Энциклопедия мировой живописи - Жукова А.А.

Автор: Жукова А.А.

Теги: живопись искусство

ISBN: 978-5-17-163421-6

Год: 2025

Похожие

Энциклопедия символизма

Энциклопедия мировой живописи

Энциклопедия живописи. Том 4. Гамбурд - Декорация театральная

Текст

А л е к с а н д р а Жу к о в а

МИРОВОЙ ЖИВОПИСИ

Издательство АСТ
Москва

УДК 75(03)
ББК 85.14я2
Ж86

Все права защищены.
Любое использование материалов данной книги, полностью или частично,
без разрешения правообладателя запрещается

Ж86

Жукова, Александра Васильевна.
Энциклопедия мировой живописи. — Москва : Издательство АСТ, 2025. —
352 с.: илл. — (Искусство. Подарочная энциклопедия).
ISBN 978-5-17-163421-6
Перед вами иллюстрированная энциклопедия мировой живописи с древнейших времен
до наших дней.
Историк, искусствовед, преподаватель и автор книг Александра Жукова собрала на
страницах этого издания огромный материал об известных художниках, о ключевых
направлениях и о жанрах, снабдив его более 450 картинами, являющимися достоянием
мировой культуры. Книгу можно читать с любого места: для удобства статьи представлены
в алфавитном порядке.
Энциклопедия будет полезна всем интересующимся культурой, искусством, историей,
станет прекрасным подарком и займет достойное место в домашней библиотеке.
УДК 75(03)
ББК 85.14я2

ISBN 978-5-17-163421-6

АБСТРАКЦИОНИЗМ (от лат. abstractio — «удаление, отвлечение») — беспредметное, нефигуративное искусство; форма изобразительной деятельности, не ставящая
своей целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности.
Абстрактное искусство заменило изображение зримой реальности системой сугубо формальных элементов (линия, плоскость, цветовое пятно, отвлеченная конфигурация). Основоположником абстракции обычно называют Василия Кандинского, который создал первые нефигуративные акварели в 1910 году. Вскоре он
написал книгу «О духовном в искусстве», которая обосновывает способность искусства собственными средствами создавать, подобно музыке, новую реальность.
Приблизительно в эти же годы к беспредметному искусству приходят несколько
живописцев: Робер Делоне, Франтишек Купка, Пауль Клее, Франц Марк, Михаил
Ларионов, Алексей Явленский. Последователей эмоционального и живописного
направления Кандинского стали называть лирическими абстракционистами.

Василий Кандинский. Картина № 199. Импровизация, 1914. Музей современного искусства. Нью-Йорк

Пит Мондриан. Композиция № 2
с красным и синим, 1929. Музей
современного искусства. Нью-Йорк

Пауль Клее. Статично-динамичная градация,
1923. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

С другой стороны, в 1915 году с теорией супрематизма выступил Казимир Малевич, чья
живопись характеризуется прямыми линиями
и плоскостями. Он стал «изобретателем» геометрического абстракционизма. Это направление
получило дальнейший импульс в теории неопластицизма Пита Мондриана с его каркасами из
перпендикуляров и цветных прямоугольников.
Новая волна абстракционизма связана с творчеством плеяды американских художников (Джексон Поллок, Аршил Горки, Марк Ротко, Виллем
де Кунинг), которые привнесли в свое искусство
порывистые эмоции и надрыв. Это направление
получило название абстрактного экспрессионизма. На современном этапе беспредметное искусство стало для художников-концептуалистов
способом выражения идей и создания образов.
АЙВАЗОВСКИЙ, Иван Константинович (1817–
1900) — российский художник-маринист. Сын
армянского купца из Феодосии.
Айвазовский учился в Петербурге в Академии художеств у пейзажиста Михаила Воробьева. Продолжил обучение в качестве пансионера
в Италии и Франции. Первые же марины Айвазовского, созданные в Европе, имели колоссальный успех: «Лунный свет в Неаполе» (1842,
Художественный музей, Лахти). В 1844 году он
назначен живописцем Главного морского штаба, по заказу которого он писал большеформатные композиции с видами приморских городов
Балтики и Крыма: «Старая Феодосия» (1845, Национальная картинная галерея Армении, Ереван). Вскоре художник покинул двор и поселился в родной Феодосии, где работал в своей
мастерской более полувека.
На всю жизнь главной темой в обширном
творческом наследии мастера стала морская
стихия, которая в картинах Айвазовского всегда выглядит романтически возвышенной, грозной, но поэтичной. Для усиления впечатления
автор часто выбирал выразительные, почти те-

Иван Айвазовский. Неаполитанский залив, 1844.
Художественный музей Синебрюхова. Хельсинки

Иван Айвазовский. А. С. Пушкин
на побережье Черного моря, 1897.
Одесский художественный музей. Одесса

атральные ракурсы и виды, нередко использовал необычные эффекты освещения: «Вид Константинополя при лунном свете» (1846, Русский музей, Санкт-Петербург). Одной из важнейших страниц творчества художника стала работа над
масштабными полотнами с изображением морских баталий. Он пишет как знаменитые исторические победы русского парусного флота предыдущих эпох, так
и морские сражения своих современников в Крымскую войну: «Чесменский бой»
(1848, Картинная галерея, Феодосия); «Синопский бой» (1853, Центральный военно-морской музей, Санкт-Петербург).
Очень часто Айвазовский изображал море во время бури, особой драматичностью отличались знаменитые композиции, в которых грозной стихии противостоят мужественные моряки: «Девятый вал» (1850, Русский музей, Санкт-Петербург); «Буря на Ледовитом океане» (1864, Картинная галерея, Феодосия);
«Радуга» (1873, Третьяковская галерея, Москва). Художник был чрезвычайно популярен при жизни, став символом благополучия и успешности, и до сих пор
остается признанным во всем мире маринистом.
АЛЬТДОРФЕР, Альбрехт (Altdorfer) (1480–1538) — немецкий художник. Родился в Регенсбурге, в Баварии, и работал там с 1505 года до конца жизни. Сын
и ученик живописца Ульриха Альтдорфера, возможно, был знаком с живописью Лукаса Кранаха, чье влияние прослеживается в ранних вещах. Известно, что
с 1519 года Альбрехт Альтдорфер входил в состав регенсбургского магистрата,
с 1526 года исполнял обязанности городского архитектора.
Альтдорфер — наиболее выдающийся представитель так называемой Дунайской
школы, для мастеров которой характерна нетрадиционная трактовка христианских
и других сюжетов, помещаемых в роскошное пейзажное окружение: «Битва святого Георгия с драконом» (1510, Старая пинакотека, Мюнхен). Альтдорфера считают

автором первого чистого пейзажа в Северной Европе: «Пейзаж с мостиком» (1518, Национальная
галерея, Лондон) и «Дунайский пейзаж» (1520-е,
Старая пинакотека, Мюнхен). В 1511 году он отправляется в Австрию исполнять заказ для монастыря Сант-Флориан близ Линца, где создает
масштабный полиптих «Алтарь святого Флориана». В 1528 году художник полностью посвящает себя созданию самого знаменитого шедевра,
исполненного по заказу герцога Вильгельма IV
Баварского — «Битва Александра Македонского
с Дарием» (1528–1529, Старая пинакотека, Мюнхен). Эта работа с тонко проработанным колоритом носит аллегорический характер, где битва
древних полководцев уподоблена событию космического масштаба.
АНДЖЕЛИКО, Фра Беато (Angelico) (1400(?)–
1455) — знаменитый итальянский живописец
Раннего Возрождения. Его настоящее имя —
Гвидо ди Пьетро. Он был доминиканским монахом, получившим имя Фра Джованни да
Фьезоле, прозываемый Беато (Блаженный) в монастыре Сан-Доменико во Фьезоле (окрестности Флоренции). О ранних годах художника известно лишь то, что живописи он учился еще
до пострига, а в 19 лет принял монашеский сан.
Альбрехт Альтдорфер. Воскресение
Много работал над фресками в различных обиХристово. Створка алтаря в монастыре
Св. Флориана, 1518. Музей истории
телях Тосканы, затем его изящное искусство
искусств. Вена
прославило его на всю Италию, поэтому художник был приглашен в Рим к папскому двору. Ранние произведения Фра Беато
были выполнены в родной обители: это «Мадонна с младенцем на троне и святые Фома Аквинский, Варнава, Доминик и Петр Мученик» (1424–1425, Церковь
Сан-Доменико, Фьезоле). В них прослеживаются как черты поздней готики, так
и влияние новаторских открытий Джотто, и все это в сочетании с присущей автору грациозностью линий. В дальнейших работах Анджелико ярче проявляются новшества Раннего Ренессанса — линейная перспектива и объемность фигур:
«Мадонна с младенцем» (1430, Музей Сан-Марко, Флоренция). Наиболее ярко
его почерк проявился в знаменитом шедевре «Благовещение» (1432–1433, Музей
Диочезано, Кортона), написанном для церкви Сан-Доменико в Кортоне. Главным живописным проектом художника стали фрески для монастыря Сан-Марко
во Флоренции, где он потом служил настоятелем. В 1438 году семья Медичи за-

Фра Анджелико. Благовещение, 1550. Монастырь
Сан-Марко. Флоренция

Фра Анджелико. Коронование Марии,
1435. Галерея Уффици. Флоренция

казала Фра Беато Анджелико новый алтарь для монастыря Сан-Марко во Флоренции, а в 1440-е годы он написал фрески в библиотеке, зале капитула, кельях монахов, трапезной. Творчество Фра Анджелико своей чистотой и гармоничностью
вдохновляет художников и зрителей, как его современников, так и потомков.
АНДРЕА ДЕЛЬ КАСТАНЬО (Castagno) (1423–
1457), Андреа де Бартоломео — флорентийский
живописец эпохи Раннего Возрождения. Родился
в деревне Кастаньо в крестьянской семье. Обучался во Флоренции в одной из мастерских, преемник
живописной манеры Мазаччо с ярко выраженной
светотеневой моделировкой и линеарным доминированием, четко выверенной композицией и перспективой. Наиболее известными стали его фрески, созданные для монастыря Санта-Аполлония
(сцены «Тайная вечеря», «Воскресение», «Распятие», 1447), поразившие современников реалистичностью трактовки фигур и пространства. По заказу
Филиппо Кардуччи художник в 1450 году написал
серию из 9 фресок «Знаменитые люди» — идеальные портреты полководцев, поэтов, сивилл и цариц, которые отличаются эмоциональной убедительностью. В 1456 году Кастаньо выполнил фреску
«Конный памятник Никколо да Толентино» в соборе Санта-Мария-дель-Фьоре, подчеркнув почти скульптурную пластику всадника. Строгое искусство Кастаньо во многом отражало тосканский
путь развития ренессансной традиции.

Андреа дель Кастаньо. Сивилла Кумская
(из цикла росписей виллы Кардуччи),
ок. 1450. Галерея Уффици. Флоренция

Антонелло да Мессина. Кондотьер
(Портрет неизвестного), 1475. Лувр. Париж

Антонелло да Мессина. Распятие с Марией
и Иоанном, 1475. Музей изящных искусств.
Антверпен

АНТОНЕЛЛО ДА МЕССИНА (Antonello da
Messina) (1430–1479) — итальянский художник, оказавший существенное влияние на развитие живописи Раннего Возрождения. Родился на острове Сицилия. Считается, что
художник назван в честь родного города — Мессина. Сведения о жизни Антонелло весьма противоречивы; известно, что
он учился в Неаполе у Колантонио, в молодости много путешествовал, бывал в Милане, Риме и Венеции, где жил и работал
при дворах правителей. Предание гласит,
что именно Мессина познакомил венецианцев с масляными красками, добыв секрет
их приготовления во время пребывания
в Нидерландах, когда работал в мастерской
Петруса Кристуса. В любом случае он был
первым из итальянских мастеров, кто освоил новую технику и показал ее достоинства
в своих картинах, а также продемонстрировал их венецианским мастерам, повлияв
на развитие всей ренессансной живописной традиции.
Антонелло стал лучшим живописцем
южной Италии, соединив итальянские черты с нидерландскими достижениями, о чем
свидетельствуют его шедевры «Святой Иероним в келье» (1475, Национальная галерея, Лондон), «Распятие» (1475, Королевский музей изящных искусств, Антверпен),
«Святой Себастьян» (1476, Картинная галерея, Дрезден). Большую известность живописец получил как портретист, внимательно и неторопливо рассматривающий своих
моделей. Его портреты удивляют глубиной
при лаконичности живописных средств:
«Мужской портрет» (1476, Городской музей древнего искусства, Турин); «Портрет
молодого человека» (1478, Картинная галерея, Берлин); «Мужской портрет (Автопортрет?)» (1476, Национальная галерея, Лондон). Художник создал галерею образов,

олицетворяющих для потомков людей
Кватроченто — уверенных, деятельных,
твердо стоящих на земле. По мнению
многих, это лучшие достижения в портретном жанре Италии в XV веке.
АРЧИМБОЛЬДО, Джузеппе (Arcimboldo)
(1527–1593) — итальянский художник,
представитель маньеризма. Родился в Милане в патрицианской семье. Получил
уроки искусства в мастерской отца, вместе с которым расписывал окна Миланского собора.
С 1562 года Арчимбольдо работал
в Праге, при дворе императора Священной Римской империи Фердинанда I и сменившего его императора
Рудольфа II. В 1591 году получил графский титул. Был куратором императорской кунсткамеры и организатором
придворных празднеств, конструировал хитроумные сценические механизмы, а также был автором картонов для Джузеппе Арчимбольдо. Четыре сезона в одной
шпалер, украшавших соборы и двор- голове, ок. 1590. Национальная галерея искусства.
Вашингтон
цы. Занимался проблемами соединения
цвета и звука, изобретая специальные музыкальные инструменты. Но наибольшую известность снискал как автор очень необычных картин, в которых
изображения людей состоят из причудливого сочетания предметов, минералов, плодов и цветов. Галерея изображений, получившая название «Фантастические головы», чаще всего носила аллегорический характер, — это были
«времена года», «стихии», «профессии»: «Юрист» (1566, Национальный музей, Стокгольм); «Четыре сезона в одной голове» (1590, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Весна» (1573, Лувр, Париж); «Вода» (1566,
Королевский музей, Брюссель). Особняком стоит «портрет» самого императора Рудольфа в образе римского бога плодородия Вертумна (1566, Замок
Скоклостер, Стокгольм).
Произведения Арчимбольдо стали самой фантастической причудой маньеризма, эпохи поисков новых методов и смыслов, а также отражением
жажды познания окружающего мира, охватившей его современников. Ирреальные образы живописца вызвали волну интереса с появлением сюрреализма в 20-х годах ХХ века. Многие усматривают в них истоки сюрреалистических фантазий.

БАЗИЛЬ Фредерик (Bazille) (1841–1870) — французский художник. Родился в Монпелье в семье виноделов и банкиров, получил классическое образование.
В 1862 году Базиль отправился в столицу учиться медицине. Параллельно поступил в Академию
Глейра и обучался живописи. Художник стремился к обновлению академической живописи и нашел
сторонников в лице Клода Моне и Пьера Ренуара.
Базиль входит в группу будущих импрессионистов
и выезжает на пленэры, делая первые шаги навстречу новой живописной стилистике: «Поляна в лесу
Фонтенбло» (1865, Орсе, Париж). Но в отличие от
товарищей он тяготеет к портретам и изображению
«фигур в пейзаже»: «Портрет Ренуара» (1867, Орсе,
Париж); «В кругу семьи» (1867, Орсе, Париж);
«Вид на деревню» (1868, Музей Фабра, Монпелье);
«Розовое платье» (1864, Орсе, Париж); «Мастерская
художника» (1869, Орсе, Париж). Художник находился в поисках нового света и воздуха в картинах,
но поиски были прерваны: в начале Франко-прусской войны Базиль ушел на фронт и был убит. Его
творчество является переходным этапом от академизма к импрессионизму.

Фредерик Базиль. Вид на деревню, 1868.
Музей Фабра. Монпелье

БАЛЛА, Джакомо (Balla) (1871–1958) — итальянский художник, один из основоположников итальянского футуризма. Родился в Турине в семье аптекаря. Там же
учился в Академии Альберти (1891). Увлекался экспериментами в фотографии,
изучал труды Мари и Майбриджа о передаче динамики движущихся объектов.
В 1904 году Балла познакомился с Умберто Боччони и Джино Северини, вместе
с которыми разрабатывал эстетическую программу нового авангардного течения
в искусстве, которое в 1909 году стало называться футуризмом. Основными мотивами его творчества стали ритмика движения и игра света: «Девушка, выбегающая
на балкон» (1912, Городская галерея современного искусства, Милан), «Динамизм
собаки на поводке» (1912, Галерея Олбрайт-Нокс. Буффало), «Автомобиль: скорость, свет, шум» (1913, Кунстхаус, Цюрих), «Динамическая последовательность»
(1913, Частное собрание, Милан). В последующие десятилетия увлекался теософией,
свои идеи стремился выразить в беспредметных композициях, как он отмечал, «в абстрактно-динамической манере»: «Драма пейзажа» (1925, Частное собрание, Рим).
БАРОККО (barocco) — стиль в живописи, архитектуре, скульптуре, прикладном
искусстве, а также в литературе и музыке. Такое название получила и культурно-историческая эпоха расцвета стиля, охватившая XVII–XVIII столетия. Сло-

во «барокко», согласно основной версии, происходит от португальского barroco,
что обозначает жемчужину необычной, неправильной формы. Термин появился в критической публицистике конца XVIII века как обозначение всего неправильного и нелепого с позиции господствующего классицизма. Родина барокко — Италия, где новый стиль стал естественным продолжением развития идей
маньеризма и Позднего Ренессанса. Художественному стилю барокко свойственны динамика, напряженность, контрастность форм и красок, аффектация, экспрессивность, обостренная чувственность, стремление к величию создаваемых
образов, совмещению реальности и иллюзии, слиянию различных родов, видов
и жанров искусства в грандиозных монументах, городских и дворцово-парковых
ансамблях. Главной задачей художников барокко была передача сильных эмоций,
для чего они использовали асимметричную композицию, диагональные движения, контрастное освещение, создавая ощущение нестабильности, подвижности
форм и пространства. Наиболее ярко барочный художественный метод проявился в произведениях великих мастеров — Питера Пауля Рубенса, Диего Веласкеса, Караваджо, Рембрандта, — создавших в стиле барокко великие произведения
живописи. На целое столетие барокко стал по-настоящему всеобъемлющим, эпохальным стилем, охватившим все виды художественной деятельности человека.

Якоб Йорданс. Бобовый король, 1640–1645. Музей истории искусств. Вена

Пьетро да Кортона. Роспись потолка
с гербом Медичи, 1643–1644. Палаццо
Питти. Флоренция

Диего Веласкес. Конный портрет графа-герцога
Оливареса, 1634–1638. Музей Прадо. Мадрид

Питер Пауль Рубенс. Генрих получает портрет
Марии Медичи, 1622–1625. Лувр. Париж

Якопо Бассано. Вход животных в Ноев ковчег, 1570. Музей Прадо. Мадрид

БАССАНО, Якопо да Понте (Bassano) (1517–1592) — итальянский художник,
представитель Венецианской школы живописи. Родился в пригороде Венеции —
Бассано, название которого дало художественный псевдоним для династии мастеров, самым известным представителем которой стал Якопо. Его отец Франческо ди Понте был художником и его первым учителем. Якопо продолжил свое
становление как живописца в Венеции под влиянием Тициана и Лоренцо Лотто. Затем он познакомился с живописью Пармиджанино, и в его картинах стали появляться черты маньеризма: «Тайная вечеря» (1542, Галерея Боргезе, Рим);
«Усекновение главы Иоанна Крестителя» (1570-е, Музей искусств, Копенгаген).
Часто обращаясь к библейским сюжетам, Бассано разворачивает их действие среди сельского пейзажа, вводит мотивы из крестьянской жизни, наполняет картину реальными бытовыми предметами: «Богач и бедный Лазарь» (1570-е, Рейксмузеум, Амстердам); «Отдых на пути в Египет» (1547, Пинакотека Амброзиана,
Милан); «Поклонение волхвов» (1563, Музей истории искусств, Вена). Бассано
создал влиятельную живописную мастерскую в Венеции, в которой продолжили работать его сыновья. Поскольку все художники семьи Бассано были блистательными анималистами, то излюбленным сюжетом мастерской стали серии картин на тему библейской притчи о Ноевом ковчеге: «Наполнение Ноева ковчега»
(1580-е, Лувр, Париж); «Жертвы Ноя» (1574, Сан-Суси, Потсдам).

БАСТЬЕН-ЛЕПАЖ, Жюль (Bastien-Lepage)
(1848–1884) — французский живописец. Родился в семье фермеров в Данвиллере в Лотарингии. Учился у Александра Кабанеля
в Школе изящных искусств в Париже. Регулярно выставляясь в Салоне, приобрел известность как портретист: «Портрет актрисы
Сары Бернар» (1879, Музей Фабра, Монпелье). Был дружен с Эмилем Золя и считал
себя продолжателем традиций французского натурализма, наследником Гюстава Курбе и Жана-Франсуа Милле. Бастьен-Лепаж
прославился как автор жанровых лирических композиций из жизни крестьян, писал
Жюль Бастьен-Лепаж. Сенокос, 1877.
сцены труда и отдыха жителей родных лоМузей Орсе. Париж
тарингских деревень, окружая персонажей
пленэрными пейзажами: «Октябрь. Сбор картофеля» (1878, Национальная галерея
Виктории, Мельбурн); «Сенокос» (1877, Лувр, Париж); «Деревенская любовь» (1882,
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). Художник оказал большое влияние на своих современников, предложив компромиссный путь «примирения» академизма и импрессионизма.
БЁКЛИН, Арнольд (Boecklin) (1827–1901) — швейцарский живописец и скульптор.
Родился в Базеле. Учился в Дюссельдорфе (1845–1847), Женеве (1847) и Париже
(1848). Работал в Базеле, Мюнхене, но главным образом — в Италии, где подружился с немецкими интеллектуалами, увлеченными философией «неоидеализма».
Как художник Бёклин был приверженцем живописи Эжена Делакруа и романтиков,
но постепенно пришел к собственному самобытному варианту символизма, который наиболее интересно проявился в мистических пейзажах: «Разрушенный замок»
(1847, Государственные музеи, Берлин); «Вилла у моря» (1860, Галерея Шака, Мюнхен). В его вымышленных ландшафтах часто разыгрывались тревожные и мрачные
сцены из античных мифов: «Одиссей и Калипсо» (1882, Художественный музей, Базель). Всеевропейскую известность приобрела картина Бёклина «Остров мертвых»,
в которой главную роль играет окутанный мистическим волнением метафизический пейзаж. Автор пять раз делал повторения этого знакового произведения, оказавшего сильное влияние на формирование символизма в разных странах.
БЕЛЛИНИ, Джованни (Bellini) (1430–1516) — выдающийся художник эпохи
Возрождения, основоположник новой живописной традиции, в которой главная роль отводится колориту и свету. Самый известный представитель венецианской художественной династии, основоположником которой был отец и учитель
Джованни — Якопо Беллини (1400–1470). Беллини-старший был первым из ве-

Арнольд Бёклин. Одиссей и Калипсо, 1882. Художественный музей. Базель

нецианских мастеров, взявших на вооружение открытия флорентийцев, его можно назвать отцом Венецианского Возрождения: «Святой Иероним в пустыне»
(1443, Музей Кастельвеккьо, Вероне). Джованни и его старший брат Джентиле
(1429–1507) обучались живописи в мастерской отца и стали самыми яркими фигурами Кватроченто в Венеции. Наследие Джентиле, мастера жанрово-исторической живописи, представляет собой красочные и документально-точные виды
Венеции в моменты важных событий из истории города: «Процессия Святого
Креста на площади Святого Марка» (1496, Галерея Академии, Венеция). Джентиле прославился и как портретист, его талант был востребован даже в Константинополе, где он работал при дворе султана Мехмеда II, чей портрет художник
исполнил в 1480 году: «Мехмед II» (1480, Национальная галерея, Лондон); «Патриарх Л. Джустиниани» (1465, Галерея Академии, Венеция).
Младшего Джованни (в семье его называли Джамбелино), в отличие от отца
и старшего брата, в юности привлекла живопись Андреа Мантеньи. В ранних
картинах юноши очень заметно влияние линеарного стиля падуанского мастера:
«Мадонна, поклоняющаяся младенцу Христу» (1455, Метрополитен-музей, НьюЙорк). Но работы Беллини более эмоциональны, они наполнены напряженным
драматизмом: «Моление о чаше» (1460, Национальная галерея, Лондон). Затем он
познакомился с колористическим строем работ Пьеро делла Франческа и масляной техникой Антонелло да Мессина, под воздействием чего его палитра стано-

вится более сложной и тонкой: «Коронование Марии» (ок. 1475, Городской
музей, Пезаро); «Святое собеседование»
(1478–1487, Галерея Академии, Венеция).
Особенным новшеством для Раннего Ренессанса стали образы Мадонн Джамбелино, они отличаются мечтательной
одухотворенностью, которую усиливает
окружающий их выразительный пейзаж:
«Мадонна с деревцами» (1487, Галерея
Академии, Венеция); «Мадонна в лугах»
(ок. 1505, Национальная галерея, Лондон); «Озерная Мадонна» (1490, Галерея
Уффици, Флоренция). Беллини-младший вошел в историю искусства и как
блистательный учитель, из его мастерской вышли корифеи Возрождения —
Джорджоне и Тициан.
Якопо Беллини. Мадонна с младенцем, 1465.
Музей искусств. Лос-Анджелес
Джентиле Беллини. Процессия Святого Креста
на площади святого Марка, 1496. Галерея Академии.
Венеция

Джованни Беллини. Моление о чаше, 1460. Национальная галерея. Лондон

Джованни Беллини. Мадонна в лугах, ок. 1505. Национальная галерея. Лондон

БЕЛЛОТТО, Бернардо (Bellotto) (1721–1780) — итальянский художник, мастер
пейзажной ведуты. Родился в Венеции в семье живописца Лоренцо Беллотто,
по материнской линии племянник знаменитого пейзажиста Антонио Каналетто, у которого учился живописи. Беллотто довел технику ведуты (топографически точного пейзажного вида) до совершенства, его полотна более масштабные
по формату, они часто объединялись в серии, например, «Виды Турина» (1745,
Галерея Сабауда, Турин). Искусство Беллотто было востребовано и за пределами Италии, в 1747 году он уехал работать в Мюнхен, затем в Вену, где писал городские виды для августейших особ. Затем до конца жизни поселился в Дрездене
и Варшаве, при дворе саксонского и польского королей. Его изображения этих
городов настолько точны, что могут служить историческим документом: «Новый
рынок в Дрездене» (1747, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Вид на Дрезден с Фрауэнкирхе слева» (1747, Музей изящных искусств, Бостон); «Костел Святого Креста в Варшаве» (1778, Королевский замок, Варшава).

Бернардо Беллотто. Костел Святого Креста в Варшаве, 1778. Варшава

Эмиль
Бернар.
Бретонки
с зонтиками,
1892.
Музей Орсе.
Париж

БЕРНАР, Эмиль (Bernard) (1868–1941) — французский живописец, постимпрессионист, один из теоретиков символизма. Родился в Лилле в буржуазной семье,
получил классическое образование. Бернар учился живописи в Париже у Фернана Кормона, где сблизился с Анри Тулуз-Лотреком и Винсентом Ван Гогом.
В 1886 году был исключен из Академии за приверженность новым течениям. Летом отправился в Бретань, поселение художников в деревушке Понт-Авен, где
находится в поисках нового живописного языка: «Мадлен в лесу любви» (1888,
Частное собрание). В 1887 году вместе с художником Луи Анкетеном разработал новую живописную систему — клуазонизм (от фр. cloison — «перегородка»),
для которого характерны большие плоскости цвета, обрамленные резкими контурами: «Бретонские девушки под зонтом» (1892, Музей Орсе, Париж); «Бретонки
на лугу» (1888, Музей Орсе, Париж). Переживая идейный кризис, Бернар обращается к религиозным сюжетам: «Желтый Христос» (1889, Художественный музей, Индианаполис). В дальнейшем его творчество весьма разнородно: он пишет
картины в классическом стиле, затем увлекается восточным искусством, на некоторое время оставляет живопись, чтобы сосредоточиться только на поэзии,
публикует сборник «Волшебный свет» под псевдонимом Жан Дорсал. Последние десятилетия Бернар был непримиримым противником модернизма, который
в свое время сам же и породил.

Эдуард Бёрн-Джонс. Зачарованный
Мерлин, 1877. Частное собрание

Уильям Блейк. Притча о разумных
и неразумных девах, 1822. Метрополитенмузей. Нью-Йорк

БЁРН-ДЖОНС, Эдуард (Burne-Jones) (1833–
1898) — английский живописец, мастер декоративно-прикладного искусства, представитель
младших прерафаэлитов. Родился в Бирмингеме
в семье ремесленника, учился в Оксфорде на факультете теологии, где подружился с Уильямом
Моррисом. Вместе они поступили на обучение к своему кумиру Данте Габриэлю Россетти
и стали работать в стилистике, близкой к прерафаэлитской. Как и его коллега Моррис, БёрнДжонс много работал над эскизами к шпалерам
и витражам, но больше уделял внимание станковой живописи, которую мастерски стилизовал
под ранние итальянские фрески или готические
произведения. Художник обращался к античным мифам (серия работ на мифы о Персее или
Психее), но чаще — к полузабытым кельтским
сказаниям и образам: «Король Кофетуа и нищенка» (1880–1884, Галерея Тейт, Лондон); «Мельница» (1870–1872, Музей Виктории и Альберта,
Лондон); «Золотая лестница» (1876–1880, Галерея Тейт, Лондон). Его интерпретации отличаются изощренным декоративным языком, картины состоят из вязи сложных орнаментальных
линий, предвосхищая эстетику модерна: «Рыцари и шиповник» (1869, Маас-галерея, Лондон).
БЛЕЙК, Уильям (Blake) (1757–1827) — английский поэт, художник, философ. Родился в Лондоне, сын торговца трикотажем. Сначала учился
на гравера, затем продолжил обучение в Королевской академии художеств. Долгие годы зарабатывал на жизнь как мастер печатной графики
и издатель, публикуя «иллюминированные книги» с раскрашенными гравюрами. Как иллюстратор поэтических и философских произведений,
собственных и других авторов, стал известен
к концу 1780-х годов. В 1810–1817 годы Блейк
подготовил несколько превосходных серий акварельных иллюстраций к произведениям Джона
Мильтона и Уильяма Шекспира. В более поздние годы приобрел известность благодаря сво-

им произведениям на сюжеты библейской «Книги Иова», а затем и «Божественной
комедии» Данте Алигьери: «Вихрь любовников», «Беатриче на колеснице» (1827,
Галерея Тейт, Лондон). Работы Блейка полны романтических представлений, пронизаны духом мятежного мистицизма, его язык условен, он строится на аллегорических образах и символах: «Творец Вселенной» (1794, Британский музей, Лондон); «Сотворение Адама» (1795, Галерея Тейт, Лондон).
БОНИНГТОН, Ричард Паркс (Bonington) (1802–1828) — английский живописец
и график. Родился в семье художника в Арнольде, близ Ноттингема, но большую
часть жизни провел во Франции. С 1819 года учился в Париже, в мастерской Антуана Жана Гро, познакомился с живописью Эжена Делакруа, что оказало на него
большое влияние. Много путешествовал по берегам Нормандии и Адриатики, где
писал натурные пейзажи, построенные на точной передаче атмосферных явлений
и эффектов солнечного освещения: «Лодки у берега Нормандии» (1823, Эрмитаж,
Санкт-Петербург). Легкая быстрая кисть Бонингтона позволяла ему создавать живописные этюды в новаторской пленэрной технике и повлияла на развитие европейского пейзажа XIX века: «Барки на реке» (1826, Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвен); «Нормандия. На берегу» (1826/1827, Галерея Тейт, Лондон).

Ричард Паркс Бонингтон. Река в Нормандии, 1824. Музей искусств. Даллас

БОННАР, Пьер (Bonnard) (1867–1947) — французский живописец и график.
Выходец из буржуазной семьи, получил блестящее гуманитарное образование,
но решил посвятить себя искусству. Учился в парижской Школе изящных искусств у Вильяма Бугро, затем — в академии Жюлиана, где в 1888 году познакомился с Морисом Дени, Эдуаром Вюйаром и Полем Рансоном. Все они в те
годы увлекались японской гравюрой. Под влиянием прибывшего из Понт-Авена Поля Гогена с идеями живописного символизма Боннар организует группу
«Наби» («Пророки»). Однако ему был чужд теософский пафос коллег, он пишет
обычные жанровые сцены и пейзажи, но изображает их необычным «языком»:
«У Средиземного моря. Триптих» (1911, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Женщины в саду» (1891, Музей Орсе, Париж). В зрелые годы художник часто обращался
к камерным сюжетам, натюрмортам и интерьерам, за что получил прозвище «Интимист». Его дымчатая скользящая живопись отличалась изысканностью цветовых
сочетаний и созерцательной тягучестью: «Лето в Нормандии» (1912, Государственный музей изобразительных искусств, Москва); «Столовая на даче» (1913,
Институт искусств, Миннеаполис); «Студия с мимозой» (1939–1946, Центр Помпиду, Париж).

Пьер Боннар. Женщины в саду, 1891. Музей Орсе. Париж

БОРОВИКОВСКИЙ,
Владимир
Лукич
(1757–1825) — русский художник. Родом
из Миргорода, сын малороссийского иконописца. После воинской службы занимался церковной живописью в духе украинского барокко; известно, что написал иконы
для миргородского храма в 1784 году. Занимался оформлением дворца для императрицы Екатерины II во время ее путешествия
по югу России, после чего получил царские рекомендации для обучения в столице. В Петербурге сблизился с Г. Р. Державиным и Н. А. Львовым, проникся идеями
классицизма, уделял все больше внимания
портретному жанру. Начав с миниатюрных изображений, к середине 1790-х годов
Боровиковский стал востребованным портретистом, чьи работы привлекают моделей своей элегантной простотой, лиризмом
и эмоциональностью: «Портрет Филипповой» (1790, Русский музей, Санкт-Петербург); «Портрет генерала Боровского»
(1799, Русский музей, Санкт-Петербург);
«Портрет сестер Гагариных» (1802, Третьяковская галерея, Москва). В работах художника романтические черты были присущи
даже изображениям монархов и их родных: «Императрица Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке» (1794, Третьяковская галерея, Москва). Самый большой
успех автору принесли портреты молодых
аристократок в духе сентиментализма, задумчивых и нежных, в струящихся светлых одеждах на фоне элегического пейзажа:
«Портрет Лопухиной» (1797, Третьяковская галерея, Москва); «Портрет Нарышкиной» (1799, Третьяковская галерея, Москва);
«Портрет Арсеньевой» (1790, Русский музей, Санкт-Петербург). В последние годы
Боровиковский вернулся к религиозной живописи, оформлял множество храмов, включая Казанский собор в Санкт-Петербурге.

Владимир Боровиковский. Портрет принцесс
Елены (1787–1869) и Александры (1788–1819)
Куракиных с их собакой, 1802. Лувр. Париж

Владимир Боровиковский. Портрет
К. И. Лобановой-Ростовской, сер. 1800-х.
Национальный музей «Киевская картинная
галерея». Киев

Иероним Босх. Странник. Внешние створки
триптиха «Воз сена», 1515–1516. Музей Прадо.
Мадрид

Иероним Босх. Несение креста, 1515.
Музей изящных искусств. Гент

БОСХ, Иероним (Bosch) (1450(?)–1516) —
нидерландский живописец, крупнейший
мастер Раннего Возрождения в Нидерландах. Родился в городе Хертогенбосх (Северный Брабант) в семье художников, его
отец Антониус ван Акен был его учителем.
Чтобы отличаться от прочих Акенов, взял
псевдоним — производное от названия города. Более сорока лет Босх жил и работал
в родном городе; известны лишь его произведения, фактов о жизни практически нет.
Судя по широте литературных и философских аллюзий, библейских цитат и фольклорных образов, мастер был хорошо
образованным и глубоко мыслящим художником. В своих жанровых сценах-притчах
прекрасно передал типажи современников,
утрируя их грехи, низменные страсти, недостатки и пороки: «Извлечение камня глупости» (1475–1480, Музей Прадо, Мадрид);
«Корабль дураков» (1500, Лувр, Париж);
«Фокусник» (1475(?), Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле).
Большая часть наследия Босха — это алтарные складни и картины на библейские
сюжеты, в которых автор ярко и образно
рисует мир представлений человека на излете Средневековья с его мистическим сознанием и апокалиптическими ожиданиями: «Святой Иоанн на острове Патмос»
(1504, Картинная галерея, Берлин); «Поклонение волхвов» (1485, Музей Прадо,
Мадрид); «Смерть скупца» (1500, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Наибольшую известность получили его
композиции на тему «Искушение святого Антония», к которым он обращался
не менее трех раз. Сюжет из жития святого позволял автору развернуть фантастическую картину шествия чудовищных
воплощений испытаний, страхов, грехов
и пороков: «Искушение святого Антония»

(1505, Национальный музей старинного искусства, Лиссабон). Свои размышления о жизни и человеке художник в полной мере изложил в очень причудливой
и фантазийной форме в серии триптихов, где левая створка посвящена Эдему,
правая — преисподней, а центральная часть — земной жизни: «Воз сена» (1500,
Музей Прадо, Мадрид); «Сад радостей земных» (1490–1510, Музей Прадо, Мадрид); «Страшный суд» (1504, Академия искусств, Вена). Для Босха и его современников подобные изображения имели глубокий религиозный смысл, связанный с текстами Священного Писания, а также дидактическое и морализаторское
значение. Восприятие мира позднего Босха проникнуто горечью, иронией и печальной мудростью, что наиболее точно отражено в образе Странника, который
становится сквозным персонажем во многих произведениях: «Странник (Блудный сын)» (1510, Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам).
БОТЕРО, Фернандо (Botero) (1932–2023) — колумбийский художник. Родился
в Медельине (Колумбия) в семье коммерсанта. Учился в школе иезуитов, с детства подрабатывал, создавая рисунки для журналов и газет. В начале 1950-х годов
уехал в Европу, где обучался в различных городах, находился под впечатлением от творчества Франсиско Гойи и Диего Веласкеса. С 1960 года переселился в Нью-Йорк, где начал выставлять свои работы в духе наивного искусства,
но при этом остроумно пародирующие мировые шедевры: «Мона Лиза в возрасте 12 лет» (1961, Музей современного искусства, Нью-Йорк); «Президентская
семья» (1967, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В зрелые годы Ботеро поселился в Европе, где стал известен как автор типажных портретов и натюрмортов, в которых читаются мотивы старых мастеров. Излюбленные герои
художника — люди и животные, наделенные гипертрофированными формами,
излучающие жизнерадостность и вызывающие расположение, несмотря на авторский сарказм. Ботеро, мастер парафраза и гротеска, на рубеже тысячелетий стал
самым известным латиноамериканским художником-постмодернистом.
БОТТИЧЕЛЛИ, Сандро (Botticelli) (1445–1510) — знаменитый итальянский художник Раннего Возрождения. Родился во Флоренции в богатой семье дубильщика кожи. Воспитывался старшим братом Антонио, золотых дел мастером, прозванным Боттичелло («бочонок»), от которого это прозвище перешло к Сандро.
Художник получил хорошее образование — в мастерской Фра Филиппо Липпи,
а затем — у известного скульптора и живописца Андреа дель Верроккьо.
Боттичелли начал свое творчество с образов Мадонн, которые своим изяществом близки к стилю Липпи: «Мадонна на лоджии» (1467, Галерея Уффици,
Флоренция). В 1470 году организовал собственную мастерскую. Вскоре сформировался неповторимый почерк Боттичелли: художник становится мастером
полутонов и интонаций: «Возвращение Юдифи» (1472, Галерея Уффици, Флоренция); «Святой Себастьян» (1474, Картинная галерея, Берлин); «Мадонна Евхаристии» (1470, Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон). Спектр возможностей

художника в зрелые годы весьма широк: от
блестяще исполненных портретов («Человек
с медалью» (1475, Галерея Уффици, Флоренция); «Портрет молодой женщины» (1475,
Палаццо Питти, Флоренция); «Портрет
Джулиано Медичи» (1478, Академия Каррара, Бергамо)) — до масштабных фресок, созданных им для Сикстинской капеллы в Ватикане, куда он был приглашен понтификом
в числе лучших тосканских мастеров: «Искушение Христа», «Юность Моисея», «Наказание восставших Левитов» (1481–1482).
Самые знаменитые работы Боттичелли написал, сблизившись с кругом поэтов
и мыслителей, лидером которых был правитель Флоренции Лоренцо Великолепный.
Теперь все чаще художника привлекают персонажи из античных мифов, которые в его
произведениях приобретают созерцательно-

Сандро Боттичелли. Портрет молодой
женщины, 1476–1480. Картинная галерея.
Берлин

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры, ок. 1485. Галерея Уффици, Флоренция

но-элегические черты: «Афина и Кентавр» (1482, Галерея Уффици, Флоренция);
«Венера и Марс» (1485, Национальная галерея, Лондон). По заказу семейства
Медичи мастер создал свои всемирно известные шедевры «Весна» (1477, Галерея
Уффици, Флоренция) и «Рождение Венеры» (1485, Галерея Уффици, Флоренция), где поэтические аллегории Полициано обретают визуальные воплощения
в печальных и хрупких женских образах. В 1480-е годы Боттичелли также написал несколько знаменитых образов Богоматери, более эффектных и пышных, чем
в ранних картинах: «Мадонна с гранатом» (1487, Галерея Уффици, Флоренция);
«Мадонна Магнификат» (1485, Галерея Уффици, Флоренция).
С приходом к власти во Флоренции монаха Джироламо Савонаролы характер
творчества Боттичелли поменялся: его поздние картины наполнены пессимизмом и тоской, что проявляется в интенсивности красок, ломкости линий и напряженности композиций: «Клевета» (1495, Галерея Уффици, Флоренция); «Покинутая» (1495, Галерея Паллавичини, Рим); «Пьета» (1492, Старая пинакотека,
Мюнхен). Лиричное и возвышенное искусство художника стало одной из вершин эпохи Кватроченто.

Сандро Боттичелли. Весна, ок. 1480. Галерея Уффици. Флоренция

БОЧЧОНИ, Умберто (Boccioni) (1882–
1916) — итальянский художник и теоретик
искусства, один из лидеров футуризма. Родился в Реджо-ди-Калабриа на юге Италии
в семье чиновника. Получил художественное образование в Риме (1898–1902), в студии Джакомо Баллы. В 1902 году посетил
Париж, где увлекся дивизионизмом Жоржа Сёра и попробовал себя в новом стиле:
«Апокалиптические всадники» (1908, Художественный институт, Чикаго). Затем Боччони поселился в Милане, где познакомился с Филиппо Маринетти. Вместе они стали
основателями футуризма; Боччони — автор
«Технического манифеста футуристической
живописи», опубликованного в 1910 году.
Живопись художника приобретала особую
Умберто Боччони. Симультанное зрение, 1911.
экспрессию, подвижность и символичность:
Музей фон дер Хайдт. Вупперталь
«Возносящийся город» (1910–1911, Музей
современного искусства, Нью-Йорк). Под влиянием кубизма картины Боччони стали более ритмичными; разбивая сцены «на кадры», он добивался передачи движения: «Эластичность» (1912, Пинакотека Брера, Милан); «Симультанное
зрение» (1911, Музей фон дер Хайдт, Вупперталь). Позже художник увлекся передачей динамики в скульптурах и добился интересных результатов. В 1916 году
погиб на фронте.
БРАК, Жорж (Braque) (1882–1963) — французский художник, один из создателей кубизма. Родился в пригороде Парижа, первым учителем был отец. Затем
учился в Гаврской школе изящных искусств, продолжил учебу в Париже у Леона Бонна. В 1905 году познакомился с творчеством Анри Матисса и стал работать в стиле фовистов, выстраивая свои пейзажи на смелых аккордах интенсивных
цветов: «Гавань» (1906, Частное собрание); «Дом среди деревьев» (1907, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
Увидев картину Пабло Пикассо «Авиньонские девицы», а также посетив посмертную выставку Поля Сезанна, Брак совершил поездку в Прованс и разработал основы кубизма, изобразив сезанновские горы и местечки: «Дома в Эстаке» (1908, Музей современного искусства метрополии Лилля); «Виадук в Эстаке»
(1908, Художественный музей, Тель-Авив). Несколько лет работал над кубическими композициями, которые напоминают кристаллическую структуру натуральных охристо-серых тонов: «Гитара» (1909, Галерея Тейт Модерн, Лондон);
«Замок Ла-Рош-Гийон» (1909, Музей современного искусства, Стокгольм);
«Женщина с мандолиной» (1910, Баварские государственные коллекции живопи-

си, Мюнхен). Период «синтетического кубизма» Брака (1912–1914) отмечен появлением коллажей, где к фигуративному изображению добавлен текст: «Вальс»
(1912, Музей Валльрафа Рихарца, Кёльн); «Виолончель и вера» (1914, Художественный музей, Базель).
Побывав на войне и пережив тяжелое ранение, художник возвращается к живописи только в середине 1920-х годов, пишет картины, интерьеры и натюрморты, в своем самобытном стиле, близком к экспрессионизму, объединяя их
в серии: «Натюрморты на круглом столе» (1918–1942); «Камины» (1922–1927);
«Биллиарды» (1944–1952) и «Мастерские» (1949–1956).
В 1950-е годы Брак создал множество произведений с изображением птицы
в полете, который звучит у него как символ творческой свободы: роспись плафона в зале этрусского искусства в Лувре (1953); «Черные птицы» (1956–1957, Фонд
Маг, Сен-Поль-де-Ванс).
БРАУВЕР, Адриан (Brouwer) (1606–1638) — фламандский художник, жанрист и пейзажист. Родился в Ауденарде, учился у отца, который писал эскизы для шпалер. Первым его кумиром стал Питер Брейгель Старший, поэтому он решил писать жанровые сцены
из народной жизни. В 1630-х годах
жил в Антверпене, был востребованным жанристом. Среди сюжетов, к которым мастер обращался наиболее часто, — сценки в тавернах, пирушки,
курильщики и крестьянские праздники: «Драка крестьян при игре в карты»
(1631, Картинная галерея, Дрезден);
«Поющий трактирщик» (1630-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Курильщики» (1636–1638, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). В поздние годы
живопись Браувера приобрела тонкую
светотеневую разработку, что прибавило картинам лиричности и глубины.
Это особенно ярко проявилось в пейзажах: «Пейзаж в сумерках» (1633–
1637, Лувр, Париж); «Пейзаж с игроками в шары» (1632–1638, Картинная
галерея, Берлин). Творчество Браувера открыло «трактирную» тему для
нидерландских мастеров и повлияло
на становление Адриана ван Остаде Адриан Браувер. Курильщики, 1636. Метрополитени Давида Тенирса.
музей. Нью-Йорк

БРЕЙГЕЛЬ, Питер (Brueghel), Старший (1525–1569) — крупнейший художник
эпохи Возрождения в Нидерландах. Родился в Бреде, Брабанте, предполагается,
что в семье художника, но точных данных даже о дате рождения нет. Учился у художника Питера Кукка ван Алста в Антверпене. В 1551 году стал членом гильдии
художников, а через год отправился в путешествие по Италии, где пробыл два года.
Затем жил и работал в Антверпене, с 1563 года — в Брюсселе, где его карьера развивалась быстро и успешно: он был известен и богат. Ранние живописные композиции, полные мрачного ужаса, были созданы под влиянием творчества Иеронимка Босха: «Безумная Грета» (1562, Музей Майер ван ден Берг, Антверпен);
«Триумф смерти» (1562, Музей Прадо, Мадрид). Но оригинальность и самобытность таланта Брейгеля заключалась в более жизнеутверждающем мировоззрении,
в его любви к полнокровной фламандской народной жизни: «Крестьянская свадьба» (1568, Музей истории искусств, Вена), «Крестьянский танец» (1568, Музей
истории искусств, Вена); «Страна лентяев» (1566, Старая пинакотека, Мюнхен).

Питер Брейгель. Жатва, 1565. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Питер Брейгель. Страна лентяев, 1566. Старая пинакотека. Мюнхен

Питер Брейгель. Зимний пейзаж с ловушкой для птиц, 1565. Королевский музей изящных искусств.
Брюссель

Питер Брейгель. Детские
игры, 1560. Музей истории
искусств. Вена

Художник написал ряд композиций, связанных с нидерландским фольклором:
«Детские игры» (1560, Музей истории искусств, Вена); «Фламандские пословицы» (1559, Картинная галерея, Берлин); «Встреча поста и масленицы» (1559, Музей истории искусств, Вена).
Многие работы Брейгеля связаны с евангельскими сюжетами, которые он интерпретирует очень необычно, разворачивая события во фламандской деревне
на фоне северного пейзажа и нередко — в зимний снежный день: «Перепись
в Вифлееме» (1566, Королевские музеи изящных искусств, Брюссель). В зрелые
годы в жанровых и библейских картинах мастера все большее значение приобретает изображение природного окружения героев, и вскоре Брейгель создает
пейзаж как самостоятельное произведение, одним из первых среди нидерландских живописцев: «Зимний пейзаж с ловушкой для птиц» (1565, Королевские музеи изящных искусств, Брюссель). Самым знаменитым пейзажным проектом художника стала серия «Времена года». Сохранилось пять картин из этого цикла,
каждая из которых строится по принципу соединения состояния природы и сезонных занятий крестьян: «Сумрачный день» (Февраль) (1565, Музей истории искусств, Вена). Главная тема пейзажей — гармония и единение Человека и Мира
вокруг него, ренессансная идея, которую автор подчеркнул тонкими художественными средствами: «Сенокос» (1565, Лобковицкий дворец, Пражский Град);
«Жатва» (1565, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Охотники на снегу» (1565,
Музей истории искусств, Вена). Фигура Питера Брейгеля оказала колоссальное
воздействие на искусство всей Северной Европы и, прежде всего, на творчество
двух его сыновей — Питера и Яна, которые стали крупными художниками следующего, XVII столетия.
БРЕЙГЕЛЬ, Ян (Brueghel) (1568–1625) — фламандский художник. Сын Питера
Брейгеля Старшего, получил прозвища «Бархатный» и «Райский», потому что его
стиль отличался от манеры старшего брата — Питера Брейгеля Младшего «Адского», писавшего более жесткие картины. Родился в Брюсселе, учился живописи у бабушки художницы-миниатюристки Майкен Верхюлст. Несколько лет жил, учился
и работал в Италии (1590–1596). Вернувшись в Антверпен, Ян Брейгель стал членом гильдии художников, а с 1610 года — придворным живописцем наместников
короля. Получил широкую известность как автор красочных пейзажей, написанных
мягкой «бархатной» кистью Яна Брейгеля: «Пейзаж с кузницей» (1603, Государственный музей изобразительных искусств, Москва); «Опушка леса» (1610, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Чаще всего первый план в его пейзажах отдан библейским
героям: «Пейзаж с призванием апостолов» (1608, Картинная галерея, Дрезден);
«Поклонение волхвов» (1598, Национальная галерея, Лондон). Излюбленным
сюжетом мастера были сцены с Адамом и Евой в Эдемском саду (отсюда второе
имя художника): «Адам и Ева в райском саду» (1615, Галерея Маурицхёйс, Гаага);
«Райский сад с грехопадением» (1613, Штеделевский художественный институт,
Франкфурт-на-Майне). Громкую славу художнику принесли его цветочные ком-

позиции — натюрморты, букеты и гирлянды: «Керамическая ваза с цветами» (1608, Музей Фицуильяма, Кембридж); «Малый букет цветов» (1607,
Музей истории искусств, Вена). Часто сотрудничал с Питером Паулем Рубенсом, с которым был
дружен, писал для его картин цветочные элементы. А Рубенс для Яна Брейгеля иногда изображал
фигуры людей, примером может служить серия
картин «Аллегории пяти чувств», где совместная
работа двух знаменитостей привела к прекрасному результату: «Вкус, слух и осязание» (1620, Музей Прадо, Мадрид).
Ян Брейгель Старший. Цветы в стеклянной вазе, 1608.
Амброзианская пинокатека. Милан
Ян Брейгель Старший (совм. с Рубенсом). Эдемский сад
с грехопадением, 1615. Королевская галерея Маурицхёйс,
Гаага

БРОНЗИНО, Аньоло (Bronzino) (1503–
1572) — итальянский художник-маньерист,
представитель Флорентийской школы. Родился в семье мясника ди Козимо из Монтичелли. Свое прозвище (от ит. bronzino —
«бронзовый, смуглый»), вероятно, получил
за цвет волос или смуглый оттенок кожи.
Живописи обучался у Якопо Понтормо, под
чьим влиянием находился в молодости, пока
помогал учителю выполнять крупные заказы. В 1530 году работал при дворе герцога Урбинского, писал портреты («Портрет
Гвидобальдо делла Ровере», 1532, Палаццо
Питти, Флоренция) и декорировал герцогскую виллу в Пезаро. Вскоре его талант портретиста становится востребованным: «Портрет молодого человека с книгой» (1530-е,
Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «ПорАньоло Бронзино. Святое семейство, 1546.
трет Уголино Мартелли» (1536, КартинМузей истории искусств. Вена
ная галерея, Берлин). С 1540 года работал
при дворе флорентийского правителя Козимо I Медичи, где в основном писал портреты герцога и его приближенных. Для этих парадных изображений
(даже детских) характерна статичность композиции и высокомерная отчужденность образов: «Портреты Бартоломео и Лукреции Панчиатичи» (1540, Галерея
Уффици, Флоренция); «Изабелла Медичи» (1542, Галерея Уффици, Флоренция). Вершины маньеристического стиля в портретном жанре Бронзино достиг
в портретах герцога Козимо I и герцогини Элеоноры Толедской, написанных
в 1545 году. В многочисленных религиозных и мифологических композициях
художник столь же виртуозен и холоден: «Пьета» (1565, Галерея Уффици, Флоренция); «Аллегория триумфа Венеры» (1545, Национальная галерея, Лондон);
«Святое семейство» (1546, Музей истории искусств, Вена). Изощренное и аристократичное искусство Бронзино прекрасно выразило свое время — эпоху заката Ренессанса.
БРЮЛЛОВ, Карл Павлович (1799–1852) — русский художник. Родился в обрусевшей французской семье Брюлло в Петербурге, его отец был гравером
и скульптором. Карл вместе с братом Александром, будущим архитектором,
первые уроки брал у отца. Затем учился в Императорской Академии художеств
в классе исторической живописи у А. Е. Егорова и А. И. Иванова, проявив блестящие способности. Продолжил образование в Италии, где начал с жанровых
сцен, в которых черты классицизма сочетались с романтическим сюжетом и настроением, что стало основой художественного метода Брюллова: «Итальян-

ское утро» (1823, Кунстхалле, Киль); «Итальянский полдень» (1827, Русский музей,
Санкт-Петербург).
Посетив археологические раскопки близ
Неаполя, художник вдохновился темой гибели древних городов и создал свою самую знаменитую картину, имевшую громкую европейскую славу — «Последний день
Помпеи» (1833, Русский музей, Санкт-Петербург). Воодушевленный успехом, он несколько раз обращался к историческим сюжетам, решенным в академическом ключе,
но с большим эмоциональным накалом:
«Нашествие Гензериха на Рим» (1836, Третьяковская галерея, Москва). Наибольшую
известность Брюллов обрел как мастер портретной живописи, его подход к изображению моделей был очень разнообразным: от
помпезных и грандиозных портретов-картин до лаконичных камерных работ на нейтральном фоне. Самые известные парадные
композиции мастера: «Всадница» (1832, Третьяковская галерея, Москва); «Портрет сестер Шишмаревых» (1839, Русский музей,
Санкт-Петербург); «Портрет графини Самойловой с дочерью» (1842, Русский музей,
Санкт-Петербург). Психологической глубиной отличаются портреты творческой и интеллектуальной элиты: «Портрет поэта Жуковского» (1837, Музей Шевченко, Киев);
«Портрет Кукольника» (1836, Третьяковская
галерея, Москва); «Портрет Струговщикова»
(1840, Третьяковская галерея, Москва). Последние годы трудился над грандиозными
декорационно-монументальными проектами: эскизы росписей Пулковской обсерватории (1839–1845); эскизы для купола, барабана
и аттика в Исаакиевском соборе (1843–1848).
Творчество Карла Брюллова в полной мере
выразило особенности позднего русского
классицизма и романтизма, соединив их черты в его блестящих картинах.

Карл Брюллов. Итальянское утро, 1823.
Кунстхалле. Киль

Карл Брюллов. Портрет Анатолия
Николаевича Демидова на коне, 1931.
Палаццо Питти. Флоренция

БУШЕ, Франсуа (Boucher) (1703–1770) — французский живописец, крупнейший
представитель рококо. Родился в семье художника-декоратора в Париже, учился
живописи у Франсуа Лемуана, получил премию Академии и отправился на стажировку в Италию, где был восхищен работами Пьетро да Кортона и Джованни Батисто Тьеполо.
После возвращения карьера Буше развивалась стремительно: он получал многочисленные заказы на украшение особняков и дворцов в новом легком и игривом стиле рококо, который пришелся по вкусу высшему свету. Кроме того, художник писал эскизы для оперных спектаклей, шпалерных мануфактур, даже
для шелковых обоев и вееров. В 1746 году произошло судьбоносное знакомство
с маркизой де Помпадур, которая стала его покровительницей.

Франсуа Буше. Старая голубятня, 1759. Национальная галерея. Гамбург

Как станковый живописец Буше создавал
чувственные картины с мифологическими,
пасторальными, жанровыми сценами: «Ринальдо и Артемида» (1734, Лувр, Париж);
«Триумф Венеры» (1740, Национальный
музей, Стокгольм); «Купание Дианы»
(1742, Лувр, Париж). Он проявил себя как
тонкий колорист в идиллических пейзажах
с изысканной палитрой жемчужно-оливковых оттенков: «Вид в окрестностях Бове»
(1740, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Старая голубятня» (1759, Картинная галерея,
Гамбург). Произведение Буше стали самой
яркой страницей изящного французского
рококо в живописи.
БЫТОВОЙ ЖАНР — жанр изобразительного искусства, представляющий реальную, обычно современную художнику
повседневную жизнь. Иногда называют Франсуа Буше. Портрет мадам де Помпадур,
1756. Старая пинакотека. Мюнхен
бытовые сцены словом «жанр» или выражением «жанровая живопись». Жанровые композиции обычно встречаются
в живописи и графике, сюжеты отражают сложившийся жизненный уклад: труд
и отдых, будни и праздники, нравы и обычаи, взаимоотношения людей. Сцены
с бытовыми занятиями людей встречались в мировом искусстве еще в древних
памятниках, но они были частью больших композиций. Как самостоятельный
жанр он сложился в Позднем Ренессансе, во второй половине XVI века параллельно в Италии и Нидерландах, постепенно выделившись из религиозных
и аллегорических сюжетов типа «12 месяцев», «Пять органов чувств», «Семь
грехов и добродетелей».
Расцвет бытовой живописи связан с эпохой барокко, востребованными становятся сюжеты пословиц и поговорок, игр и загадок, а также кухни, лавки, рынки, трапезы, сцены карточных игр в тавернах и галантных ухаживаний в парках.
Вскоре жанристы разделяются на повествователей, чьи сцены наполняются действием и деталями, и созерцателей, представляющих фрагменты из обычной жизни, лишенные занимательной фабулы. В разные времена авторы через бытовой
жанр транслировали свои нравоучительные идеи или социальные протесты, избирая соответствующие сюжеты. Иначе относились к жанровым картинам импрессионисты, для которых они были частью окружающего потока жизни, лишенными любого литературного подтекста. Обращение к жанру для художников
ХХ века вызвано желанием выразить определенные эмоции через бытовую сцену,
наполнив ее собственным образным содержанием.

Огюст Ренуар.
Завтрак гребцов, 1881.
Собрание Филлипса.
Вашингтон

Эрнст Людвиг Кирхнер. Пара
в комнате, 1912. Кунстхалле. Гамбург

Симон Вуэ. Гадалка, 1617.
Национальная галерея старинного
искусства. Рим

Жан-Антуан Ватто. Гамма любви, 1715–1718. Национальная галерея. Лондон

БЭКОН, Фрэнсис (Bacon) (1909–1992) — английский художник. Живописи специально не учился, занимался дизайном мебели и интерьеров. В конце 1920-х годов
побывал в Париже, где познакомился с живописью Пабло Пикассо, после чего
решил стать художником. Его первые самостоятельные картины были написаны
в стилистике кубизма и сюрреализма, впоследствии эти работы автор уничтожил.
Только к 1944 году художник обрел свой стиль в живописи — гротескное изображение деформированных человеческих фигур в интерьере: «Три этюда фигур
у подножия Распятия» (1945, Галерея Тэйт, Лондон). Одиночество, страдания истерзанных душ, страх и боль, темные неуправляемые инстинкты — основные темы
произведений художника. Они показаны через скрюченные призрачные тени, через отдельные части тел, возникающие из ниоткуда, через искаженные гримасами
лица, изображенные на грани абстракции: «Три этюда мужской спины» (1970, Кунстхаус, Цюрих); «Этюды человеческого тела» (1970, Частное собрание, Мадрид).

