«Отдельные вещи или целые коллекции могут быть результатом работы только множества умов, сердец
и рук».

Мартен Маржела

«Самая сложная часть моей работы – дать женщине возможность
чувствовать себя свободной. Не заставлять ее носить маску, не заставлять ее менять свой образ жизни
в зависимости от одежды, которую
она носит».

Коко Шанель

milio PUCCI /Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI
lph LAUREN / Vivienne WESTWOOD / Yohji YAMAMOTO / Gianfranco
RGIELA / DOLCE & GABBANA / John GALLIANO / Tom FORD / Marc
HIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian DIOR / Emilio PUCCI
AGERFELD / Giorgio ARMANI / Yves SAINT LAURENT / Ralph LAUREN
E / Miuccia PRADA / Jean Paul GAULTIER / Martin MARGIELA / DOLCE &
N / Dries VAN NOTEN / Coco CHANEL / Elsa SCHIAPARELLI / Cristóbal
ENCHY / Roberto CAPUCCI / VALENTINO / Karl LAGERFELD / Coco
lio PUCCI /Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI
NT / Ralph LAUREN / Vivienne WESTWOOD / Yohji YAMAMOTO
ER / Martin MARGIELA / DOLCE & GABBANA / John GALLIANO
iorgio ARMANI / Yves SAINT LAURENT / Ralph LAUREN / Vivienne
E / Miuccia PRADA / Jean Paul GAULTIER / Martin MARGIELA
DOLCE &GABBANA / John GALLIANO / Tom FORD / Marc JACOBS
Alexander McQUEEN / Dries VAN NOTEN / Coco CHANEL / Elsa
SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian DIOR / Emilio
PUCCI /Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI
VALENTINO / Karl LAGERFELD /Giorgio ARMANI / Yves SAINT
LAURENT/RalphLAUREN/VivienneWESTWOOD/YohjiYAMAMOTO
Gianfranco FERRÉ / Gianni VERSACE / Miuccia PRADA / Jean Paul
GAULTIER /MartinMARGIELA/DOLCE&GABBANA/JohnGALLIANO
Tom FORD / Marc JACOBS / Alexander McQUEEN / Dries VAN NOTEN
Coco CHANEL / Elsa SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian
VALENTINO / Karl LAGERFELD / Giorgio ARMANI / Yves SAINT LAURENT
RÉ / Gianni VERSACE / Miuccia PRADA / Jean Paul GAULTIER/ Martin
OBS / Alexander McQUEEN / Dries VAN NOTEN / Coco CHANEL / Elsa
re CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI / VALENTINO
Vivienne WESTWOOD / Yohji YAMAMOTO / Gianfranco FERRÉ / Gianni
& GABBANA / John GALLIANO / Tom FORD / Marc JACOBS / Alexander
tóbal BALENCIAGA / Christian DIOR / Emilio PUCCI /Pierre CARDIN
CHANEL / Elsa SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian DIOR
UCCI / VALENTINO / Karl LAGERFELD / Giorgio ARMANI / Yves SAINT
OTO / Gianfranco FERRÉ / Gianni VERSACE / Miuccia PRADA / Jean
John GALLIANO / Tom FORD / Marc JACOBS / Alexander McQUEEN

«Талант дизайнера заключается
в умении создавать одежду, которую
люди понимают».

Дольче и Габбана

Мария Луиза
Тагариелло



УДК 745
ББК 85.126
Т13

Maria Luisa Tagariello
MASTERS OF FASHION
I protagonisti del sogno
Перевод с итальянского Лилии Фунтовой

Тагариелло М. Л.
Т13 Повелители моды / Мария Луиза Тагариелло ; пер. с итал. Л. Фунтовой. — М. : КоЛибри,
Издательство АЗБУКА, 2026. — 304 с. : ил. — (Иконы стиля).
ISBN 978-5-389-27665-9
Перед вами уникальная коллекция историй величайших кутюрье, чье творчество и харизма
стали неотъемлемой частью культурного наследия человечества, оставив глубокий отпечаток
на всей современной моде.
Она пронизывает самое сердце индустрии: от неподражаемого стиля Коко Шанель, аристократического новаторства Эльзы Скиапарелли и легендарного видения Кристобаля Баленсиаги до ослепительного гламура Тома Форда, панковской эстетики Вивьен Вествуд и революционного творчества Александра Маккуина.
Модный журналист Мария Луиза Тагариелло приоткрывает завесу тайн знаменитых дефиле и интригует занимательными эпизодами из модной светской жизни, дополняя книгу редкими архивными кадрами и волнующими воспоминаниями великих мастеров.

УДК 745
ББК 85.126

ISBN 978-5-389-27665-9
© 2024 White Star s.r.l.
Piazzale Luigi Cadorna,6
20123 Milano, Italia
www.whitestar.it
© Фунтова Л., перевод на русский язык, 2026
© Издание на русском языке, оформление.
ООО «Издательство АЗБУКА», 2026
КоЛибри®

5 

    Givenchy,    1963 

Вступление

6    
    
!"   
   # $
  % .  & 
 "-$  — 2011/12 The
Ice Queen and her Court
 
 , 
% ,     ' 
15      
  , $  
    

Коко ШАНЕЛЬ
Эльза СКИАПАРЕЛЛИ
Кристобаль БАЛЕНСИАГА
Кристиан ДИОР
Эмилио ПУЧЧИ
Пьер КАРДЕН
Юбер де ЖИВАНШИ
Роберто КАПУЧЧИ
ВАЛЕНТИНО
Карл ЛАГЕРФЕЛЬД
Джорджо АРМАНИ
Ив СЕН-ЛОРАН
Ральф ЛОРЕН
Вивьен ВЕСТВУД
Йоджи ЯМАМОТО
Джанфранко ФЕРРЕ
Джанни ВЕРСАЧЕ
Миучча ПРАДА
Жан-Поль ГОТЬЕ
Мартен МАРЖЕЛА
ДОЛЬЧЕ и ГАББАНА
Джон ГАЛЬЯНО
Том ФОРД
Марк ДЖЕЙКОБС
Александр МАККУИН
Дрис ВАН НОТЕН
Об авторе
Источники фотографий
Примечания
7

8

10
20
28
38
48
54
64
76
86
100
114
128
142
150
162
176
186
196
210
222
232
246
258
270
280
290

300
300
303

ВСТУПЛЕНИЕ


,
   
«СЛУЧАЙ ВСЕГДА ПРИХОДИТ НА ПОМОЩЬ ТЕМ,
КТО ЖАЖДЕТ ДОБИТЬСЯ СВОЕЙ ЦЕЛИ», —
ПИСАЛ КРИСТИАН ДИОР В СВОИХ МЕМУАРАХ.

Случай, судьба, рок: жизнь дизайнеров, которые
вошли в историю моды, наполнена символами.
Многие модельеры сделали такие символы
предметом своих личных суеверий. Цветок ландыша — талисман Кристиана Диора, который он
вшивал в подолы кутюрных платьев и носил в нагрудном кармане своего пиджака; символ Коко Шанель — цифра 5, спрятанная в хрустальной люстре
на рю Камбон и затем ставшая названием легендарного парфюма; буква S — первая буква Дома
Schiaparelli и созданного им аромата Shocking; тельняшка — ключевой элемент образа Жан-Поля Готье.
Однако такие случаи можно считать и призванием.
Призванием настолько сильным, что приходится
ему подчиниться. А значит, речь идет о фатальности,
о судьбах личностей, предназначенных творить,
вдохновлять на мечты и остаться в истории, переплетаясь с ней и становясь важной ее частью.
У многих из них это призвание проявляется
с самого детства. Это случай Жан-Поля Готье, который шил одежду для своих плюшевых игрушек
и делал браслеты из старых жестяных банок, и Валентино Гаравани, создавшего свое первое платье
для тети Розы, владелицы магазина швейной фурнитуры в Вогере, где он проводил дни, играя с обрезками тканей. У других неудержимая творческая
жилка и ярко выраженная чувствительность проявляется в сфере моде в более зрелом возрасте.

Эльза Скиапарелли, еще будучи ребенком, сочиняла страстные поэмы, а во взрослом возрасте
разрабатывала узоры, принты, силуэты и необычные шляпы с помощью своих друзей-художников.
Кристиан Диор рисовал эскизы для журнала Le
Figaro Illustré и открыл художественную галерею,
прежде чем создать стиль New Look1. Наконец,
некоторых модельеров жизнь сначала вела по
другому пути, но затем направляла к их истинному предназначению. Так сложилась судьба Вивьен
Вествуд, прежде учительницы в английской провинции, а затем костюмера группы Sex Pistols.
То же произошло с Джанфранко Ферре, который из простого архитектора превратился
в «архитектора моды». Другой пример — Эмилио
Пуччи, маркиз ди Барсенто, чемпион по лыжам,
летчик времен Второй мировой войны, вошедший
в историю под титулом «короля принтов».
Интересно, что бы было, если бы они пошли
по другому пути. Если бы Коко Шанель была менее упорной и смелой в преодолении жизненных
трудностей. Если бы Вивьен Вествуд не встретила Малкольма Макларена, или если бы Кристиан
Диор не прислушался к тем знакам, благодаря которым он в 40 лет создал свой модный Дом. Если
бы Жан-Поль Готье не стучал настойчиво в дверь
Пьера Кардена, а Джанни Версаче не покинул
мастерскую своей матери Франчески, портнихи

8

ВСТУПЛЕНИЕ

менил вечернее платье и стал символом женской эмансипации, андрогинные коллекции 80-х
Джорджо Армани, создателя гардероба для энергичной и в то же время чувственной деловой женщины, изысканный пауперизм4 Йоджи Ямамото,
интеллектуальная мода Миуччи Прада, haute
couture и prêt-à-porter — от начала прошлого века
до наших дней творения «повелителей моды» имеют оттенок не только эстетической, но и социальной, а зачастую даже политической позиции.
Если одежда представляет собой полотно
истории, канву времени, как писал в 1982 году
журналист Джей Кокс о Джорджо Армани, то модельеры играют роль голосов своей эпохи. На подиум они привносят искусство, культуру, экзотику
и даже новые технологии.
Творческие гении-визионеры, которые в своих
показах и коллекциях отражают свой неповторимый любопытный взгляд на мир.
Вот почему истории модельеров, рассказанные в этой книге, кажутся почти сказками: некоторые из них промелькнули в одно мгновение,
но были настолько яркими, что вошли в историю,
а другие уже стали легендой.
Кутюрье, творцы или, как их сегодня чаще называют, дизайнеры. Настоящие художники. Повелители моды. Ключевые фигуры, стоящие за мечтой вне времени.

с виа Томмазо Гулли, 13, в Реджо-ди-Калабрии,
чтобы попытать счастья в Милане.
Сегодня могло бы не существовать некоторых вех в истории моды. Ни знаменитого красного цвета Valentino, ни женского смокинга, ни
оттенка грейдж2, ни сумок с эффектом матлассе, ни маленького черного платья. Самой моды
в том виде, в каком мы ее знаем, тоже могло бы
не быть. Все потому, что эти творческие умы стали отражением своей эпохи, смогли уловить политические и социальные изменения и создать
не просто красивую одежду, а моду, служащую
воплощением Zeitgeist3: ту, которая пробуждает
желание, способствует многомиллионным объемам продаж и, прежде всего, раскрывает дух
времени.
«Мода не является искусством, но для своего
существования нуждается в художнике. Одежда,
безусловно, менее важна по сравнению с музыкой, архитектурой, живописью, но это было то, что
я умел делать и делал, участвуя в преобразованиях своей эпохи», — в речи Ива Сен-Лорана, произнесенной на его прощальном показе в январе
2002 года, заключен весь смысл моды, понимаемой как выражение своей индивидуальной и в то
же время коллективной личности.
Свобода, подаренная женщинам Коко Шанель,
фирменный смокинг YSL, который в 1966 году за-

9





«САМАЯ СЛОЖНАЯ ЧАСТЬ МОЕЙ РАБОТЫ — ДАТЬ ЖЕНЩИНЕ
ВОЗМОЖНОСТЬ ЧУВСТВОВАТЬ СЕБЯ СВОБОДНОЙ.
НЕ ЗАСТАВЛЯТЬ ЕЕ НОСИТЬ МАСКУ. НЕ ЗАСТАВЛЯТЬ ЕЕ МЕНЯТЬ СВОЙ
ОБРАЗ ЖИЗНИ В ЗАВИСИМОСТИ ОТ ОДЕЖДЫ, КОТОРУЮ ОНА НОСИТ».

СИРОТА С СИЛЬНЫМ И ПРЕДПРИИМЧИВЫМ ХАРАКТЕРОМ. МОЛОДАЯ И АМБИЦИОЗНАЯ ПЕВИЦА В КАФЕШАНТАНЕ. ПОРТНИХА, КОТОРАЯ ОСВОБОДИЛА ЖЕНЩИН
ОТ ОГРАНИЧЕНИЙ И ИЗОБРЕЛА МОДУ, КАКОЙ МЫ ЕЕ ЗНАЕМ СЕГОДНЯ.

Независимый характер и острый язык. Любовница известных мужчин. Строгая и одинокая дама
во главе империи. Коко Габриэль Бонёр Шанель
воплощала собой всех этих женщин и даже больше. Сегодня она — миф, легенда, икона. Она — модельер, изменивший ход моды и задавший ей направление к современной эпохе.
«Самая сложная часть моей работы — дать женщине возможность чувствовать себя свободной.
Не заставлять ее носить маску. Не заставлять ее
менять свой образ жизни в зависимости от одежды,
которую она носит». Функциональная логика — вот
главный двигатель всей творческой деятельности
Коко Шанель. Впервые мода приспосабливается
к реальным потребностям современной женщины, которая находится в постоянном движении,
которая работает, как и сама Шанель. «До этого
момента мы одевали бесполезных, праздных женщин, которым горничные должны были натягивать
рукава. Теперь моими клиентами стали активные
женщины, которые хотят чувствовать себя комфортно в своей одежде и иметь возможность самостоятельно закатать рукава».
Так рождается ее андрогинная, удобная, спортивная мода и появляются культовые предметы

одежды и аксессуары, ставшие вехами в истории
моды. Например, маленький черный жакет, скроенный по образу мужского пиджака и ставший
символом женственности, и сумка 2.55, созданная,
чтобы освободить руки: «Я устала носить сумку
в руке, поэтому добавила тонкие ремешки, чтобы
ее можно было повесить на плечо».
Габриэль Шанель родилась 19 августа 1883 года
в небольшом городке на юге Франции. Ее мать
умерла, когда девочке было 12 лет, а ее отец, ярмарочный торговец, бросил своих пятерых детей.
Габриэль и две ее сестры росли в монастырских
стенах Обазинского аббатства. За семь лет, проведенных в этом аскетичном мире, у нее развились
чувство лаконичности и любовь к черному и белому. Покинув сиротский приют, Габриэль днем
шила, а по вечерам выступала в кафешантане
перед кавалерийскими офицерами. Похоже, что
прозвище Коко позаимствовано из песен ее репертуара: Qui qu’a vu Coco dans le Trocadéro? и Ko
Ko Ri Ko5.
Встреча с Этьеном Бальсаном, отставным офицером и игроком в поло, представителем парижского высшего общества, стала определяющей
в жизни юной Коко. Именно Этьен, испытывающий
нежные чувства к портнихе, которая впоследствии
станет одной из величайших предпринимательниц
в истории моды, предоставляет ей помещение для
ее первого магазина и, самое главное, знакомит ее
со своими влиятельными друзьями.
Будучи темпераментной особой, Коко отказывается ездить верхом в платье-амазонке, заимствует брюки из мужского гардероба, надевает фуфайки в бретонскую полоску и шляпки без полей
и декора, что делает их более лаконичными и изысканными. В глазах современниц, которые все
еще носят драпированные платья, нижние юбки
и корсеты, ее манера одеваться выглядит слишком экстравагантной. Однако все дамы парижской
богемы очарованы оригинальностью Коко и хотят
иметь такие же шляпки и наряды, в каких Шанель
появляется на ипподроме Лоншан.

12  ( "   ! 
) $     "

12

13  " *   
     !    +    !

О СЕБЕ ШЕСТНАДЦАТИЛЕТНЕЙ ОНА ГОВОРИТ: «МОЕ ОЧАРОВАНИЕ УЖЕ ТОГДА
ЗАКЛЮЧАЛОСЬ В ТОМ, ЧТО Я НИ НА КОГО НЕ БЫЛА ПОХОЖА, ПОТОМУ ЧТО,
СОВЕРШЕННО НЕ СТРЕМЯСЬ К ЭТОМУ, Я ВСЕГДА ОТЛИЧАЛАСЬ ОТ ДРУГИХ.

Это очарование, или это отличие, побуждало многих женщин стремиться походить на меня и придавало им всем одинаковый облик, в то время как
постоянная работа моего воображения оставляла
меня в одиночестве в моей исключительности.
Это было время, когда нужно было быть Шанель.
Платье Шанель, вернее, платье как у Шанель, казалось, обладало силой талисмана, который, несомненно, мог определять судьбу».
В жизни Габриэль появляется еще один мужчина — самый важный из тех, кто повлиял на ее
судьбу и успех, — Бой Кэйпел, богатый английский
предприниматель, который финансирует открытие
ее первых бутиков в Париже, Довиле и Биаррице.
Именно в этот период Шанель преображает женский силуэт. Она освобождает линию талии, отказывается от корсета, укорачивает юбки и использует джерси — универсальную и недорогую ткань,
на которую она получает эксклюзивные права
в 1916 году. Кроме того, она вводит в моду стрижку
под мальчика и загорелую кожу (говорят, что она
обычно загорала полностью обнаженной и только
руки всегда оставались в перчатках). Ее стиль —
свободный и непринужденный: прямые юбки, кардиганы и мягкие блузки. Шанель закрывает целую
эпоху и определяет моду нового столетия.
В 1918 году Мадемуазель открывает свой Дом
моды на рю Камбон, 31. Девушка из провинции
Овернь стала королевой Парижа.
Ее роман с Боем (которому Карл Лагерфельд,
креативный директор бренда с 1983 года, посвятил культовую сумку Boy) прерывается трагической автокатастрофой, в которой великая любовь
Коко погибает. Опустошенная скорбью, в попытках отвлечься она едет в Венецию вместе со своей
подругой Мисей, женой художника Хосе Марии
Серта. Именно Мися, муза Пруста и натурщица ве-

личайших художников того времени, открывает ей
Италию и русские балеты, прививает любовь к искусству. Шанель заводит близкую дружбу с Пикассо, Дягилевым, Равелем, рисует эскизы костюмов
для спектаклей Кокто, принимает у себя семью
Игоря Стравинского, находящегося в тяжелом материальном положении, и, по некоторым сведениям, становится его любовницей.
В жизнь Шанель входят и другие мужчины,
оставляют след в ее судьбе и влияют на ее карьеру, становясь источником вдохновения для
новых «изобретений». Благодаря великому князю Дмитрию Павловичу Романову она знакомится с Эрнестом Бо, императорским парфюмером,
и в 1921 году создает свой первый легендарный
парфюм — № 5. Несколько капель парфюма на
обнаженной Мэрилин Монро6 сделали его самым
чувственным из ароматов. Герцог Вестминстерский, самый богатый человек Англии, приглашает
Коко в свои замки и на свои яхты. Она открывает
для себя твид, вдохновляется пиджаками и свитерами герцога, жилетами его прислуги и беретами
его матросов.
«Я одену женщин в черное!» — решает однажды Шанель. Тогда этот цвет ассоциировался
исключительно с трауром и прислугой. Известна одна забавная история о встрече Поля Пуаре
и Коко Шанель, одетой в черное. На вопрос знаменитого парижского кутюрье: «По кому вы носите траур, мадемуазель?» — Коко ответила: «По вам,
месье». В середине 20-х появляется платье-футляр — маленькое черное платье, — которое становится незаменимым элементом гардероба каждой
женщины. В те же годы в дополнение к строгим
и лаконичным нарядам Шанель появляется бижутерия — жемчуг, цепочки, кристаллы — и украшения в виде цветка камелии.

15   ' 
"  $    7,  +  $ ,
1954 , $ + 7 $ :  ( "  $ 4 
 
$ $  !  ( 7& 

15     ,
4  47   
#! % -8   .  
( "  : 7 7,
+ + 7    
$
 -" 

14

«МОДА ПРОХОДИТ, СТИЛЬ ОСТАЕТСЯ» —
ГЛАСИТ ОДИН ИЗ САМЫХ ЗНАМЕНИТЫХ
АФОРИЗМОВ КОКО ШАНЕЛЬ. ШАНЕЛЬ ИЗОБРЕЛА
ИМЕННО СТИЛЬ. НЕ ЭФЕМЕРНУЮ И ПРЕХОДЯЩУЮ
МОДУ, А СТИЛЬ ВНЕ ВРЕМЕНИ.

На момент начала Второй мировой войны Мадемуазель уже 55 лет и она находится на пике успеха. Коко закрывает свое ателье на рю Камбон
и уезжает в Швейцарию. Единственный бутик
Chanel, остающийся открытым в военное время, — это магазин парфюмерии, перед которым,
по слухам, американские солдаты выстраивались
в очередь за флаконом № 5. Во время отсутствия
Шанель на парижской модной сцене рождается
стиль New Look Кристиана Диора — возвращение к помпезности прошлого, к корсетам Прекрасной эпохи и к многослойным роскошным
тканям. Шанель говорит о Диоре: «Он не одевает
женщин, а обивает их, как кресла, в то время как
элегантность заключается в том, чтобы все свести к шикарной, дорогой, изысканной простоте».
В 70 лет ей еще есть что сказать миру. Она собирает старых сотрудников и вновь открывает свой
Дом моды.
5 февраля 1954 года — Коко Шанель выбрала свое магическое число датой грандиозного
возвращения на подиум. Скрывшись на вершине
знаменитой лестницы на рю Камбон, дизайнер
наблюдает за моделями, дефилирующими в звенящей тишине, и, по всей видимости, пытается
разглядеть лица присутствующих журналистов.
Французская пресса раскритиковала коллекцию

и назвала возвращение Chanel полным провалом.
На другом берегу океана реакция диаметрально
противоположная. Журнал Life пишет: «В 71 год
Габриэль Шанель предлагает не просто моду, а революцию». Именно благодаря американскому
рынку Шанель восстанавливает свое влияние,
продвигая свой стиль по всему миру. Появляется
костюм с жакетом, идеально сидящим благодаря
вшитой в подкладку цепочке, с плоскими карманами и декоративными пуговицами, украшенными
изображением льва (ее знак зодиака), камелии (ее
любимый цветок) или двойной буквы C (эмблема
Дома). Костюм Chanel становится любимым предметом гардероба Марлен Дитрих, Роми Шнайдер, Грейс Келли, Брижит Бардо, Ингрид Бергман
и Элизабет Тейлор. Дом представляет слингбэки
в классической бежево-черной палитре и сумку
с эффектом матлассе на длинной цепочке.
В последние годы своей жизни Шанель неустанно посвящает себя работе. Она живет в отеле
Ritz, и каждое утро, когда она выходит, портье звонит в ателье предупредить о ее скором появлении.
Тогда одна из сотрудниц распыляет на лестнице
аромат Chanel № 5. Коко Шанель умирает в своем номере 10 января 1971 года в возрасте 88 лет.
«Вот так умирают» — это последнее высказывание,
оставленное ею в истории.

17  $  71  ( " $ :    
4     7  7 74.  )

     "  :  !    
     4  & ,  47   :
4 4   
4 
 
 '  4= 
& =     "

16

18 , $47  1965  $ $ 
  4 $  $ $ 4= 7 



19 > &$    "  -*   ,
$ '   1959   '    7 $

18

!

 " 

«ЭТОТ ЦВЕТ ВНЕЗАПНО ПОЯВИЛСЯ ПЕРЕД МОИМИ ГЛАЗАМИ:
ЯРКИЙ, НЕВЕРОЯТНЫЙ, ДЕРЗКИЙ, ПРИЯТНЫЙ, ПОЛНЫЙ ЭНЕРГИИ.
ШОКИРУЮЩИЙ, ЧИСТЫЙ, НАСЫЩЕННЫЙ ЦВЕТ».

ИНТЕРЕСНО, БЫЛА БЫ ЭЛЬЗА СКИАПАРЕЛЛИ РАДА УВИДЕТЬ ДИЗАЙНЕРА ИЗ ТЕХАСА ДЭНИЕЛА РОУЗБЕРРИ В СВОЕМ БЕЛОМ, ПОЛНОМ СВЕТА САЛОНЕ НА ВАНДОМ СКОЙ ПЛОЩАДИ, 21?

Конечно, самая просвещенная и эксцентричная из
модельеров прошлого столетия привыкла к неожиданным встречам. Как она вспоминает в своей
автобиографии, вышедшей в Италии под названием Shocking Life7, «на Вандомской площади всегда
происходили неожиданные вещи. Никогда не известно, сколько будет посетителей и кого можно
встретить в салоне на верхнем этаже».
«Женщины-пилоты, стюардессы, выпускницы
художественных школ, служащие армии и флота,
жены американских пилигримов, туристки в шляпах с искусственными камнями, аристократки прошлого и настоящего, бывшие, нынешние и будущие
жены президентов, послы, актрисы, художницы,
архитекторы, комедиографы, адмиралы, генералы,
журналисты, исследователи, правители всех наций, декораторы, герцогини и будущие герцогини,
итальянские принцессы…» в 30-е и 40-е годы заполоняли ателье на Вандомской площади, чтобы купить одежду и аксессуары Эльзы Скиапарелли. По
этому же адресу сегодня находится штаб-квартира
бренда, перезапущенного предпринимателем Диего Делла Валле, который в 2005 году приобрел
права и архив Дома с идеей «возродить мечту».
После Марко Дзанини и Бертрана Гийона перед Дэниелом Роузберри стояла непростая задача по развитию легендарного бренда. Дебют

американского модельера — бывшего директора
по дизайну в Thom Browne — состоялся на показе кутюрной коллекции Schiaparelli осень-зима —
2019/20, названной прессой необыкновенным переосмыслением наследия Дома.
Несомненно, Скиап8 с благосклонностью наблюдала бы за его показом. И конечно, не осудила
бы работу тех, кто в недавнее время решил возродить ее имя — культовое и легендарное, но спустя
шестьдесят лет после закрытия Дома уже забытое.
Эльза Скиапарелли родилась 10 сентября
1890 года в Риме. Мать-аристократка и отец-востоковед, специалист по арабскому языку и культуре, похоже, предначертали Эльзе неординарную
жизнь. В детстве, стремясь создать на своем лице
восхитительный сад, она набивает рот, нос и уши
семенами. Эта первая попытка стать если не красивой, то хотя бы уникальной заканчивается вмешательством врача, который спасает ее от смерти
из-за удушья. Во взрослом возрасте она создаст
великолепные творения, которые сделают уникальными таких же женщин, как и она: художниц
и интеллигенток с их нетипичной красотой.
Книга чувственных стихов, опубликованная
в подростковом возрасте, приводит в замешательство семью, и Эльзу отправляют в швейцарский
пансион. Голодовка молодой бунтарки убеждает
родителей согласиться на ее переезд в Лондон.
В британской столице она встречает графа Уильяма де Вендта де Керлора, за которого выходит
замуж в 1914 году. Пара переезжает в Нью-Йорк
в 1919 году, где рождается Мария Луиза Ивонна
Радха по прозвищу Гого, единственная и любимая
дочь Эльзы.
Однако граф, растратив скромное приданое
жены, бросает ее и уходит к Айседоре Дункан. Три
года спустя, одинокая и без гроша в кармане, Скиап следует за своей подругой Габриэль, женой художника Франсиса Пикабиа, в Париж и открывает
свое первое ателье.

22 *"$    
   + 4  
 ", 1951 

22

23  "  
 
 $ " , 4 4=
?       
    '
"4   &
 $   (4+ 
   *  VIII)
 1937 

серьгами и браслетами из полимерных материалов. Она изобретает юбки-кюлоты, которые носят
теннисистки, создает тюрбаны, рубашки с вышивкой, шапки с помпонами и сочетает спортивную
одежду с формальной, как никто другой до нее не
осмеливался сделать.
В 1936 году Эльза Скиапарелли выпускает парфюм в легендарном флаконе в форме женской
фигуры. Эльза должна была придумать название
и выбрать цвет упаковки, и она изобрела «шокирующий» оттенок розового — «яркий, невероятный,
дерзкий, приятный, полный энергии». В ее честь
Дали окрашивает в шокирующий розовый огромное чучело медведя с выдвижными ящиками в животе, которое Эльза выставляет в своем ателье
Schiap на Вандомской площади, открытом двумя
годами ранее.
Ежегодно Эльза Скиапарелли представляет
новые коллекции. Каждая коллекция посвящена
определенной теме, и Эльза презентует их в виде
«современных» показов с музыкой и высокими
стройными моделями. «Была коллекция в языческом стиле, где женщины выглядели сошедшими
с картин Боттичелли, в венках и лаконичных классических облегающих юбках с изысканной вышивкой в виде цветочных лепестков. Была астрологическая коллекция со знаками зодиака, Солнцем,
Луной и звездами, сияющими повсюду. Самой
яркой и дерзкой была коллекция, посвященная
цирку: клоуны, слоны, лошади украшали ткани
с принтованной надписью attention à la peinture9.
Воздушные шары в качестве сумок, гетры в качестве перчаток, рожки мороженого в качестве
шляп, дрессированные собаки и озорные обезьяны». В 1940 году Эльза Скиапарелли едет в НьюЙорк, где остается до конца Второй мировой войны. По ее возвращении в Париж мода изменилась,
пользуется успехом New Look Кристиана Диора.
Дом Schiaparelli переживает период финансовых
трудностей, в результате которых закрывается
в 1954 году. Скиап умирает в 1973 году, оставив
истории моды и искусства бесценное наследие.
Мечта возрождается сегодня в сильно изменившемся с тех пор мире, но Дэниел Роузберри наблюдает его из того же окна на Вандомской площади, 21.

