/
Текст
Картинная галерея
ИМПРЕССИОНИЗМ
Издательство АСТ
Москва
1
УДК 75.03
ББК 85.14
И54
И54
Импрессионизм / Сост. И. Гордеева. — Москва : Издательство АСТ, 2025. — 192 с. :
[196] ил. — (Картинная галерея. Футляр с дверцами).
ISBN 978-5-17-170933-4
В конце XIX века изобразительное искусство претерпело изменения, после которых
ему так и не удалось вернуться к прежним формам, а его история разделилась на до
и после. Пятнадцатого апреля 1874 года в Париже прошла выставка, в которой приняли
участие Клод Моне, Камиль Писсарро, Эдгар Дега и многие другие живописцы, ставшие
важнейшими фигурами импрессионизма. Полотна мастеров критиковались за аморальность
и бессюжетность, а сами они зачастую не могли добыть средства к существованию, но
именно их работы заложили основы для свободного искусства XX века. В настоящую книгу
вошли шедевры двадцати живописцев, кардинально изменивших творческое пространство
своего времени.
УДК 75.03
ББК 85.14
ISBN978-5-17-170933-4
© ООО «Издательство АСТ», 2025
«Почему же все влюблены в живопись
импрессионистов? Не только потому,
что смотреть на их картины – чистое
наслаждение, эстетическое питание,
но и потому, что это единственная группа
художников, которые были абсолютно
позитивно настроены к миру».
Паола Волкова
3
«Импрессионизм – это лишь непосредственные
ощущения. Все великие художники были
импрессионистами, в той или иной степени».
Клод Моне
ИМПРЕССИОНИЗМ:
ИСКУССТВО СВЕТА
И ВПЕЧАТЛЕНИЙ
Импрессионизм — художественное направление, возникшее во Франции в конце
XIX века, которое произвело революцию в живописи и изменило восприятие искусства.
Основной акцент импрессионизма сделан на передаче ощущений от света и цвета
и восприятии объекта, а не на точном воспроизведении форм и деталей. Этот стиль стал
ответом на строгие правила академической живописи, предлагая художникам свободу самовыражения и простор для экспериментов.
ИСТОРИЧЕСКИЕ КОРНИ
Импрессионизм начал формироваться в 1860-х годах, когда группа молодых художников,
включая Клода Моне, Пьера Огюста Ренуара, Поля Сезанна, Эдгара Дега, Камиля Писсарро,
Берту Моризо, решила отойти от традиционных методов и тем. Их целью было запечатлеть
мгновения повседневной жизни, природы и изменений света в различных условиях.
«Импрессионизм» получил свое название от картины Клода Моне «Impression. Soleil levant»
(«Впечатление. Восходящее солнце»), которая была высмеяна критиками на первой выставке
импрессионистов в 1874 году за кажущуюся незавершенность и непривычный стиль.
4
ОСНОВНЫЕ ЧЕРТЫ
Импрессионисты использовали яркие, чистые цвета и короткие мазки кисти, чтобы создать
эффект движения и света. Они часто работали на открытом воздухе (en plein air), что
позволяло им наблюдать за изменениями в природе. Это стремление к непосредственному
восприятию мира привело к созданию новых подходов к композиции: художники стали
использовать нестандартные ракурсы и перспективы.
Импрессионисты также активно экспериментировали с цветом. Они отвергли традиционную
теорию смешения красок для достижения нужного оттенка, предпочитая наложение чистых
цветов рядом друг с другом. Это создавало эффект оптического смешения, когда зритель
воспринимал цветовые комбинации на расстоянии.
ТЕМАТИКА И СЮЖЕТЫ
Тематика импрессионизма разнообразна. Художники изображали сцены из повседневной
жизни, пейзажи, портреты и натюрморты. Особое внимание уделялось взаимодействию
человека с природой и городской средой. Например, Клод Моне запечатлел красоту садов
и водоемов, в то время как Пьер Огюст Ренуар сосредоточился на изображении людей,
их эмоций и отношений.
Одним из значительных аспектов импрессионизма стало внимание к свету. Художники
стремились передать его изменения в зависимости от времени суток и погодных условий.
Особенно это прослеживается в серийных работах Клода Моне, где одни и те же пейзажи
изображаются в разное время дня, демонстрируя разнообразие световых эффектов.
ВЛИЯНИЕ И НАСЛЕДИЕ
Импрессионизм оказал глубокое влияние на развитие искусства XX века. Он стал
предшественником многих направлений, включая постимпрессионизм, фовизм
и абстракционизм. Винсент Ван Гог, Поль Сезанн и другие художники продолжили
эксперименты с цветом и формой, расширяя границы живописи.
Сегодня работы импрессионистов считаются классикой и занимают важное место в музеях
и галереях по всему миру. Их влияние ощущается не только в живописи, но и в других
видах искусства, таких как фотография и кино, где стремление к передаче момента
и эмоций стало основным принципом.
5
6
ЭДУАРД
МАНЕ
«Мане, несомненно, имеет большое
влияние на современность. Именно он
нанес удар рутине, он пальцем показал
путь, по которому можно следовать,
он указал художникам своего времени
дорогу к природе».
Альбер Вольф
ЭДУАРД МАНЕ
( 1832-1883 )
Французский живописец и график, один из основоположников и вдохновителей импрессионизма, совершивший революцию
во французской живописи XIX века. На приглашения друзейимпрессионистов принять участие в их выставках Мане никогда не
отвечал согласием, мечтая «войти в Салон только через парадные
двери», но своим творчеством оказал огромное влияние на молодых
художников, в их числе были Клод Моне и Пьер Огюст Ренуар.
Эдуард Мане родился 23 января 1832 года в богатой буржуазной
семье в Париже. Ему была уготована карьера юриста, но ради призвания будущему художнику пришлось совершить кругосветное путешествие на корабле в качестве моряка. На заявление отца «кем
угодно, только не художником» Мане выбрал учебу в морской академии. Работы и наброски, привезенные им из путешествия, смягчили
властного отца, и он получил родительское разрешение поступить
в Академию изящных искусств. Помимо первых рисунков, Мане привез из Бразилии тень будущего проклятья — смертельную болезнь
атаксию, которая настигнет его спустя годы.
Художник поступил на обучение к Тома Кутюру, который впоследствии проголосует против участия картины своего ученика «Любитель абсента» в знаменитом Парижском салоне. Уже в первые годы
занятий живописью стиль Эдуарда Мане не вписывался в традиционные каноны академического искусства. Его не интересовали
аллегорические, мифические и исторические сюжеты. В отличие от
своих предшественников, Мане стремился запечатлеть современную жизнь, что отражалось в его выборе тем и подходе к живописи.
Фраза Мане «Я пишу то, что есть, а не то, чего нет» стала его девизом
на всю жизнь.
Слишком смелые для того времени сюжеты повседневной жизни
вместо героических сцен — портреты обычных людей вместо рыцарей, нимф и богинь — закрепили за Эдуардом Мане репутацию
скандалиста и бунтаря, способного шокировать общество и бросить
вызов устоям, хотя сам художник отчаянно жаждал всеобщего признания и славы.
Мане мастерски передавал атмосферу времени, используя яркие
цвета и свободные мазки. Его работы отличались эмоциональной
насыщенностью и живостью, что делало их уникальными. Он одним из первых использовал пленэр, улавливая изменчивость света
и цвета в природе.
8
Коррида, 1866 г.
Холст, масло. 89 х 109 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
В кафе, 1880-е гг.
Холст, масло, пастель. 32,5 х 45,5 см.
Художественная галерея и музей Келвингроув, Глазго, Шотландия
9
Завтрак на траве, 1863 г.
Холст, масло. 208 х 264 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Картина «Завтрак на траве» стала одной из самых резонансных в истории искусства
и закрепила за Эдуардом Мане скандальную славу провокатора, позволившего себе
не только написать вульгарный сюжет, но и пренебречь законами перспективы.
Что же именно вызвало общественный резонанс? Художник изобразил двух обнаженных женщин в компании прилично одетых мужчин, одна из них с вызовом смотрит на зрителей. В XIX веке подобный сюжет не мог найти не то что одобрения,
но даже понимания — эта сцена трактовалась исключительно в контексте распущенности
и вульгарности. Как и на картине «Олимпия», Мане не прикрыл скандальное изображение
мифологическим налетом.
Жюри французского Салона 1863 года с гневом отвергло картину, а также множество других работ молодых художников. Это вызвало негодование Наполеона III, и в противовес
официальному Салону император устроил в том же здании Салон отверженных. Именно
там зрители увидели полотно «Завтрак на траве» — так Эдуард Мане и его творение мгновенно стали самым обсуждаемым явлением культурной жизни Парижа, однако картина
была осмеяна и обрастала двусмысленными трактовками.
«Завтрак на траве» задумывался как продолжение живописной традиции и сюжетно перекликался с картиной «Сельский концерт» Джорджоне — в средневековом шедевре также
изображены две обнаженные женщины рядом с одетыми мужчинами. В вину художника
ставилось и пренебрежение законами перспективы — фигура женщины на заднем плане
почти такая же крупная, как фигуры на переднем плане. Новаторские открытия Эдуарда
Мане в 1863 году приняли за непрофессионализм.
10
Семья Моне в их саду в Аржантёе, 1874 г.
Холст, масло. 61 х 99,7 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
В лодке, 1874 г.
Холст, масло. 97,2 х 130,2 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
11
Олимпия, 1863 г.
Холст, масло. 130,5 х 190 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Картина «Олимпия»
стала самой
знаменитой
в жанре ню
в XIX веке.
«Олимпия» была создана в том же 1863 году,
что и картина «Завтрак на траве», и оба произведения вызвали неслыханный скандал
в Салоне отверженных. У «Олимпии» дежурили двое охранников, а саму картину можно
было увидеть, лишь задрав голову, — полотно
разместили под потолком, чтобы разъяренная толпа не разорвала произведение в клочья. В то время пощечиной общественному
мнению было все: от названия картины, в котором художник не стал оправдывать наготу
своей Олимпии мифологическим сюжетом,
до изображения обнаженной женщины, бесстыдно глядящей прямо на зрителя.
Источником вдохновения «Олимпии» считается картина Тициана «Венера Урбинская»,
над копиями которой Мане работал во время
своей учебы в Италии в 1850-х годах.
Позировала для «Олимпии» любимая натурщица Мане — Викторина Мёран.
13
Расстрел императора Максимилиана I, 1868 г.
Холст, масло. 252 х 305 см.
Кунстхалле, Мангейм, Германия
1868
«Расстрел императора Максимилиана I» — единственная картина
Эдуарда Мане с политической окраской. Художник ярко выразил
свою гражданскую позицию, проявив недовольство правлением
императора Наполеона III, в частности — попыткой завоевания им
Мексики.
В центре сюжета — расстрел мексиканцами Максимилиана, посаженного на трон Наполеоном накануне бегства французской армии.
Изображение зевак, наблюдающих за казнью из-за забора, создает
у зрителя ощущение, что он является не только свидетелем, но и соучастником жестокой расправы. Разумеется, картина была обречена
на забвение до самой смерти художника.
14
Железная дорога, 1873 г.
Холст, масло. 93 х 114 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
1873
Для картины «Железная дорога», созданной в 1873 году, как и для
«Олимпии» и «Завтрака на траве», Эдуарду Мане позировала любимая натурщица — Викторина Мёран, на этот раз прилично одетая.
Скандальную модель можно узнать лишь по прямому взгляду, направленному на зрителя.
На коленях Викторины мирно спит щенок — символ верности и преданности, а рядом стоит маленькая девочка — воплощение кротости
и невинности.
Жюри официального Салона не к чему было придраться, и картина
даже участвовала в выставке 1874 года, но долгожданного успеха
не произошло — художника снова обвинили в искажении перспективы и бессюжетности.
15
16
ЖАКОБ АБРААМ КАМИЛЬ
ПИССАРРО
«Камиль Писсарро – один из трех
или четырех настоящих художников
нашего времени… Я редко встречал
художественную технику, которая
была бы настолько совершенной».
Эмиль Золя
КАМИЛЬ ПИССАРРО
( 1830-1903 )
Мастер пленэра и деревенского пейзажа, один из вдохновителей
импрессионизма, сформулировавший его принципы и открывший
путь целой плеяде художников-новаторов, включая Поля Гогена
и Поля Сезанна.
Жакоб Абраам Камиль Писсарро родился 10 июля 1830 года на
острове Сен-Томас в семье и среде, далекой от живописи. Мальчику
было уготовано место купца в отцовской лавке, но интерес к искусству оказался сильнее. В возрасте 22 лет Камиль сбегает из отчего дома в Венесуэлу, где крепнет его намерение стать художником,
а после получает родительское благословение на переезд в Париж.
С 1855 по 1861 годы Камиль Писсарро учится в Школе изящных
искусств и в Академии Сюиса у таких мастеров, как Камиль Коро,
Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле. В Париже судьба сводит его
с юными Клодом Моне, Пьером Огюстом Ренуаром и Эдгаром Дега.
Писсарро активно участвует в первых выставках, организованных
художниками-импрессионистами, становится идейным вдохновителем и наставником Салона отверженных.
Железная дорога в Дьепп, 1886 г.
Холст, масло. 53,3 х 63,5 см.
Частная коллекция
18
Верность новому мятежному искусству и бунт против академической
живописи и официального Салона приводят художника к отчаянному финансовому положению, которое сохранится почти до конца его
дней.
Финансовые затруднения заставляют Писсарро перебраться в пригород Парижа — Понтуаз, а позже в Лювесьен, где в перерывах между работами в огороде он пишет восхитительные сельские пейзажи.
В 1870 году, в начале Франко-прусской войны, семьи Камиля Писсарро и Клода Моне переезжают в Лондон. Вынужденное бегство
приносит неожиданные плоды: художника покоряют лондонские
туманы, дожди и снегопады, а также акварели и полотна Уильяма
Тёрнера — «предтечи импрессионизма».
В Лондоне Камиля Писсарро настиг долгожданный финансовый
успех — французский коллекционер и галерист Поль Дюран-Рюэль,
покровитель отвергнутых импрессионистов, покупает у него два
пейзажа.
Ветряная мельница в Кнокке, 1894 г.
Холст, масло. 54 х 65 см.
Частная коллекция
19
Возможно, именно это событие придало непонятому художнику заряд веры, который еще
пригодится ему в предстоящей борьбе с лишениями и косностью общественного вкуса.
По возвращении в Лювесьен Камиля Писсарро ожидал разоренный дом, в котором немецкие солдаты устроили мясную лавку. Из 1500 картин мастера уцелело всего лишь 40 полотен.
С 1874 года Писсарро почти ежегодно принимал участие в выставках импрессионистов;
и только спустя 8 лет, когда большинство его коллег уже сдались, признание его таланта
подкрепилось финансово.
Автопортрет, 1873 г.
Холст, масло. 73 х 50 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
20
Огород, 1878 г.
Холст, масло. 55,2 х 45,9 см.
Художественный музей Бриджстоун, Токио,
Япония
Две молодые крестьянки, 1891 г.
Холст, масло. 89,5 х 116,5 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Кирпичный завод «Делафоли» в Эраньи, 1888 г.
Холст, масло. 58 х 72 см.
Частная коллекция
21
В 1880-х годах Камиль Писсарро начал экспериментировать с более свободной манерой
письма, что связано с влиянием постимпрессионизма. Он стал использовать более плотные цвета и абстрактные формы, значительно расширяя свой художественный диапазон.
Творчество Писсарро отличалось стремлением к передаче света и воздуха, деталей, прорисованных светом. В отличие от многих своих современников, он не ограничивался лишь
изображением пейзажей, обращаясь и к темам городской жизни и сельского труда.
Прачка, 1880 г.
Холст, масло. 73 х 59,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
22
Старый рынок в Руане, 1898 г.
Холст, масло. 81,3 х 65,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Птичий рынок в Жизоре, 1885 г.
Бумага на дереве, пастель, темпера. 82,2 х 82,2 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
В 1893 году тот самый коллекционер и галерист Поль Дюран-Рюэль, купивший пейзажи
молодого художника в Лондоне, организовал персональную выставку Камиля Писсарро,
предвосхищая если и не головокружительный триумф, то хотя бы официальное признание
мастера и конец его нищенского существования.
Жизнь Писсарро была наполнена творческими исканиями, благодаря которым ему удалось
достичь безупречного стилистического изящества, привнести целостность в художественное течение импрессионистов и реформировать пейзажную живопись. Стремясь к новому
и неизведанному, он искал вдохновение в отдаленных уголках Франции и Англии, но душой всецело принадлежал Парижу.
Камиль Писсарро скончался от осложнений, вызванных длительной и тяжелой простудой,
13 ноября 1903 года в Париже, где и был похоронен на крупнейшем кладбище Пер-Лашез.
23
ИНТЕРЕСНЫЕ
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Материальная помощь, оказанная Клодом
Моне Камилю Писсарро, позволила последнему приобрести в 1884 году дом в деревне Эраньи-сюр-Эпт. Именно там Камиль
вместе со своей хозяйственной супругой
Жюли основали настоящую ферму — с обширными садом, огородом, полями и домашним скотом. Семья художника питалась
продуктами собственного производства.
Деревенские пейзажи того времени символизировали истинную красоту жизни.
«Крестьянский период» в творчестве Писсарро занимает его последние 20 лет жизни. Он пишет пасторальные окрестности
Эраньи, а также труд и отдых простых крестьян — великолепные пейзажи, портреты
и жанровые сцены в технике пуантилизма.
В «Сборе яблок в Эраньи» художник создал стилизованную сцену сбора урожая во
французской провинции. Контрастные точки и маленькие мазки чистого, насыщенного цвета создают ослепительный эффект
яркого полуденного солнца.
Еще в 1882 году Пьер Огюст Ренуар назвал подход Писсарро к написанию быта
простого человека без идеализации
«революционным».
24
Сбор яблок в Эраньи, 1888 г.
Холст, масло. 61 х 74 см.
Музей искусств, Даллас, США
Сюжет картины «Снежный эффект в Монфуко» воспевает красоту природы и мирное сосуществование человека и животных. Основным контрастом является противопоставление
рыжих цветовых пятен, которыми написаны коровы, и вездесущего ярко-белого снега, укутывающего дорогу, деревья и крыши.
Снежный эффект в Монфуко, 1882 г.
Холст, масло. 55,5 х 46 см.
Частная коллекция
25
Площадь Французского театра, 1903 г.
Холст, масло. 72,39 х 92,71 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США
Натюрморт, 1867 г.
Холст, масло. 81 х 99,6 см.
Музей искусств, Толедо, США
26
Дорога из Версаля в Лувесьен, 1872 г.
Бумага, акварель. 19 х 25,2 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Мост Чаринг-кросс, 1890 г.
Холст, масло. 60 х 90 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
27
Хэмптон Корт Грин, 1891 г.
Холст, масло. 54,3 х 73 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
1891
28
Сады Тюильри зимним днем, 1899 г.
Холст, масло. 73,3 х 92,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
1899
29
«Бульвар Монмартр» относится к серии картин, на которых стареющий
и слепнущий, но наконец достигший признания Писсарро изображает Монмартр в разное время суток и при разных погодных условиях,
но всегда из одного гостиничного номера с тремя окнами.
