1920 г.
Холст, масло. 81,2 х 57,2 см.
Частная коллекция

СЁРА, ЖОРЖ-ПЬЕР
Купание в Аньере, 1884 г.
Холст, масло. 201 х 300 см.
Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Воскресный день на острове Гранд-Жатт, 1884–1886 гг.
Холст, масло. 207,5 х 308,1 см.
Институт искусств, Чикаго, США

В Мулен де ла Галетт, 1889 г.
Холст, масло. 88,5 х 101,3 см.
Институт искусств, Чикаго, США

Эйфелева башня, 1889 г.
Дерево, масло. 24 х 15 см.
Музей изобразительных искусств, Сан-Франциско, США

Танцы в Мулен Руж, 1889–1890 гг.
Холст, масло. 115,6 х 149,9 см.
Художественный музей, Филадельфия, США

Канкан, 1889–1890 гг.
Холст, масло. 170 х 141 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды

Сидящая танцовщица в розовом трико, 1890 г.
Картон, пастель. 56,8 х 46,4 см.
Частная коллекция

Канкан, эскиз, около 1890 г.
Холст, масло. 21,8 х 15,8 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

В ресторане Ла Ми, 1891 г.
Картон, масло. 53 х 67,9 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США

Пудрящаяся женщина, 1889–1890 гг.
Холст, масло. 95,5 х 79,5 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Великобритания

Ла Гулю. Афиша, 1891 г.
Бумага, литография. 170,2 х 118,7 см.
Художественный музей, Индианаполис, США

Цирк, 1890—1891 гг.
Холст, масло. 185 х 152 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Афиша Бюрана в кабаре «Амбассадор», 1892 г.
Бумага, литография. 150 х 100 см.
Музей Тулуз-Лотрека, Альби, Франция

СИМБЕРГ, ХУГО

Жанна Авриль танцует, 1892 г.
Картон, масло. 85,5 х 45 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Мороз, 1895 г.
Бумага, гуашь, акварель. 18 х 27 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия
Поток жизни, 1896 г.
Бумага, гуашь, акварель. 23,6 х 14,2 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия
Сад смерти, 1896 г.
Бумага, гуашь, акварель. 15,8 х 17,5 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия
Раненый ангел, 1903 г.
Холст, масло. 127 х 154 см.
Художественный музей Атенеум, Хельсинки, Финляндия

СИНЬЯК, ПОЛЬ
Портрет Феликса Фенеона, 1890 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,5 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Женщина, закалывающая волосы, 1892 г.
Холст, энкаустика. 70 х 59 см.
Частная коллекция
Женщины у колодца, 1892 г.
Холст, масло. 194,5 х 130 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Женщина с зонтиком, 1893 г.
Холст, масло. 81 х 65 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Жанна, выходящая из Мулен Руж, 1892 г.
Картон, гуашь, масло. 84,3 х 63,4 см.
Уодсворт Атенеум, Хартфорд, США
Ла Гулю входит в Мулен Руж, 1892 г.
Картон, масло. 79,4 х 59 см.
Музей современного искусства (МоМА), Нью-Йорк, США
Японский диван. Афиша, 1892–1893 гг.
Бумага, литография. 80,8 х 60,8 см.
Частная коллекция
Жанна Авриль в «Жардин». Плакат, 1893 г.
Бумага, литография. 129 х 93,5 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Танцующая Жанна Авриль, 1893 г.
Картон, масло, карандаш, графит. 99 х 71 см.
Частная коллекция
Иветт Гильбер на поклонах, 1894 г.
Бумага, уголь, масло, скипидар. 41,7 х 24,5 см.
Музей Тулуз-Лотрека, Альби, Франция
Клоунесса Ша-Ю-Као в Мулен Руж, 1895 г.
Холст, масло. 75 х 55 см.
Частная коллекция
В Мулен Руж, 1895 г.
Холст, масло. 123 х 140 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго, США

ШАГАЛ, МАРК

Во времена гармонии, 1893–1895 гг.
Холст, масло. 312 х 410 см.
Городская мэрия, Монтрёй, Франция

Я и моя деревня, 1911 г.
Холст, масло. 192,1 х 151,4 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Колокольня Сен-Тропе, 1896 г.
Холст, масло. 70,3 х 67,7 см.
Музей фонда Бемберга, Тулуза, Франция