Между двумя мировыми войнами Париж переживает период творческого расцвета. Искусство
и мода находятся в непрерывном взаимном влиянии. Эльза дружит и сотрудничает с Жаном Кокто,
Сесилом Битоном, Ман Рэем и, в особенности,
Сальвадором Дали.
Художник-сюрреалист становится постоянным посетителем ателье Скиап. Вместе они создают легендарное платье «Омар», шляпу-туфлю
с каблуком из розового бархата, шляпу в форме
бараньей отбивной на косточке, украшенной белой оборкой, пальто — письменный стол с карманами в виде выдвижных ящиков. Эти экстравагантные творения приносят Эльзе Скиапарелли
славу эксцентричной особы.
Однако, несмотря на эту эксцентричность,
а может именно благодаря ей, Эльза завоевывает внимание парижской элиты. Самые модные
заведения Города света наполняют женщины
в черно-белых свитерах, украшенных бантом
с эффектом оптической иллюзии — первым восхитительным творением дизайнера, связанным на
спицах армянской крестьянкой. Скиап становится
символом утонченного и интеллектуального мира.
Жены сюрреалиастов, такие как Гала Дали и Нюш
Элюар, а также аристократка Мари-Лор де Ноай,
сторонница этого художественного движения,
носят уникальные творения Schiaparelli: черные
перчатки с нарисованными красными ногтями,
болеро с вышивкой по эскизам Кокто, вечернее
платье-скелет, украшенное узорными ребрами
с эффектом рентгеновского снимка, купальник
с рисунком в виде рыбы, извивающейся в животе,
свитера с мотивами пронзенных сердец и змей,
имитирующими татуировки моряков.
Эксцентричная и проницательная Скиап черпает вдохновение повсюду. На рыбном рынке
в Копенгагене она видит женщин в головных уборах, сложенных из газетных листов. Вернувшись
в Париж, Эльза заказывает ткань с принтом, созданным из фрагментов публикаций о ней самой,
и шьет из этой ткани блузки, шарфы, шляпы и пляжную одежду. Она придумывает оригинальные пуговицы из самых необычных предметов и вводит
в обиход цветные застежки-молнии. Свои наряды
она дополняет ожерельями с покрытием из эмали,

25 B  "   4 
"+  $4    

24

26     " « », $
 $"   '  *"$4    
  "  # . !      "+    
 '   " $   + 
27   ,  +    
  ,
   !   $
>  "  = 4 Shocking! The
Art and Fashion of Elsa Schiaparelli,    4,
: 7  7  4

#$%&'!

(  

«НИ ОДИН ПОРТНОЙ НЕ СПОСОБЕН СДЕЛАТЬ ЖЕНЩИНУ ЭЛЕГАНТНОЙ,
ЕСЛИ ОНА НЕ ЯВЛЯЕТСЯ ТАКОЙ ПО СВОЕЙ ПРИРОДЕ».

ДЛЯ БОЛЬШИНСТВА СЕГОДНЯ BALENCIAGA — ЭТО ХОРОШО ЗАМЕТНЫЙ ЧЕРНОБЕЛЫЙ ЛОГОТИП, КРАСУЮЩИЙСЯ НА ОДЕЖДЕ PRÊT-À-PORTER И КУЛЬТОВЫХ
АКСЕССУАРАХ. ЭТО МОДНАЯ ПАРА КРОССОВОК. ЭТО СУМКА, СОЗДАННАЯ В НА ЧАЛЕ 2000-Х, ОБНОВЛЕННАЯ В ПОСЛЕДУЮЩИЕ ГОДЫ И ПО-ПРЕЖНЕМУ ОЧЕНЬ
ЖЕЛАННАЯ.

моды XX века портной испанского происхождения, принятый Парижем уже во второй половине
30-х годов, как серийность сумки, которую все носят и о которой все говорят.
Кристобаль родился в 1895 году в Гетарии,
в Стране Басков. Его отец был рыбаком, а мать работала швеей для местной знати.
Религиозное призвание, казалось бы, захватившее мальчика в детстве, вскоре сменяется
призванием к моде. Одна из аристократок, для которых шила его мать, маркиза Каса Торрес Бланка
Каррильо де Альборнос-и-Элио, замечает Кристобаля, берет его под свою протекцию и предоставляет ему возможность изучать портновское
искусство в Мадриде. Его карьера станет стремительной и неизменно восходящей.
В 1919 году Кристобаль Баленсиага открывает
свое первое ателье в Сан-Себастьяне — и женщины из высшего аристократического общества
страны соревнуются между собой в возможности
носить его уникальные творения, выполненные
с маниакальной точностью и абсолютным мастерством. Гражданская война заставляет Кристобаля переехать в Париж, мировую столицу высокой
моды, где в июле 1937 года он открывает свой Дом
моды на авеню Георга V, 10. С того момента и в течение 30 лет Дом Balenciaga будет синонимом самой эксклюзивной, изысканной и элитарной моды.
Моды, понимаемой как связующее звено между
ремеслом и искусством. Ведь именно в радикальности подхода к пошиву одежды, даже больше,
чем в конкретизации его собственного стиля, следует искать эталон Баленсиаги. Великому портному причисляют многочисленные изобретения
и достижения.

Интересно, что бы подумал Кристобаль Баленсиага о таком народном, если не сказать демократизированном, успехе? Ведь он стал знаменитым
и пользовался почти благоговейным уважением
именно благодаря своему элитарному и аристократическому видению портновского мастерства. После пятидесяти с лишним лет активной
деятельности он решил уйти из модного бизнеса
в 1968 году, именно когда prêt-à-porter — мода,
всегда «готовая» к всепоглощающему потреблению широкой публикой, — начинала утверждаться
как единственная система, способная поддерживать зарождающуюся «индустрию» моды. Вероятно, он не был бы этому рад, поскольку ничто так не
отдаляет от уникального и трудно поддающегося
описанию наследия, которое оставил в истории

30    7  "
$ 7:  =   ' 7
'"     
 $  =   7 
    

30

31  $ 4= $ 4=
  7 Balenciaga:
" , :
$  
   4= 
+  +   7
= 7,
 
   L 4 "

Но его величие и уникальность не исчерпываются и не ограничиваются только одним из них. Ни его способностью к интерпретации наиболее ярких элементов испанского исторического костюма, от кружев на платьях мах10 до болеро тореадоров.
Ни его умением переносить в свои коллекции неподражаемые
цвета иберийской живописи, от Веласкеса до Гойи. Ни смелыми, но легкими геометрическими объемами и структурным
кроем его творений 50-х и 60-х, созданных из газара — ткани, разработанной специально для кутюрье, — в которых, как
и в платьях Chanel и в отличие от платьев Dior, женщина может
свободно и удобно двигаться независимо от своего природного изящества. Ни, наконец, его культовыми моделями, которые
и сегодня остаются ключевыми элементами гардероба мечты,
переосмысленными, но неизменными: от костюма без воротника до пальто-кокона с рукавами 3/4, созданными для того, чтобы можно было продемонстрировать украшения на шее и запястьях, от платья-конверта до платья-мешка.
Баленсиага, безусловно, воплощает собой все это, но он
также является чем-то большим и совершенно иным. Это упорное стремление к абсолютному идеалу моды, в основе которого лежат исключительно платья. Совершенные и безупречные.
Созданные на заказ, скроенные и сшитые для той женщины,
которая станет их обладательницей, а не выпущенные серийно и выставленные в витрине, как любой другой товар. Кутюрье должен оставаться на шаг позади, избегать видимости, не
выставлять себя напоказ, сторониться светской жизни и посвящать себя, душой и телом, одержимому и, возможно, немного
болезненному труду, единственным критерием оценки которого является совершенство. Результат этого труда — платья, требующие трех-четырех примерок перед передачей их клиенту,
отличающиеся непомерно высокой стоимостью и сдержанной,
непоказной элегантностью.
К формированию мифа о себе Кристобаль Баленсиага, безусловно, приложил личные усилия, скупо делясь персональной информацией с публикой. Достаточно вспомнить, что за
всю свою жизнь он дал только одно полноценное интервью. Но
и коллеги, и журналисты, которых Кристобаль никогда не жаловал, своими публичными заявлениями возвысили его до статуса «отшельника», который был естественным для его природы.
Коко Шанель говорит о нем: «Баленсиага — кутюрье в самом истинном смысле этого слова. Он единственный, кто умеет кроить,
компоновать свои творения и шить вручную. Все остальные —
просто модельеры». Кристиан Диор кратко характеризует его
как «модельера модельеров, учителя всех нас». Диана Вриланд
отражает его величие в одном образе: «Когда в помещение входит женщина, одетая в Balenciaga, все остальные исчезают».

32 #  4=  '  
$:    ' '  ".
M     1938 ,  
"" '    

32

33 *    47  $ 4 $
 1951 ,   ' $
   " 4  " . $+
"   
7    :
!-   & 

34   "    O   V, 10, %  
$  "4 "  $$,   4
+ 4  7 ! : 4,    
=  " & 7

35    ' " !  , ' ,    '  .
P   = ! :     " %   —   ",  
'      1953 . %  $ '      
" Van Cleef & Arpels

34

«Когда в помещение входит женщина, одетая
в Balenciaga, все остальные исчезают»
Диана Вриланд

В некотором смысле сам Баленсиага оправдывает себя: «Ни один портной не способен сделать
женщину элегантной, — говорит он, — если она не
является такой по своей природе». Ему легко говорить, ведь его выбрали Грейс Келли, Лорен Бэколл, Ли Радзивилл и Элена Рубинштейн.
Дом Balenciaga переживает отставку и затем
смерть своего основателя в 1972 году. В 1987 году
бренд возвращается на подиум под креативным
руководством Мишеля Гома, а затем, с 1992 года,
Джозефа Тимистера. В 1997 году эту роль перенимает именитый Николя Жескьер, а в 2012 году —
Александр Ван. Однако начало новой главы в истории Дома в 2015 году знаменует Демна Гвасалия.
Грузин 1981 года рождения, выпускник Королевской академии изящных искусств Антверпена,
многократный обладатель наград, креативный директор коллекций Balenciaga является не только

36  47    3/4, 
47 $
7   7. (    ,   $ $ 
 4
' $  .  , '
 =L    ) ",    ! 
 $ + =  +  =, '4  
" 
'  "
37 U+ + &  7 
  "      + .
  1953  : $ '   
'  " ' 47 =  
      "

серийным создателем культовых аксессуаров.
В 2020 году он объявил о своем желании возродить haute couture наряду с созданием «нового
пространства свободы, творчества и инноваций»,
вернуться к «подлинным секретам мастерства»
Balenciaga, которое восстанавливает связь с прошлым и дает возможность черпать вдохновение из
драгоценного наследия бренда.

«ЕСТЕСТВЕННОСТЬ И ИСКРЕННОСТЬ ВСЕГДА ПОРОЖДАЮТ РЕВОЛЮЦИИ,
ДАЖЕ НЕ СТРЕМЯСЬ К ЭТОМУ».

#$%&$!)

* 

У ЭТОГО «ВЗРЫВА» ЕСТЬ ТОЧНАЯ ДАТА И ВРЕМЯ. В 10:30 УТРА 12 ФЕВРАЛЯ 1947 ГОДА
ОБЪЯВЛЯЮТ NUMÉRO UN 11, ПЕРВОЕ ПЛАТЬЕ ИЗ САМОЙ ПЕРВОЙ КОЛЛЕКЦИИ
CHRISTIAN DIOR. «БОМБА DIOR» ВЗОРВАЛАСЬ.

Началась революция в мире моды — от одного побережья Атлантики до другого утвердится новая
модель женского очарования.
В парижском особняке на авеню Монтень,
30, где располагается штаб-квартира Дома Dior,
в стенах из белого дерева с интерьерами в стиле Людовика XVI изумленная публика наблюдает
за демонстрацией 90 уникальных образов: удлиненные линии и пропорции, широкие шелестящие юбки, узкие талии и сексапильные лифы. По
окончании дефиле Кармел Сноу, главный редактор Harper’s Bazaar, восклицает: «Мой дорогой
Кристиан, у ваших платьев такой новый облик!»
Корреспондент агентства Reuters записывает эту
фразу на листке бумаги и бросает его из окна ожидающему на улице курьеру. Новость о рождении
стиля New Look в тот же день появляется в Соединенных Штатах, раньше, чем во Франции, где журналисты уже месяц бастуют.

Новизна, о которой говорит Сноу, в действительности не что иное, как неожиданное возвращение к прошлому. Спустя два года после окончания войны Диор оставляет позади ограничения
и мрачность, чтобы с величием возродить парижскую высокую моду и, вопреки многочисленным
спорам и одновременному восхищению, критике и волнению, вернуть женщинам былую мечту
и сказку. Десятки метров роскошных эксклюзивных тканей — 15 метров для юбки и 25 для вечернего платья — окутывают женщину великолепием
и подчеркивают феминность. Корсет и корсаж
на шнуровке, исчезнувшие из женского гардероба после появления Поля Пуаре и Коко Шанель,
вновь возвращаются в моду.
Революционный силуэт Corolle — «цветочный
венчик» — отличают длинные пышные юбки, похожие на распускающиеся цветы, и жакеты-корсажи, подчеркивающие линию талии, с рукавами
3/4 и мягкими закругленными плечами. Образ
дополняют аксессуары: плоские шляпы, длинные
перчатки и изысканные туфли на высоком каблуке, совершенно не похожие на туфли на танкетке
с квадратным носком, которые носят женщины,
пришедшие посмотреть показ. Всех женщин — от
Марлен Дитрих, присутствовавшей на том первом показе и с тех пор ставшей музой и клиенткой
Дома, до простых горожанок — объединяет одно
желание: стать обладательницей платья в стиле
New Look, который Диор определил как «возвращение к идеалу цивилизованного счастья».
Кристиану Диору на момент представления
той первой революционной коллекции было
42 года, но его путь определяется еще в юности.

40  '  7  :  $
'  
 47
!    3/4.  $
 '     47  )
Corolle: $   4+
, $+ 47
7 New Look

40

41     
 ", 30,    
#   +-  
#,   " = $
     $ 
= "4  
!  4

 
 "

КРИСТИАН ДИОР РОДИЛСЯ В 1905 ГОДУ В ГРАНВИЛЕ, НА ПОБЕРЕЖЬЕ НОРМАНДИИ. ДЕТСТВО ОН ПРОВОДИТ НА ПРОСТОРНОЙ РОЗОВОЙ ВИЛЛЕ LES RHUMBS,
ПРИНАДЛЕЖАВШЕЙ ЕГО СЕМЬЕ, ГДЕ ЕГО ТВОРЧЕСКАЯ ФАНТАЗИЯ ПРОЯВЛЯЕТСЯ
В РИСОВАНИИ И ПРИДУМЫВАНИИ КОСТЮМОВ И МАСОК. ВПЕЧАТЛЕНИЯ, ПОЛУЧЕННЫЕ В ЭТОТ ПЕРИОД, ПОЗЖЕ СТАНУТ ЧАСТЬЮ ЕГО ЭСТЕТИКИ.

В саду виллы возникает сама идея женщины-цветка, силуэтов в форме цветочного венчика и тюльпана. Ландыш становится талисманом и символом
Дома — модельер вшивает его в подолы кутюрных
платьев, носит в качестве бутоньерки и заключает во флакон Diorissimo, первого парфюма Дома,
созданного в 1948 году. Красный мак, оранжевая
настурция, желтый нарцисс, розовый пион служат источником вдохновения для цветовой палитры его творений. Все предопределено, все
имеет смысл. Кристиан Диор верит в знаки судьбы и предсказания. В 14 лет гадалка пророчит ему
великолепное будущее кутюрье: «Ты окажешься
без денег, но женщины помогут тебе. Именно благодаря им ты сделаешь состояние».
Двадцатилетний Кристиан оказывается в Париже, чтобы по настоянию родителей начать дипломатическую карьеру. Он общается с величайшими художниками своего времени и, бросив
учебу в Институте политических исследований,
открывает художественную галерею совместно
с Жаком Бонжаном. На рю Ла Боэси, 34, выставляются работы самых выдающихся художников того
времени и тех, кто скоро таковыми станет: Пауля
Клее, Сальвадора Дали, Жоана Миро, Джорджо де
Кирико, Пабло Пикассо. После банкротства отцовской компании и смерти матери Кристиан вынужден закрыть галерею. На протяжении длительного
времени он испытывает финансовые затруднения,
зарабатывая на жизнь продажей эскизов одежды
домам моды. В этот же период он сотрудничает
с журналом Le Figaro Illustré в качестве иллюстратора. С 1938 года Диор начинает работать в Доме
Piguet. Судьбоносная встреча, которая позволит

исполниться предсказанию, случается в апреле
1946 года. В возрасте 41 года Кристиан Диор начинает работать в ателье Люсьена Лелонга. Его
замечает магнат текстильной промышленности
Марсель Буссак и предлагает финансировать его
ателье. Так рождается Дом Dior.
После первой коллекции-манифеста каждый
сезон Диор устанавливает законы моды, предлагая своим клиенткам все более современные
образы. За силуэтами Corolle и En Huit («восьмеркой») следуют силуэты H (с еще более узкой
талией), A, Y, Tulipano («тюльпан»), вплоть до силуэта Fuseau («коклюшка») — переходного варианта
между округлыми силуэтами 50-х и прямыми силуэтами 60-х. Чтобы сделать свои творения еще
более женственными, кутюрье добавляет банты,
изысканные кружева и вязку, горошек черного,
белого и розового цвета, анималистические мотивы — главную страсть дизайнера, — представленные в виде вставок из меха леопарда на манжетах
пальто и шляпках или в виде принта на вечерних
и повседневных платьях.
Гениальному модельеру было достаточно десяти лет — с 1947 по 1957 год, — чтобы превратить
свое имя в бренд мечты, модную империю, включающую в себя haute couture, аксессуары, ювелирные украшения и парфюмерию, с бутиками по всему миру. Кристиан Диор умирает летом 1957 года
в отеле в Монтекатини-Терме. Его художественное наследие перенимает его молодой помощник,
двадцатиоднолетний Ив Сен-Лоран, вундеркинд
французской высокой моды, создатель коллекции Dior Trapèze и впоследствии самой концепции
prêt-à-porter. Но это уже другая история.

43  "  
       ' 
"  $
   7 $ '   =.  $     4:  4
' ,   4  +    . M " 1949 

42

44 >  " 1957 . #      
  '  =  
  +   $  =   =
 '  = " . # $7     
 ! 
45  " H- ) 1956 .
* 47 ' 47  ) 4 
  '  O 7   ,   $
 "

47  7"4  4    4  ' 
" —
  
   "     Dior:
  )    & '  '   H- )
"  ) «+»

46         1947   "   
     !     $ ' $ 
 "$  7. # $   " Dior
        $4, + ,  +4=
)$ 4=  7

46

«МОЯ СТРАСТЬ К ЦВЕТУ ПОДТОЛКНУЛА МЕНЯ
К ИССЛЕДОВАНИЮ НОВЫХ ВОЗМОЖНОСТЕЙ».

+$$

" 

КРЕАТИВНЫЙ И НОВАТОРСКИЙ ТАЛАНТ, ОСНОВОПОЛОЖНИК ИТАЛЬЯНСКОЙ
МОДЫ 50-Х, ПРЕДШЕСТВЕННИК КОНЦЕПЦИИ PRÊT-À-PORTER, ВЫДАЮЩИЙСЯ
СОЗДАТЕЛЬ НЕПОВТОРИМЫХ ПРИНТОВ, ВДОХНОВЛЕННЫХ ПОП-АРТОМ, И ОРИГИНАЛЬНОЙ РЕВОЛЮЦИОННОЙ ЦВЕТОВОЙ ГАММЫ — МАРКИЗ ЭМИЛИО ПУЧЧИ
ДИ БАРСЕНТО СОВЕРШЕННО СЛУЧАЙНО ПРИХОДИТ В ИНДУСТРИЮ МОДЫ.

В первые 30 лет жизни флорентийского аристократа ничто не предвещает его будущего в качестве модельера. Молодой Эмилио, студент американского университета и чемпион по лыжам,
безусловно, не предполагает, что войдет в историю не под титулом маркиза, а под гораздо более
важным титулом «короля принтов», завоеванным
благодаря своему таланту. И уж тем более отважный офицер авиации Эмилио Пуччи, участвующий
во Второй мировой войне, не может предвидеть,
что вскоре его имя станет известно во всем мире
благодаря яркой палитре и калейдоскопическим
орнаментам его коллекций одежды.
Эмилио Пуччи родился в Неаполе в 1914 году
и был отпрыском древнего дворянского рода. После изучения общественных наук в Атенсе, штат
Джорджия, и Портленде, штат Орегон, с получением стипендии для тренировок по лыжному

спорту, в 1938 году Пуччи поступает на службу
в итальянскую авиацию. Получив в 1941 году степень доктора политических наук во Флоренции,
он отправляется на войну, где служит пилотом.
Как же одежда стала частью жизни флорентийского аристократа? Как уже отмечалось, Пуччи
приходит в моду случайно. Все начинается с лыжного костюма, созданного для подруги-аристократки.
Наступает 1947 год. Эмилио, переживший ужасы войны, проводит время в Церматте, где обычно
тренируется олимпийская сборная, в составе которой он выступает. Ради шутки он придумывает
инновационный и аэродинамичный спортивный
костюм. Тони Фрисселл, знаменитый фотограф
Harper’s Bazaar, замечает эту модель и запечатлевает ее для американского глянцевого журнала.
Успех в США настолько велик, что маркиз решает создать линию женской одежды. Его творения
продаются за океаном под маркой Emilio из уважения к фамилии семьи.
Еще один модный курорт служит поводом для
создания коллекции пляжной одежды. Пуччи открывает свой первый бутик на Капри, где представляет линию одежды из шелка с принтами.
Вскоре все побережье Средиземноморья наполняется его красочными принтами — такими же яркими и жизнерадостными, как море и пышная растительность этих мест.

50   $ *   '' 
%   $ 7   
 " ,  ! 
   77 $  & :
&& ''     "
''  > &

50

51  ' & 
  , $
*   ''    
 7   
Braniff International. 

 1965  1977   $7
$  
 
    ,
  
 $+4
$

Чтобы удовлетворить растущий спрос, дизайнер открывает
мастерскую в семейном дворце — палаццо Пуччи на виа дель
Пуччи во Флоренции. Здесь он создает самые необыкновенные
принты, черпая вдохновение в искусстве и истории Италии.
Среди его легендарных коллекций — Siciliana 1956 года, Palio di
Siena 1957 года с геральдическими гербами традиционных скачек Палио и коллекция 1959 года, посвященная Боттичелли.
Маркиз кодирует каждый цвет, что позволяет ему создать
уникальную палитру из более чем 80 оттенков и цветовые сочетания, включающие в себя до 16 оттенков в одном орнаменте.
В начале 60-х не было ни одной светской персоны, не имевшей наряда под маркой Pucci. Рубашки и брюки, как у мужчин,
шелковые платки, струящиеся вечерние платья — не было ничего, что маркиз не создал бы для своих поклонниц, среди которых
были Жаклин Кеннеди и Мэрилин Монро. Но настоящую славу
ему приносит платье из шелкового джерси — ультралегкое, компактное и, самое главное, не мнущееся, — которое становится
универсальным предметом гардероба стильных путешественниц
мировой элиты. Интерес Пуччи к экспериментам с тканями приводит его к созданию Emilioform — особой эластичной, удобной
и легкой ткани из хеланки и шелкового шантунга. Эта ткань используется для пошива брюк Viva с интегрированными гетрами,
служащими интерпретацией спортивных брюк, изобретенных самим Пуччи.
Путешествия Эмилио Пуччи с женой Кристиной по Южной
Америке, Азии, Индонезии и Австралии вдохновляют дизайнера на создание все более удивительных оттенков и новых геометрических узоров. Тема экзотики прослеживается и в первой
коллекции haute couture 1962 года, отличающейся изысканностью материалов и ручной вышивкой кристаллами Swarovski на
пижамах-палаццо. В 1968 году Пуччи принимает решение запустить линию мужской одежды и подписывает соглашение с Домом Ermenegildo Zegna. Во второй половине 60-х эклектичный
творческий талант Пуччи позволяет ему создать униформу для
стюардесс авиакомпании Braniff International, а в 1971 году — логотип космической миссии «Аполлон-15» по заказу НАСА.
В 70-е, с приходом моды диско-кэжуал, и в 80-е, с появлением
одежды сарториального мужского кроя для деловых женщин,
«пуччимания» переживает спад. После смерти Эмилио Пуччи
бразды правления компанией переходят к его дочери Лаудомии.
После 2000 года, когда концерн LVMH, крупнейший производитель предметов роскоши, приобретает 67 % акций компании, на
посту креативного директора сменилось несколько талантливых
дизайнеров, в числе которых Кристиан Лакруа и Мэтью Уильямсон. Но только в 2008 году, с приходом Питера Дундаса, Дом
Pucci вновь обретает былое великолепие. Молодой талантливый
дизайнер норвежского происхождения сразу же демонстрирует
способность возродить богемный шик, заложенный основателем
бренда, переосмыслив его в соответствии с эстетикой современной моды. На сегодняшний день группа компаний LVMH владеет
100 % акций Emilio Pucci. Бразды правления брендом перешли
к Камилле Мичели, занимающей должность креативного директора с 2021 года. Харизматичному и талантливому дизайнеру
итало-французского происхождения предстоит написать новую
страницу в истории этого Дома с уникальным наследием.

52

52 "  )$  , $ +   $7 
    4=  +  7  ! 7,
   $ 7  7   & = Pucci.
M      
 +  4
 7 +  '   $7,
 + 7 =  4
 #

53 P  &       4,
= 4  - ,
  ''
  « 
».     ! 
) +   " 1966 

"-#

 *

«Я ЗАДАЛСЯ ВОПРОСОМ: ПОЧЕМУ ТОЛЬКО БОГАТЫЕ МОГУТ
ИМЕТЬ ДОСТУП К ЭКСКЛЮЗИВНОЙ МОДЕ? ПОЧЕМУ ЕГО НЕТ У ОБЫЧНЫХ
МУЖЧИН И ЖЕНЩИН? Я МОГ ИЗМЕНИТЬ ЭТО ПРАВИЛО. И Я ЭТО СДЕЛАЛ».

ПЬЕР КАРДЕН ЗАСЛУЖИВАЕТ ОСОБОГО МЕСТА В ИСТОРИИ МОДЫ ЗА СВОЮ
ДАЛЬНОВИДНОСТЬ И СМЕЛОСТЬ ПОЙТИ НА РИСК В ОСУЩЕСТВЛЕНИИ НЕМЫСЛИМОГО ДО ТОГО МОМЕНТА ДЕЙСТВИЯ, В РЕЗУЛЬТАТЕ КОТОРОГО ВСЯ МОДНАЯ
ИНДУСТРИЯ БЫЛА ВЫНУЖДЕНА ПЕРЕСМОТРЕТЬ СВОИ ПРИНЦИПЫ И ВНЕДРИТЬ
ЭПОХАЛЬНЫЕ ИЗМЕНЕНИЯ.

В 1959 году Пьер Карден создает коллекцию prêtà-porter специально для публики парижского универмага Printemps, не привыкшей к эксклюзивности
haute couture. Очевидно, что его подход заключается не в том, чтобы позаимствовать уличные тенденции, как это делают многие современные дизайнеры, представляя их в роскошном исполнении на
подиуме. Скорее наоборот — сделать безграничное
творчество модельера доступным как можно более
широкому кругу потребителей, которые заполняют
универмаги и улицы городов. «Я сделал это по экономическим причинам, — искренне объясняет он, —
на высокой моде я всегда терял много денег. И по
идеологическим соображениям: являясь приверженцем левых взглядов, я хотел, чтобы мода была
доступна всем, а не только богатым».
Возможно, это правда. Но на самом деле благодаря своей интуиции и всем последующим
идеям Карден становится все богаче, оказавшись
во главе настоящей империи, в которую, помимо одежды, в течение следующих десятилетий
входят отели, роскошные рестораны, питьевая
вода из источников и престижная недвижимость,
включая виллу Palais Bulles в Каннах — футуристи-

ческое архитектурное творение Антти Ловага —
и палаццо Ca’ Bragadin в Венеции, где, как любил
рассказывать дизайнер, жил Джакомо Казанова.
На доходы от розничной торговли Карден, с одной стороны, позволяет себе роскошь продолжать
свои смелые стилистические эксперименты, с другой — совершенствует свои исследования инновационных бизнес-моделей, которые спустя определенное время окажутся необыкновенно прибыльными. Пьер Карден «изобретает» систему лицензий (в его случае их насчитывается около 900),
позволяя «арендовать» свое имя компаниям, которые используют его для самых разных категорий
товаров — бытовой техники, предметов сервировки, мебели, зажигалок, — с которыми можно выйти
на еще не освоенные азиатские рынки, от Японии
до Китая, где Карден выступает настоящим первопроходцем в области экспорта.
Желание сломать систему, перетасовать карты, вызвать скандал, нарушая статус-кво, дорого
обходится Кардену: его «демократическая» коллекция 1959 года не понравилась Синдикату высокой моды, из которого дизайнер на короткое время
даже был исключен. Но стремление смотреть вперед, думать о возможности или идее другого будущего слишком прочно сидит в его ДНК. Пьер Карден — любезный и очень элегантный джентльмен,
до самого окончания своей жизни позволявший
себе большие мечты. Одним из последних его проектов (провалившимся из-за разногласий и чрезмерной итальянской бюрократии) становится идея
строительства футуристического небоскреба Palais
Lumière в окрестностях Венеции. Многомиллионные инвестиции могли бы помочь Кардену вернуться в родные места, где в 1922 году началась его
жизнь.