На знаменитом городском бульваре кипит жизнь, которую художник
запечатлевает смелыми уверенными мазками.
В 2014 году картина «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» была продана на аукционе Сотбис за невероятную сумму — 32 млн. долларов
(19,9 млн. фунтов стерлингов). До этого события картина проделала долгий путь — из частной коллекции немецкого промышленника
Макса Зильберберга до музея Израиля в Иерусалиме.
Бульвар Монмартр. Весеннее утро, 1897 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция
30
Камиль Писсарро одержимо исследует бурную жизнь Монмартра,
и каждый раз бульвар обретает особенное неповторимое настроение. Ночной вид Монмартра написан широкими мазками в глубоких
синих и черных оттенках, в которых растворяются, словно поплывшие от дождя на стекле, желтые пятна фар, вывесок и фонарей.
Бульвар Монмартр ночью, 1897 г.
Масло, холст. 53,3 х 64,8 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
31
32
ОСКАР КЛОД
МОНЕ
«Мой сад – мой самый красивый шедевр».
Клод Моне
ОСКАР КЛОД МОНЕ
( 1840-1926 )
Французский художник, основоположник импрессионизма, один из
самых влиятельных мастеров в истории искусства, прошедший путь
от гонений, насмешек и нищеты до всемирной славы и признания.
Оскар Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже в семье
бакалейщика, но именно он дал жизнь самому термину «импрессионизм», который происходит от названия его картины «Impression.
Soleil levant», выставленной в 1874 году на первой выставке импрессионистов. Творчество Моне стало символом новой художественной эпохи, отвергнувшей общепринятые нормы ради поиска
новаторских способов живописи.
Мог ли кто-либо подумать, что юный карикатурист, продававший
свои работы по 20 франков и ненавидящий пленэры и пейзажи,
со временем станет мастером быстрого пейзажа? Художник изобрел способ письма, при котором состояние природы на пленэре
нужно запечатлеть как можно быстрее — пока капризная погода не
переменилась. Именно таким способом Моне создал целые серии
пейзажей (по несколько десятков полотен в каждой) с одним и тем
же сюжетом в разное время суток, при различных погодных условиях, в разные времена года.
Но до периода одержимости природой еще далеко; а пока пейзажист Эжен Буден тратит полгода на то, чтобы уговорить юного
Клода Моне выйти на пленэр и постепенно привить ему особое
видение красоты природы. «Три взмаха кистью на природе стоят
больше, чем два дня работы в мастерской», — внушал в 1857 году
33-летний Эжен 17-летнему Клоду. Последний учился в мастерской у Будена всего несколько месяцев, но узнал бы мир Монепейзажиста, если бы не их знакомство?
На вырученные с продаж карикатур деньги Клод Моне переезжает
из Гавра в Париж. Там он решает не поступать в Школу изящных искусств, отдав предпочтение независимой Академии Сюиса и вечерним посиделкам со спорами об искусстве в «Кабачке мучеников».
Клод Моне дал жизнь самому
термину «импрессионизм».
34
Ваза с цветами, 1882 г.
Холст, масло. 100,4 х 81,8 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Англия
Букет подсолнухов, 1881 г.
Холст, масло. 101 х 81,3 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Стог сена на закате, 1891 г.
Холст, масло. 73,3 х 92,7 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Стога сена (эффект снега и солнца), 1891 г.
Холст, масло. 65,4 х 92,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Женщины в саду , 1866 г.
Холст, масло. 255 х 205 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
В студии живописи Шарля Глейра Моне знакомится с художниками, которые в будущем
составят костяк группы импрессионистов — Эдгаром Дега, Камилем Писсарро, Пьером Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем.
В 1866 году, будто стараясь извиниться за злую шутку со службой в армии (которая досталась Клоду Моне в итоге неудачной жеребьевки), судьба преподносит художнику щедрый подарок — красавицу-жену Камиллу и первое признание официального Салона
за картину «Дама в зеленом платье», для которой позировала Камилла.
В 1874 году Моне и художники-единомышленники проводят первую импрессионистскую
выставку Салона отверженных, организованную в противовес Парижскому салону, в котором участвовали художники, придерживавшиеся академической манеры письма. Работы
бунтарей были встречены критикой и недоумением, но картина Клода Моне «Впечатление.
Восходящее солнце» стала символом нового направления в искусстве.
36
Сад принцессы, 1867 г.
Холст, масло. 91,8 х 61,9 см.
Мемориальный художественный музей Аллена, Оберлин, США
Огромную роль в жизни художника играла вода. Кочующий со своим большим семейством нищий художник всегда выбирал жилье поближе к воде. Некоторое время Моне даже работал
в плавучей мастерской — многочасовые наблюдения за движениями бликов и водорослей в толще воды не утомляли, а вдохновляли его. В последние годы жизни он сосредоточился на создании своего знаменитого сада в Живерни, который стал источником вдохновения для множества
его картин.
19 мая 1911 года умерла вторая жена Моне, Алиса Ошеде, прожившая с ним восемнадцать
лет. Это событие пошатнуло здоровье мастера, и всего через год у него была диагностирована двойная катаракта. Зрение и цветовосприятие уже не восстановились, но свою последнюю картину художник закончил, когда ему было 84 года, за два года до смерти.
Клод Моне скончался 5 декабря 1926 года от рака легких в собственном доме в Живерни
и был похоронен на местном церковном кладбище рядом с женой.
37
Вокзал Сен-Лазар: прибытие поезда, 1877 г.
Холст, масло. 81,9 х 101 см.
Художественный музей Фогга, Кембридж, США
Весна, 1872 г.
Холст, масло. 50 х 65 см.
Художественный музей Уолтерса, Балтимор, США
38
Мост Чаринг-Кросс, отражение в Темзе, 1901 г.
Холст, масло. 65,1 х 100,3 см.
Художественный музей, Балтимор, США
Мост Чаринг-Кросс, 1903 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция
39
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
На картине «Камилла Моне на скамейке в саду» изображена первая жена художника Камилла Донсье (1847—1879), позировавшая для многих его картин. На картине ярко контрастируют залитый солнечным светом цветник с неизвестной дамой
в верхнем левом углу и фигура Камиллы, находящаяся в тени. Выражение лица Камиллы отмечено печатью отчаянья, под глазами лежат темные тени. В руке она держит
письмо с известием о смерти отца, которое она получила в сентябре 1873 года. Мужчина за спиной Камиллы стоит в расслабленной позе, опершись на скамейку. Его мимика контрастирует с мимикой Камиллы, он кажется неуместно веселым. По разным версиям, мужчина в черном костюме и цилиндре, стоящий за спиной Камиллы, — поклонник,
или вестник смерти, или даже сама смерть, склонившаяся над своей жертвой. В одном
из писем Клод Моне упоминает его как безымянного соседа.
Камилла Моне на скамейке в саду, 1873 г.
Холст, масло. 60,6 х 80,3 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
40
Три тополя, лето, 1891 г.
Холст, масло. 93 х 73,5 см.
Национальный музей западного искусства,
Токио, Япония
Три тополя, осень, 1891 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Художественный музей, Филадельфия, США
Тополя, эффект ветра, 1891 г.
Холст, масло. 100 х 74 см.
Частная коллекция
(по другим данным — Музей Орсе, Париж, Франция)
41
Гранд-канал и Санта-Мария-делла-Салюте, 1908 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Частная коллекция
Этрета, 1883 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
42
Сан-Джорджо-Маджоре, сумерки, 1908 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Художественный музей Бриджстоун, Токио, Япония
Дворец дожей, 1908 г.
Холст, масло. 81 х 93 см.
Частная коллекция
43
Впечатление. Восходящее солнце, 1872 г.
Холст, масло. 48 х 63 см.
Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
Название картины «Впечатление. Восходящее солнце», выставленной на первой выставке
импрессионистов в 1874 году, дало имя новому дерзкому движению в мировой живописи.
Уже 25 апреля 1874 года на страницах парижской газеты «Шаривари» критик Луи Леруа
назвал молодых художников, бросивших вызов официальному Салону, унизительным эпитетом «импрессионисты»: «Впечатление, ну конечно. Я так и знал. Не зря же я под таким впечатлением! Но какая свобода, какая легкость фактуры! Обойная бумага в стадии наброска,
и та будет смотреться более проработанной, чем эта живопись!»
С легкой руки язвительного критика живопись, которой предстоит совершить переворот
в изобразительном искусстве, обретает имя.
У современников, привыкших к классической живописи, картины импрессионистов вызывали ощущение небрежного эскиза, сделанного мимоходом. Зрители первой выставки
импрессионистов поднимали картины и их авторов на смех, но через сто лет эти «подмалевки» будут стоить целые состояния.
44
Прогулка. Дама с зонтиком, 1875 г.
Холст, масло. 100 х 81 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Картина «Дама с зонтиком» написана на пленэре в один из ветреных летних дней, когда
семья Моне проживала в Аржантёе. Портрет жены художника Камиллы с их сыном Жаном
отличается несвойственным ранней живописи Клода Моне вниманием к модели. Художник написал фигуры с нижнего ракурса, поймав неуловимое движение, — кажется, что жена
и сын остановились лишь на мгновение.
Зелень луговых трав уравновешивается цветом изнанки парасоля в руках Камиллы.
Третьим и главным «персонажем» на картине Моне является солнечный свет, скользящий
по лицам героев и складкам одежды, развевающимся на ветру.
45
Этот городской пейзаж был написан с балкона фотографической студии Надара, находящейся на углу бульвара Капуцинок.
Клоду Моне в очередной раз удалось передать неосязаемую вещь — влажный зимний
воздух. Композиция картины представляет
собой вид сверху на оживленный бульвар
с прохожими, обозначенными быстрыми размытыми мазками. Критики упрекали Моне, называя данную манеру письма
«черным облизыванием языка».
Художник написал две версии «Бульвара
Капуцинок»: вертикальную и горизонтальную. Оба полотна были выставлены на первой выставке импрессионистов в 1874 году.
Бульвар Капуцинок, 1873 – 1874 гг.
Холст, масло. 80 х 60 см.
Художественный музей
Нельсона-Аткинсона, Канзас-Сити, США
Рыбаки на Сене под Пуасси, 1882 г.
Холст, масло. 60 х 82 см.
Верхний Бельведер, Вена, Австрия
46
1901
Ветёй на закате, 1901 г.
Холст, масло. 90 х 93 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
47
Руанский собор, западный фасад на солнце, 1892 г.
Холст, масло. 100,1 х 65,8 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
48
1893
Руанский собор, западный фасад, 1893 г.
Холст, масло. 100,1 х 65,9 см.
Национальная галерея искусства,
Вашингтон, США
1903
Знаменитый «Мост Ватерлоо» расцвечен розовыми отблесками
заката, создающими ощущение очертаний моста, ведущего в сказочный замок. Художник поймал мгновение заходящего солнца и нанес
смелые и яркие мазки на полотно, увековечив причудливую игру
света на поверхности моста и водной глади.
Мост Ватерлоо на закате, розовый эффект, 1903 г.
Холст, масло. 65,5 х 92,7 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
49
50
ПЬЕР ОГЮСТ
РЕНУАР
«Единственный способ выразить
свою признательность художнику –
купить его картину».
Пьер Огюст Ренуар
ПЬЕР ОГЮСТ
РЕНУАР
( 1841-1919 )
52
Один из самых ярких представителей импрессионизма,
равнодушный к работе на пленэре, но воплощающий художественные принципы данного направления в портретной
живописи.
Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года в городке
Лимож, а вырос в Париже, где с ранних лет проявлял интерес
к живописи. Его карьера началась с росписи фарфоровых
изделий; юный художник, рисовавший с необыкновенной
скоростью и точностью, быстро заработал на дом для своей
семьи и даже оплатил уроки рисования у Эмиля Синьоля.
В 1860-е годы Ренуар начал учиться в Школе изящных
искусств, а затем стал частью художественной группы, которая позже сформировала ядро импрессионизма.
Натюрморт с персиками и виноградом, 1881 г.
Холст, масло. 54 х 65,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Вдохновленный природой и повседневной
жизнью, он стремился запечатлеть свет и цвет
в своих работах. Одним из ключевых моментов
его карьеры стало участие в первой выставке импрессионистов в 1874 году с картинами «Танцовщица» и «Ложа»; продать удалось
только последнюю.
1881
Пьер Огюст Ренуар был известен своим умением передавать эмоции через цвет и свет
в портрете. Его картины наполнены жизнью
и радостью, что делает их особенно привлекательными. Он часто изображал сцены из жизни среднего класса, праздники и семейные
собрания.
Площадь Св. Марка в Венеции, 1881 г.
Холст, масло. 65,4 х 81,3 см.
Институт искусств, Миннеаполис, США
53
1887
Однако творчество Ренуара не ограничивалось только импрессионизмом. В 1880-х годах он начал экспериментировать с классическими формами и композициями, что прослеживается в таких
работах, как «Большие купальщицы». Эти картины отличались более
строгими линиями и формами, но при этом сохранили характерное
внимание художника к свету и цвету.
Личная жизнь Ренуара была достаточно насыщенной. После сорока
он женился на Алине Шариго, которая была в два раза его моложе.
Алина оставалась верным другом художника до конца его дней.
54
Большие купальщицы, 1887 г.
Холст, масло. 115 х 170 см.
Художественный музей, Филадельфия, США
В последние годы жизни Ренуар страдал от артрита; это ограничивало его подвижность, но не могло остановить творческий процесс — он просил привязывать кисть к руке и продолжал творить.
Его работы становились все более яркими и насыщенными, отражая
неутомимую любовь к жизни.
1913
В ноябре 1919 года Ренуар заболел воспалением легких. Его состояние
быстро ухудшалось, и 3 декабря художник скончался в собственном
доме в Кань-сюр-Мер. Он был похоронен на кладбище в Эссуа рядом
с любимой женой, которую пережил всего на четыре года.
Суд Париса, 1913 г.
Холст, масло. 73 х 92,5 см.
Музей искусств, Хиросима, Япония
55
Портрет мадам Шарпантье с детьми, 1878 г.
Холст, масло. 153,7 х 190,2 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
1878
«Портрет мадам Шарпантье» был написан в манере салонной живописи по заказу жены крупного издателя
и коллекционера картин импрессионистов. Нарочитая парадная поза женщины компенсируется мягкой манерой
письма Ренуара. Акцентный черный цвет платья мадам
Шарпантье выполнен сложной техникой рефлексов и бликов берлинской лазури.
Картина была благосклонно принята публикой и сделала
Пьера Огюста Ренуара востребованным портретистом.
56
Палаццо дожей, 1881 г.
Холст, масло. 54,5 х 65 см.
Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Вильямстаун, США
Алина и Пьер. Мать и дитя, 1887 г.
Холст, масло. 97 х 63 см.
Музей изящных искусств, Кливленд,
США
Мадам Ренуар и щенок Боб, 1910 г.
Холст, масло. 81 х 65 см.
Художественный музей Уодсворт Атенеум,
Хартфорд, США
57
Алжирская женщина, 1881 г.
Холст, масло. 84,5 х 59,7 см.
Музей изящных искусств, Сан-Франциско, США
Данные работы относятся к «Алжирскому»
периоду творчества Пьера Огюста Ренуара.
В 1881 году он предпринял путешествие
в Алжир (французскую колонию в Северной
Африке) и повторил поездку в следующем
году, но пробыл в Алжире гораздо меньше.
Ренуар был единственным из импрессионистов, кого увлекали восточные мотивы. Ради
необузданной красоты художник даже изменил своему привычному стилю, работая
смелыми контрастными мазками.
Алжирская девушка, 1881 г.
Холст, масло. 50,8 х 40,6 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Банановая плантация, 1881 г.
Холст, масло. 51 х 63 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Сад в Алжире, 1882 г.
Холст, масло. 65 х 80 см.
Частная коллекция
59
Имя юной модели «Девочки с лейкой»
не установлено, искусствоведы склоняются
к мнению, что художник просто запечатлел
случайного ребенка на прогулке. Девочка
держит лейку и ромашки и смотрит за пределы картины, что напоминает быстрый фотоснимок. Насыщенная цветовая палитра
и обилие солнечного света создают ощущение радости и счастья. Сюжет и манера
письма роднят работу Ренуара с картинами
Берты Моризо.
Девочка с лейкой, 1876 г.
Холст, масло. 100 х 73 см.
Национальная галерея искусства,
Вашингтон, США
Лягушатник, 1869 г.
Холст, масло. 66,5 х 81 см.
Национальный музей, Стокгольм, Швеция
60
Портрет Альфреда Сислея с женой, 1868 г.
Холст, масло. 105 х 75 см.
Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн, Германия
«Портрет Альфреда Сислея с женой» написан за 6 лет до
первой выставки импрессионистов и считается предтечей
этого живописного направления, так как передает мимолетное движение и впечатление художника от объекта
живописи. Картине присущи и черты традиционной манеры письма — анатомическая проработанность фигур и лиц
и внимание к деталям.
1868
Ренуар изобразил своего друга и художника Альфреда
Сислея с женой Мари, но позже исследователи не смогли
подтвердить сходство женщины на картине с чертами реальной жены Сислея.
61
62
Женщина с попугаем, 1871 г.
Холст, масло. 92,1 х 65,1 см.
Музей Соломона Гуггенхайма, США
Читающий Клод Моне, 1872 г.
Холст, масло. 61 х 50 см.
Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
На берегу моря (Алина Шариго), 1883 г.
Холст, масло. 92,1 х 72,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Зонтики, 1886 г.
Холст, масло. 115 х 180 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
1881
Завтрак гребцов, 1881 г.
Холст, масло. 130,2 х 175,6 см.
Коллекция Филлипса, Вашингтон, США
63
ЭДГАР
ДЕГА
«Искусство – не то, что вы видите,
но то, что заставляет видеть других».
Эдгар Дега
ЭДГАР ДЕГА
( 1834-1917 )
Французский художник, один из основателей движения импрессионизма.
Илер-Жермен-Эдгар де Га родился 19 июля 1834 в Париже в богатой
семье банкира. Будучи старшим ребенком, он должен был унаследовать семейное дело, но отец поддержал художественные начинания
сына. Эдгар поступил в Школу изящных искусств и копировал шедевры Лувра. Однако его обучение не ограничивалось только академическими традициями: художник много путешествовал по Италии,
где изучал работы мастеров Ренессанса, влияние которых впоследствии прослеживалось в его стремлении к композиционной строгости и вниманию к анатомии.
В шляпном магазине, 1882 г.
Холст, масло. 75,5 x 85,5 см.
Национальный музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид, Испания
66
Гладильщицы, 1882 – 1886 гг.
Холст, масло. 81,9 х 75,5 см.
Музей Нортона Саймона, Пасадина, США
Урок танцев, 1879 г.
Бумага, пастель. 65 х 56 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Прачки, 1878 г.
Холст, масло. 61 х 46 см.
Частная коллекция
67
Несмотря на то, что Эдгар Дега принял участие в 7 из 8 выставок импрессионистов, его
творчество не ограничивается рамками данного художественного направления. В отличие от большинства импрессионистов, Дега не был поклонником пленэра и естественного
освещения, его привлекал искусственный свет театральной рампы.
