Антиквариат. Самая полная история антиквариата - Маллалью Х.

Антиквариат. Самая полная история антиквариата. Белый город. 2001 г. 640 стр. ISBN 5-7793-0327-4. Серия: Энциклопедия мирового искусства

Возрождение стилей в эпоху Викторианства

Германия, Авария и страны Восточной Европы

Великобритания и страны Европы, 1860—1920

Резная деревянная скульптура стран Европы

8. ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ

Искусство и художественные ремесла в период модерна

Игрушечные медведи и другая мягкая игрушка

Резные деревянные и механические игрушки

Автор: Маллалью Х.

Теги: история искусства ювелирное искусство переводная литература предметы искусства издательство белый город антиквариат история антиквариата

Год: 2005

Похожие

Фаберже: придворный ювелир

Галерея аферистов. История искусства и тех, кто его продает

Французская живопись первой половины и середины 19 века в Эрмитаже. Научный каталог

Ювелирные украшения. Справочник коллекционера

Текст

ОВРЫ
КАНИ
остюмы
СКУССТВА
ОСУДА
ЕРЕБРО
ЗЛОТО
ОСПЕХИ
ЕРАМИКА
ГЕКЛО
ОНЕТЫ
РУЖИЕ
ГРУШКИ
НЖИ
\РТЫ
амая полная история антиквариата

«БЕЛЫЙ
ГОРОД»
АНТИКВАРИАТ
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ
МИРОВОГО ИСКУССТВА
ГЕНЕРАЛЬНЫЙ РЕДАКТОР - ХУОН МАЛЛАЛЬЮ

ОГЛАВЛЕНИЕ
ВВЕДЕНИЕ
стр. 10
1
МЕБЕЛЬ
стр. 16
Ранняя европейская ме6ель 26
17 век, Англия 54
18 век, Англия 44
Регентство 5 6
Возрождение стилей в эпоху Викторианства 68
Франция 72
Италия 86
Испания и Португалия 92
Германия, Авария
и страны Восточной Европы 94
Россия 102
СКАНДИНАВСКИЕ СТРАНЫ 104
ГОЛЛАНДИЯ 106
Великобритания и страны Европы,
1860—1920 110
Америка 126
Восточная ме6ель 1 78
КОВРЫ
И КОВРИКИ
стр. 144
Восточные ковры 148
Европейские ковры 160
3
ТКАНИ
И
ОДЕЖДА
стр. 166
Вышивка 170
Гобелены 176
Лоскутные и стеганые
изделия 179
Изделия из обычного
и набивного ситца 182
Кружева 187
Одежда 191
Кашемировые и шотландские шали 196
4
ЧАСЫ
стр.200
Немецкое
Возрождение 206
Голландские
часы 207
Английские
часы 208
Французские
часы 213
Американские
часы 215
Карманные часы 218

5
ПРЕДМЕТЫ
ИСКУССТВА
ар. 222
Резная деревянная скульптура стран
Востока 226
Резная деревянная скульптура стран Европы 228
Изделия из слоновой кости стран Востока 272
Изделия из слоновой кости стран Европы 276
Бронзовая скульптура стран Востока 278
Бронзовая скульптура стран Европы 240
Изделия из китайского жадеита 246
Лакированные изделия стран Востока 248
Эмали 250
Черепаховые изделия 252
Изделия из папье-маше 254
Предметы домашнего быта 256
Бытовые металлические изделия 266
\
КОНТРОЛЬНО-ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ
ИНСТРУМЕНТЫ
стр. 270
Навигационные
приборы 274
Глобусы 278
барометры
и метеорологические приборы 284
Солнечные часы 290
Оптические приборы 292
Медицинские инструменты 297
Геодезические приборы 299
"Философские"
инструменты 302
Весы и измерительные машины 306
7
МУЗЫКАЛЬНЫЕ
ИНСТРУМЕНТЫ
стр. 310
Струнные инструменты 316
Деревянные духовые инструменты 322
Медные духовые инструменты 327
Клавишные инструменты 370
Ударные инструменты 374
8
ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА
И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
стр. 556
Ювелирные изделия 342
Британское серебро 354
Европейское серебро 364
AMЕрИКАНСКОЕ серебро 376
ИСКУССТВО И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЕСЛА
в период модерна 382
9
КЕРАМИКА
стр. 388
Керамика древнего мира 392
Китайская керамика 394
Японская керамика 407
Керамика стран
исламского мира 418
Европейские гончарные изделия 422
Европейский фарфор 427
Британская керамика
до 1820 года 440

Европейская керамика
1820—1920 гг. 451
Американская керамика 459
Подделки, Фальшивки и копии 464
10
СТЕКЛО
стр. 466
Происхождение стекла 470
Стекло в классическом мире 471
Стекло в эпоху Возрождения
и барокко 474
18-й век 486
Великая эпоха граненого стекла 492
19-й век 494
пи
МОНЕТЫ
И МЕДАЛИ
стр. 504
Древние монеты 508
Римские и византийские монеты 512
Средневековье и Возрождение 517
Современные монеты 519
Восточные монеты 521
Медали 524
12
ОРУЖИЕ
И ДОСПЕХИ
стр. 528
Доспехи 552
Холодное оружие 557
Огнестрельное оружие 543
Амуниция 549
13
ИГРУШКИ
стр. 554
Куклы 558
Кукольные домики 565
Игрушечные МЕДВЕДИ И ДРУГАЯ МЯГКАЯ
игрушка 566
Деревянные игрушки на колесиках 570
Игры, головоломки и книжные новинки 572
Солдатики 574
Жестяные игрушки 580
Отлитые металлические игрушки 585
Игрушечные поезда 586
14
книга, рукописи
И КАРТЫ
стр. 588
Книги и рукописи 592
Древние карты 610
СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
стр. 622
УКАЗАТЕЛЬ
стр. 631

ОБ АВТОРАХ ЭТОЙ КНИГИ
ОБ АВТОРАХ ЭТОЙ КНИГИ
ГЕНЕРАЛЬНЫЙ РЕДАКТОР
Хуон Маллалью является уважаемым
специалистом в области антиквариата. Он публиковал
статьи во многих популярных и
специализированных изданиях, в том числе таких, как "Газета по
торговле антиквариатом", "Дом и сад", "Знаток".
Он был генеральным редактором и
координатором "Популярного ежегодника по антиквариату"
и вел колонку продажи комнат в "Сельской
жизни". Господин Маллалью является также
составителем каталога акварелей в галерее Кристи в
Лондоне.
СОАВТОРЫ
Доктор Чарльз Эйвери (Charles Avery) в
течение 12 лет работал заместителем хранителя
отдела скульптуры в Музее Виктории и Альберта в
Лондоне.
Клер Эйрес (Claire Ay res) является членом
оценочного отдела галереи Кристи в ее
аукционных залах в Саут-Кенсингтоне, Лондон. Она
интересуется всеми видами антиквариата.
Дэвид Бэти (David Battie) начинал свою
карьеру в области антиквариата в 1967 году в
качестве швейцара в Сотби. В 1976 году он стал
директором этого аукциона. Он является автором
путеводителей цен по британским гончарным
изделиям и фарфору 19 столетия, а также
редактором "Энциклопедии фарфора Сотби"; ведет на
телевидении Би-Би-Си передачи с выставок
антиквариата.
Патрисия Бейер (Patricia Bayer) является
независимым автором, редактором и консультантом;
специализируется в декоративном искусстве
конца 19 — начала 20 века.
Ян Беннет (Ian Bennet) является консультантом
в Сотби и коллекционирует ковры восточной работы.
Симон Кэсл (Simon Castle) вот уже 15 лет
занимается предметами домашнего быта.
Джон К. Д. Купер (John К. D. Cooper)
является независимым лектором и консультантом по
серебру, дизайну и изящному искусству. Он
почетный член компании Толдсмит" в Лондоне.
Эйлин Доусон (Aileen Dawson) является
куратором по средневековому и более позднему
антиквариату в Британском музее.
Ричард Фолкинер (Richard Falkiner)
является агентом по продаже и консультантом по
монетам и медалям, а также древнему и
средневековому искусству.
Ричард Гарнье (Richard Gamier) на
протяжении 15 лет возглавлял отдел часов в галерее
Кристи в Лондоне. В настоящее время он
возглавляет отдел старинных часов в фирме
"Британские ювелиры", Гаррард и компания.
Майкл Герман (Michael German) в течение
20 лет был агентом по продаже тростей и в
настоящее время является ведущим специалистом
в данной области.
Джулия Харрис (Julia Harris) занимается
оценкой и составлением каталогов для центра Филлипс
Коллекторе в Лондоне. В числе ее публикаций —
"История коллекционирования 20 века" (1990).
Малькольм Хаслем (Malcolm Haslam)
несколько лет работал агентом по продаже
антиквариата, после чего начал читать лекции и
писать книги по декоративному искусству. Он
является автором нескольких книг, в том числе "В
Новом стиле" и "Ковры как произведения
искусства и художественных ремесел".
Стефен Хеллайвел (Stephen Helliwell)
возглавляет отдел изделий из серебра в галерее
Кристи и является помощником директора
компании. Его книга "Коллекционирование изделий
из серебра" вышла в 1988 году.
Джон Хоуп-Фолкнер (John Hope-Falkner),
коллекционер и агент по продаже предметов
восточного искусства, всю жизнь занимается
искусством и антиквариатом.
Питер Хорнсби (Peter Hornsby) является
автором книги "Олово и медь и коллекционирова-
8

ОБ АВТОРАХ ЭТОЙ КНИГИ
ние медного антиквариата". Был консультантом
трех главных лондонских аукционов — Кристи,
Филлипс и Сотби, а также в Музее г. Лондона.
Питер Джонсон (Peter Johnson) пишет
статьи в журналы по вопросам античности и
коллекционирования.
Каролина Найт (Caroline Knight) читает
лекции по вопросам искусства и архитектуры,
особенно интересуется домами и их обстановкой.
Себастьян Кун (Sebastian Kuhn) является
специалистом в области европейской керамики,
сотрудничает с Сотби в Цюрихе.
Гордон Лэнг (Gordon Lang) — ведущий
специалист по восточной керамике, старший
преподаватель и заместитель директора
педагогического отделения Сотби.
Лори Лэнг (Lori Lang) — независимый писатель.
Мартин Леви (Martin Levy) является
представителем четвертого поколения семьи
лондонских агентов по продаже антиквариата компании
"X. Блэрмен и сыновья". Он принимал участие в
составлении каталога к выставке "Мебельный
мастер Джордж Баллок " (1988) и сотрудничал в
различных журналах, включая "Аполло",
"Деревенская жизнь" и "История мебели".
Артур Миддлтон (Arthur Middleton) владеет
собственным магазином в лондонском Ковент-Гардене и
специализируется на научных инструментах. Он
входит в комитет Общества научных инструментов.
Дэвид Майлз (David Miles) является агентом по
продаже антиквариата, консультантом и
коллекционером антикварных музыкальных инструментов и книг.
Брайен Морган (Brian Morgan) в течение
многих лет был директором компании "Блуэт и
сыновья" и до сих пор является ее консультантом.
Сьюзан Ньюэл (Susan Newell) является
помощником хранителя в отделе прикладного и
изящного искусства в музее "Тайн энд Вэар".
Раньше она была старшим музейным
ассистентом коллекции Валласа.
Марк Ньюстед (Mark Newstead) — заместитель
директора отдела европейской керамики в Сотби.
Фелисити Николсон (Felicity Nicholson)
является главным директором отдела античности в Сотби.
Катрин Парри-Уингфилд (Catherine Раггу-
Wingf ield) читает курс лекций по истории
изящных искусств в Учебном центре в Лондоне.
Питер Филп (Peter Philp) по образованию
дизайнер мебели, автор книг "Мебель всех стран
мира" и "Антиквариат сегодня".
Джонатан Поттер (Jonathan Potter)
возглавляет одну из всемирно известных компаний по
продаже антикварных географических карт,
расположенную в лондонском Мэйфэар. Его книга об
антикварных географических картах является одной
из наиболее популярных по этому вопросу.
Сара Портер (Sarah Potter) сотрудничает с
фирмой "Барлинг на Маунт-стрит Ltd",
специализируется на старинной китайской мебели.
Ноэль Райли (Noel Riley) пишет в основном
по вопросам декоративного искусства и
антиквариата; автор книги "Источники Викторианского
дизайна" (Фейдон, 1989) и принимала участие в
создании Краткой энциклопедии мебели в Сотби.
Диана Скаришбрик (Diana Scarishbrick) —
автор книги "Наследственные драгоценности"
("Андре Дойч", 1990), и скоро выйдут из печати
ее "Ювелирные изделия Великобритании" (Майкл
Рассел) и "Картье" (Хэмлин).
Кен Свифт (Ken Swift) с 1973 года
занимается печатными изданиями, географическими
картами и книгами.
Керри Тейлор (Kerry Taylor) сотрудничает с
Сотби, начиная с игрушек и кукол и кончая
европейской одеждой и тканями, по этим вопросам
она автор книг и многочисленных статей.
Ларе Тарп (Lars Tharp) в настоящее время
является директором филиала в Сассексе,
Англия. Начал интересоваться историей и
материальной культурой Китая и Японии во время
учебы в колледже Гонвилла и Кайюса в Кэмбридже.
Принимал участие в создании "Краткой
энциклопедии фарфора" Сотби.
Сьюзен Вард (Susan Ward) — независимый
редактор, пишет по вопросам американского
искусства и антиквариата. Недавно вышел из
печати ее "Каталог по антиквариату".
Джуди Уэнтворт (Judy Went wort) является
партнером в компании антикварных тканей,
которую она основала вместе с Сарой Франклин в
1981 году. Она живет и работает в Лондоне,
пишет и читает лекции по тканям.
Джон Уайтхед (John Whitehead) является
известным агентом по продаже французской
мебели и севрского фарфора. В настоящее время
занимается изучением декораций интерьера
Франции 18 века и декоративным искусством.
Фредерик Уилкинсон (Frederick Wilkinson)
работает консультантом в отделе оружия и
доспехов в Сотби, а также в Королевских арсеналах
лондонского Тауэра.
Питер Уильяме (Peter Williams) возглавляет
отдел керамики в торговых залах Честера в
Сотби. Несколько лет работал в отделе европейской
керамики в Сотби в Лондоне.
Перран Вуд (Реггап Wood) раньше
сотрудничал с Сотби в Лондоне, в настоящее время
является основателем и членом совета Корнингского
музея стекла в Корнинге, Нью-Йорк.
9

ВВЕДЕНИЕ
ВВЕДЕНИЕ
Эти настенные часы с грузом
датируются около 1870 г.
Сделаны в компании Сет Томос Клок
в США. Подобные часы
составляют значительную часть
современных коллекций США;
развитие промышленности в этой
стране, особенно в Новой
Англии, является классическим при*
мером того, как искусство и
художественные ремесла идут бок
о бок друг с другом для
удовлетворения потребностей
рынка (Вверху)
С целью взимания таможенных пошлин и сборов антиквариат был
определен как произведения искусства» которым свыше 100 лет. Но на
самом деле слово "антиквариат" нельзя назвать точным термином; многие
вещи из тех, что рьяно собирались раньше, не являются антиквариатом и в
никогда им не станут. Около 1800 года английский акварелист Томас Роу-
ландсон подчеркнул это, нарисовав аукциониста, предлагающего с аукциона
ночной горшок: "Какую цену мне предложить за антиквариат завтрашнего
дня?" Продолжается путаница в терминологии, поскольку одни называют
приобретение произведений искусства "собирательством", другие
"коллекционированием", третьи считают оба варианта неудовлетворительными, но
не могут предложить ничего лучшего.
Здесь следует сразу разграничить, чему в этой книге будет отведено
место и что будет исключено, как выходящее за рамки предложенной темы.
Это блюдо для бритья и кувшин
были изготовлены в Мадриде,
Испания, в 1768 г. Их первый
покупатель, несомненно, был
высокого религиозного сана —
обратите внимание на митру
епископа и инициалы,
выгравированные на кувшине.
Аналогичная гравировка выполнена на
блюде для бритья. В то время
было характерно стовитъ свое
имя на подобных предметах; для
современного коллекционера
это представляет
дополнительную ценность как в смысле
личного интереса, так и в
аукционном зале. (Слева)
ю

ВВЕДЕНИЕ
Этот шкаф красного дерево с
инкрустацией дотируется
примерно 1900 г. В это время
мания коллекционирования, начав*
шояся в 19 столетии, достигла
своего расцвета; и наряду с этим
проявлялось восхищение
мастерством талантливых изготовите*
лей мебели той эпохи. Мебель,
созданная на рубеже веков,
пользуется особой популярное*
тъю в наши дни. (Справа)
Если бы мы не были ограничены в пространстве и времени, можно было бы
писать обо всем. Однако неизбежно приходится от чего-то отказываться,
даже в столь объемном издании, как это; и все же диапазон представленных
здесь произведений искусства достаточно широк.
Мы выбирали произведения искусства в соответствии с нашими
собственными соображениями и в зависимости от их назначения, поскольку в
некоторых областях невозможно предсказать, какие из современных
предметов сохранят свою привлекательность в будущем. Очевидно, "плоское,
нерельефное искусство", или, если быть более точным, изобразительное
искусство, в отличие от пластического — картин, рисунков, там, где они
отделены от книг и печатных изданий, — в данном случае нас не будет
интересовать.
Люди интересовались собиранием различных красивых или
диковинных вещей с древних времен. В Римской империи устраивались аукционы,
на которых продавались произведения искусства, начиная с военных
трофеев; при этом торговцы наживались, и появлялись многочисленные
фальшивки и подделки. В средневековой Европе главными хранителями и
собирателями произведений искусства были церковь и независимые монархии.
В 15 веке не только правители ренессансной Италии во главе с
флорентийскими Медичи, но и французские и бургундские дворяне понимали свой
политический долг быть покровителями искусств. Здесь можно вспомнить
слова Маккиавелли: "Правитель должен проявлять свое уважение к
талантам; активно поощрять способных людей и почитать выдающихся
мастеров". Некоторые из этих коллекционеров дворянского происхождения
В конце 19 е. в России
приобрел известность завод
Фаберже за свое производство
изысканных миниатюрных
произведений искусства, начиная от
знаменитых императорских пос-
хальных яиц, созданных для
Романовых, и кончая
портсигарами. Все эти вещи пользуются
огромным успехом у
коллекционеров. Этот крошечный
паланкин, в котором переносили
царицу Екатерину Вторую,
является прекрасным примером
выдающегося искусство Фаберже.
(Вверху)
11

ВВЕДЕНИЕ
Золотой кубок, сделанный в
Дрездене, Германия, около 1750
г, возможно, для королевского
двора В руках специалиста
подобное произведение искусства
может о многом рассказать.
(Вверху)
были сами художниками» такие, как Рене Анжуйский или прекрасный поэт
Шарль, герцог Орлеанский, который любил своего дядю Жана, герцога
Беррийского, автора знаменитого иллюстрированного трактата 'Три
прекрасных часа", и их бургундские двоюродные братья, понимавшие, что их
покровительство, а также коллекционирование и культурные ценности
имеют столь же существенное значение для их положения, как и военная
доблесть. В случае с Чарльзом они действительно были более
существенны, поскольку он провел четверть века после агинкорта в Англии в
качестве тюремного заключенного.
Среди сокровищ, перечисленных при описи, сделанной после смерти
Лоренцо Медичи (Великолепного) в 1492 году, наряду с картиной Ван Эйка
и великим трио в битве при Сан Романо Учелло были найдены рог
единорога, предметы китайского фарфора и обширная коллекция старинных камей.
Из всей коллекции наиболее высоко ценился рог. Он был оценен в 6000
флоринов против 30 за картину Ван Эйка и 300 за три картины Учелло.
Подобное собирательство сокровищ и старинных вещей знаменитыми
государственными мужами было в большой степени проявлением славы
государства, но, конечно, зависело от личного вкуса и просвещенности. С 17
столетия сохранилась традиция правителей устраивать Wunderkammern
(кабинеты редких вещей), которые соперничали с частными коллекциями, особенно
в Голландии и Великобритании.
В подобных коллекциях можно было найти все — фарфор, камеи,
драгоценности, научные инструменты, бюсты и статуи, сгруппированные по
определенной системе; голубой и белый фарфор в огромном количестве.
Этот турецкий тканый килим с
плоским рисунком происходит из
района Ушак в западной
Анатолии и датируется 17 в. Это
один из очень немногих
известных примеров ушакасих
деревенских килимов — известно не
более десяти из них, что делает их
особенно привлекательными для
коллекционеров. Для
большинство характерны горизонтальные
полоски с цветочным декором,
хотя желтая основа ткани не
совсем обычна. К тому же это
менее тонкая работа, чем
многие другие из известных килимов
этого типа. (Внизу)
12