ВАЗАРЕЛИ, Виктор (Vasarély) (1906–1997) — французский художник и теоретик искусства, основоположник оп-арта. Родом из Венгрии, из семьи фермера,
настоящая фамилия — Вашархей, родной город — Печ. Уехал в столицу учиться
медицине. Решив стать художником, обучался в Будапеште в различных студиях и академии у Шандора Бортника, зарабатывая оформительством и дизайном.
В 1930 году приехал в Париж, где открыл бюро рекламной графики, первые годы
работал в печатной рекламе, разрабатывая свою знаковую и орнаментальную систему. Свой опыт Вазарели использовал в ранних черно-белых произведениях,
где фигуративные рисунки преображались в абстрактные и наоборот при помощи оптических эффектов: графическая серия «Зебры» (1938–1943).
Поиски «внутренней геометрии», которая, по мнению художника, заложена во
всех природных объектах, продолжились в следующее десятилетие и привели Вазарели к нефигуративному оптическому искусству. Он базировал свои картины
на встроенных в решетчатую плоскость геометрических фигурах, которые создают
иллюзию деформаций, колебаний, вибрации: «Кандагар» (1951, Музей С. Гуггенхайма, Нью-Йорк); «Миндоро II» (1954–1956, Национальный музей современного
искусства, Париж); «Сверхновые» (1959–1961, Галерея Тейт, Лондон). Позже он
усложнил свои композиции цветовыми соотношениями, кинетизмом и визуальной
пластической трехмерностью: «Туркез III» (1965, Музей Стеделейк, Амстердам);
«Зет» (1966, Музей современного искусства, Монреаль). Как теоретик оп-арта Вазарели создал несколько книг: «Желтый манифест» (1955), «Город пластики» (1970).

Джорджо Вазари. Благовещение,
1564–1567. Лувр. Париж

ВАЗАРИ, Джорджо (Vasari) (1511–1574) —
итальянский живописец, архитектор и писатель эпохи маньеризма. Родился в Ареццо.
Вазари обучался во Флоренции в мастерской Андреа дель Сарто и Микеланджело. Работал при дворе герцогов Медичи как монументалист, расписывал множество церковных
и дворцовых залов, капелл, трапезных в различных городах Тосканы. Самые известные
его фрески на исторические сюжеты находятся в Зале Пятисот в палаццо Веккьо во Флоренции, где представлены масштабные произведения, посвященные наиболее известным битвам
флорентийцев. Они поражают обилием фигур
людей и животных, над ними художник трудился более 10 лет. В станковой живописи работал над религиозными и мифологическими
картинами, его стиль отличается ярко выраженными маньеристическими чертами: «Бла-

говещение» (1564–1567, Лувр, Париж); «Триумф Вакха» (1561, Художественный
музей, Саратов); «Персей и Андромеда» (1572, Палаццо Веккьо, Флоренция). Наибольшую известность Вазари получил благодаря своему знаменитому труду «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550–1568), который стал главным источником сведений о творцах эпохи Возрождения.
ВАН ГОГ, Винсент (Van Gogh) (1853–1890) — голландский художник-постимпрессионист. Родился в Гроот Зюндерт, провинция Северный Брабант, в семье
кальвинистского священника. Работал комиссионером художественно-торговой
фирмы в Гааге, Брюсселе, Лондоне, Париже (1869–1876), в 1876 году был учителем в Англии. В 1877 году обучался в миссионерской школе в Лакене (близ
Брюсселя), в 1878–1879 годах занимался проповеднической деятельностью среди
горняков Боринажа (Бельгия). Художником решил стать в 25 лет из гуманистических побуждений. Искусству живописи учился сначала в Королевской академии
художеств в Брюсселе (1880–1881), затем в Антверпене (1885–1886).

Винсент Ван Гог. Ткач, 1884. Музей изящных искусств. Бостон

Винсент Ван Гог. Автопортрет
в соломенной шляпе, 1887.
Институт искусств. Детройт

Винсент Ван Гог. Три подсолнуха
на бирюзовом фоне, 1888.
Частное собрание

Винсент Ван Гог. Ночная терраса кафе,
1888. Музей Крёллер-Мюллер. Оттерло

Ранние работы Ван Гога, почти монохромные и натуралистичные, посвящены
жизни крестьян, шахтеров, ремесленников: «Ткач» (1884, Музей изящных искусств,
Бостон); «Едоки картофеля» (1885, Фонд Ван Гога, Амстердам). После переезда
в Париж в 1886 году палитра и манера художника становятся импрессионистическими, он осваивает пленэр: «Огороды на Монмартре» (1887, Городской музей, Амстердам). Вдохновленный обучением в студии Кормона, знакомством с новыми техниками и французскими коллегами, Ван Гог за два года пишет больше сотни картин
и участвует в трех выставках. В эти месяцы он начинает вести наблюдение за своими эмоциями, создавая длительный цикл автопортретов, которых он за четыре года
написал несколько десятков: «Автопортрет в соломенной шляпе» (1887, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Автопортрет, посвященный Гогену» (1888, Музей Фогг,
Кембридж, США); «Автопортрет с отрезанным ухом» (1889, Кунстхаус, Цюрих).
Перелом в живописи художника произошел, когда он в 1888 году в поисках «ярких
красочных полей» приехал в Прованс и остановился в городе Арль. Здесь под южным
солнцем дар колориста раскрылся в пейзажах Ван Гога в полной мере. За несколько
месяцев он создал десятки шедевров: «Розовое персиковое дерево» (1888, Музей Ван
Гога, Амстердам); «Сбор урожая» (1888, Музей Ван Гога, Амстердам); «Ночная терраса кафе» (1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло). Его живопись обретает сложную фактуру, его краски становятся звучными, интенсивными, картины наполняются энергией и радостью жизни: «Море в Сент-Мари» (1888, Государственный музей
изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва); «Звездная ночь над Роной»
(1888, Музей Орсе, Париж). Пишет несколько очень самобытных портретов жителей Арля: «Портрет почтальона Жозефа Рулена» (1888, Музей изящных искусств, Бостон); «Мадам Жину» (1888, Музей Орсе, Париж). Знаменитыми произведениями,
которые мастер создал летом 1888 года, стали натюрморты с букетами подсолнухов.
В этой серии автор пристально изучает один мотив и экспериментирует с техникой:
«Подсолнухи на бирюзовом фоне» (1888, Новая пинакотека, Мюнхен); «Натюрморт:
пятнадцать подсолнухов в вазе» (1888, Национальная галерея, Лондон).
Последние полтора года своей жизни после обострения нервного заболевания Ван Гог работал с большими перерывами. Картины, созданные в эти месяцы,
поражают экспрессивностью и драматизмом, объекты на картинах искривляются, ускользают, пульсируют: «Звездная ночь» (1889, Музей современного искусства, Нью-Йорк); «Дорога с кипарисом» (1890, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло); «Церковь в Овере» (1890, Музей Орсе, Париж). Жизнь Ван Гога, короткая
и трагическая, но отмеченная ярким талантом и счастьем творчества, стала символом трудной судьбы гения, мучительных поисков и блестящих открытий.
ВАН ДОНГЕН, Кес (Корнелис) (van Dongen) (1877–1968) — французский и голландский художник, представитель фовизма, мастер типажных женских образов
и портретист. Родился в семье пивовара, учился в родном Роттердаме в Академии
художеств. Прибыл в Париж в 1897 году и увлекся новыми художественными течениями неоимпрессионистов и символистов, но нашел себя в живописи чисты-

ми плоскостями цвета, окаймленными черными контурами, в стиле, который позже назовут фовизмом. Ван Донген был активным участником выставки фовистов
в «Осеннем салоне» (1905). В отличие от своих товарищей по группе, он больше
внимания уделял типажным женским портретам: «Женщина в черной шляпке»
(1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Золотое платье» (1907, Частное собрание);
«Парижанка с Монмартра» (1911, Музей изящных искусств, Гавр). Некоторые
работы по эмоциональному накалу приближались к экспрессионизму, и художник не раз выставлялся с немецкой группой «Мост». В 1920–1930-е годы работал
в стиле ар-деко, его живопись стала линеарной и сдержанной в цвете: «Сфинкс»
(1920, Музей современного искусства, Париж).
ВАТТО, Жан-Антуан (Watteau) (1684–1721) — знаменитый французский живописец. Родился в Валансьене в семье кровельщика. Приехав в Париж, попал
в мастерскую модного театрального художника и декоратора Клода Жилло. Очутившись в среде, близкой к театру, Ватто сблизился с кругом интеллектуалов, пи-

Жан-Антуан Ватто. Радости бала, ок. 1717. Картинная галерея Дальвичского колледжа. Лондон

сателей, художников, меценатов. Вдохновленный новым окружением, он с поэтичным упоением писал живописные виды окрестностей столицы, маскарады,
актеров итальянской комедии, куртуазные сцены в парковых аллеях: «Гаммы любви» (1717, Национальная галерея, Лондон); «Мецетен» (1720, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
Широкую известность художник получил благодаря выставленной в Академии художеств в 1717 году картине «Паломничество на остров Киферу» (1717,
Лувр, Париж), где представил сюжет «галантных празднеств» как особый жанр.
Отличительными чертами виртуозной кисти мастера является бисерная техника, утонченные колористические сочетания и изящные линии: «Затруднительное предложение» (1716, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Вывеска лавки Жерсена» (1720, Государственные музеи, Берлин). Внимательный, чуть грустный
и слегка ироничный взгляд автора стремится деликатно и тонко передать едва
заметные жесты и интонации в настроениях своих героев: «Общество в парке»
(1718, Картинная галерея, Дрезден); «Капризница» (1718, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Жиль» (1719, Лувр, Париж). Короткая жизнь Ватто вместила десятки
блистательных картин, которые предвосхитили своим тонким декоративизмом
изящные творения стиля рококо. Его пленительные образы стали самым выразительным символом галантного XVIII века.
ВАН ДЕР ВЕЙДЕН, Рогир (van der Weyden) (1400–1464) — один из крупнейших мастеров северной живописи XV века, один из лидеров Раннего Возрождения в Нидерландах. Родился в бургундском городе Турне и в юности
носил имя Роже де ла Пастюр (фр. «луг»), когда переехал в Нидерланды, стал
именоваться Вейден (голл. «луговой»). В 1426 году поступил в мастерскую
известного живописца Якоба ван Кампена, в 1432 году открыл собственную
мастерскую.
Многие сведения о биографии мастера носят характер легенды, особенно о ранних годах творчества. Наиболее достоверные источники сообщают
о длительном пребывании художника в Италии, где Вейден произвел фурор
работой в новой масляной технике и откуда заимствовал итальянский подход
к изображению крупных фигур на первом плане: «Поклонение волхвов. Алтарь святого Коломба» (1460, Старая пинакотека, Мюнхен). При сохранении
связей с готикой Вейдену присущи эмоциональный накал страстей, глубина
страданий, драматизм взаимоотношений и внимание к миру переживаний
и чувств: «Святой Лука пишет Мадонну» (1435–1440, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Благовещение» (1440, Лувр, Париж). Его картина «Снятие с креста» (1438, Музей Прадо, Мадрид) стала одним из самых драматичных произведений в Нидерландах XV века.
Блестящий портретный дар художника раскрылся на службе при дворе герцога Бургундского, Филиппа Доброго, где Вейден создал галерею замечательных образов, одухотворенных и убедительных: «Портрет молодой женщины»

Рогир ван дер Вейден. Святой Лука, пишущий Мадонну, 1435–1440.
Музей изящных искусств. Бостон

Рогир ван дер Вейден. Женский
портрет, 1460. Национальная галерея
искусства. Вашингтон

(1445, Картинная галерея, Берлин); «Портрет Франческо д’Эсте» (1460, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Портрет Карла Смелого» (1462, Ювелирная галерея, Берлин). Все искусство Нидерландов следующего XVI века сформировалось под влиянием такой мощной фигуры, как Рогир ван дер Вейден.
ВЕЛАСКЕС, Родригес Диего де Сильва-и-Веласкес (Velázquez) (1599–1660) — великий испанский художник эпохи барокко. Происходил из семьи небогатого идальго,
родился в Севилье, там же обучался в мастерской Франсиско Пачеко. В юности испытал влияние живописи Караваджо, первые картины писал на бытовые сюжеты
в жанре натуралистичных бодегонес (от исп. bodegón — «харчевня») с убедительными и характерными образами крестьян и ремесленников: «Завтрак» (1617, Эрмитаж,
Санкт-Петербург); «Севильский водонос» (1616, Галерея Уффици, Флоренция). Религиозные сюжеты в эти годы он трактует так же, как жанровые сцены — в реальных интерьерах, с бытовыми деталями: «Поклонение волхвов» (1619, Музей Прадо, Мадрид); «Христос у Марфы и Марии» (1618, Национальная галерея, Лондон).
В 1623 году Веласкес отправился в Мадрид работать при королевском дворе,
где обосновался на всю жизнь, занимая различные придворные должности. Портреты Веласкеса, написанные при дворе, вскоре стали предельно реалистичными, но при этом живописными, сотканными из воздушных красок и света, будь
то официальные портреты августейших особ или камерные изображения друзей:
«Портрет Луиса де Гонгоры» (1622, Музей изящных искусств, Бостон); «Портрет инфанты Марии Анны Испанской, королевы Венгрии» (1630, Музей Прадо,
Мадрид); «Портрет молодого человека» (1623, Музей Прадо, Мадрид); «Конный

портрет графа-герцога Оливареса» (1634, Музей Прадо, Мадрид). Самым значительным полотном в первые десять лет в столице стало «Сдача Бреды», в которой
автор формирует новые принципы исторической картины.
В течение многих лет главной моделью мастера был его покровитель Филипп IV,
он позировал для нового портрета почти каждый год, в результате в творчестве Веласкеса возник уникальный живописный проект, наблюдение за тем, какие изменения происходят с человеком в течение многих лет: «Портрет Филиппа IV в латах» (1627, Музей Прадо, Мадрид); «Серебряный Филипп» (1631, Национальная
галерея, Лондон); «Ла Фрага» (1644, Коллекция Фрика, Нью-Йорк); «Филипп с золотой цепью» (1657, Национальная галерея, Лондон). Столь же знаменитой стала
серия портретов младшей дочери короля — инфанты Маргариты, взросление которой было отражено в блистательных портретах Веласкеса: «Портрет инфанты Маргариты в белом платье» (1656, Музей истории искусств, Вена); «Портрет инфанты
Маргариты в синем платье» (1659, Музей истории искусств, Вена).

Диего Веласкес. Старуха, жарящая яйца, 1618. Национальная галерея Шотландии. Эдинбург

Диего Веласкес.
Венера с зеркалом,
1651. Национальная
галерея. Лондон

Диего Веласкес. Портрет Филиппа IV в латах,
1627. Музей Прадо. Мадрид

Диего Веласкес. Портрет придворного
шута «Эль Примо», 1645. Музей Прадо.
Мадрид

Диего Веласкес. Портрет инфанты Маргариты
в белом платье, 1656. Музей истории искусств.
Вена

Веласкес к своим высокопоставленным моделям подходил предельно объективно, что доказал известный шедевр — «Портрет папы Иннокентия Х»,
который художник выполнил во время своей поездки в Рим. Об этой картине заказчик сказал: «Слишком правдиво». Совсем с иными чувствами живописец пишет тех, кто ему дорог. Деликатно и с достоинством он представил
на своих картинах придворных карликов: «Эль Примо» (1645, Музей Прадо,
Мадрид). В последние десятилетия мастер усложнял композиционные задачи, стремясь преодолеть плоскость холста. Одну за другой он написал картины, ставшие золотым фондом мирового искусства: «Венера с зеркалом»
(1650, Национальная галерея, Лондон), «Пряхи» (1657, Музей Прадо, Мадрид) и «Менины» (1656, Музей Прадо, Мадрид). Живопись Веласкеса стала
вершиной искусства старых мастеров и повлияла на развитие всего мирового изобразительного искусства.
ВЕРЕЩАГИН, Василий Васильевич (1842–1904) — русский художник, мастер батальной картины. Родился в Череповце в дворянской семье, окончил Морской кадетский корпус в Петербурге. Затем решил стать художником, обучался в Академии художеств, затем учился в Париже в студии Жан-Леона Жерома. Начинал
с пейзажных этюдов, затем увлекся батальными картинами.
В 1867 году отправился в свое первое путешествие в Туркестан, где состоял
художником при генерал-губернаторе. Участвовал в боевых действиях, за что
был награжден, а также создал свою знаменитую «туркестанскую серию» графических и живописных работ. В многочисленных этюдах и созданных по ним

Василий Верещагин. Эскиз неосуществленной картины. Бурлаки, 1866. Национальный музей
«Киевская картинная галерея». Киев

позже больших картинах показал экзотическую среднеазиатскую природу, города, жителей, а также военные эпизоды
и сцены из жизни солдат в новаторском
реалистическом духе: «Самарканд» (1868,
Историко-художественный музей, Серпухов); «Дервиши в праздничных нарядах» (1870, Историко-художественный
музей, Серпухов); «Нападают врасплох»
(1871, Историко-художественный музей, Серпухов); «Смертельно раненый»
(1873, Историко-художественный музей,
Серпухов). Знаменитым символом всей
серии стала картина «Апофеоз войны»
(1870–1871, Третьяковская галерея, Москва), в которой автор отвергает правила
традиционной батальной живописи, образно показывая страшную цену победы.
Верещагин продолжил писать военные
сцены с реалистических позиций в балВасилий Верещагин. У дверей мечети, 1870-е.
канскую кампанию 1877–1878 годов, создал
Музей изобразительных искусств. Бостон
ряд пронзительных картин о погибших воинах: «Скобелев под Шипкой» (1878, Третьяковская галерея, Москва); «Побежденные (Панихида)» (1879, Третьяковская галерея, Москва); «Дорога на Плевну»
(1879, Бруклинский музей, Нью-Йорк). Очень много картин художник писал
в своих многочисленных путешествиях: бывал в Индии и на Тибете, в Японии,
на Кубе и Филиппинах. Повсюду он внимательно наблюдал за этнографическими и природными особенностями стран и народов, изображая свои впечатления в форме путевого репортажа: «Мавзолей Тадж-Махал в Агре» (1874, Третьяковская галерея, Москва); «Синтоистский храм в Никко» (1903, Русский музей,
Санкт-Петербург). Последняя поездка художника была на место боевых действий во время Русско-японской войны, он погиб на крейсере «Петропавловск»
во время взрыва в 1904 году.
ВЕРМЕЕР, Ян (Vermeer) (1632–1675) — голландский художник, крупнейший
представитель делфтской школы. Родился в семье торговца тканями и картинами. Сведения об его жизни очень скудны. Неизвестно, у кого он обучался живописи; в 1653 году вступил в гильдию живописцев Святого Луки; вероятно, продолжая дело отца, торговал картинами в Делфте. Ранние картины — это барочные
жанровые или евангельские сцены с крупными фигурами и смелым колоритом:
«Христос у Марфы и Марии» (1554, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург); «У сводни» (1656, Картинная галерея, Дрезден).

Ян Вермеер. Улочка в Делфте, 1658–1661.
Рейксмузеум. Амстердам

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной
сережкой, 1665. Маурицхёйс, Гаага

Позже познакомился с живописью Карела Фабрициуса и выработал сбалансированную тонкую палитру с оригинальной техникой передачи освещения,
его картины погружены в световоздушную среду, что было новаторским методом для XVII века: «Молодая женщина с кувшином воды» (1660, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Астроном» (1668, Лувр, Париж). Сохранилось менее
сорока картин Вермеера, возможно, автор относился к каждой работе как к живописному эксперименту: «Молочница» (1660, Рейксмузеум, Амстердам); «Девушка с жемчужной сережкой» (1665, Галерея Маурицхёйс, Гаага).
Сюжеты и мотивы Вермеера довольно узнаваемы, композиция, как правило,
разворачивается в интерьере у левого окна, ярко выраженного действия нет,
герои как бы делают паузу, они просто сосредоточены на своих мыслях: «Девушка с письмом» (1657, Картинная галерея, Дрезден); «Женщина, держащая
весы» (1663, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В своих немногочисленных шедеврах художник достигает такого уровня в жанре бытовой сцены, что поднимается над бытом и ведет речь о бытии.

Ян Вермеер. Бокал вина, 1658–1660.
Картинная галерея. Берлин

ВЕРОНЕЗЕ, Паоло (Veronese) (1528–1588) — крупнейший венецианский художник Позднего Возрождения. Родился в Вероне, отсюда прозвище «Веронезе» («веронец»), его настоящее имя — Паоло Кальяри. Сын каменщика
и ваятеля. Учился в Вероне у Антонио Бадиле, затем работал в Мантуе, где
познакомился с фресками Андреа Мантеньи и Джулио Романо. Находясь под
впечатлением от их творчества, увлекся монументальной живописью, в которой сразу же проявился его особый талант декоратора и колориста. В 1553 году
художник был приглашен в Венецию для росписи плафонов заново отделанного зала Совета десяти во Дворце дожей: «Триумф Венеции» (1580, Дворец
дожей, Венеция). После знакомства с творчеством Тициана обогатил свой
живописный диапазон приемами венецианской живописи, стал писать широкой и свободной кистью, моделируя объемы тончайшей цветовой градацией:
«Ужин в Эммаусе» (1559, Лувр, Париж); «Венера и Адонис» (1562, Художественный музей, Аугсбург).
Значительное влияние на Веронезе оказало совместное творчество с выдающимся венецианским зодчим Андреа Палладио, с которым они работали над
созданием великолепного ансамбля виллы Барбаро близ Виченцы, ставшей памятником искусства: «Бахус угощает мужчин вином», «Джустиниана на балконе» (1561, Вилла Барбара, Италия). В своих последующих масштабных про-

Паоло Веронезе. Ужин в Эммаусе, 1560. Лувр. Париж

изведениях мастер блестяще соединяет
многофигурные группы героев с палладианской архитектурой, этот прием
становится отличительной чертой Веронезе: «Поклонение волхвов» (1573,
Национальная галерея, Лондон); «Семья
Дария перед Александром» (1565–1570,
Национальная галерея, Лондон). Особенно выразителен этот прием в грандиозных «пирах» Веронезе, которые он
пишет в 1570–1580-х годах. Они, как правило, связаны с евангельскими сюжетами,
но разворачивают роскошную панораму Паоло Веронезе. Венера и Адонис, 1580.
современной для художника венециан- Музей Прадо. Мадрид
ской жизни: «Пир в доме Левия» (1573, Галерея Академии, Венеция); «Тайная
вечеря» (1585, Пинакотека Брера, Милан). Апофеозом этого жанра стало полотно «Брак в Кане Галилейской» (1564) — самая большая картина Лувра, которую «населяют» более 130 человек, она стала памятником эпохе Возрождения,
ее жизнелюбию и вере в человека.
ВЕРРОККЬО, Андреа дель (Verrocchio) (1436(?)–1488) — итальянский скульптор и живописец раннего Возрождения. Родился во Флоренции. Учился
у ювелира Верроккьо, занимался резьбой по дереву и работал подмастерьем
у Донателло. Получил широкую известность как скульптор. Возглавлял
во Флоренции обширную мастерскую,
где занимался также станковой живописью. Как живописец продолжал традицию флорентийского Кватроченто
с рациональным построением композиции, жестким проработанным рисунком и сдержанной палитрой: «Мадонна с Иоанном Крестителем и Донатом»
(1483, Кафедральный собор, Пистойя);
«Товий и ангел» (1470-е, Национальная
галерея, Лондон). Из мастерской Верроккьо вышли многие знаменитые художники итальянского Ренессанса: Лоренцо де Креди, Пьетро Перуджино Андреа дель Верроккьо. Мадонна
и самый прославленный ученик — Ле- с Иоанном Крестителем и Донатом, 1483.
Кафедральный собор. Пистойя
онардо да Винчи.

Элизабет Виже-Лебрен.
Портрет Марии-Антуанетты в сорочке, 1783.
Дворец Шлосс-Волфсгартен. Гессен

Франс Ксавер Винтерхальтер.
Молодая итальянка у колодца, 1833.
Музей августинцев. Фрайбург

ВИЖЕ-ЛЕБРЕН, Элизабет (Vigée-Lebrun)
(1755–1842) — французская художница, представительница сентиментализма, мастер портрета. Училась у своего отца, портретиста Луи
Виже, затем у Габриэля Бриара и Жозефа Верне. В начале творчества находилась под влиянием Жан-Батиста Грёза. В 1779 году написала
портрет королевы Марии-Антуанетты, которая стала ее покровительницей и моделью для
двух десятков романтизированных изящных
изображений: «Портрет королевы с розой»
(1783, Версаль); «Мария-Антуанетта с детьми»
(1787, Версаль); «Портрет Марии-Антуанетты в сорочке» (1783, Дворец Шлосс-Волфсгартен, Гессен). В годы Революции эмигрировала и писала портреты аристократов и монархов
при многих дворах Европы, работала в Риме,
Неаполе, Вене, Петербурге и Лондоне. Ее
комплементарные работы, исполненные легкой эмоциональной кистью в духе сентиментализма, были востребованы в эпоху увлечения
идеями Жан-Жака Руссо: «Императрица Елизавета Алексеевна» (1795, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Художник Г. Робер» (1788, Лувр,
Париж); «Мадам де Сталь» (1808–1809, Музей
искусства и истории, Женева). Вернувшись
в XIX веке в Париж, написала книгу «Воспоминания о моей жизни», ставшую очень ценным историческим источником.
ВИНТЕРХАЛЬТЕР, Франс Ксавер (Winterhalter)
(1805–1873) — немецкий портретист. Учился в Мюнхене у Карла Теодора фон Пилоти.
Позже переехал в Карлсруэ, где в 1828 году
стал придворным живописцем. В 1833 году совершил поездку в Италию, после чего переехал
в Париж, где прожил до 1868 года и был успешным салонным и придворным художником.
Начал с жанровых сцен в духе романтизма —
«Послеобеденный отдых неаполитанцев» (1837,
Эрмитаж, Санкт-Петербург); затем в основном
исполнял заказы на парадные портретные ком-

позиции от аристократов и монархов из разных стран: «Императрица Евгения
с фрейлинами» (1855, Компьенский дворец); «Портрет Варвары Римской-Корсаковой (1864, Музей Орсе, Париж); «Портрет императрицы Александры Федоровны»
(1856, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Добротная живопись Винтерхальтера, эффектная и пышная за счет роскошных нарядов и модных аксессуаров, иногда отличалась жесткостью и однообразным подходом к моделям: «Принцесса Баденская»
(1856, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва); «Принц Альберт» (1842, Королевская коллекция, Лондон).
ВЛАМИНК, Морис де (Vlaminck) (1876–1958) — французский живописец. Родился 4 апреля 1876 года в Париже в семье фламандских эмигрантов. Специального образования не получил, протестуя против условностей современного общества, поменял множество профессий. Начал заниматься живописью
в 1893 году под влиянием живописи Ван Гога, потому главным выразительным средством ранних картин была интенсивная палитра с резкими красочными столкновениями: «Пейзаж с красными деревьями. Улица в Марли» (1905,
Центр Помпиду, Париж); «Марли-ле-Руа» (1906, Музей Орсэ, Париж). Художник сблизился с Андре Дереном, с которым работал на пленэрах в Шату, позже — с кругом Анри Матисса.
В начале ХХ века Вламинк создал ряд пейзажей, показанных на первых выставках фовистов: «Красные деревья» (1906, Центр Помпиду, Париж); «Баржи на Сене» (1907, Государственный музей изобразительных искусств
им. А. С. Пушкина, Москва). Затем под влиянием Сезанна его колорит и композиция приобрели уравновешенность и сдержанность: «Городок на берегу
озера» (1907, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Берег реки» (1910, Центр Помпиду, Париж). В 1925 году художник
купил сельский дом в Рюэй-ла-Гадельер,
где работал до конца жизни. В поздний
период писал более тревожные и драматичные работы, сближающие его с экспрессионистами: «Гроза над хлебным
полем» (1946, Частное собрание). Вламинк известен как писатель, автор художественной и мемуарной литературы.
ВУД, Грант (Wood) (1891–1942) — американский живописец. Учился в Художественном институте в Чикаго, затем
отправился в Европу. В Париже поступил в Академию Жюлиана. Испытал влияние северных мастеров Раннего

Грант Вуд. Каменный город. Айова, 1930.
Художественный музей. Омаха

Возрождения. С 1924 года работал в Айове, придерживался почвеннического направления — регионализма, стремясь отразить «подлинную Америку»,
ее провинциальную природу, аутентичные типажи и реальное течение жизни:
«Каменный город. Айова» (1930, Художественный музей, Омаха); «Полночная
гонка Пола Ревира» (1931, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Дочери американской революции» (1932, Частное собрание). Самой известной картиной художника стала композиция «Американская готика» (1930, Художественный институт, Чикаго), в которой реальность сплетается с символическими деталями
и ироническим контекстом.
ВУЭ, Симон (Vouet) (1590–1649) — французский художник, портретист и декоратор. Родился в Париже, учился у своего отца Лорана Вуэ. Посетил Англию (1604), Константинополь (1611–1612) и Венецию (1612–1613), где проявил себя успешным портретистом. С 1614 года жил в Риме, где испытал сильное
влияние болонских академистов и особенно Караваджо, по мотивам которого
создал несколько работ со сходными сюжетами: «Гадалка» (1617, Национальная
галерея Канады, Оттава). Римский период, который длился 15 лет, был отмечен
важными церковными заказами на алтарные образы и религиозные картины:
«Рождение Марии» (1618–1620, Церковь
Сан-Франческо-а-Рипа, Рим); «Апофеоз
св. Людовика» (1627, Картинная галерея,
Дрезден).
Возвратившись во Францию, Вуэ отошел от караваджизма и стал ближе к болонскому стилю, плодотворно работал
в качестве придворного художника Людовика XIII. Художник создал множество пафосных религиозных монументальных композиций: «Представление
Иисуса в Храме» (1641, Лувр, Париж).
Часто обращался к аллегорическим сюжетам из мифологии, включал сложные
аллегории в парадные портреты своих
августейших покровителей: «Аллегории
четырех кардинальских добродетелей»
(1638, Марсов салон, Версаль); «Аллегорический портрет Анны Австрийской
в образе Минервы» (1643–1645, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Среди его учеСимон Вуэ. Аллегория богатства, 1640. Лувр.
Париж
ников был Шарль Лебрен.

ГВАРДИ, Франческо (Guardi) (1712–1793) —
итальянский живописец, пейзажист Венецианской школы. Родился в Венеции в семье художников, учился у своего брата, живописца
Джованни Антонио, и много лет работал в его
мастерской, создавая картины на библейские
и исторические сюжеты. С 1760 года он возглавил семейное дело и выбрал в качестве главного жанра архитектурный пейзаж. Сначала
в работах Гварди ощущалось влияние документально точных ведут Каналетто: «Вид Венеции.
Дворец дожей» (1760-е, Национальная галерея,
Лондон); «Вид на площадь Сан-Марко» (1760-е,
Академия Каррара, Бергамо). Позже в творчестве художника преобладали каприччио —
фантазийные пейзажи, в которых автор ставил Франческо Гварди. Воображаемый
венецианский вид, 1770-е.
акценты на изображении пространства, напол- Метрополитен-музей. Нью-Йорк
ненного вибрирующим воздухом. Большую известность мастеру принес заказ на 12 панорамных полотен с изображением торжеств в Венеции в честь избрания дожа: «Отправление Бучинторо на Лидо в день
Вознесения» (1775–1780, Лувр, Париж). В 1770–1780-х годах Гварди одним из

Франческо Гварди. Трехарочный мост на Каннареджио, 1770-е. Частное собрание

первых в Италии отказался от традиционного кулисного построения и писал
простые по композиции ландшафты с изображением залитых светом живописных двориков, каналов и мостов: «Венецианский дворик» (1770-е, Государственный музей изобразительных искусств, Москва); «Рио деи Мендиканти» (1780-е,
Академия Каррара, Бергамо); «Трехарочный мост в Каннареджио» (1780-е, частное собрание).
ГВЕРЧИНО, Джованни (Guercino) (1591–1666) — итальянский художник эпохи барокко. Родился в Ченто близ Болоньи. Его настоящее имя — Джованни
Франческо Барбьери. Он учился у своего старшего брата Паоло. Был последователем живописи братьев Карраччи, работал в болонском стиле, используя
в картинах и находки Караваджо. В ранних работах ощущаются мощный темперамент, повышенная динамика и эмоциональность, выраженная в контрастной
палитре, быстрой живописи и патетичных персонажах с эффектными ракурсами: «Блудный сын» (1620-е, Галерея Сабауда, Турин); «Вознесение Мадонны»
(1623, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Живописная экспрессия автора с блеском
проявилась как в алтарных образах («Погребение святой Петрониллы» (1623,

Джованни Гверчино. Сусанна и старцы, 1650. Музей Прадо. Мадрид

Капитолийские музеи, Рим), так и в декорационных росписях (плафон «Аврора» (1623, Вилла Лудовизи, Рим). Перемены в творчестве Гверчино произошли в 1642 году после того, как он возглавил Болонскую академию: его живопись приобрела скульптурную пластику при моделировке, монументальную
статику и идеализацию образов: «Герсилия, разнимающая Ромула и Тита Тация» (1645, Лувр, Париж); «Обручение св. Екатерины» (1650, Галерея Эстенсе, Модена).
ГЕЙНСБОРО, Томас (Gainsborough) (1727–1788) — знаменитый английский
живописец, мастер портрета и пейзажа. Родился в семье суконщика в Суффолке, в 13 лет отправился в Лондон обучаться живописи, учился в художественной школе Св. Мартина, которой руководил Уильям Хогарт. Вернувшись
в родные места, получал заказы на портретные изображения от окрестных помещиков: «Портрет супругов Эндрюс» (1748–1749, Национальная галерея,
Лондон); «Семья Грейвенор» (1754, Йельский центр британского искусства).
Широкой известности добился, обосновавшись в курортном городе Бат, где
стал востребованным портретистом благодаря своей изысканной живописи

Томас Гейнсборо. Возвращение с жатвы, 1774. Художественная галерея Онтарио. Торонто

Томас Гейнсборо. Портрет миссис Ричард
Бринсли Шеридан, 1787. Национальная галерея
искусства. Вашингтон

и лирическим интонациям: «Энн Форд»
(1760, Художественный музей, Цинциннати); «Мэри Литтл» (1763, Йельский
центр британского искусства). Часто использовал пейзаж как важный эмоциональный фактор для передачи душевного
состояния героев: «Портрет миссис Мэри
Грэм» (1777, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург); «Портрет мисcис Ричард Бринсли Шеридан» (1787, Национальная галерея искусства, Вашингтон);
«Утренняя прогулка» (1785, Национальная галерея, Лондон). Гейнсборо одним
из первых в английском искусстве создавал чистые пейзажи, которые стали проявлением предромантических тенденций
в конце XVIII века: «Водопой» (1777, Национальная галерея, Лондон); «Повозка,
едущая на ярмарку» (1786–1787, Галерея
Тейт, Лондон). Творчество Гейнсборо
наряду с искусством Джошуа Рейнолдса
заложило основу традиции английской
портретной живописи, а пейзажи художника повлияли на творческие поиски
Джона Констебла и его последователей.

ГИРЛАНДАЙО, Доменико (Ghirlandaio) (1448–1494) — флорентийский художник Раннего Возрождения. Писал фрески и алтарные композиции, а также, возглавляя большую семейную мастерскую, был ювелиром, занимался мозаикой,
интарсией и книжными миниатюрами. Его живописный метод отличался быстротой и точностью в деталях, его персонажи, интерьеры, предметы написаны
достоверно, красочно, декоративно: «Тайная вечеря» в рефектории Бадии в Пассиньяно (1476), капелла Санта-Фина в соборе Колледжата в Сан-Джиминьяно
(1475). В 1481–1482 годы художник был приглашен в Рим в числе самых известных флорентийских мастеров для росписи стен в Сикстинской капелле: «Призвание апостолов Петра и Андрея» (1482, Ватикан). Вернувшись на Родину, он
стал самым востребованным художником Тосканы, создал фресковые циклы во
многих храмах и монастырях Флоренции и пригородов. Был известен как автор выразительных портретов: «Портрет Джованны Торнабуони» (1490, Музей
Тиссена-Борнемисы, Мадрид). Мастерская Гирландайо оказала большое влияние
на развитие флорентийского Ренессанса, через нее прошли многие художники,
включая великого Микеланджело.

Доменико Гирландайо. Тайная вечеря, 1480. Фреска трапезной монастыря Оньисанти. Флоренция

ГОГЕН, Поль (Gauguin) (1848–1903) — французский художник-постимпрессионист. Сын французского журналиста и перуанки из аристократического
рода, воспитывался в семье матери и своего дяди в Перу, что оставило у него
на всю жизнь тягу к дальним странам. С 1855 года жил в Орлеане; в 1865–
1871 годах в качестве моряка ходил на торговых судах, совершил кругосветное
путешествие. В возрасте 23 лет начал успешную карьеру финансиста в Париже, что позволило Гогену заняться коллекционированием произведений импрессионистов. Гоген не получил художественного образования, начал писать
картины самостоятельно, посещал лишь уроки в Академии Коларосси. Первые
работы — это пейзажи в реалистическом стиле, затем он освоил технику импрессионизма и участвовал в выставках импрессионистов: «Сад в снегу» (1879,
Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген); «Берег Уазы» (1881, Частное собрание). В середине 1880-х годов Гоген сделал окончательный выбор и оставил
службу в банке, решив стать только художником. Радикальные перемены в стилистике живописца произошли после пребывания на острове Мартиника, Гоген
начал писать интенсивными чистыми красками: «Пришли и ушли» (1887, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид). Важным этапом в формировании оригинальной эстетической системы стали поездки в Бретань в конце 1880-х годов, там
он познакомился с Эмилем Бернаром и вошел в Понт-Авенскую группу, пробовал себя в символизме и освоил технику клуазонизма: «Видение после проповеди. Иаков борется с Ангелом» (1888, Национальная галерея Шотландии,
Эдинбург); «Арлезианки. Мистраль» (1888, Институт искусств, Чикаго). В эти

Поль Гоген. Желтый Христос, 1889.
Художественная галерея Олбрайт-Нокс.
Буффало

Поль Гоген. Белая лошадь, 1898. Музей
Орсе. Париж

годы сформировал свой стиль, который назвал
синтетизмом: «Желтый Христос» (1889, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало).
В поисках гармоничной жизни человека в единении с природой Гоген отправился в 1891 году
в Полинезию, обосновался сначала на острове
Таити, где работал несколько лет и создал новаторские произведения, значительно повлиявшие
на появление европейского авангарда начала
XX века. Таитянские пейзажи Гогена насыщены
яркими красочными плоскостями упрощенных
форм, которые чередуются с планами и слоями,
создавая завораживающий эффект декоративного панно: «Таитянские горы» (1893, Институт
искусств, Миннеаполис); «Таитянские пасторали» (1892, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Пейзаж с павлинами» (1892, Государственный музей
изобразительных искусств им. А. С. Пушкина,
Москва). Жителей островов он изображает стилизованно, часто лишая индивидуальных черт, их
фигуры вписаны в общий орнаментальный рисунок поверхности картины: «А ты ревнуешь?»
(1892, Государственный музей изобразительных
искусств им. А. С. Пушкина, Москва); «Ареареа. Озорные шутки» (1892, Музей Орсе, Париж). Отдельной темой проходят композиции,
в чьей иконографии угадываются классические
сюжеты европейского искусства, но их героями
становятся таитяне, подчеркивая общность гуманистических ценностей: «Женщина, держащая плод» (1893, Эрмитаж, Санкт-Петербург);
«Радуйся, Мария» (1891, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Жена короля» (1896, Государственный музей изобразительных искусств им.
А. С. Пушкина, Москва). Итогом поздних раздумий мастера стала программная работа «Откуда мы пришли, кто мы, куда мы идем» (1897–
1898, Музей изящных искусств, Бостон). Фигура
Гогена, его полная событий и лишений жизнь,
сложный и феерический творческий путь — все
это оказало колоссальное воздействие на весь
следующий ХХ век.

Поль Гоген. Таитянские горы, 1893. Институт искусств. Миннеаполис

Поль Гоген. Таитянские женщины на побережье, 1891. Музей Орсе. Париж

Ян ван Гойен. Ветряная мельница у реки, 1642. Частное собрание

ГОЙЕН, Ян ван (Goyen) (1596–1656) — голландский художник-пейзажист. Учился у Исаака Класа ван Сваненбурга в Лейдене, затем работал в мастерской Эсайаса ван де Велде в Харлеме, после чего избрал своим жанром чистый пейзаж.
С 1634 года поселился в Гааге, стал известен своими самобытными картинами,
в которых ландшафт изображался почти в монохромной тональной манере, что
придавало утонченность и глубину при изображении моря и особенно высокого неба: «Море близ Харлема» (1656, Штеделевский институт искусств, Франкфурт-на-Майне); «Мельница на реке» (1642, Национальная галерея, Лондон).
Гойен был одним из знаменитых голландских пейзажистов своего времени, повлиял на становление пленэрной пейзажной живописи в разных странах Европы.
ГОЙЯ, Франсиско Хосе (Goya) (1746–1828) — крупнейший испанский художник
и график. Родился в семье ремесленника-позолотчика из Фуэндетодоса, Арагон.
Учился в Сарагосе у Лусана-и-Мартинеса (с 1760 года), в Мадриде у Франсиско
Байеу. Несколько лет провел в Италии, где самое большое впечатление на него
произвели росписи Джованни Баттиста Тьеполо. Вернувшись в Сарагосу, выполнил фрески для бокового нефа церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар (1771–1772),

отмеченные сильным влиянием итальянского барокко. С 1774 года работал на Королевской мануфактуре, для
которой изготовил 50 картонов для
шпалер: «Зеленый зонтик» (1777, Музей Прадо, Мадрид); «Качели» (1779,
Г
Музей Прадо, Мадрид). Широкое
признание к художнику пришло после создания ряда портретов мадридской знати в утонченной дымчатой
манере, продолжающей традиции Диего Веласкеса: «Портрет маркизы де
Понтехос» (1786, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Граф
Флоридабланка» (1783, Музей Прадо, Мадрид). Гойю приняли в Королевскую академию, вскоре он занял
пост придворного художника, создал
несколько парадных королевских портретов: «Карл IV в придворном костюме» (1789, Музей Прадо, Мадрид).
Перелом в творчестве Гойи наступил в начале 1790-х годов, когда творческие поиски и сомнения совпали
Франсиско Хосе Гойя. Качели, 1779. Музей Прадо. Мадрид
с наступившей глухотой (осложнение после болезни). Состояние здоровья вынудило художника покинуть высокие должности, он замкнулся в себе. В этот период восприятие мира претерпело
сильные перемены, художник создал графические серии на трагические и фантасмагорические сюжеты: «Бедствия войны», «Капричос», «Диспаратес». Светлая
сторона творчества художника была связана с портретами, в которых чувствуется
вера в человека, его достоинство, сильный характер: «Портрет маркизы де ла Солана» (1794, Лувр, Париж); «Портрет художника Франсиско Байеу» (1795, Музей
Прадо, Мадрид); «Герцогиня Альба в белом» (1795, Фонд Дома Альба, Мадрид).
Мастерство Гойи достигает вершины на рубеже веков, ему удается передать
тонкие нюансы эмоционального состояния модели: «Исабель Кобос де Порсель» (1800–1805, Национальная галерея, Лондон); «Портрет графини де Чинчон» (1797, Галерея Уффици, Флоренция); «Маха обнаженная» (1802, Музей
Прадо, Мадрид). Последние десятилетия творчества мастера отмечены трагическими картинами, выполненными с пугающим гротеском — это мир галлюцинаций и кошмаров: росписи стен «Дома Глухого». Неоднозначное и противоречивое искусство Гойи нашло отклик у многочисленных последователей от
романтиков до сюрреалистов.

Франсиско Хосе Гойя. Королева МарияЛуиза на лошади, 1799. Музей Прадо.
Мадрид

Франсиско Хосе Гойя. Портрет Франсиски
Сабаса-и-Гарсия, 1803–1808. Национальная галерея
искусства. Вашингтон

Франсиско Хосе Гойя. Старухи, 1810–1812.
Музей изобразительного искусства. Лилль

ГОЛЬБЕЙН, Ганс Младший (Holbein)
(1497–1543), также Ханс Хольбейн Младший — крупнейший немецкий портретист
эпохи Ренессанса. Родился в Аугсбурге; он
был сыном известного художника, мастера
алтарной живописи Ганса Гольбейна Старшего. После обучения в мастерской своего отца в 1514 году уехал в Базель, бывший
в то время крупным культурным центром,
там сблизился с Эразмом Роттердамским.
Первые годы вместе с братом занимался
созданием книжных иллюстраций и графических серий: ксилографии «Пляски смерти» (1524–1526). Портреты, которые отличались точностью рисунка, внимательным,
почти исследовательским подходом автора к модели, начал писать еще в базельский
период: «Портрет Эразма Роттердамского»
(1523, Лувр, Париж); «Портрет Бонифациуса Амербаха» (1519, Художественный музей,
Базель). В 1526 году по рекомендации Эразма отправился в Англию к Томасу Мору,
чтобы написать его большой семейный портрет (не сохранился). В Англии стал самым
востребованным портретистом, написал там
более 150 работ, его портреты зрелого периода отличаются предельной достоверностью
и убедительными психологическими характеристиками: «Портрет сэра Томаса Мора»
(1527, Коллекция Фрика, Нью-Йорк); «Портрет дамы с белкой и дроздом» (1526, Национальная галерея, Лондон); «Французские послы» (1533, Национальная галерея, Лондон).
В 1536 году Гольбейн стал придворным художником и летописцем эпохи, создав галерею образов английского истеблишмента:
«Генрих VIII» (1536, Музей Тиссена-Борнемиссы, Мадрид); «Портрет Джейн Сеймур» (1537, Музей истории искусства, Вена).
Творчество Гольбейна оказало значительное
влияние на развитие портретной школы как
в Германии, так и в Англии.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет купца
Гизе, 1532. Картинная галерея. Берлин

Ганс Гольбейн Младший. Портрет английской
леди, 1540. Музей истории искусств. Вена

ГОРКИ, Аршил (Gorky) (1904–1948) — американский художник. Эмигрировал
в США из Армении в 1920 году, настоящее имя — Возданик Адоян. Учился
в Центральной школе искусств Нью-Йорка, в которой затем с успехом преподавал. В молодости прошел этапы увлечения импрессионизмом, Полем Сезанном, ранним Пабло Пикассо: «Пейзаж в стиле Сезанна» (1927, Частное собрание); «Художник с матерью» (1926–1936, Музей американского искусства
Уитни, Нью-Йорк). После встречи с теоретиками сюрреализма в 1939 году
многое стал менять в своем творчестве, удаляясь от фигуративной живописи, сначала к полотнам, в которых очертания предметов сочетались с цветовыми пятнами и линиями: «Сад в Сочи» (1941, Музей современного искусства,
Нью-Йорк). В середине 1940-х годов нашел свой неповторимый стиль беспредметных композиций с текучими формами ярких насыщенных цветов, создающих смешанное ощущение восторга и нарастающей тревоги: «Вода цветущей мельницы» (1944, Музей современного искусства, Нью-Йорк); «Печень
как петушиный гребень» (1944, Галерея Олбрайт-Нокс, Буффало); «Водопад»
(1943, Галерея Тейт, Лондон). Несколько знаковых картин, созданных в конце
короткой жизни художника, сделали его одним из лидеров абстрактного экспрессионизма.

Аршил Горки. Аромат абрикосов в полях, 1944. Частное собрание

ГРЁЗ, Жан-Батист (Greuze) (1725–1805) — французский художник эпохи Просвещения. Учился в Лионе у Шарля Грандона, после 1750 года — в Королевской
академии живописи и скульптуры в Париже у Жозефа Натуара. Первая же картина, «Отец семейства, читающий Библию детям» (Частное собрание, Париж),
представленная в Салоне в 1755 году, ответила на запрос общества, которое ждало
добродетельных буржуазных сюжетов с поучительным смыслом как альтернативу
легкомысленному придворному рококо. Далее художник часто обращался к жанровым композициям, основой которых были морализаторские и сентиментальные сцены из семейной жизни горожан, которые не уставал хвалить Дени Дидро:
«Балованное дитя» (1765, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Наказанный сын» (1778,
Лувр, Париж). Картины Грёза строятся на фризовой композиции, заимствованной из исторической живописи классицизма, и тональной живописи в голландском духе с большим количеством повествовательных деталей: «Паралитик, или
Плоды хорошего воспитания» (1763, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Работал также
и в портретном жанре, в поздние годы увлекся изображением идеализированных
головок в духе сентиментализма: «Разбитый кувшин» (1785, Лувр, Париж); «Голова молодой женщины» (1780-е, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Творчество
Грёза наиболее точно отражает дух эпохи Просвещения во Франции.

Жан-Батист Грёз. Отцовское проклятие, 1777. Лувр. Париж

Хуан Грис. Гитара и кларнет, 1920.
Художественный музей. Базель

Антуан-Жан Гро. Портрет Франсуа Луи
Фурнье-Сарловеза, 1812. Лувр. Париж

ГРИС, Хуан (Gris) (1887–1927) — испанский художник, представитель кубизма.
В 1902–1904 годах обучался в Мадридской
школе искусств и ремесел, затем оставил
учебу и работал в журналах, рисуя иллюстрации в стиле модерн. В 1906 году прибыл в Париж, где сблизился с Жоржем
Браком, Гийомом Аполлинером и Пабло
Пикассо, прошел через различные этапы модернистских исканий. В 1911 году
написал первые картины в стиле кубизм,
они были выполнены в «аналитической»
манере: «Гитара и цветы» (1911, Музей
современного искусства, Нью-Йорк). Работы Гриса отличаются смелым включением цветовых плоскостей, особенно
холодных оттенков. Кубизм испанского художника всегда имел индивидуальный почерк: «Портрет Пикассо» (1912,
Институт искусств, Чикаго). С 1914 года
создавал серию натюрмортов в духе синтетического кубизма в технике коллажей:
«Ваза с фруктами и бокал» (1914, Музей
Крёллер-Мюллер, Оттерло); «Натюрморт
со скатертью в клетку» (1915, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). В его более
поздних картинах нарастал рационализм,
формы уступили место плоскостям, автор
мыслил живопись как «вариант плоскостной, цветной архитектуры»: «Натюрморт
с вазой с фруктами и мандолиной» (1919,
Галерея Байелер, Базель).
ГРО, Антуан-Жан (Gros) (1771–1835) —
французский живописец. Родился 16 марта 1771 года в Париже в семье столичного
художника-миниатюриста. Учился у Жака-Луи Давида. В 1793–1801 годах обучался
и работал в Италии в жанре исторической
живописи. В молодости был убежденным
бонапартистом, в 1796 году создал выразительный романтический образ молодо-

го генерала: «Наполеон Бонапарт на Аркольском мосту» (1796–1801, Национальный музей Версаля). Художник вдохновенно работал над созданием героического
образа эпохи, отражая в своих полотнах ее знаковые события: «Битва при Назарете» (1801, Музей изящных искусств, Нант); «Сдача Мадрида» (1809, Национальный
музей Версаля). Главным покровителем и героем творчества Гро стал император,
которому импонировал стиль живописца, где сочеталась величавость классицизма
с экспрессивностью романтизма: «Наполеон на поле битвы при Эйлау» (1808, Лувр,
Париж). Гро создал галерею блестящих портретов исторических деятелей Первой
империи: «Портрет генерала Фурнье-Сарловеза» (1812, Лувр, Париж). Во времена
Реставрации работал над сюжетами из средневековой истории и античной мифологии, в которых героическая патетика уступает место академическому подходу: «Геракл и Диомед» (1835, Музей августинцев, Тулуза). Творческий путь Антуана-Жана
Гро прекрасно отразил яркую эпоху, в которой ему довелось жить и работать.
ГРЮНЕВАЛЬД, Маттиас (Grunewald) (1475(?)–1528) — немецкий художник
и архитектор, представитель немецкого Ренессанса. Родился в Вюрцбурге, его
настоящее имя — Матис Годхардт. Других сведений о становлении мастера нет,
возможно, он был знаком с живописью Гольбейна Младшего и швейцарских
мастеров. Главными его произведениями были масштабные церковные алтари,
известно, что в 1503 году художник работал в городе Зелингенштадт над Линденгартским алтарем. С 1508 года трудился при дворе архиепископа Майнцкого
в Ашаффенбурге, где у него была мастерская. В замке он исполнял обязанности
архитектора и инженера, а также писал церковные картины: «Алтарь Геллера»

Маттиас Грюневальд.
Рождество, створка
Изенгеймского алтаря.
1512–1515. Кольмар

(1509–1511). Самое значимое произведение Грюневальда — знаменитый Изенгеймский алтарь (1512–1516, Музей Унтерлинден, Кольмар). Это сложное алтарное сооружение, состоящее из трех вариантов разверток, в него включены
живописные и скульптурные резные панели. Персонажи Изенгеймского алтаря
показаны в страстной экспрессивной манере с повышенной динамикой, порывистой пластикой и подчас экзальтированными эмоциями, ничего подобного
в XVI веке никто в Германии не создавал. Творчество Грюневальда — явление
уникальное, оно нашло последователей лишь в начале ХХ века среди немецких
экспрессионистов.
ГУС, Хуго ван дер (Goes) (между 1430 и 1440–1482) — нидерландский живописец.
Возможно, родился и учился в Генте. Известно, что с 1467 года состоял в Гентской гильдии живописцев, которую позже возглавил. В нидерландском искусстве художник выступил продолжателем традиций ван дер Вейдена, его вдумчивого взгляда на мир, тонких характеристик и внутреннего напряжения. Главные
работы мастера — это большие алтарные композиции для различных фламанд-

Хуго ван дер Гус. Поклонение волхвов, створка Алтаря Монфорте, 1470. Картинная галерея. Берлин

ских городов. Имя ван дер Гуса прославил великолепный ансамбль «Поклонение пастухов», названный «Алтарь Портинари». Он был написан около 1475 года
по заказу Томмазо Портинари, агента Медичи в Брюгге, и отправлен на корабле
во Флоренцию, где находится и сейчас. Многие произведения мастера дошли до
наших времен лишь частично. Так, от «Алтаря Монфорте» осталась центральная
часть «Поклонение волхвов» (1470, Ювелирная галерея, Берлин), высокие художественные достоинства которой нисколько не мешают отнести картину к шедеврам Северного Возрождения.
ГУТТУЗО, Ренато (Guttuso) (1912–1987) — итальянский художник, представитель итальянского неореализма. Родился в пригороде Палермо в семье землемера.
В юности брал уроки рисования у художника-футуриста Пиппо Риццо. Обучался в университете Палермо на факультете права, но оставил учебу, затем служил
в армии. С 1931 года жил в Риме, где сблизился с интеллектуальными кругами,
оппозиционными режиму Муссолини. В 1938 году стал одним из основателей
журнала «Корренте» («Течение»), возглавив группу художников-антифашистов.
Вскоре написал картину, которая принесла ему известность, — «Казнь в сельской
местности» (1938, Национальная галерея современного искусства, Рим), посвященную смерти Гарсиа Лорки. Искусство Гуттузо всегда носило ярко выраженную социальную направленность: «Бегство с Этны» (1940, Национальная галерея
современного искусства, Рим). В годы войны участвовал в движении Сопротивления, затем стал инициатором создания объединения «Новый фронт искусств»
и лидером течения неореализм: «Захват крестьянами пустующих земель в Сицилии» (1948–1950, Галерея «Новые мастера», Дрезден); «Буги-вуги в Риме» (1954,
частное собрание). Гуттузо продолжил традиции итальянского старого искусства
с его гуманистическими ценностями и предложил альтернативный путь для художника вне модернизма.

ДАВИД, Жак Луи (David) (1748–1825) — французский живописец. Родился в Париже в семье
торговца. В 1766 году стал учеником художника Жозефа-Мари Вьена в Королевской академии
живописи и скульптуры. В 1770-х годах в течение пяти лет продолжил обучение в Италии.
Уже в первых больших картинах выступал как
приверженец классического стиля: «Велизарий,
просящий подаяние» (1781, Музей изобразительных искусств, Лилль); «Андромаха, оплакивающая Гектора» (1783, Лувр, Париж). Широкую известность автору принесла работа «Клятва
Горациев» (1785, Лувр, Париж); она вызвала воодушевление в предреволюционном французском обществе своим героическим и призывным настроением. В годы Революции художник
занимал активную политическую позицию, создал несколько знаменитых полотен, посвященных революционным лидерам: «Смерть Марата»
(1793, Королевский музей изящных искусств,
Брюссель). Во времена Империи с 1804 года
стал «первым художником» императора и твор- Жак Луи Давид. Портрет Эмили
Серизиат и ее сына, 1795. Лувр. Париж
цом помпезного стиля ампир. Давид написал
один из символов эпохи — героический романтизированный образ Наполеона — «Бонапарт на Сен-Бернарском перевале» (1800, Национальный музей Версаля), а также грандиозный величественный холст «Коронование императора
Наполеона и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери» (1805–
1807, Лувр, Париж). Как живописец разнообразно проявил себя в портретах, лаконичных и строгих, как «Портрет мадам Рекамье» (1800, Лувр, Париж), или лиричных в духе сентиментализма: «Портреты четы Серизиа» (1795, Лувр, Париж).
Давид значительно повлиял на пути развития французского искусства как лидер
большой мастерской, в которой прошли обучение многие известные живописцы
XIX века, включая Теодора Жерико и Жана Огюста Доминика Энгра.
ДАЛИ, Сальвадор (Dali) (1904–1989) — испанский художник, представитель
сюрреализма. Родился в каталонском городке Фигерас, рано проявил способности к рисованию. Получил классическое художественное образование в Мадриде. В середине 1920-х годов сблизился с Луисом Бунюэлем и Федерико Гарсия
Лоркой. Увлечение искусством старых мастеров, знакомство с метафизической
живописью Джорджо де Кирико, мастерами «новой вещественности» сформировали его эстетическую систему, а изучение сочинений Зигмунда Фрейда оказали влияние на выбор тем и образов: «Девушка у окна» (1925, Музей современно-

Жак Луи Давид. Клятва Горациев, 1784. Лувр. Париж
Жак Луи Давид. Смерть Марата, 1793.
Королевские музеи изящных искусств.
Брюссель

Жак Луи Давид. Смерть Сократа, 1787. Метрополитен-музей.
Нью-Йорк

Жак Луи Давид. Бонапарт на перевале Сен-Бернар, 1801. Галерея Бельведер. Вена

го искусства, Мадрид). Далее все творчество Дали сопровождалось манифестами,
книгами, провокационными заявлениями, цель которых — не только разъяснить
свое кредо, но и привлечь внимание публики. Основные приемы Дали-живописца — это конструирование особого пространства и новаторский подход к пластике предметов; палитра основана на тональной живописи; колорит в работах
художника вторичен, приоритет отдан рисунку и композиции: «Метаморфозы
Нарцисса» (1937, Галерея Тейт, Лондон). Самые знаменитые шедевры мастер
написал в 1930-е годы, вдохновленный своей теорией «бессознательного искусства»: «Постоянство памяти» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк);
«Осенний каннибализм» (1936, Галерея Тейт, Лондон).
Через многие картины Дали проходят одни и те же знаковые образы-символы, источник которых лежит в психологических комплексах автора — это неустойчивые фигуры-манекены на костылях, муравьи и пчелы, маленькие головы
на длинных шеях, торсы в виде комодов с ящиками: «Жираф в огне» (1937, Художественном музей, Базель); «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната,
за секунду до пробуждения» (1944, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид); «Галлюциногенный тореадор» (1968, Музей Сальвадора Дали, Сент-Питерсберг,
США). После разрыва с сюрреалистами и эмиграции в США в 1948 году художник вернулся в Испанию, где написал ряд картин на религиозные сюжеты,
соединяя классические образы с новаторскими подходами модернизма: «Тайная вечеря» (1955, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Христос
Святого Иоанна Креста» (1950–1952, Кельвингроу, Глазго). В последние десятилетия был занят сценографией, прикладным искусством и дизайном, а также созданием «Театра-музея Дали в Фигерасе», родном городе художника.
Жизнь и творчество Сальвадора Дали стали символом модернистской культуры ХХ века во всем мире.
ДЕ КИРИКО, Джорджо (De Chirico) (1888–1978) — итальянский художник. Родился в Греции в итальянской семье. Учился сначала в Афинской академии художеств, а позже в Мюнхене, где жил в 1906–1909 годах. Здесь он увлекся немецкими философами и художниками-символистами: «Битва лапифов с кентаврами»
(1909, Национальная галерея современного искусства, Рим). С 1910 года создал
первые «картины-таинства», которые Гийом Аполлинер позднее назвал «метафизическими», где мир сновидений перенесен в реальность: «Ностальгия по бесконечности» (1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Под впечатлением
от архитектуры и живописи итальянского Кватроченто написал серию «Площади
Италии» — призрачные пространства пустынных улиц и площадей, заселенных
статуями: «Загадка одного дня» (1914, Музей современного искусства, Сан-Паулу); «Площадь Италии» (1912, Частное собрание, Милан). В эти же годы создал еще одну знаменитую серию «Тревожащие музы»: «Гектор и Андромаха»
(1917, Национальная галерея современного искусства, Рим); «Комедия и трагедия» (1926, Частное собрание, Париж). Выразительные художественные решения,

яркие парадоксальные образы с ироничными интонациями — все это принесло
де Кирико большой успех, а его неустанные творческие поиски вскоре привели
к появлению сюрреализма.
ДЕГА, Эдгар (Degas) (1834–1917) — французский живописец, один из лидеров
импрессионизма. Родился в Париже в знатной и состоятельной семье финансистов. Учился на юридическом факультете Парижского университета (1853),
в 1855 году — в Школе изящных искусств. Ранние работы относятся к портретному жанру: «Семья Беллели» (1860, Музей Орсе, Париж); «Джеймс Тиссо»
(1868, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Благодаря знакомству с Эдуаром Мане,
который увлекает его современной тематикой, сблизился с кругом Клода Моне
и начал писать жанровые сцены из жизни парижан, жокеев и прачек, модисток
и певиц: «Жокеи перед трибунами» (1868– 1869, Музей Орсе, Париж); «Гладильщица» (1869, Новая пинакотека, Мюнхен); «Дамский шляпный магазин» (1869,
Институт искусств, Чикаго).