Творчество художника охватывает множество жанров, включая живопись, скульптуру и графику, но наибольшую известность он получил благодаря изображениям балерин и сцен
из жизни парижского общества.
Оркестр оперы, 1870 г.
Холст, масло. 56 х 45 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
68
Женщина, расчесывающая волосы перед
зеркалом, 1875 г.
Холст, масло. 46,7 х 32,4 см.
Музей Нортона Саймона, Пасадина, США
Женщина, расчесывающая волосы,
1888 – 1890 гг.
Бумага, пастель. 61,3 х 46 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Мисс Лала в цирке Фернандо, 1879 г.
Холст, масло. 117,2 х 77,5 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Танцовщицы у станка, 1900 г.
Холст, масло. 130 х 97 см.
Коллекция Филлипса, Вашингтон, США
69
Один из ключевых аспектов творчества Эдгара Дега — умение передавать движение.
Он часто изображал балерин и наездников в динамичных позах, запечатлевая моменты
выступлений, скачек, репетиций и ожидания за сценой. Сюжеты о мимолетности жизни
создавали иллюзию, что зрители являлись невольными свидетелями сцены, не предназначенной для посторонних глаз. Используя необычные ракурсы и перспективы, Дега создавал эффект присутствия, погружая зрителя в атмосферу театра или ипподрома.
Кроме того, художник активно экспериментировал с различными техниками. Он использовал пастель, акварель и масло, что позволяло ему добиваться уникальных цветовых решений и текстур. Его пастельные работы отличаются мягкостью и легкостью и подчеркивают
хрупкость изображаемых фигур.
Несмотря на свою популярность, Эдгар Дега был довольно замкнутым человеком, не любил
публичные выступления и предпочитал уединение.
Музыканты в оркестре, 1872 г.
Холст, масло. 69 х 49 см.
Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне, Германия
70
Личная жизнь художника была наполнена трагедиями: многие близкие ему люди ушли
из жизни, что оставило глубокий след в его душе. Переживания отразились и на творчестве
мастера — с годами оно становилось все более мрачным и интроспективным.
Разорившись, в 1912 году Дега переехал в маленькую студию на бульваре Клиши, где жил в
полном одиночестве, отказавшись от практически любых контактов с миром, за исключением редких встреч с немногочисленными друзьями, которые смирились с тяжёлым характером живописца. Из-за прогрессирующей слепоты он так и не смог вернуться к работе.
Художник, прославившийся благодаря портретам воздушных, изящных, нежных танцовщиц,
умер одиноким и нищим от кровоизлияния в мозг в окружении своих шедевров 27 сентября
1917 года и был похоронен в семейном склепе на кладбище Монмартра.
Танцовщицы, розовый и зеленый, 1890 г.
Холст, масло. 82,2 х 75,6 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
71
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
На картине «Сестры Беллелли (Джованна
и Джулиана)» Эдгар Дега изобразил своих
родственниц — дочерей тетки Лауры. Художник уже писал их несколькими годами
ранее («Портрет семьи Беллелли», 18581860), когда сестры были еще детьми. На
этом полотне Джулиане 15 лет, а Джованне — 17.
Мастер не расположил моделей фронтально: одна развернута вполоборота,
а другая — в профиль. Их фигуры занимают практически все пространство холста.
Девушки изображены в скромных платьях.
Колорит работы строится на сочетании
глубоких темных оттенков коричневого
и черного и небольших белых акцентов.
На контрасте со строгостью форм и цветов,
алый румянец на губах и щеках моделей
смотрится как украшение.
Сестры Беллелли, 1865 – 1866 гг.
Холст, масло. 92,1 х 72,4 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США
72
Колорит работы строится
на сочетании глубоких темных
оттенков.
В «Автопортрете», как и во всем творчестве Эдгара Дега, явно прослеживается влияние работ
коллег-предшественников. «Всему, что я делаю, — говорил художник, — я научился у старых
мастеров. Сам я не знаю ничего ни о вдохновении, ни о стихийности, ни о темпераменте».
Дега изобразил себя в костюме, с цилиндром и перчаткой в руке, на темном фоне. Мягкая
манера письма и кроткий мудрый взгляд сближает эту работу с шедеврами эпохи Возрождения.
1866
Автопортрет. Приветствие, 1866 г.
Холст, масло. 42 х 31,3 см.
Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия
73
«Танцевальный класс» написан по заказу
коллекционера Жана-Батиста Форе. На полотне изображено окончание урока и начало
перерыва, что можно заметить по свободным позам танцовщиц — кто-то общается друг
с другом, кто-то повторяет урок и поправляет
костюм под присмотром известного балетмейстера Жюля Перро, преподавателя класса
балета в Парижской опере. Композиционно
полотно обрезано, что создает ощущение документального снимка.
В работе контрастируют изящность и легкость фигур танцовщиц с их изможденностью, дощатым полом и серым, тяжело
нависшим потолком, показывая зрителю,
каким трудом даются артисткам балета репетиции и подготовка к развлекательным
представлениям.
Танцевальный класс, 1874 г.
Масло, холст. 77,2 х 83,5 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
На картине «Танцовщица» контрастируют
легкость и белизна балетной пачки с напряженной позой модели, потянувшей ногу
и растирающей ее. Художник поймал момент
закулисной жизни артистки балета, для которой профессиональная травма может дорого
обойтись.
«Танцовщица — всего лишь предлог для рисования», — утверждал Эдгар Дега.
За откровенные изображения закулисья без
прикрас художника обвиняли в очернении
высокого искусства, так как зрители и критики привыкли видеть лишь парадную сторону
балета.
Танцовщица, 1881 – 1883 гг.
Бумага, пастель. 62 х 49 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
74
Важный период жизни и творчества связывал
Эдгара Дега с Парижской оперой: он много
лет посещал не только спектакли, но и уроки
в театральных классах. Художник наблюдал
за изнанкой яркой балетной жизни — изнурительные репетиции, моменты закулисных
переодеваний, ожидания и подготовки.
Но на картине «Балерина с букетом в поклоне» мы видим фрагмент сцены, а не закулисье.
Получив прекрасный букет, главная героиня
одаривает зрителей поклоном и улыбкой.
Балерина с букетом в поклоне, 1877 г.
Бумага, пастель. 72 х 77,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Для картины «Абсент», первоначально названной «Эскиз французского кафе», затем — «Люди в кафе», за столиком в кафе
«Новые Афины» позировали художник Марселен Дебутен и актриса-звезда кабаре
«Фоли-Бержер» Эллен Андре, которая точно
передала образ опустившейся женщины —
безнадежность положения героини выдает
ее потухший взгляд и бокал с абсентом, явно
не первый.
Спутник женщины сердито смотрит в сторону, в то время как она сама безразлично
глядит прямо перед собой. Темная цветовая
гамма, понурая осанка героини и ее мимика
производят гнетущее впечатление на зрителя. Критики холодно отнеслись к «Абсенту»,
обвиняя Дега в вульгарности сюжета.
Абсент, 1873 г.
Масло, холст. 92 х 68,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
75
Излюбленными персонажами Эдгара Дега были балерины и лошади. И те, и другие отличаются ярко выраженной пластикой – их тела интересно рисовать в динамике.
К лошадям художник проявил интерес еще в самом начале своей карьеры, когда был
в Италии. Он с большим вниманием следил за традиционными римскими скачками на
Виа дель Корсо. По возвращении во Францию сцены лошадей и жокеев в его работах стали появляться гораздо чаще.
Выходные Дега проводил на парижском ипподроме «Лоншан», наблюдая за движением
лошадей и жокеев, чтобы точнее передать их на своих полотнах. Картину «Джентльмены
на скачках» художник написал в 1862 году, но в 1882 году поправил одежду персонажей
и дальний план пейзажа — за 20 лет вдали появились дымящие трубы заводов. Движения же
и фигуры лошадей и наездников были идеальны.
Джентльмены на скачках: наездники перед стартом, 1862 г.
Холст, масло. 48,5 х 61,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
76
Дега почти не изображал сам момент скачек, зато подготовку к состязаниям — с удовольствием. Он писал жокеев группами, тщательно продумывая композицию. Как правило,
художник делал быстрые эскизы на ипподроме, а завершал картину уже в мастерской.
Эдгар Дега внес значительный вклад в живопись своей эпохи благодаря уникальному стилю, склонности к перфекционизму и вниманию к пластике тела и важным деталям.
Перед скачками, 1884 г.
Панель, масло. 26,4 х 34,9 см.
Художественный музей Уолтерса, Балтимор, США
77
78
ВИЛЬГЕЛЬМ
ХАММЕРСХЁЙ
«В его картинах встречается до 50 оттенков
белого. Ракурсы фотографические,
удивительное кадрирование. С помощью
визуальных приемов Хаммерсхёй сочетает
что-то узнаваемое и что-то загадочное
в чувственной манере, которая может показаться
заманчивой и таинственной».
Аннет Розенволд Уайт
ВИЛЬГЕЛЬМ ХАММЕРСХЁЙ
( 1864-1916 )
80
Датский художник, чье творчество и жизнь стали символом тонкой
эстетики и глубокого внутреннего мира. Его полотна наполнены
недосказанностью, царящей в атмосфере уединения и раздумий.
За своеобразную работу с пустым пространством комнат и светом
живописец получил прозвище «датский Вермеер».
Вильгельм Хаммерсхёй родился 15 Мая 1864 года в Копенгагене
в семье ценителей искусства. Он начал изучать живопись в Королевской академии изящных искусств, где его вдохновляли как классические, так и современные направления.
Одна из особенностей творчества художника — уникальный стиль,
сочетающий элементы реализма и символизма. Хаммерсхёй известен картинами различных интерьеров, на которых изображены пустые комнаты, освещенные мягким, рассеянным светом, а фигуры
женщин создают ощущение таинственности и покоя. Художник умело использовал свет и тень, чтобы передать атмосферу уединения
и меланхолии.
Ключевая тема в его работах — одиночество. Картины «Ида читает
письмо» и «Интерьер с женщиной за пианино. Страндгед, 30» отображают внутренний мир человека, его мысли и чувства. Художник
работал в приглушенной цветовой гамме, используя рассеянный свет.
На полотнах Хаммерсхёя человек или отсутствует, или же максимально отстранен, как будто потерян в пространстве комнат, звенящих пустотой. Женские фигуры обычно изображены к зрителю спиной или
в профиль, что создает ощущение дистанции. Эмоциональное напряжение привлекает внимание и заставляет задуматься о ценности
жизни и человеческих отношений.
Ключевым мотивом
в работах Вильгельма Хаммерсхёя
является тема одиночества...
Несмотря на свою популярность в начале XX века, художник не искал публичного признания, оставаясь скромным человеком, предпочитающим уединение и покой. Его жизнь была наполнена простыми
радостями: чтением книг, прогулками по родному городу и общением с близкими. Много времени он проводил в своем доме в Копенгагене, который стал источником вдохновения для его работ.
Вильгельм Хаммерсхёй скончался от рака гортани, с которым боролся в течение нескольких лет, 13 февраля 1916 года в Копенгагене.
В поздние годы, подавленный тяжелой болезнью, смертью матери
и равнодушием критиков, он мало писал, но до самого конца с ним
оставалась любимая модель и супруга, Ида Ильстед. Она пережила
мужа на тридцать лет и была похоронена рядом с ним.
Ида в интерьере с пианино, 1901 г.
Холст, масло. 60 х 55 см.
Частная коллекция
81
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Ида читает письмо, 1899 г.
Холст, масло. 66 х 59 см.
Частная коллекция
82
Одна из первых работ, написанных Вильгельмом Хаммерсхёем в квартире на улице
Страндгед в Копенгагене, — картина «Ида читает письмо». Художник жил в этой квартире с женой Идой. Пустынное пространство с серыми стенами и белыми дверями стало
центральной темой творчества датского мастера. Неизменным персонажем его полотен
остается рассеянный свет, меняются местами лишь столы и стулья, пианино, диван и единственная модель — жена Ида.
Считается, что картина «Ида читает письмо» имеет два первоисточника. Первый — культовая картина «Аранжировка в сером и черном №1. Мать художника» американского
постимпрессиониста Джеймса Макнейла Уистлера, с которым Хаммерсхёй безуспешно
пытался встретиться после Всемирной выставки в Париже в 1889 году. На обоих полотнах
модели расположены в профиль и находятся в пустых комнатах с тусклым светом и многообразием оттенков серого.
Второй первоисточник — картина Яна Вермеера «Дама в голубом, читающая письмо».
Познакомиться с работами голландского мастера XVII века Хаммерсхёй мог во время
поездки в Голландию в 1887 году. Искусствоведы считают, что картина «Ида читает письмо»
является зеркальным отражением картины Вермеера.
1901
Интерьер с женщиной
за пианино. Страндгед,M30,
1901 г.
Холст, масло. 55,9 х 44,8 см.
Частная коллекция
83
84
КОНСТАНТИН
КОРОВИН
«Пейзаж нельзя писать без цели,
только за то, что он красив –
в нем должна быть история вашей души».
Константин Коровин
КОНСТАНТИН КОРОВИН
( 1861-1939 )
86
«Первый русский импрессионист», живописец, театральный художник, педагог, писатель.
Константин Коровин родился 5 декабря 1861 года в Москве в состоятельной купеческой семье, которая вскоре после разорения переехала в деревню Большие Мытищи. Следом за старшим братом
Константин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были выдающиеся мастера — Алексей
Саврасов и Василий Поленов. Последний познакомил ученика с меценатом Саввой Мамонтовым, а тот ввел художника в знаменитый
Абрамцевский кружок.
Как истинный импрессионист, Коровин часто писал на пленэре, что
позволяло ему уловить изменчивость природы, но, в отличие от
большинства коллег, для него не существовало запретных цветов —
он смело работал с насыщенной гаммой и даже с черным цветом.
Пушкин и муза, 1930 г.
Холст, масло. 235,5 х 170,7 см.
Частная коллекция
Константин Коровин быстро стал известен благодаря своему уникальному стилю, в котором сочетались элементы импрессионизма
и реализма. Его работы наполнены светом и цветом, что создает
ощущение легкости и воздушности. Художник умело использовал
световые эффекты, чтобы передать настроение и атмосферу момента. Он часто изображал пейзажи, городские сцены и портреты,
в которых чувствовалась живая энергия окружающего мира.
Ворота Сен-Мартен ночью, Париж, 1929 г.
Холст, масло. 60,5 х 81,5 см.
Частная коллекция
После успешных работ в качестве сценографа в Частной опере
Саввы Мамонтова, Коровин стал главным художником-декоратором
императорских театров: Большого и Малого — в Москве, Мариинского и Александринского — в Петербурге. Мастер привнес
в театрально-декорационное искусство «большой стиль» — зрелищность и яркую эмоциональную окраску.
87
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
На полотне «Карнавал возле Мулен де ла Галетт» ночной Париж полыхает морем огней и
ярких вывесок, по улицам разбредаются парочки и группки нарядных горожан. Все движется и мерцает, дрожат отражения и блики, в свете фонарей под волнующейся листвой разгуливают артисты, наряженные арлекинами и пьеро. Силуэты людей переданы несколькими
мазками, в легкой манере. В этой работе очевидно присутствие декоративной, зрелищной
манеры письма Коровина-сценографа.
Карнавал возле Мулен де ла Галетт, нач. XX в.
Картон, масло. 46 х 38 см.
Частная коллекция
88
Несмотря на известность и востребованность, Коровин пережил трудные времена в годы
революции и гражданской войны. Он любил Россию, но был вынужден эмигрировать
во Францию. В Париже художник продолжал творить, участвовал в выставках, но работал
на износ, пытаясь оплачивать непосильные счета за лечение жены и сына.
Константин тосковал по России, но находил в городских пейзажах и бурлящей жизни французской столицы утешение и новый источник вдохновения. Его работы того периода отличаются особой легкостью и игривостью, отражая торжество и радость жизни.
Невидимый град Китеж, 1930 г.
Картон, гуашь. 52 х 70,5 см.
Частная коллекция
89
90
Париж занимал огромное место в творчестве художника. На полотне «Кафе „Ла
Марин”» мы видим французскую столицу начала ХХ века, ночные огни, бульвар,
яркую вывеску, суету на веранде, нарядных
прохожих, праздно гуляющих под светом
фонарей. Зритель погружается в мастерски
воссозданную атмосферу города того времени.
Константин Коровин мечтал вернуться
в любимую Москву, но скончался на одной
из оживленных парижских улиц 11 сентября 1939 года. Обнищавшего художника
похоронили на Бийанкурском кладбище.
Спустя 11 лет его прах был перезахоронен
на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа рядом
с женой, Анной Фидлер, и их единственным
сыном.
Кафе «Ла Марин». Париж, нач. XX в.
Холст, масло.
Частная коллекция
91
92
АЛЬФРЕД
СИСЛЕЙ
«Оживление полотна –
одна из величайших трудностей живописи.
Наделить произведение искусства жизнью –
в этом, безусловно, одна из необходимейших
задач истинного художника».
Альфред Сислей
АЛЬФРЕД СИСЛЕЙ
( 1839-1899 )
Выдающийся французский художник, один из самых ярких представителей импрессионизма, чье творчество оставило неизгладимый
след в истории искусства.
Альфред Сислей родился 30 октября 1839 года в Париже в семье англичан, что придавало его жизни особую культурную многогранность.
В 1862 году он поступил в мастерскую Шарля Глейра, где познакомился с будущими соратниками-импрессионистами — Клодом Моне,
Фредериком Базилем, Пьером Огюстом Ренуаром.
Сислей был глубоко увлечен природой и стремился передать ее
красоту на своих полотнах. Его пейзажи отличаются легкостью
и свежестью, а также умением запечатлеть мгновения, полные света и движения. В отличие от многих своих современников, художник не стремился к экспериментам с формой или композицией; его
основное внимание было сосредоточено на цвете и атмосфере.
Темза близ Хемптон-Корта, 1874 г.
Холст, масло. 38 х 55,4 см.
Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Вильямстаун, США
94
Женщины, идущие в лес, 1866 г.
Холст, масло.
Музей искусства Бриджстоун, Токио, Япония
Мост Вильнёв-ла-Гаренн, 1872 г.
Холст, масло. 49,5 х 65,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
95
Пейзажи — одна из ключевых тем в творчестве Альфреда Сислея.
Художник часто работал на пленэре, что позволяло ему уловить изменчивость света и настроения природы. Картины «Мост
в Вильнев-ла-Гарен» и «Берега Луана» наполнены мягкими оттенками, передавая зрителю ощущение гармонии, покоя и умиротворения. Художник мастерски использовал отражения в воде, что
придавало его работам особую глубину.
В 1874 году он принял участие в первой выставке импрессионистов,
где его полотна были высоко оценены коллегами. Однако, несмотря на признание, за работами Сислея не выстраивались очереди
из покупателей, и художник испытывал финансовые трудности на
протяжении всей своей жизни. До самой смерти его творчество не
привлекало внимание ни коллекционеров, ни критиков, ни широкой публики.