ВВЕДЕНИЕ
Дубовый стол, датирующийся
серединой 19 е., показывает, кок
в эпоху возрождения Виктори-
онство черты средневековой
готики проникали во все
области дизайна, включая столы,
стулья и другие предметы бытовой
мебели Совершенная
простота >того стола характерна для
готики, он бы прекрасно
подошел для старинного
укрепленного феодального поместья или
трапезной монастыря. (Вверху)
часы, русалки, головные уборы ацтеков, лаковые изделия и шелка,
географические карты, раковины, медали, пистолеты с рукояткой из слоновой
кости, лиможские эмали. Когда в 1842 году, много лет спустя после
смерти Хораса Валпоула, была продана с аукциона созданная им "готическая
мышеловка" под названием "Клубничный холм", "Тайме" с презрением
писала, что в этой мышеловке "не было ничего, ради чего истинный
ценитель должен был сделать хотя бы шаг в сторону", хотя королева Виктория
и многие другие посетители аукциона были не согласны с этим. Однако
сохранившееся описание дает прекрасную картину кабинета редкостей:
"...комплекты кольчуг, стоящие, как призраки в военном снаряжении, то
здесь то там; фантастическая резьба по дереву, приобретенная в
монастырях; покрытое ржавчиной оружие различных видов, перекошенные
фигурки из фарфора, дерева, железа и слоновой кости; декоративные ткани и
причудливая мебель, которая могла быть спроектирована разве что во сне".
Там была представлена мебель как эпохи Возрождения, так и французская
мебель 18 века, исторически сомнительные часы Анны Болейн
(приобретенные королевой Викторией), а также изделия, изготовленные с помощью
личного печатного станка Валпоула. В его время большинство
коллекционеров более методично, чем он, собирали свои коллекции, но "кабинет
редкостей", с точки зрения разноплановости коллекций Валлоула, мог бы
дать подходящее второе название для данной книги.
19 век был задавлен и очарован вещами. Лорд Бриггз в своей книге
"Вещи эпохи Викторианства" (1988) объясняет, насколько серьезно люди
той эпохи относились к коллекционированию в середине века. "По
случайному совпадению это был год знаменитой выставки (1851), в котором
капитан Генри Лейн-Фокс начал собирать огнестрельное оружие, прежде чем
приступил к коллекционированию почти всего, что только можно, со всех
частей света, включая посуду, станки, механизмы, орнаменты, одежду и
другие значительные предметы, созданные или использованные в домашних
условиях". Цель его заключалась не в выборе "уникальных образцов", а в
собирании наиболее "обычных и типичных" предметов, и он составил слож-
Этот кувшин на трех ножках из
зеленого стекла был сделан в
Китае в период правления
династии Тань (618 — 906 н.э.)
Прекрасное качество стекла и
точность гончарной работы
характерны для лучших
произведений этого периода. Форма
кувшина взята у металлических
изделий, с их ровными
небольшими элементами, например,
заклепки на крышке точно
скопированы Таньосими умельцами.
Европейцы начали проявлять
интерес к китайским вешам еще
до средневековых путешествий
Марко Поло. (Новврху)
13

ВВЕДЕНИЕ
Бутылочки с французскими
духами и кувшин для туалета
(второй слева), датирующиеся
около 1825 г. На протяжении ) 9 в.
ремесленник постепенно
становился художником,
кульминацией этого процесса явились
творения мастеров такого класса,
как Лалик. Благодаря
проявленному здесь тонкому мастерству
исполнения становится ясно,
почему предметы утилитарного
назначения стали по праву
считаться произведениями
искусства (Справа)
Этот прочный на вид
серебряный чайник был выполнен Матт-
хаусом Бауром в Аугсбурге
около 1690 г В то время для
европейцев чайная трапеза была
столь значительным
общественным ритуалом, какой она
остается сейчас для японцев, и
прекрасным дополнением к ней
служило серебряная посуда. Баур
подчеркнул связь чая с
Востоком в декоре: на боковой части
изображен турок в тюрбане, для
краткости названный Оттоману-
сом (Оттоманом). (Вверху)
ную систему их классификации "от простого к сложному и от однородного к
разнородному". В его коллекции ящик с этикеткой "религиозные эмблемы и
предметы религиозного культа"содержал такие столь непохожие вещи, как
средневековое распятие, китайский геометрический компас и набор
причудливых костей из Нигерии.
Казалось, полностью контрастировало со своим временем содержание
такого удивительного места, как коллекция Харнера под названием "Мен-
ло-парк", выставлявшаяся в лаборатории Томаса Эдисона в Нью-Йорке; на
наш взгляд, она являлась продолжением собрания Лейк-Фокса. Там было
много новых вещей и чудес современной науки, а наряду с ними фрагменты
старых машин, мостом же между старым и новым служил набитый перьями
орел, занимавший там почетное место. Он был приобретен в 1889 году на
Парижской выставке; в голове у него была электрическая лампочка,
освещавшая его глаза. Для коллекционеров 18 и 19 веков их коллекции были
целью жизни.
Мы стремились расположить определенные виды произведений
искусства и отдельные произведения в соответствии с исторической и
социальной обстановкой той эпохи, когда они были созданы. Точно так же, как
неразумно рассматривать исторические события и процессы через
искажающую призму последующего опыта или судить наших предков, как будто
они думали и вели себя так, как мы, так и для получения более полного
удовлетворения от антиквариата важно знать кое-что о культуре и
условиях, когда эти предметы были созданы. Следует также помнить, что многие
предметы, которые мы теперь считаем сокровищами, для их создателей и
первых владельцев имели просто утилитарную ценность. И в соответствии
с этим, многие из них могли быть выброшены как ненужные и случайные
вещи сегодняшнего дня.
Тетрадрахма эпохи правления
египетского фараона Птолемея I. По
рисунку но подобных монетах
историки могут получить ценную
информацию об образе жизни
людей в то время, когда эти
монеты были впервые
отчеканены. Для нумизматов, которые
являются преданными
коллекционерами, прекрасная коллекция
монет, особенно если она в
хорошем состоянии,
представляет большую ценность сама по
себе. (Вверху)
14

ВВЕДЕНИЕ
Коврики из страны, которая кот-
до-го была Оттоманоюй
империей, были для ее правителей
основным предметом экспорта и
всегда ценились знатоками. Этот
деревенский коврик (шерстяной
ворс но шерстяной основе)
происходит из района Коны* о
центральной Анатолии и датируется
между 15 и 16 в. В настоящее
время находится в собрали
Александра в Калифорнии и является
одним из самых больших по
размерам ковриком в западные
выставляемых коллекцию, публичных
и частных Наряду с другими
старинными анатолийскими
образца** позволяет оценить качество
и разнообразие ткаюской рсботь
в период становления искусства
Оттоманского "двора* в 16
столетии. (Отрава)
Однако, мы сосредоточились на качестве, и речь здесь пойдет о
творениях знаменитых мастеров и умельцев, стили и характерные черты которых
выделены в специальных таблицах. Необходимо научиться оценивать
произведения искусства в соответствии с самыми высокими нормами.
Бывают редкие случаи, когда подлинное качество не относится к
делу, когда сущность предмета или коллекции предполагает скорее связь
с чем-то, чем внутреннюю ценность. Кисточка для пудры, которой
пользовалась Анна Болейн утром в день своей казни, и нитка жемчуга,
которую носила Мария Антуанетта незадолго до своей казни, лежат нынче
бок о бок в частной фамильной коллекции королевских сувениров; обе
они имеют свою собственную ценность, как слоновая кость и жемчуг,
но в то же время это ничто по сравнению с их ценностью в связи с
великими особами.
Мне хотелось бы думать, что эта книга доставит много удовольствия как
"кабинеты редких вещей" или большая разнообразная коллекция.
Некоторые откроют первую страницу и не оторвутся от книги, пока не просмотрят
всю до конца. Другим, возможно, захочется начать с какой-то главы по
определенному виду антиквариата.
Книга должна представлять интерес для новичков, но она же является
бесценным изданием для тех, кто серьезно занимается антиквариатом.
Имеющийся в ней словарь терминов поможет тем, кто хочет пополнить свое
образование при посещении музеев, а также будет незаменим для тех, кто
решит осуществить покупку антиквариата. Многочисленые эксперты по
вопросам искусства предлагают к каждому разделу список дополнительной
литературы желающим более углубленно специализироваться в какой-то
определенной области.
Кокюмонский тиф конца 17 е.
Японцы создавали какюмонасий
фарфор преимущественно для
хспорта в страны Запада;
наиболее замечательную коллекцию
этого фарфора собрал
Фредерик Август I из Саксонии, осно-
вагель Мейсснского завода.
(Вверху)
Хуон Маллалью
15

r.l
!«0N
4 . .
«I CI
• 1 I » •
.
■ « . -
•
*•
-
• t
. ..
4«t
. *•
4*.
•
•
-
.
«•»*
%•♦»
• -•
*•••
• . •-
—
■♦< и •
•
HI
•w,..
+ — ■:
• v
• »
• Ml
4tM .
'
• la '
• ~
• M
1 Mi
4 Ml
4 M»
• M •
-' »•
-
. . .<».*»*«..
■
•
..•••.««»■••• ••
I
f.
•^*
M
w
?
Л ■
■
, 1
1 .
.'•
s
/
1
►
)
^
1

ЧИ*4И|
____■■
1 \ 1 Г /ЛХ/ I Г ^™
I
I
I
Ранняя европейская ме6ель • 17 век, Ангаия i
18 век, Англия • Регентство •
Возрождение стилей в эпоху ВикториАНСтвА <
Франция • Италия • Испания и Португмия *
Германия, Австрия и страны Восточной Европы
Россия • Скандинавские стрлны • Голландия
ВЕликобритАНИя и стрАны Европы, 1860-1920
Америка • Восточная ме6ель
Малькольм Хазлем
Клролинл Нлйт
МАртин Леви
Клтрин ПАрри-Уингфилд
ПитЕр Филп
Сара Попер
Ноэль Рили
Джон Уайтхед
На этой странице: ИТАЛЬЯНСКИЙ ШКАФ ЧЕРНОГО ДЕРЕВА РАБОТЫ ПЬЕТРЕ ДУРЕ,
Ок. 1700 г. (фрагмент)
■
А
1
1 1
••
1
1
1
i
>
■
щ
■'■''"'■
■А *

Е Б Е Л Ь
МЕБЕЛЬ
этот наиболее впечатляющий вид антиквариата характеризуется
разнообразием оилей и широким диапазоном самых различных
предметов. Развитие художественного таланта исполнения и
технические усовершенствования сделали предметы обстановки,
наряду с их собственной привлекательностью, символами
общественного положения.
КРУГЛЫЙ
ОБЕДЕННЫЙ СТОЛ
Англия
Розовое дерево
с цветочной инкрустацией
иэ разных пород дерева;
ок. 1830 г.
Столы, подобные этому, с
откидывающейся в сторону крышкой
для удобство хранения,
позволяли менять обстановку комнат
по собственному желанию.
Единая система внутреннего убранства, т.е. гармония между
архитектурой, чертами декора, мебельной обстановкой и драпировочными
материалами, впервые появилась в период Ренессанса. В 17 веке подобное
убранство было вполне обычно для великосветских особняков во Франции,
Голландии и Англии. В конце 17 столетия те, кто стремился не отстать от
моды, мог заглянуть в книги по дизайну.
Начиная с 16 века выходили книги с образцами гравировки,
орнаментов и архитектурных стилей. Наиболее ранняя книга о мебели
называлась "Различные предметы мебели" (издана около 1588 года) Ханса Вре-
демана де Врие (1527 — после 1604 года), а позднее вышла еще одна
значительная книга "Oficina Arcularia (1621) Криспена де Пасса. В
первых книгах по дизайну основное внимание уделялось архитектуре или
архитектурным деталям, например каминным доскам или
декорированным потолкам, но все чаще в них начинали писать и о мебели.
Многие книги с образцами гравировки выходили в первых центрах
книгопечатания, таких, как Нюрнберг, Аусбург, Амстердам и Утрехт, а
книги конца 17-го — начала 18 века выпускались в Париже; в начале же
17 столетия архитекторы и дизайнеры в Италии искали модели для своих
произведений, и итальянских мастеров приглашали во все европейские
страны для украшения наиболее великолепных творений утонченными
итальянскими декоративными деталями. К концу же 17 столетия Франция
заняла ведущее место как по искусству дизайна, так и по мастерству
исполнения. Франция с ее изощренной утонченностью, воплощенной в
великолепии Версаля, но также отразившейся во многих менее
впечатляющих произведениях, стала законодательницей моды по всей Европе и
продолжала оказывать наиболее сильное влияние на дизайн интерьера на
протяжении всего 18 века.
РАСПРОСТРАНЕНИЕ МОДЫ
Книги по дизайну являлись одним из средств распространения
мебельных стилей, перемещение мастеров и дизайнеров по странам Европы —
18

Е Б Е Л b
СКАМЕЕЧКА
Франция
Резное золоченое дерево
с махровой драпировкой;
конец 17 в.
8 это время скамеечки и
табуреты были столь же
распространены, как стулья для сидения,
и часто делались в тон с бого-
той драпировкой. Французская
фабрика по изготовлению
ковров при королевском дворе,
известная как Савоннери,
основанная в 1627 г., была
наиболее значительным поставщиком
ковров и драпировочных
материалов (таких, как на данной
скамеечке) в Европе 17 и 18 в.
другим. Итальянец Доменико Куччи (ок. 1640 — 1705) и фламандцы Пьер
Голль (1620 — 84) и Даниэль Маро (1663 — 1752) были самыми
знаменитыми из многих выдающихся иностранных мастеров, которых пригласили
в Париж в 17 веке. После отмены указа Нанта в 1685 году гугеноты вместе
с своим талантом и французским стилем были вынуждены спасаться
бегством в дружественно настроенные к ним протестантские страны, такие,
как Англия, Голландия и Германия.
Честолюбивые короли посылали дизайнеров и мастеров в Париж для
изучения новейших достижений отделки, чтобы они могли представить их в
наиболее первозданном виде у себя на родине, а французские или
получившие образование во Франции архитекторы и дизайнеры мебели находили
для себя восторженных клиентов во всех частях Европы. Главным примером
может послужить привлечение Маро ко двору английского короля Вильяма
III; Франсуа Кувильера (1695 — 1768) — правителем Баварии и Никола
Пино (1684 — 1754) — Петра Великого в России.
Жаждавшие последних моделей мебели из Парижа могли получить их
в течение двух-трех недель, даже если они жили в Польше или Швеции.
КОМОД
Франсуа Кувилье, Бавария
Разукрашенное
посеребренное дерево
с мраморным верхом;
1739 г.
Этот предмет мебели из
Охотничьей комнаты в Амальенбур-
re, Шлосс Нимфенбург,
демонстрирует великолепное рококо в
его наиболее ярком воплощении.
19

Е Б Е Л b
СТОЛ ДЛЯ ИГР
И ЗАНЯТИЙ
Приписывается Джуэелпе
Маджолини
Тюльпанное и фруктовое
дерево с декоративной
инкрустацией; конец 18 в.
Яркие живописные панели в тех-
нике инкрустации — в данном
случае охотничьи трофеи и
принадлежности для шитья,
обрамленные полоской орнамента из
цветов и листьев, — с
использованием различных пород
дерева характерны для работ
Маджолини, известного миланского
изготовителя мебели в стиле
неоклассицизм в конце 18 в.
(Вверху)
Повсеместное стремление богачей к самым модным стилям
способствовало быстрому распространению таких художественных направлений, как
барокко, рококо и неоклассицизм. Эти стили имели мало национальных
различий, пока ими пользовались высшие по социальной лестнице
сословия. Доходя до менее богатых сословий, данные стили вначале
приобретали национальные различия, затем местные.
Изменение художественных стилей при их движении по социальной
лестнице вниз наиболее заметно на примере распространения в Европе
стиля рококо. Появившись в Париже в начале 18 века, он вскоре принял
экстравагантные формы при дворе германских королей Максимилиана
Эммануила Баварского и Августа Сильного Саксонского. В Англии и
Голландии, где стиль рококо появился значительно позднее, он стал стилем
нуворишей (богатых выскочек) скорее, чем аристократов и приобрел
отличительные национальные черты. Вскоре многие элементы рококо —
асимметричные завитки в виде буквы "С" и причудливые узоры,
изогнутые (дважды изогнутые) и выпуклые формы — соединились с местными
особенностями мебели во всех странах Европы.
Распространение неоклассицизма пошло по тому же образцу. Для
первых произведений была характерна вызывающая "новизна" и чистота
стиля, но по прошествии около 20 лет черты его сгладились и изменились в
соответствии с требованиями масс и национальными вкусами и
особенностями.
КНИГИ ПО ДИЗАЙНУ И СТИЛЯМ
В середине 18 столетия выпускались преимущественно книги о
мебели, а не по конкретнывм архитектурным стилям, и большая часть
посвящалась дизайну. Несмотря на влияние, оказываемое такими книгами, как
"Распространение красивых домов" (1737 — 1738) Жака-Франсуа
Блонде л я на развитие стиля рококо в декоративном украшении небольших
домов, или "Афинские древности" (1762) Джеймса Стюарта (1713 — 1788)
на распространение неоклассицизма, мелкопоместное нетитулованное дво-
комод
Франция
Мраморный верх,
декоративная инкрустация
и лепные детали
из золоченой бронзы;
последняя четверть
18 в.
Искусство, которое строго
разграничивалось соглосио системе
цеховых мастеров во Франции,
великолепно соединилось в этом
неоклоссическом комоде.
Симметричные формы и декор этой
вещи, наряду с техническим
совершенством исполнения
придают ей пышный и величественный
вид

Е Б Е Л Ь
КРОВАТЬ
Возможно, работы Джеймса
Нормана по рисункам
Маттиаса Локка.
Резное золоченое дерево»
о навеоными украшениями
из красной дамасской
стали; ок. 17в5 г.
^
Ш i
i^^*"^^^
1 J§
1 ^Ъш^^шШ
ь.
рянство воспринимало из подобных книг лишь основную суть
направлений в развитии мебели.
Книги по различным стилям мебели писали, как правило, сами дизайнеры,
которые были также резчиками по дереву и изготовителями мебели, поэтому в
них больше внимания уделялось практическому применению стилей другими
мастерами. Одними из первых были книги по гравировке в стиле рококо,
автором которых был Маттиас Локк, в том числе "Шесть канделябров" (1744),
"Шесть столов" (1746), "Принципы орнамента" (не датирована, около 1748
года) и "Новая книга по орнаментам" (1752), в содружестве с гравером Генри
Копландом. Другой резчик в стиле рококо, Томас Джонсон, выпустил книгу
"Двенадцать канделябров" (1755) и в последующие годы посвятил себя
дизайну других предметов, которые были собраны в книге "150 новых композиций",
вышедшей в 1761 году; там были эскизы зеркал и рам для картин, столиков,
каминов, футляров для часов и других предметов.
Томас Чиппендейл (1718 — 1779) обогнал своих предшественников,
выпустив книгу "Джентльмен и директор кабинетного мастера", впервые
изданную в 1754 году, последующие издания вышли в 1755 и 1762 годах (и в том
же году французское издание); в ней он уделяет много внимания всем
разновидностям мебели и подробно описывает ее стили, размеры и инструкции по
отделке каждого конкретного предмета мебели, чтобы обеспечить ей успех.
Среди наиболее значительных из изданных позднее книг по стилям мебели
можно назвать "Универсальную систему домашней мебели" (1762), авторы
Уильям Инс и Джон Мейхью, "Путеводитель по изготовлению мебели и
обивки" (1788), автор Джордж Хеппельуайт (ум. 1786) и "Книга по дизайну
изготовления и обивки мебели" (1791 — 1794), автор Томас Шератон (1751 —
1806). Две последние, с их элегантной, но практичной интерпретацией
неоклассического стиля оказали влияние на мебель среднего сословия во всей
Европе и Северной Америке.
Маттиас Локк был одним из
выдающихся представителей
стиля рококо в Англии, и эта
кровать с куполообразным
верхом и позолоченным карнизом
показывает поздний расцвет
этого стиля. Драпировки в
ногах, у изголовья и на балдахине
украшены накладным
орнаментом и бахромой.
ДРАПИРОВКИ
На протяжении всей истории мебели имели значение ее статус и
удобство. Статус проявлялся как в пышности, так и в скромности мебели и
21

Е Б Е Л Ь
КРЕСЛО И ДЕТАЛЬ
ДРАПИРОВКИ
Англия
Ок. 1730 г.
Это кресло с глубокой, удобной,
тугой набитой подушкой является
одним из пары 'кресел на
двоих' из мебельного гарнитура для
сидения, включавшего в себя 18
кресел с обивкой и диван. Эти
кресла демонстрируют
возросший комфорт богатых
интерьеров в начале 18 в.
отражался в ее цене. Удобство также связывалось со статусом: наиболее
зажиточные люди обращали внимание не только на изменения в стиле,
но и на требования удобства. Это в какой-то степени проявилось в
увеличении в 18 веке числа небольших столиков и их специфических функций,
но еще более важное значение имела эволюция драпировки.
Часто недооценивают ту роль, которую играли драпировки в дизайне
интерьера. Архитекторы проектировали формы комнат, стиль их
декорации и иногда их мебель, но именно драпировкам принадлежало последнее
слово в получении конечного результата. В 18 столетии важное место
отводилось не только обивке кресел и навесному декору спален, но
также драпировкам стен и пола, оконным шторам и занавесям, которые, в
свою очередь, определяли расстановку мебели в комнате.
Поскольку ткани менее долговечны, чем мебель, и вследствие этого
редко сохранялись, можно без труда забыть о том, какое важное
место они занимали в интерьерах 17, 18 и 19 веков. Навесные украшения
над кроватью неизменно стоили гораздо больше, чем каркас кровати;
мебель, предназначенная для сидения, часто специально
противопоставлялась декору, и суммы, потраченные на занавеси, портьеры и
драпировки стен, во многих случаях намного превосходили расходы на
деревянные изделия. Это превосходство драпировочного мастера над
другими мебельными мастерами часто усиливалось его прямым
контактом с клиентом, а не с его агентом, как это часто бывало в случае
с другими членами команды по изготовлению мебели. В самом деле,
явное превосходство драпировочного мастера неоднократно станови-
ПАРА КРЕСЕЛ
Краснов дерево;
ок. 1760 г.
Эти кресла с их четко
очерченными резными изогнутыми
ножками были, очевидно,
выполнены ирлондским мебельным
мастером Драпировки украшены
прекрасными вышивками
крестом, шерстью и шелком,
представляющими классические
сцены. Вышивки приписываются
графине Морнингтон, матери
первого герцога Веллингтонского. В
первой половине 18 в.
женщинам было свойственно
заниматься подобными большими
работами по вышиванию.
22