Эдгар Дега. Баронесса Вальпинсон, 1865. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Эдгар Дега. Скаковые лошади, 1873. Музей искусства.
Кливленд

Эдгар Дега. Две балерины, 1879. Шелбурн. США

Эдгар Дега. Певица с перчаткой, 1878.
Художественный музей. Гарвард

Работы Дега отличают точно найденная пластика, неожиданные жесты и ракурсы, выхваченные из жизни, острые гротескные характеристики персонажей:
«Певица с перчаткой» (1878, Художественный музей Фогга, Гарвард); «Абсент»
(1876, Музей Орсе, Париж). Особенно ярко самобытный взгляд художника проявился в работах, связанных с жизнью балетных артисток. Дега блестяще показал
обратную сторону яркого зрелища: «Танцевальный класс» (1873, Национальная
галерея искусства, Вашингтон); «Две балерины» (1879, Музей Шелбурна, Вермонт); «Перед экзаменом» (1880, Музей искусств, Денвер).
В последние десятилетия мастер работал в технике пастели, он создал знаменитую серию работ с обнаженными натурщицами: «После купания» (1895, Национальная галерея, Лондон); «Женщина в тазу» (1886, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Причесывающаяся женщина» (1890, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Эдгар Дега стал примером поиска собственного пути в искусстве, индивидуального стиля и оригинального круга тем.

Антонис ван Дейк. Маркиза Елена
Гримальди Каттанео, 1623. Национальная
галерея искусства. Вашингтон

ДЕЙК, Антонис ван (van Dyck) (1599–1641) — знаменитый фламандский живописец, мастер барочного
портрета. Родился в Антверпене в семье торговца тканями. Рано проявил блестящие способности к рисованию, учился у Хендрика ван Балена. К 16 годам уже был
сложившимся профессионалом, в юности несколько лет работал в мастерской Питера Пауля Рубенса.
Быстро прославился как блистательный портретист
с элегантным построением композиции, пристальным взглядом, текучей кистью: «Портрет Снейдерса
с супругой» (1621, Картинная галерея, Кассель); «Семейный портрет» (1621, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Стремление обрести самостоятельный статус вне
мастерской Рубенса привело ван Дейка в Италию
в 1623 году, где он с успехом портретировал генуэзскую знать, создав несколько шедевров жанра репрезентативного барочного портрета: «Портрет братьев
де Валь» (1627, Капитолийские музеи, Рим); «Портрет маркизы Ломеллини с детьми» (1623, Художественный музей, Сан-Паулу). В эти годы художник
ищет новаторские варианты парадной композиции,
вытягивая фигуры по вертикали, активно включая
архитектурный фон, акцентируя внимание на выразительных жестах персонажа: «Портрет Елены Гримальди» (1623, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Портрет кардинала Гвидо Бентивольо»
(1623, Палаццо Питти, Флоренция).

Антонис ван Дейк. Портрет Карла I и королевы Генриетты–Марии, 1632. Архиепископский музей. Кромержиж

Антонис ван Дейк. Портрет трех старших детей
Карла I, 1635. Виндзор

Антонис ван Дейк. Святой Мартин и нищие,
1621. Церковь Сен-Мартен. Завентем

Вскоре художник получил лестное предложение от английского короля Карла I
и уехал в Лондон, где его талант раскрылся с новой силой. Мастер написал многочисленные портреты короля и его семьи, эти произведения отличаются изящным вкусом и виртуозным исполнением: «Портрет Карла I с орденом Подвязки»
(1632, Картинная галерея, Дрезден); «Королевская семья» (1632, Королевская коллекция, Виндзор); «Королева Генриетта-Мария» (1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Знаменитым стал шедевр мастера «Портрет Карла на охоте» (1635, Лувр,
Париж), в котором черты парадности соседствуют с эмоциональностью и внутренней свободой модели. За девять лет пребывания в Англии ван Дейк создал
около полутора сотен портретных изображений представителей истеблишмента — галерею импозантных лордов и утонченных леди на фоне дворцовых интерьеров: «Филипп Уортон» (1632, Национальная галерея искусства, Вашингтон);
«Лорд Дигби и лорд Рассел» (1637, Собрание Спенсер, Олторп); «Портрет Дороти Сэведж и ее сестры Элизабет» (1637, Национальная галерея, Лондон). Особняком стоят детские изображения, в которых мастеру удалось сохранить непосредственные эмоции и характеры: «Портрет Елизаветы и Филадельфии Уортон»
(1640, Эрмитаж, Санкт-Петербург). К сожалению, жизнь ван Дейка, блестящая и успешная,
оказалась очень короткой, он ушел в расцвете творческих сил в 42 года. Имя художника
стало культовым не только для фламандцев,
но и для англичан, которые считают его основателем национальной школы живописи.

Эжен Делакруа. Греция на руинах
Месолонгиона, 1826. Музей изобразительных
искусств. Бордо

ДЕЛАКРУА, Эжен (Delacroix) (1798–1863) —
французский живописец, крупнейший представитель романтизма. Родился в пригороде Парижа в семье дипломата. По окончании
Императорского лицея поступил в мастерскую
Герена, затем в Школу изящных искусств.
Первая картина «Резня в Хиосе» (1824, Лувр,
Париж), представленная в Салоне, поразила всех живописной мощью, трагизмом образов и призывным сюжетом, связанным с борьбой Греции за независимость. Делакруа стал
флагманом европейского живописного романтизма, написав на сюжет Байрона в 1827 году
масштабный холст «Смерть Сарданапала»,
особенно после громкого успеха знаменитой
«Свободы на баррикадах», написанной под непосредственным впечатлением от Июльской
революции 1830 года. В начале 1830-х годов

Эжен Делакруа. Поединок гяура с пашой, 1826. Художественный институт. Чикаго

художник совершил путешествие по Северной Африке и создал ряд красочных,
страстных и эффектных композиций в духе ориентализма: «Алжирские женщины» (1834, Лувр, Париж); «Еврейская свадьба в Марокко» (1839, Лувр, Париж);
«Поединок гяура с пашой» (1835, Музей Пти-Пале, Париж). В последующие
десятилетия занимался монументальными росписями Бурбонского (1833–1847)
и Люксембургского дворцов (1845–1847) в Париже, издал графические серии,
иллюстрирующие произведения Данте и Шекспира, написал большие исторические полотна на сюжеты из французского Средневековья: «Взятие крестоносцами
Константинополя» (1840, Лувр, Париж). В зрелые годы мастер много внимания
уделял теории цвета и колористических взаимодействий, эта экспериментальная
исследовательская деятельность, как и сама новаторская живопись Делакруа, имела огромное значение для художников-импрессионистов и их последователей.
ДЕЛАРОШ, Поль Ипполит (Delaroche) (1797–1856) — французский живописец. Родился в Париже в состоятельной семье торговца картинами. Учился в Школе изящных искусств и у Антуана Гро. Художник проявлял интерес к историческим сюжетам,
пытаясь соединить в своих композициях эмоциональность романтиков и рациональный подход классицистов. Стал очень востребованным художником исторического

Поль Ипполит Деларош. Полукружие, центральная часть, 1837–1841. Париж

жанра благодаря выбору острых драматических сюжетов, которые он раскрывал с помощью театральности мизансцен и точности передачи деталей и костюмов исторических персонажей: «Допрос Жанны д’Арк в темнице кардиналом Уинчестерским»
(1824, Музей изящных искусств, Руан); «Дети Эдуарда IV в Тауэре» (1830–1831,
Лувр, Париж); «Казнь леди Джейн Грей» (1834, Националная галерея, Лондон).
В течение пяти лет занимался своим грандиозным проектом «Полукружие» —
это картина длиной 27 м, украсившая полукруглую стену амфитеатра Парижской
школы изящных искусств. Композиция, включившая 70 персонажей, посвящена
теме «Художники всех эпох», начиная с эпохи Ренессанса. Так Деларош подвел
своеобразный итог развития европейской классической живописи.
ДЕЛОНЕ, Робер (Delaunay) (1885–1941) — французский художник, создатель стиля «орфизм». Родился в Париже в аристократической семье, получил гуманитарное
образование. Учился на сценографа, но вскоре увлекся станковой живописью, особенно творчеством Жоржа Сёра и его цветовой теорией. Затем познакомился с кубизмом, результатом чего стали динамичные композиции с расчлененными архитектурными объектами и осколками пространства в футуристическом стиле, основным
мотивом этих картин стала Эйфелева башня: «Марсово поле: Красная башня» (1911,

Чикагский художественный институт);
«Город Париж» (1910–1912, Национальный музей современного искусства, Париж). Далее было знакомство художника
с Василием Кандинским и участие в выставках «Синего всадника», что привело к усложнению работы с цветом, появлению «симультантной живописи»,
которую Робер придумал и разрабатывал
вместе со своей супругой художницей
Соней Делоне, написав в 1912 году книгу
«О цвете». Эта беспредметная стилистика позже получила название «орфизм»:
Соня Делоне «Электрические призмы»
(1914, Национальный музей современного искусства, Париж). Для произведений Делоне характерно настроение
созерцательной мечтательности: «Одновременно открытые окна» (1912, Галерея Тейт, Лондон); «Синхронный диск»
(1912, Частное собрание). В дальнейшем
он работал с труппой Дягилева как театральный художник, в 1937 году оформлял два павильона для Всемирной выставки в Париже.
ДЕНИ, Морис (Denis) (1870–1943) —
французский художник, представитель символизма. В юности обучался в Академии Жюлиана, встретив там
Поля Серизье, через него познакомился
с творчеством Поля Гогена. Увлекся новаторскими эстетическими идеями и художественными течениями, в 1888 году
создал вместе со своими друзьями группу «Наби» («Пророки»), наделяя искусство задачей выражать сакральные иррациональные истины и смыслы. Часто
обращался к религиозным сюжетам, которые трактовал с помощью новаторских
приемов: «Шествие на Голгофу» (1889,
Музей Орсе, Париж); «Благовещение»

Робер Делоне. Португалка, 1916.
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид

Морис Дени. Музы, 1893. Музей Орсе. Париж

(1913, Музей Орсе, Париж). Пространство и время в картинах Дени замирает,
персонажи приобретают возвышенный медитативный вид, предметы и действия
становятся значимыми и таинственными: «Игра в бадминтон» (1900, Музей Орсе,
Париж); «Апрель» (1892, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло). Увлечение японской
графикой привело к появлению в работах Дени изысканного линейного ритма,
что сближает многие работы художника со стилистикой модерна: «Музы» (1893,
Музей Орсе, Париж); «Сентябрьский вечер» (1891, Музей Орсе, Париж). В начале ХХ века художник работал над декоративно-монументальными картинами для
украшения особняков, в том числе выполнил 11 панно для особняка Ивана Морозова в Москве: «История Психеи» (1908–1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Его
взгляды на искусство изложены в двух работах — «Теории» (1913) и «Новые теории» (1922), оказавших существенное влияние на молодых художников.
ДЕРЕН, Андре (Derain) (1880–1954) — французский художник. Родился в пригороде Парижа Шату в семье коммерсанта. Посещал в Париже академию Э. Карьера, где познакомился с Анри Матиссом и Альбером Марке. Вместе с Морисом
де Вламинком работал в Шату; в 1905 году присоединился к группе мастеров фовизма. Работы этого периода выполнены пылающими красками: «Порт в Гавре»
(1905–1906, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Виноградники весной» (1906, Художественный музей, Базель).
После поездки в Лондон Дерен привез ряд эффектных и смелых видов Темзы: «Лондонская гавань» (1906, Галерея Тейт, Лондон); «Мост Чаринг-Кросс»
(1906, Национальная галерея искусства,
Вашингтон). Открыв для себя творчество Поля Сезанна и Пабло Пикассо,
он поменял свой стиль: «Роща» (1912,
Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Старый
мост в Кане» (1910, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Дерен все
время находился в творческих поисках
и в каждом из направлений становился автором значимых произведений.
В 1920-е годы переживал увлечение
неоклассикой и создал несколько известных шедевров: «Пьеро и Арлекин»
(1924, Частное собрание). Постоянное
стремление к неизведанному в искусстве, творческая смелость и неизменно высокий художественный уровень
творений сделали Андре Дерена одной
из ключевых фигур в искусстве эпохи
Андре Дерен. Пьеро и Арлекин, 1924. Частное
авангарда.
собрание

ДЖЕНТИЛЕСКИ, Артемизия (Gentileschi)
(1593–1653) — итальянская художница. Родилась в Риме. Ее отец Орацио был знаменитым и успешным художником, последователем Караваджо. Стать художницей смогла
благодаря отцу, у которого обучилась живописи. Работала в жанре библейской и мифологической картины, ее стиль близок к караД
ваджизму, но с чертами Болонской школы.
Успех и славу ей принесла работа при дворе герцога Медичи во Флоренции, где она
выполняла церковные заказы на алтарные
образы и фресковые росписи. Здесь она стала первой женщиной, избранной в члены
Академии. Затем она плодотворно работала
в Риме, Генуе и Неаполе. В конце 1630-х годов совершила поездку в Англию, где вместе с отцом занималась росписью плафона
Большого зала Куинс-хауса в Гринвиче. Для Артемизия Джентиллески. Юдифь со своей
служанкой, 1619. Палаццо Питти. Флоренция
станковой живописи Артемизии характерны
страстность, натурализм, экспрессивная пластика героев, контрастный свет и эффектный колорит, излюбленные сюжеты были связаны с героическими женскими
образами Юдифи, Эсфири, Сусанны, Лукреции: «Юдифь с головой Олоферна»
(1613–1614, Галерея Уффици, Флоренция); «Лукреция» (1620, Палаццо КатанеоАдорно, Генуя); «Купание Вирсавии» (1638, Музей Каподимонте, Неаполь).
ДЖОНС, Джаспер (Johns) (р. в 1930) — американский художник, представитель
поп-арта. Родился и учился в Южной Каролине. Затем переехал в Нью-Йорк,
где познакомился с художником Робертом Раушенбергом и новыми течениями
в искусстве, вместе они сформулировали идеи нового направления, которое назвали поп-артом. Произведения поп-арта основаны на символических объектах
масс-культуры, узнаваемых и упрощенных знаках. Джонс в качестве такого знака использует флаг, создав серию «Американские флаги», лишает его высокого сакрального смысла, превращая просто в изображение на плоскости: «Флаг
на оранжевом фоне» (1957, Музей Людвига, Кёльн). В дальнейшем различные серии картин художника («Цветные цифры», «Мастерская», «Мишени») сближаются с абстрактным искусством и концептуализмом.
ДЖОРДЖОНЕ (Giorgione) (ок. 1477–1510) — венецианский художник эпохи Ренессанса, один из основоположников живописи Высокого Возрождения в Венеции. Родился в Кастельфранко в Венето. Сведений о жизни художника сохранилось мало,
что усложняет датировку картин, неизвестна даже точная дата его рождения. Учился

у Джованни Беллини. В юности познакомился с Леонардо во время его пребывания
в Венеции, что оказало большое влияние на становление манеры молодого художника.
Первой самостоятельной работой Джорджоне принято считать образ Мадонны, написанный для капеллы венецианского кондотьера Костанцио: «Мадонна
Кастельфранко» (1504, Собор Сан-Либерале, Кастельфранко). Виртуозное владение кистью, тончайшие цветовые градации в сочетании с мягкой дымчатой светотенью превращают каждое полотно Джорджоне в шедевр венецианской техники старых мастеров: «Юдифь» (1504, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Он обращался
подчас к неожиданным сюжетам, трактовки которых вызывают споры до сих пор:
«Гроза» (1507, Галерея Академии, Венеция); «Три философа» (1509, Музей истории искусств, Вена). Действие практически всех картин мастера разворачивается
на фоне венецианского ландшафта. Пристальное внимание к изображению природы — важнейшая черта авторского стиля Джорджоне: «Спящая Венера» (1510,
Картинная галерея, Дрезден). Жизнь Джорджоне оборвала чума, его немногие
творения относятся к вершинам мирового искусства.

Джорджоне. Поклонение пастухов, 1500–1510. Национальная галерея искусства. Вашингтон

ДЖОТТО, Ди Бондоне (Giotto) (ок. 1266 или 1276–1337) — крупнейший флорентийский художник эпохи Треченто. Сведения о жизни художника известны
из книги Джорджо Вазари, почти все они носят легендарный характер. Считается, что художник родился в крестьянской семье в местечке Веспиньяно близ Флоренции, учился у Чимабуэ.
В течение жизни Джотто работал в Ассизи, Падуе, Неаполе, Милане, во
Флоренции и, возможно, Авиньоне. Гиберти приводит список из 40 произведений мастера, он в целом подтверждается современными исследованиями. Произведением зрелого мастера можно считать фрески в падуанской
Капелле дель Арена, исполненные в 1303–1306 годах на сюжеты из Евангелия. В них Джотто выступает как новатор европейского искусства, вносит
черты реализма в средневековые росписи, пейзажный фон вместо условного
золотого света, его персонажи проявляют живые непосредственные эмоции,
их фигуры приобрели весомость и объем: «Сон Иосифа», «Бегство в Египет», «Оплакивание Христа» (1303–1306, Капелла дель Арена, Падуя). Автор
грамотно выстраивает композицию, использует выразительные пластические
характеристики, что усиливает драматизм евангельских историй: «Поцелуй
Иуды» (1305, Капелла дель Арена, Падуя). Свою приверженность реалистичным трактовкам библейских событий
Джотто декларировал и в последующих
проектах — как в монументальных росписях, так и в станковых композициях: «Мадонна на троне» (1310, Галерея
Уффици, Флоренция). Влияние Джотто стало определяющим для формирования искусства итальянского Ренессанса, без его первых шагов и открытий
история итальянской живописи была
бы иной.
ДЖУЛИО РОМАНО (Giulio Romano)
(1492 или 1499–1546) — итальянский художник. Настоящее имя — Джулио Пиппи (Pippi), прозвище «Романо» означает
«римлянин». Джулио Романо — один из
самых талантливых и знаменитых учеников Рафаэля; вместе с мастером он работал над фресками Станцы дель Инчендио
(1517, Ватикан), виллы Фарнезина (1518,

Джулио Романо. Гигант Полифем, Галатея
и пастух Ацис, 1528. Палаццо дель Те. Мантуя

Рим) и Лоджии в Ватикане (1519), многие незаконченные проекты Рафаэля завершал после его смерти (Зал Константина в Ватиканском дворце). В дальнейшем обрел собственный стиль, близкий к маньеризму. Самым масштабным живописным проектом Романо стали фрески в палаццо дель Те в Мантуе.
В 1525 году художник прибыл ко двору маркиза Федериго II Гонзага, который доверил ему архитектурные и декорационные работы городского палаццо
Дукале и загородного ансамбля палаццо дель Те. Романо с блеском справился
с обустройством дворцовых комплексов и создал оригинальные росписи в загородной резиденции маркиза. Особенно впечатляют два зала — Зал Гигантов
(1532–1534) и Зал Психеи (1527–1531), которые поражают композиционной
дерзостью, рискованными ракурсами, иллюзорными эффектами и перспективами. Подобный экстравагантный подход к трактовкам античной мифологии
предвосхищает приемы барокко.
ДИКС, Отто (Dix) (1891–1969) — немецкий художник и график. Родился
в окрестностях Гера в Саксонии. Учился живописи в Дрезденской академии
художеств у Рихарда Мюллера. Во время Первой мировой войны служил
добровольцем в действующей армии. В 1914–1918 годах участвовал в военных действиях, что оставило глубокий след в его творчестве. В 1920-е годы создал графические серии «Крик» и «Война», полные трагического ужаса,
гротеска и надлома. В живописи создал драматичные работы в духе экспрессионизма: «Умирающий воин» (1915, Галерея Клим, Мюнхен). Затем
в Берлине сблизился с художниками «новой вещественности», стремился
к точности и конкретности изображения, особенно в портретах: «Портрет
родителей» (1921, Художественный музей, Базель); «Портрет журналистки
Сильвии фон Харден» (1926, Национальный музей современного искусства,
Париж). В дальнейшем занимался преподаванием в Дрезденской академии
художеств и обращался к религиозным сюжетам: «Семь смертных грехов»
(1933, Государтвенный Кунстхалле, Карлсруэ); «Триумф Смерти» (1934, Государственная галерея, Штутгарт). В 1937 году его картины были выставлены на выставке «Дегенеративное искусство», после войны преподавал в Дюссельдорфе в Академии.
ДОБИНЬИ, Шарль-Франсуа (Daubigny) (1817–1878) — французский художник, мастер реалистического пейзажа. Родился в Париже в семье художника,
у которого учился рисованию. Далее обучался в мастерской Делароша, служил
реставратором в Лувре, где изучал живопись старых мастеров. Самое сильное
воздействие на него оказали голландские пейзажисты. Добиньи сблизился с Туодором Руссо и Жюлем Дюпре, работал с ними (1846) на пленэрах, став одним
из ведущих мастеров барбизонской школы. Но его работы носят более созерцательный и камерный характер: «Жатва» (1851, Музей Орсе, Париж). Он уделял
все больше внимания воздушной среде, тонкостям освещения, предвосхищая

Шарль-Франсуа Добиньи. Весна, 1862. Старая национальная галерея. Берлин

многие находки Камиля Писсарро и Клода Моне: «Берега Уазы» (1863, Художественный музей, Сент-Луис); «Пейзаж с озером» (1875, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Всю жизнь художник путешествовал в поисках натуры, даже создал
плавучую мастерскую на лодке и изображал берега многих рек, находясь в ней.
В конце жизни познакомился с молодыми импрессионистами и всячески их
поддерживал, считая своими творческими наследниками.
ДОМЕНИКИНО (Domenichino) (1581–1641) — итальянский живописец, один
из крупнейших представителей Болонской школы. Его настоящее имя — Доменико Цампьери. Родился в Болонье, учился в Академии братьев Карраччи. В 1602 году приехал в Рим вместе с Аннибале Карраччи и помогал ему
в росписи палаццо Фарнезе. Ранние работы решены более строго и сдержанно в духе классицизма: «Мученичество апостола Андрея» (1608, Церковь
Сан-Грегорио Маньо, Рим). В дальнейшем живописные приемы становятся
более эффектными, а образы — идеализированными и патетичными: «Святой
Себастьян» (1630, Галерея старых мастеров, Дрезден). Особую славу Доменикино принесли элегические пейзажи с мифологическими героями на первом плане. Одним из первых он стал разрабатывать мотив соединения величественной природы с античной архитектурой, что сильно повлияло на Никола
Пуссена и формирование классического пейзажа: «Пейзаж с Ангелом и Товием» (1612, Национальная галерея, Лондон); «Пейзаж с бегством в Египет»
(1623, Лувр, Париж).

Доменикино. Пейзаж с бегством
в Египет, 1620. Лувр. Париж

Оноре Викторен Домье. Купальщица,
1855–1860. Частное собрание

Дуччо ди Буонинсенья. Мадонна
с младенцем, 1300–1305. Национальная
галерея Умбрии. Перуджа

ДОМЬЕ, Оноре Викторен (Daumier) (1808–
1879) — французский литограф, живописец
и скульптор. Родом из Марселя, отец был стекольщиком, с 1814 года семья жила в Париже. В юности Домье работал приказчиком и курьером, затем
стал учиться живописи у Этьена Ленуара и в Академии Сюиса. В первые годы занимался только
графикой, сотрудничал с сатирическими журналами и рисовал острые политические карикатуры.
В живописи художник отдавал предпочтение жанровым сценам, персонажи которых были простыми горожанами, занятыми тяжелым трудом: серия
«Прачки» (1860–1863, Музей Орсе, Париж). Умение автора точно и импульсивно передать движение, жесты, пластику, детали быта делало картины Домье выразительными и характерными:
«Вагон третьего класса» (1864, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Шахматисты» (1865, Музей
Пти-Пале, Париж). Искусство мастера знаменует
расцвет реалистичного стиля в графике и живописи, оно сделало объектом изображения современный окружающий мир, что воспринималось как
новаторство.
ДУЧЧО ДИ БУОНИНСЕНЬЯ (Duccio di
Buoninsegna) (ок. 1255–1319) — итальянский живописец, основоположник Сиенской школы. Точно неизвестны дата и место рождения художника. Первые сведения относятся к 1278 году, когда
он выполнил заказ на росписи 12 ларцов для ратуши Сиены — видимо, сначала Дуччо был миниатюристом. Об этом свидетельствует тонкость
детального письма и изящество линий: «Мадонна Креволе» (1284–1284, Музей собора, Сиена);
«Мадонна францисканцев» (1300, Пинакотека,
Сиена). В творчестве мастера очень заметно влияние византийского искусства в идеализированных статичных плоскостных изображениях на золотом фоне, вытянутые пропорции и орнаменты
подчеркивают знакомство автора с готической
традицией: «Мадонна Руччелаи» (1285, Галерея
Уффици, Флоренция). Мягкий лиризм, грациоз-

102

ность контуров, изысканные сочетания цветов, свойственные мастеру, — впоследствии отличительные черты сиенских живописцев. Главным произведением
в творчестве Буонинсенья стал масштабный двухсторонний полиптих «Маэста»
для главного алтаря собора в Сиене (1308–1311, Музей собора, Сиена) с нижней пределой, боковыми панелями и резным навершием. В центре композиции на лицевой части алтаря представлена Мадонна с младенцем в окружении
ангелов и святых покровителей Сиены. Обратная сторона украшена сценами
Страстей Христовых, исполненных с живым чувственным порывом, интересом
к пластике и душевному состоянию героев, что стало новой страницей в итальянском искусстве.
ДЮПРЕ, Жюль (Dupre) (1811–1889) — французский художник, представитель
Барбизонской пейзажной школы. Родился в Нанте в семье керамиста, в юности
занимался росписью фарфора. Учился у пейзажиста Ж. М. Дьеболя. Затем Дюпре
познакомился с Теодором Руссо и Констаном Тройоном, вместе с ними выезжал
на пленэры в различных пригородах столицы. Сначала главными кумирами художника были голландские пейзажисты, затем в 1834 году в Англии он открывает

Жюль Дюпре. Старый дуб, 1870. Национальная галерея искусства. Вашингтон

103

для себя живопись Джона Констебла и Уильяма Тёрнера. Вскоре друзья-художники обосновались в Барбизоне и писали виды окрестностей в реалистическом
стиле. Пейзажи Дюпре отличают более звучная цветовая гамма и энергичная манера письма, он часто выбирал романтичные виды с включением анималистических мотивов: «Большой дуб» (1844, Музей Орсе, Париж); «Шлюз» (1855–1860,
Музей Орсе, Париж); «Морской отлив в Нормандии» (1870, Государственный
музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).
ДЮРЕР, Альбрехт (Dürer) (1471–1528) — немецкий живописец, рисовальщик
и гравер, крупнейший мастер немецкого Ренессанса. Родился в семье нюрнбергских ювелиров, выходцев из Венгрии. Увлечение рисованием проявилось в раннем
детстве, первый наставник — отец. Дядя художника был издателем, что обусловило
интерес Альбрехта к гравюре. Важную роль в становлении мастера сыграла поездка в Венецию, где Дюрер познакомился с достижениями итальянского Ренессанса.

Альбрехт Дюрер. Поклонение волхвов, 1504. Галерея Уффици. Флоренция

104

Альбрехт Дюрер. Автопортрет в одежде, отделанной мехом, 1500. Старая пинакотека. Мюнхен

Альбрехт Дюрер. Автопортрет с чертополохом,
1493. Лувр. Париж

Альбрехт Дюрер. Мадонна с грушей, 1512.
Музей истории искусств. Вена

Вернувшись в Нюрнберг в 1495 году, он открыл собственную мастерскую, много работал в технике ксилографии, иллюстрировал светские и религиозные книги.
Гравюры к книге «Апокалипсис» приобрели в 1496–1498 годы широкую известность, особенно лист «Четыре всадника». Для произведений художника характерен
исследовательский подход, он изучает окружающий мир и пишет пейзажи («Домик
у пруда», 1494, Британский музей, Лондон), вдумчиво вглядывается в лица людей
и создает блестящие портреты («Портрет Эльсбет Тухер», 1499, Картинная галерея,
Кассель). Дюрер занимался поиском идеальных пропорций человеческих фигур,
в результате появились «Адам» и «Ева», сначала в технике гравюры на меди (1504),
затем — живописный диптих (1507, Музей Прадо, Мадрид). Наконец, автор постиг тайны собственного внутреннего мира в серии автопортретов, самый известный из которых — «Автопортрет» (1500, Старая пинакотека, Мюнхен).
В 1505–1507 годах Дюрер находился в Италии, писал там для немецкой церкви в Риальто алтарный образ «Праздник четок» (1506, Национальная галерея,
Прага). В дальнейшем религиозная живопись стала значимой частью в творчестве немецкого мастера: «Мадонна с младенцем у груди» (1503, Музей истории
искусства, Вена); «Поклонение волхвов» (1504, Галерея Уффици, Флоренция);
«Четыре апостола» (1526, Старая пинакотека, Мюнхен). В 1513–1514 годы художник работал над усовершенствованием техники офорта и создал всемирно известные гравюры: «Меланхолия», «Святой Иероним», «Рыцарь и смерть».
С 1520 года поменялся характер творчества Дюрера, он поддержал движение Реформации и в последующие годы писал только портреты: «Бернард фон Резен»
(1521, Картинная галерея, Дрезден); «Портрет мужчины в шляпе» (1521, Музей
Прадо, Мадрид). В последние годы художник был занят теоретическими трудами по геометрии, архитектуре, рисунку — «Четыре книги о пропорциях человека» (1528). Универсальный гений Альбрехта Дюрера, колоссальный объем
его наследия, блестящие образцы высокого мастерства по праву позволяют считать его великим европейским художником эпохи Возрождения.
ДЮФИ, Рауль (Dufy) (1877–1953) — французский художник. Родился в Гавре
в семье музыкантов. Учился в Школе изящных искусств у Леона Бонна. Сначала пробовал себя в импрессионистической технике и дивизионизме: «Сумерки в гаврском порту» (1904, Музей Кальве, Авиньон). Затем художник познакомился с Анри Матиссом, примкнул к группе фовистов и писал праздничные
яркие виды курортных городов: «Лодки в Мартиге» (1908, Национальная галерея,
Лондон); «Афиши в Трувилле» (1906, Национальный музей современного искусства, Париж). В дальнейшем Дюфи обрел авторский узнаваемый почерк, строил
композицию на основе растекающихся красочных плоскостей интенсивных мажорных цветов, которые покрывал легким изящным стремительным рисунком:
«Купальщицы в открытом море» (1925–1927, Национальный музей современного искусства, Париж); «Морской праздник в Гавре» (1925, Городской музей
современного искусства, Париж). Позднее художник занимался сценографией

107

Рауль Дюфи. Ницца. Бухта Ангелов, 1927. Собрание Дотремон. Брюссель

и монументальными росписями, его самым значительным проектом стало грандиозное панно «Фея электричества» (Городской музей современного искусства,
Париж) 60 м в длину, написанное для павильона государственной электрической
компании на Всемирной выставке в Париже 1937 года.
ДЮШАН, Марсель (Duchamp) (1887–1968) — французский художник, представитель дадаизма. Родился близ Руана в семье художника. Начал обучение живописи в Нормандии, затем в 1904 году прибыл в Париж, учился в Академии Жюлиана, познакомился с авангардными течениями в искусстве, прошел этапы освоения
живописных техник от символизма до фовизма. В 1912 году организовал выставку «Золотое сечение», где представил работы с раздробленными формами и изломанным пространством, стремясь передать разобранный на мгновения процесс
движения, что сближает его поиски с футуристами: «Обнаженная, спускающаяся
по лестнице» (1912, Музей искусств, Филадельфия); «Грустный молодой человек
в поезде» (1911–1912, Коллекция П. Гуггенхейм, Бильбао). В дальнейшем Дюшан отдаляется от станковой живописи и работает в направлении, которое сам называет реди-мейд, используя тривиальные предметы в парадоксальном контексте.

ЕВФРОНИЙ — древнегреческий аттический вазописец и гончар конца VI — начала V века до н. э. Работал в 520–490 годах до н. э., принадлежал к числу крупнейших мастеров краснофигурного стиля. В начале карьеры был гончаром и художником-керамистом, затем стал владельцем собственной мастерской в Афинах.
До Нового времени дошли пятнадцать его подписных ваз. Стиль Евфрония отличается особой точностью деталей и утонченностью линий. Наряду с мифологическими сюжетами он изображал сцены окружающей действительности. В произведениях Евфрония встречаются как образы олимпийских богов и героев, так
и жанровые зарисовки из жизни горожан, спортивные состязания или сцены пиров. Шедеврами мастера считают кратер «Геракл и Антей» из Лувра и «Пелика
с ласточкой» из Эрмитажа, которые отличаются динамичной пластикой и живостью эмоций персонажей.

Евфроний. Кратер Сарпедон, 515 год до н. э. Археологический музей Черветери. Италия

109

ЖЕРАР, Франсуа (Gérard) (1770–1837) —
французский портретист и мастер исторических картин времен Первой империи и Реставрации. Начал профессиональное обучение
у скульптора Огюстена Пажу, затем стал первым учеником в мастерской Жака Луи Давида как его верный последователь. Жерар
создавал монументальные полотна на исторические темы: «Вступление Генриха IV в Париж» (1817, Версаль), «Коронование Карла Х
в Реймсе в 1825 году» (1825, Версаль). Художник обращался и к античным сюжетам: «Амур
и Психея» (1798, Лувр, Париж). Широкую известность ему принесли элегантные портреты
в стиле ампир, где моделями выступали императрица Жозефина (1802, Мальмезон), знаменитая мадам Рекамье (1802, Музей Пти-Пале,
Париж), художник Изабе (1795, Лувр, Париж).
Настоящую славу принес Жерару портрет Наполеона в коронационных одеждах (1805, Версаль). В дальнейшем Жерар неоднократно выполнял заказы первых лиц Франции, добившись
официального признания, титулов и наград.

Франсуа Жерар. Наполеон в коронационных
одеждах, 1804. Версаль. Париж

ЖЕРИКО, Жан Луи Андре Теодор (Géricault) (1791–1824) — французский живописец, график и скульптор, один из основоположников романтизма. Родился
в Руане 26 сентября 1791 года в состоятельной семье торговца табаком. Учился
в Императорском лицее Людовика Великого в Париже. Рисованием увлекался
с детства, живописи учился у Карла Верне и ученика Жака Луи Давида — Пьера
Герена. Первое известное произведение художника написано в 1812 году: Жерико создал картину, ярко отражающую романтический порыв эпохи: «Офицер
конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» (Лувр, Париж). Самый
большой успех пришел к Жерико в 1919 году, когда в Салоне была представлена его грандиозная работа «Плот „Медузы“» (1819, Лувр, Париж), посвященная
трагическому событию, случившемуся тремя годами ранее. Мастерски проработанная композиция полотна, выразительная пластика персонажей, их напряженная борьба за жизнь, тревожный колорит мрачного неба, бурного моря — все
это производит колоссальное впечатление на зрителей. Мятущаяся натура романтика Теодора Жерико заставляла художника менять города и страны, в последние годы жизни он работал в Англии, где написал знаменитую картину
«Скачки в Эпсоме» (1821, Лувр, Париж). Мастер увлекся печатной графикой
и создал серии литографий, посвященных анималистике, затем он заинтересо-

110

Теодор Жерико. Офицер конных егерей, 1812.
Лувр. Париж

Теодор Жерико. Плот «Медузы», 1818–1819.
Лувр. Париж

вался изображением артистов цирка и душевнобольных пациентов психиатрической клиники. Умер Жерико в Париже в возрасте 33 лет.
ЖЕРОМ, Жан-Леон (Gerome) (1824–1904) — французский художник. Учился
живописи в мастерской Поля Делароша. Один из видных мастеров салонного
искусства, Жером был большим поклонником античности. Во многих картинах
он отразил свои впечатления от посещения раскопок в Помпеях во время большого тура по Италии в 1843–1844 годах: «Анакреон, Вакх и Амур» (1848, Музей августинцев, Тулуза), «Век Августа» (1855, Музей Орсе, Париж), «Смерть
Цезаря» (1865, Художественная галерея Уолтерса, Балтимор). Наибольшей известностью пользовалась его работа «Бой петухов» (1847, Люксембургский дворец, Париж), где автор умело сочетал элементы бытового жанра и легкой эротики с историческим контекстом. Жером много путешествовал (Египет, Турция,
Алжир) и был покорен колоритной экзотикой костюмов и пейзажей; арабские
всадники и одалиски стали его излюбленными темами: «Бассейн в гареме» (1876,
Эрмитаж, Санкт-Петербург). Будучи горячим сторонником официального искусства, в 1863 году он был назначен профессором Школы изящных искусств
в Париже, в 1855 году награжден орденом Почетного легиона.

Жан-Леон Жером. Петушиный бой в Древней Греции, 1846. Музей Орсе. Париж

ИМПРЕССИОНИЗМ (от фр. impressionnisme,
от impression — «впечатление») — направление в искусстве конца 1860-х — середины
1880-х годов, главной целью которого была
передача мимолетных, изменчивых впечатлений. Наиболее ярко проявился в живописи. Термин появился благодаря названию одной из работ Клода Моне «Восход солнца
в Гавре. Впечатление» (1873, Музей Мармоттан-Моне, Париж), представленной в Париже на Первой выставке 1874 года. С тех пор
участников выставки и их сторонников стали называть импрессионистами, а стилистику их живописи — импрессионизмом. Ядро
группы художников-импрессионистов составили Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Берта Моризо. Целью импрессионистов
было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Этому способствовали асимметричность, фрагментарность композиций, использование сложных
ракурсов и срезов фигур. Картина становилась отдельным кадром, фрагментом подвижного мира. Наиболее характерными для них
стали пейзажи и сцены из городской жизни, которые писались на натуре без предварительных эскизов. Это стало возможно при
технике алла прима, живописи в один прием, раздельным мазком чистого цвета без
жестких контуров и светотени. После периода отторжения к 1880-м годам импрессионистический метод был признан публикой
и востребован коллегами из разных стран.
Импрессионизм сыграл революционную
роль в развитии мирового искусства — преодолел доминирование эстетической системы,
созданной еще в эпоху Возрождения, и открыл дорогу новым авангардным направлениям в живописи. В качестве особой живописной техники импрессионизм сохранился
в арсенале художников до наших дней.

113

Пьер Огюст Ренуар. Качели, 1876.
Музей Орсе. Париж

Камиль Писсарро. Кот-де-Бёф близ Понтуаза,
1878. Национальная галерея. Лондон

Клод Моне.
Впечатление.
Восход
солнца,
1872. Музей
МармоттанМоне. Париж

114

Берта Моризо.
Игра в прятки,
1873. Частное
собрание

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР — жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение исторических деятелей и событий, общественно значимых
явлений в истории человечества. Основные виды произведений исторического жанра: исторические картины, росписи, рельефы, монументальная и станковая скульптура, миниатюра, книжная и станковая графика. Исторический жанр — это очень
обширная область изобразительного искусства, он часто существует в синтезе с другими жанрами, например с бытовым (историко-бытовые сцены), портретом (изображение исторических деятелей прошлого, портретно-исторические композиции),
пейзажем (исторический пейзаж). Его особой ветвью считается батальный жанр,
специализирующийся на изображении битв, военных подвигов, боевых действий,
воспевающий воинские доблести, ярость сражения, торжество победы. Кроме того,
исторический жанр включает в себя такой масштабный пласт изобразительного искусства, как мифологический — раздел изобразительного искусства, который представляет изображения богов, героев, мифических существ, событий из мифологии
различных культур. Мифологический жанр, включая библейский, — разновидность
исторического, но в нем исходные сюжеты трактуются более свободно, без жестких
рамок «исторической правды». В сфере художественных приемов, композиции, моделирования фигур и пространства для художника принципиальных различий между мифологической и исторической картиной нет. В станковой живописи исторический жанр начал складываться в Европе в эпоху Возрождения, в XVII–XIX веках.
Академии художеств рассматривали его как «высокий» жанр, выдвинув на первый
план (религиозные, мифологические, аллегорические, собственно исторические сюжеты). В Новейшей истории он стал активно ангажироваться властями и использоваться для транслирования идеологических установок и ценностей.

Никола Пуссен.
Царство Флоры,
1631. Картинная
галерея. Дрезден

115

Жак Луи Давид.
Сабинянки,
останавливающие
сражение между
римлянами
и сабинянами, 1799.
Лувр. Париж

Орас Верне. Битва при
Фридланде
14 июня 1807 года, 1835.
Версаль. Париж

Диего Веласкес.
Сдача бреды, 1635.
Музей Прадо.
Мадрид

Николя-Пьер
Луар. Аллегория
основания
Людовиком XIV
Королевской
академии
живописи
и скульптуры,
2-я пол. XVII в.
Версаль. Париж

ЙОНГКИНД, Иоган Бартолд (Jongkind), (1819–1891) — голландский художник
и гравер. Родился в Латропе 3 июня 1819 года. В юности обучался живописи
в Гааге. Первые его произведения считаются образцами традиционных голландских пейзажей. С 1846 года в течение десяти лет работал в Париже в мастерской
Эжена Изабе, где познакомился с пленэрными достижениями Камиля Коро. Несколько раз совершал поездки на нормандское побережье, где создал серию морских пейзажей, в которых предвосхищаются открытия импрессионистов: «Выход
из порта Онфлёр» (1866, Частное собрание). На открытом воздухе Йонгкинд
с натуры писал акварелью, а в масло переводил пейзаж уже в мастерской, что
было переходным этапом к новой технике импрессионистов. Свежесть восприятия и особая легкость кисти наиболее эмоционально проявились в любимой технике художника — акварельных натурных этюдах, которые имеют самостоятельную художественную ценность.
ЙОРДАНС, Якоб (Jordaens), (1593–1678) — фламандский живописец, один из лидеров барокко во Фландрии. Родился в Антверпене в семье торговца тканями, его
первым учителем стал Адам ван Ноорт. На раннем этапе Йорданс был увлечен бы-

Иоган Бартолд Йонгкинд. Выход из порта Онфлёр, 1864. Частное собрание

121

Якоб Йорданс. Портрет семьи художника, 1622. Музей Прадо. Мадрид

товыми образами Якопо Бассано и техникой Караваджо, прежде всего контрастным
освещением: «Святое семейство при свечах» (1621, Национальный музей, Стокгольм). Однако вскоре манера живописи и цветовая гамма Йорданса поменялись
под влиянием творчества Питера Пауля Рубенса. Работы фламандского мастера
стали многофигурными, наполненными красочными персонажами, которые отличаются порывистыми движениями и открытыми эмоциями: «Аллегория Плодородия» (1625, Королевский музей, Брюссель). Наиболее громкую славу ему принесли
жанровые сцены с праздником «бобового короля», в которых земное полнокровное фламандское барокко проявляется наиболее сочно и ярко: «Бобовый король»
(1640, Музей истории искусств, Вена). Став в середине столетия первым живописцем Фландрии, художник успешно выполнял масштабные королевские заказы
и писал декоративные панно для украшения дворцов и ратуш в Гааге и Амстердаме, а также многочисленные картоны для Брюссельской шпалерной мануфактуры.

КАЙБОТТ, Гюстав (Caillebotte) (1848–1894) — французский художник и коллекционер. Сын состоятельного фабриканта, в юности увлекся живописью. Учился
в Париже у Леона Бонна (1872–1873) и в Школе изящных искусств (1873–1875).
Познакомившись с Эдгаром Дега, сблизился с импрессионистами, участвовал
в их выставках. Предметом своего искусства избрал современную городскую
жизнь, а любимым жанром стали «фигуры в пейзаже». Освоил технику импрессионизма, находясь под влиянием Огюста Ренуара и Эдгара Дега, но при этом
сохранил самобытный почерк; его композиции уравновешены, контуры прорисованы, фигуры монументальны: «Паркетчики» (1875, Музей Орсе, Париж); «Мост
Европы» (1876, Музей Пти-Пале, Женева); «Парижская улица. Дождливая погода» (1877, Художественный институт, Чикаго). Стремясь поддержать своих друзей, много лет покупал их картины, в результате собрал очень ценную коллекцию
работ импрессионистов, которую завещал Франции.
КАЛФ, Вильем (Kalf) (1619–1693) — голландский художник, мастер натюрморта. Родился в Роттердаме, его учителем рисования был Хендрик Пот. В молодости в течение пяти лет жил в Париже, затем побывал в Италии, где познакомился
с группой жанристов, называемых «бамбоччанти», которые писали сцены в та-

Гюстав Кайботт. Мост Европы, 1876. Музей Пти-Пале, Женева

123

Вильем Калф. Натюрморт с чашей Гольбейна,
наутилусовым кубком и тарелкой с фруктами,
1678. Датская национальная галерея. Копенгаген

вернах. В начале карьеры писал пейзажи,
охотничьи трофеи, бытовые сценки, интерьеры бюргерских домов: «Кухонный уголок» (1642, Институт искусств, Детройт).
Но постепенно сами интерьеры растворялись в таинственной темноте, а предметы
обихода на первом плане начинали мерцать
контрастным светом — таким образом,
сформировался особый вид натюрморта:
«Натюрморт с гранатом» (1645, Музей Гетти, Лос-Анжелес). Со временем выступающие из мрака предметы на картинах мастера становились все более роскошными
и редкими — китайский фарфор и венецианское стекло, персидские ковры и французское серебро: «Десерт» (1653, Эрмитаж,
Санкт-Петербург); «Натюрморт с серебряным кувшином» (1655, Рейксмузеум, Амстердам). Сама живопись в блистательных
десертах Калфа сверкала как драгоценность,
подчеркивая жизнеутверждающую силу барочных произведений художника.

КАНАЛЕТТО (Canaletto) (1697–1768) — венецианский художник, мастер городского пейзажа — ведуты. Настоящее имя — Джованни Антонио Канале. Родился
в семье венецианского театрального художника, в юности помогал отцу работать
над спектаклями. Учился в Риме, где создал свои первые пейзажи: «Арка Септимия Севера» (1719, Частное собрание, Бергамо);
«Пантеон» (1720, Художественный институт, Дейтон). Вернувшись в Венецию, усовершенствовал жанр ведуты и быстро стал известным мастером. Он
тщательно воспроизводил виды города, делал зарисовки карандашом с натуры,
что в то время было новшеством. Сочетание живых подробностей с панорамными видами и эффектными перспективными построениями сделали Каналетто флагманом жанра во всей итальянской живописи: «Гранд-канал: вид из палаццо Бальби» (1726, Галерея старых мастеров, Дрезден); «Площадь Сан-Марко,
Венеция» (1730–1735, Музей Фогга, Кембридж, Массачусетс). Особо пышные
картины получались при изображении роскошных венецианских празднеств,
шествий и приемов: «Прием французского посла в Венеции» (1724, Эрмитаж,
Санкт-Петербург); «Регата на Большом канале» (1740, Королевская коллекция,
Лондон). Когда слава о Каналетто достигла берегов Англии, его пригласили запечатлеть виды английской столицы. В течение нескольких лет художник успешно работал в Лондоне: «Вид Сент-Джеймского парка» (1749, Частное собрание);

124

Каналетто. Мост Риальто, 1730. Музей искусства. Филадельфия

«Гринвичский госпиталь в Лондоне со стороны
Темзы» (1747–1750, Национальная галерея, Лондон). Каналетто оказал решающее влияние на развитие жанра городского пейзажа во всей Европе.
КАНДИНСКИЙ, Василий Васильевич (1866–
1944) — русский художник, основоположник абстрактного искусства. Родился в купеческой семье
в Москве. Поступил в университет на юридический факультет. В 1897 году приехал в Мюнхен,
где с 1900 года занимался в местной Академии художеств под руководством Франца фон Штука.
Сблизился с европейскими авангардистами, занимаясь активными творческими и идейными поисками, выступил деятельным организатором. Стал
лидером сначала группы «Фаланга», затем основал «Новое мюнхенское художественное объединение», и, наконец, вместе с Франсом Марком
в 1911 году создал «Синего всадника» — знаковый
союз для развития европейского экспрессионизма
и зарождения абстрактной живописи.

125

Василий Кандинский. Русская
красавица в пейзаже, 1905. Городская
галерея в доме Ленбаха. Мюнхен

Василий Кандинский. Мечтательное, 1913. Городская
галерея в доме Ленбаха. Мюнхен
Василий Кандинский. Небесно-голубой, 1940. Центр
Помпиду. Париж

Василий Кандинский. Желтое-красное-синее, 1925. Центр Помпиду. Париж

Как художник в ранний период Кандинский работал в русле эстетики модерна: «Двое на лошади» (1906–1907, Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен);
«Дамы в кринолинах» (1909, Третьяковская галерея, Москва). Затем постепенно от условных живописных картин в духе экспрессивного символизма пришел к композициям без конкретного фигуративного мотива, основанным только на аккордах аморфных красочных пятен и криволинейных линий: «Зимний
пейзаж» (1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Композиция с красным пятном»
(1914, Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж);
«Импровизация 9» (1910, Государственная галерея, Штутгарт).
Параллельно с этим Кандинский писал программный теоретический труд
«О духовном в искусстве», в котором изложил основы ассоциативной концепции
восприятия цвета. Часто работы мастера созвучны музыкальным произведениям своей живописной свободой, цветовой динамикой, гибкостью тонких спонтанных линий: «Фуга» (1914, Музей фонда Бейелер, Риэн, Швейцария). Открытый Кандинским метод стали называть лирическим абстракционизмом, поскольку
художнику удавалось без использования предметного мотива передавать глубокие эмоции, настроения, духовные переживания: «Судный день» (1912, Центр
Помпиду, Париж); «Композиция VI» (1913, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Мечтательное» (1913, Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен); «Сумеречное»
(1917, Русский музей, Сакнт-Петербург).
В годы Первой мировой войны Кандинский жил и работал на родине, в Москве, но в 1921 году эмигрировал окончательно. В 1920-х годах с воодушевлением
работал в знаменитой немецкой школе конструктивизма Баухаус, вел класс аналитического рисунка, руководил мастерской стенной живописи, свой опыт изложил в книге «Точка и линия на плоскости» (1926).
После прихода к власти нацистов Кандинский уехал во Францию, где продолжил писать абстрактные картины, но в более рациональном геометрическом стиле, который сформировался еще в Германии: «Контрастные звуки» (1924, Музей
современного искусства, Париж); «Мягкое давление» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк). К концу 1930-х годов художника привлекли биоморфные формы, которые он помещает в пространство нежных пастельных оттенков:
«Капризные формы» (1937, Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк); «Небесно-голубой» (1940, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
Творчество Кандинского, художника и мыслителя, перевернуло искусство
ХХ века, он стал одним из самых значимых живописцев столетия.
КАРАВАДЖО, Микеланджело Меризи да (Caravaggio) (1573–1610) — крупнейший итальянский живописец эпохи раннего барокко, основоположник реалистического направления в живописи. Имя Караваджо происходит от названия городка в Северной Италии, в котором художник родился. До 1591 года он учился
в Ломбардии у миланского мастера Симоне Петерцано, затем отправился в Рим.
Некоторое время Караваджо работал помощником римского художника-манье-

127

Караваджо. Святая Катерина, 1598.
Музей Тиссена-Борнемисы. Мадрид

Караваджо. Мадонна Пилигримов,
1605. Базилика Святого Августина
на Марсовом поле. Рим

риста д’Арпино, в мастерской которого выполнил
свои первые произведения: «Мальчик с корзиной
фруктов» (1593–1594, Галерея Боргезе, Рим); «Больной Вакх» (1593, Галерея Боргзе, Рим). Знакомство
с кардиналом дель Монте позволило художнику обрести покровительство, в эти годы он писал картины, где декларировал свой главный принцип — писать только с натуры, уделяя пристальное
внимание деталям: «Вакх» (1595–1597, Галерея Уффици, Флоренция), «Лютнист» (1595–1597, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Корзина с фруктами»
(1598–1601, Пинакотека Амброзиана, Милан). Художника привлекали типажи и сюжеты, увиденные
на улицах Рима. Одним из первых в мировой живописи он ввел в круг живописных персонажей гадалок, бродяг, шулеров, уличных артистов: «Гадалка»
(1596–1597, Лувр, Париж); «Шулера» (1594, Художественный музей Кимбелла, Форт-Уэрт, США).
Главными произведениями в яркой и короткой
жизни ломбардского гения стали картины на библейские темы — именно благодаря их глубоко
оригинальной и революционной трактовке Караваджо обрел громкую, иногда скандальную славу
в Европе. Уже в ранних религиозных творениях
образы святых переданы так убедительно и реалистично, что многие сочли подобную манеру грубой и простонародной: «Кающаяся Мария Магдалина» (1598, Галерея Дориа-Памфили, Рим);
«Отдых на пути в Египет» (1597, Галерея ДориаПамфили, Рим).
В 1600 году художник получил свой первый
масштабный церковный заказ на украшение капеллы Контарелли в римской церкви Сан-Луиджи деи
Франчези сценами из жития святого Матфея и создал шедевр «Призвание святого Матфея», в котором использует как главное выразительное средство контрастное «подвальное» освещение. Этот
прием, названный тенебризмом, наполняет религиозные картины художника драматизмом, тревогой и внутренним напряжением. В ближайшие
годы художник в инновационной стилистике создал блистательные композиции: «Распятие Свято-

128

Караваджо. Уверение Фомы, 1602. Сан-Суси.
Потсдам

Караваджо. Шулера, 1594. Художественный музей
Кимбелла. Форт-Уэрт

го Петра» (1601, Санта-Мария-дель-Пополо, Рим); «Обращение Савла» (1601,
Санта-Мария-дель-Пополо, Рим); «Ужин в Эммаусе» (1602, Национальная галерея, Лондон); «Положение во гроб» (1603, Пинакотека, Ватикан).
Часто натуралистичность деталей и острота характеристик не принимались церковными властями, в результате возникали конфликты. Так случилось и с работами «Мадонна Пилигримов» (1604–1605, Церковь Сант-Агостино, Рим); «Успение Богоматери» (1606, Лувр, Париж). Последние годы
Караваджо провел в изгнании, он был вынужден переезжать из города в город, жил в Неаполе, на Сицилии, затем на Мальте. В это время он писал
портреты и создал несколько масштабных алтарных образов: «Семь дел милосердия» (1607, Пио-Монте-делла-Мизерикордия, Неаполь); «Поклонение
пастухов» (1609, Региональный музей, Мессина). Взрывной темперамент художника и, как следствие, бурная жизнь оставили для творчества не так много времени: Караваджо умер в расцвете своего таланта. Его революционное
искусство породило волну «караваджизма», после него европейская живопись
уже никогда не была прежней.
КАРПАЧЧО, Витторе (Carpaccio) (1460–1526) — венецианский живописец эпохи Возрождения. Происходил из семьи кораблестроителей и моряков. Учился
у Джентиле Беллини и Мессины. Творчество художника прочно связано с родным городом, который он с большим вниманием изучал, очень часто изображал
и для которого писал свои большие живописные серии. Основные заказчики
Карпаччо — церковные общины и религиозные братства, скуолы, очень влиятельные общественные организации Венеции. С 1490 по 1495 год Карпаччо написал свой самый известный проект для Скуолы ди Сант-Орсола — это серия
картин, иллюстрирующих легенду о святой Урсуле: «Прощание с родителями»,
«Сон Урсулы», «Возвращение послов» (все находятся в галерее Академии в Венеции). Действие религиозных картин у Карпаччо происходит подчас на ули-

129

цах Венеции с их повседневной жизнью, персонажи выглядят как современники-венецианцы:
«Проповедь святого Стефана» (1511, Лувр, Париж); «Чудо реликвии Креста на мосту Риальто» (1495, Галерея Академии, Венеция). В лучших произведениях художника присутствует
тонкая поэтичность, мастерское владение перспективой, передача световоздушной среды:
«Две дамы» (1490–1495, Музей Коррер, Венеция); «Охота в лагуне» (1490–1495, Музей Гетти, Лос-Анджелес).
КАРРА, Карло (Carrа) (1881–1966) — итальянский художник. Систематического художественного образования не получил, с юности занимался декоративной росписью вилл,
с 1895 года жил в Милане. В 1900 году оформлял
итальянский павильон на Всемирной выставке
Витторе Карпаччо. Молодой рыцарь
в Париже, где открыл для себя новейшие течена фоне пейзажа, 1505. Музей Тиссенания в искусстве. Вернувшись в Милан, обучался
Борнемисы. Мадрид
в Академии Брера. Затем в 1910 году сблизился
с Боччони и Баллой, участвовал в формировании движения футуризма: «Похороны анархиста Галли» (1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк);
«Портрет Маринетти» (1911, Частное собрание, Рим). В 1915 году порвал с футуризмом и после знакомства с Джорджо де Кирико работал в духе метафизической живописи. Карра создал ряд медитативных картин «из жизни манекенов»: «Метафизическая муза» (1917, Пинакотека Брера, Милан); «Видения
в овале» (1918, Национальная галерея современного искусства, Рим). В 1920–
1930-е годы сблизился с неоклассическим направлением «новеченто», стремясь
возродить ценности старого итальянского искусства. На первом этапе писал
картины, в которых еще сильна условность авангарда: «Дочери Лота» (1919, Музей Людвига, Кёльн). Далее пришел к более натуралистичным пейзажам и жанровым сценам, созерцательным и лаконичным, в духе фресок Мазаччо: «Утро
близ моря» (1928, Фонд Маттиоли). Написал несколько книг по теории искусства и монографий об итальянских художниках, много лет преподавал в Милане, в Академии Брера.
КАРРАЧЧИ (Carracci) — семья итальянских живописцев: Лодовико (Lodovico,
1555–1619) и его двоюродные братья, Агостино (Agostino, 1557–1602) и Аннибале (Annibale, 1560–1609). Братья Карраччи были основателями Болонской «Академии вступивших на правильный путь» (1585). Они сформировали переходный стиль от Ренессанса к барокко и стояли у истоков академизма

130

в европейской живописи XVII века. Лодовико,
старший из братьев, — глава семейной мастерской — прославился как автор масштабных алтарных композиций, которые отличает яркий
колорит и точность рисунка вкупе с эмоциональностью и драматизмом: «Обращение Савла» (1587–1588, Национальная пинакотека, Болонья). Агостино в большей степени занимался
преподаванием и руководил Академией, как
живописец отличался выверенной композицией и более холодным совершенным рисунком:
«Причастие святого Иеронима» (1590-е, Национальная пинакотека, Болонья).
Аннибале, младший из братьев, — самый знаменитый художник. Учился в Академии у братьев, в юности работал над совместными заказами
в Болонье. Затем оправился в Рим расписывать
парадную галерею палаццо Фарнезе (1598–1604).
Этот грандиозный проект стал программным
для формирования стиля барокко и образцовым для дворцового убранства. Сюжеты «Метаморфоз» Овидия интерпретировались с невиданной чувственной фантазией и пышной
декоративностью: «Триумф Вакха и Ариадны».
Позже работал в жанре религиозной и мифологической станковой картины, где декларировал более сдержанные принципы построения
композиции и колористического равновесия:
«Вознесение Марии» (1592, Национальная пинакотека, Болонья); «Пьета» (1603–1607, Лувр,
Париж); «Венера и Адонис», (1595, Музей истории искусств, Вена). Вершиной творчества Аннибале Карраччи стали пейзажные работы с величественной природой и сюжетом на первом
плане: «Бегство в Египет» (1603–1604, Галерея
Дориа-Памфили, Рим). Творческая и педагогическая деятельность братьев Карраччи во многом предопределила развитие европейского
искусства на ближайшие два столетия, когда одним из главных направлений в живописи был
академизм.

131

К
Агостино Карраччи. Портрет сына,
1587–1593. Галерея старых мастеров.
Дрезден

Аннибале Карраччи. Юпитер и Юнона,
1597. Палаццо Фарнезе. Рим

Аннибале Карраччи. Римский речной пейзаж с замком и мостом,
1595. Картинная галерея. Берлин

Лодовико Карраччи. Преображение, 1594.
Национальная пинакотека. Болонья

КАУФМАН, Ангелика (Kauffmann) (1741–1807) — немецкая и швейцарская художница эпохи классицизма. Училась у отца — австрийского живописца Йозефа Кауфмана. Жила в различных городах Италии, где с успехом писала портреты и мифологические картины в духе классицизма. В 1766 году получила приглашение поработать
в Англии, там она жила и творила в течение 15 лет, добившись широкой известности.
Ранние работы художницы свидетельствуют об увлечении строгой манерой Антона
Рафаэля Менгса с жесткими контурами и скульптурностью объемов: «Вакх и Ариадна» (1764, Художественный музей, Брегенц). В дальнейшем ее стиль становится более мягким, живопись приобретает воздушность,
изысканный, близкий к рокайлю колорит, фигуры
получают гибкие абрисы, элегантные пропорции:
«Ринальдо и Армида» (1771, Йельский центр британского искусства, США); «Вергилий, читающий „Энеиду“ Октавии и Августу» (1788, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Скорбь Телемаха» (1782,
Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Как портретистка имела огромный успех как в Англии, так
и в других странах. Помимо изображений знати,
запечатлела многих деятелей истории и культуры, своих современников: «Портрет Гёте» (1787,
Национальный музей Гёте, Веймар). В последние
годы работала в Риме и Неаполе. Став членом
нескольких академий в разных странах, Ангелика
Ангелика Кауфман. Сафо, вдохновленная
Кауфман добилась среди женщин-живописцев салюбовью, 1775. Художественный музей
Джона и Мейбл Ринглинг. Сарасота
мого большого успеха для той эпохи.