Тропинка в Ле Саблон, 1883 г.
Холст, масло. 55 х 46 см.
Национальная галерея, Канберра, Австралия
96
БЕРТА
МОРИЗО
«Живопись нужна для того, чтобы
зафиксировать что-то проходящее».
Берта Моризо
БЕРТА МОРИЗО
( 1841-1895 )
Одна из самых значительных фигур в истории импрессионизма, ученица и натурщица Эдуарда Мане и единственная женщина-художник,
принявшая участие в семи выставках импрессионистов из восьми.
Берта родилась 14 января 1841 года в Париже в семье богатого торговца, что обеспечило ей доступ к образованию и искусству с раннего возраста. Она проявляла интерес к живописи с детства и, будучи
ученицей Эжена Делакруа, начала развивать свой собственный стиль.
Берта Моризо — одна из немногих женщин, которые активно
участвовали в импрессионистском движении. Она познакомилась
с Эдгаром Дега и Клодом Моне и вошла в их круг. В 1874 году художница приняла участие в первой выставке импрессионистов, что
стало важным шагом в ее карьере. Работы Моризо отличались особой чувствительностью и утонченностью, передавая эмоциональную глубину и атмосферу повседневной жизни.
Одной из ключевых тем творчества Берты Моризо были женщины и дети. Она часто изображала своих сестер, племянниц и друзей, запечатлевая их в естественных позах и деликатных моментах.
В 1878 году у Берты и Эжена Мане (брата Эдуарда Мане) родилась
дочь Жюли, которая стала главным источником вдохновения для
художницы.
Моризо демонстрирует мастерство в передаче света и цвета, а также умение уловить мимолетные эмоции. В ее картинах чувствуется
мягкость и нежность.
Художница экспериментировала с композицией и цветом, используя
яркие оттенки и динамичные мазки, и за свою экспрессивную манеру письма получала негативные отзывы критиков. Берта стремилась
передать не только внешность моделей, но и их внутренний мир, —
ее творчество стало предшественником более поздних направлений
живописи, включая фовизм и экспрессионизм.
Несмотря на мастерство, Берта Моризо сталкивалась с трудностями
в признании своего таланта. В обществе того времени женщинехудожнику было сложно добиться равноправия с мужчинами. Тем
не менее, она не сдавалась: продолжая работать и выставляться,
принимала участие в официальном Салоне, и ее картины постепенно начали привлекать внимание коллекционеров и критиков.
98
Берта Моризо скончалась от болезни легких 2 марта 1895 года
в Париже через три года после смерти ее супруга, Эжена Мане.
Жюли, дочь живописцев, которой тогда было всего шестнадцать,
взяли под опеку друзья Берты — Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар,
Стефан Малларме, благодаря чему девушка смогла начать собственную карьеру художника. Берта Моризо похоронена с мужем
в семейном склепе Мане на кладбище Пасси в Париже.
Летний день, 1879 г.
Холст, масло. 45,7 х 75,2 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
99
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Картина «После обеда» написана при помощи длинных, стремительных мазков, создающих
ощущение эскизности и незавершенности, в загородном доме, который арендовали Берта
и Эжен в Буживале, пригороде Парижа.
Картина вызвала восторженные отзывы на седьмой выставке импрессионистов в 1882 году,
а в 2013 году побила аукционный рекорд среди работ женщин-художниц — анонимный покупатель отдал за полотно 10,98 млн. долларов.
После обеда, 1881 г.
Холст, масло. 100 х 81 см.
Частная коллекция
100
Картина «В Англии» написана летом 1875 года во время медового месяца Берты и Эжена, который молодожены провели на севере английского острова Уайт. Во время отдыха Моризо часто писала на пленэре. Для этой картины она уговорила мужа позировать
ей у окна с видом на порт Каус. Художница предоставила зрителям возможность взглянуть
на мир глазами мужчины. На картине изображены также женщина с ребенком; исследователи творчества Моризо считают, что лицо женщины нарочно перекрыто оконной рамой,
чтобы подчеркнуть бесправное положение женщин в обществе.
В Англии (Эжен Мане на острове Уайт), 1875 г.
Холст, масло. 36 х 46 см.
Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
101
У колыбели, 1872 г.
Холст, масло. 56 х 46 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Картина «У колыбели», самая известная из работ Берты Моризо, является ярким примером
отличительного дара художницы — умения наблюдать и воспевать красоту повседневности.
На картине изображена сестра Берты, Эдма, с новорожденной дочерью. Художницу связывали с сестрой не только узы крови, но и крепкая дружба, построенная на увлечении
живописью. После замужества Эдма целиком посвятила себя семье и перестала писать,
но сцены из ее жизни вдохновляли Берту на творчество.
Картина была представлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году. Берта Моризо
оказалась единственной женщиной-художницей среди участников выставки, но ее работа
осталась в тени. Впоследствии наследники Эдмы передали картину «У колыбели» вместе
с другими полотнами Моризо в дар Лувру. Сегодня она находится в музее Орсе.
102
Девушка с кошкой, 1892 г.
Холст, масло. 55 х 45 см.
Частная коллекция
Портрет неизвестной модели с кошкой выполнен в присущей темпераменту Берты Моризо
манере: быстрые, экспрессивные, длинные мазки и великолепная передача настроения и характера модели. Натурщица уверенно смотрит на зрителя, на ее руках сидит
черная кошка. На этом полотне, как и во всем творчестве художницы, отражены культурные ограничения, установленные обществом XIX века для женского пола. Но уверенный и даже дерзкий взгляд модели согласуется со стремлением Берты к творческой
и личной свободе.
103
104
ГЮСТАВ
КАЙБОТТ
«Я стараюсь писать честно и быть
достойным того, чтобы мои картины
повесили в прихожей гостиной,
где будут висеть Сезанн и Ренуар».
Гюстав Кайботт
ГЮСТАВ КАЙБОТТ
( 1848-1894 )
106
Французский художник, чье творчество занимает особое место
в истории импрессионизма; меценат, коллекционер, куратор импрессионистских выставок, один из основателей собрания парижского музея Орсе.
Густав Кайботт родился 19 августа 1848 в Париже в обеспеченной
семье. Изначально он обучался праву, но вскоре понял, что его истинное призвание — живопись.
На первую выставку импрессионистов в ателье Надара Кайботт
попадает в качестве зрителя, и это событие полностью переворачивает его жизнь. Уже во второй выставке импрессионистов он принимает участие и как художник, и как куратор-меценат, взяв на себя
большую часть материальных и организационных хлопот. Гюстав
поддерживает бедствующих импрессионистов, приобретая их картины для будущей коллекции Лувра.
Гребец в цилиндре, 1878 г.
Холст, масло. 90 х 117 см.
Частная коллекция
Человек на балконе, бульвар Осман, 1880 г.
Холст, масло. 116 х 89 см.
Частная коллекция
Портреты в сельской местности, 1876 г.
Холст, масло. 95 х 111 см.
Музей барона Жерара, Байё, Франция
Стиль живописи Гюстава Кайботта выходит за рамки канонов импрессионизма, и его ранние работы уже демонстрировали уникальный взгляд на окружающий мир. В то время как другие художники
стремились передать атмосферу света и цвета, Кайботт фокусировался на композиции и перспективе. Он часто использовал необычные
ракурсы и углы обзора, несколько точек зрения, экспериментировал
с перспективой.
В отличие от большинства коллег, Густав был финансово независим
и мог позволить себе не писать ради куска хлеба, но его судьба сложилась драматически. Ранняя смерть младшего брата оказала на художника сильное влияние — Кайботт завещал свою коллекцию картин
Франции и резко поменял образ жизни, переехав из шумного Парижа
в загородное поместье.
Почти все картины последнего периода — пейзажи, передающие красоту окружающей природы. 21 февраля 1894 года, во время работы
над очередным полотном в своем саду, Гюстав Кайботт ушел из жизни от кровоизлияния в мозг (по другой версии — из-за отека легких)
и был похоронен на кладбище Пер-Лашез в Париже.
107
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Картина «Паркетчики» написана в будущей мастерской художника, в доме на улице Миромениль. На ежегодном официальном Салоне работу отвергли: вместо пышных Венер
и купидонов Кайботт написал вульгарный по меркам тех времен сюжет — трех рабочих,
соскребающих лак с паркета. Художник изобразил их в идеальной классической манере,
но с верхнего ракурса, который был раскритикован Эмилем Золя как «взгляд свысока».
Паркетчики, 1875 г.
Холст, масло. 102 х 146,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
108
Картина «Парижская улица в дождливый день» — ода индустриальному и прогрессивному
Парижу, обожаемому молодым Гюставом и презираемому зрелым Эдгаром Дега. Художник
снова играет с перспективой, разворачивая перед зрителем полотно серого города.
Картина была выставлена на третьей выставке импрессионистов, хотя по масштабу, композиции и настроению работа ближе к постимпрессионизму. Американские исследователи
считают Кайботта концептуальным импрессионистом, так как художник долго и тщательно
выверял точность композиции, а не следовал за мимолетным впечатлением, присущим импрессионизму. Европейские исследователи относят творчество живописца к чистому реализму с некоторой долей экспериментов в импрессионистской манере.
«Парижская улица в дождливый день» стала частью коллекции Института искусств в Чикаго
только в середине XX века — первоначально родственники художника продали ее основателю автомобильной корпорации Chrysler, а следующим покупателем был музей.
Парижская улица в дождливый день, 1877 г.
Холст, масло. 212,2 х 276,2 см.
Институт искусств, Чикаго, США
109
110
ФРЕДЕРИК
БАЗИЛЬ
«Я надеюсь, что если я когда-нибудь
что-то сделаю, то, по крайней мере,
у меня будет заслуга в том,
что я никого не копирую».
Фредерик Базиль
ФРЕДЕРИК БАЗИЛЬ
( 1841-1870 )
Французский художник, один из ярких основоположников импрессионизма, путь которого оборвала Франко-прусская война.
Фредерик Базиль родился 6 декабря 1841 года в Монпелье в семье
состоятельного винодела. Он учился в мастерской Шарля Глейра,
где сошелся с Клодом Моне, Альфредом Сислеем и Пьером Огюстом
Ренуаром. В отличие от своих товарищей, Базиль не испытывал
финансовых проблем, и, хоть и выборочно, его работы принимались
официальным Салоном.
Он предпочитал работать на пленэре и изображать сцены повседневной жизни, фокусируясь на взаимодействии людей и природы.
Его картины наполнены яркими цветами и динамичными композициями, что создает ощущение непосредственности и живости.
Молодая женщина с опущенными глазами, 1868 г.
Холст, масло. 46 х 38 см.
Частная коллекция
112
Вид на деревню, 1868 г.
Холст, масло. 130 х 89 см.
Музей Фабра, Монпелье, Франция
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Картина «Купальщики» изображает восемь отдыхающих на берегу реки молодых мужчин
в летний солнечный день. Вдохновением для работы стала природа побережья реки Лез
на юге Франции, где вырос художник.
Полотно пронизано ностальгией по детству и написано незадолго до трагической смерти
Базиля. Картина была выставлена на Парижском салоне в 1870 году и получила массу критических замечаний.
Купальщики (Летняя сцена), 1869 г.
Холст, масло. 160,7 х 160 см.
Художественный музей Фогга, Кеймбридж, США
114
Фредерик Базиль был тем редким примером мастера, которому
не приходилось нищенствовать и голодать даже после того, как
он признался семье (обеспеченным буржуа), что променял престижную профессию врача на сомнительную участь живописца.
Несмотря на успехи в искусстве, жизнь Фредерика была короткой
и трагичной. В 1870 году, во время Франко-прусской войны, он отправился на фронт добровольцем. 28 ноября 1870 года, за девять
дней до своего 29-летия, он возглавил атаку на немецкие позиции
в битве под Бон-ла-Роланд, но был убит на поле боя и похоронен отцом на кладбище в Понпелье, неподалеку от фамильного поместья.
Работы Фредерика Базиля стали получать признание после его
смерти. Сегодня он считается одним из основоположников импрессионизма. Его картины находятся в крупнейших музеях мира, включая Лувр и музей Орсе в Париже.
Жизнь и творчество Фредерика Базиля — это история о страсти
к искусству, о стремлении передать красоту мгновения и о трагической судьбе талантливого художника, который успел оставить глубокий след в истории живописи.
Его картины наполнены
яркими цветами и динамичными
композициями, что создает
ощущение непосредственности
и живости.
116
РИЧАРД ЭДВАРД
МИЛЛЕР
«Миллер почти всегда уделял внимание
рисунку и структуре больше, чем его
коллега. Модели, которых он выбирал,
сильно отличались от моделей Фриске,
они были более пронзительны и красивы,
что отличало его стиль от работ Ренуара».
Уильям Гердтс
РИЧАРД ЭДВАРД МИЛЛЕР
( 1875-1943 )
Американский художник, удостоенный ордена Почетного легиона
Франции.
Ричард Эдвард Миллер родился 22 марта 1875 года в Сент-Луисе
и с раннего возраста проявлял интерес к искусству. Он получил
основательное образование и развил свои художественные навыки
в Школе изящных искусств Вашингтонского университета.
После завершения учебы в Америке, Миллер добился стипендии для
обучения в Академии Жюлиана от Ассоциации студентов Школы изящных искусств Сент-Луиса и отправился в Париж. Это событие стало
поворотным моментом в его карьере.
Послеобеденный чай, 1910 г.
Холст, масло. 100,3 х 81,3 см.
Художественный музей, Индианополис, США
118
Художник погрузился в атмосферу европейского искусства и познакомился с импрессионистами и постимпрессионистами, чьи идеи
оказали значительное влияние на его стиль. В этот период вдохновения и новых идей лейтмотивом творчества Ричарда стали сцены из
жизни парижских кафе и яркие портреты праздных женщин, совершающих туалет или глядящихся в зеркало, в интерьерах и на пленэре.
Вернувшись в США, Миллер начал активно выставлять свои работы.
Его картины отличались яркими цветами и смелыми композициями,
а также акцентом на световых эффектах. Его женские портреты, полные чувственности и эмоциональности, были особенно привлекательными для зрителей.
Женщина с зеркалом, 1940 г.
Холст, масло. 40 х 32,5 см.
Колумбийский музей, Джорджия, США
119
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Одним из наиболее известных произведений Ричарда Эдварда Миллера является картина «Утренний солнечный свет»,
на которой изображена женщина в расслабленной позе, окруженная яркими цветами
и мягким светом.
Несмотря на то, что модель стоит спиной
к солнечному свету, льющемуся из раскрытого окна, свет заливает в комнате абсолютно все и отражается в прозрачной вазе,
на поверхности стола и на лице женщины,
расставляющей в вазе цветы. Печальное
выражение ее лица подчеркнуто контрастирует с ярко-красными цветами и жизнерадостным солнечным фоном.
Утренний солнечный свет, ок. 1914 г.
Холст, масло. 100,3 х 81,3 см.
Частная коллекция
120
Ричард Эдвард Миллер был известен и как
педагог. Он делился своим опытом с молодыми художниками, преподавая живопись
в различных учебных заведениях, включая
Чикагский художественный институт и Университет штата Мичиган. Его уроки были основаны на принципах импрессионизма, но
он также поощрял студентов к экспериментам и поиску собственного стиля.
Алое ожерелье, нач. XX в.
Холст, масло. 68 х 75 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США
Ричард Эдвард Миллер скончался в 1943 году, оставив после себя богатое наследие.
Сегодня его работы находятся в коллекциях
многих известных музеев Америки, включая
Музей Метрополитен в Нью-Йорке и Институт искусств в Чикаго. Творчество мастера продолжает вдохновлять современных
художников и ценителей искусства, а его
вклад в развитие американской живописи
не может быть переоценен.
Ожерелье, ок. 1924 г.
Холст, масло. 76,8 х 71,1 см.
Смитсоновский музей американского
искусства, Вашингтон, США
121
122
ФРИДРИХ КАРЛ
ФРИСКЕ
«Это солнечный свет,
цветы в солнечном свете,
девушки в солнечном свете,
обнаженная натура в солнечном свете,
которая меня больше всего интересовала...
Если бы я только мог воспроизвести
это в точности так, как я это вижу,
я был бы доволен».
ФРИДРИХ Карл Фриске
ФРИДРИХ КАРЛ ФРИСКЕ
( 1874-1939 )
Выдающийся художник-импрессионист, чья жизнь и творчество оставили заметный след в мире искусства.
Родившийся 7 апреля 1874 года в небольшом городке Овоссо, штат
Мичиган, Фридрих Карл Фриске с детства проявлял склонность
к рисованию. Ранняя смерть матери заставила его семью переехать
во Флориду, а воспитание бабушки отразилось на увлечении живописью. Однако окончательное решение о выборе профессии пришло
к Фридриху лишь в 19 лет после посещения художественной выставки в Чикаго.
Читающая девушка, 1903 – 1904 гг.
Холст, масло. 65,4 х 81,3 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США
124
Фриске продолжил свое образование в Институте искусств Чикаго и Лиге студентов-художников в Нью-Йорке. В 1898 году он
переехал во Францию, которая стала для него второй родиной,
и обосновался в Париже, затем — в живописной деревне Живерни, известной своими красочными пейзажами и художественной
атмосферой. В кругу коллег-импрессионистов Фридрих развивал
свой стиль, хотя сам себя считал самоучкой, утверждая, что опыт
важнее формального обучения.
Обнаженная, сидя за туалетным столиком, 1909 г.
Холст, масло. 131,1 х 162,3 см.
Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, США
125
В Живерни Фриске был соседом знаменитого Клода Моне, однако сам не ощущал его влияния
на свои работы. Фридрих сблизился с другими художниками, что способствовало творческому
росту. В это время он сформировал свой уникальный стиль — перешел от импрессионизма
к постимпрессионизму и создал направление, известное как «декоративный импрессионизм».
Основной темой его работ стали женские портреты в солнечных интерьерах и цветущих садах.
Фридрих Карл Фриске уделял особое внимание игре света и теней, что придавало его
картинам уникальную атмосферу. Его работы были высоко оценены современниками,
и в 1909 году они произвели фурор на биеннале в Венеции. В 1923 году Фриске стал одним
из основателей Салона Тюильри.
Девушка с большим зонтом, 1910 г.
Холст, масло. 145,1 х 195,6 см.
Художественный музей Северной Каролины, Роли, США
126
В 1920 году Фридрих с женой и шестилетней дочерью переехали на ферму в Ле-Менильсюр-Бланжи в Нормандии, где художник провел последние годы своей жизни. Он перешел
на более темную палитру, а приемы светотени приобрели особую выразительность.
Фриске умер от кровоизлияния в мозг 28 августа 1939 года в возрасте 65 лет и был похоронен на местном кладбище, так и не сумев вернуться на родину.
В течение жизни художник был удостоен множества наград и даже получил звание Кавалера
Ордена Почётного Легиона — редкость для американских живописцев того времени.
Творчество Фридриха Карла Фриске — яркий пример того, как личный опыт и влияние
различных культур могут переплетаться, создавая уникальный художественный язык.
Среди мальв, около 1911 г.
Холст, масло. 64,8 х 81,3 см.