ЕБЕЛЬ
лось причиной разногласий с архитекторами, которые видели в них
угрозу всему проекту.
Наиболее знаменитыми мастерами по изготовлению мебели были
Томас Чиппендейл, Уильям Вайл (ум. 1767), Джон Кобб (ум. 1778) и Саму-
эль Норман, которые наряду с изготовлением мебели занимались еще и
драпировками. Чиппендейл, к примеру, обеспечивал своих важных
клиентов не только мебелью, но также и обоями и бордюром, занавесями и
шторами, постельными принадлежностями, коврами и другими
предметами домашней обстановки.
Занавески, диванные подушки и пышные драпировки стен были
широко распространены среди ценящей статус мебели и ее удобство
титулованной европейской аристократии в период средневековья, но стулья
с обивкой, с набивочным материалом и тканью, прикрепленной к
каркасу, не входили в употребление до 16 столетия и лишь в 17-м получили
широкое распространение. Типичные стулья этого периода имели
набитую спинку и сиденье, обтянутые кожей, рисунок или орнамент
турецкой работы, с украшением в виде бахромы или гвоздей с медными
головками.
Первоначальная техника драпировок была достаточно примитивной;
роскошные эффекты достигались в ней скорее благодаря использованию
дорогих и ярких тканей, а не за счет особой артистичности их
применения, но начиная с конца 17 века мастера-драпировщики во Франции
превратились в мастеров наивысших стандартов и развивали свои
художественные навыки на протяжении последующих двух столетий по всей
Европе и Америке с удивительным постоянством.
НОВЫЕ
ТИПЫ СТУЛЬЕВ
Вскоре начали появляться стулья более роскошной формы: стулья с
высокими спинками, боковые проекции которых напоминали крылья,
некоторые с приспособлениями, позволяющими откинуться на них, диваны
ДВЕ СТАДИИ
В ДРАПИРОВКЕ
СТУЛЬЕВ
Гравюра
из "Энциклопедии"
Дани Дидро; 18 в.
Но этом рисунке французский
художник изобразил
драпировку, передний край которой
украшен ворсом, и завитки его
располагаются на тесьме
сиденье. У стульев английской
работы тесьма 'уже и образует
решетку и дополнительный слой
ткани в качестве основы для
обивки сиденья.
23

Е Б Е Л Ь
НОЖКИ МЕБЕЛИ
Ножки стульев, столов и корпусной
мебели четко несут в себе черты стиля,
бытовавшего в тот период. Следующие
основные формы применялись с самыми
разнообразными украшениями и
техническими приемами. Формы ножек
видоизменялись от слащавых перекрутов
и балясин 17 века до пышного
разнообразия местных видов декора
из колец и катушек в 19 веке. Виды
спиральных ножек столь же различны,
как и географические районы, где они
применялись.
1 Ножка ш виде катушки
2 Ножка с балясинами
3 Гнутые ножки
4 Прямоугольные
сужающиеся ножки
5 Саблеобразные ножки
6 Ножка-"булочка"
7 Ножка а аиде скобки
8 Ножка в виде лапы
с когтями на шаре
9 Ножка в виде копыта
10 Ножка в виде лапы Ю
11 Лапка с подушечкой
12 "Испанская ножка"
с откидывающимися вниз подушками и подлокотниками, обитыми
конским волосом; стулья с обыкновенными деревянными подлокотниками или
без них, с обитыми сиденьями и высокими спинками. Даже плетеные
кресла из камыша делались в начале 18 века более удобными, с
напоминающими матрацы стегаными подушками, декорированными тесьмой. С
середины 18 века старались прикрывать стегаными драпировками
острые, прямолинейные формы сидений английских стульев. В это время
французские стулья отличались куполообразными стегаными сиденьями,
и только начиная с 1780-х годов, при достаточном распространении
неоклассицизма, во Франции появились более прямоугольные формы
мебели, гармонирующие с прямыми линиями этого стиля.
Края драпировок стульев украшались бахромой с тесьмой, которую
часто вязала домашняя прислуга, но наиболее типичной для каймы
стульев во второй половине 18 века было декорирование медными гвоздика-
ПРИСТАВНОЙ СТОЛИК
Мастер Думкам Файф
Краснов дерево»
ок. 1815 г.
Рельефная резьба и
использование кроеного дерева высокого
качества типично для мвбепыюго
мастера Дункана Файфа, родом
из Шотландии, сумевшего
приспособить черты английского и
французского неоклассицизма
ко вкусам богатой
нью-йоркской клиентуры, что принесло его
работам большой успех.
24

МЕБЕЛЬ
ми. Поверх драпировок мебель накрывалась свободными хлопковыми
покрывалами, чтобы защитить ценную обивку от солнечного света и пыли в
тех случаях, когда комната не использовалась лишь для больших
приемов. Благодаря такому бережному отношению к тканям удалось
сохранить некоторые значительные образцы драпированной мебели.
На протяжении 19 столетия драпировочные ткани становились все
более роскошными и плотными, и бахрому с кисточками на стульях и
диванах стали часто заменять пуговицами, которые позволяли более прочно
удерживать конский волос внутри. В 1840-е годы драпировки достигли
пика удобства, не говоря уже об элегантности; и в это время также
получили широкое распространение спиральные пружины. Французское
низкое кресло и английский длинный мягкий диван ("честерфилд")
демонстрируют перегруженную технику драпировки, при которой от мебели не
оставалось и видимого следа.
ДЕКОРАТОР ИНТЕРЬЕРА
К середине 18 века драпировочный мастер становился декоратором
интерьера, который теперь отвечал не только за обеспечение и
согласованность обстановки, но также и за планировку и дизайн всего
архитектурного замысла. В Англии наиболее значительным примером могла
служить компания "Моррис" (основанная Уильямом Моррисом); также
пользовалась успехом созданная до нее фирма "Крейс". Работы
последней в Чэтсворте, Лонглит, и нескольких асторских резиденциях в конце
19 века демонстрируют радикальный подход к историческому
возрождению орнамента, форм мебели и стилей драпировок и даже собирание
антикварной мебели там, где это было возможно. В этой последней своей
функции они как бы предвосхищали появление в начале 20 столетия
компаний, занимающихся украшением интерьера, например, Ленигон и Мо-
ран, которые были также агентами по продаже антиквариата.
Целенаправленное коллекционирование антикварной мебели в 19 веке
(стимулированное особым увлечением антиквариатом в этот период) в отличие от
простого приобретения ее семьями, означало, что с этих пор внутренняя
отделка помещений определялась не только новой, но и антикварной
мебелью.
25

Е Б Е Л Ь
ПрОСТАЯ КРЕПКАЯ ME б ЕЛЬ СрЕДНЕВЕКОВЬЯ В ЭПОХу РЕНЕССАНСА
ПРЕВРАТИЛАСЬ В бОЛЕЕ МАССИВНУЮ, С обиЛЬНЫМ ДЕКОрОМ
ДАЖЕ В ДОМАШНЕМ ПРИМЕНЕНИИ.
РАННЯЯ ЕВРОПЕЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
После падения Римской империи в 5 веке н.э.
исчезли многие навыки и великолепные
материалы, применявшиеся при изготовлении
мебели в древнем мире. Однако с 11 по 15 век к
мебели начала возвращаться былая важность.
Мебель этого раннего периода в основном
изучают по живописным работам, скульптуре и
иллюстрированным рукописям; но некоторые ранние
образцы сохранились в музеях, частных
коллекциях и церквах. Они зачастую повреждены или
сильно изменили свой вид по сравнению с
первоначальным в результате ремонта или после
исчезновения тех ярких красок, которые были
характерны для мебели прежних времен.
Мебели в те времена было немного, даже в
больших хозяйствах. В основном она
предназначалась для еды, сна, сидения, хранения и в
гораздо меньшей степени для чтения и письма. У
мебели была еще одна функция: отражать
положение и общественный статус владельцев, и это
осуществлялось главным образом за счет
применения дорогих тканей для драпировок. Чаще
всего мебель в то время делали из дуба. В Испании
и Италии были большие запасы грецкого ореха,
кипариса и фруктовых деревьев, а в районе Альп
росло много хвойных деревьев. Резные
декоративные украшения основывались на
архитектурных мотивах, вначале романского стиля с его
вдохновленными классикой закругленными
арками, а затем, в 14 и 15 столетиях, готики с ее
заостренными арками, контрфорсами, лиственным
и ажурным орнаментом.
СУНДУКИ
Наиболее значительную группу предметов
ранней европейской мебели составляли сундуки
различных размеров, которые лучше сохранились
благодаря массивности своих конструкций.
Сундуки часто использовались не только для
хранения ценных вещей, но и в качестве сидений,
столов и даже кроватей. Наиболее ранний тип
сундука был сделан из полого ствола дерева, для
прочности укрепленного железными полосками.
В 13 веке конструкция их стала несколько более
усовершенствованной. Сундуки делали из
обшивных досок, расщепленных пополам или
распиленных по длине и соединенных вместе по форме
ДЕКОРАТИВНЫЙ
ПОДНОС
Мастерская
Апполонио ди Джованни
Темпера; панно выполнено
с гипсовым позолоченным
бордюром; ок. 1460 г.
Это флорентийская мастерской
прословилась своими
высококачественными свадебными
сундуками и декоративными
подносами, подобными этому, который
использовался во время
празднования дней рождений в домах
знатных вельмож. Источником для
изображенной здесь живописной
сцены послужил "Триумф
любви' Петрарки. Эрос в
сопровождении фигур в изысканных
одеждах на фоне тосканского
пейзажа. (Справа)
ЛАРЬ
Италия
Инкрустация, грецкий орех
и другие сорта дерева;
ок. 1500г.
Дво отделения говорят о том, что
это был свадебный сундук.
Инкрустация с геометрическим
рисунком свидетельствует об очень
кропотливой работе мастеров
Ломбардии и Венеции, хотя оно
выполнено целиком из различных
цветных пород дерево без
применения перламутра или
серебро, распространенных в этих
областях. (Внизу)
ящика металлическими или дубовыми гвоздями.
Прочность их усиливалась благодаря железной
части конструкции, часто с декоративными
завитками и замками. Во второй половине 15 века
появились рамочные конструкции, в которых
более легкие панели помещались в прорези рамы и
удерживались там с помощью шипов.
Во всех средневековых домах было холодно
и сыро, вне зависимости от статуса владельца,
и мебель приходилось поднимать над уровнем
пола, чтобы она не прогнивала. По этой
причине начиная с 12 века сундуки часто делались со
ступеньками (подпорками), смотрящими вниз,
наподобие ножек. Они часто украшались
резьбой в виде стружек, с помощью резца и зубила
на передней панели вырезались романские
рельефные аркады.
26

РАННЯЯ ЕВРОПЕЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
РОЖДЕНИЕ ДЕВЫ
МАРИИ
Венецианская школа
Темпера на панели;
ок. 1480 г.
В этой комноте немного мебели,
что было хороктерко для 15 в.
Св. Анно сидит в постели, вокруг
которой пороми но низком воз»
вышении стоят сундуки простой
формы. Токие сундуки
использовались для хранения вещей и
одновременно в кочестве
сидений и столов. Само кровать
имеет форму ящика. Одинаковые по
высоте доски в изголовье и в
ногах зокончивоются
декоративными шориками. Зопеленутого мло-
денцо умывоот из небольшого
ушото, сделанного гончорным
способом, применяемым для
изготовления бочек.
В период готики резьба, подобно
архитектуре, стала более усложненной, передние панели
сундуков украшались резными заостренными
арками и ажурным рисунком; у некоторых
сундуков даже имелись небольшие "опоры",
прикрепленные деревянными гвоздями к деревянным
ступенькам. В преуспевающих Голландии, Бельгии
и Люксембурге процветала торговля шерстью и
сукном; дома купцов были обставлены хорошей
мебелью, украшенной тонкой резьбой. Во
многих английских описях 15 века часто
указывались "фландрские сундуки", сделанные в
вышеуказанных странах, украшенные резьбой со
стилизованной имитацией сложенного белья. Так
называемые "тилтингские" сундуки, сделанные
во Франции и Англии в 14 и начале 15 века
украшены рельефной резьбой с фигурами
сражающихся рыцарей в броне.
В Италии скромные по виду сундуки
использовались не только для хранения вещей; их
также ставили попарно вокруг возвышения
кровати, в качестве ступеньки к кровати, а также в
качестве сидения у стола. Некоторые районы
Италии славились своими свадебными
сундуками, которые подчеркивали высокий статус
владельцев; они были декорированы гербами обеих
семей и сценами куртуазной любви. Процветали
специализированные мастерские, одной из
наиболее известных считалась мастерская Аполло-
нио Джованни во Флоренции. Передние панели
были разрисованы темперой (смесь пигмента и
яичного желтка); в той же технике
расписывались запрестольные образы. На них
изображались романтические сцены, такие, как "Встреча
Соломона и Шебы", часто располагаемые внутри
архитектурных перспектив, отражающих интерес
к пространственному изображению в эпоху
Ренессанса.
Стены больших залов итальянских дворцов
часто декорировались живописными панелями,
имитирующими дорогие гобелены. Аналогичным
образом украшались декоративные подносы (были
подносы в честь рождения детей у знатных вельмож).
Другим важным видом декорации, который
применялся в то время в Италии как для украшения
буфетов, так и для панелей сундуков, стала
инкрустация. На ней рисунок вырезался из каркасного
дерева (часто грецкого ореха), затем заполнялся
различными породами цветного дерева —
например, фруктовых деревьев, тиса и оливкового
дерева. Живописные рисунки демонстрировали
мастерство в изображении перспективы.
КРОВАТИ
С того раннего периода сохранилось немного
кроватей, в основном из-за ветхости пышных
драпировок на них. Кровати играли важную роль в
выражении общественного статуса владельца, что
видно из живописных источников и богатых
драпировок — мехов, шелков и гобеленов. В этот
период парадные кровати в домах знатных
вельмож считались одним из наиболее дорогих
предметов мебели и часто предназначались больше
для показа, нежели для сна.
Подобно сундукам, кровати в странах
Западной Европы необходимо было поднимать на
возвышение с сырого пола. Кровати романского
периода часто имели низкие перила, соединявшие
27

МЕБЕЛЬ
четыре коротких столбика с низкой секцией
посередине, чтобы легче было лечь в постель.
Бургундская резьба по дереву в Аутунском соборе
12 века демонстрирует простой тип рамы для
деревянной кровати, известный еще со времен
Древнего Египта, с привязанной к раме кожей с
помощью кожаных ремней.
В 13 веке в Северной Европе начался поиск
более удобных форм кроватей. Появились
кровати с теплыми драпировками, которые можно
было откреплять и упаковывать в сундуки во
время длительных путешествий. Подобные
кровати были двух основных типов. Один
представлял собой походную кровать; конической
формы, обтянутый тканью сосуд из мягкой
древесины спускался с потолка над кроватью, и к нему
были прикреплены пышные драпировки,
натянутые вокруг кровати в виде тента. Другой тип
кровати часто представлен в работе
голландских мастеров, которые использовали интерьеры
богатых горожан в качестве декораций для
религиозной живописи. Ее драпировки спускались
с прямоугольного балдахина, где они были
натянуты на железных перилах и собирались в
грушеобразные узлы. Богатая вышивка на заднике
усиливала великолепие подобных предметов
мебели. Увеличение комфорта можно наблюдать
и в появлении пуховых постелей и пухлых
подушек, украшенных живописными сценами из
картин и рукописей 15 века.
В Италии из-за теплого климата было меньше
необходимости в постельных драпировках;
интимность достигалась путем завешивания части
комнаты. Характерная кровать имела форму ящика,
с приподнятыми в голове и в ногах
завершающими панелями. Как и в других типах итальянской
мебели, завершающие панели были часто богато
декорированы либо украшены живописью.
МЕБЕЛЬ ДЛЯ СИДЕНИЯ
Крестообразные по своей конструкции стул
и табуретка имеют старейшую родословную и
ведут свое начало от античности к древнему
Египту. Сидения римских диктаторов тоже
имели подобную форму. Крестообразная
конструкция говорила о власти и усиливалась
дополнительной высотой возвышения и торжественным
балдахином. Подобный тип балдахина
использовался во всей средневековой Европе, с
отчетливыми областными различиями;
итальянская версия известна как стул Савонаролы
(общественный реформатор 15 века). Наиболее
ранние из известных крестообразных
табуреток складывались; боковые перекладины
перетягивались ярко разукрашенными ремнями,
которые образовывали сиденье. Благодаря зад-
ЛЕДИ С ЕДИНОРОГОМ
Франция
Гобелен; ок. 1500 г.
Леди стоит в круглом павильоне,
нопоминоющим по форме
торжественные балдохины над крово-
тями знатных вельмож, у которых
купол и драпировки спускались с
потолка. Собачка леди сидит но
скомейке, зовершоющейся пли*
той, ножки скамейки оброзуют
стрельчотые арки.
Г
ДЖОВАННИ
АРНОЛЬФИНИ С ЖЕНОЙ
Ян ван Эйк
Живопись маслом на панели;
1434г.
Компота босою обставлено
мебелью, как приличествовало
представителю Медичи в Бркхге. Кок
принято было в северных
стропах, нод кровотью спускаются
драпировки Завершение высокой
спинки стуло укрошоет фигура св.
Маргарет, покровительницы
родов. Скамья снабжена
подножьем и подушкой и украшена
драпировкой.
28

РАННЯЯ ЕВРОПЕЙСКАЯ
ЕБЕЛЬ
ней опоре получался стул, дополнительное
удобство которого достигалось с помощью
войлочной обивки, подушки и скамеечки для ног.
В 17 столетии в Голландии продолжали
изготавливать крестообразные стулья в качестве
утилитарного сиденья, а в Англии, Франции и
Германии они использовались в основном для
различных церемоний.
Делались также стулья в виде трона,
наподобие знаменитого коронационного стула 14 века в
Вестминстерском аббатстве. Часто они имели уже
знакомую нам форму ящика и напоминали
сундуки, верхние проекции которых формировали
спинку и боковые стороны стула и обычно
украшались архитектурными мотивами, например
остроконечными башенками и лиственным
орнаментом. Третий тип стула представлял собой
цилиндрический стул в виде бочки; этот наиболее
примитивный тип стула действительно делался из
части бочки, с добавлением нескольких досок для
получения стула.
В бедных домах единственным видом сидений
были, вероятно, табуретки. Они изготавливались
из круглого или треугольного куска дерева с
тремя или четырьмя цилиндрическими или
прямоугольными ножками, вбитыми в сиденье и
закрепленными с помощью деревянных гвоздей. Также
изготавливались табуретки более усложненной
формы, с прямоугольным сиденьем и
завершением в виде плиты; их твердые опоры иногда
оживлялись готическими стрельчатыми арками,
подрезанными снизу. В некоторых случаях сиденье
имело круглое отверстие с врезанным в него
крестообразным бруском, чтобы табуретку легче
было переносить.
Скамейки либо имели завершения в виде
плиты наподобие табуреток, либо напоминали
сундуки и назывались тогда ларями; в этом случае у
них имелась прикрепленная крышка, на которую
клали подушку.
СТОЛЫ, БУФЕТЫ И ЗЕРКАЛА
Обеденные столы представляли собой
простые, необработанные столы в виде подмостков,
состоящие из длинной узкой доски из мягкой
древесины, покоящейся на подвижных
квадратных опорах, имеющих V- или А-образную форму.
Столы с фиксированными опорами встречались
редко.
Ранние буфеты представляли собой обычные,
прибитые к стене полки, на которые ставилась
посуда. В 15 веке начали делать небольшие
сундуки с дверцами и на длинных ножках, а также
буфеты для хранения пищи с дверцами для
вентиляции, часто в готических формах. Для
предохранения от насекомых также делались
небольшие навесные буфеты для пищи. В 15 веке стали
делать шкафы больших размеров, для хранения
белья. Некоторые из них сохранились в церквах.
ТАЙНАЯ ВЕЧЕРЯ
Неизвестный португальский
художник
Живопись маслом на панели,
ок. 1480 г.
Достоинство фигуры Христо
подчеркивается традиционными
знаками на богатой материи,
висящей за его спиной.
Накрытый скатертью стол
напоминает простые подмостки. Ученики
сидят но табуреткох, хороктер-
ных для 15 в., слева тобуретко
с цилиндрическими ножкоми, в
центре — крестооброзноя
тобуретко тонкой роботы, о спро-
во необработанная с квадрот-
ными ножками. (Рис новерху)
ФРАНЦУЗСКИЕ КНИГИ
ПРИТЧЕЙ
Питер Брейгель-младший
Живопись маслом на панели;
ок. 1610 г.
Деталь картины покоэывоет
интерьер небототого голломдскою
домо. У треугольной тобуретки
деревянное сиденье и
цилиндрические ножки. Стоящий за ней
простой формы стул юго же типо,
с изогнутой перекладиной для
поддержания спинки. (Рис внизу]
29