56   %  %  ,
" '",
 
 $ $  & Pierre
Cardin  "-$  — 1966/67.
" - )   
  '  7 7
 : ,   
 :

56

57 "     
$ +: + =
    1967 .
O   '    ,
 ' &  .
"  '  4
 & 4  $7 ,
= +     
    

Дизайнер родился под именем Пьетро Кардини в Сант-Андреа-диБарбарана, в семье фермеров из Тревизо. После Первой мировой войны семья остается без средств к существованию и в поисках счастья переезжает
во Францию. Пьетро, который становится Пьером, на тот момент было всего
четыре года. Карден работает на Жанну Пакен и Эльзу Скиапарелли, но его
звездный час наступает в 1947 году, когда Кристиан Диор нанимает его в качестве главного закройщика в свой Дом моды. Карден причастен к созданию
революционного стиля New Look, но мода — далеко не единственное его увлечение. Он обожает театр, сотрудничает с Жаном Кокто и Кристианом Бераром. Всю свою жизнь он посвятит поддержке молодых талантов драматургии, предоставляя им пространство в своем парижском театре Espace Cardin
и организуя многочисленные театральные фестивали.
Совместно с Андре Оливером в 1950 году Пьер Карден основывает свой
Дом моды. В 1953 году модельер создает свою первую коллекцию, в которой
уже присутствует вся суть того стиля, которому он будет следовать на протяжении своей карьеры и который прекрасно отражает его любознательный
подход к жизни. Карден создает футуристичную, космическую, авангардную
моду. В ней преобладают смелые геометрические формы, яркие цвета и лаконичные, графичные, замысловатые линии. Вспышки гениальности иногда граничат с китчем. Примером служит его легендарное платье-пузырь, созданное
с помощью циркуля, — это скорее произведение искусства, чем одежда для
повседневной жизни. Карден со своей модой «отправляется» на Луну задолго до Нила Армстронга и даже Барбареллы12. Он создает длину мини задолго
до Мэри Куант13. Чувствует глобализацию задолго до того, как ее станут критиковать приверженцы антиглобализма.
29 декабря 2020 года Пьер Карден умирает в возрасте 98 лет в больнице
Нёйи-сюр-Сен в пригороде Парижа, назначив своего внучатого племянника Родриго Базиликати-Кардена преемником своего творческого наследия
и президентом компании, носящей его имя.

58

58    $ 7
     "
 1970 . O   '  7
  , $  7
 $     ,
 '       , 
  "4  
   7  '
 
59  " #  $ 
 
   
Pierre Cardin  
   Dickins & Johns
 1970 .   
$ +  "
  ! 
 4
     '  =
 ,  4
 
 $7     

60 ]  
7 4 '  
    
 
  ' 
« '  »
  ,   ) 
" 1968 ,
  4    4
'
=   '"  
61 M
     4 60-=. " -  & 
 =  =    '  
 7  "   $ 

62         " "        .  2012     4
     4    '   4   & ,   )7   "7

&  '   " '  "
 !  
63  2011   &  Pierre Cardin 4  
  . O $ "  " , "   '  7 ) 
= :  ,  4 4$4  )  ' " -"  

'-# .-

/ 

«ЛИЧНО Я ЗАВИСИМА ОТ ЖИВАНШИ,
КАК АМЕРИКАНСКИЕ ЖЕНЩИНЫ ЗАВИСЯТ ОТ СВОИХ ПСИХИАТРОВ»
ОДРИ ХЕПБЁРН

ИМЯ, КОТОРОЕ АССОЦИИРУЕТСЯ С ИЗЫСКАННОСТЬЮ, ГРАЦИЕЙ И ПРОСТОТОЙ.
ЭТИ КАЧЕСТВА ПРИСУЩИ ОДЕЖДЕ, СОЗДАННОЙ ЖИВАНШИ, А ТАКЖЕ ФИЗИЧЕСКОЙ И ДУХОВНОЙ СУЩНОСТИ САМОГО ДИЗАЙНЕРА.

Год спустя происходит судьбоносная встреча,
которая предопределит будущее Дома. В 1953 году
Одри Хепбёрн просит принять ее в ателье дизайнера. Живанши работает над новой коллекцией,
но, полагая, что речь идет о более известной Кэтрин Хепбёрн, соглашается. Между ними сразу же
возникает взаимная симпатия. Одри просит молодого кутюрье разработать для нее костюмы для
фильма «Сабрина» — он показывает ей несколько
моделей, которые кажутся созданными специально для нее. С этого момента актриса будет носить
только Givenchy, как в фильмах, так и в жизни, превратившись в икону безупречного и изысканного
стиля, лаконичного и утонченного. Она станет амбассадором элегантности Givenchy, основанной
на сдержанности и деликатности, а не на показной роскоши. Вместе кутюрье и актриса создают
стиль Одри Хепбёрн. В результате их сотрудничества появляются легендарные «кинематографические» модели: черно-белое платье с пышной
юбкой в стиле платьев принцессы, созданное для
фильма «Сабрина», — лишь прелюдия к серии творений, кульминацией которой становится самое
знаковое платье в истории кино — черное платьефутляр, увековеченное фильмом «Завтрак у Тиффани».

Граф Юбер Джеймс Марсель Таффин де Живанши, человек с врожденным чувством вкуса и элегантности, на момент создания своей дебютной
коллекции в 1952 году является одним из самых
молодых кутюрье Парижа. Высокий, красивый,
утонченный семнадцатилетний юноша приезжает в Париж после войны, чтобы изучать дизайн
в Школе изящных искусств. Несмотря на возражения семьи против его желания стать кутюрье,
Живанши начинает работать ассистентом у Жака
Фата — самого молодого и экстравагантного модельера того времени, — а затем трудится в ателье Робера Пиге и Люсьена Лелонга. Но именно
под влиянием Эльзы Скиапарелли молодой Юбер
действительно формируется как дизайнер: четыре года, проведенные в ателье, отличном от всех
других, и работа с модельером-художницей накладывают отпечаток на его стиль, в котором элегантность и безупречность всегда дополняется
нотой оригинальности.
Дебют Дома Givenchy происходит в 1952 году,
когда дизайнеру исполняется 25 лет. Триумф был
немедленным. Нет ни одного журнала, который бы
не написал о блузке Bettina — лаконичной белой рубашке из хлопка, названной в честь самой известной манекенщицы того времени, Беттины Грациани.

66 
    " « » % 
?7  1954 . %  " $  $4
 4+ 7, $    " 
& 4, 4
     "
' :   $7  ^   _ +

67 _ +     "    
  prêt-à-porter,    : $ ' 7
+  " , $   7
 

67

Под покровительством Кристобаля Баленсиаги, наставника и друга Живанши, чье ателье также
располагалось на авеню Георга V, работа дизайнера все больше фокусируется на чистоте линий
и архитектурной конструкции платья. «От него
я научился, что никогда не нужно обманывать ни
в жизни, ни в работе, — вспоминает дизайнер в интервью Марии Пецци для журнала Donna, — и что
бессмысленно использовать лишний цветок или
пуговицу с пятью отверстиями, когда достаточно
четырех».
На 50-е и 60-е годы приходится золотой век
Givenchy. Дизайнер представляет платье-мешок
(1953), плащ с воротником-стойкой (1958), юбкубаллон и платье-бюстье (1969). В 1968 году, когда
Баленсиага уходит из мира моды, Живанши наследует его престижных клиентов, среди которых —
Лорен Бэколл, герцогиня Виндзорская, Джин
Сиберг, княгиня Монако Грейс Келли и Жаклин
Кеннеди.
В 1988 году Дом Givenchy покупает французская группа LVMH Бернара Арно, но дизайнер
не расстается со своим белым халатом, всегда
служившим ему рабочей униформой, вплоть до
1995 года — даты его последнего показа. С тех пор
на посту креативного директора Дома сменяются
такие талантливые дизайнеры, как Джон Гальяно,
Александр Маккуин, Жюльен Макдональд, Риккардо Тиши, Клэр Уэйт Келлер. Мэтью Уильямсу,
пришедшему в Дом Givenchy в 2020 году, удается объединить результаты работы своих предшественников и наследие Юбера де Живанши,
а в 2024 году его сменяет Сара Бертон.

68  $"   ' 
  _ + 
"4  4, + +     ,   
'  "  O7 $  " «]   `  »
1961 
! "
69 # ! !   !  7  "
 ! $". ( -, $$   ,  4
' &    $
   '"7 &   " «
 "   » 1966 

68

70  $ 1953 : 4+    ! 4 L ,
 + 
4 '4  , !  $ 
71 ` $   ,  4 !   "  !
7,
 4  $7       $ 
$ '4=  $

71

72  " %   O &  , $-=  " &  $7
"7 + Bettina,  
  "  4+ 7,
    4 !   & 7 ' 7 = 7
73 (  "  +    -  
  4: + -+ -'

72

74 B  " $ 
 7  7
  + ,  
 &  prêt-à-porter,
 -  — 1991
75  " $  7
 & haute couture,
 -  — 1991. "
 +  $& 4
    ' 
   

'-#&

" 

«ЕСЛИ БЫ Я МОГ, Я БЫ ИСКЛЮЧИЛ СЛОВО “МОДА”
ИЗ ЛЕКСИКОНА. СЛЕДОВАТЬ МОДЕ УЖЕ САМО ПО СЕБЕ
ОЗНАЧАЕТ БЫТЬ НЕМОДНЫМ».

78   : 47 U 
 ''   !   =
) $, 1958 
79   * ? "
      
" «# " » (Nove
Gonne)   "  ''

«МОДА — ЭТО НЕ УКРАШЕНИЕ, ЭТО АРХИТЕКТУРА. НЕДОСТАТОЧНО, ЧТОБЫ ПЛАТЬЕ БЫЛО ПРОСТО КРАСИВЫМ, ОНО ДОЛЖНО БЫТЬ СКОНСТРУИРОВАНО, КАК
ЗДАНИЕ, ПОТОМУ ЧТО, ПОДОБНО ЗДАНИЮ, ОНО ЯВЛЯЕТСЯ МАТЕРИАЛИЗАЦИЕЙ
ИДЕИ».
Роберто Капуччи получает художественное образование в римской Академии изящных искусств,
где он был учеником Маццакурати, Де Либеро
и Авенали, что впоследствии окажет влияние на
всю его карьеру. Его работа, как и искусство, независима. Его творчество неподвластно сезонным
изменениям моды.
Капуччи родился в Риме в 1930 году. Он по
праву считается вундеркиндом итальянской
моды. В возрасте всего двадцати лет Роберто открывает свое первое ателье. В 1951 году он «неофициально» участвует в первом коллективном
показе итальянской моды, организованном во
Флоренции Джованни Баттиста Джорджини14.
«Мой молодой возраст, — вспоминает Капуччи, —
не позволял мне официально участвовать в мероприятии. Тем не менее Джорджини, в силу своего
уважения ко мне, попросил меня сшить вечерние
наряды для его жены и дочерей. Это произвело
фурор. Журналисты и покупатели были очарованы их элегантностью, и то, что должно было

остаться незамеченным, оказалось сенсацией.
Это “неучастие” как нельзя кстати обернулось
моим первым большим успехом, за которым последовали восторженные статьи и бесчисленные
заказы на платья».
Молодой дизайнер сразу же проявляет интерес к форме и структуре. Источником вдохновения для создания завитков, окружностей, прожилок и плиссировки служат картины сюрреалистов
и кубистов, но прежде всего природа, к которой
Капуччи испытывает неутолимое влечение. Совершенство и гармония вселенной, по мнению
кутюрье, проявляются в мелочах: в листе, блестящем от дождя, полете птицы, цветке, пчелиных
сотах, даже в концентрических волнах, образующихся от брошенного в воду камня. Именно такие волны вдохновили дизайнера в 1956 году на
создание легендарного платья Nove Gonne, или
«Девять юбок», из красной шелковой тафты, ставшего известным во всем мире после того, как его
надела голливудская кинозвезда Эстер Уильямс.

79

материалы, среди которых солома, рафия, бамбук
и шнур в сочетании с роскошными кутюрными тканями, такими как изысканный шелк и жоржет.
Его творения все больше отдаляются от жестких правил модной индустрии. Потребность Капуччи в творческой независимости, которая делает его скорее художником, чем модельером,
побуждает его в начале 80-х годов окончательно
отойти от модных институций. Он решает больше
не участвовать в показах по строгому календарю
Итальянской палаты моды и полностью посвятить
себя творческому исследованию.
Фантазийные и величественные творения Капуччи начинают путешествовать по всему миру —
от Рима до Нью-Йорка, от Токио до Пекина. Они
демонстрируются в необычных локациях, раскрывая всю свою красоту в залах музеев, старинных
дворцов, академий и театров. На Венецианской
биеннале 1995 года платьям римского кутюрье
был посвящен целый зал.

Восхваляемый международной прессой Капуччи
получает признание даже от Кристиана Диора:
«У вас в Италии есть гений по имени Роберто Капуччи, если он окажется в Париже, пусть заедет ко
мне». Но встреча так и не состоится, поскольку великий французский кутюрье умрет в 1957 году, а Капуччи прибудет в Город света только в 1962 году.
Изобретение угловатого бокси-силуэта приносит ему премию «Оскар» в сфере моды, присуждаемую бостонским универмагом Filene’s. Добившись
популярности, Роберто Капуччи открывает второе
ателье вблизи Эйфелевой башни. К парижскому
периоду относятся эксперименты с высокотехнологичными материалами, пластиком, полимерами
и металлом, а также дальнейшее совершенствование портновского мастерства. В 1968 году дизайнер возвращается в Италию и начинает новый
стилистический этап. Под влиянием художественного движения арте повера15, возникшего в Италии
в середине 60-х, он использует нестандартные

ЕГО ПЛАТЬЯ — ЭКСКЛЮЗИВНЫЕ ТВОРЕНИЯ, НАСТОЯЩИЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ
ИСКУССТВА, НА СОЗДАНИЕ КОТОРЫХ УХОДИТ ДО ЧЕТЫРЕХ МЕСЯЦЕВ РАБОТЫ
И ДО 180 МЕТРОВ ТКАНИ.

Ценные ткани, такие как подкладочная шелковая тафта, сотканная вручную на ткацких станках
XVI века, дикий шелк, жоржет и микадо в его руках
превращаются в динамичные формы и конструкции. Исследования стилиста-скульптора направлены также на цвет. В изгибах лифа или в миллиметровых складках юбки могут сочетаться до
172 различных оттенков одного цвета, создавая
невероятные хроматические эффекты. Как пример — платье Oceano из плиссированной ткани 37 оттенков синего, вдохновленное океаном
и представленное в итальянском павильоне Всемирной выставки в Лиссабоне в 1998 году.
Фееричные платья создаются на протяжении многих лет для принцесс, интеллектуалок,

артисток и кинодив, таких как Мэрилин Монро,
Глория Свенсон, Сильвана Мангано. Последняя
из них — самая элегантная, по мнению римского
кутюрье, — предстает в нарядах Capucci в фильме «Теорема» Пьера Паоло Пазолини. Рита ЛевиМонтальчини в 1986 году получает Нобелевскую
премию по медицине в черном шелковом платье
Capucci с небольшим шлейфом.
Платья-скульптуры для своего существования
даже не нуждаются в физическом теле, которое
их надевает. «Недоступные, величественные, возможно, слегка утомленные телесным шумом, — пишет Джованни Мариотти в эссе, посвященном дизайнеру, — они живут в комфорте в заповедниках
Красоты и Культуры, как львы в саванне».

81  '    " -  '  7 ' , : 7 $     + 7 4. "
Nove Gonne 4     1957  * ? "   ! 
  $    
-  , :  )    

80

82 " Oceano 1998 , :
$ 1200      7 4
 37  =   , —  ) & 
  $7  

83 "  '' —  $   
, $4  $ '  $ 
 ' . # $7 ' '  
=   $'    , & ,
' ,   '  "  Farfalla

84 # $7  +        ,
$   '4   &   
"
$& 4=    $  
85 `
+ 7 4  )   

85

7

«ЭЛЕГАНТНОСТЬ — ЭТО БАЛАНС МЕЖДУ ПРОПОРЦИЯМИ,
ЭМОЦИЯМИ И НЕОЖИДАННОСТЬЮ».

 
!#!0!)$

ДЛЯ ЛЮБОГО ДРУГОГО ДИЗАЙНЕРА ЭПИТЕТ «ИМПЕРАТОР» МОГ БЫ БЫТЬ СЛИШКОМ ПРЕУВЕЛИЧЕННЫМ И, ВОЗМОЖНО, ДАЖЕ НЕЛЕПЫМ. НО ТОЛЬКО НЕ ДЛЯ
ВАЛЕНТИНО КЛЕМЕНТЕ ЛУДОВИКО ГАРАВАНИ, РОДИВШЕГОСЯ В ВОГЕРЕ В 1932 ГОДУ И ИЗВЕСТНОГО ВО ВСЕМ МИРЕ, ПОДОБНО ВЕЛИКИМ ИМПЕРАТОРАМ, ТОЛЬКО
ПО ИМЕНИ.

Когда человек грандиозен и уникален, фамилия
становится «лишней». Кутюрье действительно известен во всем мире, и все его коллеги не упускают возможности выказать ему уважение, почтение,
восхищение, учтивость. В некотором смысле преклонение, как перед императором.
«Валентино: последний император» (Valentino,
The Last Emperor) — название документального
фильма, снятого в 2008 году журналистом Мэттом Тирнауэром. Здесь даже эпитет «последний»
имеет глубокий смысл, означая завершение —
возможно, окончательное — великой эпохи кутюрной моды. Фильм явился финальным аккордом бесконечной серии мероприятий, вечеринок
и торжеств по случаю сорокапятилетия творческой деятельности маэстро и его прощания с подиумом. Дом Valentino продолжает существовать,
в течение короткого периода под руководством
Алессандры Факкинетти, а затем под эгидой дуэта успешных креативных директоров, преданных
коллег Валентино — Марии Грации Кьюри и Пьерпаоло Пиччоли, а в настоящее время только последнего16.
4 сентября 2007 года со слезами на глазах великий кутюрье официально прощается со всеми
и уединяется в своей роскошной и в то же время

скрытой от посторонних глаз жизни, между светскими мероприятиями и редкими публичными
выходами. Он едет кататься на лыжах в Гштад17,
наслаждается великолепием своего замка де Видвиль в Креспьере, балует своих мопсов, с которыми не расстается. Валентино ушел с вечеринки,
как он сам выразился, когда на ней еще было полно людей.
Однако его стиль остается неизменным. Остаются плоды его неустанного исследования красоты. Остается его неподражаемая элегантность.
Остается изящество его невероятных творений,
неподвластных времени, моде и тенденциям, —
удивительных образцов абсолютной гармонии.
Ведь если и есть характерная черта, которая делает произведения Валентино такими уникальными
и особенными, это, пожалуй, то, что должно составлять основу работы любого кутюрье: стремление прежде всего подчеркивать абсолютную,
истинную женскую красоту.
За почти полвека работы в индустрии моды
Валентино никогда не поддавался соблазну провокации, никогда не уступал мимолетному очарованию тенденций, никогда не шел по самому
простому и быстрому пути — по пути выделиться
любой ценой или инновации как самоцели.

88    O 
#!  #!  ,
   $7 
  7  
 !  12  ,
    4  ) $
 +   " , 1982 

88

89 7   
O  $ 7   
+     " ,
1958 

90 M )   1968 
 '    & 7
   7 Valentino
!     
  =! 
 ` .  
 
  4
 ' 
"  ' 
 !  ,  + 4
 !  ! ' 
=

91 #    "
 4+ 7  « »
 14 $4=, $
 1990     74
    $ 

Призвание Валентино становится очевидным с раннего возраста. Еще в юности он создает платье
для своей тети.
Он понимает, что мода может стать его профессией, когда решает поступить в школу дизайна одежды в Милане. И особенно — когда в 17 лет
отправляется в мировую столицу моды, Париж.
Здесь он практикуется в ателье Жана Дессе и Ги
Лароша, учится в совершенстве кроить и шить и,
как только чувствует себя готовым к построению
самостоятельной карьеры, возвращается в Италию. Благодаря помощи отца и нескольких компаньонов Валентино открывает свой Дом моды
в Риме на виа Кондотти в 1960 году. Успех не приходит сразу. Но дизайнер, помимо благородных
манер, которые делают его также великим мастером хорошего тона, обладает огромной выдержкой и упорством и ни в коем случае не сдается.
Благодаря удачному знакомству с Джанкарло
Джамметти, студентом архитектурного факультета, отличающимся выдающимся чутьем в вопросах
бизнеса, маркетинга и коммуникаций, рождается тандем, который с того момента будет прино-

сить невероятные успехи. Джамметти становится
правой рукой дизайнера. Первый успех, который
стал поворотным моментом для бренда, датируется 1962 годом. Во флорентийском палаццо Питти
Валентино участвует — в последней презентации
последнего дня мероприятия — в показе, организованном маркизом Джорджини для продвижения
итальянской моды. За час до окончания дефиле
его коллекция уже полностью распродана. Она
получает особое признание в Соединенных Штатах, где высшее общество, похоже, особенно готово к восприятию идей кутюрье, которого в США
всегда будут любить и встречать триумфально.
С этого момента его карьера постоянно движется вверх. 1968 год для Валентино запомнился,
разумеется, не майскими студенческими протестами, а его легендарной «Белой» коллекцией,
которая поражает общественное сознание. Даже
«некая» Жаклин Ли Бувье, вдова президента
Кеннеди, для своего второго брака с греческим
судовладельцем Аристотелем Онассисом выбирает безупречное платье дизайнера, неизменной
и преданной поклонницей которого она остается.

90

НО РОСКОШНЫЙ СТИЛЬ КУТЮРЬЕ ОТОЖДЕСТВЛЯЕТСЯ С ДРУГИМ ОТТЕНКОМ: ЛЕГЕНДАРНЫМ ROSSO VALENTINO,
ми, рюшами, цветами и пышными бантами, идеально
подходящими для оформления подарочной упаковки. В творениях дизайнера нет излишеств. Напротив, он с преданностью, почтением и уверенностью
следует правилам хорошего вкуса в одежде. Он не
боится роскоши, не боится великолепия, потому что
умеет соблюдать меру, что является его наиболее отличительной стилистической чертой.

особым оттенком красного с нотой оранжевого,
вдохновившим дизайнера во время театральной
премьеры в Барселоне, где он был в возрасте
20 лет, и всегда сопровождающим его подиумные
коллекции как талисман, приносящий удачу.
Валентино одевает самых респектабельных, аристократичных, утонченных и изысканных женщин
«высшего общества» в платья, украшенные лента-

92   45      # Valentino  $7
:    ,
   :  & 
"  Rosso Valentino 23   2008    !
93    &  prêt-à-porter  "-$  — 2005/06,
    ! , $ +     ' 
"
 + 7, &      .  
  $    Valentino,   !   '  :
'    &   $:  :     7 ) =

92

94 ` - "   `  
 
  ) 47 7  ,
 + 47 & 
" ,  $
 7  &  "-$  — 1991/92
95 " $  & prêt-à-porter    — 2007.   
   $+4=
 = 
     
  !  
"7
) 

96  4 " Valentino, $4        
40 + 7    " , — +   4 haute couture.    = ,  4
+    #, —  $4 47 )  pagine,   
$  $4 +  4  $ $ $   !4=   &
97 $ haute couture  "-$  — 2007/08, + + 7   2007 
 $= Incisa Baglivi  "    -
- - 
  7 %   ' $  45-   # Valentino, —
     , '   

Последний император
98     "        ! "+7
   7 4 Valentino a Roma, 45 ?ears of Style.
    ! +4 :  "  &
Rosso Valentino         , ! &
 , 4 ' 4=     
   4'
99  $   7  $7 ,
  Ara Pacis. M 4 4 $ 
+    " ,  4   
4  ,
 #!     
 ,  ! $ $4  ,
   7 %+  #!  U 

98

!#

 

*

«МОДА ПОДОБНА МУЗЫКЕ: МНОЖЕСТВО НОТ, КОТОРЫЕ МОЖНО
КОМБИНИРОВАТЬ. И КАЖДЫЙ МОЖЕТ СОЧИНИТЬ СВОЮ МЕЛОДИЮ».

Одиозными цитатами Карла Лагерфельда можно заполнить целые страницы, примерно 176. По
крайней мере, так получилось у французского
журналиста Жан-Кристофа Напиа, который собрал их в книге Le Monde Selon Karl. Несмотря
на то, что Лагерфельд впоследствии отказался от
оскорбления в адрес французского президента
и подарил лондонской певице целую коллекцию
сумок Chanel, чтобы загладить свою вину, дизайнер был всемирно известен своей неполиткорректностью. Язвительный и непочтительный Карл
Лагерфельд никогда не стеснялся в выражениях.
Афоризмы и колкие замечания, но также и самоирония сделали дизайнера Chanel иконой, которую почитают, как рок-звезду.
Белоснежные волосы, собранные в хвост, неизменные перчатки-митенки, темные очки, которые он называл своей «чадрой», завершали образ
Лагерфельда, делая его легко узнаваемым персонажем, «живой этикеткой», «ходячей подписью»,
как он сам себя именовал. «Я карикатура на самого себя, и мне это нравится. Это как носить маску. Для меня венецианский карнавал длится весь
год». И эту маску Карл охотно одалживал брендам
и всевозможным проектам, не всегда напрямую
связанным с модой.

Карл Отто Лагерфельдт родился в Гамбурге
в богатой семье из высшего буржуазного сословия
в 1938 году, или в 1933-м, а может в 1935-м, — дата
его рождения окутана ореолом тайны. Конечная
буква «т» в фамилии не является опечаткой: впоследствии дизайнер откажется от нее, посчитав
новый вариант — Лагерфельд — более «коммерческим». Юный Карл переезжает в Париж в возрасте
всего 17 лет.
После окончания средней школы он удивляет
всех своим талантом в рисовании и начинает сотрудничать с некоторыми модными домами. Он
становится лауреатом Woolmark Prize — конкурса,
организованного Международным секретариатом по шерсти. Пьер Бальман отшивает пальто по
эскизу Карла, созданному им для конкурса, и, впечатленный талантом молодого выпускника, приглашает его стать своим ассистентом.
Три года спустя Лагерфельда назначают креативным директором Дома Patou. Но его свободолюбивый и неугомонный нрав плохо переносит
ограниченную и элитарную атмосферу высокой
моды. В те годы зарождается prêt-à-porter, и Лагерфельд работает независимым дизайнером для
модных домов Франции, Италии, Англии и Германии. В Париже он работает с Chloé, в Риме обновляет меховую коллекцию для Fendi. Сотрудничество с итальянским брендом начинается
в 1965 году и продолжается до самой смерти дизайнера. В то же время он создает свой индивидуальный стиль, который с 1984 года воплощается
в его собственном бренде.
Лагерфельд обладает огненным талантом.
«Я наемный специалист с фиксированным вознаграждением, — с ложной скромностью сообщает
он в интервью журналистке Наталии Аспези из
газеты Repubblica. — Мне нечего сказать эпохального, я просто люблю свою работу и приспосабливаюсь, как хамелеон, к потребностям бренда:
Дом Fendi должен дать представление о современной и динамичной Италии и предлагает мне
ценное сотрудничество с Сильвией, талантливой
представительницей семьи Фенди, в то время как
Chanel воплощает собой непревзойденную французскую элегантность».

102     "   $-$  " 4 $ & 7
 7   
 $  Patou —  & 
 "-$  — 1959

102

103  1958  7
  "  
  4 
  #
Patou,   4  
      U  

103

В 1983 году Карлу Лагерфельду предлагают вернуть былую славу Дому Chanel. «Когда я начал там
работать, — рассказывает он в интервью CNN, —
Chanel был абсолютно не в тренде. Владелец сказал мне: “Я недоволен тем, как идут дела. Если ты
можешь что-то сделать — хорошо. В противном
случае я его продам”». Лагерфельду это «что-то»
удается. Он не боится критики. Он рискует. Постепенно омолаживает имидж Дома. Обновляет
его коды. Лагерфельд превращает двойную букву C в логотип, который боготворят во всех уголках планеты, белую камелию — в символ роскоши
и элегантности, маленький черный жакет — в культовый предмет гардероба, а сумку 2.55 дизайна
Мадемуазель Коко — в самую копируемую и желанную сумку в мире. Шерсть букле — визитная
карточка Шанель и культовый материал 50-х —

в руках Лагерфельда становится изысканным переплетением роскошных нитей, пайеток и перьев.
Костюм возвращается в моду и из сезона в сезон
преображается, меняя пропорции, материалы,
цветовую палитру. Маленький жакет — жакет
Chanel — предстает в новом прочтении: в виде
цветного костюма с юбкой мини или до колен, дополняет джинсы; создаются модели с вышивкой,
в яркой и пастельной гамме, в черно-белом варианте.
Жемчуг, бижутерия, цепочки, двухцветные
туфли — все элементы, олицетворяющие квинтэссенцию стиля Chanel, возвращаются в моду,
обновленные и в то же время узнаваемые — и, что
самое важное, все более желанные. Благодаря
«кайзеру Карлу» бренд вновь подтверждает свое
превосходство в мире моды и роскоши.