Национальная академия дизайна, Нью-Йорк, США
127
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Девушка у зеркала, 1915 г.
Холст, масло. 81,3 х 65,4 см.
Художественный музей,
Индианополис, США
На картине «Девушка у зеркала» художник не избежал увлечения восточным искусством:
об этом говорит и одеяние модели, напоминающее кимоно, и внимание к деталям интерьера. Колорит полотна на удивление сдержанный, в отличие от остальных работ, главным
персонажем которых всегда оставался солнечный свет. Но сама поза модели, направление
движения кисти и узоры на шелковом халате напоминают вышивку на ширмах и роспись
на керамических сосудах.
128
Женский портрет, 1930 г.
Холст, масло. 92,4 х 73,7 см.
Смитсоновский музей американского искусства,
Вашингтон, США
«Женский портрет» выполнен в спокойных, пастельных тонах и передает атмосферу умиротворения. Крупный кактус в горшке на переднем плане сочетается с узорами на занавесках, а круглая плоскость столика — с настенным веером, раскрытым за плечом модели.
Такие сочетания формы и цвета задают особый ритм картине. Сама модель непривычно
смотрит прямо на зрителя, что не характерно для скромных моделей Фриске, как и отсутствие жизнерадостного солнечного света — комнату пронизывает тусклый свет, который
вместе с равнодушным и даже уставшим выражением лица модели создает ощущение тягостно протекающего времени.
129
130
УИЛЬЯМ МЕРРИТ
ЧЕЙЗ
«Учитесь у фотографов, они знают толк
в правильном построении кадра».
Уильям Меррит Чейз
УИЛЬЯМ МЕРРИТ ЧЕЙЗ
( 1849-1916 )
Американский художник, чье творчество оказало значительное влияние на развитие живописи в США в конце XIX — начале XX века.
Уильям Меррит Чейз родился 1 ноября 1849 года в городе Ниневе и с раннего возраста проявлял интерес к искусству. В 18 лет он
уехал в Нью-Йорк учиться в Национальной академии дизайна, а затем продолжил обучение в Европе, сделав выбор между Парижем
и Мюнхеном в пользу последнего.
Девушка XVII века, 1895 г.
Холст, масло. 92,7 х 60,3 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
132
Чейз — один из первых художников, кто привнес элементы импрессионизма в американскую живопись. Его стиль отличался яркой
палитрой и свободной манерой письма, позволяющей полнее передавать игру света и атмосферу. Он часто использовал естественное освещение для создания эффектных композиций, что стало его
визитной карточкой. Чейз работал и с портретами, и с пейзажами,
уделяя особое внимание деталям и текстуре.
Уильям Меррит Чейз был и прекрасным преподавателем живописи. Ученики восхищались увлеченным наставником, на их глазах за
считаные минуты создавались шедевры. Чейз преподавал в главных художественных школах Америки: Лиге студентов-художников,
Бруклинском художественном училище, Художественном институте Чикаго, Пенсильванской академии изящных искусств, Хартвордской школе искусств. В 1880-х годах он открыл свою школу искусств
в Нью-Йорке и руководил Летней пленэрной школой в ШиннекокХилл, где обучал молодых художников. Его методика обучения основывалась на принципах свободного самовыражения и смелых
экспериментах с формой и цветом.
Завтрак под открытым небом, 1888 г.
Холст, масло. 95,1 х 144,1 см.
Музей искусств, Толедо, США
133
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Прятки, 1888 г.
Холст, масло. 69,8 х 91,4 см.
Коллекция Филлипса, Вашингтон, США
134
На картине «Прятки» светлые пятна детских
платьев резко контрастируют с темной глубиной зала; лишь тоненькая полоска света пробивается из-за двери, к которой идет одна из
девочек. Фигура девочки на переднем плане
обрезана, что создает иллюзию фотоснимка.
1890
Важной частью творчества Уильяма Меррита Чейза стали натюрморты и жанровые
сцены. Он изображал людей в повседневной жизни, что придавало его работам особую эмоциональность.
Одной из самых известных его картин является «Девушка в японском костюме», которая отражает утонченность и красоту женской натуры.
К данному мотиву и этой модели Чейз обращался неоднократно. Он менял позу девушки и интерьер, но модель всегда позировала ему в синем кимоно.
На этом портрете цвет кимоно приглушенноголубой, почти серый, он идеально сочетается с цветом глаз модели. Румянец на ее
губах и щеках перекликается с алым поясом и узорами на кимоно.
Девушка в японском костюме, ок. 1890 г.
Холст, масло. 62,5 х 39,8 см.
Бруклинский музей, Нью-Йорк, США
135
1892
За свою жизнь Уильям Меррит Чейз сумел
добиться настоящего признания не только
своего художественного, но и преподавательского таланта. Он умер в собственном
доме в Нью-Йорке, окруженный многочисленным семейством и преданными
учениками, и был похоронен на кладбище
Грин-Вуд в Бруклине.
Лидия Эммет, 1892 г.
Масло, холст. 182,9 х 91,8 см.
Бруклинский музей, Нью-Йорк, США
136
ИМПРЕССИОНИЗМ
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Импрессионизм — не просто стиль живописи,
но философия восприятия мира через призму
света, цвета и эмоций. Он открыл новые
горизонты для художников и зрителей, позволив
каждому увидеть красоту повседневной жизни
в ее мгновениях.
Импрессионисты научили нас ценить не только
конечный результат, но и сам процесс восприятия
окружающего мира, что делает их искусство
актуальным и по сей день.
137
«Всякая материальная смесь ведет не только
к затемнению, но и к обесцвечиванию,
всякая оптическая смесь, наоборот,
ведет к ясности и блеску».
ПОЛЬ СИНЬЯК
ПУАНТИЛИЗМ:
ИСКУССТВО ТОЧЕК
И ЦВЕТОВ
Пуантилизм — уникальное направление в живописи, возникшее в конце XIX века, которое
стало логическим продолжением импрессионизма. Основной принцип пуантилизма
заключается в использовании маленьких точек чистого цвета, которые, располагаясь рядом
друг с другом, создают иллюзию формы и света.
Это движение стало знаковым для развития живописи и оказало значительное влияние
на последующие художественные течения.
ИСТОРИЧЕСКИЕ
КОРНИ
Пуантилизм возник в 1880-х годах благодаря работам таких художников, как Жорж Сёра
и Поль Синьяк. Сёра, в частности, разработал технику, известную как «систематическое
наложение точек», которая позволяла передавать свет и цвет более точно и научно
обоснованно. Эта методика основывалась на теории оптики и восприятия цвета,
утверждающей, что чистые цвета сливаются на определенном расстоянии, создавая
новые оттенки.
138
ТЕХНИЧЕСКИЕ
ОСОБЕННОСТИ
Основная техника пуантилизма заключается в наложении множества маленьких точек
или мазков кисти прямо на холст без предварительного смешивания на палитре.
Художники использовали три основных или аддитивных цвета: красный, зеленый и синий,
что позволяло добиться яркости и насыщенности, воздушности и объема. При взгляде
на картину с близкого расстояния зритель видел лишь отдельные точки, которые при
отдалении от картины сливались в целостное изображение.
ТЕМАТИКА
И СЮЖЕТЫ
Тематика пуантилистов охватывает широкий спектр жанров — от пейзажей и бытовых
сцен до портретов и натюрмортов. Одно из самых известных произведений — картина
«Воскресный день на острове Гранд-Жатт» Жоржа Сёра. Это масштабное полотно
демонстрирует не только мастерство в использовании точек, но и глубокое понимание
человеческой природы и общественной жизни того времени.
ВЛИЯНИЕ
И НАСЛЕДИЕ
Пуантилизм оказал значительное влияние на развитие искусства XX века. Он стал
предшественником таких направлений, как фовизм и абстракционизм. Художники,
вдохновленные пуантилизмом, продолжили эксперименты с цветом и формой, что привело
к новым художественным открытиям.
Сегодня работы пуантилистов находятся в коллекциях крупнейших музеев мира, а их
техники изучаются в художественных школах. Пуантилизм остается актуальным
и вдохновляет современных творцов на создание уникальных произведений искусства.
139
139
140
ЖОРЖ-ПЬЕР
СЁРА
«Я хочу свести фигуры современных людей
к их сути, заставить их двигаться так же,
как на фресках Фидия, и расположить
на полотне в хроматической гармонии».
Жорж Сёра
ЖОРЖ-ПЬЕР СЁРА
( 1859-1891 )
Представитель постимпрессионизма и родоначальник пуантилизма,
чье творчество произвело настоящую революцию в живописи конца
XIX века.
Жорж-Пьер Сёра родился 2 декабря 1859 года в состоятельной семье
в Париже и с ранних лет проявлял интерес к живописи. В Школе
изящных искусств он изобрел свой метод, основанный на научных
принципах восприятия цвета и света — пуантилизм (фр. pointillisme,
от «точечность», point — точка). Сложные цвета разделялись на близко расположенные простые цвета и изображались в виде точек;
таким образом цвета смешивались не на палитре или холсте, а при
взгляде зрителя с удаленного от картины расстояния.
Жорж Сёра пытался теоретизировать искусство и отвести художнику роль ученого-ремесленника, который, владея методом, мог бы
создавать шедевры, не нуждаясь в такой изменчивой вещи, как талант. Однако формулировать теоретическую основу своего метода
художник не собирался — его больше занимали творческие поиски
на практике. Помочь изложить идеи пуантилизма вызвался его соратник — художник Поль Синьяк, а позже — критик Феликс Фенеон,
который изобрел термин «неоимпрессионизм». Камиль Писсарро
окрестил метод Жоржа Сёра «научным импрессионизмом».
Одним из самых известных произведений художника, демонстрирующим стиль пуантилизма, является картина «Воскресный день
на озере Гранд-Жатт», созданная в 1884—1886 годах. Эта работа
не только свидетельствует о техническом и новаторском мастерстве
автора, но и отражает дух времени — эпоху, когда буржуазия наслаждалась праздностью и свободой.
Другая значимая картина Сёра — «Купание в Аньере», написанная
в 1884 году. Это произведение также выполнено в технике пуантилизма и изображает людей, купающихся в реке. В отличие от предыдущей работы, «Купание в Аньере» обладает более спокойной
атмосферой и интимностью. Художник сосредоточился на передаче
света и движения, что создает ощущение легкости и свободы. Работа стала важным этапом в развитии Жоржа Сёра как мастера, способного передать эмоции и состояние природы через эксперименты
с цветом и светом.
142
Считается, что «Купание в Аньере» составляла пару с «Воскресным
днем на острове Гранд-Жатт» для демонстрации контраста между
отдыхом высшего общества и рабочего класса. Картина «Купание
в Аньере», которую Жорж Сёра писал целый год, была отвергнута официальным Салоном, но выставлена в Салоне независимых
художников, где не осталась без внимания.
На этом полотне нет легкости, присущей импрессионизму — кажется,
даже воздух застыл. Техника пуантилизма создает ощущение остановки времени. Композиция строго продумана, а исключительно
мужские фигуры простых рабочих похожи на каменные изваяния.
Купание в Аньере, 1884 г.
Холст, масло. 200 х 300 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
143
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Масштабное полотно «Воскресный день на озере Гранд-Жатт» изображает отдыхающих
на берегу. Озеро было популярно у парижан и называлось островом любви, поскольку там
можно было познакомиться и найти любовь, в том числе и за деньги.
Жорж Сёра работал над полотном 2 года. Отойдя от импрессионизма, художник использовал
маленькие точки чистого цвета, которые сливались в восприятии зрителя, создавая яркие
цветовые пятна. Несмотря на то, что картина в глазах многих выглядела монументальной,
тяжелой и неподвижной, именно она принесла славу своему автору на последней, восьмой
выставке импрессионистов в 1886 году.
Воскресный день на озере Гранд-Жатт, 1886 г.
Холст, масло. 207,5 х 308,1 см.
Институт искусств, Чикаго, США
144
Под конец жизни в творчестве художника
появляется тема театральных представлений и бурной ночной жизни Парижа, он
пишет «Канкан» и «Парад».
Не менее интересна и картина «Цирк»,
написанная в 1891 году и ставшая последней работой Жоржа Сёра. Это произведение демонстрирует увлечение художника
театром и цирком, отражая динамику
и радость представления. На полотне изображены акробаты и зрители, погруженные в атмосферу веселья и восторга. Сёра
использует яркие цвета и контрастные
пятна, чтобы создать ощущение движения
и энергии. Эта работа стала своеобразным
итогом его творческого пути, объединяя
элементы реализма и символизма.
В марте 1891 года, за несколько дней до
смерти художника, полотно было представлено на выставке Салона независимых живописцев.
Цирк, 1890 – 1891 гг.
Холст, масло. 185 х 152 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Жорж-Пьер Сёра умер в Париже 29 марта
1891 года от инфекционного заболевания,
природу которого так и не удалось установить. Он был похоронен на кладбище
Пер-Лашез вместе с сыном, пережившим
отца всего на две недели.
Жорж Сёра изобретает свой
живописный метод, основанный
на научных принципах восприятия
цвета и света – пуантилизм.
145
146
ПОЛЬ
СИНЬЯК
«Пуантилист выбирает способ выражения,
при котором он наносит цвет на холст
небольшими точками, а не размазывает его
по всей поверхности».
Поль Синьяк
ПОЛЬ СИНЬЯК
( 1863-1935 )
Французский художник, один из ведущих представителей постимпрессионизма и основоположник неоимпрессионизма. Его творчество стало знаковым в контексте художественных поисков конца
XIX — начала XX века, когда молодые творцы стремились к новым
формам выражения и понимания света и цвета.
Поль Синьяк родился 11 ноября 1863 года в Париже. С раннего возраста он проявлял интерес к искусству, а выставки импрессионистов
вдохновляли его на поиски собственного стиля. Под впечатлением
от работ таких мастеров, как Жорж Сёра и Клод Моне, Поль начал
экспериментировать с цветом и светом.
Личное знакомство с Жоржем Сёра в 1886 году оказало значительное влияние на его творческий путь. Поль Синьяк стал не только
писать в технике пуантилизма, изобретенной Сёра, но и популяризировать метод своего товарища и учителя.
Портрет Феликса Фенеона, 1890 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,5 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
148
Портретные работы Поля Синьяка не отличаются той искренностью
и непосредственностью восприятия, как его пейзажи, но среди них
выделяется «Портрет Феликса Фенеона» на эмалевом фоне, ритмизованном размерами и углами, тонами и красками. Персонаж
изображен на фоне орнаментальных контрастных узоров, которые
закручивают взгляд зрителя в визуальную воронку. Сама фигура
будто застыла во времени и напоминает изваяние.
1893
В исследовании «От Эжена Делакруа к неоимпрессионизму» (1899)
Поль Синьяк описывает и защищает принципы пуантилизма, раскрывает историю зарождения метода и подчеркивает важность
научного подхода к живописи — через теорию колористики и цветовосприятия. Он считал, что цвет можно использовать для передачи
эмоций и настроений, а не только для изображения реальности.
Женщины у колодца, 1892 г.
Холст, масло. 195 х 131 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Женщина с зонтиком, 1893 г.
Холст, масло. 81 х 65 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
149
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
После преждевременной смерти Жоржа Сёра Поль Синьяк стал отходить от рассудочного
и монументального пуантилизма — не только писал мазками вместо точек, но и разрабатывал свой уникальный, более эмоциональный и чувственный метод, основанный на том
же сочетании контрастных цветов. «Я все больше и больше ненавижу мелкую точку и сухость», — напишет художник чуть позже.
Золотой рог. Минареты, 1907 г.
Холст, масло. 73 х 92 см.
Частная коллекция
150
1905
На картине «Гранд-канал в Венеции» Поль Синьяк изобразил вид на величественную архитектуру зданий Доган-да-Мар и Мария-делла-Салюте. Цветовое решение строится на контрастных сочетаниях розовых, желтых, синих и фиолетовых оттенков, а манера, в которой
написана картина, создает ощущение мозаики, смягчающейся по мере удаления от полотна.
В отличие от картины Эдуарда Мане «Большой канал в Венеции», полотно Поля Синьяка
композиционно охватывает более широкий вид на Гранд-канал, предоставляя зрителю возможность оценить его красоту как бы издалека.
Поль Синьяк умер от сепсиса, вызванного продолжительной болезнью, в Париже, 15 августа
1935 года. Он был похоронен на кладбище Пер-Лашез. Несмотря на свой вклад в искусство, мастер долгое время оставался в тени более известных коллег, однако его влияние на последующие поколения художников, включая фовистов и абстракционистов, невозможно переоценить.
Гранд-канал в Венеции, 1905 г.
Холст, масло. 73,5 х 92,1 см.
Музей искусств, Толедо, США
151
152
МАКСИМИЛЬЕН
ЛЮС
«Максимильен Люс – честный художник
с грубым талантом».
Феликс Фенеон
МАКСИМИЛЬЕН ЛЮС
( 1858-1941 )
154
Французский художник-неоимпрессионист, живописец, график
и иллюстратор, чье творчество стало важной вехой в развитии
постимпрессионизма и символизма. Активный деятель анархистского движения. Участник всех выставок Салона независимых
художников, а после смерти Поля Синьяка — глава Салона.
Максимильен Люс родился 13 марта 1858 года в Париже в семье,
которая не имела отношения к искусству, но с раннего возраста проявлял талант к рисованию. Начал путь в живописи с изучения ремесла офортиста и гравера, занимался иллюстрацией, позже увлекся
методом разделения цвета Жоржа Сёра. Его ранние работы отражали влияние импрессионизма, но вскоре он начал развивать свой
собственный стиль, сочетая элементы символизма и декоративности.
Максимильен Люс представлял свои работы на всех выставках Салона
независимых, чем привлекал внимание критиков и коллекционеров.
Его картины отличались яркими цветами и сложными композициями,
спектр тем был широк — от пейзажей до портретов и жанровых сцен.
Как и все «независимые», он не всегда находил понимание среди современников — его работы воспринимались как слишком авангардные.
1890
В 1900-х годах Люс начал экспериментировать с абстракцией, что
предвосхитило многие направления XX века. Его работы становились все более свободными в композиции и экспрессивными в использовании цвета. Он искал новые способы передачи эмоций через
форму и цвет и стал одним из предшественников абстрактного искусства.
В 1920-х годах Максимильен Люс начал
преподавать живопись в художественных
школах, передавая свои знания подрастающему поколению мастеров.
Максимильен Люс
с раннего возраста
проявлял талант
к рисованию.
Сена в Эрбле, 1890 г.
Холст, масло. 50,3 х 79,3 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
155
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Чернеющий силуэт Кэннон-Стрит на фоне живописного неба и водная гладь создают мощный цветовой контраст. Несмотря на то, что картина «Вид Лондона» написана в технике
пуантилизма, возникает импрессионистическое впечатление от движения воздуха, облаков,
проплывающих по небу, от колышущихся теней и отражения моста.
Вид Лондона (Кэннон-стрит), 1893 г.
Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция
156
Установщики свай, 1902 г.
Холст, масло. 154 х 196 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
«Установщики свай» — одна из самых известных работ Люса. Художник использовал насыщенные оттенки и динамику фигур для передачи эмоций и настроения.