ЕБ Е Л Ь
В 14 и 15 веках были известны как навесные,
так и ручные зеркала из полированной стали или
хрусталя.
ГОЛЛАНДИЯ И БЕЛЬГИЯ
1500 — 1650
Современные Голландия и Бельгия были
отделены от Бургундии согласно Габсбургскому акту
1493 года. В основном населенные
протестантами, северные провинции отделились в 1579 году,
оставив католические Южные Нидерланды под
испанским владычеством.
В Бельгии и Голландии гротескная
орнаментация, берущая начало в ренессансных
открытиях романских декоративных украшений гротов, в
руках антверпенских мастеров приобрела еще
большую декоративность. Один из них, особенно
плодовитый Ханс Вредеман де Вриз (1527 —
1604), находившийся под сильным влиянием
английских мастеров, изображал фантастические
архитектурные перспективы, переплетающиеся кар-
туши (орнаментальные завитки в виде щитов и
табличек) и их разновидности, идущие в
классической последовательности. Он написал также
знаменитую книгу по мебели, одну из первых
подобного рода.
Изготовление мебели было в большом
почете в Бельгии и Голландии, как и в других
европейских странах. В начале 17 века Антверпен
и Амстердам выделились как главные центры
этого ремесла. Чаще стали применять
экзотические породы деревьев, в особенности черное
дерево, которое использовалось для облицовки
или декоративного литья, в основном на
зеркалах и картинных рамах. Облицовка также
выполнялась из разукрашенного на спине
панциря черепахи. Внутри шкафы часто украшались
разрисованными панелями и многочисленными
выдвижными ящиками.
В начале 17 века в Бельгии и Голландии как
крестообразные, так и прямоугольные по форме
стулья стали делать более удобными благодаря
применению обивочных материалов. Стулья
часто обивались бархатом или обработанной и
позолоченной кожей, закрепляемой при помощи
больших декоративных гвоздей с медными
головками. Спинки стульев традиционно завершались
ДЕТАЛЬ КАРТИНЫ
Живопись маслом на панели;
ок. 1426 г.
Святой Иосиф изображен в
своей мостерской с ручным сверлом
в рукох. Другие инструменты и
мышеловко лежат но верстоке.
(Вверху)
-J
АЛЛЕГОРИЯ
БЛАГОРАЗУМИЯ
И ТЩЕСЛАВИЯ
Джованни Беллини
Живопись маслом на
о*М490<\
Но кортине представлено
выпуклое зеркало из выдувного
стекло. Венецианские мостеро
изобрели плоские зеркала
около 1500 г. (Рис слева)
ИГРА В ТРИКТРАК
ДиркХальс
Живопись маслом на холсте;
он 1650г.
Демонстрирует тконую обивку,
отделанную бахромой, и
отделку кожей, обитой медью; в
центре — простое
необработанное сиденье.
30

РАННЯЯ ЕВРОПЕЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
резными львами. Стретчеры (горизонтальные
распорки для соединения ножек) ставились для
большей прочности в два ряда; ножки делались
цилиндрическими и напоминали балясины.
ИТАЛИЯ 1500 — 1700
Италия прославилась великолепием своих
декоративных искусств, но мебели было
сравнительно мало, даже в шикарных палаццо
(дворцах). В 16 веке процветало изготовление
сундуков тонкой работы. Их создатели стояли рангом
выше по сравнению с изготовителями более
простых предметов мебели. Позолоченные и
разукрашенные кассони (сундуки) конца 15 века были
заменены в 16 веке сундуками с богатым резным
декором; передняя панель часто декорировалась
горельефными сценами битв или триумфов
(подобная резьба начала приобретать маньеристские
черты, с искаженными позами и продолговатыми
фигурами). Некоторые сундуки также украшались
позолоченными джессо (гипсовыми рельефными
позолоченными рисунками), часто с
гротескными мотивами.
Кассапанка (скамья-ларь) произошла от кас-
соне с помощью поднятия его спинки и боковых
частей, образующих опоры для спины и рук,
напоминая этим скамьи-лари северных европейских
стран Однако благодаря форме саркофага
подобные скамьи походили на античные.
В начале 17 столетия появился типично
итальянский тип стула, принятый англичанами,
которые по ошибке называли его сгабелло. Его
передняя часть и спинка покоились на опорах в
форме картушей, хотя были также примеры спинок
в виде раковин.
В 16 веке была возрождена древнеримская
техника пьетре дуре (инкрустации по твердому
камню), в наиболее известной мастерской Опи-
фицио делле Пьетре Дуре, основанной во
Флоренции в 1588 году. Искусство инкрустации
состояло в резьбе по твердым камням, таким, как
лазурит, порфир и агат, и соединении их в
мозаичном порядке. Подобными узорами украшались
столешницы, которые в это время имели опоры в
форме львов, грифонов, сфинксов или
человеческих фигур.
В Италии 16 века также применялась скальо-
ла (имитация мрамора), получаемая в
результате смешивания измельченного селенита с
камнями натурального размера. Талантливым мастерам
удавалось, работая с этим дешевым материалом,
создавать имитацию дорогих инкрустаций, и в
следующем веке эта техника постепенно
распространилась по всей Европе.
В 17 веке венецианские мастера прославились
изготовлением имитаций восточных лаковых
изделий. Ими украшалась обычная итальянская
мебель из мягкой древесины, некоторые участки
которой затем декорировались гипсовыми
рельефными деталями, раскрашенными позолотой и
другими красками. Все изделие затем
покрывалось лаком для придания яркого блеска.
ГЕРМАНИЯ 1500 — 1700
В 15 веке преимущественно католические
города на юге Германии, Аугсбург и Нюрнберг, уже
имевшие первоклассных художников,
приобретают известность благодаря своим гравюрам по
дереву, камню и металлу. Питер Флетнер,
обучавшийся в Аугсбурге, но работавший примерно с
1522 года в Нюрнберге, посетил Италию, и
некоторые его рисунки своими гротескными
мотивами, акантными волютами и амурами очень
напоминают декоративную живопись Рафаэля на
вилле Мадама в Риме. В его рисунках мебели часто
встречаются архитектурные формы, как видно из
нескольких сохранившихся его работ.
Аугсбургские мастера и дизайнеры
прославились пышностью и виртуозностью исполнения
своих произведений, что особенно ярко
проявилось в работах Лоренца Стера, который внес
маньеристские отличительные черты в ренессанс-
ный интерес к античной архитектуре и
искусству перспективы, изображая древние развалины с
нарочито нарушенной перспективой. Так, работа
итальянских штукатуров во французском дворце
Фонтенбло, создавших окаймление грандиозной
композиции, была принята с большим
энтузиазмом дизайнерами Северной Европы. Мастерство
инкрустаторов и резчиков по дереву соединилось
в богато украшенных шкафах, при изготовлении
которых использовались не только различные
породы цветного дерева, но также янтарь и
драгоценные металлы. Подобные шкафы вначале
ставились на столах, а позже на подставке.
Кунсткамера, шкаф для демонстрации дорогих вещей,
вытеснила более раннюю "комнату чудес", в
которой выставлялись просто причудливые вещи.
НАСТОЛЬНЫЙ ШКАФЧИК
Италия
Имитация мрамора с литыми
пвтсопмс ми дошивши
из черного дерева,
позолоченными изнутри;
середина 17 в.
В 16 столетии при великих rep-
цогох Тосканы возродилось
римское ремесло изготовления ими-
тоции мроморо (скольолы). В его
состов входили природный
мрамор, гипс и клей. Он ноносился в
виде краски и при сухости поли-
роволся. Он ностолько нопоми-
нал мрамор и инкрустацию по
твердому камню, что был
известен как 'фольшивый мрамор".
Стиль этого шкофчико, с его
архитектурным решением
центрального буфето с волнистыми
литыми деталями нопоминоет
подобные шкафы, выполненные в
других центрох по изготовлению
мебели. Однако имитирующий
мрамор декор в виде птиц и цветов и
геометрических фигур на боковых
панелях ведет свою родословную
от чисто итальянского искусство
инкрустации по твердому камню.
31

Е Б Е Л Ь
На протестантском севере Германии
продолжала оставаться популярной характерная для
готики деревянная резьба, но часто она
сочеталась с использованием ренессансных
архитектурных мотивов.
ИСПАНИЯ И ПОРТУГАЛИЯ
1500 — 1700
В 16 веке в Испании и Португалии процветали
различные искусства и ремесла. Словарь
декоративных искусств обогатился мавританским
стилем, для которого в мебели была характерна
инкрустация с геометрическим рисунком; мебель
изготавливалась в основном из грецкого ореха,
который в изобилии имелся в Испании. Влияние
подобного мавританского декора можно заметить
в отличающихся изысканностью работах
итальянских мастеров, пользовавшихся особой
популярностью в Венеции, где поверхность мебели
оживлялась инкрустациями из перламутра, и в
геометрическом литом орнаменте голландской мебели
конца 16 — начала 17 веков. В Испании
мавританский стиль сосуществовал вместе с ренессанс-
ным орнаментом и различными видами
мусульманского декора.
Испанские территориальные приобретения в
Новом Свете были богаты драгоценными
металлами, и наиболее ценная мебель
инкрустировалась серебром. Применялись также экзотические
породы деревьев, такие, как черное и красное
дерево. Распространенный в 16 веке стул,
известный в Англии как стул со спинкой, вероятно,
впервые появился в Испании, где он назывался
"стул монаха". Ранние испанские виды стульев
имели прочную конструкцию, с квадратными
ножками и тяжелыми стретчерами. Обивка
выполнялась из бархата, особого полотна или
обработанной и разрисованной кожи (еще одно
мавританское ремесло), связаных в основном с городом
Кордовой. В 17 столетии подобный тип стула
приобрел навеянные Францией черты
(спиральные точеные опоры и стретчеры тонкой работы),
но сохранил характерное для Испании
использование кожи.
В Испании, как и в других европейских
странах, все большей популярностью стали
пользоваться шкафы для показа ценных вещей. Варгуэ-
ньо (термин 19 века) представлял собой шкаф,
отличительной особенностью которого была
низко расположенная передняя часть, покоящаяся
на катках, выдвигающихся из декорированной
этажерки, часто имеющей форму аркады.
Внешне подобные шкафы обычно ничем не выделялись,
а внутри были богато орнаментированы
мавританскими мотивами, рельефом или
инкрустацией серебром. В 17 веке подобные шкафы
продолжались сохранять популярность как предметы
роскоши, но в середине века особую моду
приобрел папелейра — тип шкафа, в котором
отсутствовали характерные для Испании низко
расположенная дверь и клозер в стиле голландских и
французских образцов. Испанские шкафы на
подставках замечательны своей богатой облицовкой,
обычно черным деревом и черепаховым
панцирем, а иногда резной слоновой костью.
АНГЛИЯ 1500 — 1600
Географическая изоляция Англии от осталь-
ТОБИАС И САРА
Цветное стекло; 16 в.
Но этой иконе немецкой роботы
изоброжеио кровоть с драпиров-
коми для защиты от сквозняков,
что было характерно для стран
Северной Европы.
Многочисленные подушки придоют ощущение
комфорта, одновременно являясь
убежищем для клопов
СТОЛ
Испания
Грецкий орех с железными
стретчерами; ок. 1600 г.
Ножки цилиндрической формы,
с декором в виде котушек, для
которых очень хорошо подходил
грецкий орех. Железные
стретчеры в виде буквы S и свободно
сидящоя столешницо снимолись,
и стол можно было сложить.
(Слево)
32

РАННЯЯ ЕВРОПЕЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
ных стран Европы в 16 веке усугубилась
культурной изоляцией, возникшей вследствие
разрыва Генриха VIII с Римом. В результате этого
итальянские художники, которые участвовали в
украшении дворцов Генриха, покинули Англию. Из
роскошных предметов мебели, украшавших
тогда дома, сохранилось всего несколько предметов,
например ящик для письма в Музее Виктории и
Альберта в Лондоне; его яркие краски
напоминают о том, что многие предметы мебели в 16 веке
раскрашивались. Наиболее часто мебель делалась
из дуба, но в более торжественных случаях
применялся грецкий орех, особенно при
изготовлении кроватей.
По портретам монархов Тюдоров видно, что
в Англии продолжали использовать
традиционный крестообразный стул и балдахин над
кроватью. В более скромных домах стульев было
немного, и основным видом сидений были
скамейки и табуреты. В 1520-х годах украшения
тяжелых стульев-ящиков, изготовленных
наподобие сундуков, часто с прикрепляющимся
сиденьем, иногда сочетали в себе готическую
резьбу с мотивами сложенного белья на панелях у
основания, с ренессансными гротескными
мотивами или римскими головками (головки в
профиль на медальонах) на ступеньках или
перилах украшенной панелью спинки.
Вдохновленный французскими мотивами
"стул-болтушка" появился в 1530-х годах; сиденье у него
сзади было уже, чем спереди, спинка высокая,
а вместо боковых панелей стула-ящика —
скошенные подлокотники. Позже появились
табуретки со спинкой; у них были обитые
квадратные сидения и прямоугольные спинки и
прямые или цилиндрические ножки, соединенные
стретчерами.
Благодаря фиксированным прочным
столбикам, деревянной передней панели и балдахину
кровать 16 века стала более громоздкой, чем ее
предшественницы. В конце века на столбиках
кроватей часто вырезался выпуклый орнамент,
известный как "чашка с крышкой".
Стационарные столы сочлененной
конструкции с прочным подрамником использовались для
еды; столы в виде подмостков продолжали
применяться в большей части домов. Опоры для
столов в 1580-х украшались резным декором в виде
"чашки с крышкой". Начиная с 1540-х годов
стали популярными столы для рисования, с
длинными досками, поддерживаемыми по краям
наклонными плоскостями, а в конце века маленькие
столики, по рисунку инкрустации которых можно
было определить назначение стола — например,
изображались карты, музыкальные инструменты
и игровые доски. Применение инкрустации было
распространено в елизаветинский период с
прибытием в Лондон в качестве иммигрантов
немецких мастеров в 1580-х годах.
ВАРГУЭНЬО (ШКАФ)
Испания
Раскрашенный
живописью
и позолоченный
изнутри.
16
Это образец шкафа с
конструкцией 'сундук на
сундуке', с характерной открытой
подставкой. Передняя
откидывающаяся чостъ
поддерживается наклонной
плоскостью, украшенной резными
декоративными раковинами.
Шкаф нарядно разукрашен
в мавританском стиле.
ТАБУРЕТ
Англия
Дуб; ок. 1580 г.
Массивность донному предмету
мебели придоет его материал и
конструкция; ножки резные в
форме колонок с желобками,
поддерживающих перила в виде орко-
ды, которые сохраняли черты
орнамента с резными
раковинами, потрескавшимися из-за
постоянного употребления. Хотя
источником явился архитектурный
орнамент, употребление и
пропорции табурета выдают зависимость
Англии скорее от книг с
образцами, чем от полученных из
первых рук сведений об античности
или ренессонсной Италии.
33

Е Б Е Л Ь
"МебЕЛЬ НАШИХ ДОМОВ... ПОСТЕПЕННО ПрИОбрЕТАЛА НАВСЕГДА
ушедшую утонченность и изысканность", — писал в 1 598
ГОДУ УИЛЬЯМ ХдррИСОН. НО ПЕРЕМЕНЫ, ПРИНЕСЕННЫЕ
СЛЕДУЮЩИМ СТОЛЕТИЕМ, ОКАЗАЛИСЬ ЕЩЕ бОАЕЕ ПОрАЗИТЕЛЬНЫМИ
17 ВЕК, АНГЛИЯ
Короли династии Стюартов Джеймс I (1603 —
. 1625) и Чарльз I (1625 — 1649) привнесли в
Англию роскошь, свойственную европейским
странам на континенте: огромные суммы тратились на
королевские дворцы, а заграничные агенты
посылали назад произведения живописи и скульптуры
или соблазняли иностранных художников
работать в Англии. Но все это прекратилось после
гражданской войны 1642 — 1649 годов.
Дома обыскивались, семьи отправлялись в
изгнание, и после казни Чарльза I в 1649 году
систематически распродавались его вещи. Теперь
трудно представить себе дворцы и замечательные дома,
построенные до 1640 года: практически исчезли
все ценные предметы мебели, изготовленные для
короля и его двора.
В 1660 году, в правление Чарльза II (1660 —
1685), монархия была восстановлена, и дворцы и
дома нетитулованного мелкопоместного дворянства
были отстроены заново и обставлены новой
мебелью Наряду с грандиозной перестройкой
городских домов после лондонского пожара 1666 года
это вызвало большой спрос на модную мебель хо-.
рошего качества.
Появлялись новые образцы мебели,
ширилась ее специализация. Вначале мебель в
основном изготавливалась по голландским
образцам: позже, в правление Джеймса II (1685 —
1688), и Вильяма и Марии (1689 — 1702),
господствовала французская мода. Гугеноты,
протестантские изгнанники, спасавшиеся от
преследования во Франции, принесли в
Лондон свое значительное мастерство — в
изготовлении мебели, металлических изделий и
изделий из шелка — и подняли уровень
ремесел до европейских стандартов.
НАЧАЛО 17 ВЕКА
В первой половине века самый большой и
великолепный зал дома сохранял свою роль
главного входа, но уже не использовался в качестве
столовой. По традиции там находился длинный и
массивный дубовый стол и скамейки. К залу
примыкала гостиная, обставленная более
комфортабельной мебелью — там были столы, один или два
стула, табуреты и. возможно, сундук или буфет.
Парадные комнаты располагались обычно на
первом этаже. Главной среди них был большой зал,
который служил одновременно столовой и
гостиной и был обставлен прекрасной мебелью: здесь
находились раздвижной обеденный стол, кресла,
КРЕСТООБРАЗНЫЙ
ПАРАДНЫЙ СТУЛ
Ок. 1610 г.
Это редкий сохранившийся
образец традиционного типа.
Поверхность дерево либо полностью
закрывалось с помощью
живописного рисунка, либо обивалось
материей; донный стул богато ук*
рошен бархотом. Подушка с ки-
сточкоми и массивной бохромЛ
усиливают впечотление напыщен-^
ности и роскоши.
ТАХТА
Золоченое дерево
с оригинальной обивкой;
Ок. 1695г.
Это великолепная тахта обито ге-
нуэзсхим шелковым бархотом и
укрошено бохромой с кистями.
34

17 ВЕК, АНГЛИЯ
табуреты и буфеты, в которых выставлялись
серебряные блюда и бокалы.
Кровать с драпировками была самым
дорогим предметом в доме. А в остальном мебель в
спальне не отличалась от мебели в других
комнатах. В длинной галерее мебели было немного;
вдоль стен стояли стулья и табуреты,
небольшие столы и сундуки, мог быть шкаф и висели
картины.
Личной комнатой обычно служила небольшая
спальня, где стояла тахта, небольшой письменный
стол и шкаф для бумаг или ценных вещей.
В доме начала 17 века было очень мало видов
мебели, столы, стулья и табуреты, деревянные и
металлические сундуки, буфеты и кровати.
Многие из них мало изменились с начала 16 века, и
делались они из тех же пород дерева — дуба и
иногда грецкого ореха — и с использованием тех
же конструктивных приемов.
КОНЕЦ 17 ВЕКА
Во второй половине века картина изменилась.
Впечатляющая лестница вела из прихожей в
салон (старинную большую комнату), по обеим
сторонам которого располагались комнаты или
анфилады комнат, состоящие из передней или
приемной, парадной спальни и подсобной комнаты;
иногда в добавление к этому устраивались комнаты
для гостей и приемный зал для торжественных
целей. Эти великолепные комнаты обставлялись
самой изысканной мебелью: столами, зеркалами
и торшерами (подсвечниками),
располагавшимися в простенках между окнами, украшались
кроватями и стульями с роскошной обивкой,
шкафами и письменными столами изысканной работы.
Мебель все больше отвечала своему назначению —
сундуки использовались для рисования, стали
делать книжные шкафы и другие предметы мебели
для конкретных целей. Чаще дуб стали заменять
грецким орехом; применялись и другие породы
дерева — золотой дождь, королевская сосна и
черное дерево — для экзотических эффектов. В моду
СТУЛ
Стиль Даниэля Маро
Грецкий орех; резьб*.
Ок. 1695 г.
Высоко* слинко, укрошенные зо-
еиткоми ножки и роскошное
сиденье хороктерны для ) 690-х
годов. Боготый резной декор
спинки и стретчер выдают влияние
стиля французского диэойнеро
Даниэля Моро.
ИНКРУСТАЦИЯ ПО ДЕРЕВУ
Маркетри, или инкрустация по дереву,
представляет из себя декоративную технику, при
которой тонкая однослойная фанера, толщиной
1.6- 3,2 мм (1/16 — 1/18 дюйма) различных
цветных пород дерева или другого материала
вклеивается к каркасу предмета мебели.
Подобная техника приобрела популярность в
Англии конца 17 века, где ее стали применять
как часть нового ремесла изготовления шкафов.
Наиболее популяным типом маркетри стала
панель с цветочно-растительным орнаментом, на
которой изображалась ваза или букет цветов.
Вначале рисунок делался из контрастных,
темных и светлых, пород дерева, например
шора или вечнозеленого самшита с грецким
орехом; позже панели с растительным
орнаментом приобрели великолепную яркость
благодаря инкрустации в них окрашенной в
зеленый цвет слоновой кости для имитации
листьев или в красный для изображения
экзотических птиц.
Большее внимание, уделяемое декору,
повлияло и на конструкцию мебели: большие
ровные пространства необходимо было украшать
все более изысканными инкрустированными
панелями. Для этого идеально подходили столы,
а также двойные дверцы шкафов. Иногда,
особенно при изготовлении голландских
образцов, инкрустация покрывала всю
поверхность, но обычно ею украшалась овальная
панель, а пазухи свода (пространство между
панелью и углами поверхности) покрывались
инкрустацией более простого рисунка.
Маркетри с рисунком морских водорослей,
вошедшая в моду в 1690-х годах, состояла из
небольших стилизованных причудливых
рисунков, делалась обычно из желтого сикамора,
выделявшегося на фоне более темного грецкого
ореха. Будучи трудоемкой и дорогой техникой,
инкрустация применялась главным образом для
украшения дорогой и изысканной мебели,
например небольших письменных столиков или
часов с длинными подставками.
ШКАФ ДЛЯ
ПИСЬМЕННЫХ
ПРИНАДЛЕЖНОСТЕЙ
Грецкий орех; инкрустация
по дереву с растительным
орнаментом; <ж. 1690 г.
35