132

КИРХНЕР, Эрнст Людвиг (Kirchner) (1880–
1938) — немецкий художник, один из лидеров
экспрессионизма. Родился в Ашаффенбурге в семье инженера-химика. В 1901–1905 годах занимался на факультете архитектуры в Дрездене, затем учился в Художественной школе Германа
Обриста в Мюнхене. В 1904 году вместе с Эрихом Хеккелем и Карлом Шмидт-Ротлуфом организовал группу «Мост», центр движения экспрессионизма. Сначала Кирхнер находился под
влиянием работ Винсента Ван Гога и особенно
Эдварда Мунка: «Фрэнци перед резным стулом»
(1910, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид).
Только после переезда в Берлин в 1911 году он
нашел свой стиль. Работы Кирхнера этого периода
посвящены жизни большого города, уличной толК
пе, городским видам и типажам: «Уличная сцена
в Берлине» (1913, Музей «Моста», Берлин); «По- Эрнст Людвиг Кирхнер. Уличная сцена
в Берлине, 1913. Новая галерея. Нью-Йорк
тсдамская площадь» (1914, Национальная галерея,
Берлин). Почерк художника складывается из упрощенных форм, звучных чистых
красок, острых контуров и напряженных контрастов: «Прогулка» (1911–1912, Художественный музей, Лос-Анджелес); «Мост через Рейн» (1912–1914, Галерея современного искусства, Берлин). После возвращения с фронтов Первой мировой войны творчество художника изменилось, в 1920-х годах он жил в Швейцарии, писал
декоративные пейзажи и жанровые сцены в мажорных тонах: «Давос летом» (1925,
Музей Кирхнера, Давос); «Лучники» (1935–1937, Музей Кирхнера, Давос).
КЛАССИЦИЗМ (от лат. classicus — «образцовый») — стиль и художественное направление в литературе, архитектуре и искусстве XVII — начала XIX века. Сформировался в XVII веке как реакция на появление барокко, истоком послужило
искусство Высокого Возрождения и болонских академистов. Основателем стиля
считают Никола Пуссена.
Зарождение и распространение классицизма связано с укреплением абсолютной монархии, влиянием философии Рене Декарта, развитием точных наук. Расцвет второго этапа развития стиля пришелся на эпоху Просвещения — вторую
половину XVIII века. Стиль зародился во Франции, наиболее полное развитие получил здесь же в творчестве Клода Лоррена, Жака Луи Давида, Жана Огюста Доминика Энгра. Эстетическим идеалом служило искусство Античности с простотой и ясностью форм, строгой красотой, равновесием и гармонией. В XVIII веке
идеологом и апологетом классицизма выступил Иоганн Иоахим Винкельман, который считал, что есть извечные законы красоты, идущие от древнегреческих времен, по образцу которых должно развиваться искусство.

133

Клод Лоррен. Отплытие царицы
Савской, 1648. Национальная галерея.
Лондон

Никола Пуссен. Пастухи Аркадии, 1629–1630.
Чатсуорт-хаус. Дербишир

Антон Рафаэль Менгс. Иоганн Иоахим Винкельман,
ок. 1777. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Жан Огюст Доминик
Энгр. Апофеоз Гомера,
1827. Лувр. Париж

Распространение классицизма повлекло за собой появление Академий художеств и жанровую иерархию, когда самым главным жанром почиталась мифологическая или историческая живопись. Основными чертами живописного классицизма можно считать устойчивость и равновесие композиции, гармоничный
сдержанный колорит, скульптурность объемов и идеализированную пропорциональность фигур, преобладание линеарности над живописностью. Классицизм —
это целая эстетическая платформа, которая объединила все виды искусства, стремясь к созданию синтетических проектов и масштабных ансамблей. Основная
волна стиля стала затухать в первой четверти XIX века, но отдельные черты и идеи
классицизма периодически возвращаются в творчестве некоторых мастеров, оставаясь по-прежнему источником вдохновения и творческой энергии.
КЛЕЕ, Пауль (Klee) (1879–1940) — швейцарский художник и график. Родился
в Мюнхенбукзее, близ Берна. Учился в Мюнхене в частной художественной школе, затем — в Академии художеств (1898–1901). Начало карьеры связано с занятием офортами. Живописью и теорией цвета заинтересовался после знакомства

Пауль Клее. Восточный сад удовольствий, 1925. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

137

Пауль Клее. Вокруг рыбы, 1926. Музей современного искусства. Нью-Йорк

в Германии с художниками «Синего всадника», прежде всего с Василием Кандинским. Побывал в Италии, во Франции, Тунисе. Впитав различные традиции и инновационные течения, Клее смог сохранить собственный оригинальный взгляд
на мир и сформировать художественный стиль, который лежит вне группировок
и объединений. С 1920 года преподавал в Баухаус, где руководил мастерской живописи по стеклу. Художник занимался поисками законов единого формообразования, свои теоретические исследования изложил в трудах «Пути изучения природы» (1923) и «Книга педагогических эскизов» (1926).
В 1920–1930-х годах Клее очень плодотворно работал. Несмотря на глубоко продуманный, почти научный подход к созданию каждой композиции, его живопись
производит впечатление интуитивного непосредственного творчества, рожденного незамутненным сознанием и открытыми эмоциями: «Сенецио» (1922, Художественный музей, Базель); «Золотая рыбка» (1925, Кунстхалле, Гамбург); «Кошка и птица» (1928, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Благодаря умению
сохранить позитивный образ мира, наполнить свои работы тонкими поэтическими интонациями Клее получил широкую известность: «Ботанический театр» (1934,
Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен); «Огонь в полнолуние» (1933, Музей
Фолькванг, Эссен). После прихода к власти нацистов он покинул Германию, его

138

последние работы наполнены горечью и драматизмом. Жизненный путь Пауля
Клее стал примером творческой независимости в искусстве, достойного отношения к индивидуальности творца и самобытности его высказываний.
КЛЯЙН, Ив (Klein) (1928–1962) — французский художник, один из основоположников концептуального искусства. Родился в семье художников в Ницце. К творчеству относился как к процессу исследовательского поиска первоэлемента, некоего
универсального смысла, первообраза. Получил известность, экспонируя абсолютно
монохромные полотна, покрытые особым оттенком ультрамарина, который художник считал символом Вселенной и назвал «Интернэшнл Клейн Синий»: серии «Монохромы» (1955–1962). Затем этим цветом Клейн стал пропитывать морские губки или окрашивать гипсовые слепки с классических скульптур. Далее осуществил
скандально известный проект-перформанс, когда в синий цвет окрашивались тела
натурщиц, отпечатки которых на холсте были представлены на выставке «Антропометрия» (1960–1962). Другим направлением экспериментов художника была работа со «стихиями» (огнем,
водой, воздухом, землей) и их отпечатками на предметах — в сериях «Космогонии» (1960–1961) и «Живопись огня» (1961). Художественная деятельность Ива
Клейна оказала революционное воздействие на искусство авангарда середины ХХ века, поскольку он радикально переосмыслил понятие «произведение искусства», заложив основы для развития концептуализма.
КЛИМТ, Густав (Klimt) (1862–1918) — австрийский
художник, основоположник модерна в австрийской
живописи. Родился в венском предместье Баумгартен в семье ювелира. Учился у отца, а в 1875–1883 годах — в школе ремесел при Австрийском музее искусства и промышленности.
Поначалу Климт увлекался необарочным декоративным искусством, вместе с братом Эрнстом несколько лет занимался росписями театров и музеев
в духе историзма: декор в здании «Бургтеатра» в Вене
(1885). Затем проникся идеями символизма, отдалился от академической традиции и в 1897 году возглавил
объединение Венского сецессиона, флагмана становления немецкого варианта модерна — Югендстиля.
В 1902 году создал свой знаменитый Бетховенский
фриз для здания Сецессион как живописную вариацию на темы 9-й симфонии Бетховена: «Хор ангелов»;
«Враждебные силы» (1902, Бетховенский фриз, Вена).

139

Густав Климт. Юдифь и Олоферн,
1901. Галерея Бельведер. Вена

Густав Климт. Водяные змеи, 1904–1907. Вена. Частное собрание

Густав Климт. Портрет Адели
Блох-Бауэр I, 1907. Новая галерея.
Нью-Йорк

Густав Климт. Портрет Маргариты
Стонборо-Витгенштейн, 1905.
Новая пинакотека. Мюнхен

Густав Климт. Поцелуй, 1908–1909.
Галерея Бельведер. Вена

Чрезвычайно успешными в венском аристократическом обществе стали женские
портреты кисти Климта в стилистике модерна: «Маргарет Стонборо-Витгенштейн»
(1905, Новая пинакотека, Мюнхен); «Эмилия Флёге» (1902, Музей истории искусств,
Вена); «Золотая Адель» (1907, Новая галерея, Нью-Йорк). Художник прославился также как автор символических картин с откровенными чувственными сценами и героями:
«Юдифь» (1901, Бельведер, Вена); «Водяные змеи» (1907, Бельведер, Вена); «Даная»
(1910, Галерея Вельц, Зальцбург). Особой
выразительности своих образов Климт добивался с помощью золочения фонов и одежд,
что придавало загадочное мерцание картинам в духе византийских мозаик: «Поцелуй»
(1908, Бельведер, Вена); «Ожидание» (1909,
Музей прикладного искусства, Вена). Фигура
Густава Климта стала ключевой для австрийской культуры начала ХХ века, его творческая и общественная деятельность во многом
определила пути развития искусства в стране.
КЛУЭ (Clouet) — династия художников, отец
Жан (1485 (?)–1540) и сын Франсуа (1515(?)–
1572) — французские портретисты эпохи Ренессанса фламандского происхождения. Жан
Клуэ работал при дворе Франциска I, писал
портреты короля и его окружения, заложил
основы национальной портретной традиции.
В живописных работах художника видна нидерландская школа, вероятно, обучался Клуэ
во фламандских мастерских, в рисунках заметно итальянское влияние, живой интерес
к индивидуальности человека, что сближает его с ренессансной стилистикой: «Франциск I, король Франции» (1525–1530, Лувр,
Париж); «Портрет Клода Лотарингского,
герцога де Гиза» (1528–1530, Галерея Уффици, Флоренция). Сын Франсуа учился у отца,
унаследовал должность «живописца короля»,

143

Жан Клуэ. Портрет Клода Лотарингского,
герцога де Гиза, 1528–1530. Галерея
Уффици. Флоренция

Франсуа Клуэ. Елизавета Австрийская, 1571.
Лувр. Париж

возглавлял большую мастерскую, став лидером французского Возрождения. Обладая искусной графической техникой, точно схватывал особенности модели, стараясь раскрыть мир душевных переживаний героев своих портретов: «Карл IX» (1561,
Музей истории искусств, Вена); «Елизавета Австрийская» (1571, Лувр, Париж).
КОКОШКА, Оскар (Kokoschka) (1886–1980) — австрийский живописец, график,
поэт и драматург, представитель экспрессионизма. Родился в Пёхларне, учился
в Венской школе прикладного искусства, в юности был увлечен модерном. Познакомился с архитектором Адольфом Лоосом и сблизился с авангардными интеллектуалами Вены. Постепенно обрел свой стиль, близкий к экспрессионизму энергичной пастозной живописью, деформацией объектов, искривлением
пространства, взрывным темпераментным мазком: «Благовещение» (1911, Музей Остваль, Дортмунд). Особой проникновенностью отличались портреты начала ХХ века: «Портрет Адольфа Лооса» (1909, Государственные музеи, Берлин);
«Портрет Августа Фореля» (1910, Кунстхалле, Мангейм).
В годы войны побывал на фронте, получил ранение, с 1916 года поселился в Дрездене, где в состоянии глубокого потрясения создал драматичные произведения: «Эмигранты» (1916–1917, Новая пинакотека, Мюнхен); «Автопортрет» (1917, Городской
музей, Вупперталь). В более поздние годы много
путешествовал, обратился к пейзажам, написанным эмоционально, широко и панорамно: «Карлов мост в Праге» (1934, Национальная галерея,
Прага); «Венеция. Лодки на таможне» (1924,
Галерея современного искусства, Мюнхен).

Джон Констебл. Пашня, 1826. Национальная
галерея. Лондон

КОНСТЕБЛ, Джон (Constable) (1776–1837) —
английский пейзажист. Родился в Саффолке в состоятельной семье торговца зерном,
в юности подрабатывал у отца, занимаясь зарисовками окрестностей. Затем три года обучался в Академии в Лондоне, изучал работы
старых мастеров пейзажа. Главным мотивом
пейзажной живописи художника стали английские ландшафты, которые он изображал как результат своего наблюдения за природными переменами. Констебл отказался
от академических схем написания природного вида, постоянно работал на натуре, писал
этюды и наброски, что придавало его законченным вещам ощущение свежести, легкого
дыхания, движения воздуха: «Парк Вайвенхоу» (1816, Национальная галерея искусства,

144

Вашингтон); «Белая лошадь» (1818–1819, Коллекция Фрика, Нью-Йорк); «Повозка с сеном» (1821, Национальная галерея, Лондон). Художник занимался научными исследованиями в области освещения в разное время, используя результаты своих наблюдений в пейзажах, где наиболее выразительной частью ландшафта
становились высокие небеса: «Дедхемская долина» (1828, Национальная галерея
Шотландии, Эдинбург). Джона Констебла по праву считают основоположником
национального английского пейзажа, его творчество оказало огромное влияние
на многих пейзажистов в разных странах Европы.
КОРО, Жан Батист Камиль (Corot) (1796–1875) — французский живописец, один
из основоположников французской школы пейзажа XIX века. Некоторое время
учился у пейзажистов Ашиль-Этна Мишаллона и Жана-Виктора Бертена, но в целом сформировался самостоятельно. В течение трех лет работал в Риме, постигая
основы классического пейзажа: «Вид Колизея» (1826, Лувр, Париж). В ранних
работах видна композиционная ясность, монументальные архитектурные формы,
панорамные виды: «Мост в Нарни» (1826, Лувр, Париж). Позднее палитра художника стала сложнее и изысканнее, он строил колорит картины на тончайших сочетаниях оттенков одного цвета, воздух в пейзажах становится ощутимее, архитектура

Жан Батист Камиль Коро. Виль-д’Авре, 1867–1870. Национальная галерея искусства. Вашингтон

145

уступает место кронам деревьев: «Лес Фонтенбло» (1846, Музей изящных искусств, Бостон). Все дальнейшее творчество мастера проникнуто поэтичной
мечтательностью, его живопись становится серебристой и трепетной: «Пейзаж
в Арле дю Нор» (1871–1874, Национальная галерея, Лондон); «Мост в Манте»
(1868–1870, Лувр, Париж). Часто Коро через пейзаж выражает переживания, так
возникает пейзаж настроения: «Воспоминание о Мортефонтене» (1864, Лувр,
Париж); «Виль-д’Авре» (1865, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Творчество Жана Батиста Камиля Коро — уникальное явление в мировой живописи. Соединив черты классического, романтического и реалистического пейзажа, он совершил живописные открытия, предвосхитив появление импрессионизма и сохранив оригинальный стиль.
КОРРЕДЖО, Антонио (Corregio) (ок. 1489–1534) — итальянский живописец.
Настоящая фамилия Аллегри, Корреджо — название предместья Модены, где
родился Антонио. Учился в Модене у Франческо дель Бьянки Феррари. В Мантуе познакомился с фресками Андреа Мантеньи, а также изучал приемы сфумато,
мягкой светотени. Первые композиции демонстрируют навыки молодого художника: «Мистическое обручение святой Екатерины» (1510-е, Лувр, Париж). С 1519 года
работал в Парме, расписывал монастырь
Сан-Паоло в новаторском ключе. Сюжеты
представляют собой сложные аллегорические
образы, чья живописная трактовка была инновационной с элементами иллюзионизма.
Корреджо во многих своих произведениях
выходит за пределы ясных эстетических установок Ренессанса, создав авторский художественный метод: «Видение святого Иоанна Богослова» (1520–1522, Купол Пармского собора).
Большую известность принесли мастеру его
эксперименты в сфере освещения в картинах:
«Рождество» (1530, Картинная галерея, Дрезден). В последние годы Корреджо часто обращался к мифологическим композициям. Эти
работы отличаются чувственностью и изысканностью живописи: «Юпитер и Ио» (1531, Музей
истории искусства, Вена); «Даная» (1531, Галерея Боргезе, Рим). Обладая виртуозной техникой и утонченным даром, Корреджо продолжил
традицию Высокого Возрождения, но при этом
искал свой путь в искусстве, предвосхитив мноАнтонио Корреджо. Венера и Купидон
гие находки эпохи барокко.
с сатиром, 1528. Лувр. Париж

146

КРАНАХ, Лукас Старший (Cranach) (1472–
1553) — немецкий живописец эпохи Возрождения.
Родился во Франконии в семье художника, учился у отца. О раннем периоде сведений мало. Известно, что бывал в Баварии и Вене, работал в технике гравюры, его живописные работы сохраняли
черты поздней готики: «Распятие» (1503, Старая
пинакотека, Мюнхен). Но во внимании, которое
автор уделяет пейзажу, в его идиллической трактовке чувствуется влияние ренессансного мировоззрения: «Отдых на пути в Египет» (1504, Государственные музеи, Берлин). В 1505 году Кранах
получил приглашение от курфюрста Саксонии
Фридриха Мудрого стать придворным живописцем, после чего поселился в Виттенберге, работал
при дворе и возглавлял обширную мастерскую.
Его творчество саксонского периода становится более манерным и театральным при повышенном внимании к достоверности деталей. Художник выполнил ряд парадных и поясных портретов
монарха и приближенных, теперь его модели изображены на нейтральном фоне в более условном
ключе, нежели более ранние парные портреты супругов Куспиниан, где пейзаж играл ключевую
роль: «Герцог Генрих Благочестивый» (1514, Картинная галерея, Дрезден); «Лукас Шпильхаузен»
(1532, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
В 1520-х годах Кранах обратился к мифологическим картинам, изображал обнаженную натуру, декларируя новаторский подход к представлению об идеальной красоте: «Венера и Амур»
(1509, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Нимфа
источника» (1518, Музей изобразительных искусств, Лейпциг). Два его сына продолжили работать в том же стиле, который создал их отец,
ярком и острохарактерном.
КРЕСПИ, Джузеппе Мария (Crespi) (1665–
1747) — итальянский живописец. Учился в Болонской академии, но под влиянием венецианцев, с живописью которых познакомился
во время путешествия по Северной Италии,

147

К
Лукас Кранах Старший. Портрет
Сибиллы Клевской, 1526. Государственное
художественное собрание. Веймар

Лукас Кранах Старший. Адам и Ева
в Эдемском саду, 1531. Картинная галерея
старых мастеров. Берлин

Джузеппе Мария Креспи. Кухарка, 1712.
Галерея Уффици. Флоренция

Хуан Грис. Портрет Пикассо, 1912.
Институт искусств. Чикаго

сформировал собственный стиль, стремительный, даже экспрессивный. Первые смелые вариации на античные сюжеты «Времена года»
Креспи создал в конце XVII века при росписи плафона палаццо Пеполи в Болонье. Создавая религиозные композиции, избирал свободную интерпретацию известных тем, его
живопись отличали глубокие загадочные тени,
обилие динамичных бликов белого цвета, что
создавало впечатление серебристой тональности палитры. Ярким примером может служить цикл «Семь таинств», шедевр позднего
барокко: «Причастие» (1712, Ювелирная галерея, Дрезден). Световые эффекты и характерная пластика фигур используются автором при
создании жанровых сцен: «Кухарка» (1712, Галерея Уффици, Флоренция); «Игроки в кости»
(1740, Музей промышленного искусства, Болонья). Творчество Креспи, самобытное и эклектичное, завершает длительный барочный этап
в итальянском искусстве.
КУБИЗМ (от фр. cubismе, cube — «куб») — направление в европейском искусстве 1900–1910-х годов.
Его основателями считают Жоржа Брака и Пабло Пикассо. Наивысшего расцвета кубизм достиг во французской живописи и скульптуре.
Для произведений художников этого направления характерно преобладание прямых линий, острых граней и геометрических форм.
Термин «кубизм» впервые применил критик
Леон Восель в 1908 году, описывая работы Брака, отвергнутые Осенним салоном этого года.
Концепция нового течения изложена в книге «О кубизме», написанной в 1912 году кубистами Альбером Глезом и Жаном Метценже. Первая организованная выставка кубистов
состоялась на Салоне Независимых в Париже
весной 1911 года, в числе активных участников выставок кубистов, кроме названных, были
Хуан Грис, Фернан Леже, Робер Делоне, Анри
ле Фоконье.

148

Историю кубизма обычно делят на три этапа: сезанистский период (1904–1910), аналитический кубизм (1911–1912) и синтетический
период (1913–1914). Произведения первых
двух этапов отличаются монохромностью, изломанностью форм, искажением пространства,
его геометрическим преломлением, на третьем этапе кубисты обращаются к технике коллажа, используя фрагменты текстов и предметов в плоскости картины, их поздние работы
наполняются локальными контрастными красочными акцентами.
Кубизм — одно из ключевых направлений
модернизма, создавшее новаторскую эстетическую систему, новый способ изображения
реальности, повлиявший на все искусство
ХХ века.

Робер Делоне. Эйфелева башня, 1910.
Метрополитен-музей. Нью-Йорк

КУНИНГ, Виллем де (Kooning) (1904–1997) — американский художник, один из
лидеров абстрактного экспрессионизма. Родом из Роттердама. Рано начал учиться рисованию и подрабатывать в порту. В 1926 году эмигрировал в Америку, поселился в Нью-Йорке, где подружился с Аршилом Горки, вместе с которым они
изучали живопись Пабло Пикассо и Жоана Миро.
Кунинг пришел к собственному стилю к 1940-м годам, основным мотивом для
его крайне экспрессивных полотен стала одинокая деформированная фигура, серия «Женщины» 1950-х годов. Картины Кунинга состоят из сгустков красок, импульсивных всплесков, яростных ударов кисти и стремительных мазков, они полны трагизма, внутренней борьбы и отчаяния, которые скрываются под пугающей
и агрессивной манерой: «Женщина I» (1950–1952, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Во многих работах художник переходит к беспредметному изображению, которое столь же активно воздействует на зрителя благодаря фактурной и колоритной живописи: «Обмен» (1955, Частное собрание); «Без названия
ХХVI» (1977, Частное собрание). Творчество Кунинга стало знаковым для послевоенной американской культуры.
КУПКА, Франтишек (Kupka) (1871–1957) — французский художник чешского
происхождения, представитель модерна, ставший одним из пионеров абстрактного искусства. Родился в небольшом городке в Богемии в семье муниципального
служащего. Профессии художника учился в Академии в Праге, затем — в Вене.
Увлекался дивизионизмом и теориями цвета: «Автопортрет с женой» (1908, Национальная галерея, Прага). Затем изучал физическую природу света и проблему передачи движения через симультантную технику в духе футуристов: «Жен-

149

щина, собирающая цветы» (1910–1911, Музей современного искусства, Париж).
Наконец, обратился к беспредметному искусству: «Круги Ньютона» (1911–1912,
Музей современного искусства, Париж); «Этюд к языку вертикалей» (1911, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид); «Аморфа, фуга в двух цветах» (1912, Национальная галерея, Прага).
В 1910–1920-х годах художник работал большими сериями, сначала строил
композиции на соединении полукругов, парабол и концентрических кругов различных цветов. Позже создал большую серию «Горизонтальные и вертикальные
планы», где царят сложные вытянутые призмы и лучи, аллюзии на готические линии: «Собор» (1913, частное собрание, Париж); «Голубое движение» (1924, Музей современного искусства, Париж). Купка был создателем и лидером объединения «Абстракция-Творчество», автор теоретических исследований «Творение
в пластических искусствах».
КУРБЕ, Гюстав (Courbet) (1819–1877) — французский живописец, лидер реалистического направления. Родился в местечке Орнан в семье фермера. Обучался
в Безансоне, затем отправился в Париж, где недолго учился в Академии Сюиса.
В ранних работах заметно влияние романтизма: «Автопортрет с черной собакой»
(1842, Музей Пти-Пале, Париж). Курбе увлекся идеями Пьера Поля Прюдона,
побывал в Нидерландах, что повлияло на его дальнейшую живопись.

Гюстав Курбе. Скалы в Этрета после бури, 1870. Частное собрание. Бразилия

150

Гюстав Курбе. Деревенские барышни, 1852. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Стремление запечатлевать мир таким, как он есть, привело его к реалистической манере и жанровым сюжетам из жизни крестьян: «Послеобеденный отдых в Орнане» (1849, Музей изящных искусств, Лилль); «Веяльщицы» (1855,
Музей изящных искусств, Нант); «Похороны в Орнане» (1850, Лувр, Париж).
Находясь в оппозиции к официальному искусству, художник в 1855 году выставлял свои работы, отвергнутые академическим жюри, в «Павильоне реализма» во время Всемирной выставки в Париже. В 1850–1860-х годах много
работал в жанре пейзажа, выезжал на пленэры, обновлял свою палитру, она
становилась светлее, ярче, сложнее: «Косули у ручья Плэзир Фонтэн» (1866,
Музей Орсе, Париж); «Пирушка на охоте» (1857, Музей изящных искусств,
Бостон); «Волна» (1870, Лувр, Париж). Густав Курбе — человек активной
жизненной и творческой позиции, своей независимой дорогой в искусстве
служил для многих последователей, включая молодых импрессионистов, достойным примером.

ЛАТУР, Жорж де (La Tour) (1593–
1652) — французский живописец. Родился в Лотарингии в семье провинциального булочника. После обучения
в Нанси совершил поездку в 1617 году
в Италию, там познакомился с караваджизмом. Жил в городке Люневиль, где
писал религиозные и жанровые картины,
некоторое время жил в Париже, выполнял заказы королевского двора. Пережил
множество бедствий в связи с Тридцатилетней войной, прокатившейся по Лотарингии, в огне которой сгорели многие
полотна мастера.
В картинах художника сочетаются две
тенденции: с одной стороны, патриар- Жорж де Латур. Воспитание Марии,
1650-е. Коллекция Фрика. Нью-Йорк
хальная жизнь лотарингских крестьян
с их неторопливостью сказалась на лаконичности художественных трактовок Латура; с другой — новаторский метод Караваджо, воспринятый французским художником, добавлял внутреннего драматизма в картины мастера, сохраняя их
внешнюю статичность: «Гадалка» (1630-е, Метрополитен-музей, Нью-Йорк);
«Шулер» (1630, Лувр, Париж). Известность автору принесли ночные религиозные сюжеты, интерпретированные как обычные бытовые сцены из крестьянской
жизни, и только источник света, находящийся в картине, превращает происходящее в некое таинство: «Поклонение пастухов» (1644; Лувр, Париж); «Рождество» (1640-е, Музей изящных искусств, Ренн); «Раскаяние Марии Магдалины»
(ок. 1640–1645, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
ЛЕБРЕН, Шарль (Le Brun) (1619–1690) — французский живописец и декоратор,
один из создателей Большого стиля Людовика XIV. Учился у Симона Вуэ. Первые работы выполнены в стилистике барокко. Затем работал с Никола Пуссеном
в Италии, где приобрел навыки классицистического подхода к трактовке исторических картин. Вернувшись в Париж, работал при дворе, формируя особую манеру, в которой пышность барокко соединилась с патетикой классицизма: декоративные живописные панно для Отеля Ламбер в Париже и замка Во-ле-Виконт.
В 1648 году участвовал в организации Королевской академии изящных искусств,
чье открытие вскоре провозгласил и стал первым живописцем короля.
Расцвет творчества Лебрена связан с украшением парадных покоев Версаля в 1660-х годах, когда он писал плафоны для потолков, картоны для шпалер,
панно для стен: цикл «История Александра Македонского» (1662–1668, Лувр,
Париж); «Апофеоз Людовика XIV» (1677, Музей изобразительных искусств,
Будапешт).

152

Роль Шарля Лебрена в истории французского искусства огромна, он заложил
традицию пышного придворного искусства эпохи абсолютизма, которая процветала еще столетие.
ЛЕВИТАН, Исаак Ильич (1860–1900) — русский художник-пейзажист. Родился в семье
железнодорожного служащего близ Ковно. С 1870 года проживал в Москве. Проходил обучение в Училище живописи, ваяния
и зодчества у А. К. Саврасова и В. Д. Поленова. Первые пейзажные работы были исполнены в сумрачных цветах с детальной жанрово-повествовательной трактовкой мотива:
«Деревня. Зима» (1877, Художественный музей, Тула); «Перед грозой» (1879, Художественный музей, Нижний Новгород). Затем
его палитра, в том числе после знакомства
с импрессионистами, становится светлее, Шарль Лебрен. Триумф религии в правление
Людовика XIV, 1686. Лувр. Париж
богаче, смелее и энергичнее, но художник
сохраняет более традиционное отношение к построению композиции и вдумчивое
отношение к природе: «Осенний день Сокольники» (1879, Третьяковская галерея,
Москва); «Березовая роща» (1885, Третьяковская галерея, Москва). В конце 1880-х годов Левитан совершает несколько поездок на Волгу, откуда привозит пронзительно
лиричные, пронизанные тонкими душевными интонациями пейзажи: «После дождя.
Плёс» (1889, Третьяковская галерея, Москва); «Вечерний звон» (1892, Третьяковская
галерея, Москва). У Левитана часто возникает мотив дороги как символа бесприютности и одиночества: «Владимирка» (1892, Третьяковская галерея, Москва). В более поздних работах все чаще встречаются черты символического прочтения мотива:
«Над вечным покоем» (1894, Третьяковская галерея, Москва). Творчество Левитана
стало вершиной развития русского реалистического пейзажа XIX века.
ЛЕЖЕ, Фернан (Léger) (1881–1955) — французский живописец, представитель
авангарда. Родился в семье крестьянина, в юности работал чертежником, обучался на архитектора. Затем учился в Париже в Школе изящных искусств. В начале
ХХ века поселился в колонии художников «Улей» и сблизился с группой кубистов «Золотое сечение». Первые работы писал под влиянием живописи Поля Сезанна и Пабло Пикассо: «Свадьба» (1911, Центр Помпиду, Париж); «Курильщики» (1911–1912, Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк). После пребывания
на фронте и ранения вернулся к живописи в 1918 году, создал яркие цветные абстрактные композиции, навеянные машинным производством и индустриальным

153

пейзажем: «Диски» (1918, Центр Помпиду,
Париж); «Город» (1919, Музей искусства,
Филадельфия). В 1930-е годы сблизился
с кругом Ле Корбюзье и занимался проектами монументальных росписей, дизайном и оформлением, книжными иллюстрациями, возглавлял созданную Академию
современного искусства. В годы Второй
мировой войны жил в США, преподавал
в Йельском университете. В 1950-е годы создал несколько масштабных произведений в технике мозаики и витража для
Луи Ленен. Счастливая семья, 1642. Лувр. Париж
церквей и учреждений в разных странах.
Универсальный дар Фернана Леже, его разностороннее творчество делают его
знаковой фигурой европейского модернизма.
ЛЕНЕН (Le Nain), братья Антуан (ок. 1588–1648), Луи (ок. 1593–1648) и Матье
(1607–1677) — французские художники. Родились в Лане и работали в Париже в области жанровой живописи, изображая сцены из жизни крестьян и мелких буржуа.
Самым известным из братьев стал Луи Ленен, который объединил в своем творчестве две традиции — северную нидерландскую и южную караваджистскую. Подобно голландским жанристам, он детально изображал подробности быта, всматриваясь в характеры своих степенных героев: «Трапеза крестьян» (1642, Лувр, Париж).
С другой стороны, его композиции отличают черты классического равновесия, его
задумчивые персонажи полны возвышенной сосредоточенности: «Счастливое семейство» (1642, Лувр, Париж); «Повозка» (1641, Лувр, Париж). Своих моделей автор выстраивает на первом плане, как героев парадного портрета, усиливая их значимость и весомость: «Визит бабушки» (1645–1648, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Братья Ленен — основатели французской традиции «живописи реального мира»,
которая имела своих последователей вплоть до середины XIX века.
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (Leonardo da Vinci) (1452–1519) — великий итальянский ученый и художник. Родился в местечке Анкиано близ города Винчи, пригороде Флоренции. Его отцом был нотариус Пьеро да Винчи, матерью, видимо,
крестьянка по имени Катерина. Детство Леонардо провел в доме отца, получил
прекрасное образование, с 1469 года жил во Флоренции и обучался в мастерской
Верроккьо, который послужил для него примером универсального мастера эпохи Ренессанса. Первые работы художника написаны еще в рамках эстетики Раннего Возрождения, только тональная живопись и пластика персонажей были мягче
и тоньше: «Благовещение» (1472, Галерея Уффици, Флоренция). Начиная с ранних «Мадонн» и портретов, видны интерес автора к душевному состоянию персонажей, стремление передать через детальную моделировку лиц и рук, через тончай-

154

шие переходы от света к тени: «Мадонна Бенуа»
(1478, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Джиневра
Бенчи» (1475, Национальная галерея искусства,
Вашингтон). На протяжении многих лет мастер
занимается изучением человеческих эмоций и их
выражением через пластику и мимику. Этому посвящены сотни его рисунков, набросков и этюдов. В начале 1480-х годов Леонардо уехал в Милан, где около 20 лет работал при дворе герцога
Лодовико Сфорца в качестве скульптора, инженера, художника и музыканта. Это был самый
плодотворный период в полной скитаний жизни тосканского гения: он активно занимался исследованиями в области медицины и ботаники, оптики и баллистики, возводил инженерные
сооружения и изобретал различные механизмы.
Как станковый художник маэстро писал знаменитые портреты: «Дама с горностаем» (1483, Музей
Чарторыйских, Краков). В алтарной композиции
«Мадонна в скалах» (Лувр, Париж), заказанной
в 1486 году братством Непорочного Зачатия для
церкви Сан-Франческо-Гранде, ярко прослеживаются гармоничные основы эстетики Высокого
Возрождения. Знаменитым произведением живописи, созданным в Милане, стала фреска «Тайная
вечеря», написанная в 1495–1498 годах для трапезной монастыря Санта-Мария делла Грациа.
Автор тщательным образом разрабатывал композицию, перспективное построение, как режиссер выверяет жесты, позы, взгляды и мимику своих героев, что позволило добиться максимальной
выразительности образов.
В начале нового века Леонардо часто переезжал: работал в Мантуе, Турине, Венеции и родной
Флоренции, где создал знаменитый портрет молодой женщины, названной Джоконда. В нем автор
смог передать тончайшие движения души модели,
неуловимые интонации и смену эмоций в выражении глаз и едва заметном движении губ: «Мона
Лиза» (1503, Лувр, Париж). В последних работах мастера ощущаются черты акцентированного сфумато при моделировке фигур, утонченной

155

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем
(Портрет Чечилии Галлерани). 1489–1490.
Л
Национальный музей. Краков

Леонардо да Винчи. Мона Лиза дель
Джоконда, между 1503 и 1506. Лувр. Париж

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря, 1495–1498. Роспись трапезной церкви
Санта-Мария-делле-Грацие. Милан

чувственности в выражении лиц, некоторой нарочитости жестов и поз: «Святой Иоанн Креститель» (1509, Лувр, Париж). С 1517 года художник
жил во Франции, куда прибыл по приглашению
Франциска I. Умер Леонардо в 1519 году, оставив
свои картины и многотомные записи и рисунки
своему ученику Мельци, который хранил их всю
жизнь, но после его смерти наследие гения разошлось по различным коллекциям и музеям. Великий Леонардо был по природе ученым, в сферу
его исследовательских интересов входила и живопись, к которой он относился как к наилучшему
способу познания мира.

Братья Лимбург. Великолепный часослов
герцога Беррийского, 1412–1416.
Музей Конде. Шантийи

ЛИМБУРГ, братья (Limbourg), Поль, Эрман
и Жеанекен, — французские художники конца XIV — начала XV века, крупнейшие мастера книжной миниатюры. Родились в Неймегене
в Брабанте в семье резчика по дереву Арнольда
ван Лимбурга; по матери — племянники придворного художника герцогов Бургундских Жана
Малуэля. Сначала братья учились ювелирному
делу в Париже. С 1402 года уже как известные
мастера работали при дворе герцога Бургундского Филиппа Храброго, после смерти герцога —
у его брата Жана, герцога Беррийского. Работали

156

в традициях интернациональной готики, которые под влиянием итальянских мастеров включали ренессансное прославление красоты мироздания, земных радостей
и жизни человека: иллюстрации «Морализованной Библии» (1402–1404, Национальная библиотека, Париж). Знаменитыми произведениями братьев стали утонченные и искусные миниатюры, выполненные для «Великолепного часослова герцога Беррийского» (1412–1416, Музей Конде, Шантийи). Шедеврами признаны
двенадцать иллюстраций, посвященных различным месяцам; в них изысканная декоративность соединяется с детальным и красочным изображением сцен природы,
замков, городов, крестьян и придворных.
ЛИОТАР, Жан Этьен (Liotard) (1702–1789) — швейцарский художник, мастер
портрета в стиле рококо. Учился в Женеве у миниатюриста Давида Гарделя, в Париже (1723–1726) — у Жана-Батиста Массе. Начинал с пастельных и миниатюрных портретов в стиле рококо, вместе с французским посланником поехал в Неаполь. Благодаря мобильности, изысканному вкусу и мастерству художника его
Л

Жан Этьен Лиотар. Мария Аделаида Французская в турецком платье, 1753. Галерея
Уффици. Флоренция

157

приглашали работать в множество различных городов. Лиотар писал портреты истеблишмента в Риме и Вене, Лондоне и Венеции, Париже и Амстердаме;
создавал изысканные, тщательно выписанные, тонкие и мягкие по колориту пастельные портреты и жанровые сцены: «Прекрасная шоколадница» (1744–1745,
Картинная галерея, Дрезден); «Императрица Мария Терезия» (1744, Дворцовый
музей, Веймар); «Голландка за завтраком» (1756, Рейксмузеум, Амстердам). Художник особенно проникся восточным колоритом в Константинополе и прожил
там несколько лет, написав множество работ с персонажами в восточных одеждах: «В турецком костюме» (1744, Картинная галерея, Дрезден); «Портрет принцессы Марии Аделаиды» (1753, Галерея Уффици, Флоренция).
ЛИППИ, Филиппо (Lippi) (1406–1469) — итальянский художник, крупнейший
представитель Флорентийской школы эпохи Кватроченто. Оставшись сиротой,
с раннего детства воспитывался в монастыре, где и обучился живописи. В юности наблюдал за работой Мазаччо над фресками капеллы Бранкаччи, что повлияло на формирование ренессансных тенденций в творчестве Липпи. Достоверных
сведений о жизни художника мало. Согласно Вазари, отличался склонностью
к путешествиям и авантюрным поступкам, при этом всю жизнь его преданными
покровителями оставались Медичи, для которых художник создавал мастерски
исполненные монументальные росписи и станковые картины: «Алтарь Новициато» (1445, Галерея Уффици, Флоренция); «Поклонение Младенцу» (1453, Галерея
Уффици, Флоренция). Произведения Липпи отличались
музыкальной пластикой, поэтичной мечтательностью образов, звучностью мажорной палитры:
«Благовещение» (1440, Церковь Сан-Лоренцо, Флоренция). При этом в своих религиозных композициях художник с упоением любуется фактурами предметов,
украшений, одеяний, прославляя красоту как небесного, так и земного мира:
«Коронование Марии» (ок. 1447, Галерея Уффици, Флоренция). Как автор
фресок он успешно работал в Падуе,
Прато, Сполето: цикл фресок «Истории
святого Стефана и святого Иоанна Крестителя» (1452–1465, Собор Прато).
Широкую известность Липпи принесли его Мадонны, поначалу более отстраненные и строгие, затем обретающие черты пленительной нежности, оставаясь при
Филиппо Липпи. Мадонна с младенцем
этом одухотворенными и утонченными:
и сцены из жизни Святой Анны, 1452.
«Мадонна на троне с младенцем и двумя
Питти. Флоренция

158

ангелами» (1440, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Мадонна с младенцем»
(1440–1445, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Мадонна с младенцем и эпизоды из жизни святой
Анны» (1452, Палаццо Питти, Флоренция); «Мадонна с младенцем и ангелами» (1465, Галерея Уффици, Флоренция). Считается, что Липпи одним из
первых написал Деву Марию с конкретной модели — своей супруги Лукреции
Бути, которая родила ему сына Филиппино, ставшего также известным флорентийским живописцем, автором многих прекрасных фресковых и станковых
работ: «Явление Богоматери святому
Бернарду» (1485–1487, Церковь Бадия, Филиппино Липпи. Явление Девы Марии святому
Бернарду, 1485–1487. Церковь Бадия. Флоренция
Флоренция); «Поклонение волхвов»
(1496, Галерея Уффици, Флоренция). Последние годы Фра Филиппо возглавлял мастерскую, в которой учился и его сын, и его самый знаменитый ученик —
Сандро Боттичелли.
ЛИХТЕНШТЕЙН, Рой (Lichtenstein) (1923–1997) — американский художник,
один из основоположников направления поп-арт. Родился в Нью-Йорке в состоятельной семье. В 1940 году поступил на факультет изобразительного искусства в университет штата Огайо. Начинал с беспредметных работ в духе экспрессионизма, затем познакомился с нью-йоркскими авангардистами; участвовал
в хеппенингах, когда обычные предметы помещались в неожиданный контекст,
из чего выросло искусство поп-арта. Лихтенштейна привлекала массовая графическая продукция: рекламные плакаты, журнальные иллюстрации и комиксы. Их
лаконичные, броские, упрощенные формы и образы стали эмблемами и знаками
общества потребления. Художник работал методом последовательного увеличения вырванного из контекста фрагментарного изображения героев комиксов или
реклам, тем самым вместе с форматом он придавал им ложную значимость и патетику произведений «большого искусства», иронизируя над примитивностью
и обыденностью идеалов массовой культуры: «Безысходность» (1963, Художественный музей, Базель); «Когда я открыл огонь» (1964, Стеделейкмюсеум, Амстердам); «Тонущая девушка» (1966, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
ЛОНГИ, Пьетро (Longhi) (1702–1785) — итальянский художник, представитель
венецианской школы. Первым учителем был его отец — ювелир. Первые большие
алтарные образы написаны Лонги в духе позднего барокко: «Святой Пеллегрино,

159

ведомый на казнь» (1729, Церковь
Сан-Пеллегрино, Бергамо); «Поклонение волхвов» (1733, Скуола Гранде ди
Сан-Джованни Эванджелиста, Венеция).
В 1730-х годах после знакомства с работами Джузеппе Марии Креспи увлекся
жанровой живописью с небольшими изящными фигурками в стиле рококо. Его
картины выстроены, подобно театральным мизансценам, где разыгрываются
эмоциональные сценки из жизни венецианцев: «Маленький концерт» (1741, Галерея Академии, Венеция); «Визит» (1746,
Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Обморок» (1744, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Цветовая гамма
в картинах Лонги яркая и светлая, автор относится к своим персонажам с доброжелательной иронией, изображая их
Пьетро Лонги. Ридотто, 1750-е. Галерея Академии
с характерными и занимательными подКаррара. Бергамо
робностями — все это сделало его очень
востребованным художником: «Носорог» (ок. 1751, Музей итальянского сеттеченто, Венеция); «Гадалка» (ок. 1752, Музей итальянского сеттеченто, Венеция);
«Ридотто» (1750-е, Галерея Академии Каррара, Бергамо). Позже Лонги больше
внимания стал уделять пейзажу, передаче воздуха и света: «Охота на уток в лагуне» (ок. 1760, Фонд Кверини Стампалия, Венеция).
ЛОРЕНЦЕТТИ, Пьетро и Амброджо (Lorenzetti) — итальянские живописцы,
представители Сиенской школы периода расцвета. Даты рождения неизвестны,
работали в первой половине XIV века, умерли, видимо, от чумы в 1348 году.
Стиль братьев сложился под воздействием Дуччо ди Буонинсенья, но в их
творчестве наблюдаются черты более реалистичного изображения: трехмерность пространственного построения, осязаемая объемность фигур, видимо,
они были знакомы с достижениями Джотто ди Бондони. Старший брат, Пьетро, известен своими церковными фресками в Сиене, Ареццо, Ассизи, их отличают звучный колорит, мягкие линии, эмоциональные и детально прописанные
персонажи: «Рождество Богоматери» (1342, Музей собора, Сиена). Знаменитым
произведением младшего брата, Амброджо, стали масштабные росписи Зала
Мира в палаццо Публико в Сиене «Аллегория Доброго и Дурного правления»
(1338–1340). В этом зале заседал Совет Девяти, которому художник красочно
и образно представил плоды деятельности властей города через убедительный
показ жизни горожан и окрестных крестьян. Автор выступил как новатор эпо-

160

Амброджо Лоренцетти. Плоды доброго и дурного правления. Жизнь горожан (фрагмент),
1338–1340. Палаццо Пубблико. Сиена

хи Треченто, так смело и широко разворачивая панорамный пейзаж Сиены и ее
окрестностей, используя сложные перспективные сокращения и ракурсы при
изображении архитектуры и пейзажа.
ЛОРРЕН, Клод (Lorrain) (1600–1682) —
французский живописец, один из создателей классического пейзажа. Настоящая
фамилия — Желле. Родом из Лотарингии, отсюда и прозвище, означающее «лотарингец». Рано остался сиротой, служил в доме художника Тасси, затем у него
учился. Вся жизнь Лоррена связана с Римом, где он сформировал собственный
тип идеального пейзажа. Сначала он пробовал себя в гравюре, затем принимал участие в росписи храмов, но к 1630-м годам
остановил свой выбор на создании станковых пейзажей. Его композиции перекликаются с пейзажными работами Никола
Пуссена, на первом плане также развиваются сюжеты из Библии или мифологии,
далее в глубину уходит несколько планов
идеального прекрасного ландшафта: «Поклонение золотому тельцу» (1653, Государтвенный Кунстхалле, Карлсруэ). Но
у Лоррена более лирические трактовки,

161

Клод Лоррен. Пейзаж с Аполлоном, охраняющим
стада Адмета, и Меркурием, похищающим их,
1645. Галерея Дориа-Памфили. Рим

мягче живопись, дымчатый воздух, идиллическая безмятежность, рассеянный обволакивающий свет: «Пейзаж с Аполлоном и Меркурием» (1645, Галерея Дориа-Памфили, Рим); «Изгнание Агари» (1668, Старая пинакотека, Мюнхен).
Первые картины решены в более жестком ключе с тяжелыми архитектурными кулисами и пульсирующей точкой заходящего солнца вдали: «Отплытие царицы Савской» (1648, Национальная галерея, Лондон); «Гаврская гавань при заходе
солнца» (1639, Лувр, Париж). Позже отношение автора к изображению природы
стало более тонким и сложным, он стремится передать нюансы освещения и природных изменений в течение одного дня, создавая серии картин «Четыре времени
суток»: «Пейзаж с Иаковом, Рахилью и Лией у колодца (Утро)» (1666, Эрмитаж,
Санкт-Петербург). Каждое произведение автор тщательно обдумывал, создавая
множество виртуозных рисунков, в которых природа выглядела более порывистой,
трепетной, эмоциональной, нежели в законченных идеальных картинах. Блистательная пейзажная живопись Лоррена служила образцом еще несколько десятилетий для многих поколений пейзажистов в различных европейских странах.
ЛОТТО, Лоренцо (Lotto) (1480–1556) — венецианский художник. Учился у мастера Алевизе Виварини. Его творчество стоит особняком среди работ живописцев
венецианского Чинквеченто, а зрелый художественный почерк будет отличаться от традиции мастерской Беллини. Несколько раз ездил в Рим, где участвовал в росписях
Папского дворца (фрески не сохранились),
там познакомился с творчеством Рафаэля
и Микеланджело, что повлияло на формирование стиля мастера. Вернувшись на Родину, Лотто получил множество заказов на алтарные образы в городах Северной Италии,
над которыми работал несколько лет: «Преображение» (1512, Коммунальная пинакотека,
Реканати); «Алтарь Мартиненго» (1513, Церковь Санти Бартоломео и Стефано, Бергамо).
По заказу графов Суарди в 1524 году он создал в Оратории Суарди в г. Трескоре, близ
Бергамо, цикл росписей, которые считаются
шедевром мастера. Фрескам Лотто свойственен реалистичный взгляд на предметы и пространство при сохранении возвышенно-религиозного чувства при трактовке самих героев:
«Жизнь святой Варвары» (1524, Трескоре).
Станковые композиции отличаются эмоциоЛоренцо Лотто. Аллегория добродетели
нальной композиционной динамикой, эфи порока, 1505. Национальная галерея
искусства. Вашингтон
фектным колористическим строем, искренней

162

драматичной взволнованностью: «Благовещение» (1527, Коммунальная пинакотека, Реканати); «Святое семейство» (1527–1533, Музей
истории искусств, Вена); «Мистический брак
святой Екатерины» (1523, Академия Каррара,
Бергамо). У современников пользовался успехом как портретист: «Портрет Андреа Одони»
(1527, Королевская коллекция, Лондон); «Муж
и жена» (1523, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
ЛОУРЕНС, Томас (Lawrence) (1769–1830) —
английский живописец, портретист. Родился
в Бристоле, в детстве семья переехала в курортный Бат, где юноша учился живописи и подрабатывал портретами в технике пастели, что
имело громкий успех у аристократической публики. В 1787 году он приехал в Лондон, где
после краткого обучения в Королевской академии приступил к масляной живописи. Написанный вскоре «Портрет королевы Шарлотты»
принес автору огромный успех и славу портретиста высшей аристократии, в 1792 году Лоуренс был назначен главным художником короля. В начале XIX века художник стал лидером
английской портретной живописи эпохи романтизма, его портреты, написанные стремительной кистью, отличались эмоциональной
приподнятостью при сохранении традиционной композиционной элегантности и колористической изысканности, характерной
для английского портрета: «Портрет актрисы
Э. Фаррен» (1790, Метрополитен-музей, НьюЙорк); «Два сына графа Талбота» (1793, Новая пинакотека, Мюнхен); «Портрет Маргариты, графини Блессингтон» (1822, Собрание
Уоллеса, Лондон); «Портрет герцога Веллингтона» (1815, Королевская коллекция, Виндзор).
ЛУКА ЛЕЙДЕНСКИЙ (Lucas van Leyden) (1489
или 1494–1533) — нидерландский живописец
и гравер. Родился в Лейдене в семье художника. Учился живописи у Корнелиса Энгелбрехт-

163

Л
Лоренцо Лотто. Благовещение, 1527.
Коммунальная пинакотека. Реканати

Томас Лоуренс. Леди Мария Конингхэм,
1824–1825. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

сена. Некоторое время путешествовал по Голландии, но основную часть времени
жил в родном Лейдене. Здесь работал в основном в технике гравюры, был выдающимся графиком, блестяще владел техникой резцовой гравюры, офорта и ксилографии, создал 168 листов на библейские сюжеты. В живописи дошедших до
нас работ немного, наиболее известные — это религиозные композиции: «Богоматерь с младенцем, святой Марией-Магдалиной и донатором» (1522, Старая пинакотека, Мюнхен); триптих «Страшный суд» (1526, Городской музей Лакенхал,
Лейден); триптих «Исцеление иерихонского слепца» (1531, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В них преобладает интерес к бытовым подробностям и маньеристическая стилизация. Художник писал и бытовые сцены, и портреты, в которых был
ближе к старой нидерландской традиции.

Лука Лейденский. Игроки в карты, 1570. Национальная галерея искусства. Вашингтон

МАГРИТТ, Рене (Magritte) (1898–1967) — бельгийский художник, представитель
сюрреализма. Родился в городке Лессин, учился в Академии художеств в Брюсселе, подрабатывая художником на фабрике обоев. В молодости прошел этапы увлечения различными направлениями современной живописи: от импрессионизма до кубизма. К собственному стилю стал приближаться после знакомства
в 1920-х годах в Париже с группой дадаистов и поэзией сюрреалистов. Метод Магритта основывался на совмещении в обманчиво реальном пространстве картины несовместимых предметов, объектов, фигур, в результате чего они обретали парадоксальные
и часто абсурдистские смыслы: «Пустая маска» (1928, Художественные собрания, Дюссельдорф); «Предательство образов» (1928–1929, Художественный музей, Лос-Анджелес). Через все творчество Магритта проходят его постоянные образы: птица, человек в котелке, яблоко, которые интуитивно связаны с его личными воспоминаниями:
«Сын человеческий» (1964, Частное собрание); «Ясновидение» (1936, Частное собрание). Часто размышляя на тему иллюзорности нашего восприятия и ложности многих
ценностей современного общества, художник обращается к символам зеркала: глаза,
окна, сцены и занавесы, картины в картине: «Удел человеческий» (1933, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Фальшивое зеркало» (1935, Частное собрание);
«Прогулка Евклида» (1955, Институт искусств, Миннеаполис).
МАЗАЧЧО (Masaccio) (1401–1428) —
крупнейший итальянский художник
эпохи Раннего Ренессанса. Настоящее
имя — Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи. Родился в семье нотариуса в местечке Сан-Джованни-Вальдарно,
учился во Флоренции. Был сосредоточен на живописи, не замечая ничего вокруг, за что получил свое прозвище, которое переводится как «неуклюжий».
Его учителя принадлежали к старой живописной школе, так что свой инновационный стиль художник сформировал самостоятельно. Самым ранним из
дошедших до нас произведений стала
фреска «Мадонна с младенцем и святой
Анной в окружении пяти ангелов», написанная в 1524 году (Галерея Уффици,
Флоренция). Она несет в себе черты нового реалистичного изображения фигур
в пространстве с использованием элементов линейной перспективы. Выдающееся произведение Мазаччо — фрески

165

Мазаччо. Крещение неофитов, 1424–1427.
Капелла Бранкаччи. Флоренция

со сценами из жизни святого Петра в капелле Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции (1424–1427): «Чудо со статиром» (1424–1427,
Церковь Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция). Художник впервые в ренессансной традиции обращает внимание на индивидуальные психологические характеристики героев, на проявление ими бурных эмоций и страданий: «Изгнание из Рая» (1426–1427, Церковь Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция).
К сожалению, жизнь талантливого молодого художника рано оборвалась, он
не успел оставить учеников, но на его фресках училось все следующее поколение итальянских живописцев. Мазаччо справедливо называют отцом итальянского Возрождения в живописи.
МАЛЕВИЧ, Казимир Северинович (1878–1935) — русский художник, крупнейший представитель авангарда, создатель геометрического абстракционизма. Родился в Киеве в польской семье управляющего сахарными заводами. В 1895–
1896 годах учился в Киевской рисовальной школе Мурашко; приехав в 1905 году
в Москву, обучался в студии Рерберга. Сначала занимался пленэрной живописью в духе
импрессионистов: «Цветочница» (1903, Русский музей, Санкт-Петербург); «На бульваре» (1903, Русский музей, Санкт-Петербург).
Затем познакомился с художниками-новаторами М. Ф. Ларионовым, Д. Д. Бурлюком,
Н. С. Гончаровой и решил пробовать свои
силы в авангардных направлениях, пишет работы в стилистике символизма, модерна, примитива, фовизма: «Общество в цилиндрах»
(1908, Русский музей, Санкт-Петербург);
«Дровосек» (1912, Городской музей, Амстердам). В 1912 году Малевич исследовал возможности кубизма и создал собственное направление «кубофутуризм» — соединение
различных форм и объектов в единый динамичный и яркий коллаж, отрицающий логику
и академические правила: «Англичанин в Москве» (1914, Городской музей, Амстердам);
«Авиатор» (1914, Третьяковская галерея, Москва); «Точильщик» (1912, Картинная галерея
Йельского университета, Нью-Хейвен).
В 1915 году Малевич создал первые композиции в нефигуративной манере, состоящие
из цветных плоскостей, линий и геометриКазимир Малевич. Англичанин в Москве,
ческих фигур. Свое направление в геометри1914. Городской музей Стеделек. Амстердам

166

ческом абстракционизме он называл супрематизмом. В своем манифесте «От кубизма
и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм» автор декларировал отказ художника от простого копирования окружающего мира за счет простых форм и основных
цветов: красного, белого, черного — искусство сможет перейти на новый уровень художественного сознания. Наивысшей точкой
развития нового течения он провозгласил
«Черный квадрат» — знаковый образ, знаменующий конец старого искусства, пустоту,
с которой начнется новая эра. Свои 39 супрематических композиций Малевич продемонстрировал на выставке «0.10»: «Красный
квадрат» (1915, Русский музей, Санкт-Петербург); «Супрематическая композиция» (1916,
Частное собрание); «Супрематизм. Полет
аэроплана» (1915, Музей современного ис- Казимир Малевич. Бегущий человек, 1932.
Центр Помпиду. Париж
кусства, Нью-Йорк) и др. В послереволюционные годы он активно занимался организационной и преподавательской деятельностью, а также работал над книгой «Супрематизм. Мир как беспредметность»
(1922), как харизматичный лидер влюбил целое поколение в авангардное искусство.
В 1920-х годах на базе супрематизма художник стремился воплотить идею синтеза
искусств, создавал трехмерные объекты «Архитектоны», а также занимался супрематическим дизайном фарфора. С 1928 года художник возвращается к живописи,
создав знаменитую серию постсупрематических картин «крестьянского цикла», героями которого стали обобщенно-абстрагированные формы мужских и женских
голов, торсов и фигур: «Голова крестьянина» (1932, Русский музей, Санкт-Петербург); «Женский торс» (1932, Русский музей, Санкт-Петербург). Мотивы одиночества и тоски чувствуются в последних работах с безликими людьми и безлюдными полями: «Красный дом» (1932, Русский музей, Санкт-Петербург); «Сложное
предчувствие» (1928–1932, Русский музей, Санкт-Петербург).
МАНЕ, Эдуар (Manet) (1832–1883) — французский художник. Сын чиновника министерства юстиции. В юности служил юнгой на корабле и побывал во многих
странах. Затем учился в Королевской школе изобразительных искусств в Париже
у Тома Кутюра (1850–1856). Тщательно изучал технику старой живописи, с особым почтением относился к Франсиско Гойе и Эжену Делакруа, стремился к реалистичному изображению окружающего мира. В первых жанровых работах чувствуется влияние старых мастеров, но характеры персонажей взяты из современных
реалий: «Любитель абсента» (1859, Новая Карлсбергская глиптотека, Копенгаген);

167

Эдуар Мане. Слива, 1878. Национальная
галерея исусства. Вашингтон

Эдуар Мане. Белая сирень в вазе, 1882.
Старая национальная галерея. Берлин

«Лола из Валенсии» (1862, Музей Орсе, Париж).
В эти годы художник находился в поисках нового живописного языка: в построении картины он
уходил от академических правил, стремясь передать динамику текущей жизни: «Музыка в Тюильри» (1860, Национальная галерея, Лондон).
В следующие годы Мане представлял на выставки в Салоне картины, в которых читаются аллюзии на классические сюжеты Тициана, но показал
их как эпатирующие сцены из современной парижской жизни: «Завтрак на траве» (1863, Музей
Орсе, Париж); «Олимпия» (1863, Музей Орсе,
Париж). В результате художник приобрел славу бунтаря, протестующего против академизма
и буржуазных стереотипов.
Интерес к современности проявлялся у Мане
в жанровых картинах и портретах 1860-х годов,
которые демонстрируют ставший более сложным и светлым колорит картин, более уверенную
и смелую кисть, свободу расположения фигур
и живописно изображенные детали и предметы:
«Завтрак» (1868, Новая пинакотека, Мюнхен);
«Эмиль Золя» (1868, Музей Орсе, Париж); «Чтение» (1868, Музей Орсе, Париж); «В саду» (1870,
Музей искусств, Шелбурн).
В 1870-х годах художник сблизился с импрессионистами, которые считали его своим лидером.
Мастер пишет несколько пейзажей и натюрмортов с использованием техники импрессионизма, выезжает на пленэры, пишет с натуры алла
прима: «Аржантёй» (1874, Музей изящных искусств, Турне); «Голубая Венеция» (1875, Музей искусств, Шелбурн). Но при этом сохраняет
обособленность и приверженность законченным
картинам с сюжетной составляющей: «Железная
дорога» (1873, Национальная галерея искусства,
Вашингтон); «Слива» (1878, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Нана» (1877, Кунстхалле, Гамбург). В последние годы его самым
значимым произведением стала виртуозно написанная картина «Бар в Фоли-Бержер» (1882, Институт искусства Курто, Лондон).

168

Эдуар Мане. Бар в «Фоли-Бержер», 1882.
Институт искусства Курто. Лондон

Эдуар Мане. Голубая Венеция, 1875.
Музей искусств. Шелбурн

Эдуар Мане. Завтрак на траве, 1863. Музей Орсе. Париж

Творчество Эдуара Мане ознаменовало переходный этап в европейском искусстве, именно ему довелось обновить традиции французской живописи и во
многом определить дальнейшее развитие мирового изобразительного искусства.
МАНТЕНЬЯ, Андреа (Mantegna) (ок. 1431–1506) — один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии. Первые уроки живописи Андреа
получил у своего приемного отца, падуанского художника Скварчоне, коллекционера и знатока античного искусства. Его увлечение античной архитектурой
и мифологией оказали огромное влияние на формирование художественного
стиля, он сохранял верность величественным композициям, строгому рисунку,
доминирующему линейному ритму, выверенному перспективному построению.
Эти качества прослеживаются уже в ранних фресках и алтарных образах: росписи капеллы Оветари в церкви Эремитани в Падуе (1448–1457); «Моление о чаше»
(1459, Музей изобразительных искусств, Тур); «Святой Себастьян» (1459, Музей
истории искусств, Вена).
В 1460 году Мантенья принял приглашение маркиза Лодовико Гонзага и работал при его дворе в Мантуе много лет. Самым значимым проектом, исполненным художником для семейства Гонзаго, стали росписи Камеры дельи Спози

Андреа Мантенья. Моление о чаше, 1459. Музей изобразительных искусств. Тур

170

Андреа Мантенья. Плафон с окулюсом. Камера дельи Спози, 1465–1474. Палаццо Дукале. Мантуя

в палаццо Дукале в 1465–1474 годах, где автор проявил себя блистательным портретистом и мастером иллюзионистской перспективы. Эти росписи принесли художнику громкую славу и стали выдающимся произведением эпохи Кватроченто.
В поздних работах его манера стала мягче, линии гибче, пейзаж воздушнее: «Парнас» (1497, Лувр, Париж); «Минерва, изгоняющая пороки» (1502, Лувр, Париж).
Мантенья, предложивший собственное развитие ренессансной живописной
традиции, оказал огромное влияние на формирование искусства Высокого Возрождения в Северной Италии, в том числе и на венецианских мастеров.
МАНЬЯСКО, Алессандро (Magnasco) (1667–1749) — итальянский художник,
представитель «проторомантического» направления в искусстве барокко. Сын
генуэзского художника Стефано Маньяско, учился в Милане у Филиппо Аббьяти. Маньяско пробовал себя в различных жанрах, но прославился как автор экспрессивных жанровых сцен и стихийных пейзажных композиций с огромными
руинами, скалами, волнами и небольшими фигурками на первом плане: «Вакханалия» (1710-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Привал бандитов» (1710-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Работы Маньяско выделяются оригинальным художественным почерком, яркими светотеневыми эффектами, особым мерцающим

171

колоритом и текучими формами: «Молящиеся монахи и рыбаки, тянущие сеть
у моря» (1730-е, Музей искусств, Копенгаген). Творчество Маньяско стало важной
вехой на пути становления пленэрного
пейзажа, его живописный подход развил
в своем творчестве Франческо Гварди.