На протяжении всей жизни Максимильен Люс не прекращал совершенствоваться как живописец, работая над самым широким спектром тем и сюжетов. Его живость и свободолюбие не в меньшей мере проявили себя и за пределами художественных студий и выставок.
С 1893 года он оставался верен своей музе и любовнице Амбруазине Симоне Буэн, подарившей ему двух сыновей, и не переставал называть ее «мадам Люс», хотя поженились они
только в 1940 году. Всего через несколько месяцев Амбруазина умерла. Убитый горем художник скончался 7 февраля 1941 года и был похоронен на местном кладбище в Рольбуазе
вместе с супругой.
157
158
ШАРЛЬ ТЕОФИЛ
АНГРАН
«Художник использует точечный рисунок
в графике, достигая филигранного
моделирования объема, света и тени
одним только черным цветом».
ШАРЛЬ АНГРАН
ШАРЛЬ АНГРАН
( 1854-1926 )
Французский художник, яркий представитель постимпрессионизма
и важная фигура в движении неоимпрессионизма; один из основателей Салона независимых художников.
Шарль Теофил Ангран родился 19 апреля 1854 года в семье деревенского школьного учителя в Нормандии. Он начал свой творческий путь в Руанской Школе изящных искусств, где его работы
заметил сам Камиль Коро. Ангран продолжил обучение живописи
в Париже и познакомился с такими художниками, как Жорж Сёра
и Поль Синьяк, что оказало значительное влияние на его творчество.
С начала 1880-х годов Шарль Ангран активно участвовал в художественной жизни Парижа. Он присоединился к группе неоимпрессионистов, работавших в технике пуантилизма, для передачи игры
света и цвета, что в дальнейшем стало характерной чертой работ
и самого Анграна.
Сбор урожая, 1892 г.
Холст, масло. 79 х 123 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США
160
Вместе с товарищем Жоржем Сёра он часто писал на пленэре в окрестностях Парижа. Его работы изображали повседневные сцены, пейзажи и портреты, наполненные светом и жизнью.
Одним из самых известных произведений Шарля Анграна является
«Пара на улице» (1887). Художник использует контрастные сочетания цветов для передачи пустынной атмосферы города.
Пара на улице, 1887 г.
Холст, масло. 38 х 33 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
161
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Шарль Ангран мастерски использовал точечный рисунок в графике,
достигая филигранного моделирования объема, света и тени одним
только черным цветом. На его картинах палитра зачастую сводится
к нескольким приглушенным оттенкам.
Несмотря на успех и признание в художественных кругах, Ангран
столкнулся с трудностями в карьере. Его полотна не всегда находили понимание у широкой публики, и он часто испытывал финансовые трудности, но продолжал творить до последних дней своей жизни.
Его работы часто изображают
сцены из повседневной жизни,
пейзажи и портреты,
наполненные светом и жизнью.
В 1896 году Ангран отдалился от парижской суеты и переехал в Нормандию, чтобы ухаживать за престарелой матерью после смерти отца.
Со временем его образ жизни стал более сдержанным и замкнутым,
и в итоге художник пришел к добровольному затворничеству, сохранив, однако, привычку к переписке с давними и преданными друзьями. Под конец жизни он перебрался в Руан, где когда-то начиналась
его карьера живописца. Шарль Ангран умер 1 апреля 1926 года в возрасте 71 года и был похоронен на местном кладбище.
162
Мать и дитя, ок. 1897 – 1900 гг.
Бумага, карандаш, уголь. 60 х 45 см.
Частная коллекция
163
164
АНРИ ЭДМОН
КРОСС
«Мои ощущения, как результат свойств
моего художественного темперамента,
нуждаются в грамматике, риторике
и логике».
Анри Кросс
АНРИ КРОСС
( 1856-1910 )
Французский художник, чье творчество стало важной вехой в развитии постимпрессионизма. Настоящее имя — Анри Эдмон Делакруа.
Художник вынужден был взять псевдоним, чтобы зрители не связывали его творчество с искусством именитого предшественника.
Анри Эдмон Кросс родился в Дуэ, на севере Франции, 20 мая
1856 года. Он получил юридическое образование, а затем изучал
живопись у Ф. Бонвена, долго придерживался академической манеры письма и отправлял свои работы в официальный Салон. Однако
знакомство с Жоржем Сёра и Полем Синьяком и принципами пуантилизма пошатнули традиционную манеру его живописи. Вдохновленный их работами, Анри стал использовать раздельные точки
и мазки чистого цвета, чтобы создавать яркие и насыщенные композиции. В 1884 году Анри Кросс, Жорж Сёра и Поль Синьяк организовали Салон независимых художников.
Вечерний воздух, 1893 г.
Холст, масло. 164 х 116 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
166
Кросс часто обращался к пейзажам и женским портретам. Он создавал яркие и живые картины, полные света и движения. Его произведения отличались гармонией и глубиной, что привлекало внимание
зрителей.
Анри Кросс считается неоимпрессионистом второго поколения.
Он исследовал метод пуантилизма и преобразил его в собственной
неповторимой манере.
Еще в начале 1880-х годов Кросс начал испытывать проблемы
со здоровьем, прогрессировавшие в течение последующих 20 лет;
он терял зрение, а его суставы постепенно подчинялись развившемуся артриту.
В 1909 году у художника, практически прекратившего писать и страдающего от непрекращающихся болей, диагностировали рак. После
нескольких месяцев, проведенных в больнице, Анри Эдмон Кросс
вернулся домой, где и скончался 16 мая 1910 года. Он был похоронен на кладбище Ле-Лаванду в присутствии любящей жены, Ирмы
Клэр, и верных друзей, многие из которых заняли свои заслуженные
места в истории европейской живописи.
Он исследовал
метод пуантилизма
и преобразил его в собственной
неповторимой манере.
167
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
1895
Одно из самых известных полотен Кросса, «Купальщицы»,
является примером мастерски переданного колорита
южной природы. Полотно
создает ощущение мозаичности и древней фрески. Цветовые точки настолько яркие
и контрастные, что эффекта
оптической иллюзии в сознании зрителя не возникает —
он воспринимает картину мозаикой.
На поверхности воды, написанной сочетанием пятен желтого и синего цветов, играют
солнечные блики. Фигуры купальщиц замерли, как каменные изваяния, вглядываясь
вдаль.
Купальщицы, 1895 г.
Холст, масло. 73 х 53,6 см.
Частная коллекция
169
170
ТЕО ВАН
РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ
«Тео ван Рейссельберге пытался сочетать
на одном полотне точки разных размеров».
Джон Ревалд
ТЕО ВАН РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ
( 1862-1926 )
Бельгийский художник-пуантилист, чье творчество стало важной вехой в развитии современного искусства. Член авангардной «Группы
двадцати».
Тео, младший брат архитектора Октава ван Рейссельберге, родился
23 ноября 1862 года в Генте. Он обучался живописи в Брюссельской
Академии художеств. В 1881 году принял участие в Брюссельском cалоне. В его ранних работах прослеживается влияние Эдуарда Мане
и Эдгара Дега.
В 1883 году Тео становится одним из основателей авангардной
«Группы двадцати», а также участвует в развитии художественных
связей между Францией и Бельгией: организовывает выставки
пуантилистов в Бельгии и представляет свои работы в парижском
Салоне независимых художников.
Знакомство с Жоржем Сёра и Полем Синьяком оставило неизгладимый след в творческом мировоззрении бельгийского художника.
Тео увлекся идеями пуантилизма и более 20 лет писал в этом стиле.
Лишь после смерти Сёра он постепенно отошел от пуантилизма.
Портовый вход в Волендам, 1896 г.
Холст, масло. 137,9 х 93,9 см.
Национальный музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания
172
Тео ван Рейссельберге привнес в метод пуантилизма собственное
видение: он использовал сочетание точек разного размера в одной картине. Фон и крупные объекты художник писал крупными
мазками, а детали и лица — мелкими точками. Даже при работе
с классическими композициями и академическими портретами он
использовал технику раздельных мазков чистых оттенков.
Художник умер в Сен-Клере 14 декабря 1926 года и был похоронен на кладбище Ле-Лаванду рядом со своим другом и коллегой —
Анри Эдмоном Кроссом. Полотна Тео ван Рейссельберге хранятся
в крупнейших музеях Бельгии и за ее пределами, а его вклад в современное искусство продолжает вызывать интерес у исследователей и ценителей живописи.
Июль, семья в саду, 1890 г.
Холст, масло. 115,5 х 163,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
173
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Главный персонаж картины «Прибрежная сцена» — свет.
Он рассеивается с неба и отражается в водной глади, его отражения и отблески просматриваются даже на далеком берегу. Спокойные цветовые сочетания создают ощущение легкого
движения ветра и воздуха, пронизывающего места, свободные от цветовых пятен.
Прибрежная сцена, 1892 г.
Масло, холст. 51 х 61 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
174
1897
На картине «Время для загара» художник изобразил купание девушек на закате. Несмотря на то,
что работа выполнена в технике пуантилизма, изображение природы и женских фигур лишено
монументальности и окаменелости, присущей этой манере письма. Позы девушек живые и непринужденные, благодаря чему у зрителя создается ощущение своего присутствия рядом с ними.
Время для загара, 1897 г.
Холст, масло. 329 х 228 см.
Новый музей, Веймар, Германия
175
ПУАНТИЛИЗМ
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Пуантилизм — не просто техника живописи;
это философия восприятия цвета и света.
Используя простые точки, художники смогли
создать сложные композиции, которые
продолжают восхищать зрителей своей
красотой и глубиной.
Пуантилизм напоминает нам о том, что даже
самые простые элементы могут создавать
нечто удивительное. Это направление
стало своеобразным мостиком между
импрессионизмом и неоимпрессионизмом.
УКАЗАТЕЛЬ
АНГРАН, ШАРЛЬ ТЕОФИЛ
Пара на улице, 1887 г. — Холст, масло. 38 х 33 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Сбор урожая, 1892 г. — Холст, масло. 79 х 123 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США
Мать и дитя, ок. 1897 – 1900 гг. — Бумага, карандаш, уголь. 60 х 45 см.
Частная коллекция
БАЗИЛЬ, ЖАН ФРЕДЕРИК
Вид на деревню, 1868 г. — Холст, масло. 130 х 89 см.
Музей Фабра, Монпелье, Франция
Молодая женщина с опущенными глазами, 1868 г. — Холст, масло. 46 х 38 см.
Частная коллекция
Купальщики (Летняя сцена), 1869 г. — Холст, масло. 160,7 х 160 см.
Художественный музей Фогга, Кеймбридж, США
ДЕГА, ЭДГАР
Джентльмены на скачках: наездники перед стартом, 1862 г. — Холст, масло. 48,5 х 61,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Сестры Беллелли, 1865 – 1866 гг. — Холст, масло. 92,1 х 72,4 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США
Автопортрет. Приветствие, 1866 г. — Холст, масло. 42 х 31,3 см.
Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия
Оркестр оперы, 1870 г. — Холст, масло. 56 х 45 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Музыканты в оркестре, 1872 г. — Холст, масло. 69 х 49 см.
Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне, Германия
177
Абсент, 1873 г. — Холст, масло. 92 х 68,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Танцевальный класс, 1874 г. — Холст, масло. 77,2 х 83,5 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Женщина, расчесывающая волосы перед зеркалом, 1875 г. — Холст, масло. 46,7 х 32,4.
Музей Нортона Саймона, Пасадина, США
Балерина с букетом в поклоне, 1877 г. — Бумага, пастель. 72 х 77,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Прачки, 1878 г. — Холст, масло. 61 х 46 см.
Частная коллекция
Мисс Лала в цирке Фернандо, 1879 г. — Холст, масло. 117,2 х 77,5 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Урок танцев, 1879 г. — Бумага, пастель. 65 х 56 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Танцовщица, 1881 – 1883 гг. — Бумага, пастель. 62 х 49 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
В шляпном магазине, 1882 г. — Холст, масло. 75,5 x 85,5 см.
Национальный музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид, Испания
Гладильщицы, 1882 – 1886 гг. — Холст, масло. 81,9 х 75,5 см.
Музей Нортона Саймона, Пасадина, США
Перед скачками, 1884 г. — Панель, масло. 26,4 х 34,9 см.
Художественный музей Уолтерса, Балтимор, США
Женщина, расчесывающая волосы, 1888 — 1890 гг. — Бумага, пастель. 61,3 х 46 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Танцовщицы, розовый и зеленый, 1890 г. — Холст, масло. 82,2 х 75,6 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Танцовщицы у станка, 1900 г. — Холст, масло. 130 х 97 см.
Коллекция Филлипса, Вашингтон, США
178
КАЙБОТТ, ГЮСТАВ
Паркетчики, 1875 г. — Холст, масло. 102 х 146,5 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Портреты в сельской местности, 1876 г. — Холст, масло. 95 х 111 см.
Музей барона Жерара, Байё, Франция
Парижская улица в дождливый день, 1877 г. — Холст, масло. 212,2 х 276,2 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Гребец в цилиндре, 1878 г. — Холст, масло. 90 х 117 см.
Частная коллекция
Человек на балконе, бульвар Осман, 1880 г. — Холст, масло. 116 х 89 см.
Частная коллекция
КОРОВИН, КОНСТАНТИН АЛЕКСЕЕВИЧ
Кафе «Ла Марин». Париж, нач. XX в. — Холст, масло.
Частная коллекция
Карнавал возле Мулен де ла Галетт, нач. XX в. — Картон, масло. 46 х 38 см.
Частная коллекция
Ворота Сен-Мартен ночью, Париж, 1929 г. — Холст, масло. 60,5 х 81,5 см.
Частная коллекция
Невидимый град Китеж, 1930 г. — Картон, гуашь. 52 х 70,5 см.
Частная коллекция
Пушкин и муза, 1930 г. — Холст, масло. 235,5 х 170,7 см.
Частная коллекция
КРОСС, АНРИ ЭДМОН
Вечерний воздух, 1893 г. — Холст, масло. 164 х 116 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Купальщицы, 1895 г. — Холст, масло. 73 х 53,6 см.
Частная коллекция
179
ЛЮС, МАКСИМИЛЬЕН
Сена в Эрбле, 1890 г. — Холст, масло. 50,3 х 79,3 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Вид Лондона (Кэннон-стрит), 1893 г. — Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция
Установщики свай, 1902 г. — Холст, масло. 154 х 196 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
МАНЕ, ЭДУАРД
Олимпия, 1863 г. — Холст, масло. 130,5 х 190 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Завтрак на траве, 1863 г. — Холст, масло. 208 х 264 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Коррида, 1866 г. — Холст, масло. 109 х 89 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Флейтист, 1866 г. — Холст, масло. 160 х 98 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Расстрел императора Максимилиана I, 1868 г. — Холст, масло, 252 х 305 см.
Кунстхалле, Мангейм, Германия
Железная дорога, 1873 г. — Холст, масло. 93 х 114 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Аржантёй, 1874 г. — Холст, масло. 149 х 115 см.
Музей изящных искусств, Турне, Бельгия
В лодке, 1874 г. — Холст, масло. 97,2 х 130,2 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Моне и госпожа Моне в лодке, 1874 г. — Холст, масло. 82,5 х 100,5 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия
Семья Моне в их саду в Аржантёе, 1874 г. — Холст, масло. 61 х 99,7 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Большой канал в Венеции, 1875 г. — Холст, масло. 54 х 65 см.
Музей Шелбурна, США
180
Подавальщица пива, 1879 г. — Холст, масло. 98 х 78 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
В кафе, 1880-е гг. — Холст, масло, пастель. 32 х 45 см.
Художественная галерея и музей Келвингроув, Глазго, Шотландия
Женщина в полосатом платье, 1880 г. — Холст, масло. 174,3 х 83,5 см.
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Букет сирени, 1883 г. — Холст, масло. 54 х 41 см.
Старая Национальная галерея, Берлин, Германия
МИЛЛЕР, РИЧАРД ЭДВАРД
Алое ожерелье, нач. XX в. — Холст, масло. 68 х 75 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США
Послеобеденный чай, 1910 г. — Холст, масло. 100,3 х 81,3 см.
Художественный музей, Индианаполис, США
Утренний солнечный свет, ок. 1914 г. — Холст, масло. 100,3 х 81,3 см.
Частная коллекция
Ожерелье, ок. 1924 г. — Холст, масло. 76,8 х 71,1 см.
Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, США
Женщина с зеркалом, ок. 1940 г. — Холст, масло. 40 х 32,5 см.
Колумбийский музей, Джорджия, Колумбия, США
МОНЕ, КЛОД ОСКАР
Женщины в саду, 1866 г. — Холст, масло. 255 х 205 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Сад принцессы, 1867 г. — Холст, масло. 91,8 х 61,9 см.
Мемориальный художественный музей Аллена, Оберлин, США
Весна, 1872 г. — Холст, масло. 50 х 65 см.
Художественный музей Уолтерса, Балтимор, США
Впечатление. Восходящее солнце, 1872 г. — Холст, масло. 48 х 63 см.
Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
Камилла Моне на скамейке в саду, 1873 г. — Холст, масло. 60,6 х 80,3 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
181
Бульвар Капуцинок, 1873 – 1874 гг. — Холст, масло. 80 х 60 см.
Художественный музей Нельсона-Аткинсона, Канзас-Сити, США
Прогулка. Дама с зонтиком, 1875 г. — Холст, масло. 100 х 81 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Вокзал Сен-Лазар: прибытие поезда, 1877 г. — Холст, масло. 81,9 х 101 см.
Художественный музей Фогга, Кембридж, США
Букет подсолнухов, 1881 г. — Холст, масло. 101 х 81,3 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Сад художника в Ветёе, 1881 г. — Холст, масло. 100,3 х 81,3 см.
Музей Нортона Саймона, Пасадина, США
Ваза с цветами, 1882 г. — Холст, масло. 100,4 х 81,8 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Англия
Рыбаки на Сене под Пуасси, 1882 г. — Холст, масло. 60 х 82 см.
Верхний Бельведер, Вена, Австрия
Этрета, 1883 г. — Холст, масло. 65 х 81 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Стога сена (эффект снега и солнца), 1891 г. — Холст, масло. 65,4 х 92,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Стог сена на закате, 1891 г. — Холст, масло. 73,3 х 92,7 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Три тополя, лето, 1891 г. — Холст, масло. 93 х 73,5 см.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония
Три тополя, осень, 1891 г. — Холст, масло. 92 х 73 см.
Художественный музей, Филадельфия, США
Тополя, эффект ветра, 1891 г. — Холст, масло. 100 х 74 см.
Частная коллекция (по другим данным — Музей Орсе, Париж, Франция)
Руанский собор, западный фасад на солнце, 1892 г. — Холст, масло. 100,1 х 65,8 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Руанский собор, западный фасад, 1893 г. — Холст, масло. 100,1 х 65,9 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Мост через пруд с водяными лилиями, 1899 г. — Холст, масло. 92,7 x 73,7 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
182
Вестминстерский дворец, 1901 г. — Холст, масло. 81 х 92 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Ветёй на закате, 1901 г. — Холст, масло. 90 х 93 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Мост Чаринг-Кросс, отражение в Темзе, 1901 г. — Холст, масло. 65,1 х 100,3 см.