104    4  4 # Chanel $ !  
 '     «7$   »,    = — ,
 47      haute couture   $  "$  — 2001/02

105 %  !4 4,  4  =,  4 ' —
 $   '  $7 , )  4,  4   
   $ 7 $7   7

Лагерфельд, кутюрье и неустанный креативщик, — «Я своего рода
нимфоман моды, который никак не
может достичь оргазма» — не ограничивается только теми успехами,
которые сопровождают его карьеру
в моде. Он работает фотографом,
костюмером, режиссером, самостоятельно реализует все рекламные
кампании брендов, для которых он
является дизайнером, а также сторонних проектов. Он создает костюмы для оперы, разрабатывает дизайн
бутылки Coca-Cola Light, снимает
рекламный ролик для Algida.
Эклектичный и дальновидный,
несомненный «кайзер» моды, он
искусно предугадывает Zeitgeist
и превращает его в продукт потребления. Его страсть к XVIII веку не
мешает ему быть внимательным наблюдателем современности. Лагерфельд улавливает, предвосхищает
и воплощает тенденции завтрашнего дня. Он первым из длинной череды известных дизайнеров создает коллекцию для гиганта модного
масс-маркета H&M. Будучи любителем технологий, он делится своими
мыслями в Интернете и завоевывает миллионы поклонников. Лагерфельд превращает свою обожаемую
бирманскую кошку Шупетт в «самую
знаменитую кошку в мире», а затем
посвящает ей вдохновленную ею же
коллекцию аксессуаров.
Король подиумов уходит из жизни в Париже 19 февраля 2019 года,
оставив огромную пустоту в мире
моды. Никто другой не был способен создавать такие мечты, возможно, эфемерные, но именно поэтому
настолько великолепные.

106 «_  )  » —     $4 
  ".  2010,  $   2011 
  "
    &
  47  )   $7 4
Coca-Cola Light
" $ '  
107 #   ' 
 $  7  & Chanel  "$  — 2004/05

108  " $  -   + 
 7  &  "-$  — 2009/10,
 7  O -   !

" $ 7 !
109  ' 
 & . % 47 ' 47 & ,
   , —  $ 4 )  4
 $7   7 Chanel,  4

4   
 '  =    $7 

110 %  4
' -  
$ ' 7 ! — '" «  4»
    "

'  ! 7   —
111 ` !
    &   ) 
   —
 4  ' 
    $  7
 & Chanel  -  — 2010
 '      4 
$ +  

112 #    "  + 7 $ + 
$  7  & Les Allures de Chanel  "$  — 2011/12
113  4 " Chanel — +   4 4
 ,  4     ' 4
+ 7 4+ ": &,  4=   "  ! $"
 ' 
     ". * +  
  "   '"  &  "-$  —
2012/13

*1#.1

 

«ЭТО ВЕЩЬ ОТ ARMANI, И ЭТО ВСЕ, ЧТО ВАМ НЕОБХОДИМО»
СОФИ ЛОРЕН

НЕМНОГИЕ ИМЕНА В МОДЕ АССОЦИИРУЮТСЯ С ТАКИМ БЕЗУПРЕЧНЫМ СТИЛЕМ,
КАК GIORGIO ARMANI.

«Король» Джорджо, убежденный в том, что «элегантность нужна не для того, чтобы вас заметили,
а для того, чтобы вас запомнили», почти за пятьдесят лет с момента возникновения его марки
создал гораздо больше чем просто бренд — он
создал стиль жизни. Простота, вневременная элегантность, едва заметная чувственность — вот его
отличительные черты, те же, что привели к созданию легендарного символа Дома — пиджака в андрогинном стиле, объединяющем маскулинность
и женственность, — и всемирно обожаемой марки
Made in Italy, которая благодаря Армани с 70-х годов стала синонимом элегантности и качества.
Джорджо Армани родился в Пьяченце 11 июля
1934 года. Свой путь в prêt-à-porter дизайнер начинает в 40 лет, после долгого и богатого опытом подъема по карьерной лестнице. Именно это
сделало его тем скрупулезным предпринимателем-перфекционистом, которым он был до самой старости. В начале 60-х Армани прерывает
свое обучение медицине и работает продавцом
и оформителем витрин в миланском универмаге

116

La Rinascente, где начинает понимать механизмы
рынка моды. Его талант замечает Нино Черрути
и приглашает его обновить дизайн бренда Hitman.
Работая с Черутти, Джорджо изучает строгость
мужского портновского мастерства и совершенствует свои знания о тканях. Чтобы в больших масштабах производить продукцию, не уступающую
по качеству высокому сарториальному искусству,
Армани понемногу избавляет классический костюм от лишних швов и деталей. Запущен процесс, который приведет к появлению легендарного «пиджака Armani».
В 70-е годы Джорджо Армани по совету своего друга Серджо Галеотти решает основать собственный бизнес. Совместно они открывают консалтинговую фирму на Корсо Венеция в Милане.
Они не производят одежду, а продают идеи, которые легко реализовать в серийном производстве,
не ухудшая при этом качества высокого портновского искусства. Джорджо продолжает свою
работу по упрощению: он убирает уплотнители
и жесткую клеевую подкладку, смещает пуговицы,
изменяет линию плеч, удлиняет и заужает лацканы, использует все более легкие и нестандартные
для мужского костюма ткани, такие как лен.
1974 год знаменует собой создание первой
мужской коллекции и, соответственно, первого мужского деструктурированного пиджака.
В следующем году появляется женская коллекция.
Успех настолько велик, что Армани и его партнер
Серджо Галеотти основывают компанию Giorgio
Armani S.p.A. Так начинается великий период prêtà-porter — готовой высокой моды, созданной дизайнером, который сделает Милан одной из важнейших международных столиц моды.
Пиджак Armani придает своему обладателю
черты дерзкого красавчика в стиле «американского жиголо». Его популярность укрепляет фильм
1980 года, в котором молодой Ричард Гир играет
роль неотразимого жиголо, одетого в костюмы
Armani. Продажи стремительно растут, дизайнер
становится все более известным. В 80-е годы костюм Armani превращается в настоящий символ
статуса и экономического успеха. Журнал Time
посвящает Армани обложку — такая честь среди
дизайнеров была оказана только Кристиану Диору сорока годами ранее.
Над портретом загорелого голубоглазого итальянца с обворожительной улыбкой красуется заголовок: «БЕСПОДОБНЫЙ СТИЛЬ ДЖОРДЖО».

116 #! !   $  
  ",  7   
 ' 
"
117 % '47 
      $
 & Emporio Armani
 "-$  — 2014/15.
 $ $ +  +    7$

БЕСПОДОБНЫЙ
СТИЛЬ ДЖОРДЖО
В 1982 году журналист Джей Кокс пишет в статье
для журнала Time: «Если одежда — это полотно
истории, канва времени, то эта эпоха принадлежит Армани».
Жакет мягкого и свободного «мужского» силуэта, созданный из позаимствованных из мужских
коллекций тканей, моментально становится базовым элементом и женского гардероба. Твидовый
жакет маскулинного кроя в 1976 году сочетают
с плиссированными юбками. В 1977 году он становится более изысканным. В 1978 году его носят
даже поверх купальника.
В 80-е годы приталенный жакет с широкими
плечами в сочетании с брюками становится «униформой» для деловых женщин всего мира. Далее
он трансформируется в блейзер, бушлат, кимоно
и фрак. В 1992 году на первый план выходит смокинг в очень женственной — благодаря тканям
и деталям — вариации. В конце 90-х жакет вновь
превращается в универсальную базу, полностью
обособляется от костюма и дополняет любые
предметы женского гардероба: длинное платье,
брюки, юбку.
Вдохновленный кинематографом 20–30-х годов, Джорджо Армани воссоздает культовый стиль
Греты Гарбо, одновременно андрогинный и чувственный. Коллекция 1986 года не обходится и без
вечерних платьев, которые впервые превосходят
по числу повседневные наряды. Для завершения
вечернего образа представлены клатчи с застежками в виде драгоценностей.
Джорджо Армани первым среди дизайнеров
становится стилистом знаменитостей, первым открывает в 1988 году магазин на Родео-Драйв.

Джулия Робертс, Мишель Пфайффер, Джоди
Фостер — среди первых кинозвезд, кто доверяет
Армани сделать их появление на церемонии вручения премии «Оскар» уникальным и незабываемым.
Цветовая палитра коллекций Armani, с самого начала отличающаяся нейтральными тонами,
такими как синий, черный, серый и коричневый,
в 1997 году обогащается оттенком грейдж — благородным сочетанием серого и песочного.
На показах Armani ощущается легкое дуновение Востока. Дизайнер черпает вдохновение
в арабской, японской и китайской культуре прежде всего для создания кутюрной линии Armani
Privé, появившейся в 2005 году.
На сегодняшний день Giorgio Armani S.p.A.
представляет собой империю, простирающуюся
от Милана до Гонконга. Во главе этой империи
до самой смерти18 стоял «король» Джорджо, президент и генеральный директор одноименной
группы. Запуск в 1981 году линии Emporio Armani
знаменует собой дальнейшее распространение
десяти второстепенных линий. Бренд охватывает
весь спектр современного стиля жизни, включая
одежду, аксессуары, косметику, мебель, цветы,
шоколад и даже гостиничную сеть Armani Hotels
& Resorts.
В то время как никогда не стареющая «женщина Armani» в новом тысячелетии сохраняет грацию, изысканность и изящество, которые всегда
ее отличали, возникает вопрос: в чем секрет мастера минимализма и элегантности? Ответ здесь
только один: способность уловить потребности
своего времени и воплотить их в одежде, которая
это время переживет.

119  " $  7  & Armani Privé  "-$  —
2011/12. 4+ 4 & 4  4 —  $7  7 ! q 

118

120 121 P'  =   
 $7  7  & Armani Privé
 -  — 2008 !  '
" . %47        
+ 4+  — $   P 
= ! 7

122 #  
47  47
!    $4 )  
   «! : 4 Armani». M 
   " $  &
prêt-à-porter Giorgio Armani  -  —
2014
123  47 &    =   & = —
  $  4= &  #! !
  , $      7!
 '    
'

124 >     $  7  &
Armani Privé  -  — 2011, = 7,
   $7 ,     & 4=
 7
125     $  :  + 
   $  -  — 2014

126 U+  ' 
" $  7
 &  $ Armani Privé  $
 "-$  — 2012/13
127   2005  #! !  
 '  7 70-  7   7 30  
    # Armani  : 
$  7  &  -  —
2005

«Я НЕ ПОРТНОЙ, А ПРОИЗВОДИТЕЛЬ СЧАСТЬЯ».

0

2 

«Я ДУМАЮ, ЧТО НИКОГДА НЕ ПРЕДАВАЛ ТОГО МАЛЬЧИКА, КОТОРЫЙ С ВЕЛИЧАЙШИМ ТРЕПЕТОМ ПОКАЗЫВАЛ СВОИ ЭСКИЗЫ КРИСТИАНУ ДИОРУ».

«Я жил этой профессией, всегда любил и уважал
ее до глубины души. Мода не является искусством, но для своего существования нуждается
в художнике. Одежда, безусловно, менее важна
по сравнению с музыкой, архитектурой, живописью, но это было то, что я умел делать и делал, участвуя в преобразованиях своей эпохи». В январе
2002 года на подиуме парижского Центра Помпиду происходит грандиозный ретроспективный показ с участием 300 моделей — в атмосфере глубокого волнения Ив Сен-Лоран прощается с миром
моды. Катрин Денёв исполняет для своего друга
песню Ma plus belle histoire d’amour c’est vous19.
Ив Сен-Лоран родился в 1936 году в алжирском городе Оран в состоятельной французской
семье. Он формируется как модельер в парижской
школе Диора. После смерти Мастера в 1957 году
в возрасте всего 21 года дизайнер берет на себя
руководство Домом. В этом же году появляется коллекция Trapèze, которая закрепляет за
Сен-Лораном звание вундеркинда французской
моды и преемника Кристиана Диора. Силуэт «трапеция», отличающийся узкими плечами и широкой
юбкой, был революционным по сравнению с зау-

женной талией и корсетами, которые были в моде
в то время. Сотрудничество молодого Ива с Домом Dior продолжается до 1960 года, пока его не
призывают на военную службу в родную страну.
В следующем году Ив Сен-Лоран создает собственный бренд вместе со своим товарищем Пьером Берже.
29 января 1962 года в ателье на рю Спонтини
Ив Сен-Лоран представляет первую коллекцию,
носящую его имя. Так начинается легенда.
Международная пресса называет его безупречно скроенные костюмы единственными, способными составить конкуренцию костюмам Chanel.
Все женщины французского высшего общества
хотят носить одежду Yves Saint Laurent, а крупные
американские универмаги соревнуются за право
приобрести модели дизайнера. С каждой новой
коллекцией молодой дизайнер полностью меняет
представление о женской элегантности, глубоко
понимая потребности женщин того времени. Это
годы сексуальной революции. Сен-Лоран одевает
женщин в типично мужскую одежду, одновременно подчеркивая их женственность. Рубашки, блейзеры, брючные костюмы, куртки-сафари, тренчи
становятся частью женского гардероба.
В 1966 году рождается модель Le Smoking,
ставшая символом бренда. Смокинг — женский
костюм, заменивший вечернее платье — становится символом женской эмансипации, вызывая при
этом скандал.
В 1966 году Нэн Кемпер, богатая нью-йоркская
светская львица, вошла в ресторан на Манхэттене
в женском смокинге. Когда ей сообщили, что женщинам запрещено ужинать в брюках, Кемпер сняла их и села за стол в одном жакете, имеющем длину мини-платья. На ней была модель Le Smoking
от Yves Saint Laurent. В сочетании с туфлями на
шпильках, а позже надетый на голое тело или на
футболку, смокинг становится пропуском для всех
молодых женщин, борющихся в те годы за свои
права.

130 P  - , 47
  47 
 #
Dior     ,
15   1957   
   $ 

130

131 P  - 
     "
 +    #  .
 1957 ,  21 ,  $7
       
#. M   $  
      7
 & Dior  - 

131

Yves

SAINT LAURENT
132  " Le Smoking, $
 1966 ,    
# Yves Saint Laurent ! 7
) &
133    " Yves Saint
Laurent   ! 7 7
   . # $7
 
  & , : 
, 29   1962    "
    

Это эпоха бурных культурных перемен, наполненная гламуром и чувственностью. Ив и его богемные друзья попадают в объективы папарацци
в парижских клубах Régine и Club Sept. Музы
дизайнера — Бетти Катру, Лулу де ла Фалез, Палома Пикассо — необычайно красивые и смелые
духом, обладающие дерзким стилем, далекие от
женского образа, который вдохновлял Кристиана Диора.
Выражением той же провокационной и безграничной красоты, того же стремления к свободе
и познанию мира, которые были частью духа того
времени, стали творения, вдохновленные искусством и «экзотическими» путешествиями в Россию, Китай, Индию, Испанию, Японию, Африку
и Марокко.
Знаменитое платье Mondrian, оммаж голландскому художнику Мондриану, коллекции,
вдохновленные работами Матисса, картинами
Пикассо, стилем поп-арт Энди Уорхола, произведениями Пруста, русским балетом, а также платья
Bambara, которые демонстрируют темнокожие
модели, напоминающие африканских принцесс,
сафари-лук, китайская, марокканская, индийская
коллекции — все это средства, с помощью которых Ив Сен-Лоран транслирует свой вечно ищущий взгляд на мир, представляя на подиуме искусство, культуру и экзотику.
Его незаурядные творения воплощают собой
более демократичную идею роскоши, далекую от
строгости и условностей высокой моды.

132

Ив Сен-Лоран — первый кутюрье, создавший
линию prêt-à-porter, которая была не экономичной версией высокой моды, продаваемой в подсобных помещениях ателье, как это делали Вионне и Люсьен Лелонг в 20–30-е годы, а линией
с четко выраженной идентичностью и креативным
дизайном. Именно так в 1966 году появляется линия Yves Saint Laurent Rive Gauche.
В 70-х годах Сен-Лоран и Берже возглавляют
целую империю. Три золотистые буквы YSL украшают все продукты бренда, от парфюма до занавески для душа. Ив Сен-Лоран настолько известен,
что становится идеальным лицом своего бренда.
В 1971 году он позирует обнаженным — только
в своих очках — для рекламы мужского аромата
Pour Homme. Он первый дизайнер, который использует свое лицо для продвижения своего продукта.
В 1980 году творчество Ива Сен-Лорана настолько обширно и значимо, что нью-йоркский
Метрополитен-музей посвящает ему ретроспективную выставку, однако депрессия сказывается на творческой жилке дизайнера. Талантливый
вундеркинд французской моды перестает создавать новинки и ограничивается переосмыслением культовых моделей прошлого. Когда Дом Yves
Saint Laurent становится частью группы Gucci,
линию prêt-à-porter поручают Тому Форду, а Ив
продолжает работу над кутюрными коллекциями — вплоть до 2002 года, даты окончательного
закрытия YSL Haute Couture.

134  &  Mondrian 1965 ,
=   ' 
 =! ,
      &  =
  — '   $"4
  "4  
7
 )
134–135    :    
  60-=. M $ Yves Saint
Laurent      '4=
4=  = 4 ,
 
    ] 
$ 

136 > " +
M7  
 
" La guitare,
:  '"
 7  &
1988 

137   47 !  Les yeux d’Elsa,
$47 P  - 
  &  -  — 1988.
 " 4 
 
     2002    
    $ 4=   =
  7  $7  '   1962 .
$   '  40-  7  "
 "
137  * $  $  '
"   $7 

 =

138  ",
$  
  ,   4

  Yves
Saint Laurent  2004
 2012 , 
 &  "$  — 2006/07
139    
" 1983 ,
  $:
 )
 
$ 
   +
 
!   #
Yves Saint Laurent.
 " 4 
 
     
:"
$  $7 
  ! | 
   
2002 

«...сегодня я решил попрощаться с этой
профессией, которую очень любил»

YSL
После продолжительной болезни Ив Сен-Лоран
уходит из жизни 1 июня 2008 года в возрасте
71 года. Тело дизайнера кремировали, а прах развеяли в парке Мажорель, ботаническом саду его
виллы в Марракеше.
После Тома Форда креативным директором
становится миланский дизайнер Стефано Пилати. В 2012 году с приходом Эди Слимана Дом меняет название на Saint Laurent Paris. В 2016 году
новый креативный директор Энтони Ваккарелло превращает бренд в Saint Laurent by Anthony
Vaccarello. Имя Ив исчезло из названия бренда,

140 + M7 $    +7   , "
+ 7
" $  

но не из памяти. Ив Сен-Лоран оставил глубокий
след в истории моды, сопровождая женщин прошлого века в великом движении за освобождение
и создавая их современный гардероб.
Если Коко Шанель подарила женщине свободу, то Ив Сен-Лоран дал ей силу, позволив ей
выражать женственность и соблазнительность
даже через андрогинную моду, заимствующую
элементы мужского костюма. Рождается новая
женщина — целеустремленная, смелая и чувственно сильная.

141 22   2002   =    $47
   47 $  '  300   7 —  
    P  -  :     4.
  &     # ,    $7 , ' 4
 !    — "  ", $  1966 

141

!3

 

«ВСЕ ВОЗМОЖНО,
И Я ЖИВОЕ ТОМУ ПОДТВЕРЖДЕНИЕ».

ЕГО НАСТОЯЩАЯ ФАМИЛИЯ НЕ ЛОРЕН, А ЛИФШИЦ. ОН ВЫРОС НЕ В СТАРИННОМ
АНГЛИЙСКОМ ПОМЕСТЬЕ, А В БРОНКСЕ. ОН НЕ ИГРАЛ В ПОЛО, НО «СПОРТ КОРОЛЕЙ» СТАНОВИТСЯ ИСТОЧНИКОМ ВДОХНОВЕНИЯ И ЛОГОТИПОМ ЕГО БРЕНДА.
ОН НИКОГДА НЕ БЫЛ НА САФАРИ В АФРИКЕ, НО СОЗДАЕТ ПРЕКРАСНУЮ ОДЕЖДУ
ЦВЕТА ХАКИ.

В истории Ральфа Лорена много вымысла. Есть
убеждение, что одежда помогает превратить человека, который ее носит, в того, кем он хочет
быть. Что в жизни можно достичь всего, имея талант и решимость. Иными словами, есть американская мечта.
«Все возможно, и я живое тому подтверждение», — с гордостью заявляет дизайнер. Ральф Лорен — олицетворение американца, выбившегося
из низов, — с самого начала черпает вдохновение
в мире, к которому он не принадлежит по рождению, но который завоевывает благодаря своему
труду.
Классический, сарториальный, элегантный:
стиль Ральфа Лорена отчасти напоминает Старую
Англию, отчасти эстетику васпов20 — элиты американского общества, увлеченной такими аристократическими видами спорта, как теннис, яхтинг
и поло — самым «гламурным, сексапильным и интернациональным» из всех.
Ковбой, английский лорд, персонаж чернобелого фильма — все это есть в воображении дизайнера. Его вдохновляет романтическое прошлое
США, включающее в себя как кантри-вестерн, так
и гламур 20–30-х годов старого Голливуда и романов Фрэнсиса Скотта Фицджеральда. Неслучайно
именно Ральф Лорен в 1974 году создает костюмы
для экранизации «Великого Гэтсби», для персонажа Роберта Редфорда — Джея Гэтсби, которого

за амбиции и самоизобретение часто сравнивают
с Лореном.
Ральф Лифшиц родился в 1939 году в Бронксе
в бедной семье еврейских иммигрантов из Беларуси. С 1956 по 1966 год он работает продавцом
в различных нью-йоркских универмагах, в том
числе в Bloomingdale’s. Одновременно Ральф посещает вечерние курсы по бизнес-менеджменту
в Городском колледже Нью-Йорка. В 1967 году он
создает коллекцию галстуков под брендом Polo.
Успех настолько велик, что в следующем году он
запускает линию мужской одежды. Так появляется
бренд Polo by Ralph Lauren.
Рубашки оксфорд, кашемировые джемперы
и блейзеры — Ральф Лорен создает традиционный
мужской гардероб, вдохновленный прошлым. Он
создает для себя то, что ему нравится носить, но при
этом создает стиль — вскоре узнаваемый как типично американский, — который нравится всему миру.
Ральф Лорен открывает для себя мир женской
моды, когда начинает создавать одежду для своей
жены Рики. Он адаптирует для нее предметы мужского гардероба. В 1971 году дизайнер дебютирует
в женском сегменте prêt-à-porter с коллекцией
рубашек. Женщина Ralph Lauren — это женщина наподобие Энни Холл (в фильме Вуди Аллена
Дайан Китон использует свой личный гардероб,
в котором есть жакет и галстук Ralph Lauren), одетая в твидовые вещи в стиле кантри-шик.

145 > ) 7!  $ Ralph Lauren 13    2012 
   "-7 7    4 Mercedes-Benz Fashion Week.
 )7  &  $7
 "$  )  4  7
!
7   &    7  7

&

144

В том же году он запускает производство легендарного мужского поло с вышитым логотипом
игрока в поло. Модель, представленная в 24 цветовых вариациях, стала неизменным атрибутом
стиля преппи, столь актуального в 90-е.
В каждой коллекции дизайнер возвращается
к истории Соединенных Штатов. Коллекцию Santa
Fe 1981 года отличают орнаменты и принты, вдохновленные культурой навахо, ковбойские ремни,
объемные подъюбники и пальто-пледы. За ней
следуют другие коллекции, источником вдохновения для создания которых послужили Дикий
Запад, американская летчица Амелия Эрхарт,
американский фольклор — с их помощью Лорен
передает квинтэссенцию американской культуры,
тесно связывая бренд Polo by Ralph Lauren с историей своей страны.
Патриотизмом пропитаны и эффектные рекламные кампании Брюса Вебера. То же касается
причастности дизайнера к крупнейшим спортивным мероприятиям, в первую очередь к Олимпийским играм, по случаю которых Лорен создает форму для американских спортсменов. Это
и его вклад в размере 13 миллионов долларов на
реставрацию в 1998 году первого американского
флага — «знамени, усыпанного звездами».
Тот парень, который не следил за модой,
а «наблюдал за женщинами» с целью «воплотить
большую мечту: самую прекрасную реальность,
которую только можно вообразить», сегодня возглавляет мировую империю, котирующуюся на
Уолл-стрит, в качестве президента и креативного директора, после того как в 2015 году покинул
пост генерального директора, и входит в число
200 самых богатых людей мира по версии журнала Forbes. При этом он продолжает следовать за
американской мечтой, свободомыслием, природой Америки и ее безграничной территорией. Это
вневременное наследие по-прежнему вызывает
эмоции и влияет на каждое его творение.

146  "  
     
     ,   47   
$  &  -  — 2010
147 #  7 ]  ' !  '  =   
 $7 . P$44   4  4  7  
 4  $  -  — 2011

146

148  $ Ralph Lauren,
 47
 $  -  — 2013: 
 
47 !   
   ' 
" , = 
 &: &  
149 U+"      : 
 $7   ) =  =,  + 4=
7 4+ 7 $7  "

«ЖИЗНЬ СТАНОВИТСЯ НАМНОГО ИНТЕРЕСНЕЕ,
ЕСЛИ НОСИТЬ УНИКАЛЬНУЮ ОДЕЖДУ».

$0-)

 *

НЕМНОГИМ ДИЗАЙНЕРАМ ВЫПАЛА ЧЕСТЬ ОФИЦИАЛЬНО ВСТРЕТИТЬСЯ С ЕЕ ВЕЛИЧЕСТВОМ КОРОЛЕВОЙ ЕЛИЗАВЕТОЙ II. ЕЩЕ МЕНЬШЕ ТЕХ, КОМУ САМА КОРОЛЕВА
ПРИСВОИЛА ТИТУЛ ДАМЫ-ОФИЦЕРА ОРДЕНА БРИТАНСКОЙ ИМПЕРИИ.

Однако только одна из них после получения этой
награды, приветствуя фотографов во дворе Букингемского дворца, дерзко кружится и приподнимает широкую юбку костюма в стиле милитари,
демонстрируя всему миру пренебрежение нижним бельем. В 1992 году позволить себе такую легкомысленную — но, по ее словам, непреднамеренную — шутку в отношении королевы может только
Вивьен Вествуд. Подобная ситуация повторяется
14 лет спустя, когда принц Чарльз присваивает ей
титул дамы-командора Ордена Британской империи. Тем, кто задает ей вопрос, почему она так
ненавидит трусы, она отвечает: «Не спрашивайте
меня. Ответ всегда один и тот же. Я не ношу их
с платьями. Когда я в брюках, то могу надеть шелковые боксеры моего мужа».
Кто еще, если не дизайнер, которая в 1977 году
одевала дерзкую панк-группу Sex Pistols, занимавшую первые строчки британских хит-парадов

с бунтарской песней God Save The Queen, мог бы
с такой же бесцеремонной грацией совершить
столь «непристойный» поступок? Кто еще, если не
королева провокации, кто, если не маэстро скандала, в том числе музыкального, целью которого
было разрушение системы в корне, кто, если не
муза — или даже изобретательница — самой анархичной и нигилистической молодежной субкультуры прошлого века?
Подумать только: Вивьен Изабель Суайр могла
бы жить спокойной — и, в общем-то, совершенно
заурядной — жизнью провинциальной учительницы. Она родилась 8 апреля 1941 года в Глоссопдейле в графстве Дербишир в небогатой семье и,
казалось, не была предназначена для выдающейся жизни. Вивьен переезжает с семьей в пригород
Лондона, где начинает изучать искусство, но вскоре смиряется с перспективой карьеры учительницы начальных классов. В молодости она выходит замуж за Дерека Вествуда, в браке с которым
у нее рождается сын. И на этом ее история могла
бы закончиться, как история многих, возможно,
подавленных и, безусловно, неудовлетворенных
женщин. Но ее жизненный путь пересекается
с продюсером Малкольмом Маклареном, который войдет в историю поп-культуры как менеджер группы Sex Pistols и «декодировщик» панка.
Вествуд влюбляется в него и, когда в 1971 году он
решает открыть эксцентричный магазин столь
же эксцентричной моды на Кингс-Роуд, 430, без
колебаний следует за ним с большим энтузиазмом. Магазин Let it Rock неоднократно меняет
название и вывеску в течение нескольких лет:
в 1972 году он становится Too fast to live too young
to die, в 1974 году — Sex, затем Seditionaries и, наконец, World’s End. Но его сущность остается
прежней.

152  "     1977 
$    7
 &       
  " &  !  . !4  
  , $  ,  ,
& 4 4
 $4,
  !: -
$    & " &

152

153  1985   
!, $4"47 
"  ,
$        
 $ 
  -U, 430, —  
 '
   7  !  

ИМЕННО ЗДЕСЬ МУЗЫКАНТЫ SEX PISTOLS НАХОДЯТ СВОИ СЦЕНИЧЕСКИЕ КОСТЮМЫ, БУДТО СПЕЦИАЛЬНО СОЗДАННЫЕ ДЛЯ НИХ ВИВЬЕН ВЕСТВУД.