Алессандро Маньяско. Пейзаж с монахами
капуцинами, 1720. Пинакотека Брера. Милан

Франц Марк. Олень в лесу, 1914.
Государственный кунстхалле. Карлсруэ

МАРК, Франц (Marc) (1880–1916) — немецкий художник. Изучал теологию и философию в Мюнхенском университете, затем
учился в Академии художеств в Мюнхене.
Первые работы были близки к импрессионистам, связаны с реальным мотивом: «Пейзаж в Индерсдорфе» (1904, Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен). С 1908 года
он увлекся анималистическими мотивами
в символистском духе: «Лошадь в пейзаже»
(1910, Музей Фолькванг, Эссен). После
знакомства в 1910 году с Василием Кандинским Марк вошел в Новое мюнхенское объединение, а в 1911 году участвовал в создании знакового союза «Синий всадник»,
занимался изданием альманаха и организацией выставок.
Животные в ландшафте — тема, которая остается главной в творчестве Марка
в эти годы: «Синий конь» (1911, Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен);
«Желтая корова» (1911, Музей Соломона
Гуггенхайма, Нью-Йорк). После знакомства с футуристами в картинах художника
появились ритмические повторы, сдвиги,
пронизывающие картину лучи, живопись
стала более динамичной и экспрессивной:
«Тигр» (1912, Городская галерея в доме
Ленбаха, Мюнхен); «Лисы» (1913, Частное
собрание). С началом войны в творчестве
Марка нарастают тревожность, напряженность, драматизм, его композиции дробятся, наполняются черными красками, теряют связь с предметным миром: «Тироль»

172

(1914, Новая пинакотека, Мюнхен); «Сломанные формы» (1914, Музей Соломона
Гуггенхайма, Нью-Йорк). Вскоре Марк
отправляется на фронт, откуда ему было
не суждено возвратиться, и столь стремительно развивающаяся художественная
эволюция обрывается.
МАРКЕ, Пьер Альбер (Marquet) (1875–
1947) — французский художник, представитель фовизма. Родился в семье железнодорожного
служащего,
учился
в Парижской школе декоративных ис- Пьер Альбер Марке. Ле-Сабль-д’Олон,
1921. Музей Ашмола. Оксфорд
кусств и Школе изящных искусств в мастерской Гюстава Моро, где познакомился с Анри Матиссом, а позже и его
окружением: будущими участниками фовистских выставок. В начале века Марке
создал ряд пейзажей в духе фовизма, решенных в условной манере с интенсивной палитрой, плоскими силуэтами и жесткими контурами предметов: «Гавань
в Ментоне» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Регата в Фекане» (1906, Центр
Помпиду, Париж). В поздние годы пейзажи Марке стали более сдержанными по
цвету, более лиричными и созерцательными: «Мост Сан-Мишель и набережная
Гранд-Огюстен» (1910–1911, Центр Помпиду, Париж); «Солнце над Парижем»
(1907, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина,
Москва). На проникнутых романтическим настроением работах Марке отображены панорамные картины города и побережья, запечатленные как будто с самой высокой точки: «Ле-Сабль-д’Олон» (1921, Музей Эшмола, Оксфорд); «Сена
в Париже» (1915, Музей Аннонсиад, Сан-Тропе).
МАРТИНИ, Симоне (Martini) (ок. 1283–1344) — крупнейший итальянский художник Сиенской школы. Точных сведений о начальных годах формирования
Мартини как художника не сохранилось, предполагается, что он был учеником
Дуччо ди Буонинсенья, а также работал вместе с Джотто ди Бондоне в Ассизи,
объединив в своем творчестве черты двух великих предшественников. Инновации тосканской традиции художник использовал в цикле фресок «История святого Мартина», где достаточно реалистично трактованы фигуры и пейзаж: «Святой
Мартин отрекается от оружия» (1317, Нижняя церковь Франциска, Ассизи). Высокий уровень мастерства художника вскоре проявился в очень почетном заказе:
в течение семи лет Мартини работал над фреской «Маэстa» в палаццо Пубблико
в Сиене. Некоторое время он работал при папском дворе в Авиньоне, поэтому
в работах мастера присутствуют черты французской придворной готической традиции в виде обрамлений, золотого фона, вытянутых утонченных фигур: «Благовещение» (1333, Галерея Уффици, Флоренция).

173

Симоне Мартини избрал уникальный
путь в итальянском Треченто, он предпочел изысканный спиритуализм северной
готики, будучи поэтичным и виртуозным мастером, он отдалился от брутального искусства зарождающегося Ренессанса, оставшись верным своему стилю
художником.
МАТИСС, Анри (Matisse) (1869–1954) —
французский художник, крупнейший
представитель модернизма. Родился в местечке Ле-Като на севере страны в семье
торговца зерном. Получив диплом юриста, в конце 1880-х годов он работал адвокатом в Сен-Кантене. Рисовать начал
в 1890 году. Вскоре переехал в Париж, где
учился в Академии Жюлиана у Виллиамо
Симоне Мартини. Отречение святого Мартина
Бугро, затем в Школе декоративных исот оружия, 1317. Капелла Сан-Мартино, Нижняя
кусств (1892) и Школе изящных искусств
церковь Святого Франциска. Ассизи
(1895–1898) у Гюстава Моро. Сначала Матисс исследовал технику импрессионизма, затем после знакомства с Полем Синьяком пробовал себя в стиле дивизионизма, в 1904 году написал панно «Роскошь,
покой и наслаждение» (Центр Помпиду, Париж). Находясь в поисках новой выразительности, он объединяется со своими единомышленниками: они работают
в близкой стилистике, отражают свои эмоции при помощи интенсивного цвета,
упрощенного рисунка и плоскостного изображения: «Открытое окно» (1905, Национальная галерея, Вашингтон); «Вид Коллиура» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Представив свои картины на выставке в Осеннем салоне 1905 года, художники получили прозвище «фовисты», их признанным лидером стал Матисс.
Позже Матисс совершил несколько путешествий по Северной Африке, искусство арабских стран произвело на него сильное впечатление. Восточные ковры,
вазы, одалиски в экзотических одеждах становятся главными мотивами в его картинах в течение следующих десятилетий: «Окно в Тажере» (1911, Государственный музей изобразительных искусств, Москва); «Одалиска в красных шароварах»
(1925, Музей современного искусства, Каракас). Его живопись становится орнаментальной и плоскостной, подобно декоративному ковру: «Красная комната»
(1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Фигура на фоне орнамента» (1925, Частное
собрание). Сквозь творчество мастера проходит тема изображения обнаженной
натуры в разных стилях и техниках: «Танец» (1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург);
«Розовая обнаженная» (1935, Художественный музей, Балтимор); «Поднятое колено» (1922, Фонд Барнса, Филадельфия).

174

Анри Матисс. Полинезия, море, 1946. Центр Помпиду.
Париж
Анри Матисс. Фигура на фоне орнамента, 1925.
Частное собрание
Анри Матисс. Радость жизни, 1905. Фонд Барнса.
Филадельфия

В 1940-х годах по состоянию здоровья Матисс не мог писать картины и пришел к оригинальной технике, которую мэтр называл «живопись ножницами» —
вырезанию фигур из окрашенной бумаги и созданию коллажей: «Полинезия,
море» (1946, Центр Помпиду, Париж); «Синяя обнаженная» (1952, Галерея Тейт,
Лондон). Последним значительным проектом мастера стало в 1951 году оформление блистательными витражами доминиканской капеллы четок в Вансе, которые автор считал воплощением своих эстетических идеалов.
МЕМЛИНГ, Ганс (Memling) (ок. 1440–1494) — нидерландский живописец эпохи
Раннего Возрождения. Родился в Зелингенштадте близ Франкфурта-на-Майне.
Учился, вероятно, сначала в Кёльне, а затем в Брюсселе у Рогира ван дер Вейдена. В 1465 году поселился в Брюгге, в 1467 году вступил в гильдию художников
и вскоре стал самым востребованным живописцем города.
Мемлинг имел большую мастерскую и множество заказов в различных городах Европы. Художник писал в основном алтарные складни и картины в торжественном и монументальном стилях: «Страшный суд» (1467–1471, Поморский
музей, Гданьск); «Поклонение волхвов» (1470, Музей Прадо, Мадрид). Художник часто обращался к сложным многофигурным построениям с большим количеством подробностей: «Страсти Христовы» (1470, Галерея Сабауда, Турин);
«Семь радостей Марии» (1480, Старая пинакотека, Мюнхен). Он также был вы-

Ганс Мемлинг. Поклонение волхвов, ок. 1470. Музей Прадо. Мадрид

176

дающимся портретистом: «Портреты супругов Портинари» (1470, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Портрет мужчины с монетой
императора Нерона» (1480, Музей изящных
искусств, Антверпен).
Как и его учитель Вейден, Мемлинг часто
писал портреты-диптихи, с одной стороны которых изображалась религиозная сцена, с другой — портрет донатора: «Диптих Ньювенхове» (1487, Музей Ханса Мемлинга, Брюгге).
МЕНГС, Антон Рафаэль (Mengs) (1728–1779) —
немецкий художник и теоретик искусства,
один из основоположников неоклассицизма.
Родился в городе Ауссиг в семье художника,
отец стал его учителем. Совершил в юности
поездку в Рим, в дальнейшем практически всю
жизнь прожил в Италии.
Особое влияние на формирование эстетических воззрений Менгса оказало знакомство
с Иоганном Иоахимом Винкельманом и его
идеями. Свою приверженность классическим
идеалам он изложил в труде 1762 года «Мысли о красоте и вкусе в живописи». Искусство
Менгса отличается изысканностью линий,
уравновешенностью композиций, рациональностью сюжетной составляющей. Особенно
ярко это проявилось во фресковых росписях
дворцов и храмов: «Парнас» (1761, Галерея
виллы Альбани-Торлония, Рим); «Триумф
истории над временем» (1771–1772, Музей
Пио-Климентино, Зал папирусов, Рим); «Апофеоз Траяна» (1775, Королевский дворец, Мадрид). Художник часто исполнял масштабные
заказы саксонского курфюрста, иерархов Ватикана, королевских дворов Мадрида, Неаполя и Рима: «Портрет Карла III Испанского»
(1765, Музей Прадо, Мадрид); «Вознесение
Христа» (1776, Собор Хофкирхе, Дрезден).
Творчество Менгса повлияло на появление новой волны классицизма в европейском искусстве в начале XIX века.

177

Ганс Мемлинг. Томмазо Портинари, 1480.
Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Антон Рафаэль Менгс. Триумф истории
над временем, 1771–1772. Ватиканская
библиотека. Рим

МЕТСЮ, Габриель (Metsu) (1629–
1667) — нидерландский художник, мастер бытового жанра. Родился в Лейдене в семье художника. Начинал
с религиозных картин с контрастным
освещением с чертами рембрандтовской стилистики: «Христос и грешница» (1653, Лувр, Париж). Но наибольшего успеха достиг как автор жанровых
композиций, в основном камерных
сцен в интерьере, где его персонажи заняты повседневными делами, обедают,
пишут письма, беседуют или музицируют: «Дама и кавалер у вирджинала»
(1658, Национальная галерея, Лондон),
«Подарок охотника» (1658, Рейксмузеум, Амстердам); «Больной ребенок»
(1662, Рейксмузеум, Амстердам). РабоГабриель Метсю. Музыкальная вечеринка, 1659.
ты Метсю отличаются тонкой тональМетрополитен-музей. Нью-Йорк
ной живописью, прекрасной передачей фактур тканей, посуды, украшений, что делает его картины достоверными
и привлекательными: «Завтрак» (1660, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Больная
и врач» (1660-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Торговец птицей» (1662, Картинная галерея, Дрезден).
МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ (Michelangelo Buonarroti) (1475–1564) —
великий итальянский скульптор, художник, архитектор и поэт. Родился в городке Капрезе неподалеку от Флоренции в знатной семье главы местного самоуправления. В 1488 году поступил на обучение в мастерскую к Доминико
Гирландайо, но вскоре его увлекла скульптура, которой мастер посвятил всю
жизнь как главному своему призванию. Основные объекты его творчества —
человек, его душа и тело, его пластика и духовный мир. В своей единственной
станковой картине «Святое семейство» Микеланджело в традиционном для
себя стиле передает силу духа персонажей через богатство пластики: «Тондо
Дони» (1504, Галерея Уффици, Флоренция). Самым значимым живописным
проектом флорентийского гения стали росписи сводов Сикстинской капеллы в Ватикане. Автор исходил из особенностей архитектуры и разделил свое
эпохальное повествование на несколько циклов: «Предки Христа» над окнами капеллы и в люнетах, «Сцены из Ветхого завета» на угловых парусах, «Сивиллы и Пророки» по периметру свода. Центральную часть плафона он разделил на девять композиций, каждая из которых является сценой из первых книг
Библии. В итоге перед зрителем разворачивается грандиозная картина миро-

178

здания, в центре которой находится Человек, идеальный, прекрасный, с совершенным телом и великой душой:
«Сотворение Адама» (1508–1512, Сикстинская капелла, Ватикан). Такой феерии человеческих эмоций от страха
до восторга, страданий, раздумий еще
не знало мировое искусство, все персонажи и сцены у Микеланджело пронизаны невиданной божественной энергией
созидания: «Отделение тверди от воды»,
«Пророк Иезекиль», «Дельфийская сивилла» (1508–1512, Сикстинская капелла, Ватикан).
В 1536 году Микеланджело вернулся
в Сикстинскую капеллу, чтобы создать
фреску на алтарной стене «Страшный
суд». Композиция представляет собой
овальный водоворот нагих мускулистых
тел, в центре которого находится неузнаваемая атлетичная фигура Христа.
Произведение наполнено мощным движением, хаотичные перемещения грешников и праведников рождают ощущение диссонанса и драматизма. В спектре
эмоций персонажей господствует чувство страха и тревоги, ужаса и гнева,
человек в «Страшном суде» слаб, растерян и беззащитен. Так изменилось восприятие мира великого мастера, в этой
фреске он выразил свое разочарование
в ренессансных ценностях.
Вклад Микеланджело в эволюцию
мировой живописи был никак не меньше, чем в развитие скульптуры, его фрески стали образцом монументальных
произведений на столетия вперед. Не
менее важно влияние уникальной личности художника, его силы духа, творческой мощи и энергии, его несгибаемой воли и стремления достичь
божественного идеала.

179

Микеланджело. Давид, ок. 1501–1504. Академия
изящных искусств, Флоренция

Микеланджело.
Пьета, ок. 1499.
Собор Святого Петра.
Ватикан

Микеланджело.
Сотворение Адама,
ок. 1511. Сикстинская
капелла. Ватикан

МИЛЛЕ, Жан-Франсуа (Millet) (1814–
1875) — французский художник. Родился
в деревне Грюши близ Гревиля в Нормандии в семье сельского органиста. С детства Милле был приобщен к крестьянскому труду, что сыграло роль в будущем
выборе главных тем в творчестве.
Сначала Милле учился у местных учителей, затем отправился в Париж, где обучался у Поля Делароша. Начинал с сентиментальных жанровых и мифологических
сцен в академическом стиле: «Нимфы, отдыхающие в лесу» (1846, Художественный
музей, Феникс, США). Затем после знакомства с группой художников-барбизонцев, которые писали реалистичные пейзажи, он принял решение писать картины
на темы из крестьянской жизни. Картины Милле полны достоверных реалий тяжелого быта селян: «Веяльщик» (1848,
Частное собрание, США); «Крестьянки
с хворостом» (1858, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Человек с мотыгой» (1863, Музей Орсе, Париж). В работах художника
много поэзии, его герои показаны в созерцательной, немного статичной манере
на фоне умиротворяющего пейзажа, в результате чего их образы обретают символическое звучание: «Собирательницы
колосьев» (1857, Музей Орсе, Париж);
«Сеятель» (1850, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Анжелюс» (1857–1859, Музей Орсе, Париж). Творчество Милле повлияло на пути развития реалистической
традиции во многих европейских странах.
МИЛЛЕС, Джон Эверетт (Millais) (1829–
1896) — английский живописец. Родом
из Саутгемптона, прибыл учиться живописи в Лондон, в 10 лет за яркую одаренность был принят в Королевскую академию художеств.

181

Жан-Франсуа Милле. Пастушка, стерегущая стадо,
1863. Музей Орсе. Париж

Джон Эверетт Миллес. Гугенот, 1852.
Частное собрание

В 1848 году вместе с Данте Габриэлем Россетти и Холманом Хантом стал одним
из основателей «Братства прерафаэлитов», которые стремились предложить альтернативу академическому стилю. Стараясь уйти от идеализации евангельских сюжетов, Миллес в 1850 году написал картину «Христос в доме родителей» (Галерея
Тейт, Лондон), которая вызвала волну недовольства грубым натурализмом. Далее
он чаще всего избирал сюжеты из английской литературы и легенд для своих картин, которые написаны яркими красками с условной трактовкой объемов и пространства, но при этом автор довольно точно передал предметный мир вокруг
героев: «Марианна» (1851, Галерея Тейт, Лондон); «Гугенот» (1852, Частное собрание). В эти годы самой известной работой Миллеса, которая принесла ему долгожданный успех, стала «Офелия» (1852, Галерея Тейт, Лондон). В более поздние
годы его работы стали более сентиментальными, их художественный язык приблизился к салонным картинам. Миллес становится очень знаменитым, занимает пост
президента Академии и получает титул баронета: «Спелая вишня» (1879, Частное
собрание); «Мыльные пузыри» (1886, Частное собрание, Ливерпуль).
МИРО, Хоан (Miró) (1893–1983) — испанский художник. Учился в родной Барселоне
в Академии художеств. Первые работы выполнены в стилистике, близкой к фовизму
с радостной гаммой цветов: «Огород с ослом» (1918, Музей современного искусства,
Стокгольм); «Ферма» (1921, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В начале
1920-х годов Миро приехал в Париж, где сблизился с сюрреалистами и создал знаменитую картину «Карнавал Арлекина» (1924–1925, Художественная галерея ОлбрайтНокс, Буффало), предложив свой вариант развития сюрреалистической живописи.
Авторский стиль Миро отличается тем, что условное пространство заполнено абстрактными зооморфными и антропоморфными формами, силуэтами неведомых обитателей микромира или космоса: «Вспаханное поле» (1923–1924,
Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк); «Собака, лающая на луну» (1926, Музей искусства, Филадельфия). Постепенно художник пришел к беспредметному искусству,
в 1940-х годах создал блистательную серию «Созвездия», возникшую под влиянием ночного неба и звучания классической музыки: «Полуночная песнь соловья и утренний дождь» (1940, Галерея Перлс, Нью-Йорк); «Письмена и звезды,
влюбленные в женщину» (1941, Институт искусств, Чикаго).
В послевоенные годы художник много работал в сфере монументального искусства, создавал декоративные керамические панно и гобелены для штаб-квартиры ЮНЕСКО в Париже (1958), для Гарвардского университета (1961), для аэропорта Барселоны (1970).
Творчество Хоана Миро, открытое и самобытное, стало ярким примером авторского уникального стиля художника в эпоху всеобщей стандартизации.
МОДИЛЬЯНИ, Амедео (Modigliani) (1884–1920) — выдающийся итальянский
живописец и скульптор. Родился в Ливорно, учился в Академии во Флоренции
и Венеции.

182

С 1906 года жил и работал в Париже. В его
ранних работах чувствуется влияние творчества Поля Сезанна, Анри Мори Раймон де
Тулуз-Лотрека и фовистов: «Еврейка» (1908,
Частное собрание); «Виолончелист» (1909,
Коллекция Абельо, Мадрид). В первые годы
Модильяни увлекался «архаичной» скульптурой с лаконичными формами и удлиненными пропорциями, что значительно повлияло
на формирование авторской манеры живописи. В 1914–1916 годах создал серию портретных изображений в узнаваемом условном стиле
с вытянутыми, причудливо изогнутыми силуэтами: «Маргарита» (1916, Частное собрание);
«Макс Жакоб» (1916, Художественная галерея, Дюссельдорф). Несмотря на обобщенную
и подчас гротесковую характеристику своих
персонажей, автору удается передать индивидуальные особенности своей модели: «Хаим Сутин» (1915, Государственная галерея, Штутгарт); «Хуан Грис» (1916, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Жанна Эбютерн в шляпке» (1917–
1918, Частное собрание). Особое место в творчестве художника занимает серия изображений
обнаженной натуры, которая отличается выразительной интимной интонацией: «Лежащая
обнаженная» (1917, Государственная галерея,
Штутгарт); «Большая обнаженная» (1919, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
Жизнь и творчество Модильяни стали символом истинного таланта и мучительного поиска, без которого невозможно настоящее Искусство.
МОНДРИАН, Пит (Mondrian) (1872–1944) —
голландский художник-абстракционист. Первые навыки рисунка ему преподал дядя,
художник-пейзажист, затем Пит учился в Амстердамской академии художеств. Любимым
объектом для ранних экспериментов художника стало изображение дерева, которое после
знакомства с кубизмом постепенно приобрета-

183

Амедео Модильяни. Женщина в черном
галстуке, 1917. Частное собрание

Амедео Модильяни. Хуан Грис, 1915.
Метрополитен-музей. Нью-Йорк

ет схематичные и геометрические формы: «Серое дерево» (1912, Муниципальный музей, Гаага). В 1915 году он вместе
с архитектором и художником Тео ван
Дусбургом организовал художественную
группу «Де Стейл» («Стиль») и стал выпускать журнал с одноименным названием,
в первом же номере которого опубликовал статью «Неопластицизм в живописи».
Там Мондриан выразил свое мнение, что
многообразие мира можно передать через
перпендикулярные линии и прямые углы,
Пит Мондриан. Композиция с цветовыми
а также плоскости основных цветов. В своплоскостями, 1917. Частное собрание
их композициях-каркасах он сконструировал «новую пластическую реальность»: «Композиция с желтым и синим» (1929, Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам); «Композиция с красным и черным»
(1936, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Художник вкладывал в свои
картины глубокий философско-математический смысл, но спустя полвека его идеи
и образы стали основой минималистского дизайна и покорили весь мир.
МОНЕ, Клод Оскар (Monet) (1840–1926) — французский художник, один из основателей импрессионизма. Детство и юность Клода прошли в приморском Гавре, где он начал свой творческий путь с рисования карикатур.
С 1860 года жил в Париже, учился в Академии Сюиса, познакомился с Камилем Писсарро и современной пейзажной живописью. Моне, посетив школу
Глейра, сблизился с Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем, вместе они выезжали на этюды и постепенно формировали новый живописный язык: «Лес Фонтенбло» (1865, Художественный музей, Винтертур).
В раннем творчестве художник еще много внимания уделял большим картинам
с фигурами в полный рост: «Женщины в саду» (1866, Музей Орсе, Париж). Позже он сделал свой выбор в пользу пленэрных пейзажей, в которых фигуры играют
второстепенную роль: «Лягушатник» (1869, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
В следующее десятилетие техника Моне обретает уверенность, его работы наполняются светом и воздухом, композиции становятся подвижными, все больше напоминая случайный кадр: «Маки в Аржантёе» (1873, Музей Орсе, Париж); «Бульвар Капуцинок» (1873, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина,
Москва). Особенно выразительно художник передавал жизнь его любимой стихии —
воды: мосты и регаты на Сене, морские приливы и штормы, гавани и пляжи в любую
погоду и любое время года. Клод Моне не знал себе равных в живописной «водяной
феерии»: «Регата в Аржантёе» (1874, Музей Орсе, Париж); «Бурное море в Этрета»
(1883, Музей изящных искусств, Лион); «Скалы в Бель-Иль» (1886, Государственный
музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).

184

М
Клод Моне. Регата в Аржантёе, 1872. Музей Орсе. Париж

Клод Моне. Маковое поле в Живерни, 1890. Музей изящных искусств. Бостон

Клод Моне. На лугу, 1876.
Частное собрание

Клод Моне. Бульвар Капуцинок, 1873.
Музей искусств Нельсона-Аткинса.
Канзас-Сити
Клод Моне. Дама с зонтиком,
повёрнутая влево, 1886. Музей Орсе,
Париж

Клод Моне. Пруд с лилиями, 1899.
Национальная галерея. Лондон

В последние годы подход художника к созданию пейзажа приобрел более исследовательский характер, он приходит к созданию серий картин с близким мотивом, написанных в разные периоды. С конца 1880-х до 1900-х годов Моне штудировал изображения вокзалов и тополей, стогов сена и кувшинок, венецианских
дворцов и лондонских мостов. Знаменитой стала серия «Руанских соборов», в которых техника импрессионизма доведена до высшей точки, когда предмет полностью растворяется в потоках воздуха и света: «Руанский собор. Закат» (1892–1894,
Музей Мармоттан-Моне, Париж).
Долгий творческий путь Клода Моне был посвящен единому стилю — импрессионизму, который он создал, прожил его в развитии, изучил и исследовал различные вариации этого стиля, прошел все его стадии от расцвета до затухания.
Это уникальное явление в истории мирового искусства.
МОРО, Гюстав (Moreau) (1826–1898) —
французский художник, представитель символизма. Учился в Школе изящных искусств
в Париже, увлекался живописью романтиков Эжена Делакруа и Теодора Шассерио.
Два года изучал творчество старых мастеров в Италии, особенно дымчатые светотени Леонардо да Винчи и Корреджо. В результате сложился авторский метод Моро,
картины которого брали образные истоки
в мифологии и литературе. Первый успех
к художнику пришел после показа картины
«Орфей» на выставке в Салоне 1865 года.
Далее он работал над композициями, в которых преобладают таинственные пространства архаичных интерьеров либо экзотических пейзажей, затянутых туманом
и тающих в мерцающей полутьме, на их
фоне проявляются идеальные, прекрасные
фигуры героев, излучающих особый мистический свет: «Ясон» (1865, Музей Орсе,
Париж); «Эдип и Сфинкс» (1864, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Явление» (1876,
Музей Гюстава Моро, Париж). Благодаря
изысканной театральности композиции, декоративной палитре с оттенком красочной
мистики и эротики работы Моро широко известны, они оказали большое влияние
на возникающую волну символизма.

189

Гюстав Моро. Гесиод и Муза, 1891. Музей Орсе.
Париж

Эдвард Мунк. Крик, 1893. Национальный
музей искусства, архитектуры и дизайна.
Осло

МУНК, Эдвард (Munch) (1863–1944) — норвежский живописец, один из основоположников
экспрессионизма. Родился в Лётене в семье военного врача. В 1881–1883 годы учился в Школе рисования Осло, затем учился в Парижской художественной школе Бонна. Несколько
лет провел в путешествиях по Скандинавии,
Франции и Германии. В Париже Мунк познакомился с новым направлением в живописи —
постимпрессионизмом. К началу 1890-х годов создал первые работы в авторской стилистике: «Меланхолия» (1891–1892, Музей Мунка, Осло); «Поцелуй» (1892, Национальная галерея, Осло). Опора на литературные образы
сближает некоторые картины мастера с символизмом, прежде всего масштабный замысел
«Фриз жизни» (1892–1902), «поэма о жизни,
любви и смерти», центральным образом которого стало полотно «Танец жизни» (1889–
1900, Национальная галерея, Осло).
Одна из главных тем в творчестве художника — взаимоотношения мужчины и жен-

Эдвард Мунк.
Танец жизни,
1899–1900.
Национальная
галерея. Осло

190

щины во всем их напряженном драматизме: «Женщина. Сфинкс» (1894, Музей Мунка, Осло); «Ревность»
(1895, Художественные музеи в Бергене, Норвегия).
Наиболее ярко автору удавались композиции, в которых он экспрессивно и искренне раскрывал драматичные душевные состояния человека: «Отчаяние» (1894,
Музей Мунка, Осло); «Тревога» (1894, Музей Мунка,
Осло); «Крик» (1893, Национальная галерея, Осло).
Пережив тяжелые личные утраты и творческие надломы, Мунк на некоторое время попал в клинику, после чего его искусство обрело более уравновешенные
формы, стало созерцательным и сдержанным.
МУРИЛЬО, Бартоломе Эстебан (Murillo) (1618–
1682) — испанский живописец, представитель «золотого века» испанской живописи. Родом из Севильи, где учился живописи и прожил всю жизнь.
Наследник блестящих традиций Андалусской живописной школы, Мурильо занимался в основном религиозными росписями и картинами, работал в мягкой изящной манере с чертами барокко. Художник
часто трактует сюжеты из Библии как жанровые сцены: «Святое семейство с птичкой» (1649–1650, Музей Прадо, Мадрид); «Бегство в Египет» (1647–1650,
Палаццо Бьянко, Генуя); «Поклонение пастухов»
(1675–1680, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Славу мастеру принесли многочисленные изображения Мадонны, воплощавшие испанский идеал женской красоты: «Мадонна с младенцем» (1650–1655, Палаццо
Питти, Флоренция); «Мадонна-цыганка» (1675, Национальная галерея современного искусства, Рим);
«Мадонна с четками» (1650, Музей Прадо, Мадрид).
Кроме религиозных образов художник часто обращался к жанровым сценам, героями которых становились бедняки и маленькие бродяги в живописных
лохмотьях: «Мальчик с собакой» (1655–1660, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Мальчики едят виноград
и дыню» (1645–1646, Старая пинакотека, Мюнхен).
Виртуозная кисть Мурильо вызывала восхищение
воздушными переливами легкой светотени, называемыми «вапоросо» (от исп. vapor — «пар»), благодаря
чему он прославился далеко за пределами Испании.

191

Бартоломе Эстебан Мурильо. Мадонна
с младенцем, 1660. Рейксмузеум.
Амстердам

Бартоломе Эстебан Мурильо.
Маленький торговец фруктами,
ок. 1670–1675. Старая пинакотека.
Мюнхен

Альфонс Муха. Грезы, 1897. Месторасположение
неизвестно

Альфонс Муха. Отмена крепостного права на Руси.
Славянская эпопея, 1914. Моравски-Крумлов

МУХА, Альфонс (Mucha) (1860–1939) —
чешский художник, мастер театральной
и рекламной афиши в стиле модерн. Родом
из Моравии, где получил начальное художественное образование, затем учился в Мюнхене в Академии художеств и Академии
Жюлиана и Коларосси. Работал как книжный график в журналах и типографиях.
К 1894 году сформировал самобытный
вариант стиля модерн, который позже получил название «стиль Мухи». Первыми
примерами авторской графики чешского
художника стали красочные вертикальные
афиши театра «Ренессанс», где блистала
Сара Бернар: «Жисмонда» (1894, частное
собрание); «Дама с камелиями» (1896, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Обильный растительный
орнамент струящихся линий, изысканная палитра приглушенных цветов, динамичные гибкие силуэты женских фигур — основные черты «стиля Мухи». На
волне успеха автор создал декоративные
аллегорические серии в технике цветной
литографии: «Искусства» (1898); «Времена года» (1897); «Драгоценные камни»
(1900) (Фонд А. Мухи, Прага). В дальнейшем Муха работает как дизайнер: оформляет интерьеры, выпускает книги по декоративному искусству. Вернувшись в Прагу,
с 1912 года он работал над грандиозным
циклом картин «Славянская эпопея», в котором намеревался воплотить историю славян: «Отмена крепостного права на Руси»
(1914, Замок в Моравски-Крумлове). Серия из 20 масштабных полотен была завершена в 1928 году и подарена государству.
Альфонс Муха принадлежит к числу немногих художников, кому удалось
создать собственный стиль в искусстве,
востребованный в декоративном искусстве и поныне.

НАТЮРМОРТ — один из жанров изобразительного искусства, темой которого является представление неодушевленных объектов,
организованных в композицию. Термин происходит от фр. nature morte, ит. natura morta
(букв. — «мертвая природа»); в голл. языке —
stilleven, в нем. — Stilleben, в англ. — Still life
(букв. — «тихая, спокойная жизнь»). Одним из
главных условий формирования классического
натюрморта является выключение изображаемых предметов из окружающей среды.
Группы предметов изображались в картинах, фресках и рельефах издревле, но отдельным
жанром натюрморт становится на рубеже XVI–
XVII веков, когда возрастает интерес к окружающему миру, предметной среде. Бурный расцвет
жанра происходит сначала в произведениях Караваджо и его последователей, затем — в Голландии
и Фландрии в эпоху барокко. Появляются специализированные натюрморты по предметам изображения: цветочные, охотничьи, кухонные, рыбные
и овощные лавки, завтраки и десерты. Особняком стоит натюрморт «ученый кабинет», из которого произошла композиция «ванитас» (от лат.
vanitas — «суета сует») — натюрморт, изображающий предметы, символы бренности бытия.

Эверт Кольер. Натюрморт ванитас
с подсвечником, 1662. Институт искусств. Чикаго

Н
Эдуар Мане. Гвоздика и клематис
в хрустальной вазе, 1882. Музей Орсе.
Париж

Хуан Санчес Котан. Натюрморт с овощами и дичью,
1602. Музей Прадо. Мадрид

193

Караваджо. Корзина с фруктами, ок. 1596. Пинакотека
Амброзиана. Милан

Ян Давидс де Хем. Натюрморт с устрицами
и виноградом, 1653. Окружной художественный музей.
Лос-Анджелес

194

Хуан Грис. Стол музыканта, 1914. Частное
собрание

Новый импульс в развитии жанра возник в произведениях постимпрессионистов, кубистов и фовистов, которые через изображение простых предметов решали сложные формальные задачи новой выразительности. Другое отношение
к натюрморту в своей живописи демонстрировали символисты, сюрреалисты, художники поп-арта, по мнению которых любой предмет несет дополнительный
смысл, на чем и строятся композиции из знаковых объектов, создающих емкие
многозначительные образы.
НОЛЬДЕ, Эмиль (Nolde) (1867–1956) — немецкий художник, один из лидеров
экспрессионизма. Взял псевдоним по месту рождения — местечко Нольде на севере Германии. Настоящая фамилия — Хансен. Из крестьянской семьи, в детстве
учился на гравера и резчика, затем обучался в Карлсруэ в художественно-промышленном училище. Работал на мебельной фабрике, преподавал в ремесленном училище.
В 1890-х годах Нольде заинтересовался современным искусством и живописью, начинал с акварельных пейзажей. Затем поехал в Мюнхен, Милан, Вену
и Париж, где в 1899–1900 годах посетил Академию Жюльена и познакомился
с выставками современных художников. По возвращении он встретился с художниками группы «Мост». Спонтанная энергичная, яркая и вибрирующая живопись
Нольде сближает его с экспрессионизмом. В 1906–1907 годах он входил в объединение дрезденских художников.
В своем творчестве Нольде неоднократно обращался к неординарным интерпретациям библейских тем: «Сошествие Святого Духа» (1909, Государственные
музеи, Берлин); «Тайная вечеря» (1909, Национальная галерея, Копенгаген). Далее он заинтересовался пейзажами, решенными в контрастном эффектном красочном стиле: «Сад у Бурхарда» (1907, Вестфальский музей истории искусства
и культуры, Мюнстер); «Красные и желтые розы» (1907, Музей Вальрафа–Рихарца, Кёльн). Отдельное место в творчестве художника занимают сцены жизни
большого города с таинственным светом и гротескными персонажами: «В кафе»
(1911, Музей Фолькванг, Эссен). В более поздние годы художник сохранил интенсивную звучную палитру, но основные темы в творчестве стали занимать более декоративные пейзажи, натюрморты и жанровые сцены, в которых он выражал свои эмоции после многочисленных путешествий в дальние страны.

ОВЕРБЕК, Иоганн Фридрих (Overbeck) (1789–
1869) — немецкий художник, представитель романтизма, лидер «назарейцев». Родился в Любеке в семье юриста, ставшего позднее бургомистром. Учился
в Академии художеств в Вене. В 1809 году вместе со
своим другом Францем Пфорром создал «Братство
святого Луки» (Лукасбунд), поставив целью обновление искусства. Они призывали отвергнуть догмы
академизма и обратиться непосредственно к ренессансным авторитетам, к Альбрехту Дюреру и Рафаэлю. Свои стремления выразил в картине «Италия
и Германия» (1811–1828, Новая пинакотека, Мюнхен), где две женских фигуры, написанные в ренессансной манере, олицетворяют содружество итальянских и немецких традиций. В 1810 году члены
Лукасбунда уехали в Рим и поселились в пустовавшем монастыре Сант-Исидоро на холме Пинчо. Иоганн Фридрих Овербек. Портрет
Они вели почти монашеский образ жизни, за что Франца Пфорра, 1810. Старая
национальная галерея. Берлин
их стали называть «назарейцами».
Овербек участвует в создании фресок Дома Бартольди (1816–1817, Национальная галерея, Берлин) и Казино Массимо в Риме (1817–1827). Самое значимое его произведение — масштабная композиция «Торжество религии в искусствах» (1831–1840, Штеделевский институт, Франкфурт), где он цитирует
фрески Рафаэля.
Призывы и творчество назарейцев оказали значительное влияние на немецкое
искусство XIX века.
ОРОСКО, Хосе Клементе (Orozco) (1883–1949) — мексиканский живописец
и график, один из главных новаторов в области монументальной живописи
XX века. В 1908 году поступил в Академию художеств в Мехико. Участник революции 1910 года, Ороско стал одним из основателей «Синдиката революционных живописцев, скульпторов и граверов», присоединившись к движению мурализма — настенных росписей в традициях доколумбовой живописи. Первые
монументальные росписи выполнил в начале 1920-х годов: «Дом изразцов» (1925,
Мехико). В них наметились основные темы в творчестве Ороско — его волновали судьба Мексики и ее народа, свобода человеческой личности и независимость
творца: «Борьба человечества» (1930–1931, Новая школа социальных исследований, Нью-Йорк); «Триумф свободного творчества» (1936, Университет в Гвадалахаре). Свои идеи мастер выражал экспрессивным художественным языком,
опираясь на национальное народное искусство мексиканцев, которое Ороско органично сплетал с новаторскими приемами модернистов. Поздние фрески отличаются эпическим размахом, острой почти гротесковой драматичностью, мощ-

196

Хосе Клементе
Ороско.
Человек огня,
1939. Роспись
в часовне
госпиталя
«ОсписиоКабаньяс».
Гвадалахара

ной динамикой живописных масс, предельной насыщенностью колорита: фрески
в здании Верховного суда (1936–1941) и холле госпиталя Хесус-Насарено (1942–
1944, на темы Апокалипсиса).
ОСТАДЕ, Адриан ван (Ostade) (1610–1685) — голландский живописец и график,
мастер жанровой живописи. Учился в Харлеме в мастерской Халса, где большое
влияние на него оказал известный жанрист
Адриан Браувер.
Чаще всего работы Остаде — это натуралистичные изображения крестьян в кабачках,
выпивающих, беседующих, выясняющих отношения или играющих на музыкальных инструментах: «Странствующий музыкант» (1648,
Эрмитаж, Санкт-Петербург). Сюжеты, как
правило, были сатирическими, автор грубовато и жестко высмеивал пороки игроков, гуляк и драчунов: «Крестьянская пирушка в таверне» (1635, Старая пинакотека, Мюнхен). За
свою жизнь мастер создал более трехсот картин, отличающихся достоверностью деталей
и убедительными персонажами. Особой выразительностью отличается его картина, где главный герой — это живописец перед мольбертом, охваченный вдохновением; возможно, это Адриан ван Остаде. Отдых
автопортрет Остаде: «Художник в мастерской» путешественника, 1671. Рейксмузеум.
(1663, Картинная галерея, Дрезден).
Амстердам

ПАЛЬМА ВЕККЬО (Palma Vecchio) (1480–1528) — итальянский живописец Якопо
д’Антонио Негретти, прозванный Пальма Старший (Веккьо), один из крупнейших
представителей венецианской живописной традиции Высокого Ренессанса. Родился
в предместье Бергамо, где обучался у Андреа Превитале, ученика Джованни Беллини.
Художник работал в стиле венецианских мастеров начала XVI века Джорджоне
и Тициана, писал искусно выполненные композиции, в которых персонажи располагались в пейзаже, окруженные дневным светом и воздухом, например распространенная иконография Святого Собеседования, когда Богоматерь изображена в окружении святых на фоне природы: «Мадонна с младенцем и святыми» (1520–1522, Палаццо
Россо, Генуя); «Святое семейство с Иоанном Крестителем и Марией Магдалиной»
(1508–1512, Музей истории искусств, Вена). Другое направление связано с одиночными полуфигурами мифологических персонажей, которые автор трактует более чувственно и фактурно: «Флора» (1522–1524, Национальная галерея, Лондон); «Сивилла»
(1520, Королевское собрание, Виндзор). Пальма Старший известен как автор созерцательных и глубоких портретов: «Портрет поэта» (1516, Национальная галерея, Лондон); «Портрет Франческо Кверини» (1527, Галерея Куэрини-Стампалия, Венеция).

Пальма Веккьо. Святое семейство со святыми, 1522. Музей истории искусств. Вена

198

ПАРМИДЖАНИНО (Parmigianino) (1503–
1540) — итальянский живописец, один из
лидеров маньеризма. Настоящее имя Пармиджанино — Джироламо Франческо Мария
Маццола, свое прозвище получил по месту
рождения — городу Парма. Отец и два брата
отца были художниками, они и стали первыми учителями Пармиджанино.
Мастер начинал свою профессиональную
деятельность под началом Антонио Аллегри
да Корреджо, который в это время работал
в Парме. Пармиджанино научился у маэстро
мягкой светотени и изысканному колориту
и отправился в Рим. Первые же работы показали уникальность его художественной системы,
разрыв с классическим подходом ренессансного искусства: «Видение Святого Иеронима»
(1526–1527, Национальная галерея, Лондон);
«Мадонна с розой» (1527–1530, Картинная галерея, Дрезден). Склонность к визуальным
эффектам («Автопортрет в выпуклом зеркале», 1524, Художественно-исторческий музей, Вена); изощренность линий и нарушение
пропорций в сочетании с утонченным серебристо-серым колоритом («Мадонна с длинной шеей», 1534, Галерея Уффици, Флоренция) — все это делает манеру Пармиджанино
очень узнаваемой, а его образы — отстраненными и холодными. В портретных композициях, блестяще исполненных, также проявляется
эстетика маньеризма — его аристократичные
модели выглядят отвлеченными и статичными:
«Портрет молодой женщины (Антея)» (1530е, Национальный музей и музей Каподимонте, Неаполь).
ПЕЙЗАЖ — жанр изобразительного искусства.
Его предметом является изображение местности, окружающей среды, естественной или
преобразованной человеком природы. Слово
происходит от фр. paysage, от pays — «страна, местность». В зависимости от предмета

199

Пармиджанино. Галеаццо Санвитале, князь
Фонтанелатто, 1524. Музей Каподимонте.
Неаполь

Пармиджанино. Мадонна с розой, 1527–1530.
Картинная галерея. Дрезден

изображения различают природный, сельский, городской, морской (марина) пейзажи. Часто художники изображают архитектурные сооружения. Представления
конкретных строений называют ведутой, фантазийные виды со зданиями — каприччио, если на пейзаже изображены полуразрушенные древние памятники,
такие картины называются «руины». Позднее появились изображения промышленных сооружений, названные индустриальными пейзажами. Кроме того, различают пейзаж конкретной реально существующей местности и пейзажное изображение сочиненных с помощью воображения пейзажных видов.
Со временем отображение особенностей реального ландшафта стало ведущим направлением в живописи, появились пленэрные пейзажи, написанные
на натуре. Но в любом случае пейзаж — это не просто изображение, а художественный образ природной и городской среды, ее определенная интерпретация, которая будет уникальной у каждого автора. Изображения природы в живописи появились еще в позднем Средневековье, но как отдельный жанр пейзаж
оформился на излете Ренессанса к середине XVI века.
Пейзаж менялся вместе с основными стилевыми тенденциями, всегда оставаясь одним из самых востребованных жанров. Пройдя через этапы барокко,
классицизма и романтизма, он переживает пик своего развития в эпоху реализма. Новую жизнь пейзажу дали импрессионисты, создав вид пленэрной картины. В ХХ веке жанр пейзажа приобрел еще одно качество: теперь природу стали
изображать авангардным языком, но она по-прежнему остается одним из главных предметов изображения для современных художников.

Аннибале Карраччи. Речной пейзаж, 1590. Национальная галерея искусства. Вашингтон

200

Альфред Сислей. Дождь
в Морэ-сюр-Луан, 1891.
Частное собрание

Поль Гоген. Бретонский пейзаж
со свинопасом, 1888.
Частное собрание

Франческо Гварди. Каприз
с разрушенной аркой, 1781.
Музей Кэннон-Холл.
Великобритания

Джон Констебл. Долина в Дедхеме, 1828. Национальная галерея Шотландии. Эдинбург

ПЕРУДЖИНО, Пьетро ди Христофоро Вануччи (Perugino) (ок. 1450–1523) —
знаменитый итальянский живописец эпохи Позднего Кватроченто, учитель Рафаэля. Родился в небольшом городке Чита делла Пьеве неподалеку от Перуджи —
столицы Умбрии. Отсюда произошло и прозвище художника — Перуджино.
Возможно, что первым его учителем был Пьеро делла Франческа, с 1470 года
учится во Флоренции в мастерской Андреа Верроккьо.
Работы Пьетро отличаются изяществом образов, пластичностью силуэтов,
тонко проработанным пейзажным фоном, гармоничными ритмами и чистыми
линиями, что особенно ярко проявилось в изображении Мадонн: «Явление Мадонны святому Бернарду» (1494, Старая пинакотека Мюнхен); «Мадонна с четырьмя святыми» (ок. 1498, Ватикан, Рим); «Мадонна со святыми» (1499, Национальная галерея, Лондон).
В 1479–1482 годах работал над грандиозным заказом Ватикана, расписывал
стены Сикстинской капеллы вместе с Сандро Боттичелли и Доменико Гирландайо. Его фреска «Передача ключей апостолу Петру» по праву считается шедевром живописи Кватроченто. Утонченная и мягкая живопись Перуджино была
так востребована, что в 1490-х годах он работал в двух мастерских — в Перуд-

Пьетро Ди Христофоро Вануччи Перуджино. Вручение ключей апостолу Петру, 1480–1482. Фреска
в Сикстинской капелле. Ватикан

203

же и Флоренции, именно в эти годы у него
обучался Рафаэль.
Творчество Перуджино проникнуто возвышенной поэтикой и лиричностью, оно изящно
завершило эпоху Раннего Возрождения, оказав
большое влияние на следующее поколение.
ПЕХШТЕЙН, Макс (Pechstein) (1881–1955) —
немецкий художник, один из лидеров экспрессионизма. Родился в саксонском городке
Эберсбахе. Учился в Дрездене в Художественно-промышленном училище и Академии художеств. В 1906 году примкнул к художникам
группы «Мост». Благодаря поездке в Париж познакомился с живописью Поля Гогена и фовистов, с тех пор отдавал предпочтение яркой
палитре и обобщенным контурам: «Девушка в красном у стола» (1910, Музей Фолькванг,
Эссен); «Три нагие фигуры в пейзаже» (1911,
Пьетро Ди Христофоро Вануччи
Национальный музей современного искусства,
Перуджино. Мадонна с младенцем, 1501.
Париж). Художник несколько лет работал в БерНациональная галерея искусства. Вашингтон
лине, где в 1910 году создал выставочное объединение «Новый сецессион». В 1913–1914 годах совершил путешествие на острова Палау в Тихом океане, после чего написал картины на темы островной жизни. В годы
Первой мировой войны воевал, затем поддержал революцию 1918 года. В межвоенный период занимался монументальными проектами и преподавал в Берлинской
академии художеств, его картины стали более спокойными, а персонажи менее угловатыми и искаженными. Многие произведения погибли в годы нацистской диктатуры, когда он был причислен к «дегенеративным» авторам.
ПИКАССО, Пабло (Picasso) (1881–1973) — французский живописец испанского
происхождения. Универсальный мастер: ярко проявив себя в живописи, графике,
скульптуре, прикладном и монументальном искусстве, Пикассо стал самым знаменитым художником ХХ века. Родился в Малаге (Испания) в семье учителя рисования,
свои способности проявил в раннем детстве. Учился в Барселоне в Школе изящных
искусств, затем в 16 лет поступил в Академию художеств в Мадриде. Приехав в Париж, заявил о себе серией картин 1901–1903 годов, когда героями картин стали бесприютные нищие, изображенные на синем фоне. Отсюда название этих лет в творчестве Пикассо — «голубой период»: «Старый гитарист» (1903, Художественный
институт, Чикаго); «Любительница абсента» (1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В 1904–1906 годах настроение и тематика картин художника поменялись: писал сцены из жизни бродячих артистов и цирковых. Их колорит становится более сложным,

204

он строится на изысканных теплых тонах — «розовый период»: «Семья комедиантов» (1905, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Девочка на шаре» (1905,
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).
В 1907 году в творчестве Пикассо произошел радикальный перелом: пройдя через увлечение эстетикой африканской скульптуры («Авиньонские девицы», 1907,
Музей современного искусства, Нью-Йюрк), он приходит к новой художественной системе — кубизму, разбивая предметы на плоскости и соединяя их в произвольном порядке. Первые работы состоят из мелких граней и осколков, они почти
монохромны, имитируют цвета дерева: «Портрет Вильгельма Уде» (1910, Частное
собрание); «Обнаженная» (1910, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Затем мастер увлекся коллажами с применением надписей, газет, афиш, кусков обоев: «Композиция с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В 1920-е годы сотрудничал с театрами, в том числе труппой Дягилева,
пробует себя в сценографии. Под влиянием своего окружения возвращается к неоклассике и пишет изысканные портреты с тонким рисунком: «Портрет балерины
Ольги Хохловой» (1917, Музей Пикассо, Париж); «Сидящий Арлекин» (1923, Национальный музей современного искусства, Париж). В 1926 году сблизился с сюрреалистами и работал в стиле, близком к ним, создал фантасмагорические образы-монстры: «Фигуры на пляже» (1931, Музей Пикассо, Париж). В 1930-е годы
в творчестве Пикассо возникают интонации трагизма и мрачности, в работах чувствуется тревога и ожидание катастрофы, мир в картинах начинает распадаться, возникает образ агрессивного начала — Минотавра (офорты «Минотавромахия», 1935;
«Натюрморт со свечой, палитрой и рогатой головой минотавра», 1938). На волне
тяжелых впечатлений от испанской войны он создал всемирно известную композицию «Герника» (1937, Центр искусств, Мадрид).
В годы войны Пикассо работал в Париже, сблизился с левыми и вступил в ряды
коммунистической партии. После победы создал ряд панно, наполненных оптимистичным настроением: «Радость жизни» (1946, Музей Пикассо в Антибе). Последние десятилетия работал над живописными и графическими сериями, в которых предлагал свои вариации и размышления на темы классических произведений
литературы и живописи: «Менины. Интерпретация № 2» (1957, Музей Пикассо,
Барселона); «Художник и модель. 5» (1963, Центр Помпиду, Париж); «Алжирские женщины», версия E (5) (1955, Сан-Франциско).
Судьба и творчество Пабло Пикассо вызывает живой интерес, поскольку является отражением духовной жизни всего столетия с его метаниями, поисками,
революционными переменами, трагизмом и сарказмом.
ПИРОСМАНАШВИЛИ (ПИРОСМАНИ), Нико (1862–1918) — грузинский художник, один из самых известных мастеров «наивного искусства». Родился
в 1862 году в селе Мирзаани в Кахетии в крестьянской семье. Оставшись рано сиротой, работал пастухом, затем вместе с сестрами переехал в Тифлис. Пиросмани
рисовал с детства, учился у художников, которые расписывали вывески для лавок

205

и духанов. С 1890-х годов решил заниматься
только живописью, писал настенные панно,
вывески, портреты. Так постепенно сложился неповторимый стиль Пиросмани, который принес ему широкую известность. Он часто писал на темной клеенке, отсюда особая
строгость изображения, контрастные силуэты всегда выразительны, но лаконичны, колорит ограничен, но при этом довольно сложен.
Сюжеты картин просты и непритязательны —
это сцены из жизни горожан и крестьян, веселые застолья и серия поэтичных изображений
животных: «Вывеска пивной Закатала» (1895–
1903, Государственный музей искусств Грузии, Тбилиси); «Молотьба хлеба в грузинской
деревне» (1916, Национальная галерея, Тбилиси); «Жираф» (1905, Национальная галерея,
Нико Пиросмани. Жираф, 1905. Тбилиси
Тбилиси); «Актриса Маргарита» (1909, Музей
искусств, Тбилиси). В 1912 году с ним познакомились художники и критики братья Зданевичи, которые написали первые статьи о талантливом самоучке и выставили его картины в Москве. Вскоре он получил широкое признание, но в образе
жизни Пиросмани это ничего не изменило.

Нико Пиросмани.
Молотьба хлеба
в деревне, 1916.
Национальная галерея
Грузии. Тбилиси

206

ПИССАРРО, Камиль (Pissarro) (1830–1903) — французский художник-импрессионист. Родился в местечке Шарлотта-Амалия на острове Сен-Тома
(Антильские острова). Учился в Париже, затем работал торговцем, как отец,
но с 1853 года решил заниматься искусством. После путешествия в Южную Америку он отправился во Францию учиться живописи. Учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса, сначала находился под влиянием Жана-Дезире-Гюстава Курбе и особенно Камиля Коро, открыл для себя
пленэр. Затем познакомился с Клодом Моне и Полем Сезанном. Его живопись становится более светлой, яркой и фактурной. Писсарро выставлял
свои картины в Салоне отверженных, затем входил в группу, названную им-

Камиль Писсарро. Итальянский бульвар. Утро, солнечный свет, 1897. Национальная галерея искусства.
Вашингтон

207

Камиль Писсарро. Дилижанс. Дорога в Эннери, 1877. Музей Орсе. Париж

прессионистами, стал одним из мэтров импрессионизма и принимал деятельное участие во всех восьми выставках импрессионистов. С 1866 года
вместе с семьей жил в пригородах — Понтуазе, Эраньи и Лувесьене, — которые стали главными объектами изображения: «Красные крыши в Понтуазе» (1877, Музей Орсе, Париж); «Каштаны зимой в Лувесьене» (1879, Музей Орсе, Париж); «Сенокос в Эраньи» (1892, Институт искусств, Чикаго).
Его пейзажи проникнуты пристальным вниманием к природе, ее сезонным
изменениям, занятиям крестьян. Любимый мотив Писсарро — дорога, уходящая вглубь картины: «Дилижанс. Дорога в Эннери» (1877, Музей Орсе,
Париж). В последнее десятилетие писал парижские улицы и бульвары в разные сезоны: «Улица Сент-Оноре после полудня» (1897, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид). Мастер оставался верен пленэрной пейзажной живописи
до конца жизни.

208

ПОЛЛАЙОЛО, Антонио дель (Pollaiuolo)
(1433–1498) — итальянский живописец,
скульптор, ювелир, старший брат художника Пьетро дель Поллайоло (1441–1496),
который работал его помощником. Оба
брата родом из Флоренции, учителем Антонио был мастер Андреа дель Кастаньо.
Поллайоло сначала обрел известность
как ювелир и скульптор, выполнив несколько значимых церковных заказов.
В живописных работах основное внимание он уделял точности передачи анатомии и пластики персонажей — цикл
небольших картин на тему подвигов Геракла, выполненных для Пьеро Медичи:
«Геракл и Антей» (1470–1480, Галерея
Уффици, Флоренция); «Геракл и Деянира» (1470-е, Художественная галерея
Йельского университета, Нью-Хейвен).
Самой известной из дошедших до нас
композиций стала картина «Святой Себастьян» (1475, Национальная галерея,
Лондон), в которой убедительно и динамично изображенные фигуры доминируют над далеким и подробным пейзажем.

Антонио дель Поллайоло. Святой Себастьян,
1475. Национальная галерея. Лондон

ПОЛЛОК, Джексон (Pollock) (1912–1956) — американский художник, один из
наиболее известных представителей абстрактного экспрессионизма 1950-х годов. Родился в семье фермера в штате Вайоминг. Учился в Высшей школе прикладного искусства (1925–1929, Лос-Анджелес) и в Нью-Йоркской
лиге изучающих искусство (1930–1931), в 1936 году посещал экспериментальную мастерскую Давида Сикейроса. Первые экспрессивные работы были
выполнены под впечатлением от знакомства с живописью сюрреалистов, которые пробудили интерес Поллока к роли «бессознательного» в творчестве: «Волчица» (1943, Музей современного искусства, Нью-Йорк); «Мужское и женское» (1942, Музей искусства, Филадельфия). После мучительных
поисков и экспериментов пришел к собственной художественной системе беспредметного творчества, которую назвал «дриппингом» (от англ. to
drip — «капать, стекать»). Это был новаторский метод, когда автор раскладывал холст на полу мастерской, а затем разбрызгивал кистью или расплескивал из банки краску разных цветов. Так были созданы знаменитые композиции: «Один: Номер 31» (1950, Музей современного искусства, Нью-Йорк);

209

«Осенний ритм» (1950, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Лавандовый
туман» (1950, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Процесс создания
картин Поллока был спонтанным, отражающим его внутреннее эмоциональное состояние, но он не был бесконтрольным, поскольку в картинах виден
подход профессионального художника
с тонким ощущением ритма, чувством
цвета и равновесия масс. Работы Поллока стали символом радикальных перемен в современном искусстве.
ПОНТОРМО, Якопо да (Pontormo)
(настоящая фамилия Каруччи) (1494–
1557) — итальянский художник, один
из основоположников маньеристического направления в искусстве Возрождения. Родился в тосканском местечке Понтормо (отсюда происходит
его прозвище) в семье живописца БарЯкопо да Понтормо. Встреча Марии и Елизаветы,
толомео ди Якопо ди Мартино Каруч1528. Церковь Сан-Микеле. Карминьято
чи. Учился в основном в мастерской
Андреа дель Сарто (с 1512 года) — вместе с Россо Фьорентино, с которым сотрудничал в ранний период. Жил преимущественно во Флоренции.
Первые работы Понтормо близки к произведениям его учителей — равновесие
в построениях и гармония в пропорциях: фреска «Посещение Марией Елизаветы» (1514–1516, церковь Сантиссима-Аннунциата, Флоренция). Через несколько
лет в его творчестве произошел отход от традиции к формированию собственной
манеры: композиции становятся виртуозными, диссонансными, неустойчивыми,
фигуры деформируются, вытягиваясь и изгибаясь, палитра состоит из напряженных вспыхивающих сочетаний интенсивных цветов. Примеры: «Встреча Марии
и Елизаветы» (1528–1530, Церковь Сан-Микеле, Карминьято); «Положение во
гроб» (1526–1528, Церковь Санта-Феличита, Флоренция); «Мадонна со святым
Иосифом и Иоанном Крестителем» (ок. 1520, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
ПОРТРЕТ — жанр изобразительного искусства, посвященный изображению конкретного человека или группы людей. Необходимое требование, предъявляемое
ко всякому портрету, — передать индивидуальное сходство, отталкиваясь от которого художник создает определенный образ, используя для этого различные

210

средства художественной выразительности.
Термин происходит от фр. portrait, от старофр. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту»; в современном значении
стал употребляться с XVII века, когда Андре Фелибьен, друг Николы Пуссена, предложил использовать слово «портрет» для
«изображения конкретного человеческого
существа».
Портрет — один из древнейших жанров
изобразительного искусства, первоначально
он имел культовое назначение, отождествлялся с душой умершего. Расцвет портретного жанра в Новое время начался с эпохи Возрождения, когда возросло внимание
к личности человека, ее уникальности и индивидуальным особенностям. В последнее
столетие портретный жанр в своем традиционном виде остался в фотоискусстве и гиперреалистических течениях, в модернизме
портрет обрел условные формы, только частично сохранив свои жанровые черты.
Жанр портрета существует в различных
видах изобразительного искусства: есть
живописные, графические, скульптурные
и фотопортреты. В живописи портреты
могут быть станковыми, монументальными
и миниатюрными. По способу представления модели различают портреты парадные,
камерные и интимные, композиционно
они классифицируются на погрудные, поясные, в полный рост и даже конные. По
числу представленных моделей портреты
можно разделить на одиночные, двойные,
групповые, включая семейные. Если портреты написаны на разных холстах, но согласованы между собой по композиции,
формату и колориту, их называют парными. Отдельным видом портрета можно
считать изображение самого автора — автопортрет. Часто они составляют серии из
нескольких работ.