Художественный музей, Балтимор, США
Парламент, заходящее солнце, 1902 г. — Холст, масло. 81,3 х 93 см.
Частная коллекция
Мост Ватерлоо на закате, розовый эффект, 1903 г. — Холст, масло. 65,5 х 92,7 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Мост Ватерлоо, серая погода, 1903 г. — Холст, масло. 65 х 100 см.
Художественный музей, Берн, Швейцария
Мост Чаринг-Кросс, 1903 г. — Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция
Мост Ватерлоо, 1904 г. — Холст, масло. 65 х 99,4 см.
Частная коллекция
Кувшинки, 1904 г. — Холст, масло. 90 х 96 см.
Музей современного искусства Андре Мальро, Гавр, Франция
Пруд с кувшинками, 1904 г. — Холст, масло. 88 х 91.
Художественный музей, Денвер, США
Кувшинки, 1906 г. — Холст, масло. 89,9 х 94,1 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Пруд с кувшинками, 1907 г. — Холст, масло. 101,5 х 72 см.
Израильский музей, Иерусалим, Израиль
Сан-Джорджо-Маджоре, сумерки, 1908 г. — Холст, масло. 73 х 92 см.
Художественный музей Бриджстоун, Токио, Япония
Гранд-канал и Санта-Мария делла Салюте, 1908 г. — Холст, масло. 73 х 92 см.
Частная коллекция
Дворец дожей, 1908 г. — Холст, масло. 81 х 93 см.
Частная коллекция
Кувшинки, 1908 г. — Холст, масло. 81 x 100 см.
Частная коллекция
183
Водяные лилии, 1914 – 1917 гг. — Холст, масло. 166,1 х 142,2 см.
Музей изобразительных искусств, Сан-Франциско, США
Кувшинки, 1916 г. — Холст, масло. 200 х 200 см.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония
Кувшинки, 1916 г. — Холст, масло. 200 x 200 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
МОРИЗО, БЕРТА
У колыбели, 1872 г. — Холст, масло. 56 х 46 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
В Англии (Эжен Мане на острове Уайт), 1875 г. — Холст, масло. 36 х 46 см.
Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
Летний день, 1879 г. — Холст, масло. 45,7 х 75,2 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
После обеда, 1881 г. — Холст, масло. 100 х 81 см.
Частная коллекция
Девушка с кошкой, 1892 г. — Холст, масло. 55 х 45 см.
Частная коллекция
ПИССАРРО, ЖАКОБ АБРААМ КАМИЛЬ
Натюрморт, 1867 г. — Холст, масло. 81 х 99,6 см.
Музей искусств, Толедо, США
Дорога из Версаля в Лувесьен, 1872 г. — Бумага, акварель. 19 х 25,2 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Автопортрет, 1873 г. — Холст, масло. 73 х 50 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Потрет Люсьена Писсарро, 1875 г. — Холст, масло. 28,3 х 23,5 см.
Частная коллекция
Кот-де-Бёф близ Понтуаза, 1877 г. — Холст, масло. 114,9 х 87,6 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Огород, 1878 г. — Холст, масло. 55,2 х 45,9 см.
Художественный музей Бриджстоун, Токио, Япония
184
Собиратели капусты. Расписанный веер, 1879 г. — Шелк, гуашь. 16,5 х 52,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Прачка, 1880 г. — Холст, масло. 73 х 59,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Снежный эффект в Монфуко, 1882 г. — Холст, масло. 55,5 х 46 см.
Частная коллекция
Птичий рынок в Жизоре, 1885 г. — Бумага на дереве, пастель, темпера. 82,2 х 82,2 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Железная дорога в Дьепп, 1886 г. — Холст, масло. 53,3 х 63,5 см.
Частная коллекция
Сенокос в Эраньи, 1887 г. — Холст, масло. 65,5 х 81,3 см.
Частная коллекция
Кирпичный завод «Делафоли» в Эраньи, 1888 г. — Холст, масло. 58 х 72 см.
Частная коллекция
Сбор яблок в Эраньи, 1888 г. — Холст, масло. 61 х 74 см.
Музей искусств, Даллас, США
Мост Чаринг-кросс, 1890 г. — Холст, масло. 60 х 90 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Крестьянки, сажающие горох, 1891 г. — Холст, масло. 46 х 55 см.
Фонд музеев Шеффилда, Англия
Хэмптон Корт Грин, 1891 г. — Холст, масло. 54,3 х 73 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Две молодые крестьянки, 1891 г. — Холст, масло. 89,5 х 116,5 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Ветряная мельница в Кнокке, 1894 г. — Холст, масло. 54 х 65 см.
Частная коллекция
Купальщица в лесу, 1895 г. — Холст, масло. 60,3 х 73 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Утро. Пасмурный день в Руане, 1896 г. — Холст, масло. 54,3 х 65,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Бульвар Монмартр. Весеннее утро, 1897 г. — Холст, масло. 65 х 81 см.
Частная коллекция
185
Бульвар Монмартр ночью, 1897 г. — Масло, холст. 53,3 х 64,8 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Старый рынок в Руане, 1898 г. — Холст, масло. 81,3 х 65,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Сады Тюильри зимним днем, 1899 г. — Холст, масло. 73,3 х 92,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Корабль, входящий в Гавань Гавра пасмурным днем, 1903 г. — Холст, масло. 17,8 х 28,5 см.
Музей искусств, Даллас, США
Площадь Французского театра, 1903 г. — Холст, масло. 72,39 х 92,71 см.
Музей искусств, Лос-Анджелес, США
РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ, ТЕО ВАН
Июль, семья в саду, 1890 г. — Холст, масло. 115,5 х 163,5 см.
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
Прибрежная сцена, 1892 г. — Масло, холст. 51 х 61 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Портовый вход в Волендам, 1896 г. — Холст, масло. 137,9 х 93,9 см.
Национальный музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания
Время для загара, 1897 г. — Холст, масло. 329 х 228 см.
Новый музей, Веймар, Германия
РЕНУАР, ПЬЕР ОГЮСТ
Портрет Альфреда Сислея с женой, 1868 г. — Холст, масло. 105 х 75 см.
Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн, Германия
Лягушатник, 1869 г. — Холст, масло. 66,5 х 81 см.
Национальный музей, Стокгольм, Швеция
Женщина с попугаем, 1871 г. — Холст, масло. 92,1 х 65,1 см.
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Читающий Клод Моне, 1872 г. — Холст, масло. 61 х 50 см.
Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
Ложа в театре, 1873 г. — Холст, масло. 27 х 22 см.
Частная коллекция
186
Ложа, 1874 г. — Холст, масло. 80 х 63,5 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Англия
Качели, 1876 г. — Холст, масло. 92 х 73 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Девочка с лейкой, 1876 г. — Холст, масло. 100 х 73 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Бал в Мулен де ла Галетт, 1876 г. — Холст, масло. 131 х 175 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Разговор, 1878 г. — Холст, масло. 45 х 38 см.
Национальный музей, Стокгольм, Швеция
Портрет мадам Шарпантье с детьми, 1878 г. — Холст, масло. 153,7 х 190,2 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Алжирская девушка, 1881 г. — Холст, масло. 50,8 х 40,6 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Алжирская женщина, 1881 г. — Холст, масло. 84,5 х 59,7 см.
Музей изящных искусств, Сан-Франциско, США
Банановая плантация, 1881 г. — Холст, масло. 51 х 63 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Вид Венеции, туман, 1881 г. — Холст, масло. 45,4 х 60 см.
Музей Кригера, Вашингтон, США
Гранд-канал в Венеции, 1881 г. — Холст, масло. 54 х 65,1 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Натюрморт с персиками и виноградом, 1881 г. — Холст, масло. 54 х 65,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Палаццо дожей, 1881 г. — Холст, масло. 54,5 х 65 см.
Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Вильямстаун, США
Площадь Св. Марка в Венеции, 1881 г. — Холст, масло. 65,4 х 81,3 см.
Институт искусств, Миннеаполис, США
Завтрак гребцов, 1881 г. — Холст, масло. 130,2 х 175,6 см.
Коллекция Филлипса, Вашингтон, США
Сад в Алжире,1882 г. — Холст, масло. 65 х 80 см.
Частная коллекция
187
На берегу моря (Алина Шариго), 1883 г. — Холст, масло. 92,1 х 72,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Зонтики, 1886 г. — Холст, масло. 115 х 180 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Алина и Пьер. Мать и дитя, 1887 г. — Холст, масло. 63 х 97 см.
Музей изящных искусств, Кливленд, США
Большие купальщицы, 1887 г. — Холст, масло. 115 х 170 см.
Художественный музей, Филадельфия, США
Мадам Ренуар и щенок Боб, 1910 г. — Холст, масло. 81 х 65 см.
Художественный музей Уодсворт Атенеум, Хартфорд, США
Суд Париса, 1913 г. — Холст, масло. 73 х 92,5 см.
Музей искусств, Хиросима, Япония
СЁРА, ЖОРЖ-ПЬЕР
Купание в Аньере, 1884 г. — Холст, масло. 200 х 300 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Воскресный день на озере Гранд-Жатт, 1886 г. — Холст, масло. 207,5 х 308,1 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Цирк, 1890 – 1891 гг. — Холст, масло. 185 х 152 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
СИНЬЯК, ПОЛЬ
Портрет Феликса Фенеона, 1890 г. — Холст, масло. 73,5 х 92,5 см.
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Женщины у колодца, 1892 г. — Холст, масло. 195 х 131 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Женщина с зонтиком, 1893 г. — Холст, масло. 81 х 65 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Гранд-канал в Венеции, 1905 г. — Холст, масло. 73,5 х 92,1 см.
Музей искусств, Толедо, США
Золотой рог. Минареты, 1907 г. — Холст, масло. 73 х 92 см.
Частная коллекция
188
СИСЛЕЙ, АЛЬФРЕД
Женщины, идущие в лес, 1866 г. — Холст, масло. 65 x 92 см.
Музей искусства Бриджстоун, Токио, Япония
Наводнение в Пор-Марли, 1872 г. — Холст, масло. 46,4 х 61 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Мост Вильнёв-ла-Гаренн, 1872 г. — Холст, масло. 49,5 х 65,4 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Темза близ Хемптон-Корта, 1874 г. — Холст, масло. 38 х 55,4 см.
Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Вильямстаун, США
Снег на дороге в Лувесьен, 1874 г. — Холст, масло. 38 х 56 см.
Частная коллекция
Снег в Лувесьене, 1874 г. — Холст, масло. 55,9 х 45,7 см.
Частная коллекция
Берега Луана, осень, 1880 г. — Холст, масло. 92 х 65 см.
Частная коллекция
Тропинка в Ле Саблон, 1883 г. — Холст, масло. 55 х 46 см.
Национальная галерея, Канберра, Австралия
Мост в Море, эффект бури, 1887 г. — Холст, масло. 51 х 63 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
ФРИСКЕ, ФРИДРИХ КАРЛ
Читающая девушка, 1903 – 1904 гг. — Холст, масло. 65,4 х 81,3 см.
Музей изящных искусств, Хьюстон, США
Обнаженная, сидя за туалетным столиком, 1909 г. — Холст, масло. 131,1 х 162,3 см.
Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, США
Девушка с большим зонтом, 1910 г. — Холст, масло. 145,1 х 195,6 см.
Художественный музей Северной Каролины, Роли, США
Среди мальв, около 1911 г. . — Холст, масло. 64,8 х 81,3 см.
Национальная академия дизайна, Нью-Йорк, США
Девушка у зеркала, 1915 г. — Холст, масло. 81,3 х 65,4 см.
Художественный музей, Индианаполис, США
Женский портрет, 1930 г. — Холст, масло. 92,4 х 73,7 см.
Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, США
189
ХАММЕРСХЁЙ, ВИЛГЕЛЬМ
Ида читает письмо, 1899 г. — Холст, масло. 66 х 59 см.
Частная коллекция
Ида в интерьере с пианино, 1901 г. — Холст, масло. 60 х 55 см.
Частная коллекция
Интерьер с женщиной за пианино. Страндгед, 30, 1901 г. — Холст, масло. 55,9 х 44,8 см.
Частная коллекция
ЧЕЙЗ, УИЛЬЯМ МЕРРИТ
Прятки, 1888 г. — Холст, масло. 69,8 х 91,4 см.
Коллекция Филлипса, Вашингтон, США
Завтрак под открытым небом, 1888 г. — Холст, масло. 95,1 х 144,1 см.
Музей искусств, Толедо, США
Девушка в японском костюме, ок. 1890 г. — Холст, масло. 62,5 х 39,8 см.
Бруклинский музей, Нью-Йорк, США
Лидия Эммет, 1892 г. — Масло, холст. 182,9 х 91,8 см.
Бруклинский музей, Нью-Йорк, США
Девушка XVII века, 1895 г. — Холст, масло. 92,7 х 60,3 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Эдуард Мане оставил глубокий след в истории искусства, благодаря своему новаторскому подходу. Он перекинул мост между академической и современной живописью, источником вдохновения
которой стал импрессионизм.
У картины Эдуарда Мане «Женщина
в полосатом платье» непростая судьба: работа была найдена после смерти
художника в удручающем состоянии —
портрет неизвестной натурщицы был
скрыт под двумя слоями краски и
обесцвеченного лака, а само полотно
было изрезано по бокам и сильно повреждено сверху.
Целых три года сотрудниками Музея
Соломона Гуггенхейма в Нью-Йорке
велись реставрационные работы по
очищению и восстановлению полотна, чтобы работа великого мастера
предстала на масштабной выставке
картин авангардистов конца XIX — начала XX века «Van Goghto Picasso: the
Thannhauser Legacy».
Имя изображенной на картине модной парижской женщины с японским
веером до сих пор остается загадкой:
гипотеза о том, что это была французская актриса Сюзанн Райшенберг,
остается недоказуемой.
Несомненно лишь мастерство великого художника, который при помощи
нескольких смелых мазков смог добиться реалистичного изображения.
Букет сирени, 1883 г.
Холст, масло. 54 х 41 см.
Старая Национальная галерея, Берлин, Германия
Женщина в полосатом платье, 1880 г.
Холст, масло. 174,3 х 83,5 см.
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Флейтист, 1866 г.
Холст, масло. 160 х 98 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Моне и госпожа Моне в лодке, 1874 г.
Холст, масло. 82,5 х 100,5 см.
Новая пинакотека, Мюнхен, Германия
На небольшом холсте Эдуард Мане изобразил маленький уголок Венецианского канала
в светлый солнечный день. Картина написана в пастельной гамме; основной цветовой
контраст создается за счет голубого неба, отраженного в воде, и бежево-розового оттенка здания. Крупные, нечеткие мазки создают
ощущение быстрого наброска. Фигура гондольера обозначена несколькими быстрыми
и точными штрихами.
Современник Эдуарда Мане — критик Джозеф Пеладон, увидев картину «Большой
канал в Венеции» на ретроспективной выставке Мане в Школе изящных искусств
в 1884 году, описал свое ощущение от картины так: «Необычайно маленькое полотно
представляет уголок Большого канала Венеции. Вода и небо — цвета индиго, белые швартовые столбы перевиты синими полосами.
Эта симфония, где голубой — главный цвет,
не кажется нелепым и нереальным. Я видел
венецианские полдни точно такого же цвета;
но Мане преувеличил впечатление почти до
фантастического уровня. За этими усилиями
несчастного человека, который был влюблен
в прозрачные тона, узнаешь его поиски света, его исключительный идеализм…».
В течение десятилетий боровшийся против
буржуазного искусства Мане, вынужденный
творить под практически непрекращающимся шквалом критики, в 1882 году наконец получил заслуженное признание. Однако всего
через год после долгожданного триумфа, он
оказался скован быстро прогрессировавшей
атаксией — отголоском давнего путешествия
в Бразилию. Величайший художник XIX века,
один из отцов-основателей импрессионизма, умер в собственном доме 30 апреля
1883 года. Похоронен на аристократическом
кладбище Пасси.
Аржантёй, 1874 г.
Холст, масло. 149 х 115 см.
Музей изящных искусств, Турне, Бельгия
Большой канал в Венеции, 1875 г.
Холст, масло. 54 х 65 см.
Музей Шелбурна, США
Подавальщица пива, 1879 г.
Холст, масло. 98 х 78 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
КРЕСТЬЯНКИ, САЖАЮЩИЕ
ГОРОХ
Картина относится к периоду увлечения художника техникой пуантилизма и «крестьянской темой». В этом сюжете воспевается вдохновляющий труд простых крестьян,
союз человека и щедрой природы. Положение фигур на картине, игра света
и цветовых пятен создают иллюзию не тяжкого труда, а движения и танца самой жизни.
Собиратели капусты. Расписанный веер, 1879 г.
Шелк, гуашь. 16,5 х 52,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
ПОРТРЕТ ЛЮСЬЕНА ПИССАРРО
На портрете изображен юный сын Камиля Писсарро с раскрытой книгой на коленях
на фоне большого окна, ведущего в сад. Живописная техника построена на быстрых
и уверенных крупных мазках контрастных цветов. Известно, что Люсьен Писсарро
унаследовал талант к живописи и пошел по стопам отца, став художником.
Утро. Пасмурный день в Руане, 1896 г.
Холст, масло. 54,3 х 65,1 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
КОТ-ДЕ-БЁФ БЛИЗ ПОНТУАЗА
«Кот-де Бёф близ Понтуаза» — большая и почти академическая работа Камиля Писсарро, которую он написал на пленэре в окрестностях Понтуаза. Художник особенно любил этот пейзаж и препятствовал его продаже, резко завышая цену. Картина провисела
в спальне художника 26 лет до самой его смерти.
Полотно написано на стыке импрессионизма и академической живописи, с использованием множества эффектов причудливого наложения мазков, напоминающих
структуру грубой плетеной ткани или сетки. Глубина и перспектива достигаются
не только за счет многоплановости пейзажа, но и благодаря цветовому контрасту —
от плотно написанного зеленого ковра до прозрачно-голубого неба.
Корабль, входящий в Гавань Гавра пасмурным днем, 1903 г.
Холст, масло. 17,8 х 28,5 см.
Музей искусств, Даллас, США
Сенокос в Эраньи, 1887 г.
Холст, масло. 65,5 х 81,3 см.
Частная коллекция
Крестьянки, сажающие горох, 1891 г.
Холст, масло. 46 х 55 см.
Фонд музеев Шеффилда, Англия
Купальщица в лесу, 1895 г.
Холст, масло. 60,3 х 73 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Потрет Люсьена Писсарро, 1875 г.
Холст, масло. 28,3 х 23,5 см.
Частная коллекция
Кот-де-Бёф близ Понтуаза, 1877 г.
Холст, масло. 114,9 х 87,6 см.
Национальная галерея, Лондон, Англия
В период 1899-1905 годов Моне одновременно работает над целой серией картин «Парламент», включающей
19 полотен; некоторые из них он заканчивает у себя дома, в Живерни.
Художник исследует мимолетные изменения погоды и освещения, запечатлевая многообразие оттенков Лондонского
тумана.