Именно здесь собираются со всего Лондона хулиганы с разноцветными ирокезами и закупают футболки, украшенные молниями, булавками и даже
куриными костями, образующими нецензурные
слоганы, байкерские кожаные куртки, армейские
ботинки, ожерелья из цепей, аутентичные аксессуары, брюки в клетку-шотландку. Их нарочитые
действия, направленные на социальные волнения, находят в одежде Вивьен Вествуд идеальный инструмент для прямого и жесткого вызова
истеблишменту — больше никогда в истории для
этого не найдется момента столь совершенного
сочетания уличной жизни, моды и музыки. Непристойность, насилие и бунт воплощаются в эстетике, которая имеет последователей и сегодня.
Однако это не убеждает правоохранительные
органы, которые неоднократно пытаются закрыть
панк-притон Макларена и Вествуд.
Когда и панковский стиль неизбежно становится конформистским, Вествуд понимает, что ее

мода должна обрести более осмысленный, зрелый и, в некотором смысле, институциональный
характер. Булавки и цепи прячутся в коробку, а из
творческого воображения дизайнера рождаются
кружева, рукава-буфы, ботфорты и экстравагантные шляпы, которые впервые были представлены
на показе в марте 1981 года в Париже, мекке мировой моды. С показом легендарной коллекции
Pirate Вивьен Вествуд, единственная англичанка,
покорившая подиумы Города света после Мэри
Куант, приобретает статус «настоящего» модельера и порождает моду «нового романтизма», вновь
тесно связывающую одежду и музыку.
Но это только начало «второго этапа» карьеры
дизайнера: все более тщательными и глубокими
становятся ее иконографические исследования,
которые переключают внимание с эксцентричности городских субкультур на художественные галереи, музеи, этнографические описания и книги
по истории костюма XVII–XVIII веков.

154  "      
 +    
 ",    7   4 7 4 Bow Wow
Wow, 7 "  .  &  Pirate
4
7  7  & 7, $7  7   —
 .  ! 4 '        
,  '   $ 7    

155  ! , -4
 + 4:    
  $   " «  $»,
 : 7
 $4"4  !  

154

155

156 %!   !  " 4 = =     =   = —    ' 7  + 7
$ 4  " ,  :    : , — 4
 4   7  &  -  — 2014   !

Цель остается прежней: разрушить систему
и устремиться за свободой, куда бы она ни привела. Однако теперь дизайнер пытается сделать это
изнутри.
В 1982 году Вивьен Вествуд создает коллекцию
Savage, за которой следует коллекция Nostalgia of
Mud: смешение декоративных элементов и форм
разных эпох и культур сразу же становится ее
фирменным почерком. В 1983 году рождается легендарная коллекция Witches, сочетающая в себе
язык нью-йоркского авангарда Кита Харинга
и первобытного эзотеризма, а в 1986 году появляется коллекция Mini Crini, которая возвращает
в моду викторианские кринолины и корсеты, казалось бы обреченные на вечное забвение.
Исследования Вивьен, проводимые в стиле
радикального эклектизма, не только не ослабевают, но и остаются активными и насыщенными до
последних ее дней. Так же, как и ее эпатажные,
провокационные образы: в 1989 году Вествуд позирует для обложки журнала Tatler с макияжем

156

и прической, как у Маргарет Тэтчер, и в платье,
которое премьер-министр Великобритании заказала, но еще не забрала. И кто знает, возможно,
дизайнер испытала некоторое садистское удовольствие, увидев в 1993 году, как королева мировой моды Наоми Кэмпбелл упала на ее показе
из-за туфель на макси-платформе, каблуки которых оказались «слишком» высокими даже для нее,
лучшей из топ-моделей.
Вивьен Вествуд — всегда на шаг впереди других — с начала 2000-х годов занималась решительной социальной, гражданской и политической
пропагандой, превратив моду в средство привлечения внимания к климатическим изменениям,
гражданским правам, независимости Шотландии,
вегетарианству и необходимости этичной моды.
Она также использовала свою популярность на
подиумах для продвижения экологических лозунгов в поддержку ядерного разоружения и для
привлечения внимания СМИ к своим новым инициативам активного сопротивления.

157 %" ,  
 ,
   '47  7
7",
  4  ,  
7   7
4 — 4 )  4
   .
M 
    
 $ $  &  "$  — 2006/07

158  + 
$4= ) = "
  4  '  "7 ' 7
  «#4  » —  
) ' ,  4  ! 
 =      
' $   4  & .
M $  -  — 2010  "
 $  4  &
  
   )-  " &
159 $  & Vivienne
Westwood Red Label  -  — 2013
$ +  4=   
 $7     $ Climate
Revolution — )    "   ,
 ! : 7 Greenpeace   "
$ =     

В то же время с завидной легкостью она сумела
создать белое платье, о котором мечтают все женщины, для самой романтичной героини 2000-х:
Кэрри Брэдшоу в фильме 2008 года «Секс в большом городе» собиралась выйти замуж именно
в платье Vivienne Westwood.
Дизайнер, ушедшая из жизни 29 декабря 2022 года в возрасте 81 года, оставила нам в наследство
идею моды, способной будоражить души, подрывать статус-кво, положительно влиять на настоящее. Долгое время страдавшая от болезни Вествуд
до последнего посвящала себя своим увлечениям.
«Вивьен до самого конца продолжала заниматься тем, что любила: рисовала, работала над своим
творчеством, писала книгу и меняла мир к лучшему.
Она прожила необыкновенную жизнь. Ее инновации и влияние за последние 60 лет были неоценимы и найдут продолжение в будущем», — сообщалось в пресс-релизе, опубликованном в связи с ее
смертью. Творческим наследием Вивьен Вествуд
управляет Андреас Кронталер, ее муж и креативный партнер с 1993 года.

«...РАЗУМЕЕТСЯ, ВЫ МЕНЯ ЗНАЕТЕ КАК ДИЗАЙНЕРА, НО Я В ПЕРВУЮ ОЧЕРЕДЬ
УВЛЕЧЕННАЯ ЧИТАТЕЛЬНИЦА И ЛЮБИТЕЛЬНИЦА ИСКУССТВА...»

160             $ + 
$  "-$  — 2011/12.  &    World
Wide Woman —     " !  
! : , =   " & " 4, &  7 ,  ' ! ,
4. # $7  !  $  «  »,    :
 7 " $        I Will Survive
161 * '     !   $  "$  — 2013/14:        « -  " &4»,
 :
 Climate Revolution

160

.1$



«МОЖНО СКАЗАТЬ, ЧТО РАЗРАБОТАТЬ ДИЗАЙН ОЧЕНЬ ЛЕГКО.
СЛОЖНОСТЬ ЗАКЛЮЧАЕТСЯ В ВЫЯВЛЕНИИ НОВОГО СПОСОБА
ИССЛЕДОВАТЬ КРАСОТУ».

ЯДЕРНЫЙ ВЗРЫВ. ТАК ЕВРОПЕЙСКАЯ ПРЕССА ОПРЕДЕЛИЛА ДЕБЮТ ЙОДЖИ ЯМАМОТО НА ПОКАЗЕ В ПАРИЖЕ, НАЗВАВ ЕГО КОЛЛЕКЦИЮ «ПОСТАТОМНАЯ МОДА».

Йоджи Ямамото родился в 1943 году в Токио, только что подвергшемся американской бомбардировке. Для него следы катастрофы незабываемы,
они находят свое воплощение в незавершенных
швах и разрывах ткани. «Внутри меня война никогда не заканчивалась, внутри меня не существует
послевоенного периода», — признается дизайнер
в документальном фильме «Заметки об одежде
и городах» (Notebook on Cities and Clothes), который Вим Вендерс посвятил ему в 1989 году.
После получения диплома колледжа моды Bunka
Gakuen Ямамото проводит показ коллекции бренда
Y’s в Токио в 1977 году. Через несколько лет он покидает столицу Японии и переезжает в Париж. Здесь,
после сенсационного дебюта в 1981 году, он вновь
поражает всех в 1983 году коллекцией Pauperismo
raffinato. Поэтичность его одежды положила начало
новой школе мышления в моде.
«Я больше всего счастлив в начале процесса
создания. Ведь продукт — это реальность. А реальность потрясает. Мое сердце бьется во время
процесса. Хотя решающий день наступает всегда». Более заинтересованный процессом, чем конечным продуктом, Ямамото вводит в западную
моду концепцию деконструктивизма.

164

Нарушая традицию, он демонстрирует отдельные этапы процесса производства одежды. Он
раскрывает техники и секреты. Складки и сборки
служат для создания орнаментальных мотивов, так
же как необработанные края и сметочные стежки.
Воротники и пуговицы, расположенные не в привычных местах, теряют свою функцию и закрепляют преимущество абстракции и асимметрии.
Идеальное платье Ямамото не имеет размера.
Иногда оно слишком маленькое, но чаще слишком
большое и оставляет воображению возможность
угадывать форму тела, которое оно скрывает.
Стиль Йоджи Ямамото «очень простой и загадочный, для которого используются простые и тщательно обработанные материалы, основная задача которого скрывать тело, а не обнажать, который
ставит интеллект выше красоты».

164     $7  —   $4 
    $, 2005 

$

165 >    $ $  &  -  — 2006. ` 4
4+ 4  4  +  ' 
",  4
"+ =!   $    , '    !

ЯМАМОТО СТРЕМИТСЯ К НЕСОВЕРШЕНСТВУ, ЕГО ПРИВЛЕКАЕТ ВСЕ ПОРВАННОЕ,
ВЫЦВЕТШЕЕ, ИСПАЧКАННОЕ…

Он предпочитает «шрамы, неудачи, беспорядок».
Так, «незавершенное» платье отражает эмоциональную уязвимость своей обладательницы.
Асимметрия и несоответствие размера являются
доказательством нашей несовершенности. Если
симметрия не является частью человеческой природы, тем более не относятся к ней ни шпильки,
замененные обувью на плоской подошве, ни ювелирные украшения и любые орнаменты, исключенные из эстетики дизайнера. Творчество Ямамото — гимн тьме.
Черный цвет является доминирующим. Но со
временем коллекции дизайнера обогащают другие оттенки: белый, синий, ярко-красный — насыщенные цвета, контрастирующие с черным.
Ямамото любит форменную одежду: школьную,
военную и даже церковную. Его привлекает ее
функциональность. Униформа, созданная для длительного ношения, становится частью идентичности тех, кто ее носит. Так же как и его творения.
«Мое платье вечно», — часто повторяет он, отрицая мимолетность моды или, по крайней мере, его
моды. «Приобрести новый жакет означает начать
новую жизнь. Это что-то такое, что полностью меняет образ жизни. Я хочу сказать: пожалуйста, не
делайте мою одежду предметом потребления, она

166

будет служить вам вечно. Мода меняется каждые
шесть месяцев, но в моей философии это не так:
вы можете носить одну вещь как минимум десять
или двадцать лет, не беспокоясь о новинках». Идеальное платье, соответственно, никогда не выходит из моды. Как и униформа, оно становится частью идентичности и образа жизни.
Создатель авангардной моды для интеллигентных женщин и мужчин, культурно образованный и разносторонний Ямамото на протяжении многих лет был связан с авторским кино
как художник по костюмам культовых фильмов
Такэси Китано, с театром и танцем — как стилист
хореографа и танцовщицы Пины Бауш, а также
с явлениями массовой культуры — как создатель
сценических костюмов для концертов Элтона
Джона и группы Placebo. Более популярны и доступны для широкой публики творения Ямамото
под брендом Y-3, созданным в 2003 году в коллаборации с Adidas. Йоджи Ямамото трудится
в своем ателье в центре Токио, где работала его
мать, швея и первая наставница дизайнера, а затем и его дочь. Авангардный японский кутюрье
продолжает восхищать публику парижских подиумов женскими и мужскими коллекциями концептуальной моды.

166  47   7  "
    "  ` , 1995 
167 #  ! "
$  &  "-$  — 2008/09

168 169 B 47     : 
&  $ 7  !4,    '  
    & :   
  .   &  -  — 2008
= " $ 

 $ !   &   ,  !
 "$    7 !

170 ] +: 7  $  $  &
 -  — 2011  '  !  ,
  $  7  
171 " $  &
!  =   

 "-$  — 2013/14 —

172 U$ $  7   4
 7  &  -  — 2014 —
)&  4 q,  
 $7 ,  47   )
 

 

173  &   "-$  — 2014/15 ' 
   " L 4 4 "4.    &  '  & 
4= $ q     '
 4 =      
  

174 # "  $ $  &
 -  — 2014, $7
Meaningless Excitement,
 " « 4 
  »,   7  $7
)
     4   ,
 
7 4  
'
175 M  :
  4  ,
:  '"  &
 "-$  — 2013/14

*1!)3#!)





«КЛЮЧЕВЫМ АСПЕКТОМ, ПОБУДИВШИМ МЕНЯ ЗАНЯТЬСЯ
МОДОЙ, БЫЛА СТРАСТЬ, ПОЧТИ ФИЗИЧЕСКАЯ ПОТРЕБНОСТЬ
В НЕПОСРЕДСТВЕННОМ КОНТАКТЕ С ТОЙ МАТЕРИЕЙ,
ИЗ КОТОРОЙ Я СОЗДАЮ СВОИ ТВОРЕНИЯ».

ЕГО НАЗЫВАЛИ «АРХИТЕКТОРОМ МОДЫ» НЕ ТОЛЬКО ПО ПРИЧИНЕ ТОГО, ЧТО ОН
ПОЛУЧИЛ ДИПЛОМ АРХИТЕКТОРА В МИЛАНСКОМ ТЕХНИЧЕСКОМ УНИВЕРСИТЕТЕ В 1969 ГОДУ, НО ПРЕЖДЕ ВСЕГО ПОТОМУ, ЧТО ОН РАЗРАБОТАЛ СТИЛЬ, ОСНОВАННЫЙ НА ЧЕТКИХ ЛИНИЯХ, СТРУКТУРНОМ КРОЕ И БЕЗУПРЕЧНОЙ ПОСАДКЕ.

Джанфранко Ферре родился в 1944 году в Леньяно,
небольшом городке в Ломбардии, в семье мелких
промышленников. Он приходит в мир моды в начале 70-х, когда начинает создавать шарфы и бижутерию для Вальтера Альбини, плащи для компании
Sangiorgio из Генуи и футболки для Fiorucci. В эти
годы во время поездок на поезде из Леньяно в Геную и Милан будущий кутюрье встречает людей,
которые помогут ему запустить свой бренд. Это
Рита Айраги, дальняя родственница Джанфранко
Ферре, которая станет его правой рукой в управлении маркетингом бренда, и Франко Маттиоли,
предприниматель из Болоньи, его деловой партнер
с 1975 по 1999 год. Вместе с Маттиоли в 1978 году
Ферре основывает компанию Gianfranco Ferré S.p.A.
и в том же году представляет свою первую женскую коллекцию.
Это стало началом ослепительной карьеры,
сопровождавшейся успехом во всех направлениях женской моды — от prêt-à-porter до haute
couture, от Милана до Парижа — и мужской моды:
в 1986 году Джанфранко Ферре дебютирует на неделе моды Alta Roma, в 1989 году его приглашают
возглавить Dior, и он остается в качестве креативного директора французского Дома до 1997 года,
а в 1982 году дизайнер представляет свою первую
мужскую коллекцию. Когда в конце каждого показа «Большой ломбардец» — так прозвали Ферре за
его импозантную фигуру — появляется на подиуме, его встречают бурными овациями.

178

Его грандиозная и в то же время безупречная
одежда приводит в восторг. Словно скульптор,
дизайнер моделирует ткани вокруг женского тела,
превращая их в великолепные и удивительные
наряды. Шелк, шифон и даже такие простые материалы, как нейлон и рафия, в его руках становятся
не только прекрасными нарядами, но и неотъемлемой частью своей обладательницы. Тот «аналитический и логический метод, который учит развивать креативность», усвоенный Джанфранко во
время изучения архитектуры, отражается в особом внимании к конструированию одежды и почти
маниакальной заботе о деталях. Но строгость техник Ферре сопровождает мечта.
С самого начала карьеры дизайнер увлечен ностальгией по послевоенной Италии и эпохе «дольче вита», которую он воплощает в своих творениях, добавляя к ним персональный современный
штрих. В поисках баланса между логикой и мечтой
он создает символ Дома: белую рубашку, позаимствованную из мужского гардероба и превращенную в инструмент соблазна. Легкая и струящаяся,
безупречная и строгая, роскошная и облегающая,
приталенная и зауженная, простая или богато
украшенная воланами и вышивкой, белая рубашка
«оттеняет лицо. Она подчеркивает фигуру, становясь второй кожей». И «в гламурном поэтичном
прочтении она воплощает собой свободу и воодушевление, <…> раскрывается тысячей идентичностей».

178 #!  >
$   $
 -  — 1995     + 

'   4 % 
 4=
  
179  " $  & prêt-à-porter
 -  — 2004.  
47, '
 =   47  )  "47  7
 =  4 '    >

180         7 +
Gianfranco Ferré    2003 .
 4 ,
 
 !   & 7,   
  =   7 '" —
  +  " =   "7,
  
  - 
  
181 "  ",  !:
 $7  7 , —   +
$ :       $
 -  — 2004

Баланс, элегантность и сдержанность являются не
только стилистической чертой его творчества, но
и его образом жизни. Джанфранко Ферре не любит
светскую жизнь, держится в стороне от шоу-бизнеса и при любой возможности возвращается в свой
уединенный дом в Леньяно, где он коллекционирует все, чем увлекается: произведения искусства,
сувениры из путешествий, находки с блошиных
рынков, например зажимы для галстуков, ставшие
отличительной чертой его образа, его фирменным
стилем.
Внезапная смерть дизайнера в возрасте 62 лет
от кровоизлияния в мозг в 2007 году потрясает
мир моды. Следующий показ Ferré завершает дефиле белых рубашек, которые проходят красной
нитью через все творчество Джанфранко Ферре.
Этот классический предмет гардероба дизайнер
возвел на вершину изысканности и утонченности, по праву закрепив его место в истории моды

180

и «в современном языке элегантности», превратив в «универсальный термин, который, однако,
каждый интерпретирует по-своему». Дом Ferré
поочередно возглавяют шведский дизайнер Ларс
Нильссон, итальянские дизайнеры Томмазо Акуилано и Роберто Римонди и, наконец, творческий дуэт Федерико Пьяджи и Стефано Читрона.
В феврале 2014 года во время Миланской недели
моды становится известно, что Дом Ferré закроет свои двери. Решение принято дубайской компанией Paris Group, владеющей модным домом
с 2011 года. Преемники не могут повторить успех
Мастера? Дом Ferré, законодатель моды и стиля,
больше не видится достаточно современным?
Одно можно сказать наверняка: это тяжелый удар
для моды Made in Italy и огромная потеря для
культурного наследия Италии. Это часть истории,
и не только моды, память о которой необходимо
сохранить.

182 "   +
>
   $ 4
)     & 7:
    7  

 :   "
  1991 
183 " 1991 , $
 $7    7
 & Christian Dior. >
$ 47   1989
 1997 , 
 
       $"
$    "
   

184      ' 
"
 $47 4+ 7
 
  7  &  -  — 2006
185  =7   !47    '   "   44
 ' + 7 7   7 "4=
4= =.  $
  
$  &  "-$  — 2006/07

«МОЕ ЖЕЛАНИЕ — ДАТЬ ЖЕНЩИНАМ СВОБОДУ ВЫБОРА, ЧТОБЫ ОНИ
МОГЛИ ПРОЯВИТЬ СВОЮ ИНДИВИДУАЛЬНОСТЬ И ПОСТАРАТЬСЯ
РЕАЛИЗОВАТЬ СВОИ МЕЧТЫ. И Я ДУМАЮ, ЧТО ЖЕНЩИНЫ ХОТЯТ
ЧУВСТВОВАТЬ СЕБЯ КРАСИВЫМИ».

*1!))$

 

БЕЗ ДЖАННИ НЕ БЫЛО БЫ НАОМИ, ЛИНДЫ И КЛАУДИИ. ИНЫМИ СЛОВАМИ, БЕЗ
СЕКСУАЛЬНОЙ, ДЕРЗКОЙ, ВЫЗЫВАЮЩЕ ЖЕНСТВЕННОЙ МОДЫ ДЖАННИ ВЕРСАЧЕ, ВОЗМОЖНО, НЕ БЫЛО БЫ И ТОГО НЕПОПОВТОРИМОГО И НЕЗАБЫВАЕМОГО
ЗОЛОТОГО ВЕКА СОВРЕМЕННОЙ МОДЫ, ВОШЕДШЕГО В ИСТОРИЮ КАК ЭПОХА
СУПЕРМОДЕЛЕЙ.

Именно этот калабрийский дизайнер, который родился 2 декабря 1946 года, в конце 80-х — начале
90-х прославил целую плеяду современных богинь
красоты с почти мифологической аурой, известных
просто по имени не только узкому кругу экспертов, но и широкой публике. Их фамилии: Кэмпбелл,
Евангелиста, Шиффер, Тарлингтон, Кроуфорд, Кристенсен, Макферсон, Бруни (хотя, возможно, сегодня она предпочла бы Саркози), Патитц, Сеймур
и Мосс. Это не только прекрасные иконы, недостижимые в своем совершенстве, увековеченные в работах легендарных фотографов, таких как Ричард
Аведон, Хельмут Ньютон, Стивен Майзель и Ирвин
Пенн, чьи рекламные кампании того времени сегодня считаются настоящими произведениями искусства. Это также и думающие, влиятельные женщины,
обладающие сильным характером и индивидуальностью. Более того, они — символ, эмблема яркого
и взрывного периода в современной международной моде, который подарил самой моде ощущение

исполнившейся мечты, дух волшебства, настоящее,
радостное и невинное воплощение роскоши.
И кто знает, хотел ли когда-нибудь молодой
Версаче или представлял ли себе такое будущее,
находясь в мастерской своей матери Франчески,
портнихи с виа Томмазо Гулли, 13, в Реджо-диКалабрии. Возможно, юноше, влюбленному в одежду, хватило бы гораздо меньшего. Ведь от швейной мастерской в Южной Италии до роскошного
дизайнерского ателье — огромный скачок. И этот
скачок может оказаться даже смертельным.
Первый из своих многочисленных скачков
Версаче совершает в возрасте 25 лет. Как и многие его земляки, он опустошает слишком тесные
шкафы родного дома, собирает чемоданы и, преисполненный своей мечтой, переезжает в Милан —
сердце итальянской промышленности, в том числе
и зарождающейся индустрии моды. Здесь он начинает создавать дизайны для компаний, которые
заинтересованы в сотрудничестве с молодыми
талантами, стремящимися к известности. Именно
таким брендам, как Callaghan, Genny и Complice
юный Джанни Версаче продает свою творческую
фантазию и гениальность, возможно, еще не вполне зрелые, но готовые вскоре проявиться во всем
своем ослепительном великолепии.
28 марта 1978 года в Палаццо-делла-Перманенте в Милане дизайнер впервые представляет
собственную коллекцию. Его музой на тот момент
уже была младшая сестра Донателла — неустанно
преданная платиновая блондинка всегда находилась рядом с братом, сначала как его безмолвная
тень, а затем как духовная наследница. Его партнером стал старший брат Санто, президент и генеральный директор компании, полная противоположность непостоянству художника.

188 #!  '

   #    
1994 :    7 + ,
     4   4,
$4 $ 7 "
: 7  "  

188

189 `  "4 L 4
4$4:   & :
!  "
Versace '  , ' ,
'  ':

191 M )  , $    ' ,
 $  7  &  "-$  —
1995/96. «B    » '   " !" $  

190 * $, $47 #!  ' .
€ " !   ! : 
 
  "  =
", $': 
   , —  7,  : $

Индивидуальный стиль дизайнера сразу же заметен на подиуме: несформированный и, возможно,
нераскрытый, но уже полный потенциала. Интенсивность его творческой силы поразительна,
поскольку именно это и будет делать его мода:
потрясать и нарушать стандарты хорошего вкуса
в одежде и представления о правильном мышлении волнующей и экстравагантной эстетикой,
о которой до тех пор «дамы» даже не могли бы подумать, что ее можно принять во внимание.
Творения Джанни Версаче говорят о женщине,
уверенной в себе и раскрепощенной, осознающей свои достоинства и гордящейся своей силой
соблазна, привлекательной, но совершенно не
подчиненной своей хрупкости, сильной благодаря
своей мнимой слабости. Лейтмотив того, что станет неповторимым — несмотря на попытки — стилем дизайнера, уже читается между строк.
История искусства и архитектуры рассматривается Версаче с нарочитой двойственностью и преднамеренным искусным искажением.
Страсть к классической культуре приводит к тому,
что Древняя Греция — любимая настолько, что

190

в качестве символа бренда было выбрано изображение мифологического персонажа Медузы, — беззастенчиво и без особой щепетильности
смешивается с изобилием барокко и с современностью поп-арта в триумфе декоративизма,
возможно, дерзкого, на грани китча, но при этом
не выходящего за рамки. Самые разнообразные материалы используются с удивительной
свободой. Самые кричащие цвета сочетаются
с необычайной смелостью. Классические техники
портновского мастерства, такие как драпировка,
переосмысливаются с неизменной интригой и нарастающей зрелищностью.
На подиумах триумфально появляются металлическая сетка, футуристический трикотаж
с эффектом металлик, который с 1981 года станет
неизменным атрибутом Дома, а также ощущается
влияние панк- и рок-культуры, которое достигнет
своего апогея в дизайне одного из самых культовых платьев прошлого века — черного платья, «скрепленного» десятками золотых максибулавок, которое в 1994 году надела Элизабет
Хёрли для совместного выхода с Хью Грантом.

191

ЕСЛИ ВЕРНО, ЧТО СТИЛЬ ДЖАННИ ВЕРСАЧЕ, В КОТОРОМ ЧУДЕСНЫМ ОБРАЗОМ ГАРМОНИЧНО СОЧЕТАЮТСЯ ЧУВСТВЕННОСТЬ И СЕКСУАЛЬНОСТЬ, НАХОДИТ ОТКЛИК СРЕДИ ЭКСЦЕНТРИЧНЫХ И ЭКСТРАВАГАНТНЫХ ПОП-ЗВЕЗД, ОТ
МАДОННЫ ДО ЭЛТОНА ДЖОНА, ТО ТАКЖЕ ВЕРНО, ЧТО ЕГО МОДА — И В ЭТОМ
ЗАКЛЮЧАЕТСЯ ЕГО СИЛА — НЕ ОСТАЕТСЯ В УЗКИХ РАМКАХ «ШОКА». ВЕРСАЧЕ
СОЧЕТАЕТ СТИЛИ, НО БОЛЬШЕ ВСЕГО ЕМУ, ПОЖАЛУЙ, НРАВИТСЯ ИГРАТЬ С ПРАВИЛАМИ СОЦИАЛЬНЫХ КЛАССОВ И ЖАНРОВ.

Когда леди Диана хочет избавиться от стереотипа
«гадкого утенка» при дворе и превратиться в «прекрасного лебедя» из глянцевых журналов, она
просит Версаче создать для нее наряды. Красочные фантазии Джанни находят свое естественное
воплощение не только на крупнейших концертах
самых популярных звезд музыкальной индустрии,
но и в знаменитых театрах, в том числе в миланском «Ла Скала». Дизайнер создает костюмы для
легендарных балетных спектаклей, поставленных
его другом Морисом Бежаром.
На протяжении своей карьеры Джанни слишком часто сталкивался с обвинениями в вульгарности и расплачивался за это, был вынужден
преодолевать предрассудки, но всегда выходил
победителем. Его карьера закончилась трагически, смешавшись с бездушной и болезненной хладнокровностью криминальной хроники, и в любом

192

случае слишком рано, 15 июля 1997 года в Майами-Бич. Дизайнер был застрелен двумя выстрелами из пистолета, сделанными серийным убийцей
Эндрю Кьюнененом, на ступенях своей роскошной виллы Casa Casuarina. Газеты изобиловали
статьями с реконструкциями, домыслами и предположениями, порой слишком фантастическими.
Донателла, напротив, продемонстрировала свой
характер, смелость и гордость: она взяла на себя
роль креативного директора бренда и возглавила
империю, созданную Джанни. Империю, которая
на некоторое время пошатнулась, но не разрушилась. Как сказал режиссер Франко Дзеффирелли,
«со смертью Версаче Италия и весь мир потеряли дизайнера, который освободил моду от конформизма, подарив ей фантазию и креативность».
А креативность и фантазия никогда не умирают,
если однажды их ощутить.

192 U+47  '47  " =  $ 
   ' 
" ,  +  7
4+ 7

193 * $,  47 1989 , 4  
#!  ' . |     ,
$ 4     XX  ,
L    " ,    ' $ "
       "4

194 # " ",      " * $    
   $  & "4= 4=       
$ 4 " O . ]4  ,  :"
 4= ' 4  $ «
»   ", 
  7 4 XX  
:   4
195 ], 4+     '  7
!    : 4   $ ,
    "   `    $  7  &
 -  — 1992.  "
  " &
  7  4
   &     '47
 " Versace

«Я ИЗЫСКАННАЯ, НО НЕ СНОБ. Я СТРЕМЛЮСЬ К МНОГОГРАННОМУ
ОТНОШЕНИЮ К ЭСТЕТИКЕ. МНЕ НЕ ИНТЕРЕСНО СОЗДАВАТЬ ТОЛЬКО
СЕКСУАЛЬНЫЕ ЖЕНСКИЕ ОБРАЗЫ, ПОТОМУ ЧТО У ЖЕНЩИНЫ НЕТ НИ
ВРЕМЕНИ, НИ ЖЕЛАНИЯ БЫТЬ СЕКСУАЛЬНОЙ СЕМЬ ДНЕЙ В НЕДЕЛЮ. ЕСТЬ
МНОЖЕСТВО НАСТРОЕНИЙ, КОТОРЫЕ НЕОБХОДИМО УЧИТЫВАТЬ».

$455!

" *

ОНА МОГЛА БЫ СПОКОЙНО ТОМИТЬСЯ ОТ СКУКИ ВСЮ ЖИЗНЬ, ИГРАЯ РОЛЬ,
КОТОРУЮ, КАЗАЛОСЬ БЫ, ПРЕДНАЗНАЧИЛА ЕЙ СУДЬБА, — РОЛЬ ТИПИЧНОЙ
ВЫСОКОМЕРНОЙ ДАМЫ ИЗ МИЛАНСКОЙ ВЫСШЕЙ БУРЖУАЗИИ.