211

Харменс ван Рейн. Портрет Яна Сикса, 1654.
Коллекция Сикса. Амстердам

Поль Сезанн. Портрет Виктора Шоке, 1876.
Частное собрание. Винтертур

Питер Пауль Рубенс. Конный портрет
герцога Лерма, 1603. Музей Прадо. Мадрид
Франсуа Клуэ. Портрет Карла IX, 1562.
Музей истории искусств. Вена

Поль Гоген. Автопортрет в шляпе, 1893.
Музей Орсе. Париж

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ
(от
фр.
postimpressionisme, от лат. post — «после»
и «импрессионизм») — совокупность направлений, возникших во французском
искусстве во второй половине 1880-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Хронологически часто постимпрессионизму отводят два десятилетия: от
последней выставки художников-импрессионистов, состоявшейся в 1886 году, до
1906 года, начала кубизма и фовизма.
Ведущие художники — Поль Сезанн,
Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Анри де
Тулуз-Лотрек — унаследовали достижения импрессионизма (чистые цвета, свободная живописная манера), однако, отказываясь от принципа изображения натуры
в ее подвижности и изменчивости, стремились вернуть ясность композиции, целостность формы, материальность предметов, чтобы передавать в живописи
устойчивые состояния природы и вечные
духовные ценности.
Единого стилистического художественного направления постимпрессионизм собой не представляет, многие художники
этого периода искали собственный путь
дальнейшего развития живописного языка. За эти годы появилось несколько течений, которые относят к постимпрессионизму: неоимпрессионизм Жоржа-Пьера
Сёра и Поля Синьяка, клуазонизм Эмиля Бернара, символизм Одилона Редона
и группы «Наби».
Эпоха постимпрессионизма стала яркой вспышкой в развитии европейского
искусства, временем энергичных и в то
же время драматичных творческих исканий мастеров-одиночек и групп художников, которые привели к революционным
изменениям в изобразительном искусстве
в начале ХХ столетия.

213

Эдуар Вюйар. Женщина в полосатом платье, 1895.
Национальная галерея искусства. Вашингтон

Эмиль Бернар. Сборщицы яблок в Понт-Авене,
1888. Месторасположение неизвестно

Винсент Ван Гог. Оливковая роща, 1889.
Художественный музей. Гётеборг

Жорж-Пьер Сёра. Сидящая натурщица,
1887. Музей Орсе. Париж

Поль Сезанн. Горы в Провансе, 1890–1892.
Национальная галерея. Лондон

Андреа Поццо. Апофеоз Игнатия Лойолы, 1684–1694. Церковь Сант-Иньяцио. Рим

ПОЦЦО, Андреа (Pozzo) (1642–1709) — итальянский живописец и архитектор.
Родился в Тренто, учился в Ломбардии и Венеции. Особое влияние на Поццо
произвели фрески Паоло Веронезе. В 1665 году вступил в орден иезуитов, что
во многом определило его сферу творчества: росписи стен и потолков церквей
по всей Италии. Много работал в Риме, где создал свой знаменитый плафон —
«Апофеоз Игнатия Лойолы» в церкви Сант-Иньяцио, над которым трудился около 10 лет (1684–1694). Автор превращает всю многофигурную композицию в иллюзорное барочное пространство, яркое, красочное, наполненное патетическим
движением вверх к небесам. Сложно выстроенная перспектива и умелая организация пространства, которыми блестяще владел Поццо, оказала значительное влияние на развитие монументальной живописи по всей Европе.
ПУССЕН, Никола (Poussin) (1594–1665) — крупнейший французский художник, основатель стиля классицизм. Родился в Нормандии, около городка Ле Андели, в семье
военного. Азы художественного образования получил самостоятельно, изучая картины других художников. В 18 лет отправился в столицу продолжать обучение, серьезно занимался изучением математики, анатомии, античной истории, философии
и литературы, копировал картины в Лувре, а также посещал студии историческо-

217

го художника Жоржа Лаллемана и портретиста Фердинанда ван Элле. С 1623 года
жил в Италии, сначала побывал в Венеции, а через год добрался до Рима, где погрузился в изучение античных образцов и произведений Рафаэля. Параллельно с живописной практикой занимался теоретическими обоснованиями классического стиля,
его опоры на искусство древних. В Риме создавал исторические полотна на сюжеты из Плутарха и Светония, в которых прославлял гражданские добродетели героев
древности: «Смерть Германика» (1627, Институт искусств, Миннеаполис). В эти же
годы работал над серией картин, в которых поэтично повествует о природе любви
и верности, опираясь на сюжеты Овидия и Тассо: «Ринальдо и Армида» (1634, Государственный музей изобразительных искусств, Москва); «Царство Флоры» (1631,
Галерея старых мастеров, Дрезден); «Нарцисс и Эхо» (1629, Лувр, Париж); «Танкред и Эрминия» (1630, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Во всех своих картинах Пуссен, последователь рационального картезианства, находится в поисках идеальной красоты, для чего строит уравновешенную композицию, основанную на устойчивых геометрических фигурах: треугольнике или круге. Мастер обращался также к библейским сюжетам, которые трактовал в таком же
ключе: «Возвращение Святого семейства из Египта» (1638, Галерея Далвича, Лондон); «Моисей, иссекающий воду из скалы» (1648, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Никола Пуссен. Пейзаж с Орфеем и Эвридикой, 1650. Лувр. Париж

218

П
Никола Пуссен. Танец под музыку времени, 1640. Собрание Уоллеса. Лондон

Почти всю жизнь Пуссен прожил в Италии, в Париж возвращался в 1640 году по
приглашению Ришелье, но обстановка при французском дворе была чужда скрытному характеру Пуссена, и в 1642 году он вернулся в Рим. В 1650-х годах стиль Пуссена обретает зрелость и глубину, а также отточенность в деталях. В эти годы он
создает свой шедевр «Аркадские пастухи», находящийся в Лувре, где размышление
о скоротечности жизни заключено в элегантную художественную форму, выразительную и лаконичную. Последние десятилетия жизни мастера отмечены взлетом
его пейзажной живописи, он создал свой тип пейзажа, который назовут героическим. Пуссен пишет композиции, где на первом плане изображена мифологическая
или библейская сцена, но доминирует в картине природа: «Святой Иоанн на острове Патмос» (1645, Институт искусств, Чикаго); серия «Времена года» (1660–1665,
Лувр, Париж); «Пейзаж с Полифемом» (1649, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Созданный Пуссеном стиль назвали классицизмом, он был основой для творчества нескольких поколений художников в разных странах мира в течение двух столетий.

219

ПЬЕРО ДЕЛЛА ФРАНЧЕСКА (Piero della Francesca) (1406/1420–1492) — итальянский живописец, один из крупнейших мастеров эпохи Раннего Возрождения. Родился в Борго Санто Сеполькро в Умбрии. Сведений о ранних этапах жизни художника почти не сохранилось, неизвестна даже примерная дата
рождения. Первые упоминания о нем относятся к 1439 году, когда он выступает
помощником живописца Доменико Венециано в работе над фресками в одной
из церквей Флоренции. Безусловно, формирование самостоятельного почерка
Пьеро стало возможным только после знакомства с тосканской ренессансной
традицией, открытиями которой он в совершенстве овладел. Далее мастер работал над заказами в различных городах Италии. В середине века он трудился в Урбино, где создавал парные портреты герцога Федерико да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца, безусловные шедевры живописи XV века,
поражающие своим «космическим» видением пейзажа. В Ареццо Пьеро делла
Франческа создает цикл знаменитых фресок на тему «История животворящего креста» (1452–1466), где проявил себя как блестящий колорист. Центральной композицией цикла стало «Поклонение царицы Савской священному Древу», где персонажи пребывают в состоянии полусна. Их лица и фигуры лишены

Пьеро делла Франческа. Поклонение царицы Савской священному Древу, 1453–1464. Церковь Сан-Франческо.
Ареццо

220

Пьеро делла Франческа. Портрет герцога Монтефельтро и его супруги, 1450. Галерея Уффици.
Флоренция

нюансов, они условны и статичны, что традиционно для мастера, тогда как одеяния и пейзаж сотканы из тончайших оттенков и сложных красочных сочетаний. Так автор создает атмосферу призрачного видения. В последние годы,
осмысливая накопленный опыт, Пьеро делла Франческа писал теоретические
трактаты «О живописной перспективе» и «О пяти правильных телах», где речь
идет о математике. У художника было большое число последователей, он оказал огромное влияние на развитие венецианской, умбрийской и флорентийской школ живописи.
ПЬЕРО ДИ КОЗИМО (Piero di Cosimo) (1462–1521) — флорентийский живописец. Ученик Козимо Росселли. В 1481–1482 годы вместе со своим учителем
он работает над фресками Сикстинской капеллы в Риме. Затем работал во Флоренции, где писал алтарные композиции («Воплощение Иисуса», 1505–1507, Галерея Уффици, Флоренция), а также росписи и панно для палаццо и дворцов:
«Марс, Венера и Купидон» (1490, Государственный музей, Берлин), «Возвращение с охоты» (1505–1507, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Художник отличался светским куртуазным подходом к трактовке даже религиозных композиций, а также соединением реальности с фантазийными сценами. Оригинальность

221

Пьеро де Козимо. Персей освобождает Андромеду, 1513. Галерея Уффици. Флоренция

творческой манеры особенно ярко проявилась в работах «Смерть Прокриды» (1495,
Национальная галерея, Лондон) и «Персей освобождает Андромеду» (1513, Галерея Уффици, Флоренция). В портретах всегда с помощью яркой детали он
создавал запоминающийся образ: «Портрет Симонетты» (1500, Музей Конде,
Шантийи). Пьеро имел множество учеников, самые известные из которых —
Понтормо и Андреа дель Сарто.
ПЬЕТРО ДА КОРТОНА (Pietro da Cortona) (1596–1669) — итальянский живописец
и архитектор, представитель барокко. Настоящее имя — Пьетро Берреттини, Кортона — это родина художника. Его отец был резчиком по дереву. Пьетро учился
у Коммоди во Флоренции. В 1612 году попал вместе с учителем в Рим, там увлекся
барочной живописью «болонцев», а также манерой Тициана. В своей живописи старался сочетать пышность болонской школы и световоздушность венецианцев. После
ряда удачных станковых композиций («Похищение сабинянок», 1627–1629, Капитолийские музеи, Рим) приступил к декоративным росписям стен и потолков в храмах и дворцах римской знати. Огромную славу ему принес грандиозный плафон
в палаццо Барберини на тему «Триумф божественного Провидения» (1633–1639),
прославляющий понтифика Урбана Восьмого. Иллюзорное построение перспективы и создание фантастического пространства небесных высей, роскошь и пышность

222

при изображении десятков персонажей —
все это поражало воображение зрителей.
Сложивший стиль декоративно-монументальной живописи Кортона оказал воздействие на творчество Шарля Лебрена и Джованни Баттиста Тьеполо.
ПЮВИ ДЕ ШАВАНН, Пьер (Puvis de
Chavannes) (1824–1898) — французский
художник-символист. Родился в Лионе
в буржуазной семье, получил классическое
образование. Живописью решил заниматься после поездки в Италию. Учился у Эжена Делакруа и Тома Кутюра, что сначала
вносило эклектизм в творчество молодого
художника. Постепенно увлекся большими
стенными панно с аллегорическими сюжетами. В 1861 году писал первые успешные
композиции на темы: мир, война, работа и отдых. Далее следуют серии на темы
«Жития святой Женевьевы» (1874–1878)
для парижского Пантеона; «Аллегории
наук и искусств» в амфитеатре Сорбонны
(1887), где автор использовал технику живописи по холсту, наклеенному на стену.
Наибольшую
известность
получил
триптих «Священная роща», «Видение античности» и «Христианское вдохновение»
для украшения лестницы Дворца искусств
в Лионе (1883–1886), в котором наиболее
отчетливо проявилась творческая индивидуальность Пюви. Отличительной чертой его творчества стало сочетание классических приемов живописи (строгая
композиция, акцентированный контур,
идеализированные персонажи) с новаторским подходом к трактовке темы: отсутствие фабулы, многозначительная тишина
и статика, умиротворенный пейзаж. Такой
подход породил особый вариант символизма, когда идиллическая картина мира таит
в себе тревогу и тоску.

Пьетро да Кортона. Зал Юпитера, 1643–1647.
Палаццо Питти. Флоренция

Пьер Пюви де Шаванн. Девушки у моря, 1867.
Музей Орсе. Париж

РАУШЕНБЕРГ, Роберт (Rauschenberg) (1925–2008) — американский художник. Работал в основном в технике коллажа и редимейда. Учился в Художественном институте в Канзас-Сити (1947–1948), в Академии Жюлиана в Париже (1948). Первые работы представляли собой эпатажные произведения, направленные против абстрактного
экспрессионизма: так, он взял рисунок Виллема Кунинга, стер его и выставил под
названием «Стертый де Кунинг». Затем создавал холсты большого размера, покрытые белой краской и разными символами: «Белая картина с цифрами» (1959, частное
собрание). Позже начал работать над коллажами из газет, обрывков ткани, веревок,
растений и пластика, выкрашенных в черный или красный цвета. Вскоре появляются
две ключевые работы Раушенберга, как называл их автор, комбинации — «Кровать»
(1955) и «Монограмма» (1955–1959). В 1960-х годах художник начал использовать
шелкографию, перенося на картинную плоскость реалии американской жизни, например портрет Кеннеди, вырезки из газет с новостями, соединенные с репродукциями классических картин («Ретроактив 1», 1964, Уодсворт Атенеум, Хартфорд), что
рождает ощущение хаоса и абсурда. Универсальная, новаторская и всегда выраженная в острой художественной форме деятельность Раушенберга позволяет его причислить к художникам, которые породили американский поп-арт.

Рафаэль. Сикстинская мадонна, ок. 1512.
Галерея старых мастеров. Дрезден

РАФАЭЛЬ, полностью Рафаэлло Санти
(Raphael) (1483–1520) — итальянский живописец и архитектор, один из величайших мастеров эпохи Возрождения. Родился в семье
Джованни Санти (ок. 1435–1494) — живописца и поэта при дворе герцога Урбинского. В 1500 году Рафаэль переехал в Перуджу
и поступил в мастерскую Перуджино. Первые самостоятельные работы юноши, выполненные под влиянием учителя и умбрийских мастеров, отличались особым лиризмом
и изяществом: «Коронование Марии» (1503,
Пинакотека, Ватикан); «Обручение Марии»
(1504, Пинакотека Брера, Милан); «Мадонна Конестабиле» (1504, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Первые перемены в творчестве его
ожидали после приезда во Флоренцию, где
также находилась мастерская Перуджино.
Его поэтичная кисть нашла блестящую реализацию в серии образов Богоматери, которые
он создал в Тоскане; «флорентийские Мадонны» Рафаэля стали воплощением идеального,
прекрасного образа Марии для многих поколений художников: «Прекрасная садовница»

224

(1507, Лувр, Париж); «Мадонна в лугах» (1506,
Музей истории искусств, Вена).
В 1508 году судьба Рафаэля делает крутой
поворот: папа Юлий II приглашает его в Рим
расписывать залы (станцы) в Ватиканском
дворце. Это был самый грандиозный проект
в жизни мастера, он трудился над ним вплоть
до 1517 года. Самой знаменитой стала Комната
для печатей (Станца делла Синьятура), фрески
из этого зала вошли в золотой фонд мирового искусства как символ прославления идей гуманизма. Рафаэль посвятил их четырем сферам
духовной деятельности человека: богословию,
философии, юриспруденции и поэзии. Наиболее известной стала посвященная философии
фреска «Афинская школа», где автор проводит
идею преемственности своей эпохи (которую
назовут Возрождением) и Античности. Кроме
работы в Ватикане художник создавал фрески
на вилле Фарнезина, занимался археологическими раскопками древностей Рима и архитектурными проектами. Как станковый живописец
Рафаэль достиг расцвета в портретном жанре,
где создал ряд блистательных образов: «Портрет Бальдассаре Кастильоне» (1515, Лувр, Париж); «Донна Велата» (1516, Палаццо Питти,
Флоренция); «Портрет папы Юлия II» (1512,
Национальная галерея, Лондон). В римский
период мастер продолжил работать над образом Мадонны, в эти годы он написал всемирно
известные шедевры: «Мадонну Альба» (1510,
Национальная галерея искусства, Вашингтон);
«Мадонну в кресле» (1513, Палаццо Питти,
Флоренция); «Сикстинскую Мадонну» (1514,
Галерея старых мастеров, Дрезден). Последней
алтарной композицией Рафаэля стало «Преображение», которую мастер закончить не успел,
ее дописывал его ученик Джулио Романо.
Рафаэль умер скоропостижно от пневмонии
в 37 лет, не окончив многих начатых проектов,
но он успел создать прекрасную школу из своих
учеников и последователей, которые завершили

225

Рафаэль. Портрет Биндо Альтовити, 1512.
Национальная галерея искусства. Вашингтон

Рафаэль. Донна Велата, 1516. Палаццо Питти.
Флоренция

Рафаэль. Преображение, 1520. Ватиканская пинотека. Ватикан

Рафаэль. Парнас, деталь, 1511. Апостольский
дворец. Ватикан

Рафаэль. Мадонна Альба, 1511. Национальная
галерея искусства. Вашингтон

картины и фрески, начатые мастером. Рафаэль
стал воплощением гармонии Ренессанса и образцом гениально одаренного творца для многих поколений художников, ему подражали,
его творчество изучали, восхваляли, им восторгались на протяжении нескольких веков.

Жан Огюст Доминик Энгр. Портрет Луи
Франсуа Бертена, 1832. Лувр. Париж

Гюстав Курбе. Приветствие, 1854. Музей Фабра.
Монпелье

РЕАЛИЗМ (от позднелат. Reālis — «действительный») — направление в искусстве,
представители которого стремятся к наиболее полному и адекватному отражению
действительности в ее многообразии и типичных чертах. Различают реализм как творческий метод достоверного изображения
действительности, характерный для многих
авторов разных эпох, и стилевое направление в литературе и изобразительном искусстве, появившееся в середине XIX века параллельно в различных европейских странах.
Термин «реализм» в узком значении слова стали применять после выставки Гюстава
Курбе в 1855 году в специально созданном
«Павильоне реализма». Реализм XIX века
проявился раньше всего во Франции в жанровых сценах Гюстава Курбе и Джона Эверетта Милле и в пейзажах барбизонцев и Камиля Коро. В середине века он получил
широкое распространение в других странах,
особенно в России, где сначала появились
художники-реалисты «шестидесятники», а затем громко заявили о себе члены Товарищества передвижных художественных выставок.
Часто реализм XIX века был связан с политическими протестными движениями и ставил своей задачей обличение недостатков социального строя, такой вариант называли
«критическим реализмом». Как направление
реализм постепенно ушел со сцены на рубеже XIX–XX веков, уступив место символизму и модерну, но как художественный метод
точного отражения реальности он возрождается в новых вариантах и поныне.

228

Шарль-Франсуа Добиньи. Лодки на Уазе, 1865. Лувр. Париж

Эдуар Мане.
Завтрак
в мастерской,
1868. Новая
пинакотека.
Мюнхен

Жан-Франсуа Милле. Посадка картофеля,
1861. Музей изящных искусств. Бостон

РЕДОН, Одилон (Redon) (1840–1916) — французский художник и критик, один
из лидеров символизма. Родился в Бордо в семье предпринимателя. Первые уроки живописи получил в родном городе, затем поступил в Школу изящных искусств в Париже, а также учился литографии у Анри Фантен-Латура.
Главные персонажи произведений Редона — фантасмагорические существа
причудливых форм и очертаний. Первые десятилетия он посвящает черно-белой графике, создавая рисунки углем и серии литографических листов — «Noirs»
(«Черные»). Графика художника наполнена образами-галлюцинациями, всплывающими из мглы подсознания: «В мире мечты» (1879); «В честь Гойи» (1885);
«Искушение св. Антония» (1888). Один из «сквозных» образов — человеческий
глаз как олицетворение «зрячей души», всепроникающего духовного зрения, рисунки часто сопровождаются отрывками из текстов любимых авторов: «Глаз с головкой мака» (1892, Частное собрание).
В 1890-х годах произошел крутой поворот в творчестве Редона: он начал писать яркие цветные работы пастелью и маслом. Его живопись становится перламутровой, растекается пятнами интенсивного синего вокруг его ирреальных
персонажей, женских лиц или цветочных букетов: «Офелия среди цветов» (1905,
Национальная галерея, Лондон); «Пегас» (1900, Музей Хиршхорн и сад скульптур, Вашингтон); «Бирюзовая ваза» (1910, Частное собрание).

Одилон Редон. Офелия среди цветов, 1905. Лондон

232

РЕЙНОЛДС, Джошуа (Reynolds) (1723–
1792) — английский художник, теоретик
искусства и первый президент Королевской академии художеств. Родился в семье преподавателя в Плимптоне (графство Девоншир). С 1740 года учился
в Лондоне у портретиста Томаса Хадсона. В 1749 году предпринял большое путешествие по Европе, два года провел
в Италии, после чего сформировал собственный самобытный художественный
почерк. Кисть Рейнолдса обрела такую
легкость и свободу, что вскоре он стал
самым востребованным портретистом
в Англии. Он прекрасно чувствовал модель и находил характерный именно
для нее способ изображения: от камерного на фоне пейзажа («Портрет Нелли О’Брайен», 1760, Собрание Уоллеса,
Лондон) до возвышенного и аллегорического («Портрет миссис Мастерс в образе Гебы», 1782, Галерея Кенвуд-Хаус,
Лондон; «Портрет Сары Сиддонс в образе музы Трагедии», 1784, Художественная галерея Хантингтон, Сан-Марино,
США). Мужские портреты он обычно
писал подобно барочным историческим
полотнам, подчеркивая гражданские добродетели героев: «Портрет лорда Хитфилда» (1787, Национальная галерея,
Лондон); «Портрет полковника Тарлтона» (1782, Национальная галерея, Лондон). Заняв в 1768 году пост президента
Королевской академии художеств, написал несколько теоретических трудов
о живописи и доктрине «большого стиля». В 1784 году назначен придворным
художником короля. За свои достижения
в искусстве Рейнолдс получил звание английского пэра и стал сэром Джошуа.
Художник по праву считается одним из
лучших художников Британии.

233

Джошуа Рейнольдс. Портрет коммодора Августа
Кеппела, 1753. Гринвич
Р

Джошуа Рейнольдс. Герцогиня Девонширская
с дочерью, 1784. Чатсуорт-хаус. Дербишир

РЕЙСДАЛ, Якоб ван (Ruisdael) (1628 или 1629–1682) — голландский пейзажист. Фамилия Рейсдал очень значима для голландской пейзажной живописи:
широкой известности своими работами добился дядя Якоба — Соломон ван
Рейсдал (1600–1670), который писал речные берега, а позже — марины в монументальном стиле: «Переправа на пароме в окрестностях Арнема» (1651, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Именно Соломон стал главным учителем для племянника, который помогал ему в мастерской в Харлеме. В 1650-х годах Якоб
путешествовал по Германии и Голландии, остановился в Амстердаме, где работал пейзажистом до начала 1680-х годов.
Картины Рейсдала отличает панорамный взгляд на ландшафт, природа
в его произведениях имеет суровый и даже героический вид; изображаемая
обычно одинокая фигурка человека усиливает величие пейзажа с мощными
горами, руинами, кронами деревьев, даже водопадами и потоками: «Пейзаж
с руинами» (1675, Национальная галерея, Лондон); «Скалистый берег с водопадами» (1660–1670, Национальная галерея, Лондон); «Мельница в Вейке»
(1670, Рейксмузеум, Амстердам). С годами в пейзажах художника возрастает
беспокойство и тревожное настроение, что выражается в том, как автор пишет небеса: с клокочущими облаками, нависшими тучами, всполохами молний. Особенно проникновенными стали зимние виды, полные драматизма

Якоб ван Рейсдал. Зимний пейзаж в городе, 1670. Музей Тиссена-Борнемисы. Мадрид

234

Якоб ван Рейсдал. Мельница в Вейке, 1670. Рейксмузеум. Амстердам

и печали: «Каменные ворота у причала зимой» (1660-е, Художественный музей, Бирмингем); «Зимний пейзаж в городе» (1670, Галерея Тиссена-Бурнемисы, Мадрид).
РЕМБРАНДТ, Харменс ван Рейн (Rembrandt) (1606–1669) — крупнейший художник, живописец, рисовальщик, офортист, живший в Голландии в XVII веке.
Был шестым ребенком в семье зажиточного мельника Хармена Герритса в Лейдене. Фамилию ван Рейн семья получила по названию реки, на берегу которой
стояла мельница. Рембрандт получил хорошее образование в латинской школе,
а позже — в университете. К рисованию имел пристрастие с детства, первые уроки брал у местного художника Якоба ван Сваненбурга. Затем уехал в Амстердам, где его учителем стал исторический живописец Питер Ластман. В 1624 году
вернулся в Лейден и открыл вместе с другом Яном Ливенсом собственную живописную мастерскую. Сначала он писал картины на библейские сюжеты, а также портреты: они близки по стилистике к технике его учителей, последователей Караваджо: «Изгнание торгующих из храма» (1626, Государственный музей

235

Харменс ван Рейн Рембрандт. Автопортрет,
1628. Государственный музей. Амстердам

Харменс ван Рейн Рембрандт. Читающая
старушка, 1654. Частное собрание

изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва); «Портрет мужчины в берете
с перьями» (1626, Частное собрание). Уже
в эти годы художник написал множество
автопортретов, изучал освещение, фактуру,
а также мимику, психику, смену настроений и эмоций: «Автопортрет» (1627, Художественный музей, Индианаполис); «Смеющийся Рембрандт» (1628, Музей Гетти,
Лос-Анджелес); «Художник в мастерской»
(1628, Музей изящных искусств, Бостон).
В 1631 году Рембрандт обосновался в Амстердаме, где у художника появилась семья
и первые громкие успехи. В течение следующего десятилетия Рембрандт стал востребованным известным портретистом и историческим художником, он обрел свою
манеру: картины этих лет отличают мягкий
льющийся свет и сложная тональная живопись в красно-коричневой гамме: «Портрет
Саскии» (1634, Художественная галерея,
Кассель); «Анатомия доктора Тульпа» (1632,
Галерея Маурицхёйс, Гаага); «Пир Валтасара» (1634, Национальная галерея, Лондон);
«Жертвоприношение Авраама» (1635, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Автопортрет
с Саскией на коленях» (1635, Картинная галерея, Дрезден).
В 1642 году в творчестве художника наступил перелом, когда трагедии в его жизни совпали со скандалом вокруг большого группового портрета стрелковой роты
«Ночной дозор», который заказчики отвергли из-за новаторского подхода автора.
В эти годы живопись Рембрандта обретает глубину и проникновенность, позволяющие ему создавать поразительные по силе
воздействия картины. Главным выразительным средством для него становится очень
сложное освещение, то пронзающее лучами пространство картины, то рассыпающееся на яркие корпускулы, из-за чего эмоции

236

Р
Харменс ван Рейн Рембрандт. Пиры Валтасара, 1635. Национальная галерея. Лондон

персонажей заостряются, а драматизм в отношениях накаляется: «Христос в Эммаусе» (1648, Лувр, Париж); «Вирсавия» (1654, Лувр, Париж); «Давид и Урия»
(1665, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Возвращение блудного сына» (1660–1665,
Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В портретном искусстве Рембрандт достиг пронзительного мастерства, он
написал серию изображений стариков с поразительной силой и точностью характеристик: «Портрет старика в красном» (1654, Эрмитаж, Санкт-Петербург);
«Читающая старушка» (1654, Частное собрание); «Портрет жены брата» (1654,
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).
В последние десятилетия жизни мастер снова написал несколько проникновенных автопортретов, в которых он откровенно рассказывает о жизненных испытаниях и радостях, о достоинстве и силе духа, о надежде и отчаянии, о тяжелом бремени божьего дара и о любви к жизни: в 1652 и 1657 году из Вены, в 1654 году из
Касселя, в 1659 году из Эдинбурга, в 1660 году из Лувра, в 1669 году из Лондона.

237

Харменс ван Рейн Рембрандт. Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта
Виллема ван Рёйтенбюрга (Ночной дозор), 1642. Рейксмузеум. Амстердам
Харменс ван
Рейн Рембрандт.
Автопортрет, 1659.
Национальная галерея
искусства. Вашингтон

Харменс ван
Рейн Рембрандт.
Вирсавия
в купальне, 1654.
Лувр. Париж

РЕНИ, Гвидо (Reni) (1575–1642) — итальянский живописец эпохи барокко,
представитель болонского академизма.
Родился в Кальвенцано близ Болоньи.
Учился в Болонской академии братьев
Карраччи у Лодовико Карраччи. Следуя
правилам академизма, в первых работах
сохранял искренний драматизм: «Избиение младенцев» (1610, Национальная пинакотека, Болонья). В молодости находился под влиянием поисков Караваджо,
но вскоре отошел от натурализма и обратился к образам Рафаэля, которые служат
образцом для его идеализированных персонажей: «Давид и Голиаф» (1605, Лувр,
Париж); «Сусанна и старцы» (1620–1625, Гвидо Рени. Похищение Елены, 1629. Лувр.
Париж
Национальная галерея, Лондон).
В 1619 году возглавил Болонскую академию и стал лидером «большого стиля».
В его позднем творчестве появились элементы экзальтированных эмоций, театральной эффектности в популярных у публики повторяющихся образах Клеопатры, Сивиллы и Себастьяна:
«Самоубийство Клеопатры» (1635, Музей Прадо, Мадрид; 1630, Палаццо Питти, Флоренция); «Святой Себастьян» (1630-е, Палаццо Россо, Генуя; 1610, Музей Прадо, Мадрид).
Творчество Гвидо Рени как лидера академизма повлияло на многих последователей Болонской школы.
РЕНУАР, Пьер Огюст (Renoir) (1841–1919) — французский живописец, график.
Один из лидеров французских импрессионистов, участник импрессионистических выставок в 1870-е годах. Родился в Лиможе в семье портного, с детства работал на фарфоровой фабрике, расписывая сосуды, после чего решил продолжать заниматься живописью и отправился в Париж. Учился в Школе изящных
искусств, позже — в студии Шарля Глейра, где подружился с Клодом Моне, Фредериком Базилем и Альфредом Сислеем, с которыми начал работать над своими
первыми пленэрными пейзажами в Фонтенбло.
Ренуар под влиянием Моне оттачивал импрессионистическую технику в пейзажных работах, выполненных в пригородах и на улицах столицы, его кисть становится шелковой, палитра — размытой и дымчатой: «Купание на Сене» (1869,
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва); «Лягушатник» (1869, Национальный музей, Стокгольм); «Английские
груши» (1870, Музей Орсе, Париж); «Порыв ветра» (1872, Музей Фицуильяма,
Кембридж). Постепенно он отошел от чистых пейзажей и сконцентрировался

239

на жанре, который импрессионисты назовут «фигуры в пейзаже». Блестяще схваченные жесты, взгляды, взаимоотношения персонажей позволяют создать ряд композиций,
ставших знаменитыми: «Ложа» (1874, Галерея Курто, Лондон); «Перевернутый зонтик» (1872, Институт Кларков, Массачусетс);
«Прогулка» (1876, Музей Гетти, Лос-Анджелес). Особое место в творчестве Ренуара занимают женские образы, многие из них
стали классикой мирового искусства: «Парижанка» (1874, Национальный музей Уэльса,
Кардифф); «Жанна Самари» (1877, Госудаственный музей изобразительных искусств,
Москва); «На террасе» (1881, Институт искусств, Чикаго); «Качели» (1876, Музей Орсе,
Париж).
Ренуар был самым успешным портретистом среди импрессионистов, всегда внимательным и доброжелательным к своим
моделям: «Портрет Виктора Шоке» (1876,
Музей Оскара Райнхарта, Винтертур); «Мадам Шарпантье с детьми» (1878, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Альфонсина Фурнез» (1879, Музей Орсе, Париж); особенно
правдивыми были изображения детей: «Мадемуазель Легран» (1875, Музей искусств,
Пьер Огюст Ренуар. Танец в Буживале, 1883.
Филадельфия).
Музей изящных искусств. Бостон
Знаменитыми картинами Ренуара, созданными в период импрессионизма, стали многофигурные композиции «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876, Музей Орсе, Париж) и «Завтрак гребцов» (1881, Собрание Филлипса, Вашингтон), в которых органично и красочно показаны молодые
парижане на отдыхе в саду и у реки.
В 1880-е годы художник совершил путешествие в Италию, открыл для себя
красоту творчества Рафаэля и отошел от импрессионизма. Обе манеры художника можно наблюдать в знаменитой работе «Зонтики» (1881–1886, Лондон),
которую автор начал писать в мягкой размытой технике (правая часть), а завершил (левая часть картины) уже через пять лет в более графическом ключе. Теперь
он писал картины с подчеркнутым линейным началом и четкими контурами, все
больше внимания уделяя обнаженной натуре: «Коса» (1887, Музей Лангматта, Баден); «Белокурая купальщица» (1882, Пинакотека Аньели, Турин); «Большие купальщицы» (1884–1887, Музей искусств, Филадельфия).

240

Пьер Огюст Ренуар. Две сестры, 1881.
Институт искусств. Чикаго

Пьер Огюст Ренуар. Мадемуазель Легран,
1875. Музей искусств. Филадельфия

Пьер Огюст Ренуар. Коса, 1887. Частное собрание.
Баден

Пьер Огюст
Ренуар.
Зонтики,
1881–1886.
Национальная
галерея.
Лондон

РЕПИН, Илья Ефимович (1844–1930) —
русский художник. Родился в семье военного поселенца в Харьковской губернии.
Первые уроки рисования получил в Школе
военных топографов, затем работал в мастерской иконописца. Продолжил образование
в столице в Академии художеств, которую
с блеском окончил и получил возможность
стажироваться в Европе, где большое впечатление на него произвели импрессионисты.
Обновленный художественный язык Репин
с блеском использовал для пленэрных композиций: «Стрекоза» (1884, Третьяковская галерея, Москва); «На дерновой скамье» (1876,
Русский музей, Санкт-Петербург). Но своей главной темой художник считал большие
многофигурные холсты, правдиво и критически отражающие действительность: «Бурлаки
на Волге» (1873, Русский музей, Санкт-Петербург); «Крестный ход в Курской губернии» (1883, Третьяковская галерея, Москва).
Репин откликался на остросоциальные проблемы картинами, которые имели широкий
общественный резонанс: «Арест пропагандиста» (1889, Третьяковская галерея, Москва);
«Не ждали» (1888, Третьяковская галерея, Москва). Как исторический живописец он прославился полотнами, в которых доминируют
драматические или гротесковые сюжеты: «Запорожцы» (1891, Русский музей, Санкт-Петербург); «Иван Грозный и сын его Иван»
(1885, Третьяковская галерея, Москва).
И все же самым востребованным стал его
дар портретиста, за свою жизнь мастер создал
десятки блестящих изображений представителей всех сословий русского общества — от
парадных портретов императоров и аристократов до проникновенных образов своих
близких и друзей: «Савва Мамонтов» (1880,
Театральный музей им. Бахрушина, Москва);
«Осенний букет» (1892, Третьяковская галерея, Москва); «Портрет Стасова» (1883, Рус-

243

Илья Репин. Портрет художницы Елизаветы
Званцевой, 1889. Художественный музей
Атенеум. Хельсинки

Илья Репин. Мужчина в историческом
костюме с тиарой, год создания неизвестен.
Художественный музей Атенеум. Хельсинки

ский музей, Санкт-Петербург); «Николай II» (1895, Русский музей, Санкт-Петербург); «Графиня Головина» (1896, Русский музей, Санкт-Петербург).
В начале ХХ века Репин достиг славы и официального признания. По заказу двора несколько лет он работал над своим самым грандиозным проектом — полотном
«Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года». Мощная фигура Ильи Репина стала знаковым явлением в русской культуре рубежа XIX–XX веков.
РИБЕРА, Хосе (Ribera) (1591–1652), или Хусепе де Рибера, по прозвищу Спаньолетто («Маленький испанец») — испанский живописец. Родился в Хативе близ
Валенсии, учился у Франсиско Рибальты. В 1613 году уехал в тогда испанский
Неаполь, где прожил всю жизнь. В дальнейшем Рибера работал при неаполитанском дворе испанских вице-королей; в 1626 году — в Академии Святого Луки
в Риме. В Италии он изучал творчество старых мастеров и познакомился с открытиями Караваджо, которые произвели на него сильное впечатление. Он является
одним из самых ярких караваджистов в Европе, Рибера продолжил и развил идеи
Караваджо, сделав светотеневые контрасты основой своей виртуозной техники.
В своих произведениях в испанскую сдержанную и суровую манеру Рибера привнес красочность и сюжеты итальянского барокко. В основном он работал над религиозными картинами, его персонажи — это пламенные пророки и стойкие мученики: «Святой Иероним, внимающий
звуку небесной трубы» (1626, Эрмитаж,
Санкт-Петербург); «Мученичество святого Варфоломея» (1628–1630, Палаццо Питти, Флоренция); «Освобождение апостола
Петра из темницы» (1639, Музей Прадо,
Мадрид). А его жанровые сцены и портреты посвящены беднякам и бродягам,
они отличаются брутальным натурализмом и внутренним драматизмом: «Девушка с тамбурином» (1637, Частное собрание); «Хромоножка» (1642, Лувр, Париж).

Хосе Рибера. Мария Магдалина, 1635–1640. Музей
Прадо. Мадрид

РИВЕРА, Диего Мария (Rivera) (1886–
1957) — мексиканский живописец, художник-монументалист. Родился в Гуанахуато. С 1907 по 1921 год учился и работал
в Европе, освоил многие авангардистские
течения, от импрессионизма до кубизма. Вернувшись на родину, он включился в программу возрождения мексиканской монументальной живописи, изучал
индейское искусство и вдохновлялся им.

244

Первые росписи были сделаны в 1922–1923 годах в амфитеатре Боливара в Национальной подготовительной школе в Мехико, они имели широкий резонанс.
В следующие десятилетия Ривера с присущей ему энергией и революционным пафосом расписывал различные учреждения и дворцы в столице, став одним из лидеров мурализма. В течение 20 лет постоянно возвращался к своему самому масштабному проекту — фреске «История Мексики» для Национального дворца в Мехико
(1929–1952), где он в своем самобытном эпическом стиле размышлял о судьбах родной страны. В 1930-е годы работал в США, Детройте и Нью-Йорке, где ярко и образно показал неприглядные стороны индустриальной цивилизации. Творчество Риверы стало мощным импульсом для развития живописи во всей Латинской Америке.
РОБЕР, Гюбер (Robert) (1733–1808) — французский художник, мастер классицистического пейзажа руин. Родился в Париже в семье слуг дворянского дома.
Первоначально получал духовное образование, предполагая стать священником.
Но вскоре желание заниматься живописью привело Робера в Академию художеств, после обучения в которой он получил право на пансионерство в Италии,

Гюбер Робер. Прачки на берегу реки около руин круглого храма, 1770-е. Частное собрание

245

где провел 10 лет. Робер вернулся в Париж признанным мастером архитектурного пейзажа, выставил в Салоне 1767 года работу «Римский порт» (1766, Музей
школы изящных искусств, Париж), что принесло ему широкое признание.
Пейзажам Робера свойственны элегичность и мечтательность, мягкие световоздушные эффекты, которые сочетаются с четко выстроенной композицией и убедительными
деталями: «Храм Юпитера в Риме» (1760-е, Лувр, Париж); «Руины с обелиском в глубине» (1775, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина,
Москва); «Фонтан среди развалин» (1780, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В 1784 году художник был назначен хранителем Королевской коллекции в Лувре, что помогло в годы
Революции, когда его после непродолжительного ареста назначили вместе с ЖаномОноре Фрагонаром заниматься живописным собранием Лувра, который стал музеем.
РОЗА, Сальватор (Rosa) (1615–1673) — итальянский художник, актер, литератор, мастер пейзажа барокко. Родился в Аренелле близ Неаполя в семье землемера. В детстве учился у иезуитов и получил хорошее гуманитарное образование.

Сальватор Роза. Порт с руинами, 1640. Музей изобразительных искусств. Будапешт

246

Некоторое время занимался сочинительством и музыкой, затем решил обучаться
живописи у Франческо Фраканцано. Работал в Риме, затем обосновался во Флоренции, где 10 лет был придворным художником и музыкантом герцога Медичи.
Любимый жанр Розы — романтизированный пейзаж с живописными побережьями и скалами, ручьями и водопадами: «Пейзаж с мостом» (1645–1649, Палаццо Питти, Флоренция); «Скала с водопадом» (1640, Музей изобразительных
искусств, Будапешт). На картинах часто на первом плане разворачиваются мифологические или библейские сюжеты, батальные или жанровые сцены («Порт
с руинами» (1640, Музей изобразительных искусств, Будапешт); «Разбойники
на скалистом берегу» (1640-е, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Природа в его
пейзажах всегда таинственна, динамична и тревожна, что принесло автору широкую известность.
РОМАНТИЗМ (от фр. romantisme, от средневекового фр. romant — «роман») —
направление в искусстве. Наиболее ярко он проявился в литературе, музыке и живописи. Получил распространение во всех странах Европы и Америки. Наивысший пик романтизма приходится на первую
треть XIX века. Возник как реакция на рационализм философии Просвещения и искусства классицизма, предложив в качестве первоосновы творчества иррациональную силу
духа личности. Романтики открыли в человеке интуитивные глубины, неисчерпаемые
эмоциональные возможности; способствовали появлению новых, свободных форм в искусстве, отразивших ощущение непредсказуемости бытия. Наиболее ярко живописный
романтизм проявился во французском искусстве в творчестве Эжена Делакруа, Теодора
Жерико, Антуана-Жана Гро, Теодора Шассерио. Личностно-эмоциональное переживание
было главным в портретах, пейзажах и исторических картинах романтиков.
Романтическая живопись в противовес официальному академизму строилась на смелой
экспрессивной кисти, контрастных колористических столкновениях, полной динамики
и драматизма композиции. Романтиков мало
привлекала современность, она казалась им
слишком обыденной, их воодушевляла исто- Эжен Делакруа. Греция на развалинах
рия, прежде всего Средневековье, а также экзо- Миссолонги, 1826. Музей изобразительных
тика Востока, породившая волну ориентализма. искусств. Бордо

247

Теодор Жерико. Скачки
в Эпсоме, 1821. Лувр.
Париж

Уильям Тёрнер. Буря на море, 1842.
Галерея Тейт. Лондон

Эжен Фромантен. Охота на цапель,
1865. Музей Конде. Шантиньи

Искусство романтизма с его вниманием к внутреннему миру человека, прославлением свободы и творчества, стало уступать свои позиции с наступлением индустриальной цивилизации, которая несла с собой другие ориентиры.
РОССЕТТИ, Данте Габриэль (Rossetti) (1828–1882) — английский художник
и поэт. Родился в Лондоне. Его отец, итальянский эмигрант Габриэль Россетти,
был профессором итальянского языка в Кингз-колледже Лондонского университета. Данте Габриэль получил образование в Королевской академии искусств.
В 1848 году вместе с Джоном Эвереттом Милле, Уильямом Холманом Хантом
и другими основал «Прерафаэлитское братство», целью которого было обновление живописи путем точного наблюдения за природой и следования традиции
живописи Раннего итальянского Возрождения.

Данте Габриэль Россетти. Пиа де Толомеи, 1868. Музей искусств Спенсера. Лоуренс

251

Творчество Россетти-художника напрямую связано с его литературной деятельностью, темы его картин навеяны сюжетами и образами «Божественной комедии»,
средневековых легенд и античных мифов:
«Паоло и Франческа да Римини» (1855,
Галерея Тейт, Лондон); «Приветствие Беатриче» (1859–1863, Национальная галерея,
Оттава); «Елена Троянская» (1863, Кунстхалле, Гамбург). Его живопись отличается стилизацией под ранний Ренессанс,
плоскостные изображения с четкими контурами и яркими красками стали предвестием стиля модерн. Известность Россетти
принесли картины с выразительными женскими образами: «Прекрасная Розамунда»
(1861, Национальный музей Уэльса, Кардифф); «Беатриче Благословенная» (Beata
Beatrix) (1864–1870, Галерея Тейт, Лондон); «Водяная ива» (1871, Художественный музей, Делавер).
РОТКО, Марк (Rothko) (1903–1970) —
американский художник-абстракционист,
представитель направления живописи
«цветового поля». Имя при рождении —
Данте Габриэль Россетти. Сон наяву, 1880.
Маркус Роткович. Родился в ДаугавпилМузей Виктории и Альберта. Лондон
се в Российской империи. В 1913 году
в 10 лет с семьей переехал в США. Учился в Йельском университете.
Ранние фигуративные работы Ротко написаны в духе экспрессионизма: «Вход
в метро» (1938, Частное собрание); «Туннель» (1930-е, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Затем он писал символические композиции на грани абстракции: «Иерархические птицы» (1942, Национальная галерея искусства, Вашингтон);
«Медленный водоворот у края моря» (1944, Музей современного искусства, НьюЙорк). К 1950-м годам пришел к беспредметным масштабным полотнам, в которых
пульсирующие и гладкие плоскости разного цвета с размытыми контурами соединялись на одном холсте: «№ 14» (Darke Over Brown) (1963, Центр Помпиду, Париж); «Красное и оранжевое» (1955, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
В следующие десятилетия Ротко создавал серии своих медитативных композиций для университетов и общественных центров. Самым значимым проектом художника стала серия 1965–1967 годов для часовни Института религии и человека
в Хьюстоне, состоящая из 14 панно, выполненных в черном цвете.

252

РУБЕНС, Питер Пауль (Rubens) (1577–
1640) — выдающийся фламандский художник, лидер национальной школы
в XVII веке. Родился в Зигене в Вестфалии
в семье антверпенского юриста Яна Рубенса. Учился в Школе иезуитов, проявил
блестящие способности, овладел шестью
языками, получил хорошее гуманитарное
образование, что позволило в будущем достичь успехов на поприще дипломатии.
Живописи Рубенс учился у трех фламандских мастеров: Тобиаса Верхахта, Адама ван Норта и Отто ван Вена. В 1600 году
отправился в Италию. Провел 8 лет в Мантуе, где находился на службе герцога Гонзаго. В это время писал торжественные
алтарные образы и парадные портреты:
«Конный портрет герцога Лермы» (1603,
Музей Прадо, Мадрид). Вернувшись
в Антверпен, стал придворным живописцем эрцгерцогини Изабеллы. Первые заказы — алтарные триптихи «Воздвижение
Креста» (1610–1611) и «Снятие с Креста»
(1611–1614) для церкви Богоматери —
принесли Рубенсу громкую славу.
Открыв в 1608 году собственную мастерР
скую, Рубенс стал главой художественной Питер Пауль Рубенс. Портрет сыновей Альберта
и Николаса, 1627. Музей Лихтенштейн. Вена
школы, его учениками были Антонис ван
Дейк, Якоб Йорданс, Франц Снейдерс. Диапазон творений мастера огромен: он
писал многофигурные динамичные сцены на мифологические сюжеты, роскошные парадные портреты монархов и знати, красочные охотничьи композиции для
украшения дворцовых залов и, наконец, шедевры камерной портретной живописи, где моделями часто были члены его семьи. Примеры: «Битва греков и амазонок» (1618, Старая пинакотека, Мюнхен); «Портрет королевы Анны Австрийской»
(1625, Лувр, Париж); «Охота на тигра» (1615, Музей изящных искусств, Ренн);
«Портрет жены Изабеллы Брант» (1620, Художественный музей, Кливленд).
В 1620-е годы Рубенс работал в Париже для французского королевского дома.
Он написал для Марии Медичи цикл из 21 аллегорической картины на сюжеты
из ее жизни для украшения Люксембургского дворца: «Коронация Марии Медичи и Генриха IV в Сен-Дени» (1621–1625, Лувр, Париж). В 1620–1630-х годах
работал как художник и дипломат при дворах Карла I в Лондоне и Филиппа IV
в Мадриде.

253

Питер Пауль Рубенс. Пейзаж с радугой, 1636. Старая пинакотека. Мюнхен

Питер Пауль Рубенс. Охота на тигра, 1616.
Музей искусств. Ренн

Питер Пауль Рубенс. Вирсавия, 1635.
Галерея старых мастеров. Дрезден

Одной из главных тем в станковой
живописи для Рубенса становятся женские образы, он часто обращается к изображению обнаженной натуры, проявляя блестящую технику живописи:
«Вирсавия» (1635, Картинная галерея,
Дрезден); «Суд Париса» (1639, Музей
Прадо, Мадрид); «Персей и Андромеда» (1622, Эрмитаж, Санкт-Петербург);
«Похищение дочерей Левкиппа» (1618,
Старая пинакотека, Мюнхен). Ряд портретов, созданных в эти годы, можно
причислить к лучшим творениям мастера: «Соломенная шляпка» (1625, Национальная галерея, Лондон); «Камеристка инфанты Изабеллы» (1623–1626,
Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Шубка»
(1638, Музей истории искусств, Вена);
«Елена Фоурмен с детьми» (1636, Лувр,
Париж).
В последние годы увлекся пейзажной
живописью, в которую привнес эмоцио- Питер Пауль Рубенс. Жимолостная беседка, 1609.
нальность барочного стиля: «Пейзаж Старая пинакотека. Мюнхен
с замком Стен» (1635–1637, Национальная галерея, Лондон); «Крестьяне, возвращающиеся с полей» (после 1635, Палаццо Питти, Флоренция).
Мощная личность Рубенса дала импульс для расцвета фламандского барокко
Р
и объединила вокруг себя множество талантливых художников, которые определили всемирную значимость фламандской школы живописи на столетие вперед.
Сложнейшая виртуозная техника масляной живописи, которую в совершенстве
освоил Рубенс, является предметом восхищения для знатоков и любителей искусства во всем мире.
РУО, Жорж (Rouault) (1871–1958) — французский живописец и график, экспрессионист. Родился в Париже в семье краснодеревщика. В юности учился у мастера витражной живописи, затем поступил в Школу изящных искусств, обучался
у символиста Гюстава Моро.
Ранимый, тонко чувствующий и глубоко верующий Руо создал свой уникальный стиль, полный мистических экспрессивных и трагических образов. Он создавал гротескные образы людей дна, бродяг, артистов цирка, обнажая социальные пороки большого города: «Проститутка» (1906, Музей Пти-Пале, Париж);
«Трагический клоун» (1904, Частное собрание, Монтрё). Много внимания художник уделял христианским темам, которые звучали особенно пронзитель-

257

но в его авангардном прочтении: «Распятие» (1936, Частное собрание); «Голова
Христа» (1937–1938, Музей искусств,
Кливленд); «Вероника» (1945, Национальный музей современного искусства, Париж). Для труппы «Русский балет Дягилева» оформил балет «Блудный
сын» С. С. Прокофьева (1929, хореограф Дж. Баланчин). Он работал также
в области монументального и прикладного искусства (керамика, витраж, гобелен, эмаль). Руо был награжден орденом
Почетного легиона и другими высокими наградами.
РУССО, Анри Жюльен Феликс (Rousseau)
(1844–1910), прозванный Таможенником (Le Douanier) — французский художник. Родился в Лавале. Служил
сначала в армии, затем в налоговом веАнри Жюльен Феликс Руссо. Женщина
домстве.
в тропическом лесу, 1905. Фонд Барнса.
Занявшись живописью самостоятельФиладельфия
но в 1880-х годах, Руссо впервые показал свои работы в «Салоне независимых» 1886 года. На формирование самобытного стиля, который назвали «наивным искусством», повлияла народная
городская изобразительная культура: язык афиш, вывесок, лубочных картинок,
а также адаптация к языку примитива «высоких» образцов академизма (любимым художником Руссо был Жан-Леон Жером). Излюбленный жанр художника — «портрет-пейзаж»: «Женщина в тропическом лесу» (1905, Фонд
Борнса, Пенсильвания). Не владея правильной перспективой, Руссо придумал
собственный орнаментальный фон из бурно растущих растений, что стало его
визитной карточкой: «Тигр в тропическую бурю (Удивленный!)» (1891, Национальная галерея, Лондон); «Сновидение» (1910, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
Творчество Анри Руссо как альтернатива академической живописи оказало большое влияние на различные направления модернизма, включая фовистов
и сюрреалистов.
РУССО, Пьер Этьен Теодор (Rousseau) (1812–1867) — французский живописец и график, лидер барбизонской школы в живописи. Родился в Париже в семье преуспевающих буржуа. Его первым учителем был кузен, пейзажист По де
Сен-Мартен, затем учился в Школе изящных искусств.

258

Пьер Этьен Теодор Руссо. Пейзаж с крестьянкой, 1850. Реймс

Под влиянием Джона Констебла Руссо стал писать пейзажи на натуре.
В 1836 году он уехал в Барбизон, деревню близ леса Фонтенбло, объединив там
вокруг себя других художников-пейзажистов. Пейзажи живописца отличает величие и поэзия в самых обычных мотивах, изображенных достоверно и эмоционально. Он писал в летние месяцы натурные этюды в окрестностях Барбизона, затем зимой в парижской мастерской придавал им «законченный» вид: «Вид
в окрестностях Гранвиля» (1833, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Весна» (ок. 1850,
Музей Орсе, Париж); «Дубы в Апремоне» (1852, Лувр, Париж).
Творчество Теодора Руссо оказало активное воздействие на расцвет французского реализма, а также повлияло на развитие пленэрной пейзажной живописи
во всех странах Европы.

САВРАСОВ, Алексей Кондратьевич (1830–1897) — русский художник-пейзажист. Родился в купеческой московской семье. Учился в Училище живописи, ваяния и зодчества у Карла Рабуса. Саврасов начинал с романтических видов с живописными скалами и далями: «Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную
погоду» (1851, Третьяковская галерея, Москва); «Вид в окрестностях Ораниенбаума» (1854, Третьяковская галерея, Москва).
Художник много путешествовал, писал пленэрные этюды, познакомился с живописью Джона Констебла. Постепенно палитра Саврасова становилась более утонченной. Мотивы для произведений он избирал скромные, но их трактовка стала более вдумчивой и глубокой: «Лосиный остров в Сокольниках» (1869, Третьяковская
галерея, Москва); «Печерский монастырь близ Нижнего Новгорода» (1871, Художественный музей, Нижний Новгород). Самые проникновенные пейзажи с тонкими лирическими интонациями изображали любимую автором раннюю весну:
«Грачи прилетели» (1871, Третьяковская галерея, Москва); «Разлив Волги под Ярославлем» (1871, Русский музей, Санкт-Петербург); «Вид на Московский Кремль.
Весна» (1873, Русский музей, Санкт-Петербург). Избирая непритязательный мотив, художник виртуозно передавал цветовые нюансы, создавая глубокий душевный образ родной природы: «Проселок» (1873, Третьяковская галерея, Москва).
Саврасов своей художественной и педагогической деятельностью оказал колоссальное влияние на формирование школы русского лирического пейзажа.

Алексей Саврасов. Пейзаж с рекой и рыбаком, 1859. Художественный музей Рижской
фондовой биржи. Рига

260

САРДЖЕНТ, Джон Сингер (Sargent)
(1856–1925) — американский художник, портретист. Родился во Флоренции 12 января 1856 года. Учился во
флорентийской Академии художеств
(1870–1873) и в Париже в мастерской
модного портретиста Эмиля Огюста
Каролюс-Дюрана (с 1874 года).
Сарджент путешествовал по Европе,
знакомился с полотнами старых мастеров, из которых особенно ценил Диего
Веласкеса и Франса Халса за энергичный мазок. Среди современников выделял Эдуара Мане и Джеймса Эббота Макнейла Уистлера, под влиянием
которых сложился своеобразный почерк художника, соединявшего в своем творчестве черты импрессионизма
и модерна.
Вскоре Сарджент стал очень востребованным портретистом, особенно
в высшем обществе, поскольку его работы отличались виртуозностью, элегантностью, тонкой психологической
характеристикой модели и отличительной «изюминкой» в виде необычной позы или жеста, эффектной детали костюма или интерьера: «Мадам Х
(Готро)» (1884, Метрополитен-музей,
Нью-Йорк); «Р. Л. Стивенсон» (1884–
1887, Музей Тафта, Цинциннати); Джон Сингер Сарджент. Миссис Хью Хэммерсли,
1892. Метрополитен-музей. Нью-Йорк
«Миссис Дайер» (1890, Художественный институт, Чикаго). Его жанровые картины отличались более условной палитрой и графичностью: «Китайские фонарики» (1886, Галерея Тейт, Лондон).
САРТО, Андреа дель (Sarto) (1486–1531) — итальянский художник эпохи Высокого Возрождения. Родился во Флоренции в семье портного, поэтому получил прозвище Сарто (по-итальянски — «портной»). Настоящее имя — Андреа
д’Аньоло. Учился у Пьера ди Козимо, был впечатлен работами Леонардо.
В первой самостоятельной работе художника — фресках в церкви Сантиссима Аннунциата — проявились тонкое композиционное мастерство и дымчатая плывущая светотень: «Шествие волхвов» (1511); «Рождество Богоматери»

261

Андреа дель Сарто. Портрет скульптора, 1518.
Национальная галерея. Лондон

Андреа дель Сарто. Мадонна с гарпиями, 1517.
Галерея Уффици. Флоренция

(1513–1514). Сарто создал фресковые циклы для тосканских монастырей, алтарные
композиции для храмов Рима и Флоренции, среди которых знаменитой стала «Мадонна с гарпиями» (1517, Галерея Уффици,
Флоренция). Он написал ряд выразительных поэтичных портретных образов, которые отличаются пластической непринужденностью и тонкой эмоциональностью:
«Портрет скульптора» (1517–1518, Национальная галерея, Лондон); «Девушка с томиком Петрарки» (1526, Галерея Уффици,
Флоренция). Мягкость его кисти, сложность переливающейся палитры, безмятежная ясность персонажей сделала дель Сарто крупнейшим мастером флорентийской
школы эпохи Высокого Ренессанса. В зрелые годы он создал свою школу мастеров,
среди которых были Якопо да Понтормо
и Фьорентино Россо, ставшие лидерами
маньеризма.
СЕВЕРИНИ, Джино (Severini) (1883–
1966) — итальянский художник и теоретик искусства, один из лидеров итальянского футуризма. Родился в Тоскане, близ
Флоренции. Посещал в Риме художественную школу Gli incurabili (с 1899 года), где
познакомился с Умберто Боччони и Джакомо Балла. В 1906 году прибыл в Париж,
там попробовал себя в технике дивизионизма. В 1910 году присоединился к футуристам; в манифесте «Пластические аналогии динамизма» (1914) утверждал, что
«движение и свет разрушают материальность тел». Сочетая приемы дивизионизма, футуризма, кубизма, Северини изображает сцены с танцующими персонажами,
раскладывая движение на фазы, а форму
дробя на плоскости; фигуры на его картинах множатся, ритмы ускоряются, динамика звучит мажорными нотами благода-

262

ря яркости красочных аккордов: «Голубая
танцовщица» (1912, Частное собрание,
Милан); «Динамические иероглифы бала
Табарэн» (1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк); «Балерина и море»
(1913, Фонд П. Гуггенхайма, Венеция).
После отхода от футуризма Северини пишет несколько теоретических трудов («От
кубизма к классицизму», 1921) и приходит
к неоклассике.
СЕЗАНН, Поль (Cеzanne) (1839–1906) —
французский живописец, постимпрессионист. Родился в семье банкира в городке
Экс в Провансе. Учился в Муниципальной
школе рисунка (1857–1861) у Жозефа Жибера, параллельно получил юридическое
образование.
В 1861 году решился на разрыв с отцом
и уехал в Париж учиться живописи в Ака- Поль Сезанн. Портрет Мадам Сезанн с желтым
креслом, 1890. Институт искусств. Чикаго
демии Сюиса, где познакомился с Камилем Писсарро, который ввел его в круг будущих импрессионистов. Вместе
с Писсарро работал в Понтуазе, где его живопись стала светлее, он учил работать на пленэре: «Дом повешенного» (1873, Музей Орсе, Париж). Сезанн выставлялся на первых импрессионистских выставках, усвоив некоторые приемы
новой живописи, но в целом не стал импрессионистом, он продолжил искать
свой путь.
В конце 1880-х годов он удалился в Прованс, где непрерывно работал.
С
За 12 лет вдохновленного труда он написал около 300 холстов. Здесь сформировался его уникальный метод, он создавал формы объектов и пространство вокруг них только цветом, его краски лепят объемы, моделируют предметы, наполняя их пульсирующей жизнью. Чаще всего он обращался к пейзажу: «Дома
в Эстаке» (1880, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Горы в Провансе» (1880, Национальный музей Уэльса, Кардифф); «Большая сосна близ
Экса» (1895, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Самым главным жанром для решения формальных задач для Сезанна стал натюрморт: изображая фрукты, можно смело экспериментировать с формой, цветом, пространством, поэтому его натюрморты, а их написано около двух сотен, —
это самый новаторский жанр: «Натюрморт с корзиной яблок» (1894, Чикагский
институт искусств); «Натюрморт с кувшином и фруктами» (1894, Частное собрание); «Персики и груши» (1894) (Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).

263

В последние десятилетия Сезанн много трудился над исследовательскими циклами: одни посвящены фигурам в интерьере («Игроки в карты», 1890–1896),
другие — фигурам в пейзаже («Купальщицы», 1887–1904). Знаменитой серией стал пейзажный цикл, посвященный горе Сент-Виктуар, которая была видна из окна мастерской художника. Сезанн писал гору с разных ракурсов и сторон света более 20 раз как символ могущества и вечности всего мироздания:
«Вид на гору Сент-Виктуар со стороны карьера Бибему» (1898, Художественный музей, Балтимор); «Гора Сент-Виктуар» (1900, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Гора Святой Виктории со стороны долины» (1905, Государственный
музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).
Фигура Поля Сезанна оказалась ключевой для живописной революции начала ХХ века, новые поколения художников до сих пор черпают идеи из его произведений.