Картина «Сад в Ветёе» изображает благоухающий сад, восходящий к дому, который
арендовал Клод Моне для своей семьи — жены Камиллы и двоих сыновей — и семьи
разорившегося галериста Эрнеста Ошеде с женой Алисой и их 6 детьми. Клода Моне
и Алису Ошеде уже несколько лет связывал бурный роман.
Картина относится к трудному периоду жизни Моне, когда его жена уже умерла, муж
Алисы Эрнест Ошеде сбежал, художнику не на что было купить краски, и его новой
семье нечего было есть. Умиротворяющий пейзаж с лестницей, ведущей к дому с подсолнухами и гладиолусами, как будто уводит Моне от тяжелых мыслей о безнадежности и нищете.
Вестминстерский дворец, 1901 г.
Холст, масло. 81 х 92 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Это полотно расцвечено контрастами красок яркого заката и тени, в которую погружено здание Парламента.
В мае 1904 года полотно выкупил Поль
Дюран-Рюэль и в том же году продал его парижанину Эдмону Декапу.
Тот передал картину по наследству
своей дочери, в замужестве БарретДекап. Несколько лет картина хранилась в семейном собрании в Биаррице.
12 декабря 1929 года на распродаже
собрания Баррет-Декап в парижском
аукционном доме «Друо» она была приобретена американцем Честером Дейлом из Нью-Йорка.
Мост через пруд с водяными лилиями, 1899 г.
Холст, масло. 92,7 x 73,7 см.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Парламент, заходящее солнце, 1902 г.
Холст, масло. 81,3 х 93 см.
Частная коллекция
Сад художника в Ветёе, 1881 г.
Холст, масло. 100,3 х 81,3 см.
Музей Нортона Саймона, Пасадина, США
Кувшинки, 1908 г.
Холст, масло. 81 x 100 см.
Частная коллекция
Кувшинки, 1916 г.
Холст, масло.
Национальная галерея, Лондон, Англия
Кувшинки, 1904 г.
Холст, масло. 90 х 96 см.
Музей современного искусства Андре Мальро, Гавр, Франция
Пруд с кувшинками, 1907 г.
Холст, масло. 101,5 х 72 см.
Израильский музей, Иерусалим
КУВШИНКИ И ВОДЯНЫЕ ЛИЛИИ
С 1883 года и вплоть до своей смерти в 1926 году Клод Моне жил в Живерни,
наслаждаясь любимым садом и красотой природы. В центре сада располагался
искусственный пруд с водяными лилиями и японским мостиком — этот пейзаж
станет любимым сюжетом Моне, его радостью и утешением.
Работы из цикла «Кувшинки» художник создал в период 1897-1926 годов. Он
говорил о них так: «Одно мгновение, один аспект природы заключает в себе все».
Моне все меньше занимало условное живописное пространство. Он исследовал
пространство пруда сверху вниз, изучая водную растительность, смешанную с отражением неба и деревьев.
Крупное квадратное полотно 1916 года отличается смелостью и вызовом традиционным законам живописи, например, работе с перспективой — в картине отсутствует линия горизонта, все внимание уделено ограниченному участку пруда. Яркие,
почти декоративные кувшинки дерзко обрезаются по краям картины, будто они —
всего лишь часть большого причудливого узора.
К циклу «Кувшинки» относят около 250 полотен Моне, написанных маслом в богатой цветовой палитре: от нежно-розовых и воздушно-голубых до глубоких пурпурных и ярко-зеленых оттенков. По сравнению с воздушными и легкими ранними
работами из данного цикла, поздние картины выглядят темнее и глубже — исследователи приписывают это особенностям зрения Моне, в последние годы страдавшего
от катаракты. Сегодня «Кувшинки» являются самыми узнаваемыми произведениями
художника, они представлены в музеях, галереях и коллекциях по всему миру.
Мост Ватерлоо, серая погода, 1903 г.
Холст, масло. 65 х 100 см.
Художественный музей, Берн, Швейцария
Жизнь и творчество Клода Моне
стали символом
новой художественной эпохи.
Мост Ватерлоо, 1904 г.
Холст, масло. 65 х 99,4 см.
Частная коллекция
Цикл пейзажей «Виды Лондона» с мостом Ватерлоо был создан в период 18991905 годов. Почти все картины написаны с одного ракурса, но на них иногда варьируется широта и высота обзора. На большинстве картин на дальнем плане видны фабричные трубы противоположного берега Темзы.
Полотно «Мост Ватерлоо» изначально приобрел Поль Дюран-Рюэль, с марта 1906 года картина выставлялась в галерее «Бернхайм-Жён» в Париже.
С 1918 года картина находилась в собрании Вильгельма Хансена в Копенгагене. После смерти Хансена унаследована его вдовой, по завещанию которой все
собрание мужа в 1951 году перешло в собственность государства. В 1953 году
в семейном поместье Хансенов был открыт музей Ордрупгаард.
Кувшинки, 1906 г.
Холст, масло. 89,9 х 94,1 см.
Институт искусств, Чикаго, США
Пруд с кувшинками, 1904 г.
Холст, масло. 88 х 91 см.
Художественный музей, Денвер, США
Кувшинки, 1916 г.
Холст, масло.
Национальный музей западного искусства, Токио, Япония
Водяные лилии, 1914 – 1917 гг.
Холст, масло. 166,1 х 142,2 см .
Музей изобразительных искусств, Сан-Франциско, США
ЛОЖА В ТЕАТРЕ
Полотно «Ложа в театре», написанное в 1873 году, имеет небольшой формат и изображает пару, наблюдающую за представлением в театре. Особое нанесение мазков и мягкая гамма бежевых оттенков создают ощущение растушевки. В фокусе
зрительского внимания — портрет супругов, остальные зрители находятся словно
за завесой дождя.
ЛОЖА
На полотне «Ложа» 1874 года изображены женщина и мужчина в ложе оперного театра. Женщина смотрит прямо на зрителя, а мужчина изучает в бинокль театральную публику — типичная сцена из жизни буржуазии, когда театр был главным
местом встречи парижского бомонда. Для этой картины, выполненной в беложемчужных, желтых и черных тонах, позировали родной брат Ренуара — журналист
Эдмон Ренуар — и натурщица Нини Лопес.
«Ложа» была представлена публике на первой выставке импрессионистов в Париже в 1874 году и вызвала много критики за откровенный взгляд и наряд дамы.
РАЗГОВОР
ИНТЕРЕСНЫЕ
ДЕТАЛИ
Картина «Качели» с изображением
беззаботной идиллической сцены, персонажей которой пронизывают жизнерадостные солнечные лучи, написана
в саду мастерской Ренуара на Монмартре, недалеко от знаменитого кафе
«Мулен де ла Галлет». Cюжет и манера
письма напоминают рококо, в таком
стиле Ренуар часто писал картины, еще
только изучая живопись.
Гранд-канал в Венеции, 1881 г.
Холст, масло. 54 х 65,1 см.
Музей изящных искусств, Бостон, США
Для «Качелей» позировали Эдмон —
брат Ренуара, художник Норберт Генетт
и Жанна Самари, молодая актриса из
Монмартра. Картина была представлена
на третьей выставке импрессионистов
в 1877 году и приобретена Гюставом
Кайботтом.
Качели, 1876 г.
Холст, масло. 92 х 73 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
«Разговор» — пример импрессионистской живописи Пьера Огюста Ренуара 1870-х годов. Руки и лица персонажей выполнены тонкими параллельными мазками, которые
создают эффект мерцания света. Картина также свидетельствует о нежелании импрессионистов использовать черный цвет — темные участки передаются за счет синего.
Мужчина, изображенный на картине, — Фредерик Корди, художник, бывший ученик
Ренуара. Женщина — Маргарита Легран, одна из любимых моделей Ренуара в период
1875-1879 годов.
Вид Венеции, туман, 1881 г.
Холст, масло. 45,4 х 60 см.
Музей Кригера, Вашингтон, США
Ложа в театре, 1873 г.
Холст, масло. 27 х 22 см.
Частная коллекция
Для того, чтобы написать эту картину,
Пьер Огюст Ренуар арендовал на Монмартре студию с садом — оттуда открывался вид на кафе «Мулен де ла Галетт».
В хорошую погоду посетители обедали
и танцевали на улице. Для картины позировали друзья Ренуара. Солнечные
блики, падающие на фигуры и лица посетителей сквозь листву акаций, создают ощущение радости и праздника.
В 1877 году картина была представлена
на третьей выставке импрессионистов
вместе с картиной «Качели», написанной в той же мастерской.
Ложа, 1874 г.
Холст, масло. 80 х 63,5 см.
Институт искусства Курто, Лондон, Англия
Бал в Мулен де ла Галетт, 1876 г.
Холст, масло. 131 х 175 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Разговор, 1878 г.
Холст, масло. 45 х 38 см.
Национальный музей, Стокгольм, Швеция
Альфред Сислей умер в нищете и безвестности в Море-сюр-Луэ
29 января 1899 года от рака горла, всего на несколько месяцев
пережив свою бессменную музу и жену, Мари Эжени Лекуэзек,
и был похоронен рядом с ней на городском кладбище.
СНЕГ НА ДОРОГЕ В ЛУВЕСЬЕН
Картина написана в деревне Лувесьен, куда художник с семьей переехали
в 1871 году после прусской осады Парижа; позже семья перебралась в Марлиле-Руа. Альфред Сислей был очарован видами сельской местности на берегу Сены
и спешил запечатлеть удивительные снежные пейзажи.
СНЕГ В ЛУВЕСЬЕНЕ
«Снег в Лувесьене» — один из самых знаменитых зимних пейзажей Альфреда Сислея.
На снежной дороге темнеет женская фигура под зонтиком.
Пейзаж выполнен в сдержанной цветовой гамме. Преобладающие холодные оттенки с доминирующим белым цветом, а также серое небо создают ощущение беспросветного тумана и тяжести будней, давящих на человека.
НАВОДНЕНИЕ В ПОР-МАРЛИ
Альфред Сислей несколько раз наблюдал и писал разлившуюся Сену в деревне
Пор-Марли: в 1872 и в 1876 годах. Несмотря на свое название, картина не вызывает ощущение стихийного бедствия или трагедии. Привыкшие к новым обстоятельствам местные жители, занятые рутинными делами, праздно болтают между
собой и плывут в лодочках. Водная гладь практически лишена движения на фоне
солнечной погоды, находясь в состоянии умиротворения и спокойствия.
Альфред Сислей наполнил картину своей душевной гармонией, над которой
не были властны ни нищета, ни болезни, ни другие внешние обстоятельства.
Берега Луана, осень, 1880 г.
Холст, масло. 92 х 65 см.
Частная коллекция
Снег на дороге в Лувесьен, 1874 г.
Холст, масло. 38 х 56 см.
Частная коллекция
Мост в Море, эффект бури, 1887 г.
Холст, масло. 51 х 63 см.
Музей Орсе, Париж, Франция
Снег в Лувесьене, 1874 г.
Холст, масло. 55,9 х 45,7 см.
Частная коллекция
Наводнение в Пор-Марли, 1872 г.
Холст, масло. 46,4 х 61 см.
Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
СОДЕРЖАНИЕ
ИМПРЕССИОНИЗМ: ИСКУССТВО СВЕТА И ВПЕЧАТЛЕНИЙ
........... 4
ЭДУАРД МАНЕ .............................................................................................................................................. 7
ЖАКОБ АБРААМ КАМИЛЬ ПИССАРРО .........................................................................................17
ОСКАР К ЛОД МОНЕ .................................................................................................................................33
ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР ..............................................................................................................................51
ЭДГАР ДЕГА ...................................................................................................................................................65
ВИЛЬГЕЛЬМ ХАММЕРСХЁЙ ................................................................................................................79
КОНСТАНТИН КОРОВИН ......................................................................................................................85
АЛЬФРЕД СИСЛЕЙ ...................................................................................................................................93
БЕРТА МОРИЗО ..........................................................................................................................................97
ГЮСТАВ КАЙБОТТ ................................................................................................................................. 105
ФРЕДЕРИК БАЗИЛЬ ............................................................................................................................. 111
РИЧАРД ЭДВАРД МИЛЛЕР .............................................................................................................. 117
ФРИДРИХ КАРЛ ФРИСКЕ ................................................................................................................. 123
УИЛЬЯМ МЕРРИТ ЧЕЙЗ ..................................................................................................................... 131
ЗАКЛЮЧЕНИЕ ........................................................................................................................................... 137
ПУАНТИЛИЗМ: ИСКУССТВО ТОЧЕК И ЦВЕТОВ ........................................ 138
ЖОРЖ- ПЬЕР СЁРА .................................................................................................................................. 141
ПОЛЬ СИНЬЯК .......................................................................................................................................... 147
МАКСИМИЛЬЕН ЛЮС .......................................................................................................................... 153
ШАРЛЬ ТЕОФИЛ АНГРАН .................................................................................................................. 159
АНРИ ЭДМОН КРОСС ........................................................................................................................... 165
ТЕО ВАН РЕЙССЕЛЬБЕРГЕ ................................................................................................................ 171
ЗАКЛЮЧЕНИЕ ........................................................................................................................................... 176
УКАЗАТЕЛЬ ................................................................................................................................................. 177
őŰŭũŶűŮŭŴƈŭŷźżŬũ
ŊŷźżũƮƄŻƮũũŹŶũŴƦũŶŪũźƄŴƄŵ
ŚŮŹűƈmœũŹŻűŶŶũƈŬũŴŮŹŮƈŝżŻŴƈŹźŭūŮŹſũŵű}
őŕŘřŎŚŚőŗŖőŐŕ
řżųŷūŷŭűŻŮŴƅŹŮŭũųŻŷŹźųŷŲŬŹżŸŸƄmʼnűō}ʼnšūƄŹƉūũ
šŮŽŹŮŭũųŻŷŹʼnœŹƇƀųŷūũ
ŗŻūŮŻźŻūŮŶŶƄŲŹŮŭũųŻŷŹŕŨŵŪűųŷūũ
ŗŽŷŹŵŴŮŶűŮŷŪŴŷůųűʼnŗŹŴŷūũ
śŮžŶűƀŮźųűŲŹŮŭũųŻŷŹŖŠŮŹŶƄƁŮūũ
œŷŵŸƅƇŻŮŹŶũƈūŮŹźŻųũʼnœżŴűųŷūũ
ŚŷźŻũūűŻŮŴƅőŌŷŹŭűŮŶųŷ
œŷŹŹŮųŻŷŹōŘŹŷžŷŹŷūũ
ŘŷŭŸűźũŶŷūŸŮƀũŻƅŝŷŹŵũŻ[ŘŮƀũŻƅŷŽźŮŻŶũƈ
ŌũŹŶűŻżŹũ376DQVŊżŵũŬũŵŮŴŷūũŶŶũƈŜźŴŸŮƀŴ
śűŹũůƆųŰ
ŗŪƂŮŹŷźźűŲźųűŲųŴũźźűŽűųũŻŷŹŸŹŷŭżųſűű
ŗœ œŘŎŚ ȢųŶűŬűŪŹŷƁƇŹƄŸŮƀũŻŶƄŮ
ŗŗŗmőŰŭũŻŮŴƅźŻūŷʼnŚś}
ŕŷźųūũŐūŮŰŭŶƄŲŪżŴƅūũŹŭźŻŹ
ųŷŵŶŸŷŵ,ƆŻũů
ŖũƁźũŲŻ www.ast.ru (PDLO ask@ast.ru
őŶŻŮŹŶŮŻŵũŬũŰűŶ ZZZERRNUX
Произведено в Китае по заказу ООО «Издательство АСТ».
őŰŬŷŻŷūŴŮŶŷūŬ
mőŰŭũŻŮŴƅźŻūŷʼnŚś}ŏšƭŻũŸźƄŹƄźƄŪŷŲƄŶƁũƭƄŻũŲŭũůũźũŴƦũŶ
mőŰŭũŻŮŴƅźŻūŷʼnŚś}ŏšƭ
řŮźŮŲŝŮŭŮŹũſűƈźƄŐūƉŰŭŶƄŲŪżŴƅūũŹƄ
ǂŲƮDŽŹƄŴƄźŪǺŴŵŮ,ǂŲůũŲƮũŪũŻ
ǹŶƎŵǺŶŭƎŹżƮƄŰŵŮŻƎŶůǂŰŮŬŮũźƄŹżŵŮųŮŶůũŲƄ řŮźŮŲŝŮŭŮŹũſűƈźƄ
ŕǪźųٿ؏ٟŶŮŶźųũƈůũƦǂŲƮDŽŹmőŵŸŮŹűƈ}ƎźųŮŹŴƎųųŮƁŮŶƎƮũŪũŻ
ŊƎŰŭƎƶƆŴŮųŻŹŷŶŭƄƮŵŮųŮŶůũŲƄŵƄŰ www.ast.ru (PDLO ask@ast.rX
őŶŻŮŹŶŮŻŵũŬũŰűŶ www.book24.kz
őŶŻŮŹŶŮŻŭżųŮŶ www.book24.kz
őŵŸŷŹŻŮŹūřŮźŸżŪŴűųżœũŰũžźŻũŶűŘŹŮŭźŻũūűŻŮŴƅŸŷŸŹűŮŵżŸŹŮŻŮŶŰűŲ
ūřŮźŸżŪŴűųŮœũŰũžźŻũŶȢśŗŗřōşʼnŴŵũŻƄŬʼnŴŵũŻƄ
ƭũŰũƮźŻũŶřŮźŸżŪŴűųũźƄŶũűŵŸŷŹŻŻũżƁƄůǪŶŮƭũŰũƮźŻũŶřŮźŸżŪŴűųũźƄŶŭũ
ŶũŹũŰƄŴƄƮŻũŹŭƄƮũŪƄŴŭũżŪŷŲƄŶƁũǺųLŴȢmřōşʼnŴŵũŻƄ}ŏšŚ
ʼnŴŵũŻƄƮōŷŵŪŹŷūźųűŲųǺƁmũ}ŊŴűŻŮŹLŷŽűź
śŮŴ Žũųź LƁųL
(PDLO RDC-Almaty@eksmo.kz, www.book24.kz
śũżũŹŪŮŴŬLFL mʼnŚś}ǹŶŭLŹLŴŬŮŶůƄŴƄ
ǹŶƎŵŶƎƶůũŹũŵŭƄŴƄƮŵŮŹŰƎŵƎƁŮųŻŮŴŵŮŬŮŶ
6KHQ]KHQ)XOOLGHD3DFN&R/LPLWHG
ŧŹűŭűƀŮźųűŲũŭŹŮźűũŭŹŮźŽũŪŹűųű %XLOGLQJ$1R 0LQJJXDQ5RDG
(JRQJOLQJ3LQJKX/RQJ*DQJ'LVWULFW6KHQ]KHQ&KLQD%HLMLQJ&KLQD3&
ŚŻŹŷŮŶűŮʼnŕűŶŬżũŶŹŷżŭ
ŦŬŷŶŬŴűŶŬŘűŶžżŹũŲŷŶŔżŶŬũŶšƆŶƅƀůƆŶƅ
œűŻũŲŘŮųűŶœűŻũŲŘœ