Если физиогномика содержит зерно истины, то
Миучча Прада, действительно, немного отражает
такой образ. Но так не случилось. «Я всегда хотела
выделяться, всегда хотела быть первой», — заявляет она. Миучча Прада выбрала для себя роль гуру
современной моды, ориентира, безусловного лидера. Неважно, что она сама старается приуменьшить все это, заявляя: «Я люблю одежду. Возможно, я могу сказать, что не люблю моду, но одежду
я действительно люблю». Это неправда: больше,
чем у какого-либо другого дизайнера, каждое ее
творение имеет оттенок эстетической, социальной и часто даже политической позиции.
Независимо от того, поклоняются ли ей беспрекословно или осмеливаются критиковать, никто не может отрицать ведущую роль, которую эта
элегантная миланская дама играет в современной
моде. Авторитетные журналы Time и Forbes официально подтверждают это, включая ее в рейтинги самых богатых предпринимателей и самых влиятельных персон мира.
Prada действительно является одним из немногих брендов, которые «создают» моду и диктуют тенденции. Подиумные показы могут нравиться
тем, кто их понимает или из уважения делает вид,
что понимает, или же вызывать неодобрение у тех,
кто не готов к такому. Но несомненно, что идеи,
которые Prada сеет, как семена на ветру, в плодородную почву моды, через сезон подхватывают
другие бренды. Однако, когда новинка становится
нормой, Миучча Прада уже смотрит вперед и го-

това вновь нарушить неписаные правила хорошего вкуса.
То, что ее путь не самый легкий и предсказуемый, довольно быстро становится очевидным.
Она родилась в 1949 году в Милане под именем
Мария Прада Бьянки, но в кругу семьи и друзей ее
называли Миучча. В юности она посещает кружки коммунистической партии, получает диплом
по политологии и принимает участие в — если не
яростных, то уж точно бурных — феминистских баталиях, которые в то время меняли социальную
картину Италии. Миучча получает прозвище «аристокоммунистки», поскольку не готова отказаться
от платьев Saint Laurent и Courrèges. В течение
пяти лет она посещает курсы пантомимы в театре
«Пикколо» Джорджо Стрелера, чтобы ей не приходилось говорить. По утверждению дизайнера,
она по сей день так и не избавилась от присущей
ей застенчивости. Эти мелкие и крупные проявления бунтарства, как можно себе представить, ее
идеально интегрированная в структуру миланской
высшей буржуазии семья не могла легко принять.
Семейная компания была основана в 1913 году
Марио Прада. Он открыл магазин в миланской Галерее Виктора Эммануила II, где продавал чемоданы, дорожные сундуки, роскошные принадлежности для путешествий и изысканные аксессуары
из серебра, ро́ га и хрусталя, привезенные со всего
мира и предназначенные для самых шикарных домов Италии, включая королевский, официальным
поставщиком которого он стал в 1919 году.

199  " $
 &  " — 2010 Miu Miu —  7
  , $ : 7  1993  + 7   '     
 "4      4 ! 7   '"

198

В 1978 году Миучча, самая младшая внучка Марио,
была практически вынуждена возглавить семейное предприятие. Ее миссия была ясной и смелой:
преобразовать и обновить компанию, превратить
ее в успешный проект, в поле для экспериментов и авангардных идей. Первый громкий мировой успех Миуччи случается в 1985 году — она
выпускает серию простых, почти безликих сумок
и рюкзаков из черного нейлона, такого же, какой
используют в военных целях. Это полная противоположность не только той роскошной ручной
работы, которой славилась Prada, но и несколько
показной демонстрации логотипа бренда, который принес успех итальянской модной индустрии
в славные 80-е. Черные рюкзаки Миуччи имеют
успех и продаются сотнями тысяч экземпляров,
потому что они прекрасно отражают новую «потребность» самых взыскательных и просвещенных
модниц: функциональность, лаконичность, практичность.
Миучча Прада прокладывает путь, в том числе
и в Италии, к лаконичной, минималистичной моде
без лишних украшений. Путь, по которому она будет
идти последовательно, добиваясь одного успеха за
другим, в том числе благодаря союзу, скрепленному
браком, с тосканским предпринимателем Патрицио
Бертелли. В 1988 году дизайнер дебютирует в сегменте женской одежды, в 1993 году запускает вторую линию Miu Miu, а в 1994 году начинает производство мужской одежды.
Несмотря на смелые и порой неудачные финансовые операции, которые привели компанию
Prada сначала к покупке, а затем к продаже ряда
брендов, таких как Fendi, Helmut Lang и Jil Sander,
несмотря на разнообразие интересов, которые
варьируются от спорта — легендарные победы команды Luna Rossa в регате Кубок «Америки» — до
современного искусства — создание в 1995 году
активно работающего Фонда Прада, — подход
Миуччи Прада к творчеству не изменился ни на
йоту, а, наоборот, стал еще более радикальным.

Дизайнер продолжает создавать исключительно то, что хочет носить сама, являясь музой и иконой для самой себя.
Миучча изобретает новую чувственность, которая не нуждается в глубоких декольте и высоких
разрезах, смело миксует разные элементы, экспериментирует с несовместимыми материалами, не
сдаваясь даже перед барьерами здравого смысла
и хорошего вкуса. Она лелеет эксцентричность,
превозносит очарование несообразности. Дизайнер выхватывает отдельные элементы из современной истории моды и соединяет их между собой,
воплощая в жизнь стилистических «франкенштейнов», которых раньше никто не видел и не мог себе
представить. Она создает то, что ей нравится, но
также беспощадным критическим взглядом пытается заметить, что нравится широкой публике.
Миучча поглощает и перерабатывает аморфную, беспорядочную и неорганичную эстетическую вселенную, которая потребляется современным обществом, и придает ей все более
загадочную, таинственную и аллюзивную интерпретацию. Ее одежда обладает культурной
и социологической ценностью. По крайней мере,
в это хотят верить профильные журналисты, готовые, как опытные семиологи, расшифровывать все
знаки, которые Миучча рассеивает в своих коллекциях, будто пророчества Кумской сивиллы на
пальмовых листьях, доверенные переменчивости
ветра.
Инновации — неотъемлемая часть идентичности Prada, — стремление к экспериментам, расширению горизонтов и развитию приводят Миуччу
Прада к тому, что в начале 2020 года она объявляет важную и поразительную новость: в творческой
работе в качестве второго креативного директора
к ней присоединится Раф Симонс. Два дизайнера,
входящие в список самых значимых и влиятельных,
работают бок о бок, продолжая путь переосмысления, смелых исследований и сильных идей, которые всегда были преимуществами Дома Prada.

201  &   " 
!  Madame Figaro
2013 : : Prada   - $    +

200

202   $  -  — 2013
 ''    :   .
 ' ,  
 7

&  $ - ,   & 7
 7 
203 « "  ,  "
 : », —  "$   
       &= $ 4
International Herald Tribune $ Prada
 -  — 2011 —  '47 $ ,
= 47  
7
" 7

204  " $    "
Prada    & !  Madame
Figaro. "  )   -7
  '"  & ,
$7 "   $7 
)$    &$
   Printemps   $
$  — 2013
205 M -  $   
    & 7    & ,
'"  &  -  — 2013

206 O 7+ Prada  $  -  — 2013  

 )   7  &
$ ,  + 4
  ,  '    
    '     =  & = Prada:
207  =
   
      4= &   4

206

208  2000  $"  ! 7   : 
 7, ) ! —
!   — $  ''  .
 &   -  — 2014, :     ,  
   
 
209 O  $4  4, !:   $    — 2014, — 4 =!  7 «*" » O  ,
 4, O)
   ,   +, "    _4
# ,       $ !     

209

«...КОГДА В ДЕТСТВЕ МЕНЯ СПРАШИВАЛИ, ЧЕМ Я ХОЧУ ЗАНИМАТЬСЯ,
КОГДА ВЫРАСТУ, Я ОТВЕЧАЛ: Я ХОЧУ СТАТЬ ТАКИМ ЖЕ,
КАК МЕСЬЕ ДИОР...»

/!)-"



22 ЯНВАРЯ 2020 ГОДА ЖАН-ПОЛЬ ГОТЬЕ ПРЕДСТАВИЛ СВОЮ ПОСЛЕДНЮЮ КОЛЛЕКЦИЮ. В РАМКАХ ГРАНДИОЗНОГО ПРАЗДНИЧНОГО ШОУ В ПАРИЖСКОМ ТЕАТРЕ ШАТЛЕ ДИЗАЙНЕР ОТМЕТИЛ ПЯТИДЕСЯТИЛЕТНИЙ ЮБИЛЕЙ ТВОРЧЕСКОЙ
ДЕЯТЕЛЬНОСТИ И ОБЪЯВИЛ О СВОЕМ УХОДЕ С ПОДИУМА.
Спустя шесть лет после прощания с prêt-à-porter,
которое состоялось 27 сентября 2014 года на показе коллекции весна-лето — 2015, дизайнер не мог
не продемонстрировать все свое мастерство в последней коллекции haute couture. Показ открыл
черный гроб с выступающими конусами — аллюзия
на легендарное коническое бюстье. На подиуме,
помимо моделей Джиджи и Беллы Хадид, Карли
Клосс, Ирины Шейк и Коко Роша, появились также
подруги и музы дизайнера — Дита фон Тиз, Росси
де Пальма, Фанни Ардан и Аманда Лир.
Представление стало подведением итогов истории Готье как дизайнера, результатом пятидесяти
лет абсолютного развлечения, но также изменения
канонов красоты и разрушения стереотипов.
Присутствие на показах Jean-Paul Gaultier
всегда означало погружение в красочный, экстравагантный, увлекательный и феерический мир,
наполненный танцорами, моряками, принцессами, русалками, пиратами, эффектными бабушками
и даже вереницей двойников Эми Уайнхаус, появившихся на подиуме вскоре после трагической
смерти британской поп-иконы.

L’enfant terrible22 французской моды, как он сам
любил называть себя в молодости, подарил публике настоящие спектакли, а не просто модные
показы. Это были события, полные провокаций
и поразительных находок.
Жан-Поль Готье родился в 1952 году. Он проводит детство в Аркёе, расположенном всего
в двух километрах к югу от Парижа. Жизнь мальчика сосредоточена вокруг его любимой и эксцентричной бабушки, страстно увлеченной одеждой
и обладающей даром хиромантии. Жан-Поль наблюдает, как она шьет экстравагантные платья,
а из остатков ткани создает наряды для своих
плюшевых игрушек. Его очаровывают бабушкины
флаконы с парфюмом и корсеты, которые она хранит в сундуке. Он делает для нее браслеты, вырезая их из старых жестяных банок.
Юный Готье не изучает моду, но точно знает,
чем хочет заниматься, когда вырастет. В 18 лет, после того как он разослал свои эскизы во все крупнейшие парижские дома моды и не получил ответа,
он решил постучаться в дверь Дома Pierre Cardin.
Модельер принимает его и, впечатленный его
эксцентричным образом — платиновый блондин
в килте и тельняшке, которая впоследствии станет
культовой, — решает дать ему шанс. Готье очень талантлив, но у него ветреный характер. Не проходит
и года, как он уже покидает Кардена, чтобы попытать счастья в ателье Эстереля и впоследствии
в Доме Patou. Тем не менее итальянец Карден,
мудрый и великодушный наставник, в 1974 году
вновь принимает своего подопечного, доверив
ему несколько коллекций для американского рынка. Два года спустя Готье готов пойти своим путем.
В 1976 году он открывает собственное ателье.
Его дебютный показ становится предметом обсуждения во всем мире. Глядя на прозрачные балетные пачки в сочетании с рыбацкими свитерами
и килты на мужчинах, международная пресса объявляет о рождении нового дерзкого таланта парижской моды. С этого момента стилистической
особенностью его творчества станут провокация
и зрелищность.

212 _-" O" $ 7    +    
 !  " : $  '   "   
   $     !7  

212

213 O"   
  " 
  Vogue 2006 .
   "+,
«  »  $7 
"47 )   
 ' ,
 : 
     " ,
    + 
$+4
"

Его подиум «демократичен». На протяжении многих
лет он приглашает для участия в показах женщин
различной комплекции, нарушая неписаные правила модной индустрии. Греческая модель с большим
носом, пожилая дама в откровенных нарядах, Бет
Дитто — пышная фронтвумен группы Gossip, пара,
объединенная одним платьем, которое начинается
с нее, оборачивает его и разматывается как повязка, — часть коллекции весна-лето — 1985 с многозначительным названием «Гардероб для двоих».
Среди множества поразительных изобретений
Готье в области моды самым известным считается
корсет со стегаными коническими чашечками. Увековечивает его Мадонна. Сама звезда обращается
к дизайнеру за изготовлением костюмов для мирового турне Blond Ambition 1990 года. Готье создает
для нее атласные корсеты с косточками на талии
и легендарное структурное бюстье, врезавшееся
в коллективное сознание.
В 1988 году появляется линия детской одежды,
а в 1992-м — линия повседневной одежды Gaultier

Jeans. Готье посвящает себя дизайну, созданию костюмов для театра, балета и авторского кино Питера Гринуэя и Педро Альмодовара. Его популярность укрепляет первый парфюм Дома: флакон,
выполненный в форме затянутого в корсет бюста,
заключен в футляр в виде жестяной консервной
банки. «Возможно, то, как я комбинирую узоры
и ткани, может вызывать недоумение, — заявляет
он в интервью 1984 года для журнала Vogue, — но
я пытаюсь по-новому взглянуть на то, как можно
сочетать одежду разными способами. Я считаю,
что это более современный подход к ношению
одежды, которая сама по себе является достаточно классической».
Сегодня Дом Gaultier продолжает свое развитие запуском нового проекта haute couture:
каждая новая коллекция является результатом
коллаборации с приглашенным дизайнером, которому предлагается интерпретировать дизайнерские коды французского модельера на новый
лад.

214  * $, $47 l’enfant terrible
 &$7 4     
4 Blond Ambition 1990 .  $ $
  "   $7  $ $  
&  '  = ,   4 $  4=
   4
4  & 
Christie’s  2012 

214  P$   O" — + 47
     '   '+ ' ,  47
         
 1990 , — +     -" 4,
    $7 
215 `        $ : 
 $  7  &  "$  — 2012.    2.0 ) "
    
   !
     '  =  , $: =
$   

214

216 217 # $ 
 7  &
 "-$  — 2003/04
_-" O" '  
=   & &
4 = '7
  $4. _ : 4
Gaultier   
4  44,  '4
   '4  
  

218  " $  7  &  "-$  — 2012,
=   &$7  " & 7 _ ! ,  
    XIX   +   !,    
!  !.  $4 Gaultier — $+  
  !

219 M  $      «`&4  $ $ »  ': 
     " : $  -  — 2014 — :
+    O" ,    $      .
M )      $  
  7 U
 "7, $7 " ,    '  !

218

220  " $  7  &  -  — 2011.
Anarchy in U.K., London Calling, Vicious, I Am an Anarchist —
 O" $  $4 $  & ,  :: 7
7
4   - !  
   haute couture
221 €:      $  -  — 2014.
"  $ $  4 4 4 $ ! 
    ,
 : 7  ) $
 7  * ?7=

«ОТДЕЛЬНЫЕ ВЕЩИ ИЛИ ЦЕЛЫЕ КОЛЛЕКЦИИ
МОГУТ БЫТЬ РЕЗУЛЬТАТОМ РАБОТЫ
ТОЛЬКО МНОЖЕСТВА УМОВ, СЕРДЕЦ И РУК».

!#&-)

 /

МАРТЕН МАРЖЕЛА, ИЛИ ДИЗАЙНЕР, КОТОРОГО НЕТ.

Достаточно ввести его имя в любой интернет-поисковик. Результаты поразительны. Удивляет почти полное отсутствие снимков, на которых запечатлено его лицо. В эпоху звездных дизайнеров,
когда видимость, порой даже чрезмерная, кажется
самым главным, Маржела отличается особой сдержанностью и скрытностью. Только три фотографии
подтверждают реальное, во плоти и крови, существование одного из немногих дизайнеров последней четверти прошлого века, способного вызвать у огромного числа преданных поклонников
настолько сильное восхищение, что оно переходит
в своего рода благоговейное преклонение.
Первый портрет Маржелы датируется 1983 годом, второй — очевидно, «украденный» — 1997 годом. На третьем, без даты, дизайнер запечатлен
в футболке с изображением Игги Попа, которая
также присутствует в его коллекции 1990 года.
Даже интервью, которые он дал за 20 лет своей карьеры, можно пересчитать по пальцам одной руки.
Публичных появлений в конце показов, чтобы принять аплодисменты, и вовсе нет. На этом все.
Мартен Маржела родился в Бельгии в городе
Генк в 1957 году. Он окончил Королевскую академию изящных искусств в Антверпене в 1979 году,
лишь немногим ранее, чем знаменитая «Антвер-

пенская шестерка»23, к которой его часто ошибочно причисляют. Дизайнер с самого начала своей
карьеры сделал радикальный и парадоксально
революционный выбор: его творения должны
говорить сами за себя. Никакой светской жизни,
никакой публичности любой ценой; его послание — именно его одежда. Концептуальная, сложная, всегда с двойным смыслом. И в то же время
настолько «универсальная», что подходит для
любого типа фигуры, в отличие от многих других
брендов.
Маржела начинает работать вместе с l’enfant
terrible французской моды Жан-Полем Готье
в 1984 году в Париже. Затем в 1988 году он вместе
с бельгийской предпринимательницей Дженни
Мейренс создает свой собственный бренд, который дебютирует с коллекцией весна-лето —
1989. Авангардный и довольно провокационный
подход Маржелы не мог не шокировать модный
истеблишмент. Его творчество подвергло идею
современной элегантности глобальному и радикальному пересмотру, в результате которого само
понятие роскоши — после бурной и в то же время
интеллектуальной критики — обновилось и трансформировалось. Все благодаря тому, что предлагает дизайнер, — и, возможно, еще больше благодаря тому, как он это предлагает.
Прежде всего потому, что Маржела презентует себя не как «индивидуум», а как коллектив.
Речь идет не о Мартене, а о команде Maison Martin
Margiela. Работа в моде, как известно, командная,
но очень немногие готовы это признать и разделить обязательства и почести со своей креативной группой. Маржела же делает это решительно. Настолько, что его бренд — приобретенный
в 2002 году итальянской группой Only the Brave
с Ренцо Россо во главе — с неизменным успехом
и без существенных изменений сумел пережить
внезапный уход дизайнера в 2009 году. Сначала
работа продолжалась силами собственной команды, а с 2014 года креативное руководство Домом
взял на себя дизайнер Джон Гальяно.

224 % 47 &  — "47 &  # —    
   "7 &    &  +  7
$  &
12
225     7$ —  '  "47 )    $
$  &  "-$  — 2008/09 —  '  7

 , $': 7     -     & 7

224

Эстетика Маржелы базируется на глубоком знании традиционных портновских техник, что приведет его даже к креативному руководству самым
роскошным и консервативным из французских
брендов — Hermès — в период с 1997 по 2003 год.
Эти техники анализируются, исследуются, оголяются и перерабатываются на основе совершенно
новых принципов. «Деконструкция» — магическое слово, главный элемент его стиля. Все, что
существовало в эпоху до Маржелы, разбирается
на части и собирается заново в новом, удивительном, неожиданном и порой нелогичном порядке. Наружные швы. Необработанные срезы.
«Неаккуратная» отделка. Открытые, неподшитые
края. Подплечники, пришитые снаружи пиджаков.
Миниатюрные детали значительно увеличены,
а крупные уменьшены до минимума. Амбивалентность между микро и макро становится лейтмотивом. Однако оригинальность никогда не является
самоцелью и не достигается любой ценой. Напротив. Одной из самых гениальных идей Маржелы
является капсульная коллекция Replica, в которой
каждый сезон переиздаются и обретают новую
жизнь предметы одежды и аксессуары, найденные командой дизайнера на винтажных рынках.
Хотя оригинальность и не преследуется намеренно, она остается одной из самых характерных
особенностей творческого пути Маржелы. Настоящей сенсацией стали ботинки Tabi 1990 года,
источником вдохновения для дизайна которых
послужили традиционные японские носки, напоминающие копыта животных. Сандалии Topless
представляют собой только подошву, которая
крепится к ноге с помощью скотча. Ключевыми
вехами насыщенной карьеры дизайнера также являются коллекция Flat — структурные и плоские
предметы одежды, готовые к хранению на полках
без необходимости складывания, — и коллекция
Photoprint 1996 года — «фотокопии» самых разнообразных тканей напечатаны на шелковом крепе,
создавая эффект оптической иллюзии: Маржела
использует изысканный сюрреалистический подход, перенимая уроки бельгийского художника
Рене Магритта. Даже в том, что касается выбора используемых материалов, фантазия Мартена Маржелы не знает границ и барьеров, следуя
его естественной склонности к повторному использованию: сломанные виниловые пластинки,
пластик, джут, расчески, игральные карты — практически что угодно может превратиться в предмет одежды haute couture и войти в коллекцию
Artisanal.
Оригинальны предметы одежды, оригинальна их презентация. Каждый показ Maison Martin
Margiela — это событие, действо с театральными

226

эффектами. Необычные локации, модели с закрытыми лицами, «на колесах», замененные вешалками, или даже люди-сэндвичи, демонстрирующие
на подиуме фотографии моделей из коллекции
вместо самой одежды.
Наконец, оригинальна визуальная идентичность бренда — узнаваемая и полностью отождествляемая с абсолютной нейтральностью белого цвета. Белый интерьер магазинов бренда.
Белая униформа продавцов. Белые пакеты, в которые упаковываются покупки. Полностью белая
этикетка, прикрепленная к одежде с лицевой
стороны четырьмя видимыми белыми стежками,
узнаваемыми поклонниками Дома. Впоследствии
этикетка была заменена на другую, тоже белую,
с нанесенными цифрами от 0 до 23, одна из которых обведена в кружок, означающий принадлежность изделия к определенной коллекции:
женская одежда, мужская одежда, ювелирные
украшения, аксессуары, парфюмерия, предметы
интерьера и т. д. Маржела изобрел своего рода
секретный код, на первый взгляд нейтральный,
но в действительности более сильный, символичный и выразительный, чем броские «логотипы», принесшие удачу самым желанным брендам
80–90-х.
Лауреат бельгийской премии Belgian Fashion
Awards 2018 года, Мартен Маржела сделал заявление, в котором объяснил свое решение отойти
от дел, принятое десять лет назад, таким образом
отозвавшись о полученной престижной награде:
«Это прекрасный оммаж периоду моей усердной работы и преданности делу, которое я начал
в юном возрасте и продолжал более 30 лет, до
2008 года, когда я почувствовал, что больше не
могу справляться с растущим давлением системы
и торговой индустрии. Меня также огорчал переизбыток информации, производимой социальными сетями, которые уничтожили “трепет ожидания”, разрушив эффект неожиданности, столь
важный для меня». В октябре 2021 года Мартен
Маржела представил в Париже свою первую персональную художественную выставку. Дизайнер,
который, несомненно, запомнится как один из
модельеров, оставивших след в истории моды,
возможно, нашел в искусстве более свободное
пространство для выражения своей яркой креативности.

227             !,
$: 7 )    ' 7 $ ,  +  " ,
   
   " « $  &», '4  
   ' " '  "     $7



228 M 4'     $  "-$  —
2009/10. M47 - &  
  "7 7    47  47  + 
229 %     ' 
        ". M $    — 2009 !  &      
 +   =-  =  4= ' . 
  4 "     -
  '   7$

230 231
#  
$  &
 -  —
2011, $7
  
Maison Martin
Margiela 
=  
 . U+
 ! ,
"
 7,
  7,
& "7

* $
((

«ТАЛАНТ ДИЗАЙНЕРА ЗАКЛЮЧАЕТСЯ В УМЕНИИ СОЗДАВАТЬ ОДЕЖДУ,
КОТОРУЮ ЛЮДИ ПОНИМАЮТ».

В МИРЕ МОДЫ НЕ ТАК МНОГО СОЮЗОВ, СОСТОЯЩИХ ИЗ ДВУХ КЛЮЧЕВЫХ ФИГУР.

Если они и есть, то, как правило, состоят из рук и ума,
из творца и стратега, из «безумного гения» и его альтер эго, призванного управлять, обдумывать, размышлять в тени. Иными словами, союз творческого
таланта и финансово-предпринимательского ума.
Однако это не относится к Доменико Дольче
и Стефано Габбана, которые около 40 лет представляют совместные коллекции на подиуме.
С самого начала они разделяют между собой обязанности и почести в модном доме, вероятно являющемся последним великим брендом, который
итальянская мода смогла создать и вывести на
международную люксовую арену.
Их объединяет любовь к Италии — к местному
темпераменту, традициям, даже к самым избитым
и порой банальным стереотипам, все же таким
убедительным в своей притягательности. Искусство, пейзажи, ремесла и даже гастрономия находят отражение в их коллекциях, представляющих
собой барочный и максималистичный триумф чувственной, плотской, естественной и безудержной

234

женственности. Такой, как у звезд итальянского
кино периода экономического бума: Софи Лорен,
Лючии Бозе, Анны Маньяни, Сильваны Мангано, —
которыми, как заявляют дизайнеры, они часто
вдохновляются.
Если Италия эпохи «дольче вита» является неиссякаемым источником вдохновения для обоих,
то солнечная Сицилия с ее порой неистовой, а порой хрупкой и утонченной красотой — излюбленный рай творческого дуэта. Для Доменико Дольче,
который родился в городке Полицци-Дженероза
в 1958 году, это вполне естественно. Для Стефано
Габбаны, родившегося в Милане на четыре года
позже, это скорее сознательный выбор, основанный на глубокой симпатии.
Дизайнеры знакомятся в начале 80-х годов
в Милане, который в то время был центром захватывающего и бурного слияния традиций портновского мастерства и производственной системы
промышленного дизайна, положившего начало
золотому веку Made in Italy.

234 $  $7      = $:
 "     % '' ,  
"7 !  
  

235 M $  -  — 2006 "
 +  4   7, 
4+ + = $  .
 ' &      #
Dolce & Gabbana   4$4:
'  "  .  7 
 & —   4,  :   ,
 '  ! ,  7 
 +  

ДЕБЮТ НА МИЛАНСКОЙ НЕДЕЛЕ МОДЫ ПРОИСХОДИТ В ОКТЯБРЕ

1985 года, когда они демонстрируют свою коллекцию Real Women в примитивных, если не сказать бедных, декорациях, которыми служат, по
слухам, простыни из дома Дольче. Уже в самых
первых коллекциях явно прослеживаются характерные черты, которые будут отличать женщину
Dolce & Gabbana: выраженные изгибы, создающие
изящный силуэт в форме песочных часов, платья-бюстье в бельевом стиле, соблазнительное
черное кружево, но также и маскулинные костюмные ткани в елочку и в тонкую полоску, из-под которых выглядывают кокетливые бюстгальтеры. Из
этих же тканей создаются мужские коллекции для
случаев, когда удобным майкам и кепкам сильный
пол предпочитает более строгую одежду.
Стиль Dolce & Gabbana узнаваем с первого
взгляда и в полной мере соответствует идеалу
женщины одновременно волевой и дерзкой, целомудренной и соблазнительной. Черное «сицилийское платье» с облегающим лифом, бретелями, позаимствованными из мира нижнего белья,
и юбкой, имитирующей подъюбник, становится
культовым предметом одежды Дома, знаковым
элементом и визитной карточкой его стиля. Оно
будет повторяться, оставаясь неизменным и всегда современным, из сезона в сезон.
Мадонна — первая и самая знаменитая из
звезд поп-музыки, заявивших о своей приверженности бренду. Для рекламной кампании она
даже с гордостью позирует перед фотокамерой за
мытьем посуды, как настоящая южная итальянка.
В ее жилах течет итальянская кровь, как и в жилах
Изабеллы Росселлини, музы, олицетворяющей
квинтэссенцию стиля Dolce & Gabbana. В конце
90-х годов статус иконы бренда переходит к Монике Беллуччи, единственной настоящей диве,
которую итальянский кинематограф смог породить за последние десятилетия. Моника также
сыграла главную роль в легендарном рекламном

ролике одного из многочисленных парфюмов
Dolce & Gabbana, снятом оскароносным режиссером Джузеппе Торнаторе.
«Гилберт и Джордж итальянской моды», как,
возможно, не совсем остроумно назвали этот дуэт
дизайнеров, за несколько лет сумели построить
мировую империю. Помимо второй, молодежной
линии с дерзким характером — D&G, объединенной
с основной линией Dolce & Gabbana в 2012 году,
модный дом расширяет свое присутствие на рынке
запуском популярных ароматов и коллекции нижнего белья, благодаря чему легендарный логотип
Dolce & Gabbana выглядывает из джинсов низкой
посадки, которые носят подростки по всему миру.
Популярность бренда продолжает расти. Пожалуй, одна из лучших сцен в фильме «Дьявол носит
Prada» — это ошибка стажерки Андреа. Отвечая на
звонок, адресованный главному редактору престижного модного журнала «Подиум», она наивно
спрашивает: «Вы можете произнести “Габбана” по
буквам?» — и ее собеседник вешает трубку.
В своих женских коллекциях дизайнеры смело
раскрывают один за другим самые распространенные стереотипы о любимом острове, каждый
раз придавая им оттенок гламура, в создании
которого незаменимую роль играет ирония: марионетки, повозки, керамика из Кальтаджироне,
мозаика в Пьяцца-Армерина, марципан, опунция,
баклажаны, Долина храмов в Агридженто. Модели Dolce & Gabbana — зачастую это подростки,
набранные прямо на улице — выходят на подиум
под самые мелодичные итальянские композиции в исполнении Лучано Паваротти и Доменико
Модуньо. Но именно более современные голоса
участников группы Black Eyed Peas увековечивают этот популярный миф в ритме хип-хопа: I drive
these brothers crazy / I do it on the daily / They treat
me really nicely / They buy me all these ices / Dolce
and Gabbana…24

237 M $  -  — 2007  " #!   )
 
    $  " -" , 4:
 &  '     4.  -$ $ 7 $
4=
$    7
 !   