Поль Сезанн. Игроки в карты, 1892–1896. Институт искусства Курто. Лондон

264

Поль Сезанн. Гора Сент-Виктуар, 1904–1906.
Собрание Бюрле. Цюрих

Поль Сезанн. Натюрморт с кувшином
и фруктами на столе, 1894. Частное
собрание

Поль Сезанн. Дома в Эстаке, 1880.
Национальная галерея искусства. Вашингтон

СЁРА, Жорж Пьер (Seurat) (1859–1891) — французский живописец, основатель
неоимпрессионизма. Родился в Париже в состоятельной буржуазной семье, получил классическое образование. Учился в Школе изящных искусств (с 1878 года)
у Анри Лемана, ученика Жана Огюста Доминика Энгра.
После первой выставки импрессионистов Сёра решил изменить технику живописи, учился правильно раскладывать цвета на составляющие, для чего глубоко
погрузился в теорию цвета Мишеля Эжена Шеврёля. Художник много работал
в Нормандии на пленэре, где создал небольшие пейзажи, написанные раздельным
мазком в самобытной технике, которую сам автор назвал дивизионизмом: «Форт
Самсон» (1885, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Вечер в Гранкане» (1885, Музей
современного искусства, Нью-Йорк). Затем в новой манере он начал создавать
монументальные композиции: «Купание в Аньере» (1883, Галерея Тейт, Лондон);
«Воскресный день в Гранд-Жатт» (1886, Институт искусств, Чикаго), в которых
замершие в неподвижности фигуры растворяются в дымке зыбкого воздуха.
Проверенная теорией «усовершенствованная» техника Сёра уже не имела ничего общего со спонтанными импрессионистами, поэтому этому стилю было

Жорж Пьер Сёра. Воскресный день на острове Гранд-Жатт, 1884–1886. Институт искусств. Чикаго

266

дано название «неоимпрессионизм». Его
техника была настолько сложна и умозрительна, что художник успел написать
всего пять картин.
Картины Сёра произвели фурор среди молодого поколения своим новаторством. Очень многие модернисты
прошли через этап увлечения дивизионизмом.
СИКЕЙРОС, Хосе Давид (Siqueiros)
(1896–1974) — мексиканский живописец и график. Родился в Чиуауа. С юных
лет и до конца своих дней Сикейрос участвовал в политической жизни — сначала родной Мексики, а позднее в международном масштабе.
После разгрома (1913) подпольной
революционной организации, в которой
состоял художник, учась в художествен- Жорж Пьер Сёра. Канкан, 1890.
Музей Крёллер-Мюллер. Оттерло
ной школе «Санта-Анита», он эмигрировал. В Париже увлекся кубизмом, но вскоре отошел от него в убеждении, что назначение искусства — способствовать справедливому переустройству общества.
Возвратившись на Родину (1920), Сикейрос вступил в коммунистическую
партию. Вместе с Диего Риверой и Хосе Клементе Ороско организовал Синдикат революционных живописцев, скульпторов и граверов, участвовал в первой монументальной работе мексиканских художников — росписи Национальной подготовительной школы в Мехико (большая часть фресок была разрушена).
В 1930 году за политическую деятельность был арестован и отправлен в ссылку
в Таско, где создал большое число картин.
В 1932–1934 и 1935–1936 годах Сикейрос работал в США; там он украсил
росписями фасады зданий Художественной школы Чуинард и художественного центра Плаза в Лос-Анджелесе (1932), основал экспериментальную мастерскую. В 1944–1950 годах Сикейрос работал над фреской «Новая демократия», навеянной победой над фашизмом. За фреску «Трагедия», изображающую расправу
над бастующими, попал в тюрьму (1960). Одна из последних работ мастера: роспись зала в Союзе конгрессов «Поступь человечества» (1971–1972) поражает своей изобразительной мощью.
В духе мурализма Сикейрос в своих монументальных экспрессивных композициях сочетал конкретных персонажей с символическими олицетворениями социально-исторических сил, использовал новые материалы и комбинировал фрески с рельефами и мозаиками.

267

СИНЬЯК, Поль (Signac) (1863–1935) — французский художник и теоретик искусства. Родился в Париже в семье состоятельного торговца, окончил колледж Роллен. В юности увлекся импрессионизмом, писал пейзажи в предместьях столицы:
«Лез-Андели; берег реки» (1886, Музей Орсе, Париж). Затем познакомился с Жоржем Сёра и поменял свою технику, приблизившись к дивизионизму. Но в отличие
от своего друга Синьяк ценил в живописи более всего колорит, эмоциональную
выразительность цвета, его звонкость, даже экспрессию, поэтому работы Синьяка обладают своим уникальным почерком: «Капо ди Ноли» (1898, Музей Вальраха,
Кёльн); «Сосна Берто» (1909, Государственный музей изобразительных искусств
им. А. С. Пушкина, Москва). О возникновении дивизионизма Синьяк написал
в своей книге «От Эжена Делакруа к неоимпрессионизму» (1899).
Значительная часть его произведений, написанных строго упорядоченными небольшими квадратными мазками, напоминающими мозаику, — это виды
французских портов и приморских городов, которые он изображал с борта своей яхты, на многие годы заменившей ему дом: «Сен-Тропе. Красный буй» (1895,
Музей Орсе, Париж); «Антиб» (1911, Галерея Альбертина, Вена).

Поль Синьяк. Папский дворец в Авиньоне, 1900. Музей Орсе. Париж

268

СИСЛЕЙ, Альфред (Sisley) (1839–1899) — французский живописец, один из основоположников импрессионизма, мастер пейзажа. Родился в Париже в семье английского коммерсанта. В юности Сислей получил экономическое образование в Лондоне (1857–1861), занимаясь живописью как любитель. Затем, оставив коммерцию,
посещал мастерскую Шарля Глейра (1860–1863), где познакомился с Клодом Моне,
Пьером Огюстом Ренуаром и Фредериком Базилем, и вскоре стал одним из первых
пейзажистов, которые овладели импрессионистическим методом. С 1874 года принимал участие в выставках импрессионистов. Больше любил атмосферу парижских
пригородов, большинство его работ выполнены в Лувисьене, Марли, Фонтенбло,
Буживале: «Весна в окрестностях Парижа» (1879, Музей Мармоттан-Моне, Париж).
Художник всегда избирал подчеркнуто простые мотивы и создавал полные поэзии тонкие и глубокие пейзажи-элегии: «Снег в Лувисьене» (1878, Музей Орсе,
Париж). Сислей отдавал предпочтение видам, где есть место множеству оттенков одного цвета, поэтому в его работах всегда много воды, но особенно — неба:
«Наводнение в Пор-Марли» (1872, Национальная галерея искусства, Вашингтон); «Сена в Сюрене» (1877, Музей Орсе, Париж).

Альфред Сислей. Луг, 1875. Национальная галерея искусства. Вашингтон

269

СНЕЙДЕРС, Франс (Snyders) (1579–1657) — фламандский художник, корифей
барочного натюрморта. Родился в семье антверпенского трактирщика. Учился
в Антверпене у Питера Брейгеля Младшего и Хендрика ван Балена, испытал влияние Яна Брейгеля «Бархатного».
После двухгодичной стажировки в Италии Снейдерс работал в мастерской
Питера Пауля Рубенса, писал цветы и животных. Постепенно от приобретенного в итальянской поездке маньеризма он пришел к масштабному формату и сочному письму, барочному щедрому натюрморту: «Натюрморт с фруктами и служанка» (1633, Музей Прадо, Мадрид). Часто писал серии, предназначенные для
украшения дворцовых залов, например «Рыбная, Фруктовая и Овощная лавки»
для столовой дворца архиепископа А. Триста в Брюгге (1618–1621, Эрмитаж,
Санкт-Петербург). Представленные в увеличенном масштабе дичь, фрукты, рыба
воспринимаются как аллегория плодородия.
Композиции Снейдерса динамичны, зачастую построены на сопоставлении
живой и мертвой натуры, живописный мазок передает многообразие фактур:

Франс Снейдерс. Натюрморт с обезьянкой, котом и белкой, 1640-е. Музей Лихтенштейн. Вена

270

Франс Снейдерс. Птичий концерт, 1661. Музей Прадо. Мадрид

«Натюрморт с обезьянкой, котом и белкой» (1640-е, Музей Лихтенштейн, Вена).
В качестве придворного художника губернаторов Нидерландов он создавал монументальные сцены охоты, птичьих концертов и боев: «Охота на кабана» (1649,
Галерея Уффици, Флоренция).
СТАББС, Джордж (Stubbs) (1724–1806) — английский анималист и портретист.
Родился в Ливерпуле. Учился у местных художников, работал в провинции, писал сначала портреты. Затем увлекся изучением анатомии и медицины. Стаббс
путешествовал по Италии и Африке, в Марокко наблюдал за сценами охоты, которые стали источником вдохновения для более поздних картин. Затем художник занимался изучением строения тела лошадей, что позволило ему проиллюстрировать книгу «Анатомия лошадей» в 1766 году. Переехав в Лондон, Стаббс
решил работать в анималистическом жанре, иногда совмещая его с пейзажем или
портретом. Вскоре он стал очень востребованным художником в среде аристократии: «Портрет герцога и герцогини Ричмонд с лошадями» (1761–1762, Частное собрание); «Кобылы с жеребятами на речном берегу» (1763–1768, Галерея
Тейт, Лондон); «Полковник Покингтон с сестрами» (1787, Национальная галерея, Вашингтон).

271

Джордж Стаббс. Портрет барона де Робек, 1791. Частное собрание

СТАЛЬ, Никола де (Stael) (1914–1955) — художник, представитель ташизма. Французский художник русского происхождения, русское имя — Николай Владимирович. Сын генерала Владимира Ивановича де Сталь-Гольштейна. В 1919 году
вместе с семьей эмигрировал в Польшу. Получив классическое образование,
с 1932 года учился в Королевской академии искусств в Брюсселе. Несколько лет
Сталь работал в Марокко, с началом войны служил в Иностранном легионе.
В 1943 году произошел перелом в творчестве и мировоззрении художника:
он пришел к нефигуративному искусству. Примкнул к ташизму, французскому
варианту абстрактного экспрессионизма, неизменно делая главным элементом
образа очень крупный мазок-«пятно» (tache). Сталь накладывал квадратные плоскости чистых ярких цветов ножом или шпателем на холст, которые звучали тревожными красочными аккордами: «Композиция в черном» (1946, Художественный музей, Цюрих); «Марафон» (1948, Галерея Тейт, Лондон). Позже его работы
стали более гармоничными и созерцательными, в них читаются мотивы крыш или
побережья: «Крыши» (1952, Центр Помпиду, Париж); «Фигура на берегу моря»
(1950-е, Частное собрание). В начале 1950-х художник пришел к очень самобытным и выразительным беспредметным композициям: «Агригент» (1953, Художественный музей, Цюрих); «Антибский форт» (1955, Частное собрание).

272

СТЕН, Ян Хавикс (Steen) (1626–1679) — голландский художник-жанрист. Родился в Лейдене в семье пивовара-торговца. Живописи учился в Гааге у Яна ван Гойена и в Харлеме у Адриана ван Остаде.
С 1648 года член гильдии художников Лейдена. Стен работал в Лейдене, Харлеме, Гааге, Делфте как портретист, пейзажист и даже как автор библейских картин, но прославился как художник-жанрист.
Ян Стен — великолепный рассказчик, предпочитавший изображать многофигурные сцены в сложных пространствах с большим количеством предметов,
которые призваны характеризовать главных героев и дополнить рассказ: «Крестины» (1664, Собрание Уоллеса, Лондон); «Праздник святого Николая» (1665–
1668, Рейксмузеум, Амстердам). Наибольшую известность художнику принесли живые и непосредственные изображения праздников, дружеских посиделок,
веселых компаний, концертов и гуляний, пронизанные добродушным юмором
и точными характеристиками героев: «Остерегайтесь роскоши» (1663, Музей
истории искусств, Вена); «Крестьяне у Трактира» (1650-е, Художественный музей, Огайо); «Гуляки» (1660, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Веселое семейство»
(1668, Рейксмузеум, Амстердам).

Ян Хавикс Стен. Остерегайтесь роскоши, 1663. Музей истории искусств. Вена

273

СТРОЦЦИ, Бернардо (Strozzi) (1581–1644) — итальянский художник, один из лидеров живописи барокко. Родился в Генуе. В 17 лет вступил в монашеский орден капуцинов. C 1610 года, сохраняя духовный сан, работал в Генуе инженером портовых
сооружений и занимался живописью, а в 1630 году, чтобы не возвращаться в монастырь, убежал в Венецию. Учился у живописцев Чезаре Корте и Пьетро Сорри, испытал влияние маньеризма, но позже сблизился с караваджистами и фламандцами:
его живопись стала натуралистичнее, кисть — свободнее, а палитра — светлее. Автор портретов, аллегорических, религиозных и жанровых картин, которые он писал
динамичными, широкими мазками: «Поклонение пастухов» (ок. 1616–1618, Художественный музей Уолтерса, Балтимор); «Кухарка» (ок. 1625, Палаццо Россо, Генуя);
«Мадонна с младенцем и маленьким Иоанном Крестителем» (1620, Палаццо Россо,
Генуя). После приезда в Венецию работы Строцци приобрели более яркую мажорную палитру, он стал одним из самых знаменитых представителей итальянского барокко: «Аллегория славы» (1635, Национальная галерея, Лондон); «Проповедь Иоанна Крестителя» (1630-е, Музей истории искусств, Вена); «Старая кокетка» (1630-е,
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).

Бернардо Строцци. Динарий кесаря, 1630-е. Музей изобразительных искусств. Будапешт

274

СУРБАРАН, Франсиско де (Zurbarán)
(1598–1664) — выдающийся испанский
живописец. Родился в маленьком городке в провинции Эстремадура в семье торговца тканями. В 1614– 1616 годы учился
в Севилье у мастера росписи деревянной
скульптуры Педро Диаса де Вильянуэва;
в молодости находился под влиянием открытий Караваджо.
Сурбаран работал по заказу севильских и провинциальных монастырей,
писал алтарные композиции и эпизоды
из жизни святых и монахов, проникнутые силой религиозного чувства: «Экстаз святого Франциска» (1630-е, Старая пинакотека, Мюнхен). В 1631 году
он создал одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз святого
Фомы Аквинского» (1631, Музей искусств, Севилья), которая имела широкий успех у современников живописца.
В 1634 году был приглашен ко двору,
исполнил серии исторических картин
(«Оборона Кадиса», 1634, Музей Прадо,
Мадрид) и цикл из 10 полотен с подвигами Геракла (1634, Музей Прадо, Мадрид). Подлинными шедеврами считают картины художника, написанные для
монастыря в Хересе, в которых монументальность и суровость образов блестяще сочетаются с внутренней выразительностью: «Поклонение пастухов» Франсиско де Сурбаран. Святая Доротея,
1648. Частное собрание
(1639, Музей изящных искусств, Гренобль). Особенностью манеры Сурбарана стала простота и естественность героев, аскетичная композиция и рельефный контрастный свет с глубокими тенями и сверкающими поверхностями одежд и предметов: «Святая Аполлония»
(1636, Лувр, Париж); «Святая Маргарита» (1631, Национальная галерея, Лондон). Прекрасно передающий фактуры, мастер не раз обращался к натюрмортам, в которых предметы будто выплывают из темного фона и предстают во
всей красе: «Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой» (1633, Музей Нортона Саймона, Пасадена); «Натюрморт с четырьмя кувшинами» (1650, Музей
Прадо, Мадрид).

275

Франсиско
де Сурбаран.
Святой Гуго
в картезианской
трапезной, 1655.
Музей изящных
искусств.
Севилья

Франсиско
де Сурбаран.
Четыре
кувшина, 1650.
Музей Прадо.
Мадрид

СУТИН, Хаим (Soutine) (1893/1894–
1943) — художник-экспрессионист парижской школы. Родился в литовской деревне
Смиловичи близ Минска в бедной многодетной семье еврея-портного. В возрасте
16 лет он уехал из дому и учился живописи сначала в Минске, затем в течение трех
лет в Вильно. В 1913 году уехал в Париж,
где занимался в Национальной школе изящных искусств и в мастерской Фернана
Кормона (1913–1915).
Индивидуальная манера Сутина впервые проявилась в серии пейзажей с видами Пиренеев и Ривьеры: «Старая мельница в Вансе» (1922, Музей современного
искусства, Нью-Йорк). Позже он работал
и в портретном жанре, создал экспрессионистские изображения в самобытном стиле: «Грум» (1925, Национальный музей
современного искусства, Париж); «Кон- Хаим Сутин. Цыган, 1923. Музей искусств.
Копенгаген
дитер» (1927, Частное собрание).
Картины Сутина отличает импульсивная пастозная живопись, звучные яркие краски, искривленные силуэты, придающие драматичный надлом его героям и пейзажам.
СЭССЮ (настоящее имя Тойо Ода) (1420–1506) — японский живописец. Из
рода художников, поэтов и священников. Учился в монастыре Хофукудзи, затем
у пейзажиста Сюбуна. В 1468 году уехал в Китай для изучения живописи, откуда
привез технику «ломаной туши», что позволяло писать предметы без контуров:
«Пейзаж в стиле хабоку» (1493, Национальный музей, Токио).
Живопись Сэссю отличается лапидарностью форм, энергичностью линий
и напряженной композицией. В отличие от китайских мастеров, изображающих
фантазийные пейзажи, он придавал воображаемый характер реальным видам: серия «Четыре времени года» (1486, Токио).
СЮРРЕАЛИЗМ (от фр. surrealisme — «сверхреализм») — направление в литературе и искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х годов во Франции. Основатель и теоретик сюрреализма — Андре Бретон, автор «Манифеста» 1924 года.
Термин «сюрреалистическая драма» впервые появился в 1917 году в подзаголовке
одной из пьес Аполлинера. Истоком для концепции Бретона стала теория психоанализа Зигмунда Фрейда, а предтечей в художественном отношении — символисты рубежа веков.

277

Сэссю.
Зима, 1486.
Национальный
музей. Токио

278

Сюрреализм в изобразительном искусстве отличается разнообразием стилистических подходов. Известными сюрреалистами являются такие живописцы,
как Рене Магритт, Сальвадор Дали, Макс
Эрнст, Жоан Миро, Джорджо де Кирико.
Их объединяло стремление «освободить»
искусство от оков рассудочности, стереть
грань между реальностью и сновидением, высвободить творческий потенциал
бессознательного. Абсурдное соединение
случайных предметов в ирреальном пространстве, спонтанный парадоксальный
контекст, в который погружены обычные
вещи, — все это использовалось для создания новой образной системы. Каждый
из сюрреалистов первой волны стремился создать свое течение: магический реализм Магритта, метафизическая живопись
де Кирико, параноидально-психический
метод Дали. Сюрреализм как обширное
художественное направление развивался вплоть до второй половины ХХ века
и оказал серьезное влияние на формирование концептуализма.

Сяраку Тёсюсай. Исикава Эбидзо IV в роли
Такэмуры Саданосина, 1794. Токио

СЯРАКУ, Тёсюсай (ориентировочно 1770–1825) — японский художник и актер
театра, самый знаменитый в Японии мастер «театральной гравюры» — якуся-э
(направления, избравшего объектом своих работ актеров классического театра кабуки). О живописном творчестве мастера известно лишь, что за два года, в 1794–
1795 годах, он создал около 150 выразительных портретов актеров.
Основной прием Сяраку — гротеск, преувеличение переживаемых человеком
чувств, в сочетании с достоверностью деталей. Гравюры художника оказали колоссальное влияние на европейских коллег конца XIX века.

ТАНГИ, Ив (Tanguy) (1900–1955) — французский художник, представитель сюрреализма. Родился в Париже. Его отец был капитаном, и Ив в 18 лет стал курсантом на торговом судне. Побывал в дальних странах. Вернувшись в столицу,
познакомился с полотнами Джорджо де Кирико, под влиянием которых решил
заняться живописью. Танги был самоучкой, но с 1925 года входил в объединение сюрреалистов.
Основная тема творчества Танги — это ирреальные миры из галлюцинаций
с тягучим пространством, матовым светом, далеким размытым горизонтом, населенные биоморфными существами и вызывающие ассоциации с инопланетными
пейзажами: «Земля теней» (1927, Институт искусств, Детройт); «Дворец высокого мыса» (1930, Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция); «Медлительный день»
(1937, Национальный музей современного искусства, Париж).
В начале Второй мировой войны уехал в Америку, где и поселился окончательно. Танги является одним из самых известных сюрреалистов в мире.

ТЕНИРС, Давид Младший (Teniers) (1610–1690) — фламандский художник, мастер бытового жанра. Родился в Антверпене в семье живописца Давида Тенирса
Старшего, который был его учителем.
Под влиянием Яна Брейгеля «Бархатного» и Питера Пауля Рубенса живопись
Тенирса стала более светлой, сложной и свободной. Художник работал в жанре натюрморта («Кухня», 1644, Галерея
Маурицхёйс, Гаага), обращался к написанию групповых портретов («Стрельба
по птицам», 1652, Художественно-исторический музей, Вена). Но широкую известность получили его занимательные
и поучительные жанровые сцены с изображением крестьянских празднеств, деревенских свадеб и пирушек на фоне пейзажа с танцами и драками: «Деревенский
праздник» (1640-е, Музей Прадо, Мадрид); «Крестьянская свадьба» (1650, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В 1651 году Тенирс переехал в Брюссель,
где стал придворным художником испанского наместника эрцгерцога Леопольда
Вильгельма, для которого была исполнена
серия картин «Галерея эрцгерцога Леопольда Вильгельма». Тенирс был одним из основателей Академии художеств в Антверпене
в 1663 году и одним из самых успешных хуДавид Тенирс Младший. Семейный концерт
на террасе, 1640-е. Частное собрание
дожников фламандской школы.

280

ТЕРБОРХ, Герард (Terborch) (1617–
1681) — голландский художник, мастер бытового жанра. Родился в Зволле в семье живописца Герарда Терборха
Старшего. Сначала учился у отца, затем
(1633–1635) в Харлеме у пейзажиста Питера де Молина. В 1635–1636 годы работал у дяди, гравера Роберта ван Фёрста,
в его лондонской мастерской, где познакомился с работами Вирджила ван Дейка.
В молодости Терборх писал бытовые
сцены из жизни солдат, крестьян и горожан: «Солдаты, играющие в карты» (1640,
Картинная галерея, Берлин). Затем его
главной темой стали поэтичные картины
из жизни патрицианских семей, его персонажи читают или музицируют, флиртуют или просто беседуют за ужином:
«Концерт» (1672–1675, Картинная галерея,
Берлин); «Туалет дамы» (1660, Институт
искусств, Детройт). Эти сцены строятся
на полутонах, сдержанных жестах, тонких
нюансах, они мягко освещены рассеянным холодноватым светом, тщательно выписаны кружева, блеск шелка и мерцание
драгоценностей: «Бокал лимонада» (1665,
Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Дама, играющая на виоле двум кавалерам» (1667–
1668, Национальная галерея, Лондон).
ТЕРБРЮГГЕН, Хендрик (Terbrugghen) (1588–
1629) — нидерландский художник, один из
лидеров караваджизма за пределами Италии. Родился в Гааге. В начале 1600-х годов
учился в мастерской Абрахама Блумарта
в Утрехте. Около 1605 года приехал в Италию, жил в Риме вплоть до 1614 года.
Тербрюгген испытал влияние Караваджо и его итальянских последователей.
Вернувшись в Утрехт, стал лидером живописцев — последователей Караваджо.
Он смог открытия итальянского гения

281

Герард Терборх. Женщина, играющая
на теорбе-лютне, и кавалер, 1658.
Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Хендрик Тербрюгген. Концерт, 1627.
Национальная галерея. Лондон

внедрить в нидерландскую традицию. Кисти Тербрюггена, к примеру, принадлежат полотна на античные и библейские сюжеты: «Призвание апостола Матфея»
(1616, Центральный музей, Утрехт); «Уверение апостола Фомы» (1621–1623,
Рейксмузеум, Амстердам), написанные в караваджистском стиле. Однако чаще
всего он писал небольшие картины с изображениями музыкантов, певчих, пирующих, занимающих почти все пространство холста, появляющихся то на светлом
фоне, то выхваченных из темноты светом свечи. Большая часть таких композиций
называется «Концерт», варианты представлены в крупнейших музейных коллекциях: 1621, Художественные собрания, Кассель; 1624, Музей истории искусств,
Вена; 1626, Эрмитаж, Санкт-Петербург; 1628, Лувр, Париж.
ТЁРНЕР, Джозеф Мэллорд Уильям (Turner) (1775–1851) — английский живописец и график, крупнейший мастер английского романтического пейзажа. Родился в семье лондонского цирюльника, учился в Королевской академии художеств у топографа Томаса Малтона, с юности подрабатывал гравером и успешно
писал акварели.

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер. Озеро Аверн Эней и дух, 1814. Йельский центр британского
искусства. Нью-Хейвен

282

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер. Пожар парламента, 1835. Художественный музей. Кливленд

Первые работы маслом Тёрнера были близки к классическим пейзажам с античными руинами и мифологическими сюжетами: «Эней и Сивилла» (1798, Галерея Тейт, Лондон). После поездки на континент живописная техника мастера
заметно усовершенствовалась, что проявилось в сложнейшем колорите и свободном, подчас стихийном движении кисти. Ему прекрасно удавались световоздушные эффекты в природе: туманы, метели, бурное море, утренняя дымка и вечерние сумерки, например серия видов Венеции: «Венеция, с крыльца Мадонны
делла Салюте» (1835, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «Вид Венеции с канала» (1840, Музей Виктории и Альберта, Лондон). Позже автор все чаще избирал
конфликтные мотивы, в его пейзажах всегда в центре — борьба стихии и человека: «Пожар парламента» (1835, Музей искусств, Кливленд); «Дождь, пар, скорость» (1844, Национальная галерея, Лондон); «Снежная буря» (1842, Галерея
Тейт, Лондон). Новаторские живописные приемы в передаче природных явлений принесли Тёрнеру широкую известность и стали важным фактором в формировании импрессионизма.

283

ТИНТОРЕТТО (Tintoretto) (1518–1594) — итальянский живописец. Один из величайших венецианских мастеров эпохи Возрождения. Его настоящее имя —
Якопо Робусти, родился в Венеции в семье красильщика тканей, отсюда прозвище, которое означает «маленький красильщик».
Главные мастера, повлиявшие на становление художника, — Микеланджело
и Тициан. Кредо Тинторетто на всю жизнь: «Рисунок Микеланджело, колорит
Тициана». Все это он блестяще продемонстрировал в первом же крупном холсте
«Чудо святого Марка» (1548, Галерея Академии, Венеция), которое было создано
по заказу религиозного братства Скуола ди Сан-Марко. Следующие десятилетия
художник плодотворно работал для венецианских аббатств, аристократов, религиозных братств, писал алтарные композиции, расписывал плафоны и стены: «Поклонение пастухов» (1578–1581, Скуола Гранде ди Сан-Рокко, Венеция); «Поклонение
медному змию» (1556, Церковь Санта-Мария дель Орто, Венеция). Важнейшим за-

Тинторетто. Сюзанна и старцы, 1555. Музей истории искусств. Вена

284

Тинторетто. Тайная вечеря, 1594. Церковь Сан-Поло. Венеция

казом для него были росписи Дворца дожей, где мастер в 1570-х годах создал грандиозные произведения аллегорического и библейского характера.
Множество картин Тинторетто написаны на темы античных мифов, их отличает свойственная венецианцам чувственность и темпераментная живописная
техника: «Происхождение Млечного Пути» (1570, Национальная галерея, Лондон); «Вакх и Ариадна» (1578, Дворец дожей, Венеция). Среди поздних работ
мастера безусловным шедевром является «Тайная вечеря» из Венецианской церкви Сан-Джорджо Маджоре, написанная в 1594 году. Контрастный мистический
свет — то вспыхивающий, то мерцающий, — резкая диагональ композиции, обилие динамичных фигур и красочных натюрмортов — все это предвосхищает зарождающееся барокко.
Тинторетто — ключевая фигура Позднего Ренессанса в Италии, его творчество воздействует на многие поколения художников и зрителей во всем мире.
ТИССО, Жак-Жозеф (Джеймс) (Tissot) (1836–1902) — французский живописец.
Родился в Нанте в семье торговца тканями, с детства прекрасно разбирался в костюмах, тканях и моде. Жил в Париже и Лондоне. Учился в Парижской школе
изящных искусств, а также у Доминика Энгра и Ипполита Фландрена.
Первый успех пришел к художнику в 23 года, когда он впервые выставился
в Салоне с картиной «Встреча Фауста и Маргариты». После Тиссо стал востребованным и модным художником, автором светских жанровых сцен и портретов с нарядными дамами и кавалерами: «Бал» (1880, Музей Орсе, Париж); «Девушка в лодке» (1870, Частное собрание); «Концерт» (1869, Музей искусств,
Манчестер). Много лет успешно работал в Лондоне. После ранней смерти своей возлюбленной впал в депрессию и уехал в 1886 году в Палестину. После
возвращения радикально поменял круг тем и технику живописи, обращаясь

285

Жак-Жозеф
Тиссо. Святой
Иосиф
в Вифлееме,
1890-е.
Бруклинский
музей

к сюжетам и образам из Библии. Тиссо
приступил к многолетнему проекту —
созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет, которые были выставлены в Париже
и принесли автору громкий успех.
Творчество Тиссо отличается двойственностью и эклектичностью, отражающими переходный характер эпохи, в его
произведениях звучат интонации импрессионистов, академистов, символистов
и художников стиля модерн.
ТИЦИАН, Вечеллио (Tizianо) (ок. 1487–
1576) — великий венецианский живописец эпохи Возрождения. Родился в горной деревушке Пьеве ди Кадоре в семье
муниципального чиновника, точная дата
рождения неизвестна. С детства учился и работал у венецианского мозаичиста
Дзуккато. Позже обучался у венецианских Жак-Жозеф Тиссо. Портрет дамы в красном
жакете, 1864. Музей Орсе. Париж
художников, братьев Беллини, одновременно с Джорджоне, оказавшим огромное влияние на его творчество: «Не прикасайся ко мне» (1511, Национальная галерея, Лондон). Но постепенно его живопись становилась все более полнокровной — мастер обретал свой уникальный
стиль: «Флора» (1515, Галерея Уффици, Флоренция); «Любовь земная и небесная» (1516, Галерея Боргезе, Рим).
За свою долгую жизнь Тициан создал десятки шедевров в разных жанрах:
он расписывал стены, писал портреты монархов и понтификов, алтарные композиции для соборов и античных богинь для украшения дворцов. Главное достижение мастера — работа с цветом, его многослойная тональная техника
стала эталоном в сфере масляной живописи: «Динарий кесаря» (1516, Картинная галерея, Дрезден). Первый громкий успех принесло масштабное полотно
«Вознесение Богоматери» (Ассунта), написанное в 1518 году для церкви Санта-Мария деи Фрари в Венеции, что позволило ему стать официально первым
художником республики.
В следующие десятилетия Тициан писал множество репрезентативных портретов при различных дворах Италии: «Портрет Изабеллы д’Эсте» (1534, Музей истории искусств, Вена); «Портрет дожа Андреа Гритти» (1540, Национальная галерея
искусства, Вашингтон); «Портрет Павла III» (1543, Галерея Капподемонте, Неаполь). Самые знаменитые парадные портреты художник написал для императора
Карла V, представив разнообразные вариации на тему официального портрета:

287

Вечеллио Тициан. Портрет мужчины с синим
рукавом, 1510. Национальная галерея. Лондон

Вечеллио Тициан. Се человек, 1570-е. Музей
искусств. Сент-Луис

«Портрет Карла V с собакой» (1533, Музей Прадо, Мадрид); «Карл V в сражении при Мюльберге» (1548, Музей Прадо, Мадрид); «Портрет Карла V в кресле»
(1548, Старая пинакотека, Мюнхен). Параллельно художник работал над камерными портретами, где лаконичными
средствами достигал естественности жестов и искренности эмоций своих моделей: «Молодой человек с перчаткой»
(1520, Лувр, Париж); «Портрет мужчины с синим рукавом» (1510, Национальная галерея, Лондон); «Белла» (1536, Палаццо Питти, Флоренция); «Портрет
неизвестного с серыми глазами» (1540,
Палаццо Питти, Флоренция).
В течение всей жизни одной из значимых тем для живописца оставались мифологические сюжеты: «Сизиф» (1539,
Музей Прадо, Мадрид); «Персей и Андромеда» (1554, Собрание Уоллеса, Лондон); «Венера и Адонис» (1554, Музей
Прадо, Мадрид). К шедеврам мировой
живописи относят композиции Тициана
с обнаженной натурой, где он прославляет чувственную женскую красоту: «Венера Урбинская» (1538, Галерея Уффици,
Флоренция); «Даная» (1545, Музей Каподимонте, Неаполь); «Венера перед зеркалом» (1555, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Другой важной темой Тициана были
картины на библейские сюжеты, которые
мастер наделял торжественным звучанием и вместе с тем глубоким религиозным
чувством: «Мадонна дома Пезаро» (1519–
1526, Базилика Санта-Мария-Глорьоза
деи Фрари, Венеция); «Введение во храм»
(1534–1538, Галерея Академии, Венеция);
«Мадонна с кроликом» (1530, Лувр, Париж). Религиозная живопись позднего
Тициана особенно проникновенна, она

288

Вечеллио Тициан. Венера перед зеркалом, 1555. Национальная галерея искусства. Вашингтон

Вечеллио Тициан. Мадонна с кроликом, 1530. Лувр.
Париж

Вечеллио Тициан. Портрет Карла V с собакой, 1533.
Музей Прадо. Мадрид

поражает своей драматичностью. Эти полотна написаны в другой технике:
открытой, экспрессивной, с широким порывистым мазком и крайне лапидарной палитрой: «Святой Себастьян» (1576, Эрмитаж, Санкт-Петербург);
«Пьета» (1570-е, Галерея Академии, Венеция); «Коронование терновым венком» (1570-е, Старая пинакотека, Мюнхен).
Стиль позднего Тициана стал провозвестником будущей живописи алла прима, которой овладеют художники только спустя три столетия. Для своих современников Тициан был примером успешной долгой плодотворной творческой карьеры, а для многих молодых художников стал учителем и наставником, создав
прославленную «Школу Тициана».
ТИШБЕЙН, Иоганн Генрих Вильгельм (Tischbein) (1751–1829) — немецкий художник, представитель романтизма и бидермейера. Родился в Гессене в художественной семье: дядя и брат были живописцами. Учился в Касселе, Гамбурге, Голландии.
В 1777 году Тишбейн переехал в Берлин, где стал успешным портретистом:
«Леди Шарлотта Кемпбел» (1789, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург).

290

Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн. Гёте в Римской Кампанье, 1787. Франкфурт-на-Майне

Затем он совершил путешествие в Италию, где подружился с Гёте, ставшим моделью для его известного романтического портрета «Гёте в Кампанье» (1787, Штеделевский институт, Франкфурт-на-Майне). Вернувшись в Германию, художник
писал портреты и исторические картины: «Конрадин Швабский перед казнью»
(1783–1784, Художественный музей, Гота); «Одиссей и Пенелопа» (1802, Частное
собрание). С 1808 года Тишбейн поселился в Ойтинском замке (Шлезвиг-Гольштейн) в качестве придворного художника, успешно преподавал искусство в Академии и стал руководителем интеллектуального кружка.
ТРОЙОН, Констан (Troyon) (1810–1865) — французский художник, мастер реалистического пейзажа, близок к барбизонской школе. Родился в семье мастеров росписи по фарфору, в молодости был художником Севрской мануфактуры. Первые пейзажи он стал писать под влиянием старых голландских мастеров:
«Дровосеки» (1839, Музей изобразительных искусств, Ла-Рошель). В 1843 году
познакомился с Теодором Руссо и Жюлем Дюпре, сблизился с барбизонской
группой пейзажистов, регулярно выезжал на пленэры и писал реальную природу

291

Констан Тройон. Пастбище в Нормандии, 1852. Чикаго

с натуры: «Болото» (1840, Институт искусств, Чикаго); «Рыболов» (1850, Музей
Лиссабона). После посещения Голландии, где он познакомился с произведениями художника-анималиста Паулюса Поттера, серьезно изучал анималистический
жанр. В дальнейшем в сельских пейзажах Тройона почти всегда есть изображения
животных: «Возвращение стада» (1856, Музей изобразительных искусств, Реймс);
«Отправление на рынок» (1859, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В поздних работах художник уделял много внимания состоянию природы, освещению и передаче воздуха, что было новаторским подходом для середины века:
«Паром» (1849, Лувр, Париж); «Приближение грозы» (1851, Государственный
музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).
ТУЛУЗ-ЛОТРЕК, Анри де (Toulouse-Lautrec) (1864–1901) — французский живописец и график. Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа родился в Альби, его семья принадлежала к одной из самых древних аристократических семей
Франции. Из-за перелома обеих ног в 14 лет остался калекой.
Тулуз-Лотрек занимался живописью и рисунком у Леона Бонна и в мастерской Кормона в Париже. Первые работы выполнены в технике импрессионизма,
он сделал ряд убедительных портретных изображений: «Портрет Эмиля Бернара»

292

(1885, Галерея Тейт, Лондон); «Роза ля Руж» (1889, Фонд Барнса, Филадельфия).
Под влиянием Эдгара Дега писал сходные сюжеты из жизни прачек, балерин,
модисток, жокеев, женщин за туалетом, но заострял силуэты, утрировал контрасты, допускал подчас гротесковую пластику и мимику: «Жокей» (1899, Бруклинский музей, Нью-Йорк); «Сидящая балерина» (1890, Частное собрание); «Женщина за туалетом» (1896, Музей Орсе, Париж); «В ресторане Ми» (1891, Музей
изящных искусств, Бостон).
В 1884 году художник поселился на Монмартре, где окунулся в богемную жизнь
столицы. Теперь его постоянными сюжетами стали острохарактерные сцены из жизни
кабаре, цирков и публичных домов: «Мулен де ла Галетт» (1889, Институт искусств,
Чикаго); «Гостиная в салоне на улице Мулен» (1894, Музей Тулуз-Лотрека, Альби);
«Танцы в Мулен-Руж» (1890, Музей искусств, Филадельфия). С горечью и сарказмом
автор показывает артистов и завсегдатаев подобных мест: «Жанна Авриль, выходящая

Анри де Тулуз-Лотрек. В Мулен Руж, 1892. Институт искусств. Чикаго

293

Анри де Тулуз-Лотрек. Жанна
Авриль покидает Мулен Руж, 1892.
Уодсворт Атенеум. Хартфорд
Анри де Тулуз-Лотрек. Аристид
Брюан в кафе «Амбассадор», 1892.
Музей Тулуз-Лотрека. Альби

Анри де Тулуз-Лотрек. Женщина
за туалетом, 1896. Музей Орсе.
Париж

из Мулен Руж» (1892, Уодсворт Атенеум, Хартфорд); «Певица Иветт Гильбер» (1894,
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва);
«Клоунесса Ша-Ю-Као» (1896, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
Тулуз-Лотрек много работал в технике цветной литографии, применяя новаторские приемы, привнес в печатную графику черты модерна. Особенно знаменитыми стали изысканные афиши Лотрека, которые воспринимались как отдельный вид изобразительного искусства: «Жанна Авриль в кабаре «Жардин» (1893);
«Японский диван» (1896); «Труппа мадемуазель Эглантин»; «Аристид Брюан
в Эльдорадо» (1892). Мир, созданный Тулуз-Лотреком, яркий и гротескный, населенный реальными людьми с их страстями и драмами, представляет собой явление во французской культуре рубежа XIX–XX веков.
ТЬЕПОЛО, Джованни Баттиста (Tiepolo) (1696–1770) — венецианский живописец, мастер монументальной живописи позднего барокко. Родился в Венеции
в семье торговца. Потеряв отца, вынужден был рано начать обучение, чтобы заботиться о семье. Поступил в мастерскую Ладзарини, где учился и работал подмастерьем, отличаясь с детства быстрой кистью.

Джованни Баттиста Тьеполо. Африка. Деталь фрески «Четыре части света», 1750–1753.
Вюрцбургская резиденция. Вюрцбург

295

Джованни Баттиста Тьеполо. Пир Клеопатры, 1744. Национальная галерея Виктории. Мельбурн

Кумиром Тьеполо с юности был Паоло Веронезе с его светоносной палитрой
и упоительной радостью жизни. Став самостоятельным художником, он расписывает несколько венецианских палаццо в контрастной барочной манере, но с элементами нового стиля рококо: росписи архиепископского дворца в Удине (1725–
1726). Художнику вскоре удалось создать свой стиль, в котором пышная роскошь
сочеталась с утонченностью: плафоны церквей Джезуати (1737–1739, Венеция)
и Скальци (1743–1744, Венеция); фрески палаццо Клеричи (1740, Милан).
К середине века Тьеполо становится главой венецианской школы, теперь
к нему обращаются с заказами монархи других государств. Живописец работает
в Мадриде над украшением дворца, ему помогают в больших проектах его сыновья, тоже художники.
Вершиной декорационного искусства мастера стали фрески, выполненные Тьеполо в 1750–1753 годах для тронного зала и плафона лестницы архиепископского
дворца в баварском Вюрцбурге. Масштабная композиция представляет аллегорическую композицию «Четыре части света», которая поражает разнообразием пластики и ракурсов многочисленных персонажей.
Творчество Тьеполо знаменует собой вершину и одновременно последнюю
страницу венецианской декорационно-монументальной живописной традиции.

УИСТЛЕР, Джеймс Эббот Макнил
(Whistler) (1834–1903) — американский
живописец и график. Уроженец городка Лоуэлл в штате Массачусетс, большую
часть жизни Уистлер прожил в Англии.
Уистлер впервые увлекся живописью
в детстве в Петербурге, где несколько лет
жили его родители, здесь же начал брать
первые уроки рисования. В юности, оставшись без отца, по настоянию матери пошел учиться в Вашингтоне на инженера,
но вскоре сделал выбор в пользу профессии художника и уехал в Париж, где обучался в Школе изящных искусств и мастерской Шарля Глейра.
Сохраняя стилистическую обособленность, Уистлер искал собственный путь в творчестве и пришел к теории эстетизма — самодостаточности
художественной ценности произведения искусства вне его содержания или
общественной значимости, что впоследствии назовут «искусством для
искусства». Первая работа художника «Симфония в белом № 1: девушка
в белом» (1861, Национальная галерея
искусства, Вашингтон) была выставлена в «Салоне отверженных» в Париже
в 1863 году, где вызвала грандиозный
скандал. Это был первый опыт экспериментальных красочных соотношений, что станет основой многих про- Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Симфония
изведений Уистлера. В дальнейшем в белом № 1, 1862. Национальная галерея
искусства. Вашингтон
он написал множество портретов, построенных на изысканных колористических сочетаниях: «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма» (1864, Художественная галерея Фрира, Вашингтон); «Гармония в коричневом: Фетровая шляпа» (1890, Хантерианский
музей, Глазго); «Аранжировка в сером и черном. Мать художника» (1871,
Музей Орсе, Париж). Художник уделял большое внимание созданию поэтичных ночных видов Темзы или лондонских парков с тонкой тональной
градацией цвета. Эти картины он называл ноктюрнами: «Ноктюрны в голубом и золоте» (1870–1875, Галерея Тейт, Лондон).

297

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн
в черном и золотом, 1875. Институт искусств.
Детройт

Уистлер, настаивая на отрицании сюжета и воспитательных задач в живописных произведениях, в 1878 году вступил
в судебную тяжбу с известным теоретиком искусства Джоном Рёскиным. Спор
возник из-за цены на конкретную картину: «Ноктюрн в черном и золотом.
Падающая ракета» (1875, Институт искусств, Детройт). Затем противостояние выросло до принципиально разных
взглядов на роль художника и искусства.
Уистлер выиграл этот громкий процесс,
что способствовало смелому наступлению новых направлений искусства.
Затем Уистлер отправился в Венецию,
где создал знаменитый графический альбом с видами города, в котором достиг
высокого уровня в технике офорта. Как
декоратор приобрел широкую известность благодаря оформлению в 1876 году
«Павлиньей комнаты» в особняке Лейланда в Лондоне (Художественная галерея
Фрира, Вашингтон), предвосхитившей
стилистику художников стиля модерн.

УКИЁ-Э (в переводе с яп. — «картины или образы изменчивого (плывущего)
мира») — вид японской графики XVII–XIX веков. Термин взят из буддийской
философии и означает недолговечность всего сущего на земле. Стиль укиё-э возник в период Токугава в новой столице Эдо (Токио) и приобрел более конкретное значение — мир мимолетных радостей жизни. Основные темы гравюр
укиё — жизнь «веселых кварталов», развлечения, образы актеров театра кабуки (якуся-э), борцов сумо (сумо-э), а также красавиц, куртизанок и знаменитых
гейш чайных домов (бидзин-га).
Основателем укиё-э считают художника Хакисаву Моронобу, мастера черно-белой ксилографии. Во второй половине XVIII века Судзуки Харунобу изобрел технику многоцветной печати с нескольких досок, что значительно расширило возможности укиё-э: возникли пейзажная графика, жанровые сцены,
изображения сражений и животных. Наступил золотой век японской гравюры,
связанный с именами Китагава Утамаро, Кацусико Хокусай, Утагава Хиросиге.
Произведения в жанре укиё-э издавались большими тиражами и вскоре проникли в Европу, где имели большой успех и оказали колоссальное влияние на художников конца XIX века.

298

Моронобу. Двое
влюбленных,
конец XVII в.

Судзуки Харунобу.
Две девушки
в ветреный день,
1760

УОРХОЛ, Энди (Warhol) (1928–1987) — американский художник, один из лидеров направления поп-арт. Выходец из семьи словацких эмигрантов. Настоящее имя — Андрей Ворхола. Родился в Питтсбурге, учился в Технологическом
институте, с 1949 года работал в Нью-Йорке иллюстратором модных журналов.
Работа в сфере рекламы подтолкнула Уорхола к созданию в 1959 году серии картин, где товары повседневного массового спроса преподносятся как величественные символы современного общества потребления: серии с банками
супа «Кэмпбелл», бутылками «Кока-колы». Увеличенные изображения обыденных предметов на сером фоне с подчеркнутым контуром стали одним из течений в мировом поп-арте. В начале 1960-х годов он выпускает несколько серий в технике шелкографии, на этот раз с повторяющимися тиражированными
изображениями кинозвезд, чей облик также стал знаковым предметом для общества массового потребления. Метод шелкографии или трафаретной печати
позволял вносить искажения, утрировать изображения знаменитостей, обезличивать их, уподоблять идолам, «опредмечивать».
Фигура Уорхола стала самым успешным
и знаменитым символом эпохи постмодернизма, когда сама жизнь художника, его
внешний вид, поступки, высказывания становятся предметом его искусства.

Китагава Утамаро. Красавица перед зеркалом,
конец XVIII в. Музей изящных искусств. Бостон

УТАМАРО, Китагава (1753–1806) — японский художник, выдающийся мастер гравюры укиё-э. Его имя, данное при рождении, — Нобуёси; Утамаро — это самый
знаменитый из его псевдонимов, которым
он подписывал известные серии гравюр. Достоверных сведений о жизни художника немного: легенда гласит, что Утамаро пришел
в Эдо (Токио) из Осаки, поступил на обучение в Школу Кано и оставался там семь
лет. С 1775 года он сотрудничал с издателем Цутая Дзюдзабуро, для которого создавал сначала альбомы с видами природы и городов, насекомых и цветов — результат его
многолетнего наблюдения за натурой.
Первые произведения Утамаро уже отличались поэтичностью и изысканностью
художественных решений: «Дары прилива» (1778); «Песни раковин» (1780); «Книга
насекомых» (1788). Всеобщее восхищение
и славу принесли Утамаро цветные ксило-

300

Китагава Утамаро. Юноша танцует перед женщинами, 1801

графии в жанре «бидзин-га» («красавицы»), главные героини которых — гейши
квартала Ёсивара (альбом гравюр «Ежегодник зеленых домов Ёсивара», 1804). Он
впервые в японском искусстве создавал погрудные изображения персонажей, писал композиции типа «окуби-э» («большие головы»), в которых пристально всматривался в лица своих героинь: «Десять типов женских лиц» (1791–1792), «Десять
форм женского лица» (1802). Для более выразительной передачи красоты и изящества женских лиц, изображенных крупным планом, использовал более сложные красочные сочетания, покрывал фон серебристым мерцающим порошком,
применял разнообразный спектр гибких тягучих линий, стремительных коротких
штрихов, едва заметных касаний кисти и четких лаконичных контуров. Красавицы
Утамаро изображены обобщенно и идеализированно, но при этом отличаются индивидуальными чертами: «Замечательные красавицы шести чайных домов» (1791–
1792). Утагава стал одним из первых авторов, с которым познакомились европейские художники XIX века и на творчество которых он оказал огромное влияние.
УТРИЛЛО, Морис (Utrillo) (1883–1955) — французский живописец, мастер городского пейзажа. Учился у своей матери, художницы Сюзанны Валадон.
Первые изображения узких улиц окраин и предместий Парижа Морис создавал уже в начале ХХ века. Пейзажи понравились публике своей атмосферностью
и лиризмом. Утрилло часто экспериментирует с цветом, несколько лет писал картины с высветленной палитрой, с добавлением песка и гипса, так называемый
«белый период» — 1907–1915. Особенно много работал на Монмартре: «Белый
дом» (ок. 1912); «Церковь Сан-Пьер на Монмартре» (1914); «Улица Мон-Сени
на Монмартре» (1919).

301

После Первой мировой войны к Утрилло пришел большой успех: он писал декорации к спектаклям Дягилева, получил орден Почетного легиона. В поздний
период все больше склонялся к упрощению форм, сближаясь с примитивистами.
Утрилло удалось создать свой образ Парижа, полный щемящей грусти и одиночества. Его картины украшают крупнейшие собрания во всем мире.
УЧЧЕЛЛО, Паоло (Uccello) (ок. 1397–1475) — флорентийский живописец эпохи Раннего Возрождения. Его настоящее имя — Паоло ди Доно, Уччелло («птица») — это прозвище. Родился в семье флорентийского цирюльника. Обучался
в мастерской скульптора Лоренцо Гиберти. В молодости в течение семи лет работал над мозаиками собора Сан-Марко в Венеции. Уччелло — один из лидеров Кватроченто. В своих монументальных фресках и мозаиках он в числе первых использовал сложные ракурсы и построения с помощью геометрической перспективы:
цикл фресок «История Ноя» в церкви Санта Мария Новелла во Флоренции (1440–
1445). Наиболее новаторской является его станковая работа «Битва при Сан-Романо» (1455), посвященная победе флорентийцев над сиенцами, — это один из первых примеров светской исторической картины в ренессансной Италии. Любовь
художника к динамичным многофигурным композициям проявилась и в картине
«Ночная охота» (1470, Музей Эшмола, Оксфорд), где он дерзко экспериментирует с композиционным построением и перспективой со многими точками схода.
Смелый живописец Паоло Уччелло выступил первопроходцем и внес значительный вклад во многие открытия Раннего Возрождения.

Паоло Уччелло. Битва при Сан–Романо, 1455. Галерея Уффици. Флоренция

ФАБРИЦИУС, Карел (Fabritius) (1622–
1654) — нидерландский художник, мастер
городского пейзажа, бытового жанра и портрета. Родился в семье Питера Карелса Фабрициуса, школьного учителя и художника.
Первые уроки рисования получил у отца,
затем в 1641–1643 годах обучался у Рембрандта в Амстердаме. Первые годы находился под влиянием учителя («Воскрешение
Лазаря», ок. 1643, Национальная галерея,
Варшава), затем обрел собственный стиль
с более светлой палитрой и тонкой прорисовкой деталей: «Щегол» (1654, Галерея
Маурицхёйс, Гаага); «Вид Делфта» (1652,
Национальная галерея, Лондон). Фабрициус известен как портретист и автор жанровых композиций. Предполагается, что он
был учителем Яна Вермеера, оказав на него
большое влияние. К сожалению, большая
часть его работ и сам Фабрициус погибли
в Делфте 12 октября 1654 года при взрыве
пороховых складов.

Карел Фабрициус. Щегол, 1654. Галерея
Маурицхёйс. Гаага

Карел Фабрициус. Вид Делфта, 1652. Национальная галерея. Лондон

303

ФАЮМСКИЕ ПОРТРЕТЫ — погребальные живописные портреты в Древнем Египте в конце
I века до н. э. — IV век н. э. Названы по месту первой крупной находки (1887) в некрополе оазиса Фаюм, расположенного к юго-западу
от Каира. Представляют собой деревянные панно, на которых реалистично написаны погрудные портреты; дощечки были прикреплены к мумиям умерших. Портреты создавались темперой
или в технике энкаустики горячими восковыми
красками. На сегодняшний день найдено около 900 портретов, которые сохранили цвет благодаря сухому египетскому климату. Фаюмские
портреты представляют собой редкий пример
греко-римской живописи, дошедший до нашего
времени.

Портрет девушки, сер. III в. Лувр.
Париж

Портрет молодого человека,
125–150 гг. н. э. Государственное
античное собрание. Мюнхен

ФОВИЗМ (фр. fauve — «дикий»), «дикие» —
направление во французском искусстве начала XX века. В группу фовистов входили Анри
Матисс, Жорж Руо, Пауль Дюфи, Андре Дерен, Альбер Марке, Морис Вламинк, Кес ван
Донген. Живопись фовистов отличают плоскостность форм, насыщенность чистых цветов
и подчеркнуто энергичный контур, отказ от светотеневой моделировки и линейной перспективы, что придает их картинам особую декоративность. Группа заявила о себе на выставках
в Париже 1905, 1906, 1907 годов. Название «дикие» она получила за поражающую современников экзальтацию и выразительность цвета. Вскоре группа распалась, и каждый художник нашел
свой путь в искусстве. Но фовизм как художественный метод остался надолго и стал основой
для многих направлений в модернизме. Открытия Матисса и компании повлияли на эстетику
экспрессионистов и возникновение абстракционизма. Фовисты были далеки от философских
или социальных программ, они сосредоточивались на новаторстве художественных приемов,
предложив революционные изменения в способе изображения предметов и пространства.

304

Анри Матисс. Женщина в шляпе, 1905.
Частное собрание

Кес ван Донген. Парижанка с Монмартра, 1910.
Музей изящных искусств. Гавр

Андре Дерен. Извилистая дорога в Эстаке, 1905. Частное собрание

ФОНТАНА, Лучо (Fontana) (1899–1968) — аргентинский и итальянский художник и скульптор, один из лидеров абстракционизма. Родился в Аргентине в семье итальянского скульптора. Учился живописи и скульптуре в Милане, в Академии Брера. В 1930-е годы был одним из основателей миланского отделения
парижской группы «Абстракция-Творчество», создавал беспредметные скульптурные композиции (серия «Черные скульптуры», 1931). В 1939–1947 годах жил
в Буэнос-Айресе, став инициатором «Белого манифеста» (1946), призывавшего
к синтезу искусств и отказу от традиционных материалов. После войны создал
концепцию «Пространственное движение», экспериментировал с поверхностью
картины, разрезая монохромно окрашенные холсты (серия «Прорези», 1958), декларируя тем самым разрыв плоскости и выход в окружающее пространство.
ФРАГОНАР, Жан-Оноре (Fragonard) (1732–1806) — выдающийся французский живописец эпохи рококо. Фрагонар родился в городке Грас в семье перчаточника, в детстве подрабатывал переписчиком в конторе нотариуса. Затем отправился в столицу, где
учился у Жана-Батиста Симеона Шардена и Франсуа Буше, затем поступил в королевскую Школу избранных учеников, завершил профессиональное образование в Италии.
Фрагонар, блестяще овладев приемами различных школ и мастеров, начал работать в историческом жанре, вскоре получив звание академика. Затем он отдал предпочтение галантным жанровым сценам в духе рококо: «Счастливые возможности
качелей» (1768, Собрание Уоллеса, Лондон);
«Игра в жмурки (1775–1780, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Художник работал над частными заказами, создал серии из декоративных панно с пасторальными сюжетами:
четыре панно «Стадии любовного обольщения» для Лувесьенского замка М. Ж. Дюбарри (1771–1772, Коллекция Фрика, Нью-Йорк).
Стремительная кисть Фрагонара, его виртуозная палитра, изысканные композиции,
воздушные пейзажи, изящные грациозные
персонажи принесли ему громкий успех у заказчиков. В начале 1770-х годов он совершил
путешествие по Голландии и Италии, после
чего создал ряд пейзажных и жанровых композиций, которые по мастерству исполнения
причисляются к шедеврам: «Читающая девушка» (1770-е, Национальная галерея искусства,
Вашингтон); «Поцелуй украдкой» (1780, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В революционные
Жан-Оноре Фрагонар. Читающая девушка, 1769. годы, когда эпоха рококо ушла в прошлое, он
Национальная галерея искусства. Вашингтон
был хранителем национального музея Лувра.

306

Жан-Оноре Фрагонар. Расцвет любви. Свидание, 1771–1772. Коллекция Фрика. Нью-Йорк

ФРИДРИХ, Каспар Давид (Friedrich) (1774–
1840) — немецкий художник, один из лидеров романтизма, мастер пейзажа. Родился
в местечке Грайфсвальд, где начал свое обучение, затем учился в Академии художеств
в Копенгагене.
Дальнейшая жизнь художника связана
с Дрезденом, где он писал картины и преподавал в Академии художеств. Фридрих начал
свое творчество с графических работ, только
с 1807 года стал писать маслом. С юности он
был увлечен наблюдением за природой, что
выразилось в любви к пейзажной живописи.
Уже самые первые картины Фридриха отличались самобытностью, в них царила мистическая атмосфера созерцания, раздумий и тишины: «Крест в горах» (1808, Новые мастера,
Дрезден); «Монах у моря» (1808–1810, НаКаспар Давид Фридрих. Странник над
циональная галерея, Берлин); «Утро в Испооблаками, 1818. Кунстхалле. Гамбург
линовых горах (Ризенгебирге)» (1810–1811,
Национальная галерея, Берлин). В дальнейшем в романтических видах Фридриха
все заметнее звучат мотивы одиночества, тоски, тревоги: «Странник над облаками» (1818, Кунстхалле, Гамбург); «Замерзшее море» (1823, Кунстхалле, Гамбург).

Каспар Давид Фридрих.
Зимний пейзаж
с церковью, 1811.
Музей искусств.
Дортмунд

308

Эжен Фромантен. Соколиная охота в Алжире, 1862. Лувр. Париж

ФРОМАНТЕН, Эжен (Fromentin) (1820–1876) — французский художник и литератор. Родился в Ла-Рошели.
Фромантен отправился в Париж учиться на юриста, однако увлекся живописью и поступил в мастерскую живописца Николя Луи Кабба. Как художник он
начинал с пейзажей, как художественный критик — с обзоров выставок в Салоне.
На рубеже 1840–1850-х годов совершил несколько путешествий по Северной Африке, после которых увлекся восточной романтикой и стал одним из самых востребованных ориенталистов. Он писал красочные жанровые сцены из «арабской»
жизни, в которых подчеркиваются экзотические черты жизни в дальних странах:
«Переправа через Нил» (1851, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Соколиная охота
в Алжире» (1862, Лувр, Париж). Как писатель Фромантен известен своими путевыми заметками, а как историк искусства — научным трудом «Старые мастера» (1876), где всесторонне проанализировал развитие классической живописи.
ФУКЕ, Жан (Fouquet) (ок. 1420 — между 1477 и 1481) — французский живописец и миниатюрист, один из основоположников искусства Раннего Возрождения во Франции.
Родился Фуке в Туре, сведений о его жизни сохранилось мало, известно, что побывал
в Риме и был знаком с ренессансными произведениями итальянских мастеров. Фуке
был придворным художником французских монархов. В немногочисленных сохранившихся портретах он проявляет внимание к моделям и точности характеристик, особенно удачным считается меланхоличный «Портрет Карла VII» (1450, Лувр, Париж),
а также убедительный и достоверный «Портрет канцлера Дезюрсена» (конец 1450-х,
Лувр, Париж). Книжные иллюстрации Фуке, особенно миниатюры «Часослова Этьена

309

Шевалье» (1452–1460, Музей Конде, Шантийи), отличаются тщательностью и тонкостью отделки и яркими сияющими красками.

Жан Фуке. Портрет Карла VII, 1450. Лувр.
Париж

Казимир Малевич. Точильщик, 1914.
Галерея Йельского университета. Нью-Хейвен

ФУТУРИЗМ (от ит. Futurismo, от лат.
futurum — «будущее») — авангардистское
течение 1910-х — начала 1920-х годов, наиболее полно проявившееся в Италии и России, хотя последователи футуризма были
во многих странах. Эстетические принципы футуризма сформулировал поэт Филиппо Томазо Мариннетти в работе 1909 года
«Манифест футуризма», где декларировал полный разрыв с культурой прошлого,
утверждал идею радикального обновления
не только культуры, но и всех сфер жизни,
эстетики урбанизма, культа героя-сверхчеловека. В 1910 году «Манифест художников-футуристов» подписали Умберто
Боччони, Карло Карра, Луиджи Руссоло,
Джакомо Балла, Джино Северини, составившие ядро движения. В России появился
свой вариант «искусства будущего» — кубофутуризм, лидерами которого стали Казимир Малевич, Аристарх Лентулов, Наталья Гончарова, Давид Бурлюк. Футуристы
в стилистическом отношении были разнородны, их объединяла общность протестных взглядов и эпатажных высказываний.
В их стилистике можно встретить черты
кубизма, примитивизма, дивизионизма,
экспрессионизма, единственное, что было
общим для футуристов в художественном
отношении, — это желание внести в композиции острую динамику, стремительное
преодоление времени и статики. Для этого они раскладывали движения на стадии,
многократно их повторяли, дробили пространство и силуэты, что усиливало выразительность работ футуристов и повлияло
в дальнейшем на поиски художников других авангардных течений.