Е Б Е Л Ь
вошли восточные лаки и их европейские
имитации, их темные тона хорошо выделялись на фоне
резного золоченого дерева. Ткани потеряли свою
значимость.
Для укрепления этих новых стилей
развивались и новые ремесла. Столярам,
изготавливавшим большую часть мебели начала 17 века,
теперь приходилось выдерживать конкуренцию
резчиков и позолотчиков и, что еще важнее,
изготовителей шкафов, которые использовали маркетри
(тонкие, однослойные декоративные деревянные
панели).
Эти мастера, работавшие в Лондоне,
изготавливали изысканные предметы мебели. Конечно,
большую часть мебели продолжали делать с
использованием традиционных методов и
материалов, игнорируя новую моду. В 18 век вошли
простые дубовые стулья, табуреты, сундуки и столы;
детали спинки стула или панели сундука могли
отличаться от образцов мебели 17 века, но
основной тип изменился незначительно. Продолжали
оставаться местные разновидности, и стул или
сундук, сделанный в Уэльсе или в
северо-западной части Англии, имел декоративные мотивы,
свойственные этой местности. Хотя данная мебель
имела привлекательный вид и всегда находила себе
применение, в отношении стиля она не
представляла особой важности; эта мебель
изготавливалась для королевских дворцов и домов знати,
которые были законодателями моды.
НОВАЯ МОДА
В ИЗГОТОВЛЕНИИ СТОЛОВ
Раздвижной обеденный стол, оба конца
которого выдвигались, постепенно вытеснил длинный
массивный дубовый стол. Большая часть
раздвижных столов делалась из дуба, но некоторые были
из грецкого ореха. Ножки столов делались
выпуклыми, иногда имели форму ионических капителей;
декоративное украшение иногда продолжалось на
бордюре.
Столы с откидными крышками, появившиеся
в 16 веке, приобрели популярность и в 17 веке.
Они имели складывающуюся крышку, которая
могла открываться и поддерживалась ножками в
СТОЛ С ОТКИДНОЙ
КРЫШКОЙ
Дуб; ок. 1670 г.
Две откидные доски столо и под-
держивоющие их 'еорото' осло-
дыволись нопротив центральной
части, и стол ставился к стене.
Ножки с балясинами типичны для
периода правления Чарльза II
(1660 - 1685). (Слева)
ГОЛЛАНДСКИЙ СТОЛИК,
ТРЮМО И
ПОДСВЕЧНИКИ.
Разукрашеиноеъ
и позолоченное дерево;
Ок. 1680 г.
Цветной декор взят из
современных голлондских нотюрмортов с
иэоброжением цветов и в донном
случое обогощен позолоченной
резьбой по дереву.
36

17 ВЕК, АНГЛИЯ
СТУЛ ДЛЯ КУРЕНИЯ
Ланкашир;
Дуб; конец 17 в.
Э'О' простой провинциольный
стул имеет ящик для трубок и то-
бою
виде ворот. В 1660-х годах столы с откидными
крышками из грецкого ореха с винтообразными
ножками стали вытеснять раздвижные обеденные
столы.
Также использовались небольшие переносные
столики, сделанные из сосны или дуба,
обтянутые кожей или декоративными тканями, а иногда
более тонкой работы — украшенные декором из
резного посеребренного дерева, а иногда
рельефным металлическим рисунком. Столы с
мраморным верхом на каменных опорах с балясинами или
прочных деревянных конструкциях делались в
начале 17 века, сохранились некоторые работы
скульптора Николаса Стоуна (1587 — 1647).
Чарльз I был владельцем нескольких таких столов
(работы неизвестных мастеров). Одни их них были
черного мрамора, другие — белого, третьи —
с инкрустацией. Позже, на протяжении 17 века,
мраморные столы стали встречаться реже, но
иногда использовались для столовой.
ТРЮМО
После Реставрации наиболее интересным
предметом мебели явился стол с зеркалом,
расположенным рядом с простенком и обрамленным
по обе стороны парами гармонирующих друг с
другом подсвечников. Трюмо имели небольшие
размеры и прямоугольную форму. В 1660-х годах
они обычно облицовывались грецким орехом,
иногда со вставленными панелями,
облицованными устричными раковинами или паркетом (тоже
тонкая облицовка с геометрическим рисунком);
ножки делались винтообразными и соединялись
плоскими стретчерами. К 70-м годам 17 века
инкрустированные панели с растительным
орнаментом украшали верхнюю часть стола и иногда его
фриз, который имел неглубокий ящик; ножки
украшались S—образными завитками и
змеевидными стретчерами. Другие столы делались из
черного дерева, с пластинами из чеканного серебра,
некоторые украшались импортируемыми или
черным лаками. В 1690-е годы французская мода
диктовала прямые и сужающиеся книзу ножки с
капителью, украшенной выпукло-вогнутой резьбой
и декорированные завитками стретчеры,
возвышающиеся в центре в виде урны. К концу
столетия эти столы стали изготавливать из резного
золоченого дерева, верхние их части украшались
искусно выполненным резным или
штампованным рисунком.
СТУЛЬЯ И КУШЕТКИ
В 17 веке кресла стали символами
общественного положения; самый большой стул и
скамеечка для ног предназначались для главы семьи, а
другой — возможно, для его жены или званого
гостя. Примерно к 1610 году в любом
аристократическом доме стулья с обивкой заменили более
ранние деревянные стулья и хорошо сочетались
со скамеечками для ног, стульями без
подлокотников и табуретками. Наиболее распространены
были стулья с обивкой в стиле "фартингейл". Они
имели спинку с подушечкой и сиденье, с
промежутком между ними, благодаря чему женщины,
носившие юбку "фартингейл" (юбка с фижмами
из китового уса) могли удобно сидеть на нем.
Покрытие делалось из ткани, напоминающей яркую
вязку турецкого ковра, сукна или кожи.
Плетеные спинки и сиденья для стульев
впервые появились в Голландии в 1660-х годах.
Ранние плетеные изделия имели широкую сетку.
Передний стретчер, опоры, поддерживающие
плетеную панель спинки и возвышающиеся
перекладины (соединяющие обе опоры) были украшены
резным декором; плетеное сидение покрывали
подушками. К 1670-м годам сетка стала более
густой, и увеличилась высота спинки, достигнув наи-
37

МЕБЕЛЬ
БЮРО
Облицовка грецким орехом;
ок. 1700 г.
Предком этого бюро являлся
сундук для письменных
принадлежностей 16 веко и сундук с
ящиками Выемка но уровне коленей
создает удобство для сидения, и,
кроме того, в нем много место
для хранения розных вещей. Глу»
бокое пространство над ящико-
ми использовалось для хранения
питьевой воды, которой можно
было пользоваться только при
закрытии створки письменных
отделений Пространство между
ящиками украшено полукруглым
литым декором Искусно
выполненные орнаментальные щиты,
ручки в виде капель,
напоминающих по форме грушу и ножки в
виде булочек, характерны для
конца 17 столетия. (Справа).
КРЕСЛО
Грецкий орех, с плетеной
спинкой и сиденьем;
ок. 1070г.
Плетеное сиденье с широкой
сеткой следовало бы покрыть
подушкой. Спиралевидные опоры
ножек и спинки позже уступили
место ножкам, украшенным
завитками, и резному декору. В
этом переходном стуле
возвышения, рамко задней панели и
передний стретчер
воспринимаются кок декоративные
пространство. (Слева).
большей высоты к концу века. Более ранний
прямой стретчер и перекладина были заменены
остроконечными и изогнутыми формами.
Кресла делались с прочной обивкой и
утратили свой "фартингейлский" промежуток;
наиболее удобными были кресла с подлокотниками.
Большая часть кресел в конце 17 века делалась из
грецкого ореха, но некоторые из бука, который
окрашивался в черный цвет или "эбонизировал-
ся" (от слова "ebony" — черное дерево), чтобы
походить на дорогую импортируемую породу
дерева.
Стулья "сгабелло" (резные, частично
золоченые деревянные стулья с двумя прочными
опорами на месте ножек) в 1630-е годы обычно
изготавливались из грецкого ореха, как в Англии, так и в
других странах.
Кушетки. Кушетки, относящиеся в основном
ко второй половине столетия, имели плетеное
сидение и один плетеный конец, резные
возвышающиеся перила и восемь ножек, соединенных стрет-
38

17 ВЕК, АНГЛИЯ
лись как сейфы; другие, несколько менее
надежные, делались в железном переплете;
большинство отделывались панелями; некоторые
украшались резьбой. Сундуки менее других предметов
мебели подверглись влиянию моды, и
изготовленные в следующем столетии напоминали те,
которые были сделаны сто лет назад. Металлический
сундук (коффр) представлял собой тип сундука с
куполообразной крышкой и деревянной частью,
отделанной кожей или материей; подобные
сундуки изготавливались спецальными мастерами,
принадлежавшими к компании по продаже кожи.
Большие сундуки использовались в качестве
дорожных сундуков во время путешествий. Они
имели кожаные чехлы, закреплявшиеся с
помощью декоративных медных гвоздей, а уголки для
большей прочности обивались металлом.
Небольшие сундуки обивались бархатом или
декоративным шелком и использовались для сидения перед
туалетными столиками, а также в качестве
футляров для ювелирных изделий.
СТЕННЫЕ И КНИЖНЫЕ ШКАФЫ
В начале 17 века стенной шкаф, предмет
мебели для хранения с открытой передней частью,
состоял из трех полок на резных подставках, с
декоративным фризом. (Один из видов, известный как
дворцовый стенной шкаф или буфет, имел
закрытую верхнюю секцию). Буфеты ставились в залах,
гостиных и столовых для демонстрации серебра; в
конце прошлого века Вильям Харрисон заметил,
что "в домах рыцарей, джентльменов и купцов"
он видел "дорогие буфеты со столовым серебром,
стоившим пятьсот, или шестьсот, или тысячу
фунтов" (имелось в виду столовое серебро, а не
мебель, которая ценилась невысоко).
Более практичное, чем декоративное,
применение имел дубовый стенной шкаф с
закрывающимися дверцами, внутри которого были полки и
вешалки для одежды.
Едва ли книжные шкафы были в начале 17
века; обычно достаточно было нескольких
висячих полок или сундука. Однако, по мере того, как
покупка книг приобретала все большую
популярность, возрастала необходимость в их удобном
хранении. В 1666 году Самюэль Пепис заметил в
своем дневнике, что он заказал у столяра книжные
шкафы, и они уцелели до сих пор, как и другие
экземпляры. Они делались с крутым рельефным
карнизом (литым выступом наверху),
полированными дверцами и передвижными полками.
КНИЖНЫЙ ШКАФ
Дуб;ок.1670г.
Полированные дверцы
предохраняю» «нити, о резной литой
декор тонкой роботы отделяет
верхнее отделение от нижнего,
образу* глубокий карниз. Подобный
тип шкофа сохранился в 18 в.
(Сверху)
черами. Позже на них стали делать мягкое
сиденье и край. Кушетка, предшественница
современной софы, имела два конца и спинку. В 1690-х
годах у нее была удобная подушка и высокая,
определенной формы спинка.
ЗАКРЫВАЮЩАЯСЯ МЕБЕЛЬ
В 17 столетии сундуки, сделанные столярами
обычно из дуба, оставались традиционной
формой мебели для хранения самых разнообразных
предметов, начиная от книг и бумаг и кончая
бельем и одеждой. Некоторые из них обивались
железом, имели массивные замки и использова-
комоды
В 17 веке в Англии изготовление мебели не
претерпело много нововведений; однако, в это
время появился новый компактный, практичный
комод. Ранние экземпляры были массивными и
тяжелыми, делались преимущественно из дуба,
иногда с инкрустацией из кости или жемчуга.
Некоторые имели двойные дверцы, при открывании
которых были видны внутренние ящики; у других был
только один глубокий ящик наверху или внизу (в
то время еще не появился стандартный комод с
самым глубоким ящиком внизу и все более и
более мелкими друг над другом). Спереди ящики были
39

Е Б Е Л Ь
украшены фламандским декором, либо со
шлифованными панелями, либо с геометрическим литым
орнаментом и балясинами; часто детали
обработанного дерева расщеплялись в вертикальном
направлении и приклеивались к поверхности ящика.
Ручки были довольно простыми, деревянными.
Начиная с 1660-х годов конструкция
комодов усовершенствовалась. Дуб был заменен
грецким орехом, ручки у ящиков стали делать
в виде медных капель, а к концу века переднюю
и боковые стороны ящиков стали украшать
инкрустированными панелями с цветочным
рисунком или изображением морских водорослей (см.
ящик на стр. 35), что, помимо пользы,
придавало комоду дорогой и декоративный вид.
Некоторые комоды делались на подставках и своими
спиральными точеными ножками и
изогнутыми стретчерами напоминали шкафы с
выдвижными ящиками.
ШКАФЫ
С ВЫДВИЖНЫМИ ЯЩИКАМИ
Шкаф с выдвижными ящиками на подставке
был самым новым и модным видом мебели в 17
веке. В предыдущем веке такой шкаф представлял
собой просто небольшой портативный ящик либо
с двумя дверцами, либо с опускающейся передней
частью, который ставился на стол в спальне или в
кабинете и служил местом для хранения
драгоценностей, миниатюр или бумаг. Шкафы на
подставках, используемые в спальнях, больших
комнатах и длинных галереях, казались более
прочными и очень декоративными.
КОМОД
Дуб, с инкрустацией
падуба и болотного дуба;
ок. 1660 г.
Передние понели ящиков, комтро-
стные по цвету, инкрустированы
в дубовую конструкцию с простым
лиственным орнаментом. Боковые
панели украшены балясинами,
применявшимися в начале 17 в.
в декоре кроватей и столов.
(Сверху)
ШКАФ НА ПОДСТАВКЕ
Грецкий орех с отделкой
в технике маркетри;
Ок. 1680г.
Фон из грецкого ореха
облицован устричными роковиноми;
сравнительно бледный фон оттенен
инкрустированными понелями из
черного дерево, со
светло-коричневыми вставками и зеленым
цветом в окраске птиц, листвы и
цветов. (Слево).
В 1620-х и 1630-х годах многие подобные
шкафы привозились из Европы. Париж
специализировался на шкафах, облицованных черным
деревом. Они были настолько популярны, что
изготовители шкафов во Франции назывались
столярами-краснодеревщиками; шкафы делались также в
Аугсбурге в Германии, отделка которых
дополнительно украшалась серебряными литыми
деталями (ручками, угловыми окантовками и т.д.).
Другие шкафы тонкой работы привозились из
Италии. Англичанин Джон Эвелин (1620 — 1706) был
обладателем особенно изысканного шкафа,
сделанного во Флоренции. Он был инкрустирован
панелями из цветного твердого камня и украшен
литыми деталями из золоченой бронзы. Шкаф Эвелина
отличался тем, что не имел внешней дверцы,
скрывающей небольшие ящики, что в середине века
стало стандартной конструкцией. В конце 17 века
благодаря карнизу получился еще один ящик, но
без ручки.
ДЕКОРАТИВНАЯ ОБЛИЦОВКА
И ПОКРЫТИЕ ЛАКОМ
После Реставрации изготовление шкафов с
выдвижными ящиками увеличилось. Обычно они
имели подставку, гармонирующую с ним по
цвету, с шестью ножками и стретчерами. Рисунок
ножки видоизменяется от спирально точеной до
ножек в виде волют и конической формы. Одни
шкафы делались из грецкого ореха и украшались
либо вставками из устричных раковин, либо —
цветочной инкрустацией (см. ящик); другие —
из экзотических пород дерева или других пород
натуральной древесины, таких, как золотой
дождь обыкновенный, срезы которого в попереч-
40

17 ВЕК, АНГЛИЯ
ном сечении создавали замечательные
контрасты света и тени.
Мода на изделия, покрытые лаком (твердая
блестящая отделка, часто черного цвета с
золотистым украшением) пришла из Китая и
Японии, откуда привозились шкафы и ширмы. В
1670-е годы эта мода превратилась в повальное
увлечение, спрос не удовлетворял предложение,
и был изобретен заменяющий процесс —
лакировка, которая давала тот же эффект.
Покрытые лаком и лакированные шкафы обычно
устанавливались на опорах, не гармонирующих по
тону, но богато украшенных золоченой
деревянной резьбой.
Нововведением шкафа явился секретер.
Обычно облицовывался грецким орехом и имел ту же
конструкцию маленьких ящиков, что и шкаф с
выдвижными ящиками, но вдобавок у него была
опускающаяся передняя часть (откидная доска),
на которой можно было писать.
ИСКУСНОЕ
ОБРАМЛЕНИЕ
Кровать являлась наиболее ценным элементом
в доме 17 века из-за дорогих драпировок. У
больших кроватей имелся балдахин (деревянный
полог, опирающийся на столбики) и занавеси;
некоторые имели резную переднюю стенку и два стол-
ШКАФ НА ОПОРЕ
Дерево 'золотой дождь"
с серебряными вставками;
Он 1670г.
Интересная росцветко
облицованного устричными раковинами
"золотого дождя' соэдоет яркий
эффект, с которым контрастируют
простые спиральные точеные
ножки. Особую изысканность
придают серебряные вставки. (Сверху)
МОДЕЛЬ КОРОЛЕВСКОЙ
СПАЛЬНИ В ХЭМ-ХАУСЕ,
СЮРРЕЙ
Ок. 1680 г.
Кровать слегка приподнята над
полом и ограждена балюстрадой.
Кровать под балдахином
украшено богатыми драпировками; стро-
усовые перья в вазах дополняют
богатую отделку. По обе
стороны от кровати стоит по паре
стульев с аналогичной драпировкой,
о слева шкаф из слоновой кости
но опоре. (Справа).
41

Е Б Е Л b
ТРЮМО
Стекло с гравировкой
золотом и резное золоченое
дерево;
Ок. 1700г.
Это удлиненное трюмо
типично для конца столетия; в
геральдическом ухрошеиии видны еле*
ды барокко, характерные для
рисунка континентальной мебели,
Благодаря гравировке золотом
создается порозительноя
красочность. (Внизу)
ЗЕРКАЛО
Вышивка; рама из грецкого
ореха; ок. 1660 г.
Широкие и декоративные ромы
применялись доже но небольших
зеркалах. Но донном зеркале
изображены Чарльз II с
королевой; выполнено из вышитого
цветного шелка на фоне шелка
цвета слоновой кости. Рельефные
листья вышиты металлической
ниткой и обрамляют
центральное отделение, вся композиция
вставлена в полукруглую рому,
отделанную грецким орехом.
(Сверху)
вати. Но подобные кровати были вытеснены
более модными, французским, у которых не было
заметных деревянных частей.
После Реставрации в 1660 году кровати
становятся еще более усовершенствованными и
дорогими. Внешняя часть французской кровати была
богато декорирована, с бахромой вокруг балдахина.
Одним из великолепных образцов, сохранившимся
до наших дней, является парадная кровать,
возможно работы столяра Томаса Робинса, изготовленная
им для короля Джеймса II, в настоящее время
хранящаяся в Ноле, Кент. Кровать составляет
ансамбль с парой кресел и шестью табуретками,
обитыми генуэзским бархатом. Кровать и сидения
имеют резные золоченые ножки, украшенные
головками херувимов и королевскими гербами.
В 1690-х годах, подобно спинкам стульев и
зеркалам, кровати приобретают внушительно
высокий вид. Кровать Мелвиля (в настоящее время
в Музее Виктории и Альберта в Лондоне)
благодаря своей высоте, равной 4,6 м (15 футов), и
изысканным драпировкам представляет
замечательный образец этого стиля.
42