236

238  " $  &  "-$  — 2009/10,
= 7  '  *"$4     .
   )      +  L  
 '   "
239  &   "-$  — 2008/09 $ + 
  & 4       4+4= ,
: = '"  ' 
 
 $7 

240 ]4  4    , $ 4
$ 
  7 O & ,  + "  &
 -  — 2014.      , #  =    ! :
 &   — 7 '  =     $7 
241    "=  +7 $7 4+ 7, 
   ,   " 4=  $  &    — 2014

241

242 %!   
$  &  -  —
2014  
4   
   $ "!  .
#   #"'  
O   4" 
   7  & 
243  &  7   
  $  4  $
  $  -  — 2013.
>"   &  
     4=
 & =

242

244  $ 7 $ 
    ! 
'  =   
$   &  "$  — 2013/14

244

245 | 
' ",
$ '"
  $4  4:
 7  4, '   ! ,
 $ 
:   & =
 $7 ,   7 —   7 4,
   " &4 

«МОЯ РОЛЬ — ОБОЛЬЩАТЬ».

*1)



ЕСЛИ БЫ МЫ МОГЛИ ПОКОПАТЬСЯ В КОРОБКЕ С ВОСПОМИНАНИЯМИ ДЖОНА
ГАЛЬЯНО, ТО НАВЕРНЯКА НАШЛИ БЫ ВЫЦВЕТШУЮ ФОТОГРАФИЮ 1984 ГОДА, НА
КОТОРОЙ ЗАПЕЧАТЛЕНЫ ОБАЯТЕЛЬНЫЕ БУНТАРИ В БОТФОРТАХ И ДЕКОНСТРУИРОВАННЫХ РЕДИНГОТАХ, ПОЗАИМСТВОВАННЫХ У ФРАНЦУЗСКИХ РЕВОЛЮЦИОНЕРОВ.

Его дипломная коллекция Les Incroyables в Центральном колледже искусства и дизайна им. Святого Мартина, вдохновленная образами модников
времен Французской революции, оказалась представленной в витринах престижного лондонского
бутика Browns. В этой же коробке мы бы увидели
юную Кейт Мосс в платье с кринолином. Звание
командора Ордена Британской империи, присвоенное в 2002 году королевой Елизаветой за заслуги
в области моды. Орден Почетного легиона, высшую
награду Французской Республики, полученную от
президента Саркози в 2008 году. Мы бы обнаружили снимок принцессы Дианы на балу Met Gala
в Нью-Йорке в платье-комбинации синего цвета
с черной кружевной отделкой. Всех топ-моделей
прошлого и настоящего, облаченных в яркие платья,
вдохновленные картинами Кокто и Пикассо, Моне
и Больдини, Рафаэля, Тьеполо, Микеланджело и Леонардо. И Шарлиз Терон в лиловом платье-бюстье
на церемонии вручения премии «Оскар».
Однако из этого изобилующего событиями
дневника выпали бы и газетные вырезки — кто знает, сохранил ли их Гальяно, но он их точно не забу-

дет! — глашатаи плохих новостей и предвестники
неприятностей. «Гальяно обвиняется в антисемитизме», «Dior увольняет Гальяно». Так выглядят заголовки ведущих мировых газет в период с марта
по сентябрь 2011 года, когда дизайнер, оказавшийся в центре скандала из-за расистских оскорблений в адрес одной пары в парижском баре, был
оштрафован на 6000 евро и потерял работу.
Отстраненный от должности креативного директора как Дома Dior, так и Дома John Galliano —
оба входят в группу LVMH Бернара Арно, — Гальяно
в конечном итоге вынужден признать вину. Неприятная история, дорого обошедшаяся «пирату
моды», бросила тень на Гальяно как человека, но
не смогла затмить заслуги Гальяно как драматичного и эпатажного дизайнера, обладающего богатым
воображением. Ведь мир Гальяно на подиуме — это
мир, который объединяет, а не разделяет. Это яркий микс культур всего мира, калейдоскоп различных этносов и обычаев. Начиная с самого первого
показа в зале одной из самых престижных школ
моды в мире, Гальяно увлекает зрителя в фантастический и сюрреальный мир.

248 #! O" $ 7
  - # Dior
    "   !
249 M   2001 
 $7   "
  $
 7
 $  =   7

248

Будущий дизайнер родился в Гибралтаре в 1960 году под именем Хуан Гальяно. В шесть лет он переезжает с семьей в Лондон. Переход из красочного
и оживленного мира, расположенного на полуострове в Средиземном море между Испанией
и Марокко, наполненного ароматами специй и благовоний, пестрыми тканями и криками торговцев,
в серый лондонский климат оказывается для него
травматичным. Гальяно никогда не забудет смену
цветовой гаммы, одежды и культуры, и, как он расскажет в интервью для Vogue в 2009 году, «идея
столкновения культур» будет продолжать влиять
на его творческие поиски.
На показах дизайнера, будь то Dior, где он был
креативным директором с 1997 по 2011 год, или его
одноименный бренд, основанный в 1993 году, воспоминания о далеких мирах, воображаемых или
реальных, экзотические мотивы, кинематографические впечатления, путешествия в страну грез
и изысканные сказки воплощаются в зрелищное
дефиле, отличающееся театральностью и потрясающими декорациями.

В Dior он обращается к архивам, возрождая
мечту. Так появляются космополитичные дамы
и мадемуазели, которые кажутся сошедшими
с эскизов Рене Грюо, легендарного иллюстратора
Дома. Источником вдохновения послужили мадам Брикар, известная как Митца, муза Кристиана
Диора, и Мария Лани, запечатленная на портретах кисти Матисса и Шагала. Гальяно отдает дань
уважения любимым художникам Кристиана Диора
и по случаю шестидесятилетия Дома ставит незабываемое театрализованное дефиле Le Bal des
Artistes.
Джон Гальяно, любитель истории и традиций, черпает вдохновение в испанской, японской
и французской культуре. Через игру отсылок и цитат он воплощает в жизнь таких персонажей, как
гейши из оперы Пуччини, императрицы, танцовщицы фламенко, откровенно одетые модницы
начала XX века, современные Жанны д’Арк и элегантные Клеопатры, красочные Марии-Антуанетты и Матери-Природы, усыпанные цветами.
Уже попав в немилость и будучи изгнанным
из мира моды, дизайнер создает свадебное платье для Кейт Мосс по случаю ее бракосочетания
с Джейми Хинсом. Длинное романтичное платье
в стиле 20-х, в котором супермодель шла к алтарю,
стало для него платьем творческого возрождения,
которое вернуло ему желание работать после
длительной депрессии.
В конце 2014 года дизайнер наконец возвращается в мир моды в роли креативного директора Maison Margiela. Именно Мартен дает Джону
ключ к переосмыслению бренда: «Возьми то, что
хочешь, из ДНК Дома, сохрани это и интерпретируй на свое усмотрение». Так, на показах Maison
Margiela происходит диалог между двумя мастерами, кажущимися на первый взгляд такими разными, но объединенными тем, что каждый по-своему
оставил след в истории моды.

250 «  4»
    
      #  .
O" 4   4

  # Dior  1997
 2011 

250

251 >   ! 
 
7   
 ',
    &
 -  — 2005.  
   $ 4=  7,
: 4=  $7 ,
=   ' 
*"$4    

252 `  #!
O"   7
 & Dior  "$  — 2005/06.
 +   
+4=  ,
  '  
$'   $7,
$ ! 7 : 
+"

253 $ John Galliano
 "-$  — 2004/05 —
)  '
  '
+, 4: 
 '   . 8  
  ,  4 O"
'     ' 
=  ,  
      
 !   '  4
 $4    ! 

254 =      $
 -  — 2009, $ O"  Dior,
!   =!   = 
   #  
255 # "   " Dior
 4+ 7 7  ' 
   "   

255

256    &   -  — 2011, $ O"
 Dior, — " !   U  O ,     
  ,  47      #    40-=
50-= =
257 P$4  +     $  7
 & Dior  -  — 2011

+

 *

«...МНЕ ПОВЕЗЛО. У МЕНЯ МАССОВЫЙ ВКУС.
КОГДА Я ГОВОРЮ, ЧТО МНЕ НРАВЯТСЯ ЭТИ ТУФЛИ,
ОНИ ОБЫЧНО НРАВЯТСЯ ТЫСЯЧАМ ЛЮДЕЙ…»

«ХУДОЖНИКИ РОЖДАЮТСЯ С ИНСТИНКТИВНЫМ ЖЕЛАНИЕМ САМОВЫРАЖЕНИЯ».
И живым доказательством того, что художник может родиться действительно где угодно, является
Том Форд. Даже в Техасе, на самом юге Соединенных Штатов. Вдали от исторических центров моды.
Далеко от великолепного Парижа и интеллектуального Милана, а также от непредсказуемого
Нью-Йорка. Далеко от всего.
Томас Карлайл Форд, для всех просто Том, родился в Остине летом 1961 года. В детстве мальчик
вместе со своей семьей переезжает в Санта-Фе,
штат Нью-Мексико. Но когда приходит время
выбирать университет, в частности факультет
архитектуры, Том не сомневается: город, который никогда не спит, похоже, ждет только его.
В Нью-Йорке он знакомится с Энди Уорхолом,
его окружением и легендарными заведениями,
где тот бывает; в первую очередь это ночной клуб
«Студия 54». Именно в этих местах в эти незабываемые, быстро пролетающие годы Форд запечатлевает в своей памяти образы, атмосферу, детали,
которые впоследствии будут служить неиссякае-

мым источником его творчества. Дерзкая и откровенная красота, беззастенчивая в своей роскоши,
почти вызывающая, граничащая с вульгарностью,
господствует в его воображении.
Еще будучи студентом Новой школы дизайна
Парсонса, Форд проводит более года в Париже,
где проходит стажировку в пресс-службе Дома
Chloé.
В этот момент он понимает, что мода станет его
призванием. По возвращении в США в 1986 году
Форд устраивается на работу в креативный отдел
дизайнера Кэти Хардвик, а спустя всего лишь два
года переходит в бренд Perry Ellis, где креативным
директором является еще малоизвестный Марк
Джейкобс. Как раз в тот момент, когда Джейкобс
создает феномен гранжа, определивший впоследствии эпоху 90-х, Форд вступает на радикально
противоположный путь, который принесет ему
удачу.
В 1990 году Gucci приглашает Тома Форда
в свою креативную команду. Флорентийский дом
моды находится далеко не в расцвете, и его слава несколько померкла. Это идеальная почва для
экспериментов, чтобы попробовать все и сразу,
чтобы создать ту самую «формулу Форда», смелую
и дерзкую, которую дизайнер сможет закрепить
как свой уникальный подход. Одна часть чувственности, одна часть провокации, одна часть роскоши: хорошо взболтать и подавать со льдом. Не
обошлось и без разногласий с владельцами бренда. Маурицио Гуччи «хотел, чтобы все было круглым и коричневым, а Том хотел, чтобы все было
квадратным и черным».
Однако факты и выручка доказывают правоту
дизайнера.

260 >    $7 
     '7
 ,   : 7
  4,  $ ,
+4   

260

261  $ =
, $47
 $7  $ ` =
 Gucci

С помощью звездного фотографа Марио Тестино
и амбициозной стилистки Карин Ройтфельд, будущего главного редактора французского Vogue,
Том Форд создает образ женщины, которая совершенно не внушает доверия, а, наоборот, вызывает ощущение опасности. Образ, привлекающий
внимание богатых дам со всего мира не только
благодаря платьям с умопомрачительными декольте, роскошным джинсам, усыпанным стразами и украшенным перьями, нарочито демонстрируемой наготе, но и благодаря прекрасно организованным рекламным кампаниям, цель и главная
задача которых — вызывать интерес любой природы и повысить желанность бренда. Примером
служит скандальная реклама, где молодой парень
стоит на коленях перед девушкой, которая приспускает трусики, демонстрируя выбритую букву
G. Том Форд не только талантливый дизайнер, но
еще и гений коммуникации. Немногие, как он, сумели создать мировой имидж бренда, мечту, возможно немного развратную, — целую вселенную,
которую можно вожделеть издалека или погрузиться в нее с головой.
Форд, фактически, является специалистом по
маркетингу, пришедшим в мир моды. В некотором
смысле он продает как продукт и самого себя: красивый, загорелый, обольстительный, сексуальный —
он становится лицом своей собственной эстетики.
В 2000 году его назначают креативным директором Дома Yves Saint Laurent, только что
приобретенного группой Gucci. Здесь он тоже
не скупится на провокации. В рекламной кампании на запуске мужского аромата M7 предстает
полностью обнаженный мужчина. И неважно, что
сам Ив Сен-Лоран заявляет: «Бедняга делает, что
может», — потому что успех все равно на стороне
техасского дизайнера, который потряс Париж до
самого основания.
В марте 2004 года идиллия Форда и Gucci заканчивается: последний показ дизайнера для это-

го бренда знаменует конец эпохи безудержного
максимализма, уступая место умеренности, которую, похоже, предвещает — возможно, еще кажущийся далеким — кризис.
Форд умеет держаться в стороне от мира моды,
не разглашая своих планов, и его отсутствие вызывает еще больше обсуждений, чем его присутствие. Даже в создании напряженной атмосферы
ожидания своего возвращения он демонстрирует
завидные способности. В 2005 году вместе со
своим деловым партнером Доменико де Соле он
основывает собственный бренд. Но если все ожидали грандиозного дебюта представлением коллекции женской одежды, то дизайнер в очередной раз ошеломляет. Новая «мечта» под брендом
Tom Ford начинается с очков в стиле ретро и серии роскошных ароматов, которые сразу же входят в коллективное сознание. Следующим шагом
становится создание коллекции мужской одежды,
беспрепятственно «вдохновленной» классическими канонами элегантности 50-х.
Только в сентябре 2010 года, после открытия
впечатляющих флагманских магазинов в крупных столицах мировой роскоши — от Лондона
до Нью-Йорка, — дизайнер представляет первую
коллекцию женской одежды под брендом Tom
Ford. Но в эпоху, отмеченную преобладанием
чрезмерной медийности, он по-прежнему идет
против течения, устраивая закрытый показ: вместо моделей звезды, среди которых Джулианна
Мур, Бейонсе и Лорен Хаттон, ограниченное
число аккредитованных журналистов и абсолютная конфиденциальность в отношении фотографий мероприятия и одежды до тех пор, пока
коллекция не появится в магазинах. Так Форду
удается чудесным образом сочетать роскошь
и поп-культуру. «Мне повезло. У меня массовый
вкус. Когда я говорю, что мне нравятся эти туфли,
они обычно нравятся тысячам людей», — говорит
король Мидас из Техаса.

262 `  "   7 $ 4= : =
  ` > , '  !   )  $ $  &
 "-$  — 2003/04.     7$    &  —
 "    " —  4   &    : 7
 7  

263

264 *  4 !  '  $  &
 -  — 2013.   "47 & 47 
4        4=  +  7
265 ` ,    $ 
!  :   '      & 
  —   $   =  4= )  
'   
& 

 $7 . *    !    $
 &  -  — 2014

266 «# » ' "
   '  =  
4 
` >      -+ : $  47
$ ,  + 47 +7 4+ 7
" , —  '  "47 )  
 7  &  "-$  — 2013/14
$ ' "
267 * 
 $47 4+ 7 $  &
 "-$  — 2013/14,
 
 7    4

268 M $  &  -  — 2014  " '
 =!    
   +    "
 4   ,   :
)   "
269 >   + " $  &  -  — 2014:
$ $      '  = $ "4= )   —
   $      , '  : !  "
  ""

!#

*/(

«МЕНЯ БОЛЬШЕ ВСЕГО ПРИВЛЕКАЮТ ТЕ ВЕЩИ,
КОТОРЫЕ ОБЫЧНО НЕ СЧИТАЮТСЯ КРАСИВЫМИ».

ПОЛНОСТЬЮ ОБНАЖЕННЫЙ, ПРИКРЫТЫЙ ТОЛЬКО СУМКОЙ LOUIS VUITTON
SPEEDY ИЛИ ОГРОМНЫМ ФЛАКОНОМ ПАРФЮМА. В ЗЕЛЕНОМ ПЛАТЬЕ ИЗ РАСШИТОЙ ОРГАНЗЫ С ПЫЛЕСОСОМ В РУКАХ — ВИДЕО МОМЕНТАЛЬНО СТАНОВИТСЯ
ВИРУСНЫМ. В ПИЖАМЕ, В КИЛТЕ, В ПРОЗРАЧНОМ КРУЖЕВНОМ НАРЯДЕ И БЕЛЫХ
БОКСЕРАХ НА МЕТ GALA В НЬЮ-ЙОРКЕ.

Мы привыкли видеть его таким. Однако до того,
как стать мускулистым красавчиком, которым он
является сегодня, Марк Джейкобс был невротичным ньюйоркцем, которого мы скорее ожидали бы
увидеть в фильме Вуди Аллена, чем за кулисами
модного показа. Очки, дырявые кеды и неизменная сигарета во рту. В образе ботаника или мачо —
в любом случае провокационный, ироничный и гениальный.
Марк Джейкобс — самый известный и непредсказуемый американский дизайнер, а также самый
молодой кутюрье, удостоенный премии CFDA25,
«Оскара» в мире моды, в категории New Fashion
Talents, — в каждой коллекции создает что-то
новое и неожиданное. Сочетая высокую моду
и уличную культуру, этнические мотивы и мега-

полисную эстетику Нью-Йорка, старое и новое,
моду прошлого и современный Zeitgeist, он каждый сезон представляет гармоничный и хорошо
сбалансированный микс разнородных идей и элементов.
Его показы — самые желанные на Нью-Йоркской неделе моды: провокации, которые ломают
стереотипы, восхищают и ошеломляют мир моды
дважды в год, задавая будущие тенденции.
Марк Джейкобс родился в Нью-Йорке 9 апреля 1963 года. В 1984 году, еще будучи студентом, он
создает коллекцию свитеров оверсайз в горошек,
которая приносит ему множество наград в Новой
школе дизайна Парсонса и попадает на витрины
авангардного бутика Charivari на Манхэттене, диктующего модные тенденции.
Его первые показы покоряют прессу. Но его
имя входит в список самых многообещающих дизайнеров своего времени благодаря показу в ноябре 1992 года. Джейкобс представляет на подиуме
коллекцию бренда спортивной одежды Perry Ellis,
креативным директором которого он является, —
на первый взгляд небрежные образы, состоящие
из многослойных нарядов, фланелевых рубашек
и армейских ботинок, вдохновленные движением гранж. Перенесение на подиум поп-культуры
Nirvana и MTV стоит ему места работы, но вызывает восторг публики и прессы. Уволенный из Perry
Ellis, на тот момент Марк Джейкобс уже завоевал
репутацию провидца, способного предсказывать
будущие модные тенденции.

273 P
'  =   $4= ) =   7
4 L     '  "-7   $7 

       '.   &  "-$  —
2009/10 " !  47  -" '     
    

272

272 M  47 $ Monogram  +   7,
     ,  
: 7 - Louis Vuitton.
#! 7 4   4 
 
 ! #,
 &  $ :   $
+4=   
$ ! ,  1997  2013 

В 1993 году он вместе со своим партнером Робертом Даффи учреждает компанию Marc Jacobs
International. Джейкобс черпает вдохновение из
уличной моды и определяет свои коллекции как
«немного преппи, немного гранж, немного кутюр».
Его одежда настолько современная, что завоевывает внимание девушек с сильной индивидуальностью, которые выражают себя с помощью образов,
сочетающих в себе находки с блошиных рынков
и дизайнерскую одежду. Его ироничные аксессуары, такие как балетки Mouse, стилизованные
под мордочку мышки, из коллекции Marc by Marc
Jacobs — второй линии, созданной в 2000 году, —
являются предметом культа для модниц.
В 1997 году французский холдинг LVHM приглашает нью-йоркского дизайнера, чтобы оживить
старейший Дом группы — Louis Vuitton. Под руководством Марка Джейкобса появляется линия
prêt-à-porter исторического французского бренда. Джейкобс совершает чудо. За десять лет он
увеличивает выручку в четыре раза. Классическая
дорожная сумка Speedy, ставшая эмблемой Louis
Vuitton, и другие легендарные сумки бренда предстают в новой интерпретации Марка Джейкобса.
Узор Monogram воспроизводится на дениме, прозрачном ПВХ, превращается в граффити
в версии художника и модельера Стивена Спрауса
и в акварельную фантазию Ричарда Принса. Ключевые символы Louis Vuitton принимают форму
улыбающихся цветов сакуры, разноцветных глаз,
миниатюрных цветов в стиле кавайи японского
художника Такаси Мураками. И наконец, они дополняются точками разных размеров и плотности
цвета в интерпретации Яёи Кусамы, а затем бесконечно распространяются и украшают не только
сумки, но и одежду, обувь, солнцезащитные очки
и брелки коллекции Dots Infinity.

273

274   #! 7
= 
+4 ) =

4,
 4   

 "  .   &
 "-$  — 2011/12 
 : 
  ) 40-=. ?$
  +   
 $ 4
 7   $
275 M $ Louis
Vuitton  !  $
 :  =!
    
  . # $
 ' )  
'   
  $7   
' "
  7 $  7 7
' 7 !

276  "  
 
 
"  
     7  !
" !  $ Louis Vuitton
 "-$  — 2011/12,  47
=   = +
  +4=   :
$   4=   
$  "4  
277 %  ! "
 7  &
Louis Vuitton  "-$  —
2011/12    
$  7 ! . (  7
  47 , $: 7
$    ,
   $
: "+   "

Связь между модой и искусством,
большим поклонником и коллекционером которого является Джейкобс,
с каждым годом обновляется благодаря эксклюзивным коллаборациям,
в первую очередь с художниками,
но также и с режиссерами. Его подруга и муза София Коппола создала
очень элегантную интерпретацию
сумок Speedy и Keepall. Для Уэса
Андерсона Джейкобс разработал
серию чемоданов и сундуков, а также несколько костюмов для фильма
«Поезд на Дарджилинг. Отчаянные
путешественники» (2007).
Когда в октябре 2013 года, после
16 лет безупречной работы, Марк
Джейкобс покидает парижский
дом моды, Louis Vuitton является
одним из самых желанных и престижных брендов на планете.
Его последний показ весналето — 2014 становится триумфом черного цвета — исключительный оммаж проведенным в Louis Vuitton годам
и всем женщинам, которые его
вдохновляют. Среди них — Катрин Денёв, Леди Гага, Кейт
Мосс, Миучча Прада и Анна Винтур. Марк Джейкобс полностью посвятит себя собственному бренду. И, несомненно, продолжит поражать всех своими коллекциями
и ироничными провокациями.

278 $ Marc Jacobs  -  — 2013
=  ' - 7   
7,
  '"   '   ) =7
60-=    *  !  «>  »21
279 !  47 $  ' 47  + 
$ $   +  "   4
 &  "-$  — 2011/12

279

-%!).#





«ДЛЯ МЕНЯ ТЕПЕРЬ НЕТ ПУТИ НАЗАД.
Я УВЛЕКУ ВАС ЗА СОБОЙ В ТАКИЕ ПУТЕШЕСТВИЯ,
О КОТОРЫХ ВЫ И МЕЧТАТЬ НЕ МОГЛИ».

6 ОКТЯБРЯ 2009 ГОДА В ПАРИЖЕ ПРОШЕЛ САМЫЙ РЕВОЛЮЦИОННЫЙ ПОКАЗ
В ИСТОРИИ МОДЫ: ЗРЕЛИЩНОЕ ДЕФИЛЕ, В КОТОРОМ НА ПОДИУМ ВЫШЛИ
ЖЕНЩИНЫ-МУТАНТЫ ИЗ ПОДВОДНОГО МИРА. СЪЕМКИ ПОКАЗА ВЕЛИСЬ НА
ТЕЛЕКАМЕРЫ, ПЕРЕДАЮЩИЕ ИЗОБРАЖЕНИЕ НА ОГРОМНЫЙ ЭКРАН. ШОУ
ПОД КОМПОЗИЦИЮ BAD ROMANCE ЛЕДИ ГАГИ, ПОСТАВЛЕННОЕ ФОТОГРАФОМ И РЕЖИССЕРОМ НИКОМ НАЙТОМ, ТРАНСЛИРОВАЛОСЬ В ПРЯМОМ ЭФИРЕ
ОНЛАЙН И БЫЛО ДОСТУПНО ДЛЯ ВСЕХ ЖЕЛАЮЩИХ.

«Каждый год байеры и журналисты приходят посмотреть на мои показы, — так прокомментировал
Маккуин свою коллекцию весна-лето — 2010 в интервью для журнала WWD. — Но я хочу создать
что-то принципиально другое, для более широкой
аудитории — для людей в Австралии, Азии и Центральной Америке, у которых нет приглашения на
показ. Меня вдохновляет идея мирового господства! ЭТО НАЧАЛО НОВОЙ ЭРЫ».
В действительности это стало предзнаменованием конца его короткой, но очень насыщенной
карьеры. 11 февраля 2010 года дизайнер ушел из
жизни в возрасте сорока лет.
Между сном и реальностью, высочайшим кутюрным мастерством и фантазией, викторианскими образами и футуристическим стилем киборгов,
романтизмом и эпатажем, светом и тьмой — гений-визионер Маккуин сумел покорить сердца
всех, кто любит моду и искусство. Ведь в некоторых случаях мода по праву может называться
искусством — когда она бросает вызов стереоти-

пам, разрушает традиционные нормы и начинает
служить фантазии. Именно в художественном музее были представлены 19 лет карьеры «хулигана
моды», как прозвали Маккуина за его бунтарский
нрав. 4 мая 2011 года, в день открытия для публики
выставки Alexander McQueen: Savage Beauty, Метрополитен-музей в Нью-Йорке установил рекорд
по посещаемости. Посетители стояли в очереди,
с нетерпением ожидая узнать больше не только
о дизайнере, но и о человеке, который боролся
с депрессией, но в итоге сдался и покончил с собой в возрасте всего 40 лет.
Ли Александр Маккуин родился в 1969 году
в лондонском Ист-Энде. В 16 лет он начинает
свое обучение в ателье Anderson & Sheppard
на Сэвил-Роу, а затем в ателье театральных костюмов Bermans & Nathans. В те годы молодой
Маккуин осваивает самые сложные портновские
техники и знакомится с театром и историческими костюмами, в особенности эпохи шекспировского XVII века.

282  
1999 

      , 47    

283 ' + 7         $   4,  
4      "4=   "4=   7: "
$  &  "-$  — 2009/10,  + 
" ,
   7      >   ` 7

282

ПОСЛЕ ТОГО КАК АЛЕКСАНДР ПРИБЛИЗИЛСЯ К МОДЕ PRÊT-À-PORTER У ЯПОНСКОГО МОДЕЛЬЕРА КОДЗИ ТАЦУНО И ПОРАБОТАЛ В АТЕЛЬЕ РОМЕО ДЖИЛЬИ
В МИЛАНЕ, ОН ВОЗВРАЩАЕТСЯ В ЛОНДОН, ЧТОБЫ ЗАВЕРШИТЬ СВОЕ ОБУЧЕНИЕ
В ПРЕСТИЖНОМ ЦЕНТРАЛЬНОМ КОЛЛЕДЖЕ ИСКУССТВА И ДИЗАЙНА ИМ. СВЯТОГО МАРТИНА.
В 1992 году во время финального учебного показа
его талант замечает известная модная журналистка Изабелла Блоу, которая покупает всю коллекцию за 5000 фунтов стерлингов и с того момента
становится наставницей и музой молодого и многообещающего дизайнера. Эта самая первая коллекция впечатляет и Сьюзи Менкес, авторитетного модного редактора International Herald Tribune:
«Она отличается исключительным творческим
содержанием и мастерством исполнения. Крой
и орнаменты просто великолепны».
Мастерство великого портного, отточенное
на Сэвил-Роу, в сочетании с творческим гением
парня с улицы всегда оставалось характерной
чертой Александра Маккуина, в том числе — когда он был назначен креативным директором
Givenchy, вызвав невероятную сенсацию в мире
моды. В 1997 году дизайнер сменяет на этом посту
своего соотечественника Джона Гальяно и становится, не достигнув еще 30 лет, самым молодым
ведущим кутюрье в истории. Сотрудничество
с французским домом моды продолжается до

2001 года, когда группа Gucci приобретает 51 %
бренда Alexander McQueen. После смерти своего создателя бренд продолжает деятельность под
руководством Сары Бертон, подруги и бывшей
правой руки дизайнера, а в 2023 году ее сменяет
ирландский дизайнер Шон МакГирр.
Александр Маккуин — четырехкратный лауреат премии «Лучший британский дизайнер года»
и лауреат премии CFDA в категории «Международный дизайнер года», удостоенный королевой
Елизаветой II престижного звания командора
Ордена Британской империи за его значительный вклад в развитие британской моды — l’enfant
terrible мира моды был известен не только своими инновационными и экспериментальными коллекциями, но и, прежде всего, невероятными театральными шоу.
Для всех — и прессы, и байеров — показы английского дизайнера были самыми предвкушаемыми в сезоне: 20 минут завораживающего зрелища,
провокационного и эпатажного представления,
которое не могло не вызвать сенсацию.