310

Умберто Боччони.
Пластичность, 1912.
Пинакотека Брера.
Милан

Луиджи Руссоло.
Динамизм автомобиля,
1912–1913. Центр
Помпиду. Париж

Фьорентино Россо. Снятие с креста, 1521.
Городская пинакотека. Вольтерра

ФЬОРЕНТИНО РОССО (Rosso Fiorentino)
(1494–1540) — итальянский художник,
один из основоположников маньеристического направления в культуре Возрождения. Россо Фьорентино — прозвище, данное по цвету волос и месту
рождения — «Рыжий из Флоренции»,
настоящее имя — Джованни Баттиста ди
Якопо ди Гуаспарре. Уроженец Флоренции, учился в мастерской Андреа дель
Сарто вместе с Понтормо. С 1524 по
1527 год работал в Риме над созданием
религиозных композиций. Работы этих
лет: «Снятие с креста» (1521, Городская
пинакотека, Вольтерра); «Обручение
Богоматери» (1523, Церковь Сан-Лоренцо, Флоренция); «Моисей, защищающий дочерей Иофора» (1523, Галерея
Уффици, Флоренция) — отличаются
композиционной изобретательностью,
изломанностью линий, сложностью ракурсов, контрастными цветовыми сочетаниями, диссонансом и тревожностью.
В 1530-х годах Фьорентино Россо работал при дворе французского короля Франциска I, руководил работами по
декоративному убранству королевской
резиденции Фонтенбло. Художник оказал решающее влияние на становление
французского ренессанса.

ФЮСЛИ, Иоганн Генрих (Füssli) (1741–1825) — швейцарский художник и график.
Родился в Цюрихе. Жил в Германии и Италии. В 1778 году поселился в Англии.
В своем творчестве Фюсли органично соединял классический рисунок и романтические образы, являясь поклонником Антона Рафаэля Менгса и Иоганна
Иоахима Винкельмана, одновременно был склонен к мистическим темам, ирреальным гротескным персонажам и фантастическим сюжетам: «Ночной кошмар» (1781, Институт искусств, Детройт); «Безмолвие» (1799, Кунстхаус, Цюрих). Он уделял большое внимание литературным сюжетам и образам, создавал
серии по мотивам пьес Шекспира и поэм Мильтона. Художник оказал решающее влияние на раннего Уильяма Блейка и на зарождение предромантизма в английском искусстве.

312

Иоганн Генрих Фюсли. Ночной кошмар, 1790. Музей Гёте. Франкфурт-на-Майне

ХАЛС, Франс (Hals) (1581/1585–1666) —
выдающийся голландский художник, автор блистательных портретов эпохи барокко. Фламандец по происхождению,
Халс родился в Антверпене в семье ткача, затем переехал в Харлем, где учился
у художника ван Мандера.
В 1610 году Халс был принят в гильдию св. Луки. Вся дальнейшая жизнь художника связана с Харлемом, где он писал портреты на заказ. Первый громкий
успех ему принесла большая композиция «Банкет офицеров стрелковой роты
святого Георгия» (1616, Музей Халса,
Харлем), в которой автор выступил реформатором жанра группового портрета. Он вводил в свои произведения драматургию, сюжетное начало, объединяя
собственно портрет с жанровой сценой:
«Банкет офицеров стрелковой роты святого Георгия» (1627, Музей Халса, Харлем); «Банкет офицеров стрелковой
роты святого Адриана» (1633, Музей Франс Халс. Улыбающийся кавалер, 1624.
Собрание Уоллеса. Лондон
Халса, Харлем).
Портреты Халса покоряют своей щедрой и энергичной кистью, богатейшей красочной палитрой, стремительным мазком, динамичными, как бы случайными композиционными приемами. Персонажи художника всегда эмоциональны, открыты, жизнерадостны и деятельны: «Улыбающийся кавалер»
(1624, Собрание Уоллес, Лондон); «Кормилица с ребенком» (1619, Картинная галерея, Берлин); «Семейный портрет ван Кампена» (1620, Художественный музей, Огайо).
В поздних портретах живописный язык Халса становится более сдержанным,
палитра — почти монохромной, композиции — более строгими. При этом психологические характеристики персонажей, напротив, усложняются, автор мастерски передает тонкие движения души и нюансы настроения своих моделей:
«Портрет ван Веструма» (1645, Национальная галерея, Прага); «Регентши приюта в Харлеме» (1664, Музей Халса, Харлем); «Портрет молодого человека с перчаткой» (1650, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Будучи всю жизнь востребованным портретистом и состоятельным человеком, Халс к концу жизни разорился и умер в бедности. Его сочная смелая живописная манера с открытым мазком оказала заметное влияние на Эдуара Мане
и импрессионистов.

314

Франс Халс.
Встреча
офицеров
роты святого
Адриана,
1633. Музей
Халса. Харлем

Х
Франс Халс.
Свадебный
портрет
Исаака Массы
и Беатрикс
ван дер
Лен от
Халса, 1622.
Рейксмузеум.
Амстердам

315

ХАНТ, Уильям Холман (Hunt) (1827–1910) — английский живописец. Родился
в Лондоне в буржуазной семье. В юности служил клерком в торговом доме своего отца, поступил в Академию художеств в 1844 году. В годы учебы познакомился с Джоном Миллесом и Габриэлем Россетти, вместе с которыми в 1848 году
объединились в «Братство прерафаэлитов», стремясь преодолеть рамки академизма и наполнить искусство высокой духовной силой. Первые его картины: «Бегство Маддалены и Порфиро» (1848); «Неверный пастух» (1851); «Светоч мира»,
«Пробудившийся стыд» (1853) — совмещали в себе нравственный посыл и новаторский художественный язык, сочетающий реалистические детали с символическим подтекстом.
Хант стремился к новому прочтению евангельских сюжетов, для чего совершил несколько путешествий в Палестину. Возвратившись в Англию, написал
в 1860 году картину «Нахождение Спасителя в Храме» (Городской музей и художественная галерея, Бирмингем), которая произвела впечатление своей этнографической точностью. В 1905 году написал книгу «Братство прерафаэлитов»,
ставшую ценным источником для исследователей.

Уильям Холман Хант. Нахождение Спасителя в Храме, 1860. Городской музей и художественная галерея.
Бирмингем

316

ХЕДА, Виллем Клас (Heda) (ок. 1594–
1680) — голландский художник. Родился
и всю жизнь прожил в Харлеме. Ранние
работы Хеды — это портреты и картины
на религиозные сюжеты, позднее художник под влиянием Питера Класа сосредоточился на жанре натюрморта. Его главный интерес — виртуозно исполненные
картины с изображением скромных завтраков, незаконченных трапез или приготовления блюд.
Работы Хеды отличает изысканная,
почти монохромная живопись, основанная на оттенках серого (серебряная
посуда и стекло) и белого (скатерти или
салфетки), куда врываются яркие акценты желтого лимона со спиралью срезанной цедры: «Натюрморт с серебряным
кувшином и пирогом» (1645, Веймарский замок, Тюрингия); «Завтрак
с крабом» (1648, Эрмитаж, Санкт-Пе- Виллем Клас Хеда. Натюрморт с серебряным
тербург). Часто детальная точность кувшином и пирогом, 1645. Веймарский замок.
Веймар
и тщательная передача фактуры предметов сочетаются с заложенным в них скрытым аллегорическим смыслом о быстротечности жизни: «Ванитас» (1628, Музей Бредиус, Гаага).
ХЕККЕЛЬ, Эрих (Heckel) (1883–1970) — немецкий художник, один из лидеров
экспрессионизма. Родился в Саксонии в семье инженера-железнодорожника.
В 1904–1905 годах Хеккель учился в Дрездене в Высшей технической школе,
где занимался архитектурой. Сблизившись с Эрнстом Людвигом Кирхнером,
Карлом Шмидт-Ротлуфом и другими художниками, стал одним из создателей
группы «Мост». С 1911 года поселился в Берлине.
Живопись Хеккеля отличают изломанные линии, угловатые силуэты, деформированные фигуры, что в сочетании с яркими цветовыми контрастами создавало особое пространство картины, наполненное драматизмом и диссонансом: «Саксонская
деревня» (1910, Музей фон дер Хайдт, Вупперталь); «Женщины у озера» (1913, Музей Лембрука, Дуйсбург); «Стеклянный день» (1913, Новое собрание, Мюнхен).
В 1930-е годы работы Хеккеля были причислены нацистами к «искусству вырождения», многие его картины погибли во время Второй мировой войны.
В послевоенные годы живопись художника стала более спокойной, он писал
пейзажи и жанровые сцены, в течение многих лет преподавал в Академии искусств в Карлсруэ.

317

Андо Хиросигэ.
Мост Осаши
из серии «Сто
знаменитых
видов Эдо»,
1856–1858

318

ХИРОСИГЭ, Андо (1797–1858) — японский художник, мастер японской гравюры укиё-э, один из самых знаменитых
пейзажистов в японском искусстве. Настоящее имя — Андо Токутаро. Хиросиге — его самый известный псевдоним.
Родился в семье пожарного в Эдо (Токио), где и прожил всю жизнь. Рисовать
начал в раннем возрасте: первый пейзаж
«Гора Фудзи в снегу» исполнил в 10 лет.
Хиросигэ учился у мастера Тоёхиро, основателя школы Утагава; пробовал себя в разных жанрах, но остановился на изображениях природы. Став
самостоятельным мастером, он выпустил графические альбомы, которые состояли из нескольких гравюр, связанных единой темой: «Знаменитые виды
Киото» (1834), «28 видов Луны» (1832),
«8 видов озера Бива в провинции Оми»
(1834). Наибольшее признание Хиросиге принесла серия «53 станции дороги
Токайдо» (1832–1834), посвященная самой известной дороге в Японии — из
Киото в Эдо.
Пейзажи Хиросиге пронизаны лирическим настроением, они полны молчаливой созерцательности, которая создается при помощи одиноких фигурок
странников, окутанных туманом или
омытых струями дождя. В жанре «цветы
и птицы» он создал серии изысканных
изображений, где реальные детали соседствуют с поэтичным прочтением (серия «Ласточки и камелии в снегу», 1830).

Андо Хиросигэ. Ласточки и камелии в снегу, 1834

ХОББЕМА, Мейндерт (Hobbema) (1638–1709) — голландский художник. Родился в Амстердаме в семье ремесленника. Учился у Якоба Рейсдала, чье влияние испытывал в своем творчестве.
Хоббема очень любил писать лесные опушки, речные заводи, водяные мельницы и фермы с мостами, отдельной темой в его творчестве звучит мотив дороги,
связанный, видимо, с частыми путешествиями художника по голландским и не-

319

Мейндерт Хоббема. Аллея в Мидделхарнисе, 1689. Национальная галерея. Лондон

мецким провинциям: «Водяная мельница» (1660-е, Рейксмузеум, Амстердам). Его
пейзажи отличает мягкость света и пространственная свобода, что заметно в его
самой знаменитой работе «Аллея в Мидделхарнисе» (1689, Национальная галерея, Лондон).
ХОГАРТ, Уильям (Hogarth) (1697–1764) — английский художник, иллюстратор,
гравер и теоретик искусства. Родился и жил в Лондоне. По первой профессии
гравер, затем обучался живописи в Академии Джеймса Торнхила.
На Хогарта оказали влияние голландские жанристы своим вниманием к деталям
и острыми характеристиками героев. Впервые в английском искусстве он создал тематические циклы: сначала — в гравюрах, а затем — в масле, высмеивающие современную политическую ситуацию (серия «Парламентские выборы» из четырех картин, 1753–1754), нравы золотой молодежи (серия «Карьера мота» из восьми картин,
1732–1735), браки по расчету (серия «Модный брак» из шести картин, 1742–1745).
Темы произведений Хогарта перекликались с английской просветительской литературой и театром тех лет, созвучны морализаторскому духу произведений Генри
Филдинга и Джона Гея.

320

Став знаменитым, Хогарт был востребован как портретист: «Портрет Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Национальная галерея, Лондон); «Портрет
Гаррика с супругой» (1757, Виндзорский замок); «Портрет детей Грэм» (1742, Галерея
Тейт, Лондон). В 1753 году он опубликовал свой теоретический труд «Анализ красоты», в котором отвергал академические нормы прекрасного, призывая ориентироваться
на природу. Хогарт оказал огромное влияние
на развитие всего английского искусства.
Уильям Хогарт. Портрет Дэвида Гаррика
с супругой, 1757. Королевское собрание.
Виндзорский замок
Уильям Хогарт. Заключение брачного контракта,
1743. Национальная галерея. Лондон

ХОКУСАЙ, Кацусика (Hokusai) (1760–1849) — японский художник. Родился
и всю жизнь прожил в Эдо (Токио). Настоящее имя — Токитаро Кавамура. Он
имел множество артистических имен, Хокусай среди них — самое известное, его
художник принял в 40 лет.
Хокусай был подмастерьем у резчика гравюр по дереву Накаяма Тэцусон,
затем учился у Кацукава Сюнсё, работавшего в жанре «укиё-э». За свою жизнь
он создал около 30 тыс. работ, в основном выполненных в технике ксилографии. Сначала художник создавал жанровые сцены из жизни квартала Ёсивара, но довольно быстро обрел собственный стиль, отдавая предпочтение
пейзажным изображениям. Природа в произведениях мастера выглядит монументальной, но при этом изменчивой, динамичной, текучей. Острый взгляд
наблюдателя сочетается в гравюрах автора с поэтичностью созерцателя. Среди лучших его произведений — серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи»
(1829–1833), «Путешествие по водопадам страны» (1827–1833), «Знаменитые
мосты» (1827–1830).
Высочайший художественный уровень произведений Хокусая принес ему славу самого известного художника Японии, его искусство оказало колоссальное
воздействие на западную живопись.

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве из серии «Тридцать шесть видов Фудзи», 1830

322

Кацусика Хокусай. Висячий мост Хиэцу-но Сакаи (Мост обезьян) из серии «Знаменитые
мосты», 1827–1830

ХОНТХОРСТ, Геррит Ван (Honthorst) (1590–1656) — нидерландский художник,
один из лидеров караваджизма за пределами Италии. Родом из Утрехта, его отец
был художником.
В 1600-е годы Хонтхорст учился в мастерской Абрахама Блумарта. Затем отправился в Рим, где познакомился с картинами Караваджо. Художник увлекался эффектами контрастного освещения, за что получил имя «Герардо Ночной»:
«Моление о чаше» (1617, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Поклонение пастухов»
(1620, Галерея Уффици, Флоренция).
В течение нескольких лет Хонтхорст работал над росписями церквей в Италии, затем вернулся в Утрехт, где стал известным живописцем и организовал
свою мастерскую. Он также знаменит своими занимательными жанровыми сценами с веселящимися персонажами: «Концерт» (1624, Лувр, Париж). Был востребован как придворный портретист при дворе английского короля и герцога
Оранского: «Принц Фридрих Генрих Оранский и Амалия ван Сольмс» (1637–
1638, Галерея Маурицхёйс, Гаага).

323

Геррит ван Хонтхорст. Поклонение пастухов, 1620. Галерея Уффици. Флоренция

ХОХ, Питер де (Hooch) (1629–1684) — голландский живописец, мастер бытового
жанра, один из лидеров делфтской школы. Родился в Роттердаме, был учеником
Николаса Берхема из Харлема. Хох начинал с многолюдных жанровых композиций с изображением гуляк и игроков, действие которых происходило на постоялых дворах и в тавернах: «Пустой стакан» (1652, Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам); «Два солдата и служанка с трубачом» (1654, Кунстхаус, Цюрих).
После женитьбы художник поселился в Делфте, где создал большую часть своих
знаменитых картин, сюжетами которых стала повседневная тихая жизнь города и его
жителей. Хох блестяще передает наполненные светом и воздухом, уходящие вглубь
перспективы комнат или двориков, увиденные через открытое окно или дверь. Персонажи Хоха почти неподвижны, в его пространствах царит прозрачная атмосфера
тишины и гармонии. Среди лучших произведений Питера де Хоха — картины «Дворик в Делфте» (1658, Национальная галерея, Лондон), «Хозяйка и служанка» (1660,
Эрмитаж, Санкт-Петербург), «У бельевого шкафа» (1663, Рейксмузеум, Амстердам).

324

Питер де Хох. Пустой стакан, 1652. Музей Бойманса — ван Бёнингена. Роттердам

Питер де Хох. Горничная с ведром, 1660. Государственный Кунстхалле. Карлсруэ

ХУНДЕРТВАССЕР, Фриденсрайх (Hundertwasser) (1928–2000) — австрийский художник и архитектор. Настоящее имя и фамилия — Фридрих Стовассер.
В 1948 году Хундертвассер недолго посещал венскую Академию художеств,
но в основном сформировался как самоучка.
Соединял в своем творчестве орнаментику венского модерна с абстрактными образами. Не примыкая ни к одному из модернистских течений, он выдвинул собственную теорию «трансавтоматизма», предлагая вернуться к природным
формам и линиям. В своих работах художник использовал яркие пятна основных
цветов, заключенные в волнообразные или спиралевидные очертания: «Желтые
дома» (1966, Кунстхаус, Вена); «Трава для тех, кто плачет» (1975, Вена). Особую
известность приобрели его проекты как дизайнера и архитектора (Дом Хундертвассера в Вене, Зеленая цитадель в Магдебурге), его стиль оформления интерьеров очень востребован и популярен в разных странах мира.

ЦОРН, Андерс Леонард (Zorn) (1860–1920) — шведский живописец, график
и скульптор. Учился в Академии художеств в Стокгольме. В 1881–1885 годах путешествовал по европейским странам, с 1888 года несколько лет жил в Париже.
Цорн начинал как скульптор и график, к живописи пришел к концу 1880-х годов. Он писал в технике импрессионизма в размашистой манере, используя широкий тягучий, почти эскизный, «цорновский» мазок. Больше всего удавались
художнику изображения фигур на фоне пейзажа, это могли быть как портреты,
так и жанровые сцены: «Танец в Сен-Жане» (1897, Национальный музей, Стокгольм); «Портрет А. Бердли» (1906, Музей Орсе, Париж); «У входа в амбар» (Галерея современного искусства, Рим).

Ц
Андерс Леонард
Цорн. Портрет
Марии Кон, 1900.
Музей Цорна.
Мура

327

ЧИМАБУЭ, Джованни (Cimabue) (ок.
1240 — ок. 1302) — итальянский художник, один из ведущих мастеров флорентийской живописи XIII века. Настоящее
имя — Ченни ди Пепо; прозвище Чимабуэ означает «Быкоголовый».
Чимабуэ относят к последним итальянским художникам, работавшим
в византийском стиле, а также считают одним из лидеров проторенессанса.
Известно, что он работал в основном
во Флоренции, а также в Риме и Пизе.
По свидетельству Джорджо Вазари, художник пользовался необычайной популярностью, имел множество учеников,
самый известный из которых — Джотто. Ранние работы Чимабуэ исполнены в средневековом стиле под влиянием готики: «Распятие» (ок. 1260–1270,
Ассизи). Самое известное произведение мастера — «Мадонна с младенцем
на троне с восемью ангелами и четырьмя пророками» (1285–1286, Галерея Уффици, Флоренция). Эта работа так восхитила флорентийцев, что они назвали
квартал, где работал Чимабуэ, «кварталом радости».
ЧЮРЛЁНИС, Микалоюс Константи- Джованни Чимабуэ. Мадонна с младенцем
нас (Čiurlionis) (1875–1911) — литов- на троне с восемью ангелами и четырьмя
ский живописец. Первоначально он пророками, 1285. Галерея Уффици. Флоренция
был композитором и музыковедом,
с 1905 года после обучения в Школе изящных искусств в Варшаве посвятил
себя живописи. В своих картинах Чюрлёнис языком символизма пытался выразить теософские идеи о единстве мироздания и синтезе искусств. Например,
его циклы «Сотворение мира» (1905–1906), «Знаки Зодиака» (1906–1907), нередко объединенные в серии наподобие музыкальных произведений: «Соната
солнца», «Соната весны» (1907); «Соната моря», «Соната звезд» (1908); диптих
«Прелюд. Фуга» (1908).
Чюрлёнис внес колоссальный вклад в развитие литовской культуры, оказав
огромное влияние на своих современников и последователей.

328

Микалоюс Константинас Чюрлёнис. Сотворение мира IX, 1906. Национальный художественный музей
имени М. К. Чюрлёниса. Каунас

ШАГАЛ, Марк Захарович (Chagall) (1887–1985) — французский и русский художник. Настоящее имя — Шагал Мойше Хацкелевич. Родился в Витебске в семье
мелкого торговца. Сначала обучался живописи у Юделя Пэна, затем в 1906 году
поехал в Петербург, где учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, в студии С. М. Зайденберга и в школе Е. Н. Званцевой у Л. С. Бакста
и М. В. Добужинского (1908–1910).
Первые работы Шагала («Свадьба», 1909; «Рождение», 1910) обращены к его излюбленной теме — жизни еврейского поселка в родном Витебске, они говорят об
его самобытном восприятии окружающего мира и отличаются ироничной интонацией и нарочито примитивной манерой. С 1910 по 1914 год Шагал жил в Париже,
в колонии художников «Улей», где сблизился с Гийомом Аполлинером, Фернаном
Леже и Робером Делоне. Здесь он пишет себя и своих витебских соседей в фантазийном, гротесковом либо мистическом ключе с элементами кубизма: «Автопортрет
с семью пальцами» (1913, Городской музей, Амстердам); «Я и деревня» (1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк); «Влюбленные» (1913–1914, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); «России. Ослам и другим» (1911, Центр Помпиду, Париж).
В начале Первой мировой войны Шагал остался в России, где задержался до
1922 года и стал свидетелем и участником революционных событий. Он занимался педагогической и выставочной деятельностью, писал панно, декорации и плакаты. Стремление сосредоточиться на живописи привело Шагала к отъезду из России, с 1923 года
он поселился в Париже. Здесь он много работал как график, иллюстратор и живописец, создавая яркие ирреально-сказочные картины о детстве, Родине, любви и смерти:
«Зеленый скрипач» (1923, Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк); «Белое распятие» (1938, Институт искусств, Чикаго); «Одиночество» (1933, Музей Тель-Авива).
В годы Второй мировой войны Шагал вынужден эмигрировать в Америку.
Послевоенный период его творчества отмечен крупными многолетними монументальными проектами по созданию росписей плафона театра Гранд-Опера
в Париже (1964) или серии «Панно для здания парламента в Иерусалиме в технике мозаики и гобелена» (1973). Шагал обновил технику витражей, создав несколько проектов для церковных залов в Меце (1958–1968), Цюрихе (1970) и Реймсе
(1974). Мастер много лет работал над иллюстрациями к Библии, его размышления на религиозные темы вылились в колоссальный труд — «Библейское послание», 17 полотен и десятки графических листов. С 1973 года этот проект представлен в Музее Марка Шагала в Ницце, где в эти годы жил художник. Фигура
Марка Шагала стала знаковой для всего мирового искусства.
ШАМПЕНЬ, Филипп де (Champagne) (1602–1674) — французский художник фламандского происхождения. Родился в Брюсселе.
С 1621 года Шампень работал в Париже. Учился у Николя Дюшена, стал его преемником на посту придворного художника. В молодости художник несколько лет занимался декорационными росписями Люксембургского дворца. В своей живописи
он соединял реалистичность фламандцев с классицизмом болонской школы, это при-

330

несло ему успех в жанре репрезентативного
портрета. Наибольшую известность получили портреты правителей страны: «Портрет
кардинала Ришелье» (1630-е, Лувр, Париж);
«Короля Людовика XIII венчает Виктория»
(1635, Лувр, Париж); «Портрет кардинала
Мазарини» (1640-е, Музей Конде, Шантийи).
В своих портретах Шампень избегал пафоса
и аллегорий, предпочитал строгую и лаконичную манеру исполнения.
ШАРДЕН, Жан-Батист Симеон (Chardin)
(1699–1779) — французский живописец.
Родился и жил в Париже, его отец был резчиком по дереву.
Живописи Шарден учился в мастерской
у художника Пьер-Жака Каза, затем обучался
в Королевской академии живописи. В молодости он подрабатывал в различных мастерских
тем, что писал аксессуары на больших полотнах мэтров. С тех пор Шарден приобрел умение видеть и чувствовать предметы, что помогло ему стать блистательным мастером
натюрморта. За натюрморты «Скат» и «Буфет» (Лувр, Париж) был избран академиком
Королевской академии живописи (1728).
Шардена отличают лаконичные композиции, которые состоят из обыденных непритязательных вещей: баков, мисок, котлов,
изображенных автором с неподражаемым
живописным мастерством: «Медный бак»
(1733–1734, Лувр, Париж). Позже он увлекся
бытовым жанром, показывал сцены тихой домашней жизни женщин и детей из скромных
буржуазных семей: «Возвращение с рынка»
(1739, Лувр, Париж); «Прачка» (1730-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург); «Молитва перед
обедом» (1744, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Картины Шардена лишены занимательного
сюжета, в них нет роскоши и блеска, он пленяет тонкой трактовкой образов и виртуозной живописной техникой.

331

Филипп де Шампень. Портрет кардинала
Ришелье, ок. 1639. Лувр. Париж

Ш
Жан-Батист Симеон Шарден. Серебряный
кубок, 1768. Лувр. Париж

ШАССЕРИО, Теодор (Chassériau) (1819–
1856) — французский художник, соединивший в своем искусстве черты неоклассицизма и романтизма. Родился во французской
колонии в Вест-Индии, где его отец был
посланником. В 1822 году семья переехала
в Париж.
Шассерио занимался в мастерской Доминика Энгра (1830–1834); позднее увлекся живописью романтика Эжена Делакруа.
В результате творческий почерк художника приобрел двойственность: он часто избирал романтические сюжеты, исполняя
картину с классическим рисунком и композицией, но наполняя работу яркими красочными сочетаниями — «Арабские вожди
перед поединком» (1852, Лувр, Париж).
Писал картины на исторические и библейТеодор Шассерио. Туалет Эсфири, 1841. Лувр.
ские темы: «Венера Анадиомена» (1838,
Париж
Лувр, Париж); «Туалет Эсфири» (1841,
Лувр, Париж). Шассерио был востребованным портретистом: «Портрет преподобного Отца Доминика Лакордере» (1840, Лувр, Париж); «Портрет Алексиса
де Токвиль» (1850, Национальный музей Версаля).
ШИЛЕ, Эгон (Schiele) (1890–1918) — австрийский художник и график. Родился
в предместье Вены в семье начальника железнодорожного вокзала.
С 1906 года три года Шиле обучался
в столичной Академии художеств, вскоре
увлекся авангардными идеями, бросил учебу, вместе с друзьями организовал «Группу
нового искусства». После встречи с Густавом Климтом проникся эстетикой модерна. Но вскоре познакомился с Оскаром Кокошкой, и его произведения стали более
эмоциональными и драматичными. Шиле
создает свой самобытный вариант экспрессионизма, в котором преобладают заключенные в колкие, рваные контуры, искривленные силуэты, окруженные пустым
пространством. Искаженные болью лица
его обреченных на одиночество персонаЭгон Шиле. Портрет Валли, 1912.
жей производят на зрителя трагическое
Музей Леопольда. Вена

332

впечатление: «Автопортрет с физалисом» (1912, Музей Леопольда, Вена); «Мертвая мать» (1910, Частное собрание); «Семья» (1918, Бельведер, Вена). Жизнь художника также была полна драматичных событий: непонимание его слишком
откровенных эротических картин, обвинение в непристойности, мобилизация
на фронт в 1915 году, наконец, роковая эпидемия «испанки» в 1918 году, оборвавшая жизнь Эгона Шиле.
ШИШКИН, Иван Иванович (1832–1898) — русский художник-пейзажист, один
из лидеров «Товарищества передвижных художественных выставок». Родился
в Елабуге в семье купца, который занимался археологией и краеведением.
Шишкин обучался сначала в Москве, затем поступил в Академию художеств,
учился у Михаила Воробьева. В его ранних пейзажах еще чувствуется влияние романтизма: «Вид на острове Валааме» (1858, Киевский национальный музей русского

Ш
Иван Шишкин. Стадо в лесу, 1864. Национальная галерея Армении. Ереван

333

Иван Шишкин. Зима в лесу (Иней), 1877. Киевский национальный музей русского искусства. Киев

искусства, Киев). Затем после длительного
путешествия по Европе, знакомства с различными пейзажными школами он обогатил свой художественный арсенал новыми
подходами и приемами.
Шишкинским пейзажам свойственны
монументальность, панорамная композиция, эпические трактовки звучных мотивов с широкими просторами, мощными
дубами, высокими небесами и корабельными соснами: «Мачтовый лес в Вятской
губернии» (1872, Третьяковская галерея,
Москва); «Рожь» (1878, Третьяковская галерея, Москва); «Полдень. Окрестности
Москвы» (1869, Третьяковская галерея,
Москва); «Пихтовый лес на Каме» (1878,
Картинная галерея, Пермь). Прекрасный
знаток леса и неутомимый путешественник, Шишкин предельно точно передает особенности конкретных ландшафтов, любуясь величием природы: «Лесные Иван Шишкин. Сосновый лес, 1878.
Музей Кадриорга. Таллин
дали» (1884, Третьяковская галерея, Москва); «Утро в сосновом бору» (1889, Третьяковская галерея, Москва); «Корабельная роща» (1898, Русский музей, Санкт-Петербург).
Творческое наследие Шишкина стало эталоном национального пейзажа в России, его самые известные работы воспринимаются потомками как образ Родины.
ШМИДТ-РОТЛУФ, Карл (Schmidt-Rottluff) (1884–1976) — немецкий художник,
представитель экспрессионизма, мастер пейзажа. Настоящая фамилия — Шмидт,
Ротлуф — городок в Саксонии, место рождения художника.
В 1905 году Шмидт-Ротлуф поступил на отделение архитектуры в Высшую
техническую школу в Дрездене, но вскоре оставил учебу, познакомившись
с Эрнстом Людвигом Кирхнером и Эрихом Хеккелем, совместно с которыми
основал группу «Мост». Первые работы он писал под влиянием Винсента Ван
Гога, затем открыл для себя фовистов, сохранив навсегда приверженность к яркой красочной палитре: «Сельский дом среди лип» (1907, Национальная галерея, Берлин); «Пейзаж в Дангасте» (1910, Государственный музей, Амстердам);
«Дома ночью» (1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк). С годами
в композициях Ротклуфа нарастает напряженность контрастов, ломкость линий,
угловатость силуэтов: «Две женщины» (1912, Галерея Тейт, Лондон); «Портрет
историка искусств Вильгельма Наймера» (1921, Национальная галерея, Берлин);
«Автопортрет» (1920, Национальная галерея, Берлин). В 1930-е годы Шмидт-Рот-

335

луф достигает больших успехов в графических сериях. Когда к власти пришли
нацисты, он жил в заброшенной деревне
на балтийском берегу. Его картины были
объявлены «дегенеративными».
После войны Шмидт-Ротлуф совмещал успешную художественную деятельность с преподаванием в Высшей школе
изобразительных искусств в Берлине, где
занимал должность профессора.
ШТУК, Франц фон (Stuck) (1863–1928) —
немецкий художник, один из лидеров
символизма в изобразительном искусстве.
Родился в баварской деревне в крестьянской семье.
Штук начал учебу в Школе прикладных
искусств в Мюнхене, затем учился в Политехникуме (1881–1884). В 1885 году посещал мюнхенскую Академию художеств,
но как художник сформировался самостоятельно. В юности он находился под
влиянием Арнольда Бёклина и Фернана
Кнопфа.
Штук достиг известности благодаря
картинам на мифологические сюжеты
Франц фон Штук. Грех, 1893. Новая пинакотека,
с аллегорическим подтекстом и почти
Мюнхен
нескрываемым эротизмом: «Грех» (1893,
Новая пинакотека, Мюнхен); «Поцелуй сфинкса» (1895, Музей изобразительных искусств, Будапешт); «Люцифер» (1890, Национальная галерея, София);
«Саломея» (1906, Дом-музей Ленбаха, Мюнхен). Он был одним из основателей и лидеров Мюнхенского Сецессиона, с 1895 года преподавал в баварской
Академии художеств.

ван ЭЙК (Eyck, van) — фамилия двух знаменитых фламандских живописцев конца XIV — начала XV века, братьев Губерта
(ок. 1370(?)–1426) и Яна (ок. 1390–1441).
Они являются основоположниками новой реалистической традиции нидерландской живописи эпохи Ренессанса. Родиной братьев считается местечко Массейк
близ Лимбурга. О Губерте ван Эйке биографических сведений почти не сохранилось, предполагается, что он был старшим братом Яна и что они почти всегда
работали вместе. О младшем из ван Эйков известно, что он совмещал обязанности дипломата и придворного художника при Бургундском дворе, по поручению
герцога Филиппа Доброго бывал в Испании и Португалии. С 1430-х годов Ян жил
и работал в Брюгге, где имел свою мастерскую. С юности он отличался разносторонними дарованиями: для графа Голландии в Гааге он декорировал дворец, а также
работал как миниатюрист, автор иллюстраций к Турино-Миланскому часослову.
Первые работы ван Эйка отмечены влиянием сиенской школы и стилем «интернациональной готики», но постепенно произведения становятся более реалистичными.
Тщательно переданные фактуры предметов, осязаемые объемы фигур, а также убедительная достоверность деталей — все это
отличительные черты алтарных и особенных портретных композиций ван Эйка.
Примером могут служить «Мадонна каноника ван дер Пале» (1436, Музей Грунинге, Брюгге); «Портрет мужчины в красном
тюрбане» (1433, Национальная галерея,
Лондон); «Мадонна канцлера Роллена»
(1435, Лувр, Париж).
Знаменитым творением братьев считается Гентский алтарь, работа над которым
длилась более семи лет (1425–1432).

337

Ян ван Эйк. Портрет кардинала Альбергати,
1435. Музей истории искусств. Вена

Ян ван Эйк. Портрет Маргариты, жены
художника, 1439. Брюгге

Ян ван Эйк. Портрет четы Арнольфини, 1434.
Национальная галерея. Лондон

Ян ван Эйк. Поклонение агнцу, 1432.
Собор Святого Бавона. Гент

Ян ван Эйк. Дрезденский триптих, 1437. Галерея старых мастеров. Дрезден

Это объемный складень, состоящий из двадцати картин, сейчас он находится в соборе Святого Бавона в городе Гент. Особенно яркое впечатление производит центральная сцена полиптиха — «Поклонение агнцу», которая поражает
звучностью красок, богатством деталей и разнообразием фигур. Предание приписывает братьям ван Эйк усовершенствование масляной техники, что давало
автору необходимую свободу и позволяло сделать решительный поворот живописи к изображению реального мира.
К шедеврам европейской живописи относится созданная Яном ван Эйком
галерея портретных образов: «Портрет кардинала Никколо Альбергати» (1435,
Музей истории искусств, Вена); «Портрет четы Арнольфини» (1434, Национальная галерея, Лондон); «Портрет Маргариты ван Эйк» (1439, Музей Грунинге, Брюгге).
Творчество братьев ван Эйк стало вехой в истории мирового искусства,
они задали новый вектор в развитии не только нидерландской живописи —
их новые краски оказали огромное влияние на все итальянское искусство
эпохи Возрождения.

339

ЭКСЕКИЙ (’Εξηϰίας) (середина — 3-я четв.
VI века до н. э.) — древнегреческий вазописец и гончар эпохи архаики. Крупнейший мастер чернофигурного стиля. Эксекий владел мастерской в Афинах. Его
имя известно по ряду подписных ваз,
на которых он оставлял надпись: «Эксекий расписал и сделал меня». Росписи
мастера отличает лаконичная выверенная композиция, проработанные фактуры и детали, богатые линии и ритмы,
составляющие гармоничное целое с формой сосуда: килик «Дионис в ладье» (Музей античного прикладного искусства,
Мюнхен); амфора «Ахилл и Аякс, играющие в кости» (Музей Ватикана).
ЭКСПРЕССИОНИЗМ (от фр. еxpressionismе,
от лат. expressio — «выражение, выразительность») — направление в искусстве и литературе первых десятилетий
XX века. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния художника путем
деформации реальности. Своими предшественниками экспрессионисты считали
постимпрессионистов Винсента Ван Гога, Джеймса Энсора, Эдварда Мунка, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных
субъективных состояний.
Наиболее ярко направление заявило о себе в Германии, где в 1905 году в Дрездене появилось первое объединение живописцев и графиков — группа «Мост»,
лидерами которой были Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт-Ротлуф, Эмир
Нольде, Эрих Хеккель и Макс Пехштейн. Они часто обращались к темам страха, разочарования, страдания, тревоги, боли и негодования, а для выражения этих
сильных чувств использовали неровные линии, контрастные цвета, абстрактные
формы, преувеличения и упрощения.
Другой центр экспрессионизма — Мюнхен, где с 1911 года издавался альманах
«Синий всадник», его лидерами стали Василий Кандинский, Франц Марк, Пауль Клее. В отличие от «Моста», мюнхенские художники выражали свои эмоции
через более сложные колористические сочетания. Острый драматический взгляд
на мир и создание работ, полных диссонанса и надрыва, оказались пророческими в преддверии Первой мировой войны. В дальнейшем экспрессионизм оказал
решающее воздействие на волну американских абстракционистов.

Эксекий. Килик Дионис в ладье, ок. 530 года
до н. э. Музей античного прикладного искусства.
Мюнхен

340

Эдвард Мунк. Тревога, 1894. Музей Мунка. Осло

Эрнст Людвиг Кирхнер. Площадь
Ноллендорфплац, 1912. Городской
музей. Берлин

Август Маке. Прощание, 1914. Музей
Людвига. Кёльн

Марианна Верёвкина. Красный город,
1909. Частное собрание

ЭЛЬ ГРЕКО (El Greco) (ок. 1541–1614) — испанский художник греческого происхождения. Родился на острове Крит. Его настоящее имя — Доменико Теотокопули. Учился
у иконописцев на Крите, в 1565 году переехал в Венецию, а еще через 5 лет — в Рим.
Здесь он учился у Тициана и художника-миниатюриста Джулио Кловио. Знакомство
с венецианской школой живописи, особенно
с картинами Тинторетто и творчеством маньеристов, оказало влияние на византийскую
манеру живописи Эль Греко, что сформировало уникальный почерк мастера. В 1576 году
он отправился в Испанию в надежде на работу при королевском дворе, однако родным
городом для Эль Греко стал Толедо, где он
жил и работал много лет, здесь же он достиг
наибольших успехов и признания.
Большая часть творчества Эль Греко посвящена масштабным религиозным композициям, созданным для храмов и обителей. Спиритуалистический язык произведений Эль Греко,
его одухотворенность, экспрессия и мистицизм нашли благодатную почву на испанской
земле. Динамичную взволнованность своим
картинам мастер придавал особым образом организованным пространством, которое вспыхивало зарницами, искривлялось и двигалось, вытягивая пропорции персонажей, сдвигая или
растягивая планы, располагая героев в сложных ракурсах. К числу лучших произведений
относятся: «Благовещение» (1597–1600, Музей
Прадо, Мадрид); «Мученичество святого Маврикия» (1580–1582, Монастырь Сан-Лоренсо-де-Эль-Эскориаль); «Эсполио» (1577–1579,
Кафедральный собор, Толедо); «Воскресение
Христа» (1596–1600, Музей Прадо, Мадрид).
Особое признание жителей города Толедо
Эль Греко получил после создания своего шедевра «Похороны графа Оргаса» (1586–1588,
Церковь Санто-Томе, Толедо), где мастерски
показаны два мира — земной, лаконичный

343

Эль Греко. Дворянин с рукой на груди, 1580.
Музей Прадо. Мадрид

Эль Греко. Святое семейство, 1595. Госпиталь
Тавера. Толедо

Эль Греко. Эсполио,
1577–1579. Толедо

Эль Греко. Лаокоон, 1604–1614. Национальная галерея искусства. Вашингтон

и строгий, а над ним мир горний — прозрачный, подвижный, зыбкий. В последних работах мастера усиливаются трагические тревожные интонации, фигуры деформируются, яркие краски уступают место почти монохромной пепельной гамме:
«Лаокоон» (ок. 1610–1614, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Эмоционально напряженное искусство Эль Греко нашло свой отклик в творчестве экспрессионистов начала ХХ века, считавших мастера своим предтечей.
ЭНГР, Жан Огюст Доминик (Ingres) (1780–1867) — французский художник-неоклассицист. Родился в Монтабане в семье художника и скрипача. Учился в Тулузе в Школе изящных искусств, затем поступил в мастерскую к Жаку-Луи Давиду.
В 1801 году Энгр был награжден Большой Римской премией за картину «Послы
Агамемнона у Ахилла» (Школа изящных искусств, Париж). В начале карьеры он проявил себя как талантливый портретист, в лучших работах ему удавалось с достоверностью передать настроение модели и ее характер: «Портрет мадемуазель Каролин

345

Жан Огюст Доминик Энгр. Портрет мадам де
Сеннон, 1814. Музей изящных искусств. Нант

Ривьер» (1805, Лувр, Париж); «Наполеон —
первый консул» (1804, Музей армии, Льеж);
«Портрет Жозефа Антуана Мольтедо» (1815,
Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
На Энгра особое влияние оказали поездки в Италию, где он подробно изучал
творчество своего любимого художника
Рафаэля. Результатом стала картина «Обет
Людовика XIII» (1820–1824, Собор НотрДам, Монтобан), которая принесла автору Орден Почетного легиона и официальное признание. Помимо мифологических
и исторических композиций, решенных
в классическом стиле, он создал плеяду блистательных портретов, отличающихся глубоким психологизмом и лаконичностью:
«Портрет Бертена» (1832, Лувр, Париж);
«Графиня д’Оссонвиль» (1845, Коллекция
Фрика, Нью-Йорк); «Портрет мадам де
Сеннон» (1814, Музей изящных искусств,

Жан Огюст Доминик Энгр. Большая одалиска, 1814. Лувр. Париж

346

Нант). Особую тему в творчестве Энгра
составляют изображения обнаженной натуры, наделенные классической ясностью
форм, предвосхитившие французский ориентализм: «Большая купальщица» («Купальщица Вальпенсон») (1808, Лувр, Париж);
«Большая одалиска» (1814, Лувр, Париж);
«Источник» (1856, Музей Орсе, Париж);
«Турецкая баня» (1862–1863, Лувр, Париж).
Многие годы Энгр преподавал в Париже в своей мастерской (с 1826 года), в Школе изящных искусств (с 1830 года — профессор, с 1834 года — директор); возглавлял
Французскую академию в Риме (1835–1841).
Оказал огромное влияние на многих своих
последователей, прежде всего как один из
лучших рисовальщиков в истории искусства.
ЭНСОР, Джеймс (Ensor) (1860–1949) —
бельгийский живописец и график. Родился в Остенде в семье инженера. В 1877–
1880 годах учился в Академии художеств
в Антверпене. Затем вернулся в Остенде, где продолжил заниматься живописью
и вел дела в устричной лавке своей матери. Жан Огюст Доминик Энгр. Обет Людовика XIII,
1824. Собор Богоматери. Монтобан
Энсор был одним из основателей брюссельской группы «XX» и членом антверпенского объединения «Современное
искусство». В первые годы создавал картины в неяркой гамме, жанровые сцены
и натюрморты, затем под влиянием открытий импрессионистов у Энсора высветляется колорит, мазок становится свободней, контуры размываются, картины наполняются вибрирующим воздухом: «Дама в голубом» (1881, Королевский музей
изящных искусств, Брюссель); «Завтрак с устрицами» (1882, Королевский музей
изящных искусств, Антверпен). С конца 1880-х годов художник отдает предпочтение аллегорическим картинам, наполненным драматичными символами.
Вскоре главным символом человеческих характеров, взаимоотношений, поступков становится маска: «Интрига» (1890, Королевский музей, Антверпен); «Маски, противостоящие смерти» (1888, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
В 1888 году Энсор создал свое самое известное произведение — «Въезд Христа
в Брюссель» (Музей Энсора, Остенде) — монументальное полотно, в котором
городская толпа, окружающая Христа, представляет собой отвратительное скопище уродливых масок. Соединяя иронию и фантасмагорию, Энсор стал наследниЭ
ком фламандской традиции на новом авангардном этапе.

347

Джеймс Энсор. Маски,
противостоящие
смерти, 1888. Музей
современного
искусства. Нью-Йорк

ЭРНСТ, Макс (Ernst) (1891–1976) — немецкий художник-сюрреалист. Родился в городе Брюль в семье учителя, который приобщил его к рисованию. Затем
Эрнст учился в Боннском университете, изучал психологию и философию.
Как художник сформировался самостоятельно, под влиянием произведений
Винсента Ван Гога и художников «Синего всадника», особенно сблизился с Августом Макке. Участие в Первой мировой войне и гибель Макке полностью поменяли творчество Эрнста, он стал дадаистом и начал работать в технике коллажей,
для создания которых использовал различную печатную продукцию. В 1920-х годах он поселился в Париже, где сблизился с Андре Бретоном и стал лидером сюрреализма: «Встреча друзей» (1922, Музей Людвига, Кёльн).
Настаивая на случайности ассоциативного искусства сюрреалистов, Эрнст
изобретает технику фроттажа (это перевод на бумагу текстуры какой-либо грубой или шероховатой поверхности), наиболее соответствующую «случайному»
характеру творческого акта. С 1936 года он применяет еще один новый прием —
декалькоманию, раздавливание на холсте листом бумаги или стеклом сгустка краски. Художник использовал «случайные» изображения в качестве фона своих работ, которые населял причудливой флорой и фауной: «Дерево одинокое и дерево
замужнее» (1940, Собрание Тиссена-Борнемисы, Мадрид); «Наполеон в пустыне» (1941, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В годы Второй мировой
войны уехал в Америку, где придумал технику дриппинга, которая позже увлечет Джексона Поллока. После возвращения в Европу пробовал себя в скульптуре, писал книги, участвовал в крупных выставочных проектах.

ЯВЛЕНСКИЙ, Алексей Георгиевич (1864–
1941) — русский художник, представитель
экспрессионизма. Родился в Торжке в семье полковника. После гимназии учился
в кадетском корпусе и военном училище
(1877–1887); в 1896 году вышел в отставку
в чине штабс-капитана.
В 1889 году Явленский стал вольнослушателем Академии художеств в Петербурге. После отставки вместе с Марианной
Веревкиной он уехал в Мюнхен, где учился в Школе Ашбе. Первые картины писал
в духе импрессионизма. В Париже познакомился с новыми модернистскими течениями, увлекся живописью Винсента Ван
Гога и Анри Матисса, выработал собственную манеру: упрощение очертаний реальных объектов, интенсивная цветовая гамма
чистых тонов, использование черных контуров фигур и предметов: «Средиземноморское побережье» (1907); «Натюрморт
с вазой и кувшином» (1909). В 1909 году
Явленский вместе с Василием Кандинским
стал лидером «Нового художественного общества» в Мюнхене, а с 1912 года —
участником выставок «Синего всадника»:
«Дама с пионами» (1909, Музей фон дер
Хайдт, Вупперталь); «Девочка с зеленым
лицом» (1910, Художественный институт,
Чикаго). С началом Первой мировой войны путь в Россию для Явленского был отрезан, он поселился в Швейцарии. В межвоенный период писал картины на грани
абстракции: «Медитация» (1936, Художественный музей, Лодзь).

Алексей Явленский. Девочка с зеленым лицом,
1910. Художественный институт. Чикаго

Алексей Явленский. Абстрактная голова: жизнь
и смерть, 1921. Музей Нормана Саймона.
Пасадена

А
АБСТРАКЦИОНИЗМ
АЙВАЗОВСКИЙ,
Иван Константинович
АЛЬТДОРФЕР, Альбрехт
АНДЖЕЛИКО, Фра Беато
АНДРЕА ДЕЛЬ КАСТАНЬО
АНТОНЕЛЛО ДА МЕССИНА
АРЧИМБОЛЬДО, Джузеппе

Г
3
4
5
6
7
8
9

Б
БАЗИЛЬ Фредерик
БАЛЛА, Джакомо
БАРОККО
БАССАНО, Якопо да Понте
БАСТЬЕН-ЛЕПАЖ, Жюль
БЁКЛИН, Арнольд
БЕЛЛИНИ, Джованни
БЕЛЛОТТО, Бернардо
БЕРНАР, Эмиль
БЁРН-ДЖОНС, Эдуард
БЛЕЙК, Уильям
БОНИНГТОН, Ричард Парк
БОННАР, Пьер
БОРОВИКОВСКИЙ,
Владимир Лукич
БОСХ, Иероним
БОТЕРО, Фернандо
БОТТИЧЕЛЛИ, Сандро
БОЧЧОНИ, Умберто
БРАК, Жорж
БРАУВЕР, Адриан
БРЕЙГЕЛЬ, Питер
БРЕЙГЕЛЬ, Ян
БРОНЗИНО, Аньоло
БРЮЛЛОВ, Карл Павлович
БУШЕ, Франсуа
БЫТОВОЙ ЖАНР
БЭКОН, Фрэнсис

10
10
10
13
14
14
14
18
19
20
20
21
22
23
24
25
25
28
28
29
30
34
36
36
38
39
43

В
ВАЗАРЕЛИ, Виктор
ВАЗАРИ, Джорджо
ВАН ГОГ, Винсент
ВАН ДОНГЕН, Кес (Корнелис)
ВАТТО, Жан-Антуан
ВАН ДЕР ВЕЙДЕН, Рогир
ВЕЛАСКЕС, Родригес Диего
де Сильва-и-Веласкес
ВЕРЕЩАГИН, Василий Васильевич
ВЕРМЕЕР, Ян
ВЕРОНЕЗЕ, Паоло
ВЕРРОККЬО, Андреа дель
ВИЖЕ-ЛЕБРЕН, Элизабет
ВИНТЕРХАЛЬТЕР, Франс Ксавер
ВЛАМИНК, Морис де
ВУД, Грант
ВУЭ, Симон

44
44
45
47
48
49
50
55
56
60
61
62
62
63
63
64

УКАЗАТЕЛЬ

ГВАРДИ, Франческо
ГВЕРЧИНО, Джованни
ГЕЙНСБОРО, Томас
ГИРЛАНДАЙО, Доменико
ГОГЕН, Поль
ГОЙЕН, Ян ван
ГОЙЯ, Франсиско Хосе
ГОЛЬБЕЙН, Ганс Младший
ГОРКИ, Аршил
ГРЁЗ, Жан-Батист
ГРИС, Хуан
ГРО, Антуан-Жан
ГРЮНЕВАЛЬД, Маттиас
ГУС, Хуго ван дер
ГУТТУЗО, Ренато

Й
65
66
67
68
69
72
72
75
76
77
78
78
79
80
81

Д
ДАВИД, Жак Луи
ДАЛИ, Сальвадор
ДЕ КИРИКО, Джорджо
ДЕГА, Эдгар
ДЕЙК, Антонис ван
ДЕЛАКРУА, Эжен
ДЕЛАРОШ, Поль Ипполит
ДЕЛОНЕ, Робер
ДЕНИ, Морис
ДЕРЕН, Андре
ДЖЕНТИЛЕСКИ, Артемизия
ДЖОНС, Джаспер
ДЖОРДЖОНЕ
ДЖОТТО, Ди Бондоне
ДЖУЛИО РОМАНО
ДИКС, Отто
ДОБИНЬИ, Шарль-Франсуа
ДОМЕНИКИНО
ДОМЬЕ, Оноре Викторен
ДУЧЧО ДИ БУОНИНСЕНЬЯ
ДЮПРЕ, Жюль
ДЮРЕР, Альбрехт
ДЮФИ, Рауль
ДЮШАН, Марсель

82
82
85
86
88
90
91
92
93
94
95
95
95
97
97
98
98
99
102
102
103
104
107
108

Е
ЕВФРОНИЙ

109

Ж
ЖЕРАР, Франсуа
ЖЕРИКО, Жан Луи Андре Теодор
ЖЕРОМ, Жан-Леон

110
110
112

И
ИМПРЕССИОНИЗМ
ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР

113
115

ЙОНГКИНД, Иоган Бартолд
ЙОРДАНС, Якоб

121
121

К
КАЙБОТТ, Гюстав
КАЛФ, Вильем
КАНАЛЕТТО
КАНДИНСКИЙ, Василий Васильевич
КАРАВАДЖО,
Микеланджело Меризи да
КАРПАЧЧО, Витторе
КАРРА, Карло
КАРРАЧЧИ
КАУФМАН, Ангелика
КИРХНЕР, Эрнст Людвиг
КЛАССИЦИЗМ
КЛЕЕ, Пауль
КЛЯЙН, Ив
КЛИМТ, Густав
КЛУЭ
КОКОШКА, Оскар
КОНСТЕБЛ, Джон
КОРО, Жан Батист Камиль
КОРРЕДЖО, Антонио
КРАНАХ, Лукас Старший
КРЕСПИ, Джузеппе Мария
КУБИЗМ
КУНИНГ, Виллем де
КУПКА, Франтишек
КУРБЕ, Гюстав

123
123
124
125
127
129
130
130
132
133
133
137
139
139
143
144
144
145
146
147
147
148
149
149
150

Л
ЛАТУР, Жорж де
ЛЕБРЕН, Шарль
ЛЕВИТАН, Исаак Ильич
ЛЕЖЕ, Фернан
ЛЕНЕН, братья Антуан, Луи и Матье
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ
ЛИМБУРГ, братья, Поль, Эрман
и Жеанекен
ЛИОТАР, Жан Этьен
ЛИППИ, Филиппо
ЛИХТЕНШТЕЙН, Рой
ЛОНГИ, Пьетро
ЛОРЕНЦЕТТИ, Пьетро и Амброджо
ЛОРРЕН, Клод
ЛОТТО, Лоренцо
ЛОУРЕНС, Томас
ЛУКА ЛЕЙДЕНСКИЙ

152
152
153
153
154
154
156
157
158
159
159
160
161
162
163
163

М
МАГРИТТ, Рене
МАЗАЧЧО
МАЛЕВИЧ, Казимир Северинович
МАНЕ, Эдуар

165
165
166
167

МАНТЕНЬЯ, Андреа
МАНЬЯСКО, Алессандро
МАРК, Франц
МАРКЕ, Пьер Альбер
МАРТИНИ, Симоне
МАТИСС, Анри
МЕМЛИНГ, Ганс
МЕНГС, Антон Рафаэль
МЕТСЮ, Габриель
МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ
МИЛЛЕ, Жан-Франсуа
МИЛЛЕС, Джон Эверетт
МИРО, Хоан
МОДИЛЬЯНИ, Амедео
МОНДРИАН, Пит
МОНЕ, Клод Оскар
МОРО, Гюстав
МУНК, Эдвард
МУРИЛЬО, Бартоломе Эстебан
МУХА, Альфонс

170
171
172
173
173
174
176
177
178
178
181
181
182
182
183
184
189
190
191
192

Н
НАТЮРМОРТ
НОЛЬДЕ, Эмиль

198
199
199
204
204
204

193
195

196
196
197

П
ПАЛЬМА ВЕККЬО
ПАРМИДЖАНИНО
ПЕЙЗАЖ
ПЕРУДЖИНО,
Пьетро ди Христофоро Вануччи
ПЕХШТЕЙН, Макс
ПИКАССО, Пабло
ПИРОСМАНАШВИЛИ
(ПИРОСМАНИ), Нико
ПИССАРРО, Камиль
ПОЛЛАЙОЛО Антонио дель
ПОЛЛОК, Джексон
ПОНТОРМО, Якопо да
ПОРТРЕТ
ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ
ПОЦЦО, Андреа
ПУССЕН, Никола
ПЬЕРО ДЕЛЛА ФРАНЧЕСКА
ПЬЕРО ДИ КОЗИМО
ПЬЕТРО ДА КОРТОНА
ПЮВИ ДЕ ШАВАНН, Пьер

205
207
209
209
210
210
213
217
217
220
221
222
223

Р
РАУШЕНБЕРГ, Роберт
РАФАЭЛЬ
РЕАЛИЗМ
РЕДОН, Одилон

224
224
228
232

233
234
235
239
239
243
244
244
245
246
247
251
252
253
257
258
258

С
САВРАСОВ, Алексей Кондратьевич
САРДЖЕНТ, Джон Сингер
САРТО, Андреа дель
СЕВЕРИНИ, Джино
СЕЗАНН, Поль
СЁРА, Жорж Пьер
СИКЕЙРОС, Хосе Давид
СИНЬЯК, Поль
СИСЛЕЙ, Альфред
СНЕЙДЕРС, Франс
СТАББС, Джордж
СТАЛЬ, Никола де
СТЕН, Ян Хавикс
СТРОЦЦИ, Бернардо
СУРБАРАН, Франсиско де
СУТИН, Хаим
СЭССЮ
СЮРРЕАЛИЗМ
СЯРАКУ, Тёсюсай

О
ОВЕРБЕК, Иоганн Фридрих
ОРОСКО, Хосе Клементе
ОСТАДЕ, Адриан ван

РЕЙНОЛДС, Джошуа
РЕЙСДАЛ, Якоб ван
РЕМБРАНДТ, Харменс ван Рейн
РЕНИ, Гвидо
РЕНУАР, Пьер Огюст
РЕПИН, Илья Ефимович
РИБЕРА, Хосе
РИВЕРА, Диего Мария
РОБЕР, Гюбер
РОЗА, Сальватор
РОМАНТИЗМ
РОССЕТТИ, Данте Габриэль
РОТКО, Марк
РУБЕНС, Питер Пауль
РУО, Жорж
РУССО, Анри Жюльен Феликс
РУССО, Пьер Этьен Теодор

ТАНГИ, Ив
ТЕНИРС, Давид Младший
ТЕРБОРХ, Герард
ТЕРБРЮГГЕН, Хендрик
ТЁРНЕР, Джозеф Мэллорд Уильям
ТИНТОРЕТТО
ТИССО, Жак-Жозеф (Джеймс)
ТИЦИАН, Вечеллио
ТИШБЕЙН, Иоганн Генрих Вильгельм
ТРОЙОН, Констан
ТУЛУЗ-ЛОТРЕК, Анри де
ТЬЕПОЛО, Джованни Баттиста

260
261
261
262
263
266
267
268
269
270
271
272
273
274
275
277
277
277
279

280
280
281
281
282
284
285
287
290
291
292
295

У
УИСТЛЕР, Джеймс Эббот Макнил
УКИЁ-Э
УОРХОЛ, Энди
УТАМАРО, Китагава
УТРИЛЛО, Морис
УЧЧЕЛЛО Паоло

297
298
300
300
301
302

ФАБРИЦИУС, Карел
ФАЮМСКИЕ ПОРТРЕТЫ
ФОВИЗМ
ФОНТАНА, Лучо
ФРАГОНАР, Жан-Оноре
ФРИДРИХ, Каспар Давид
ФРОМАНТЕН, Эжен
ФУКЕ, Жан
ФУТУРИЗМ
ФЬОРЕНТИНО РОССО
ФЮСЛИ, Иоганн Генрих

303
304
304
306
306
308
309
309
310
312
312

ХАЛС, Франс
ХАНТ, Уильям Холман
ХЕДА, Виллем Клас
ХЕККЕЛЬ, Эрих
ХИРОСИГЭ Андо
ХОББЕМА, Мейндерт
ХОГАРТ, Уильям
ХОКУСАЙ, Кацусика
ХОНТХОРСТ, Геррит Ван
ХОХ, Питер де
ХУНДЕРТВАССЕР, Фриденсрайх

314
316
317
317
319
319
320
322
323
324
326

ЦОРН, Андерс Леонард

327

Ц
Ч

ЧИМАБУЭ, Джованни
328
ЧЮРЛЁНИС, Микалоюс Константинас 328

ШАГАЛ, Марк Захарович
ШАМПЕНЬ, Филипп де
ШАРДЕН, Жан-Батист Симеон
ШАССЕРИО, Теодор
ШИЛЕ, Эгон
ШИШКИН, Иван Иванович
ШМИДТ-РОТЛУФ, Карл
ШТУК, Франц фон
ЭРНСТ, Макс

330
330
331
332
332
333
335
336
348

Э
ван ЭЙК
ЭКСЕКИЙ
ЭКСПРЕССИОНИЗМ
ЭЛЬ ГРЕКО
ЭНГР, Жан Огюст Доминик
ЭНСОР, Джеймс
ЭРНСТ, Макс

337
340
340
343
345
347
348

Я
ЯВЛЕНСКИЙ, Алексей Георгиевич

349

Научно-популярное издание

16+

Серия «Искусство. Подарочная энциклопедия»

Александра Жукова
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ МИРОВОЙ ЖИВОПИСИ
Заведующая редакцией Юлия Данник
Руководитель направления Анастасия Чудова
Ответственный редактор Дарья Островская
Литературный и научный редактор Евгения Бутина
Дизайн обложки Дмитрий Агапонов
Технический редактор Мариетта Караматозян
Корректоры Юлия Графова, Мария Антонова, Алена Воробьева
Компьютерная верстка Анны Грених
Общероссийский классификатор продукции
ОК-034–2014 (КПЕС 2008): 58.11.1 — книги, брошюры печатные
Подписано в печать 03.02.2025. Формат 84x108/16. Усл. печ. л. 33,96.
Печать офсетная. Бумага мелованная. Гарнитура OriginalGaramond BT
Тираж
экз. Заказ №
Произведено в Российской Федерации
Изготовлено в 2025 году
Изготовитель: ООО «Издательство АСТ»
129085, РФ, г. Москва, Звёздный бульвар, д. 21, стр. 1, ком. 705, пом. I, 7 этаж
Наш электронный адрес: www.ast.ru
E-mail: ask@ast.ru
«Баспа Аста» деген ООО
129085, Мскеу ., Звёздный бульвары, 21-й, 1-рылыс, 705-блме, I жай, 7-абат.
Бізді электронды мекенжайымыз: www.ast.ru
Интернет-магазин: www.book24.kz
Интернет-дкен: www.book24.kz
Импортер в Республику Казахстан ТОО «РДЦ-Алматы».
азастан Республикасындаы импорттаушы «РДЦ-Алматы» ЖШС.
Дистрибьютор и представитель по приему претензий на продукцию
в Республике Казахстан: ТОО «РДЦ-Алматы»
азастан Республикасында дистрибьютор жне нім бойынша
арыз-талаптарды абылдаушыны кілі
«РДЦ-Алматы» ЖШС, Алматы ., Домбровский кш., 3«а», литер Б, офис 1.
Тел.: 8 (727) 2 51 59 89,90,91,92; Факс: 8 (727) 251 58 12, вн. 107;
E-mail: RDC-Almaty@eksmo.kz
¡німні жарамдылы мерзімі шектелмеген. ¡ндірген мемлекет: Ресей