17 ВЕК, АНГЛИЯ
ЗЕРКАЛА
Некоторые зеркала делались в Англии в
начале 17 века, но они были плохого качества, и во
многих домах оставались зеркала из
полированной стали. Зеркальное стекло, обычно
привозимое из Италии, было роскошью. В 1630-е годы
вошло в моду вставлять его в раму из черного
дерева в форме литого волнообразного узора,
придающего особое великолепие. Ко времени
Реставрации рамы зеркал стали украшаться
рельефными изображениями.
В 1663 году основание стекольного производства
в Воксхолле привело к более широкому
распространению зеркального стекла. В 1660-е и 1670-е годы
наиболее характерные рамы для зеркал были
широкими и выпуклыми, имели прямоугольную форму и
отделывались тонким слоем грецкого ореха. Другие
рамы также облицовывались, наиболее простые —
грецким орехом, а некоторые — черным деревом
или черепаховым панцирем.
Рамы для трюмо делались либо
лакированные, либо изготавливались из черного дерева, с
серебряной оправой, или из чистого серебра. В
1690-е годы трюмо стали выше: геральдическое
украшение наверху стало заменяться второй
пластиной зеркала в раме. Рамы выполнялись из
резного золоченого дерева, цветного стекла или
стекла с золотой гравировкой. Зеркала с
резными украшениями иногда прикреплялись к
панельной обивке.
КАРТИННЫЕ РАМЫ
Картинные рамы и рамы для зеркал
делались одними и теми же мастерами, и они были
похожи друг на друга. Рамы черного дерева с
волнообразным литым декором были
распространены в начале 17 века, как и рамы из
резного золоченого дерева или черепаховые,
окаймленные черным деревом. Некоторые
декорировались серебром.
г-
ГРИНЛИНГ ГИББОНС
(1648 — 1721)
Родившись в Роттердаме у родителей-
англичан и учившись на скульптора,
Гиббоне в 19 лет покинул Голландию и
приехал в Англию, где прославился своей
декоративной детальной и
натуралистичной резьбой по дереву. Джон Эвелин в
своих дневниковых записях писал о том,
как открыл его и представил королю
Чарльзу 2 и сэру Кристоферу Рэну, для
которых Гиббоне выполнил много работ,
многие из них в камне.
Начиная с 1677 года, Гиббоне работал
в Виндзорском замке, где часть его
великолепной резьбы сохранилась в
украшении частной столовой: вокруг
живописи над камином, мертвая дичь,
фрукты и цветы, собранные в гирлянды
над пучками лент. Он также работал над
украшением Хэмптонского двора и Кен-
сингтонского дворца. Для последнего он
изготовил золоченые барочные рамы для
двух зеркал над камином в Королевской
галерее, в которых деревянная резьба
воспроизводит драпировки, трубы и
гирлянды листвы.
Его блестящее мастерство позволило
ему добиться замечательного
реалистического эффекта, как, например, в резном
изображении кружевного галстука в
Чэтсворте, Дерби-шир.
ГРИНЛИНГГИББОНС
РЕЗЬБА; ПЕТВОРТХАУС,
CACCEKC
Липа; около 1690 года.
43

ЕБ Е Л Ь
В РЕЗУЛЬТАТЕ РОСТА бЛАГОСОСТОЯНИЯ СрЕДНЕГО КЛАССА бОАЬШЕ
алло появляться скромной, непритязательной ме6ели
ХОРОШЕГО КАЧЕСТВА, ЧАСТО СДЕРЖАННОЙ В ДЕКОрЕ ПО СРАВНЕНИЮ
С АНАЛОГИЧНЫМИ КОПИЯМИ НА КОНТИНЕНТЕ.
18 ВЕК, АНГЛИЯ
Грецкий орех; начало 18 в.
Подобно многим предметам
мебели этого периоде для него
характерно тонкая отделко грецким
орехом и декоративные
поперечные полоски.
Направления в английской мебели конца 17
века — появление англо-голландского
стиля, укрепление мастерства драпировки и
изготовление шкафов и преимущественное
использование грецкого ореха — были продолжены в
период правления Анны (1702 — 1714) и Георга
1 (1714 — 1727). Непритязательность стала
отличительной чертой мебели этого времени и
сохранялась на протяжении всего столетия.
Однако у мебели не было недостатка в цвете — это
было царство драпировок, и мебель для сидения
щедро украшалась вышитой тканью, камчатым
полотном, шелками и бархатом. Ими
драпировались также кровати и окна. В начале столетия в
моде продолжала оставаться лакировка
(имитация покрытия лаком), которая применялась для
украшения небольших предметов, например
туалетных зеркал, дамских комнат и угловых
буфетов, а также более парадных предметов
мебели типа шкафов на подставках.
МЕБЕЛЬ НАЧАЛА 18 ВЕКА
На рубеже веков произошла эволюция
сундука на подставках типа высокого комода в
большой шкаф-бюро. Некоторые из них имели два
куполообразных завершения, у других был
прямой карниз (с литым выступающим
завершением). Место для хранения располагалось
по-разному: ящики могли находиться на расстоянии
от центральной части шкафа, но наиболее
распространены были три или четыре ящика под
откидывающейся вниз секцией бюро. Наверху
могли располагаться зеркальные дверцы (в
узких шкафах одна дверца), за которыми
находились полки или небольшие отделения или могли
быть просто облицованные (или лакированные)
дверцы.
Такие предметы мебели, создаваемые для
украшения гостиных в модных домах, наиболее
роскошно украшались; отделка часто выполнялась
под ценные породы дерева или под мрамор, для
изготовления мебели бралось тутовое дерево,
грецкий орех, вяз или "золотой дождь";
лакировка применялась в блестящих красных или
черных тонах, популярностью пользовалась и с
характерной рельефной китайской орнаментацией.
Ножки для кабинетов и сундуков в начале 18
века делались в виде булочек (плоские
шарообразные ножки), но постепенно они уступили
место ножкам на кронштейнах (в форме правоуголь-
ных кронштейнов), которые были
распространены до 19 века. Высокие комоды продолжали
использоваться для хранения, превратившись в
середине века в шкаф-гардероб, в котором внизу
находились ящики, а наверху полки с буфетом.
Стиль королевы Анны наиболее тесно
связывается с эволюцией гнутых (дважды изогнутых)
ножек мебели. Стретчеры в виде буквы Н
(горизонтальные распорки, соединяющие ножки)
ранних стульев с гнутыми ножками вскоре ушли в
прошлое, уступив место слегка змеевидным
ножкам, которые заканчивались подушечкой. Ножки
44

18 ВЕК, АНГЛИЯ
ЛОНДОНСКИЕ ФИРМЫ 18 ВЕКА ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ ШКАФОВ
Геррит Йенсен
раб. 1680-1715
Делал мебель для Чарльза II, Вильяма, Марии и королевы Анны и представителей
аристократии. Создавал сложные инкрустации по металлу на фоне темных и
светлых пород дерева и черепахи. Более поздняя мебель его работы украшена
инкрустацией по дереву.
Фирма Джона Гамли и
Джеймса Мура
1714-1726
Поставлял зеркала и позолоченные столы. Специализировался на позолоченной
мебели.
Фирма Хью Грейнджера 1692-1706
Высококачественная закрывающаяся мебель, отделанная грецким орехом и
обточенной древесиной.
Сэмюэль Беннетт
1695-1741
Высококачественная мебель, отделанная грецким орехом и обточенной
древесиной.
Фирма Кокет энд Вустер 1700-1736
Мебель, отделанная грецким орехом, тутовым деревом или обточенной
древесиной, иногда с поперечными полосками и инкрустацией по металлу.
Фирма Жиля Гренди
1726-ок.1770
Изготавливал мебель из грецкого ореха и красного дерева. Экспортировал
лакированные изделия.
Бенджамин Гудисон
ок. 1700-1767
Изготавливал мебель для королевской семьи. Созданная им мебель была частью
общей архитектурной композиции.
Томас Чиппендейл
1718-1779
Создавал высококачественную мебель для семей среднего и высокого достатка.
Публиковался в "Директоре", каталоге всех известных в середине 18 века стилей
Джон Ченнон
1711-ок. 1783
Специализировался на изготовлении крупномасштабных предметов каркасной
мебели с искусными тайными приспособлениями, богато отделанной вставками из
золоченой бронзы; письменных столах и шкафах с медной инкрустацией.
Фирма Вильяма Вайла
и Джона Кобба
раб. 1751-1764
Ведущие мастера по изготовлению мебели в 1750 — 1760-е годы, делали
высококачественную мебель для королевской семьи и аристократии.
Вильям Холлетт
ok.1707-ok.1781
Очень модная мебель в период правления Георга II.
Самуэль Норман
раб. 1746-1767
Ведущий резчик и позолотчик; поставлял мебель для королевского двора и
аристократии. Партнер Джеймса Уиттла.
Джеймс Уиттл
раб. 1731-1759
Высококачественная резная золоченая мебель.
Фирма Джона и Вильяма ^ j$q- \ 763
Линнел
Ведущие мастера по изготовлению мебели, резчики и драпировщики 1750-х и
1760-х годов, работали в стиле рококо, китайском и неоклассическом стилях.
Фирма Вильяма Инса
и Джона Мейхью
1758-1804
Высококачественная мебель; автор "Универсальной системы домашней мебели
(1759-1762)
с более сильными изгибами появились позже, а
"коленки" или выпуклости в верхней части
ножек часто украшались резными медальонами в
виде раковин; в правление Георга I ножка
обычно представляла собой львиную лапу, шарик или
просто лапу с когтями разнообразной формы.
Спинки стульев в эпоху королевы Анны и начале
правления Георга также имели змеевидную
форму, с вазообразными центральными
вертикальными подпорками из тонко отделанного грецкого
ореха или резными раковинами наверху,
которые иногда частично золотились. Обивка
стульев усиливала красочную гамму (лакированные
стулья примерно того же рисунка часто имели
тростниковое сиденье и спинку).
Еще более живописными — и удобными —
были стулья, комплектами которых теперь
охотно обставлялись дворянские дома: приставные
стулья с сиденьями разнообразной формы и за-
СТУЛ
ДЛЯ ОБЕДЕННОГО
СТОЛА
Грецкий орех; ок. 1730 г.
Формо сиденья этого сгуло,
ровно кок и свирепые львиные мое-
ки в верхней части его гнутых
ножек, характерны для лучших
предметов мебели для сидения в
период ночоло правления
Георга I. Передние ножки украшены
резьбой; центральной
вертикальная подпорка выполнена в
форме вазы; обивка сиденья
украшено вышивкой.

Е Б Е Л Ь
кругленными спинками обивались яркими
разноцветными тканями ручной работы, иногда с
подлокотниками из волнистого грецкого ореха,
и в тон стульям делалась обивка диванов.
Наиболее великолепно выглядели нарядно
задрапированные и украшенные подушками
"раздвижные" стулья этого периода.
Другой характерной чертой стиля королевы
Анны и начального периода правления Георга I
было распространение небольших, прекрасно
выполненных предметов мебели, таких, как
столы для чая, горки с фарфором или вышитые
изделия ручной работы. Круглые столы на трех
ножках, напоминающие лапу с когтями,
делались в различных стилях; столы со
складывающимися крышками часто украшались
декоративными вставками. Туалетные столики, небольшие
комоды, столики, стоящие в простенках между
мебелью, а также небольшие буфеты и
серванты для показа фарфора также пользовались
популярностью.
В любом доме, богатом или скромном,
кровать была наиболее дорогим предметом
обстановки. Сохранилось несколько "обыкновенных"
кроватей начала 18 века; конструкция их,
скрытая под ценными драпировками, делалась из
мягких пород дерева или бука, подверженных
разрушению древесными червями и гниению.
Сохранилось много парадных кроватей с первой
половины 18 века, в которых ощущается влияние
гугенотского декоратора и дизайнера мебели
Даниеля Маро (1663 — 1752). Многие кровати
имеют балдахин, поддерживаемый четырьмя
столбиками, которые скрыты под роскошными
ткаными драпировками; другие имеют лишь
половину балдахина, выступающую над
изголовьем кровати и поддерживаемую с потолка.
Геррит Йенсен (1680 — 1715) считается
первым английским мебельным мастером,
добившимся славы. Пользуясь хорошей репутацией до
революции 1688 года, он изготовил стол,
этажерку и зеркало для Чарльза II (1660 — 1685).
Эти предметы мебели не сохранились, но
примеры изысканной инкрустации, выполненные им
для Вильяма и Марии (1689 — 1702) и для
королевы Анны (1702 — 1714) до сих пор
находятся в королевской коллекции. Его
замысловатое искусство инкрустации по металлу,
несомненно, находилось под влиянием знаменитого
французского мастера по изготовлению шкафов
Андре-Шарля Буля (1642 — 1732), но у него
формы более мягкие, серебряные и медные
инкрустации с темными и светлыми породами
дерева и черепаховой отделкой. В более поздних
работах, в том числе нескольких предметах
обстановки для королевы Анны Йенсен отказался от
инкрустации по металлу в пользу лакировки и
маркетри с рисунком морских водорослей
(рисунок, напоминающий тонкие морские растения)
поразительной сложности.
Джон Гамли (1691 — 1727) и Джеймс Мур
(около 1670 — 1726) поставляли большие зер-
/
|
ПИСЬМЕННОЕ БЮРО
Грецкий орех; правление
Георга 1(1714-1727)
Это письменное бюро отделоно
грецким орехом и обромлено
полосой с украшением в виде
перьев; наклонная откидной крыш*
ко скрывоет ящики и отделение
для бумаг. Этот тип бюро
оставался образцом в течение всего
18 в. (Сверху).
ЗЕРКАЛО
Отделка грецким орехом
ок. 1740 г.
Резной золоченый декор выдер-
жон в сдержанных традициях
английского рококо. (Слева)
46

18 ВЕК, АНГЛИЯ
кала, роскошные позолоченные столы и
этажерки членам королевской семьи и дворянству.
Магазин зеркал Гамли в Стрэнде стал модным
местом для встреч, где можно было приобрести
столы, шкафы с выдвижными ящиками,
письменные столы и книжные шкафы. Мур
специализировался на изготовлении мебели с
барельефными изображениями переплетающихся полосок
или листьев, вставлявшихся перед золочением
в гипс. Несколько его работ сохранилось как в
королевской коллекции, так и в Бленгеймском
дворце. Сын Мура Джеймс (ок. 1690 — 1734)
изготавливал шкафы и стулья для Фредерика,
принца Уэльского, и работал вместе с
архитектором Вильямом Кентом (1685 — 1748).
Кент был одним из первых дизайнеров,
который рассматривал предметы обстановки как
часть общей композиции. Его мебель
характеризуется громоздкими архитектурными формами,
барочной золоченой пышностью, которая
подходила лишь для дворцовых интерьеров, но его
творчество в более поздние годы 18 века
оказало значительное влияние на последующих
дизайнеров и на возникновение в Англии
неоклассического стиля.
Модную мебель, в отличие от
провинциальной, трудно приписать авторству каких-то
определенных мастеров (на авторских работах
ставилось имя автора), и многие мастера по
изготовлению высококачественной мебели для
дворянства остались неизвестными. Из тех немногих,
ЛАКИРОВАННОЕ
КРЕСЛО
ЖильГремди;
ок. 1730г.
Это кресло из комплекте стульев
с тростниковыми сиденьями;
формы перекрещивоющихся стретче-
рое (которые в это время стали
применять многие онглийские
мостеро по изготовлению
шкафов); китойские фигурки с
европейской внешностью и
высококачественная золотисто-красная
лакировко характерны для робот
Греной, большая чость которых
экспортировалось в другие страны.
(Спрова)
ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ
Возможно, по проекту
Вильяма Кента, изготовлен
резчиком Джоном Босоном
Красное дерево с частичным
золочением; ок. 1735 г.
Это одно из поры трюмо и
столов, украшено совами;
изготовлено для Чизвик-хоусо, паллоди-
онской виллы в окрестностях
Лондона, принадлежавшей третьему
грофу Берлингтонскому.
47

Е Б Е Л Ь
кто пользовался торговыми знаками или
подписывал свои имена, Хью Грейнджер, Сэмюэль Бен-
нет и Коксед энд Востер занимались
изготовлением изящной закрывающейся мебели,
отделанной в основном грецким орехом или
обработанным деревом, в 1700 — 1730 гг. Другой мастер,
Жиль Гренди (1693 — 1780) работал в основном
используя грецкий орех и красное дерево.
ОТ ПАЛЛАДИАНСТВА К РОКОКО
Палладианское движение 1720-х и 1730-х
годов (возрождение классических римских
стилей) совпало с постепенным переходом от
грецкого ореха к красному дереву. Блеск и прочность
последнего делают его идеальным материалом
для стульев, с вьющимся резным орнаментом, а
также для архитектурных форм мебели
Вильяма Кента и его современников, среди которых
королевский мебельный мастер Бенджамин Гу-
дисон (ок. 1700 — 1767) был наиболее
значительным.
Несмотря на то что представители паллади-
анства вводили строгие классические формы в
рисунок и декоративное оформление
английского загородного дома, в Англии наряду с этим
приобретало популярность французское рококо.
Это неудивительно, если принять во внимание
большое число работающих в Англии мастеров-
иммигрантов и наличие многочисленных книг по
гравировке и архитектурным стилям с работами
ведущих французских дизайнеров. Особым
вниманием пользовались работы таких граверов, как
французский иммигрант Губер Гравло (1699 —
1773). Быстро распространялись новые веяния
в изготовлении мебели, и она приобретала
фантастические черты стиля рококо, с его
беспокойными асимметричными изгибами и
закруглениями. Резные золоченые деревянные изделия
изображали водопады, спускающиеся с горных
вершин, на фоне шелестящих ветвей пальм или
аканта; райских птиц, парящих над гирляндами
цветов; херувимов и китайцев, смотрящих сквозь
позолоченные перспективы раковин и листвы.
Среди многих английских книг по дизайну
рококо наибольшим влиянием пользовались
произведения Томаса Джонсона (1714 — ок. 1788)
и Маттиаса Локка (1740 — 1765), которые были
замечательными педагогами по резьбе по
дереву, а также авторами очень живых композиций.
В 1750-е годы рококо включало в себя готику, а
также китайские фантазии. Все это вошло в
книги архитектурных стилей, выпущенные в
1750-х и 1760-х годах, наиболее известной из
которых была "Джентльмен и директор фирмы
по изготовлению мебели" (1754, 1755 и 1759 —
1762), написанная мастером по изготовлению
мебели и мебельным дизайнером Томасом
Чиппендейлом (1718 — 79).
ВЛИЯНИЕ ЧИППЕНДЕЙЛА
Книга Чиппендейла стала первым пособием
по дизайну, в котором описывались все виды
мебели. Ее успех был обеспечен тем, что в ней
все современные декоративные стили давались
в доступной форме как для изготовителей
мебели, так и для их клиентов, благодаря чему
название "Чиппендейл" стало характерно для
мебели середины 18 века. Для последующих
поколений "Директор" явился бесценным
путеводителем по множеству декоративных стилей,
существовавших в период нетитулованного
мелкопоместного дворянства. Практически вся
мебель этого времени имеет отношение к стилю
рококо. Даже в спокойных по рисунку
библиотечных книжных шкафах в палладианских
архитектурных формах проглядывают цветочные
орнаменты в стиле рококо наряду со следами
готики и китайскими лепными украшениями.
Начиная с 1720-х годов, спинки стульев с
упадком влияния Маро, становятся менее
продолговатыми. В 1750-е годы они приобретают
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
Красное дерево;
ок. 1760 г.
Этот стул в стиле чиппендейл в
декоре спинки включоет в себя
элементы китойского стиля и
готики. (Сверху)
КРЕСЛО
Ок. 1750г.
Великолепноя резьбо и
позолоте этого кресло, несущего в себе
черты оиглийского рококо,
элегантно контрастирует с глодкими
линиями его обивки.
48

1
СУНДУК ДЛЯ ПИСЬМА
ИТУАЛЕТА
Джон Ченнон
Красное дерево и золоченая
бронза; ок. 1750 г.
Ченнон работал в Лондоне по
изготовлению кобинетов, и в его
роботах ясно чувствуется
влияние Германии. Сильно изогнутые
передняя и боковые стороны
этого предмета мебели, богатая
отделка красным деревом и
инкрустация по меди вокруг ящиков,
о также высокое кочество вето-
вок из золоченой бронзы (см.
деталь выше) — явно
принадлежат Ченнону. Ящик под фризом
поддерживется срезанными
углами, пловно соединяющимися с
ними. Во многих роботах Ченно-
но имеются спрятанные или
скрытые механизмы для ящиков или
дверей.
прямоугольную форму, слегка расширяющуюся
кверху. Верхняя часть стула часто завершалась
выступающими "ушами"; центральная подпорка
украшалась резьбой со сложными
органическими формами, листьями аканта, лентами,
раковинами, готическими арками или китайским
геометрическим орнаментом. Все это сочеталось с
резьбой на верхней части ножек и передних
гнутых ножках; ножки в виде завитков становились
более модными, по сравнению с шаровым
завершением, в виде лапы с когтями или подушечки.
Некоторые стулья этого периода имели прямые
передние ножки, украшенные каннелюрами или
резной каймой, и были укреплены стретчерами.
Сидения обычно делались с обивкой, но стулья
с узкой спинкой в вестибюлях имели, как
правило, деревянное сиденье.
Стулья с драпированными спинками, так же,
как и сиденьями, назывались французскими
стульями, вне зависимости от того, имели ли они
круглые контуры, разнообразные гнутые
ножки, резной золоченый каркас в стиле
французского рококо или минимальное количество
декора и тип прямоугольной спинки, за которую
теперь мы называем эти стулья "стульями Гейнс-
боро". Столы — для завтрака, для бритья, чая,
игр. шитья, письма, фарфора и в виде "лапы" —
имели разнообразную конструкцию, как и
кровати. Шкафы в виде горок с выставленным в
них фарфором, этажерки, зеркала, ширмы и
многое другое выпускалось для растущего
числа зажиточных людей.
Это был золотой век для изготовления
мебели: сотни мастеров с помощью книг по дизайну
занимались изготовлением мебели в больших
городах по всей стране. Однако Лондон
оставался главным центром мебельной торговли, и
талантливые мастера, желающие
усовершенствовать свои навыки, стремились открыть там свои
мастерские. Наибольшим успехом пользовались
Джон Ченнон (1711—ок. 1783), который
специализировался на изготовлении
крупномасштабной каркасной мебели с оригинальными
скрытыми приспособлениями и богатыми вставками
из золоченой бронзы, отражающими влияние
континентальной мебели; Вильям Вайл (около
1700 — 1767) и Джон Кобб (около 1715 — 1778),
Вильям Холлетт (около 1707 — 1781), Самуэль
Норман (1746 — 1767), Джеймс Уиттл (1731 —
1759), Вильям Инс и Джон Мейхью (1758 —
1804), и Вильям (около 1703 — 1763) и Джон
(1729 — 1796) Линнелл, какждый из которых
поставлял мебель высочайшего мастерства и
современную по стилю.
49