284 $4   — 4
+ 4    =
4; :   "4 +   "4
$ '   &) . #     "-$  — 2003  $7
 !     )   '   

285 " $  &  "-$  — 2009/10 '    

4    7  4 )  4   New
Look # Dior   Chanel

284

В 1999 году Маккуин нанимает модель Эйми Маллинс с ампутированными ногами и выводит ее на
подиум на искусно вырезанных из дерева протезах. Для показа коллекции весна-лето — 2005 он
ставит шоу-игру в «живые шахматы». В следующем
сезоне он представляет коллекцию осень-зима —
2006 подиумным шоу Widows of Culloden, проецируя голограмму Кейт Мосс на подиум. В 2009 году
помимо стриминговой трансляции своего показа
дизайнер представляет туфли Armadillo, которые
за их 30-сантиметровый каблук возненавидели
модели, но полюбила Леди Гага, выбрав их для
клипа на песню Bad Romance.
Ли Александр Маккуин поражает не только
журналистов, но и всю модную индустрию, казалось бы невосприимчивую к провокациям, — головокружительные каблуки, способные бросить
вызов гравитационной силе, скульптурные пла-

286

тья, ткани, инкрустированные драгоценными камнями, аксессуары из металла, накидки из перьев,
невесомая органза и струящийся шифон. В его
руках модели превращаются в крылатых богинь,
гибридных существ, наполовину киборгов, наполовину мифологических животных, появляются
и исчезают в потайных люках, всплывают из стеклянных кубов, водоемов, кружатся в неистовых
танцах.
Обладая неиссякаемой креативностью, Александр Маккуин также создает «носибельные»
тренды: незабываемые жакеты-кимоно; брюкибамстеры ультранизкой посадки, обнажающие
поясницу с целью подчеркнуть спину как эрогенную зону; мотив черепа, который до сих пор является неизменным атрибутом аксессуаров бренда,
а шарф с черепами сразу же стал обязательным
элементом гардероба модниц всего мира.

286    $  &  "-$  — 2006  
 &         7 
287 6   2009    4 
   ! : -.  
     = Armadillo
 ) " 4 =
30-   4= =,
' + = $ "
    O ,
  4 
=   
  Bad
Romance

УНИКАЛЬНЫЕ, УДИВИТЕЛЬНЫЕ, НЕПОВТО РИМЫЕ. ЕГО ТВОРЕНИЯ ИМЕЮТ СИЛУ ПЕРЕ НОСИТЬ В ЦАРСТВО ФАНТАЗИИ И НЕ ТОЛЬ КО, ОНИ СПОСОБНЫ РАССКАЗАТЬ НАМ ОБ
ЭМОЦИЯХ ИХ СОЗДАТЕЛЯ.

«Мода Маккуина была выходом для его эмоций,
выражением самой глубокой, часто темной стороны его воображения, — утверждает в интервью
британской газете Guardian Эндрю Болтон, куратор выставки-антологии, посвященной дизайнеру,
в Метрополитен-музее. — Он был настоящим романтиком в байроническом смысле этого слова».
Его привлекало скорее возвышенное, чем красота, он сумел подчинить законы эстетики требованиям фантазии, изменив само понятие моды,
и заслуженно вошел в ее историю.
Имя Ли Александра Маккуина уже стало легендарным.

288 " , "  +   4
$  &  "-$  — 2009/10

" ,

' 
$  :4   ,
 4
289 >
9   2009    ! ,  !      
        $7 ,  !  ' 7
  "

*#$%

 

«...Я ИЗВЕСТЕН ЦВЕТОМ, ПРИНТАМИ И ВЫШИВКОЙ,
И, КАК ПРАВИЛО, ЧЕМ БОЛЬШЕ ОНИ КОНТРАСТИРУЮТ,
ТЕМ БОЛЬШЕ МНЕ НРАВЯТСЯ».

ИХ БЫЛО ШЕСТЕРО. ИХ ОБЪЕДИНЯЛО ТО, ЧТО ОНИ ЗАКОНЧИЛИ КОРОЛЕВСКУЮ
АКАДЕМИЮ ИЗЯЩНЫХ ИСКУССТВ АНТВЕРПЕНА В 1980–1981 ГОДАХ И ВЫШЛИ
НА МЕЖДУНАРОДНУЮ МОДНУЮ АРЕНУ ВСЕ ВМЕСТЕ В 1986 ГОДУ В ЛОНДОНЕ.

Новая волна авангардной, экспериментальной,
нестандартной и инновационной моды, которая
сразу же имеет огромный успех. Как будто мир
ждал только их. Всплеск свежести. Инъекция оригинальности.
«Антверпенская шестерка», как их сразу называет пресса — от чего все они, гордые духом индивидуалисты, попытаются избавиться, — на самом
деле стилистически не имеет почти ничего общего. Дрис Ван Нотен, Анн Демельмейстер, Дирк Ван
Саен, Марина Йи, Вальтер Ван Бейрендонк и Дирк
Биккембергс не являются ни группой, ни тем более школой. Скорее это волна, которую соединила
судьба. К настоящему моменту некоторые из них
сошли со сцены. Другие, возможно, выбрали неверный путь. Третьи недавно неожиданно попрощались с модой. Но один из них остался и завоевал
лидирующие позиции в сфере модного бизнеса.
Дрис Ван Нотен родился в Антверпене
в 1958 году. Его семья была связана с одеждой на
протяжении двух поколений. Его дед, портной, во
время Второй мировой войны перешивал и обновлял подержанные пальто и костюмы. Его отец

292

был владельцем двух магазинов мужской одежды,
а мать управляла еще одним. Если не сказать, что
мода вошла в жизнь Дриса неизбежно, то, безусловно, это было вполне вероятно.
Уже с первой коллекции мужской одежды,
которую он создает, его стиль проявляется ясно
и четко и только укрепляется в 1993 году, когда
он начинает заниматься и женской одеждой. Его
вкус к смешению стилей очевиден, удовольствие
от поиска — постоянно. Эклектика является ключевым моментом его творчества.

292 # $7   7      O .
 +    7 =     "   "
 "  — '  "47     ,
 " )$ ' 
293 P  L  =  $   $ $  &  -  —
2012,
 7  $   ! :    -=
     + 7 7 '  "  ) « »

294   +
     ,  7
4 ,      
+7  &  
   !  — =  47
 "  " 7  $7 
 !    &  "-$ 
2013/14

«Я известен цветом, принтами и вышивкой, —
заявляет Ван Нотен в интервью для Vogue
в 2007 году, — и, как правило, чем больше они
контрастируют, тем больше мне нравятся». Ткани,
отделка и цветовая гамма происходят из разных
уголков мира, но предпочтение отдается Ближнему и Дальнему Востоку. В его коллекциях чувствуются оттенки Индии и Китая, утонченные мотивы
Японии и яркие эмоции Бали, но также энергичные ритмы сердца Центральной Африки и пылкие
страсти Персии. Однако вкус Дриса небанален
и не сводится просто к этническому стилю, столь
модному в эпоху 90-х. Скорее его творчество направлено на диалог и взаимодействие различных
идей и впечатлений. Для него характерна экзотика, но ничуть не открыточная.
Если избитый способ «миксовать» — волшебная мантра современной моды — может иметь
смысл для дизайнера, то это, несомненно, Ван
Нотен. Его подход современный, свежий, необычный. Он обращается к древнему и современному
искусству, смешивая в своем воображении различные элементы. Его коллекции одновременно
богемные и спортивные, эксцентричные и по-своему минималистичные, интеллектуальные и чувственные, элитарные и очень продаваемые.
«Может быть, я немного наивен, но мне не
нравится идея показывать на подиуме одежду,
которую потом нельзя продать в магазине». И его
выручка говорит сама за себя. Обучение в иезуитских школах сформировало в нем трудовую этику,
которую можно охарактеризовать так: меньше ви-

димости, больше сути. Ван Нотен не появляется на
вечеринках, не гонится за публичностью, даже не
размещает рекламу. Тем не менее сотни люксовых
магазинов по всему миру продают его коллекции.
А самые утонченные и эксцентричные звезды выбирают его творения для самых престижных мероприятий.
Среди них — культовая актриса Мэгги Джилленхол, верная бренду, Кейт Бланшетт, которая
надевает платье Dries Van Noten на самую фотографируемую красную дорожку церемонии
вручения премии «Оскар» в 2008 году, Джейн
Биркин, которая нарушает все неписаные правила и на Венецианском кинофестивале 2009 года
появляется на красной ковровой дорожке в горчичной юбке до колен и шерстяном свитере оверсайз карамельного цвета. Ван Нотен не гонится за
рынком, не создает пре-коллекции, не выпускает
капсулы, не соглашается на коллаборации. «Лично я считаю, что в мире слишком много моды», —
заявляет он, и уж точно не из любви к провокации.
С самоотречением, граничащим с жесткостью, дизайнер посвящает себя четырем коллекциям в год,
каждая из которых отличается от других и одновременно остается верной идентичности бренда,
что удается только великим дизайнерам. В остальное время Дриса Ван Нотена можно найти в его
доме, утопающем в зелени, в нескольких километрах от Антверпена, вдали от светской жизни. Он
с удовольствием подрезает свои розы или ездит
на своем маленьком тракторе. И похоже, очень
гордится этим.

295

296 * 4

  4
  4 +
 ' 4
   4
)    &
 -  — 2014. 
 +  4, ! 4
! 
297   &
 -  — 2012
$'     !
$4 
47
$    4
 :  7
 4,
&
 4= +4=
   7
 ' - 
   ,   7 —
  & : 7  4
    

298 | 4,  -+
  '     :
 "47 , =  47
  7  &    — 2013. # $7  ' 7
$  !    
 $  $!4= '  7
299  4  $   #" 7
  4 "  $7 
   "7    7
"   = &   $& 7, '
:   ' 
 ' 

ОБ АВТОРЕ

Мария Луиза Тагариелло, выпускница Болонского университета, получила диплом по
специальности «иностранные языки и литература». Будучи представителем итальянского издания журнала Condé Nast Vanity Fair, она исполняла обязанности редактора
и автора статей онлайн-магазина группы компаний Yoox Net-A-Porter. Сегодня она
продолжает работать в качестве модного журналиста и сотрудничает с рядом люксовых брендов.

ИСТОЧНИКИ ФОТОГРАФИЙ

Jack Abuin/ZUMA Press/Corbis: page 110
Frank Albertson/Gamma-Rapho/Getty Images: page 101
Christoper Anderson/Magnum Photos/Contrasto: page 105
David Anthony/Camera Press/Contrasto: page 261
David Anthony/Camera Press/Gamma-Rapho: page 272
AFP/Getty Images: pages 38, 267
Austrian Archives/Corbis: page 32
Fredrich Baker/Condé Nast Archive/Corbis: page 21
Hendrik Ballhausen/dpa/Corbis: pages 113, 126
Pool Bassignac/Rossi/Gamma-Rapho/Getty Images: page 159 left
Matteo Bazzi/Ansa/Corbis: page 202
Alain Benainous/Gamma-Rapho/Getty Images: pages 137 right, 214 left
Alessandra Benedetti/Corbis: page 99
Gysembergh Benoit/Paris Match Archive/Getty Images: page 136
Bert Stern/Condé Nast/Getty Images: page 5
Bettman/Corbis: pages 23, 29, 51
Michael Birt/Contour/Getty Images: page 282
Erwin Blumenfeld/Condé Nast Archive/Corbis: page 43
Alexandra Boulat/VII/Corbis: page 137 left
Martine Brand/Contour Style/Getty Images: page 253 right
Randy Brooke/WireImage/Getty Images: page 286
Herve Bruhat/Gamma-Rapho/Getty Images: page 247
Fraker Bud/Paramount/The Kobal Collection/The Picture Desk: page 66
Frederic Bukajlo/JDD/Gamma-Rapho/Getty Images: page 217
Pool Bukajlo/Alexis Duclos/Gamma-Rapho/Getty Images: page 216
Giuseppe Cacace/AFP/Getty Images: pages 208, 209
Giuseppe Cacace/Getty Images: page 262
Robert Caplin/The New York Times/Contrasto: page 271
Stephane Cardinale/People Avenue/Corbis: pages 93, 95, 97, 107, 108, 109, 127, 138, 157, 158,
251, 283, 285, 289
Walter Carone/Paris Match Archive/Getty Images: page 11
Henri Cartier-Bresson/Contrasto: page 30
Gareth Cattermole/Getty Images: page 159 right
Henry Clarke/Condé Nast Archive/Corbis: pages 13, 19, 33, 34, 35, 53, 90
Clifford Coffin/Condé Nast Archive/Corbis: pages 37, 45
Condé Nast Archive/Corbis: pages 15 left, 152
Ian Cook/Time & Life Pictures/Getty Images: page 212
Loomis Dean/Time & Life Pictures/Getty Images: pages 44, 47
Jean-Noel De Soye/Gamma-Rapho/Getty Images: page 178
Alessandro Di Meo/epa/Corbis: page 96
Robert Doisneau/Getty Images: page 65
Julio Donoso/Sygma/Corbis: pages 75, 94, 183
Chris Eden/Figarophoto/Contour/Getty Images: page 204
Karoly Effenberger/Hollandse Hoogte/Contrasto: page 291

300

Pat English/Time & Life Pictures/Getty Images: pages 40, 41
Fairchild Photo Service/Condé Nast Archive/Corbis: pages 123, 125, 139, 146, 161, 172, 199,
207, 230, 231, 238, 278, 288, 293
Nat Farbman/The Life Premium Collection/Getty Images: page 73
Nat Farbman/Time & Life Pictures/Getty Images: page 71
Fondazione Roberto Capucci: pages 77, 81, 82, 83, 84, 85
Fondazione Gianfranco Ferré: page 180
Martine Franck/Magnum Photos/Contrasto: page 129
Pages Francois/Paris Match Archive/Getty Images: pages 56, 130
Gab548/Gamma-Rapho/Getty Images: page 106
Stephane Gallois/Contour/Getty Images: page 213
Gamma-Rapho/Keystone/Getty Images: page 58
Garofalo Jack/Paris Match Archive/Getty Images: page 57
General/Photoshot/Olycom: page 18
Romano Gentile/Contrasto: page 89
Gruber/Photoshot/Olycom: page 148
Bertrand Guay/AFP/Getty Images: page 124
Nicolas Guerin/Contour/Getty Images: page 163
Francois Guillot/AFP/Getty Images: pages 92, 168, 169, 225, 252 left, 253, 254, 255, 257, 287
Guido Harari/Contrasto: pages 87, 143, 196
Patrick Hertzog/AFP/Getty Images: pages 179, 181
Marc Hispard/Condé Nast Archive/Corbis: page 61
Guillaume Horcajuelo/epa/Corbis: page 173
Horst P. Horst/Condé Nast Archive/Corbis: pages 25, 36
Frédéric Huijbregts/Corbis: page 55
Hulton Archive/Moviepix/Getty Images: page 68
Interfoto: page 134
Deutsch Jean-Claude/Paris Match/Getty Images: page 133
Sauer Jean-Claude/Paris Match Archive/Getty Images: page 140
Kammerman/Gamma-Rapho/Getty Images: page 46
Douglas Kirkland/Corbis: page 69
Patrick Kovarik/AFP/Getty Images: pages 111, 112, 175
Josep Lago/AFP/Getty Images: page 62
Lancaster/Hulton-Deutsch Collection/Corbis: page 132
Pascal Le Segretain/Getty Images: page 218
Nina Leen/Time & Life Pictures/Getty Images: page 22
David Lees/Time & Life Pictures/Getty Images: pages 50, 52, 116
Elizabeth Lippman/The New York Тimes/Contrasto: page 145
Daniels Marleen/Hollandse Hoogte/Contrasto: page 292
Jarnoux Maurice/Paris Match Archive/Getty Images: page 67
MCT/McClatchy-Tribune/Getty Images: page 15 right
Miller/Interfoto: page 79
John Minihan/Hulton Archive/Getty Images: page 59
Mondadori Portfolio/Getty Images: page 177
Filippo Monteforte/AFP/Getty Images: pages 185, 205
David Montgomery/Hulton Archive/Getty Images: page 153
Chris Moore/Catwalking/Getty Images: pages 167, 239, 273
Paul Morigi/WireImage/Getty Images: page 147
Mudrats Alexandra/Photoshot/Olycom: page 63
Jean-Pierre Muller/AFP/Getty Images: page 284
Terry O’Neill/Getty Images: page 151
Denis O’Regan/Hulton Archive/Getty Images: page 154
Anton Oparin/Shutterstock: page 6
Thierry Orban/Sygma/Corbis: page 104
Tony Palmieri/Condé Nast Archive/Corbis: page 88

301

Gordon Parks/Time & Life Pictures/Getty Images: page 31
Federico Patellani/Studio Patellani/Corbis: page 78
Slade Paul/Paris Match Archive/Getty Images: pages 102, 103
Paolo Pellegrin/Contrasto: page 115
Jean-Marie Périer/Photo12: pages 166, 223, 233, 234, 250, 259
Courtesy of the Philadelphia Museum of Art: page 26
Philadelphia Museum of Art/Corbis: page 27
Photoshot/Olycom: page 215
Picture Alliance/Photoshot/Olycom: page 256
Karl Prouse/Catwalking/Getty Images: pages 120, 121, 149, 224, 227, 228, 229
Steve Pyke/Contour/Getty Images: page 281
Steve Pyke/Premium Archive/Getty Images: page 211
John Rawlings/Condé Nast Archive/Corbis: page 70
Bill Ray/Time & Life Pictures/Getty Images: page 60
Retna/Photoshot/Olycom: pages 122–123, 156 right, 156 left, 219, 221, 237, 240, 241, 244,
245, 264, 266, 294, 296, 297
Willy Rizzo/Paris Match Archive/Getty Images: page 72
Alexis Rodriguez-Duarte/Corbis: page 187
Canio Romaniello/Olycom: pages 190, 193
Xavier Rossi/Gamma-Rapho/Getty Images: page 164
Rue des Archives/Archivi Farabola: page 214 right
Roger Schall/Condé Nast Archive/Corbis: page 12
Ferdinando Scianna/Contrasto: pages 189, 192
Ferdinando Scianna/Magnum Photos/Contrasto: pages 49, 134–135
Christophe Simon/AFP/Getty Images: page 203
Daniel Simon/Gamma-Rapho/Getty Images: pages 74, 91, 155
Pool Simon/Stevens/Gamma-Rapho: page 141
Snowdon/Camera Press/Contrasto: page 260
Kristy Sparow/Getty Images: page 171
Bert Stern/Condé Nast Archive/Corbis: page 5
Richard Stonehouse/Camera Press/Contrasto: page 194
Toni Thorimbert/Sygma/Corbis: page 188
UPPA/Photoshot/Olycom: page 17
Laurent Van der Stockt/Gamma-Rapho/Getty Images: pages 165, 248, 249
Pierre Vauthey/Sygma/Corbis: page 182
Venturelli/WireImage/Getty Images: page 98
Pierre Verdy/AFP/Getty Images: page 119
Laszlo Veres/Photo B.D.V./Corbis: pages 191, 195
Rinaldo Veronelli/Splash News/Corbis: page 242
Victor Virgile/Gamma-Rapho: pages 274, 298, 299
Victor Virgile/Gamma-Rapho/Getty Images: pages 170, 174, 184, 206, 235, 243, 265, 269, 279
Sabine Weiss/Gamma-Rapho/Getty Images: page 131
Xinhua/Eyevine/Contrasto: pages 275, 277
Xinhua/Gamma-Rapho: pages 160, 276
Xinhua/Photoshot/Olycom: page 268
Naomi Yang/Figarophoto/Contour Style/Getty Images: page 201
Vittorio Zunino Celotto/Getty Images: page 117

ПРИМЕЧАНИЯ

1
«Новый облик» (пер. с англ.) — элегантный, женственный, романтичный стиль одежды,
предложенный Кристианом Диором в 1947 году. — Здесь и далее, если не указано иное,
прим. пер.
2
Слово greige образовано путем слияния английских слов grey (серый) и beige (бежевый); оттенок изобретен Джорджо Армани.
3
«Дух времени» (нем.).
4
Пауперизм — процесс обнищания рабочих слоев общества, вызванный социальным
неравенством; в данном контексте — творческое переосмысление одежды бедняков,
поиск эстетики в убожестве. — Прим. науч. ред.
5
«Кто видел Коко на Трокадеро?» и «Ку-ка-ре-ку» (фр.).
6
Речь о знаменитой фразе Мэрилин Монро: «Единственное, что я надеваю на ночь,
это капелька Chanel № 5».
7
Книга переведена на русский язык: «Моя шокирующая жизнь», издательство «Этерна», 2012 год.
8
Прозвище Эльзы Скиапарелли, данное ей друзьями и используемое ею в названии
своего модного Дома.
9
«Осторожно, окрашено!» (фр.).
10
Маха — в Испании XVIII–XIX веков образ городской щеголихи из простонародья,
известной яркими нарядами и дерзким нравом.
11
«Номер один» (фр.).
12
Барбарелла — героиня одноименных комиксов и фильма 1968 года, девушка, путешествующая в космосе. Ее приключения зачастую носят эротический характер, благодаря чему Барбарелла была очень популярна в 1960-х, олицетворяя как тягу к футуризму, так и сексуальную революцию. — Прим. науч. ред.
13
Мэри Куант — британский дизайнер, одна из создательниц мини-юбок, представила
коллекцию мини-юбок в 1962 году.
14
Итальянский предприниматель, популяризатор итальянского дизайна одежды во
второй половине XX века.
15
Арте повера (от ит. Arte Povera, «бедное искусство») — художественное движение, приверженцы которого отражали в своих работах кризис классической культуры через нестандартные материалы (например, промышленные и бытовые отходы)
и стремление к перформансу. — Прим. науч. ред.
16
На момент перевода книги на русский язык креативным директором Дома Valentino
является (с 2024 года) Алессандро Микеле, ранее длительное время творивший для
Дома Gucci. — Прим. науч. ред.
17
Гштад — горнолыжный курорт в кантоне Берн, Швейцария. — Прим. науч. ред.
18
После смерти Армани в сентябре 2025 года Дом возглавил Джузеппе Марсоччи. В состав совета директоров также вошли племянники легендарного модельера,
Сильвана Армани и Андреа Камерана. — Прим. ред.
19
«Моя самая прекрасная история любви — это вы» (фр.). — Прим. науч. ред.
20
От англ. White Anglo-Saxon Protestants, сокр. WASPs, васпы — популярное идеологическое клише в середине XX века; термин, обозначавший привилегированное
происхождение.
21
L’enfant terrible (фр.) — несносный ребенок, озорник; буквальное выражение со временем превратилось во фразеологизм, обозначающий уже взрослого человека, чьи
капризы и эксцентричное поведение смущают окружающих и даже доставляют им
проблемы. — Прим. пер. и науч. ред.
22
К «Антверпенской шестерке» относятся Дрис Ван Нотен, Анн Демельмейстер,
Вальтер Ван Бейрендонк, Дирк Биккембергс, Дирк Ван Саен и Марина Йи. — Прим.
науч. ред.
23
Слова из песни My Humps группы Black Eyed Peas.
24
Council of Fashion Designers of America, CFDA (англ.) — Совет модельеров Америки.
25
«Фабрика» — арт-студия Энди Уорхола в Нью-Йорке, ставшая излюбленным прибежищем нью-йоркской богемы.

Издание для досуга
Бос уақытқа арналған басылым

МАРИЯ ЛУИЗА ТАГАРИЕЛЛО

Редактор Е. Гудилова
Научный редактор Ю. Дейниченко
Художественный редактор Н. Данильченко
Технический редактор М. Караматозян
Корректор А. Сухарева
Верстка В. Дёмин

В оформлении обложки использована иллюстрация:
© Bert Stern/Condé Nast/Getty Images
Подписано в печать / Баспаға қол қойылды 10.04.2026.
Формат 84×108 1/16. Бумага мелованная. Гарнитура «TTNorms», «Kudryashev».
Печать офсетная. Усл. печ. л. 31,92.
Тираж 2000 экз. G-LUX-36675-01-R. Заказ №
.
Изготовитель:
ООО «Издательство АЗБУКА» –
обладатель товарного знака КоЛибри
115093, Москва, вн. тер. г.
муниципальный округ Даниловский,
пер. Партийный, д. 1, к. 25
Тел. (495) 933-76-01, факс (495) 933-76-19
E-mail: sales@atticus-group.ru
Филиал ООО
«Издательство АЗБУКА»
195112, Санкт-Петербург,
Малоохтинский пр-т, д. 68,
БЦ «Регул», 2-й этаж
Тел. (812) 327-04-55
E-mail: trade@azbooka.spb.ru
www.azbooka.ru; www.atticus-group.ru
Отпечатано в России.

Өндіруші:
«АЗБУКА Баспасы» ЖШҚ –
КоЛибри тауар белгісінің иесі
115093, Мәскеу, қ. іш. аум.
Даниловский муниципалдық округі,
Партийный т.ш., 1-үй, к. 25
Тел. (495) 933-76-01, факс (495) 933-76-19
Эл. поштасы: sales@atticus-group.ru
Санкт-Петербор қаласындағы
«АЗБУКА Баспасы» ЖШҚ филиалы
195112, Санкт-Петербор,
Мало-Охтинский даңғылы, 68 ғимарат,
Регул бизнес орталығы, 2-қабат
Тел. (812) 327-04-55
Эл. поштасы: trade@azbooka.spb.ru
www.azbooka.ru; www.atticus-group.ru
Ресейде басып шығарылған.

Сведения о подтверждении соответствия издания согласно законодательству РФ
о техническом регулировании можно получить по адресу:
https://certification.atticus-group.ru/.
Техникалық реттеу туралы РФ заңнамасына сай басылымның сәйкестігін
растау туралы мәліметтерді мына адрес бойынша алуға болады:
https://certification.atticus-group.ru/.
Знак информационной продукции (Федеральный закон № 436-ФЗ от 29.12.2010 г.)
Ақпараттық өнім белгісі (29.12.2010 ж. № 436-ФЗ федералдық заң)

Coco CHANEL / Elsa SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian
VALENTINO / Karl LAGERFELD / Giorgio ARMANI / Yves SAINT LAUR
FERRÉ / Gianni VERSACE / Miuccia PRADA / Jean Paul GAULTIER / M
JACOBS / Alexander McQUEEN / Dries VAN NOTEN / Coco CHANEL /
Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI / VALENTIN
Vivienne WESTWOOD / Yohji YAMAMOTO / Gianfranco FERRÉ / Gianni
GABBANA / John GALLIANO / Tom FORD / Marc JACOBS / Alexander M
BALENCIAGA / Christian DIOR / Emilio PUCCI /Pierre CARDIN / Hub
CHANEL / Elsa SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian D
VALENTINO / Karl LAGERFELD / Giorgio ARMANI / Yves SAINT
Gianfranco FERRÉ / Gianni VERSACE / Miuccia PRADA / Jean Paul
Tom FORD / Marc JACOBS / Alexander McQUEEN / Dries VAN NO
WESTWOOD / Yohji YAMAMOTO / Gianfranco FERRÉ / Gianni
DOLCE &GABBANA / John GALLIANO / Tom FORD / Marc JACOBS
Alexander McQUEEN / Dries VAN NOTEN / Coco CHANEL / Elsa
SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian DIOR / Emilio
PUCCI /Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI
VALENTINO / Karl LAGERFELD /Giorgio ARMANI / Yves SAINT
LAURENT/RalphLAUREN/VivienneWESTWOOD/YohjiYAMAMOTO
Gianfranco FERRÉ / Gianni VERSACE / Miuccia PRADA / Jean Paul
GAULTIER /MartinMARGIELA/DOLCE&GABBANA/JohnGALLIANO
Tom FORD / Marc JACOBS / Alexander McQUEEN / Dries VAN NOTEN
Coco CHANEL / Elsa SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian
DIOR / Emilio PUCCI / Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY / Roberto CA
Ralph LAUREN / Vivienne WESTWOOD / Yohji YAMAMOTO / Gianfra
MARGIELA / DOLCE & GABBANA / John GALLIANO / Tom FORD / M
SCHIAPARELLI / Cristóbal BALENCIAGA / Christian DIOR / Emilio PU
Karl LAGERFELD / Giorgio ARMANI / Yves SAINT LAURENT / Ralph LA
VERSACE / Miuccia PRADA / Jean Paul GAULTIER / Martin MARGIELA /
McQUEEN / Dries VAN NOTEN / Coco CHANEL / Elsa SCHIAPAREL
Hubert de GIVENCHY / Roberto CAPUCCI / VALENTINO / Karl LAGERFE
Robe
Emilio PUCCI / Pierre CARDIN / Hubert de GIVENCHY
Yohj
LAURENT / Ralph LAUREN / Vivienne WESTWOOD
GAB
Paul GAULTIER / Martin MARGIELA / DOLCE &

«Повелители моды» — это уникальная коллекция
историй величайших кутюрье, творчество которых стало
неотъемлемой частью культурного наследия человечества.
Эта книга приглашает вас отправиться в незабываемое
путешествие по страницам мира высокой моды
и prêt-à-porter.
Она пронизывает самое сердце индустрии:
от неподражаемого стиля Коко Шанель,
аристократического новаторства Эльзы Скиапарелли
и легендарного видения Кристобаля Баленсиаги
до ослепительного гламура Тома Форда, панковской
эстетики Вивьен Вествуд и революционного
творчества Александра Маккуина.
Автор приоткрывает завесу тайн знаменитых дефиле
и интригует занимательными эпизодами из модной светской
жизни, дополняя книгу редкими архивными кадрами
и волнующими воспоминаниями великих мастеров.
Эта книга о людях, харизма и талант которых
сделали моду искусством, определяющим облик
эпохи и поколений.