Белла в белом воротничке, 1917 г.
Холст, масло. 149 х 72 см.
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж, Франция

Порт в Сен-Тропе, 1901–1902 гг.
Холст, масло. 131 х 161,5 см.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония

Крестьянская жизнь, 1925 г.
Холст, масло. 101 х 80 см.
Художественный музей в Буффало, Нью-Йорк, США

Гранд-канал в Венеции, 1905 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,1 см.
Музей искусств Толедо, Огайо, США

Ангел с палитрой, 1936 г.
Холст, масло. 131,5 х 89,7 см.
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж, Франция

Марсель. Нотр-Дам, 1906 г.
Холст, масло. 88,9 х 116,2 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Обручённые и Эйфелева башня, 1938–1939 гг.
Холст, масло. 150 х 136,5 см.
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж, Франция

Золотой рог. Минареты, 1907 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Частная коллекция

Сон в летнюю ночь, 1939 г.
Холст, масло. 116,5 х 89 см.
Художественный музей, Гренобль, Франция

Константинополь. Золотой Рог, 1907 г.
Холст, масло. 46,5 х 55 см.
Частная коллекция

Свадебные свечи, 1945 г.
Холст, масло. 123 х 120 см.
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария

Папский дворец в Авиньоне, 1909 г.
Холст, масло. 73,3 х 92 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Голубой цирк, 1950–1952 гг.
Холст, масло. 232,5 х 175,8 см.
Музей Марка Шагала, Ницца, Франция

Венеция. Розовое облако, 1909 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Галерея Альбертина, Вена, Австрия

ШИЛЕ, ЭГОН

Вход в порт Ла Рошель, 1921 г.
Холст, масло. 130,5 х 162 см.
Музей Орсе, Париж, Франция

Портрет Валли, 1912 г.
Дерево, масло. 32,7 х 39,8 см.
Музей Леопольда, Вена, Австрия

ТУЛУЗ-ЛОТРЕК, АНРИ ДЕ

Автопортрет с физалисом, 1912 г.
Дерево, масло. 32,2 х 39,8 см.
Музей Леопольда, Вена, Австрия

Сокольничий, граф Альфонс Тулуз-Лотрек, 1881 г.
Дерево, масло. 23,4 х 14 см.
Музей Тулуз-Лотрека, Альби, Франция

Объятия (Любовники), 1917 г.
Холст, масло. 100 х 170,2 см.
Верхний Бельведер, Вена, Австрия

207

СОДЕРЖАНИЕ
ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ, ПУАНТИЛИЗМ, ЭКСПРЕССИОНИЗМ,
МОДЕРН, СИМВОЛИЗМ, АБСТРАКЦИОНИЗМ, СЮРРЕАЛИЗМ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

4

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

7

ПОЛЬ ГОГЕН . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

31

ПОЛЬ СЕЗАНН . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

47

АНРИ РУССО . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

57

ЖОРЖ-ПЬЕР СЁРА . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

67

ПОЛЬ СИНЬЯК . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

73

МАКСИМИЛЬЕН ЛЮС . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

81

ШАРЛЬ ТЕОФИЛ АНГРАН . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

85

АНРИ ЭДМОН КРОСС . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

89

ТЕО ВАН РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

93

ПЬЕР БОННАР . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

97

МОРИС ДЕНИ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 105
ЖАН ЭДУАР ВЮЙАР . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 1 1
ПОЛЬ СЕРЮЗЬЕ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 1 7
ЭДВАРД МУНК . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 123
АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 129
ЭГОН ШИЛЕ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 133
АНРИ ДЕ ТУЛУЗ-ЛОТРЕК . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 137
АЛЬФОНС МУХА. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 143
ГУСТАВ КЛИМТ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 147
ГЮСТАВ МОРО . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 157
ОДИЛОН РЕДОН . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 6 1
ХУГО СИМБЕРГ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 165
НИКОЛАЙ РЕРИХ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 169
АНРИ МАТИСС . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 175
ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 179
ПИТ МОНДРИАН . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 183
КАЗИМИР МАЛЕВИЧ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 187
МАРК ШАГАЛ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 9 1
САЛЬВАДОР ДАЛИ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 195

УКАЗАТЕЛЬ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 202