ЕБ Е Л Ь
ТУАЛЕТНЫЙ СТОЛИК
возможно, работы Пьера
Ланглуа
Тюяыш ■ юо дерево
и золоченая бронза;
ок. 1770г.
Передняя чосгь декорировоно
цветочными понелями в стиле мор-
кетри, о но столешнице — фозон
среди цветов. По кроям от под-
нимоющегося зеркало
расположены ящички для туолешых
принадлежностей Весь столик выдер-
жон во французском стиле,
модным в 1760-х и 1770-х годах и
приписывается французскому
иммигранту,
столяру-краснодеревщику Лонгпуо, который
прославился 'самыми разнообразными
диковинными инкрустациями, в
особенности комодами в
иностранном вкусе'.
Мода очень быстро распространялась в
Англии в середине 18 века: рококо пришло с
опозданием, и его расцвет оказался сравнительно
коротким. В то же время самые шикарные дома
обставлялись "французскими" стульями,
украшенными лакировкой или маркетри (с
выпуклыми ножками с боков и спереди), комодами и
причудливыми резными золоченым зеркалами,
пока не заявил о себе неоклассицизм.
НЕОКЛАССИЦИЗМ
Классические идеалы уже хорошо
укоренились в Англии, особенно благодаря палладиан-
скому движению, основанному на
археологических раскопках, которые дали фундаментальные
образцы для большей части мебели 1750-х
годов, с элементами орнамента в стиле рококо.
Археологические раскопки Помпеи и
Геркуланума в середине 18 века совпали с
повсеместным уменьшением интереса к орнаменту
рококо и вызвали новое увлечение классической
античностью. Гравировки подобно работам Джам-
баттиста Пиранези, восстанавливающие в
памяти видения римских руин, и
иллюстрированные книги по археологии подливали масла в
огонь, и в репертуар архитекторов и
изготовителей мебели вошло огромное разнообразие
орнаментальных мотивов, многие из которых
взяты из стенных росписей Помпеи и
Геркуланума. На протяжении оставшихся лет 18 века и
по крайней мере в первое десятилетие 19 века
мастера стремились к огромной
археологической точности в своих классических
интерпретациях.
Среди первых представителей
неоклассического стиля был архитектор Джеймс "Афинский"
Стюарт (1713 — 1788), который провел больше
десяти лет среди римских и афинских руин и
опубликовал ценный путеводитель "Афинские
древности" (т.1 — 1762). Стюарт создавал
мебель для Кедлестон-холла в Дербишире и Дома
Спенсера в Лондоне, с декором в виде резных
грифонов, каннелюр, розеток, стилизованного
изображения жимолости и другие мотивов,
которые вскоре нашли одобрение. Сэр Вильям
Чемберс (1723 — 1796), другой любитель
путешествий, написал книгу по восточному дизайну
— "Проекты китайских зданий, мебели,
одежды, машин и посуды" (1757), которая также
внесла свой вклад в развиие неоклассицизма в
Англии.
Ни один дизайнер, однако, не работал столь
плодотворно, как Роберт Адам (1728 — 1792).
Подобно Стюарту и Чемберсу, Адам получил
знания о классическом дизайне, а также за годы,
проведенные в Италии, завязал обширные
дружеские связи с художниками, любителями и
аристократией. В последующие годы он пользовался
большим успехом и широким влиянием среди
многих богатых и сановных владельцев
собственности в Великобритании. Его отличал широкий
подход к строительной схеме и, в партнерстве со
своим братом Джеймсом, он брал на себя
ответственность за все аспекты украшения интерьера —
живописные росписи стен и потолка, лепные
работы, мебель, ковры, занавеси и освещение и
таким образом покровительствовал многим
лучшим мастерам того времени. Среди
сотрудничавших с ним изготовителей мебели были Джон
Линнелл, Томас Чиппендейл, "Инс энд Мейхью",
"Вайл энд Кобб" и Самуэль Норман.
Светлая элегантность стиля Адама хорошо
сочеталась с домашним интерьером и
способствовала увеличению мастерства изготовителей
мебели, украшавших ее в невиданном прежде
масштабе декорацией в стиле маркетри. Игривые
асимметричные гипсовые цветочные орнаменты
в стиле рококо переносились на мебель,
которая украшалась бордюром из листьев
жимолости, аканта, цветочных гирлянд и грациозных
арабесок. Также широко применялась живопись и
золочение, декоративные керамические
пластинки и замысловатые вставки из золоченой
бронзы наносились на поверхность отделки мебели
красного или атласного дерева.
Этот стиль был успешно представлен в
"Путеводителе по изготовлению мебели и
искусству драпировки" (1788), книге по дизайну
Джорджа Хеппельуайта, который способствовал
распространению стиля Адама не только в самых
отдаленных уголках Британских островов, но и
во многих странах Европы и Северной
Америки. Выразительная цель Хеппельуайта,
заключавшаяся в "соединении элегантности и пользы",
50

18 ВЕК, АНГЛИЯ
ШКАФ
с выдвижными
ЯЩИКАМИ
Роберт Адам
и золоченая бронза. 1771 г.
Отделан панелями из
твердого камня. Изготовлен фирмой
*Инс энд Мейхью', со встовко-
ми Мэттью Боултоно (Вверху
справо)
КОМОД "ЧИППЕНДЕЙЛ"
Атласное дерево и маркетри
из других сортов древесины
1773
Эют комод в неоклассическом
аиле был выполнен для Хэовуд-
хоус Но одной его дверце —
медальон с изоброжением Бри-
юиии [Вверху)
нашла отражение примерно в трехстах
различных образцах мебели".
Сорок из них включали стулья, многие из
которых были украшены декоративными
щитами или имели квадратные спинки и сиденья с
обивкой. Стиль Адама проявлялся у него и в
"украшении стульев живописью или лакировкой"
и в "соответствии цвета мебели основному
освещению комнаты".
Консервативность в подходе Хеппельуайта в
некоторых случаях заключалась в его
пристрастии к гнутым ножкам; сундуки со змеевидным
фасадом и приставные столы в какой-то мере
тоже соответствовали неоклассическим формам.
Стулья, небольшие столы и предметы для
скромных гостиных и кабинетов, такие, как чайницы
и подносы, украшались с особым вкусом; для
утилитарной мебели — гардеробов, книжных
шкафов в библиотеке, комодов и кухонных
буфетов — была характерна классическая просто-
КАРКАС СТУЛА
;ок.
1780г.
Этот стул периоде Адомо — из
ноборо мебели для гостиной.
(Сверху).
51

Е Б Е Л Ь
ШКАФУИКА
Атласное и черное дерево;
ок. 1795 г.
Этот великолепный шкоф
роботы Шеротоно отделом понеля-
ми из редких пород дерево и
полосами из черного дерево;
поверху установлены чосы с
надписью: 'Музей Уико, Тичборн-
стрит', о также полко для
обозрения и два ящико внизу. Один
ящик представляет собой
откидывающуюся доску секретера,
используемую для письмо,
другие — прекросно
оборудованный туалетный столик. Музей То-
мосо Уико с механическими
диковинными приспособлениями
пользовался большим успехом у
лондонцев на рубеже веков.
та. Хотя в столовых начали регулярно
появляться большие столы, они еще не были
представлены в книгах по дизайну. В таких столах
проявлялся более формальный подход к обеденному
ритуалу, и они начали вытеснять небольшие, но
более удобные столы различного назначения,
которые использовались в прошлом веке.
В "Путеводителе" Хеппельуайта и других
подобных книгах данного периода, таких, как
"Лондонский прейскурант цен на изготовление
мебели" (1788), нашла отражение элегантная
добротная мебель, которая производилась в
огромных количествах такими фирмами, как
"Джиллоу" (осн. ок. 1730 года), и "Джордж
Седдон" (годы работы 1753 — 1868).
Сохранившиеся архивы "Джиллоу" дают нагладное
представление о практике изготовления
мебели в конце 18 и большей части 19 столетия.
Благодаря привычке этой фирмы штамповать
свои изделия можно идентифицировать многие
предметы.
Джордж Седдон (около 1727 — 1801) уже в
1768 году считался "одним из наиболее
известных мастеров по изготовлению мебели в
Лондоне", и его фирма, которую затем возглавляли
его сыновья и внуки, была самой крупной в
Лондоне. Его имя связывается с широким
разнообразием добротной мебели, в особенности с
изысканными шкафами и столами из атласного и
красного дерева. Некоторые из них имели
оригинальные механические приспособления,
которые были в моде в конце 18-го — начале
19 века; это время было известно в истории
развития английской мебели как "шератонский
период", по имени дизайнера Томаса Шератона
(1751 — 1806).
О работе Шератона известно сравнительно
немного. В отличие от Чиппендейла и
Хеппельуайта, у него, возможно, никогда не было
собственной мастерской, хотя он прошел обучение
в качестве мебельного мастера. На его торговой
карточке было написано: "Т. Шератон/
Обучает перспективе, архитектуре и орнаментам,
делает проекты для мебельных мастеров и
продает любые виды книг по рисунку и т.д." Его
первая книга по архитектурным стилям мебели
"Путеводитель по изготовлению мебели и
искусству драпировки" (1791 — 1794) отдаленно
перекликается с неоклассическими мотивами
архитектора Генри Холланда (1745 — 1806), чьи
работы для принца Уэльского в Карлтон-Хаусе
приветствовали наступление стиля регентство в
начале 19 века. В его книге нашел яркое
отражение неоклассицизм, и, подобно
"Путеводителю" Хеппельуайта", она оказала влияние на
изготовление мебели как во всей Европе, так и в
Америке и Англии. Затем были опубликованы
"Мебельный словарь" (см. стр. 64), а в 1805
году — первая часть его наиболее значительной
работы — "Энциклопедия мебельных мастеров,
драпировщиков и художников", которая осталась
незаконченной.
52

18 ВЕК, АНГЛИЯ
В начале 18 века широкое,употребление
нашел тип стула, известный как ,
"виндзорский стул". Для нёГб'характёрно
прочное деревянное сиденье, простые
точеные ножки и спинка из тонких точеных
колышков; этот крепко сделанный стул
послужил основой для многих сельских
вариантов. Эти виндзорские стулья со
спинками в виде колышков составляют
лишь часть богатой традиции
изготовления стульев для сельской
местности, куда можно также отнести
мидландские стулья и стулья,
изготовленные в Северной или Восточной
Англии. Стиль этих стульев определялся
больше местными особенностями, чем
модой данного периода. (Региональные
различия также сыграли важную роль в
дизайне туалетных и кухонных столов,
распространенных в Уэльсе.)
Поскольку новые стили постепенно
проникают в различные социальные слои
населения, в сельских или традиционных
стульях часто проявляются характерная
декоративность "городской" мебели—
например, ножки с подушечками, гнутые
ножки и вазообразные вертикальные
подпорки. Некоторые стулья Восточной
Англии выполнялись по рисункам
Шератона.
Другие предметы сельской мебели,
в особенности столы и сундуки,
изготовленные из дуба, вяза или
древесины фруктовых деревьев,
продолжали соответствовать более
ранним стилям мебели.
СЕЛЬСКАЯ МЕБЕЛЬ
ВИНДЗОРСКИЙ СТУЛ
"ШИРОКАЯ РУКА"
Сиденье выполнено из тиса
и вяза; первая половина
19 в. (Сверху)
ПЕРЕНОСНАЯ
АНГЛО-ИНДИЙСКАЯ
КОНТОРКА
кость; 18в. (Внизу)
53

Е Б Е Л Ь
ИРЛАНДСКАЯ МЕБЕЛЬ
Сохранилось очень мало мебели,
сделанной до 18 века, которую можно
считать чисто ирландской. (Заметное
исключение оставляет стол, выполненный
около 1690 года, с перекрещивающимися
стретчерами — распорками в форме буквы
X, соединяющими ножки — который очень
напоминает свой французский прототип,
с резным декором работы Джеймса
Тейбери.) Наиболее часто встречается
мебель, выполненная после 1740 года.
Характерные для Ирландии предметы
обстановки и их декоративное
оформление восходят к английским
образцам.
Примерно до 1775 года в Ирландии
была в моде декоративная резьба по
дереву, в том числе маски, раковины,
листья аканта и, как символ благополучия,
корзина с фруктами и цветами. Гнутые
\ (дважды изогнутые) ножки иногда
украшались' "воротничком" под "коленкой"
РЕЗНОЙ
ПРИСТАВНОЙ СТОЛ
19
и "лацканом" (небольшим выступом) или
резными листьями аканта в верхней части
ножки. Распространенным типом ножки
была квадратная лапа с пятью пальцами,
но часто встречались и граненые ножки с
подушечками и трем!я пальцами.
Обеденные и крылеобразные стулья (с
боковыми, выступами на уровне головы в
виде крыльев) украшались небольшими,
простыми пй ч^орме, изогнутыми скобами,
что 'было характерно для 1770— 1790
годов, ;когда^ пользовались успехом
квадратные, с конусообразными краями
ножки со стретчерами. Позже, в период
Регентства (ок. 1800 — ок. 1830), скббы
встречаются в резном декоре
подлокотников стульев для поддержки
вертикальных опор спинки.
В 1780-е годы в моду вошел
неоклассицизм! Светлые сорта древесины
(атласное дерево и окрашенный клен или
сикамор) инкрустировались популярными
54

ИРЛАНДСКАЯ
Е Б Е Л Ь
мотивами с имитацией каннелюр.
Полуэллиптические в плане карточные
столики, трюмо, кабинеты и комоды
предпочитались круглой в плане
английской мебели; это особенно ясно
прослеживается в работах Кристофера
Герна и Вильяма Мура.
Вероятно, более всего из ирландских
сортов древесины ценился черный как
смоль болотный дуб, и большая часть
ирландской мебели, изготовленной в
середине 18 века из красного дерева,
разукрашивалась и отделывалась под этот
натуральный сорт древесины. Зеркала
часто украшались позолотой, но для
ирландской резьбы в стиле рококо и
неоклассицизма характерна меньшая
рельефность и уравновешенность.чем для
аналогичных английских образцоав.
Однако в работах дублинских мастеров по
изготовлению зеркал Фрэнсиса и Джона
Букеров ясно и четко прослеживаются
черты архитектурного классицизма.
Приобрел популярность ирландский
стол с откидной крышкой (с откидными
досками, поддерживаемыми
вращающимися ножками) с
прикрепленными с ней досками. В моде
были приставные столы, которые имели
глубокий фриз, украшенный деревянной
резьбой; деревянные столешницы ^
предпочитались мраморным. Позже стали
применять инкрустацию или золоченый
фон и иногда инкрустацию по мрамору
работы Босси.
Сделанные в Ирландии стулья
середины 18 века легко узнать
по характерным ирландским формам
спинки — спиральному завершению,
верхним подлокотникам и вазообразным
центральным опорам, которые
прерываются вторыми подлокотниками.
Некоторые высокие комоды состояли из
двух частей, один на другом, другие же
ставились в один узкий ряд, включая от
шести до восьми ящиков. Чисто
ирландским предметом обстановки был
стол архитектора или комод с
установленным на нем ящиком и шкафом
наверху, на ножках.
Стулья из красного дерева часто
украшались горизонтальными насечками —
популярная черта начала 19 века,
заметная на краях обеденных столов,
опорах столов и других местах. Другой
характерной ирландской принадлежностью
была винная этажерка, в виде удобного
лотка с отделениями для 6 — 8 бутылок.
Иногда края полок позволяли бутылкам
храниться в горизонтальном положении;
сами этажерки всегда делались на ножках,
обычно имеющих гнутую форму, и часто.
украшались декоративным фризом с
резными раковинами. (
На протяжении 19 столетия улучшение
сообщения сглаживало региональные и
ПРИСТАВНОЙ СТОЛ
С ИЗОГНУТОЙ ЗАДНЕЙ
СТЕНКОЙ
Возможно, работы
Джиллингтона; Дублин
Красное двовво:
• ^•^■w-ч^^в^» v^rv рв|чгагч'^>^|
1840-е г.
(Сверху)
ШАХМАТНАЯ ДОСКА
Работы Килларни
(Справа)
С центральной вертикальной
опорой в айда «азы и двойной
верхней перекладиной.
(Внизу)
^
национальные различия. Однако в
серёдине^стблетияч мастер Килларни
выработал свой собственный стиль, делая
мебель из 'местного земляничного дерева.
Она^украшалась инкрустацией с
растительным орнаментом из местной
флоры—трилистника, земляничного
дерева и папоротника"— и изображением
местных зданий (в основном Макросского
аббатства). Ведущими мастерами этого
стиля являлись Джеймс Иган и Джереми
О'Коннор.
55

Е Б Е Л Ь
Несмотря на множество различных стилей, ме6ель, сделанную
в великобритании между 1 790-ми и 1 840-ми годами,
можно озаглавить одним словом — Регентство.
РЕГЕНТСТВО
Слово "Регентство", применяемое для
описания стиля мебели, является неточным,
современным термином. Едва ли его правильно
применять к обозначению мебели, изготовленной на
протяжении одной декады исторического
Регентства (1811 — 1820), когда принц Уэльский
(впоследствии Георг IV) принял на себя управление
монархией, сменив своего больного отца Георга
III. Стиль регентство включает мебель,
созданную примерно с 1790-х до начала 1840-х годов.
Наиболее ранние предметы мебели,
приписываемые регентству, относятся к концу 18 века
и не могут считаться расцветом стиля Адама, как,
например, те, которые вдохновлены мебелью
эпохи Людовика XVI, включенной Томасом
Шератоном в "Книгу об изготовлении мебели и
искусстве драпировки" (1791 — 1793). В конце
вышеупомянутого периода мебель эпохи Регентства в
принципиальном смысле напоминает несколько
ухудшенный неоклассический стиль.
Неоклассицизм, заменивший в 1760-х годах
рококо, господствовал в период Регентства, но
это было время эклектики, и наряду с рококо
популярны были и другие стили, в том числе
псевдокитайский, готический ренессанс, египетский
ренессанс, возрождение стиля Людовика XIV и
возрождение рококо. В творчестве одного и того
же дизайнера могли встречаться различные
стилистические особенности.
Ни один стиль в период Регентства не
существовал изолированно от других; они
переплетались в архитектуре, живописи, скульптуре и
декоративных искусствах; появление этих стилей
нельзя считать неожиданным; на них оказывала
влияние мебель, привозимая из-за границы,
присутствие в Лондоне мастеров по изготовлению
мебели, иммигрантов из революционной
Франции, предметы, привозимые из путешествия,
иностранные книги по архитектурным стилям и
некоторые другие материалы.
МЕНЯЮЩИЙСЯ РЫНОК
В период Регентства произошли
значительные демографические изменения. В 1780 году
население Великобритании составляло пример-
С УБИРАЮЩЕЙСЯ
КРЫШКОЙ
Приписывается
Джону Мак-Лину
Отделка розовым деревом
с покрытыми лаком медными
вставками; ок. 1810 г.
Строгие и элегантные формы этого
секретера вызывают в памяти
роботы французских мастеров по
изготовлению кабинетов конца 18
в., таких, как Сонье и Вейсвел-
лер. Решетчатая конструкция
надстройки, окаймляющий ящики
фриз в виде завитков, формы
ручек и ножек типичны для работ
Мак-Лина. (Слева)
ПРИОКОННОЕ КРЕСЛО
По рисунку Дж. Строукса
из "Полного путеводителя
по изготовлению кабинетов
и искусству драпировки"
Раскрашенная вручную
акватинта; 1829 г.
Вдохновлено римскими
прототипами, такими, как те, что были
опубликованы в 1799 г. К.Х. Тей*
темом; ронние варианты этой
модели были сконструированы и
воссозданы Джорджем Буллоком
примерно в 1815 г. и
опубликованы Ричардом Броуном в 1822
г. В 1840 г. кабинетный мастер
Уильям Сми создал новую
версию этого кресла. (Внизу слева)
56

РЕГЕНТСТВО
Типичными для маломасштабной мебели,
которая приобрела популярность в период
Регентства, были квартетные столы. Они
делались в наборах из четырех столов и,
по словам Томаса Шератона, "ставились
вплотную друг к другу, но могли
использоваться отдельно".
Диванные столики, возвышающиеся на
опорах, форма которых простиралась от
простых прямоугольных подпорок до
сделанных в виде лиры, имели
продолговатую форму пемброкского стола,
которым можно было пользоваться сидя
на софе.
Диванный столик
ФОРМЫ МЕБЕЛИ
Рабочие столики — с шелковыми
сумками под ними для хранения шитья
были небольшими и могли использоваться
для различных целей; иногда на них была
подставка для книг и доска для игр.
"Дейвенпорт" представлял собой
небольшой письменный стол с
наклонной крышкой, под которой было
несколько ящиков. Считается, что он
обязан своим названием подобному
столу, сделанному в конце 18 века
мебельными мастерами Жиллоу из
Ланкастера и Лондона для капитана
Дейвенпорта.
Оригинальный раскладной обеденный стол
Дейвенпорт
Рабочий столик
но 8,5 миллиона человек; к 1815 году оно было
около 13 миллионов, а в 1870-е годы еще
удвоилось, С 1815 по 1840 год происходил большой
приток сельского населения и сильное
увеличение городского населения среднего класса.
Население таких городов, как Бирмингем,
Глазго, Лидс и Ливерпуль, по меньшей мере
удвоилось. Некоторые мебельные мастера
приспособились к этим переменам. Продолжая угождать
зажиточным, аристократическим покровителям
и создавая для них дорогую и роскошную
мебель, они в то же время поставляли на новый,
изменившийся рынок прочные и полезные вещи.
Они и сегодня заслуживают уважения и
продолжают оставаться практичными, как и тогда,
когда были созданы.
Среди изготовителей мебели этого периода
особой известностью пользовались мастера
фирмы Джиллоу в Ланкастере и Лондоне (активная
деятельность примерно с 1730-го и на
протяжении всего 19 столетия), фирма Седдон в Лондоне
(работала с 1753 — 1868), Троттер в Эдинбурге
ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ
Отделка розовым деревом,
декоративными поясками
и бронзовыми вставками;
ок. 1810 г.
Особенностью этого столика
является обильное
использование литой и гравированной
золоченой бронзы. В этот
период пользовались лопулярнстью
львиные маски и ручки в виде
колец, но самым необычным
было использование эсланьо-
летт — женских масок на
углах, что напоминает мотивы
Регентства во Франции.
57

Е Б Е Л Ь
лы и стулья, резьба по дереву со
стилизованными листьями аканта и лотоса и инкрустацией по
меди. Кухонная мебель и серванты делалась
скорее с акцентом на долговечность, чем на стиль,
но, несмотря на это, в них есть определенное
очарование.
Основными породами дерева, применяемыми в
период Регентства, было красное и розовое дерево.
Однако наиболее великолепные предметы мебели
начала 19 века часто отделывались редкими и
экзотическими породами деревьев. В моде оставалось
атласное дерево, как это было в конце 18 века.
Декоративная тропическая, пальмовая древесина,
черное дерево и королевская сосна также
пользовались популярностью, как и zebrawood, хотя в 1820
году, согласно мнению новеллистки Марии Эдж-
ворт, "ее больше нельзя было приобрести за
любовь или за деньги". Мебель по возможности укра-
(работала ок. 1750 — 1852) и Блейн в Ливерпуле
(1830-е годы). Менее известны были Вилкинсоны
в Лондоне (1808 — 1840) и Джеймс Винтер в
Лондоне (1823 —1840). В их мебели нет ничего
особенно выдающегося в смысле дизайна, и, хотя
она хорошо выполнена, ее, возможно, и не стоило
идентифицировать, если бы не тот факт, что эти
мастера всегда помечали свою продукцию. В
течение этого периода и на протяжении 19 века
многие фирмы ставили свое название в верхней части
переднего ящика, на дверце буфета или на
внутренней поверхности стола или стула.
ДИЗАЙН И МАТЕРИАЛЫ
Все главные характеристики мебели периода
Регентства заключаются в сильном ощущении
рисунка и широком разнообразии
высококачественных материалов, которые применяли
мебельные мастера.
Дизайн отмечен археологическим подходом,
глубоким изучением всех имеющихся стилей
прошлого. Привлекаемые материалы простирались от
древних античных авторов до современных
публикаций, таких, как книга Томаса Хоупа
"Домашняя мебель и декорация интерьера" (1807). В
результате мебель включала как точное
воспроизведение античных форм, так и их стилизацию. В
работах известного дизайнера Джорджа Буллока
(см. стр. 65) в тот период отчетливо ощущались
источники вдохновения из прошлого.
Мебель для среднего класса создавалось, как
правило, не ведущими мастерами, и поэтому она
менее значительна, чем приведенные здесь
примеры. Но даже в этом случае большая часть этой
мебели сохраняла элегантность в использовании
типичных регентских черт, взятых из книг по
архитектурным стилям, например, саблеобразные
ножки у стульев, точеные или и украшенные
резными выпуклыми параллельными линиями сто-
ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ
Джиллоу, Ланкастер
Краснов дерево; 1811 г.
Узорчатое дерево, тростниковые
ножки и отделение для
чернильницы типично для работ Джиллоу.
Этот стол был выполнен для Пор-
лингтон-холла, около Лидса.
(Сверху)
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
Древесина бука,
раскрашенная под клен;
ок. 1810г.
Мебель с живописными
сиденьями пользовалось
популярностью на протяжении всего
периода Регентство. Лиро
считается атрибутом Аполлона, бога
музыки и поэзии. Возможно, этот
стул со спинкой в виде лиры
предназначался для музыкальной
комнаты. (Внизу)
58

РЕГЕНТСТВО
шалась позолоченным гипсом, вставками из
золоченой бронзы и покрытыми лаком медными
вставками. Широко применялась медная инкрустация как
для инкрустированных линий, так и для
декоративных бордюров и панелей. Также распространена
была мебель с живописными ландшафтными
виньетками на спинках стульев. Чаще стали применять
местные породы дерева, например дуб, вяз и тис,
не только для предметов обстановки в сельской
местности, но и для замысловатой мебели, изготовле-
ной в Лондоне. Ведущим мастером этого
направления был Джордж Буллок.
ФРАНЦУЗСКОЕ ВЛИЯНИЕ
Важную роль в распространении
французского неоклассицизма в творчестве английских
мастеров по изготовлению мебели в конце 18
столетия принадлежит архитектору и дизайнеру
Генри Холланду (1745 — 1806). Главными его про-
зведениями в 1780-е и 1790-е годы были работы
для принца Уэльского в Карлтон-Хаусе в
Лондоне и в Королевском павильоне в Брайтоне. Он
также изготавливал мебель для 5-го герцога Бед-
фордского в Вобурне и Сэмюэля Уитбреда в Са-
утилле, обе мастерские в Бедфордшире, и для 2-
го графа Спенсера в Олторпе, Нортхэмптоншир.
Большая часть сохранившейся мебели этого
периода несет в себе галльское влияние, и
некоторые предметы, несомненно, сделаны по проекту
самого Холланда. Та немногая мебель, которая
определенно приписывается Холланду, как,
например, мебель в Королевском институте
Британских архитекторов в Лондоне и в библиотеке
Пьерпонт Моргана в Нью-Йорке, очень
напоминает работы французских мебельных мастеров в
поздний период стиля Людовика XVI, и в
частности родившегося в Германии Адама Вейсвеллера
(1744 - 1820).
В Саутилле сохранилось несколько
невысоких буфетов с мраморным верхом и книжных
шкафов, которые, возможно, были выполнены по
проектам Холланда королевскими мастерами по
изготовлению мебели Элвардом, Маршем и Тей-
темом из Лондона (их мастерская существовала
в 1774 — 1840 гг.) Их произведения послужили
прообразом англо-французского стиля в
начальный период Регентства. В целом внешний вид этих
миниатюрных шкафов напоминает комоды
парижских краснодеревщиков, таких, как Клод-Шарль
Сонье (1735 — 1807), Жан-Анри Ризенер (1734
— 1806) и Вейсвеллер. В богатой отделке этой
мебели использовались изящные вставки из
золоченой бронзы, позолоченные колонки и
мраморный верх, все под влиянием Франции.
Английские миниатюрные кабинеты
вышеуказанного типа часто имели дверцы, обшитые
плиссированным шелком (как показано в книгах со стилями
мебели того времени), иногда дверцы делались в виде
решеток. Миниатюрный шкаф оставался в моде на
КРЕСЛО
Мастерская Марша
и Твйтема
Позолоченное дерево;
ок. 1800 г.
Часть комплекта мебели,
выполненного для Поудерхэмского
замка в Девоне. Заметно
влияние мастеров по изготовлению
стульев эпохи Людовика XV).
Дельфин, атрибут Нептуна, чосто
встречается но мебели эпохи
Регентство; здесь он представляет
фамильный герб. (Сверху)
МИНИАТЮРНЫЙ ШКАФ
В отделке использовано
розовое дерево, позолота,
мрамор.
Ок. 1800 г.
Этот шкаф несет в себе черты
мебельного стиля, который
связывают с архитектором Генри Хол-
ландом. (Внизу)
59

Е Б Е Л Ь
протяжении всего периода Регентства, к середине
столетия все больше и больше теряя свою
элегантность. Последним экземплярам недостает пропорций
и утонченности более ранних образцов.
Джон Мак-Лин. Судя по сохранившимся
работам, "Джон Мак-Лин энд сан" была одной из
лондонских фирм по изготовлению мебели,
которая успешно приспособилась к французскому
стилю конца 18 века. Сделанную ими мебель,
согласно документам, можно датировать лишь 1805 —
1815 годами, но, вероятно, эта мастерская
занималась изготовлением мебели в 1770 — 1825
годах. Мак-Лина особо выделил Шератон в своем
"Мебельном словаре " (1803), подписчиком
которого он был. Текст под табличкой 67 "Стол с
карманами" гласит: "Выполнен по проекту г-на М-
Лина", который придал этим небольшим
предметам тончайшую отделку".
Влияние мастеров-краснодеревщиков эпохи
Людовика XVI прослеживается в творчестве Мак-
Лина в сдержанной, несколько суровой внешней
форме его небольших столов и шкафов с
выдвижными ящиками. Его мебель обычно
прекрасно отделана розовым деревом, побледневшим
сейчас до цвета спелых фруктов (оригинальное
темное дерево можно увидеть под ручками и
другими вставками). Декоративность его мебели
подчеркивается покрытыми лаком бронзовыми
вставками, рисунок которых совершенно уникален для
мастерской Мак-Лина. Сохранился секретер
(письменный стол) работы Мак-Лина в музее
Виктории и Альберта и великолепный дамский
письменный столик также его работы в Музее
Метрополитен в Нью-Йорке. У последнего типичные
частично золоченые точеные ножки, а верхняя
часть, представляющая собой книжную полку,
МАСТЕРА ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ МЕБЕЛИ В ЭПОХУ РЕГЕНТСТВА
Фирма Джиллоу
1730-ОК.1900
Ланкастер и Лондон
(начиная с 1769)
В период Регентства характерная для них мебель была выполнена
из тонко обработанного красного дерева, с точеными ножками
столов и стульев, украшенными каннелюрами. Делали все виды
домашней мебели. На мебели часто ставили штамп "Джиллоу
Ланкастер".
Фирма Седдон
1753-1868
Лондон
Приобрела известность благодаря изготовлению мебели из
разрисованного атласного дерева в конце 18 века. В документах
отмечена их мебель начала 19 века, часто из красного дерева;
сохранившиеся образцы относятся к распространенному в то
время неоклассическому стилю. Мебель часто имеет торговый
знак.
Фирма Вилкинеон 1808-1840
Лондон
Мебель в египетском вкусе. Обычно выпускали простую мебель из
красного дерева — в основном стулья, книжные шкафы, комоды,
обеденные столы и т.д. Мебель иногда помечена.
Джордж Буллок
раб. 1804-1818
Ливерпуль и Лондон
Для его мебели характерна инкрустации по меди с растительным
орнаментом, величественные архитектурные формы, верх
кабинетов отделан мрамором. Также использовали дуб,
инкрустированный падубом. Был дизайнером мебели, создаваемой
в его мастерской.
Фирма Мак-Лин
1770-1825
Лондон
В период Регентства прославилась своими столами и шкафами из
розового дерева, с декоративными вставками из золоченой бронзы
в изысканном вкусе Людовика XVI. Сохранившиеся экземпляры
помечены.
Марш и Тейтем
1774-1840
Лондон
Поставляли мебель ко двору принца-регента для Карлтон-хауса и
Брайтон-павильона.
Морган и Сандерс 1801 -1820
Лондон
Прославились изготовлением оригинальной мебели. Часто
встречаются обеденные столы с их маркой. Также изготавливали
стулья для библиотек, которые превращались в стремянки, и
письменный стол, который в закрытом виде был похож на глобус
на опоре.
Джордж Оукли
раб.1773-1819
Лондон
Ему приписывается мебель 1809 года из Папворт-холла в
Кэмбридже, из красного и атласного дерева, в "греческом" вкусе.
Делал книжные шкафы, небольшие столы и мебель для спален.
60

РЕГЕНТСТВО
имеет покрытую лаком медную решетку тонкой
работы.
ВЛИЯНИЕ
АНТИЧНОСТИ
Ценным источником о мебельных мастерах в
период Регентства является книга Чарльза Хит-
коута Тейтема (1772 — 1842) "Гравюра с
лучшими примерами древней орнаментальной
архитектуры по римским оригиналам (1799). Например,
на одной иллюстрации в этой книге — "Античные
сиденья из белого мрамора по римским
оригиналам" — представлен мраморный стул, по образцу
которого была изготовлена похожая на него
скамья и табуреты из разукрашенного красного
дерева с целью имитации мрамора. Подобный тип
"скопированной" мебели, создаваемой в основном по
классическим образцам, предназначался,
возможно, для скульптурной галереи или приемной.
Другой влиятельной фигурой, творчество
которого было связано с античностью, считался
Томас Хоуп (1769 — 1831); родился в
обеспеченной семье голландских банкиров. С раннего
возраста изучал архитектуру, а затем после
Большого турне (совершалось молодыми людьми по
Франции и другим странам для завершения
образования), во время которого он посетил
Египет, Грецию, Сицилию и Испанию, в течение
восьми лет делал наброски архитектурных руин.
Позднее он приобрел дом в стиле Адама на Дачис-
стрит в Лондоне и поставил там коллекцию
античных ваз и античной и современной
скульптуры в комнатах, специально построенных им
самим. Мебель и другие современные
произведения искусства составляли единый ансамбль, и
многие из них, также выполненные самим Хоу-
пом, представляли собой сложные
интерпретации главным образом греческого, римского и
египетского стилей, хотя ощущалось также и
французское влияние.
Книга Хоупа "Домашняя мебель и декорация
интерьера" (1807), в которой представлены
иллюстрации его произведений на Дачис-стрит,
является, возможно, наиболее значительным
собранием рисунков мебели, опубликованным в
период Регентства и оказавшим большое влияние на
мебельных мастеров.
Мебель работы Хоупа отличается чистотой
линий и отвечает своему декоративному
назначению — например, вакхические маски на урне
подходят для столовой и спящая борзая на
кушетке — для спальни.
Томас Чиппендейл Младший.
Безупречный стиль Хоупа стал образцом, которому могло
следовать лишь малое число мебельных
мастеров. Заметным исключением, правда, явились в
начале 19 века работы Томаса Чиппендейла
Младшего (1749 — 1822) для сэра Ричарда Кольта
Хоура в Стуаирхеде, Уилтшир. Его рисунок
отличался той же напряженностью и
уверенностью линий, какая была свойственна Хоупу.
Например, стулья для библиотеки из красного
дерева, с низкими изогнутыми спинками на опорах
в виде египетских кариатид (резные фигурки в
качестве подпорок) для передних ножек,
выглядят оригинально и элегантно. Кроме медных
роликов, ножки лишены дополнительных
украшений, а форма рисунка и качество древесины
придают им совершенство. Изысканно смотрится и
большой стол для книг с отдельно стоящими ка-
ДЕКОРАТИВНЫЙ СТОЛ
Отделка золочеными
бронзовыми вставками;
золочение
Ок. 1810 г.
Пышность и великолепие этого
стола, выполненного по эскизу
Хоупа, достигается его
экзотической отделкой. Необычные
сорта древесины были в
большом почете в период Регентства.
(Внизу).
Красное дерево с частичной
позолотой; ок. 1810 г.
Х-образноя конструкция этой
табуретки с львиными головами
взята непосредственно с
иллюстрации книги Томаса Хоупа
'Домашняя мебель", 1807. Хоуп также
приводит вариант с козлиными
головами. (Слева)
ЧЕРНИЛЬНИЦА
Amboyna, черное дерево
с инкрустацией по меди
и бронзовыми золочеными
вставками; ок. 1805 г.
В период Регентства при
изготовлении мебели часто
использовались классические источники;
уравновешенная форма этой
великолепной чернильницы
напоминает римское надгробие. В ней
выявлено использование
различных материалов. (Справа)
61

Е Б Е Л Ь
риатидами с головой сфинкса и аналогичные
пилястры по краям, поддерживающие головы
греческих философов.
ДЖОРДЖ СМИТ
После публикации своей книги "Собрание
эскизов домашней мебели и декораций интерьера"
(публиковалась в трех частях начиная с 1805 года;
отдельной книгой вышла в 1808 году) Джордж
Смит (ок. 1786 — 1826) был первым дизайнером,
по-настоящему популяризировавшим стиль
регентства. О Смите известно немного, и, хотя он
представлен в торговых указателях того времени как
мастер по изготовлению мебели, сохранилось мало
данных о его деятельности в этой области и
мебели, документально приписываемой ему. Не
найдено никаких доказательств того, что он был
"главным драпировщиком" принца Уэльского (правил
после Георга IV), которому он, с разрешения
последнего, посвятил свою книгу.
Приводимые Смитом эскизы мебели
представляют собой замечательную коллекцию, которая,
если судить по значительному числу
сохранившихся копий, успешно способствовала развитию
того, что он сам называл "наиболее одобренным
и изысканным вкусом". Эти эскизы, сделанные
далеко не столь тщательно, как работы Тейтема
и Хоупа, украшены популярными
классическими, готическими и китайскими мотивами. Во
многих из 158 иллюстраций этой книги
проявляется удивительная фантазия Смита, хотя мебель
кажется несколько перегруженной декором.
Кровати украшены цветными и замысловатыми
драпировками; одна сконструирована в виде копий и
знамен; другая украшена вырезанными из дерева
фигурами, поддерживающими балдахин и
стоящими на постаменте в форме канделябра.
Столы, комоды и гардеробы поддерживаются
химерами (вырезанными из дерева животными)
и кариатидами. "Миниатюрный книжный шкаф"
с вырезанными на нем надписями "Гомер" и
"Вергилий" имеет завершение в форме синенарии
(урны с прахом). Имеется два эскиза столов "в
китайском стиле" и план для "украшения
гостиной в китайском вкусе", которая оформлена
цветными стенами, камином в виде пагоды, вазами с
побегами бамбука и висящими "китайскими"
фонариками.
Работы Смита в готическом направлении
типичны для начального периода Регентства; он
больше заинтересован в придании причудливого
вида лиственному орнаменту и заостренным ароч-
ЧАСЫ
Работы Бенджамина Вальями
Черный мрамор
с декоративными вставками
из золоченой бронзы;
1808 г.
Эти часы созданы под влиянием
рисунков, выполненных во время
египетской кампании Наполеона.
Аналогичные часы имеются в
коллекции музея Виктории и Альберта
в Лондоне. Вальями был
известным мастером по изготовлению
часов и металлических изделий для
принца-регента. (Внизу)
КРЕСЛО
Разукрашенное и частично
позолоченное дерево;
ок. 1810 г.
Это кресло точно повторяет
эскиз кресла из раздела 'Стулья для
гостиных' в книге Джорджа
Смита ' Собрание эскизов
домашней мебели...', 1808. Для мебели
периода Регентства характерны
украшения в виде голов и ног
животных, вдохновленные
классицизмом. (Слева)
кам, чем в том, чтобы использовать эти мотивы с
исторической точностью или в сочетании с
оригинальными формами средневековой английской
мебели.
ПСЕВДОКИТАЙСКИЙ СТИЛЬ
Первые черты псевдокитайского стиля
появились в 17 веке в европейской мебели, керамике,
изделиях из серебра и тканей под влиянием
изделий, привозимых из Китая торговыми путями.
В основном (за исключением фарфора и изделий
из керамики) производимые в Англии изделия в
псевдокитайском стиле имели модные в то время
европейские формы, и только их украшения были
китайскими. Псевдокитайский стиль периода
Регентства отражал в себе влияние Востока,
начавшееся в Англии в начале 17 века и впоследствии
ставшее популярным как часть стиля рококо. В
конце 18-го — начале 19 века этот стиль
пережил наступление неоклассицизма благодаря
использованию китайских и японских лаков, кото-
62

РЕГЕНТСТВО
рыми, наряду с европейскими имитациями,
покрывались декоративные вставки из золоченой
бронзы на столах и кабинетах.
Несомненно, наиболее ярким примером
украшения интерьера в псевдокитайском стиле эпохи
Регентства являются интерьеры Королевского
павильона в Брайтоне.
ХРАНИЛИЩЕ ЭККБРМАНА
Трудно представить себе лучшую панораму
дизайна в середине периода Регентства, чем
образцы мебельного дизайна, публиковавшиеся в
серии журналов "Хранилище искусств,
литературы, торговли, мануфактуры, фасонов и
политики" за 1809 — 1828 гг. под руководством
Рудольфа Эккермана (1764 — 1834), родом из
Германии.
В первом выпуске "Хранилища"
представлено два рисунка Джорджа Смита: шезлонг и при-
оконное кресло. Очевидно, по просьбе
Эккермана ведущие мебельные мастера снабжали его
мебельными эскизами.
КНИЖНЫЙ ШКАФ
По эскизу Джорджа Смита
из книги "Собрание
эскизов домашней
1807 г.
В готическом стиле Смита
использованы арки, лиственный орнсулент
и ажурные узоры на
традиционной во всех остальных
отношениях мебели. Позже дизайнеры
проявили большое понимание
готических форм и структуры. (Слева)
ДЕКОРАТИВНЫЙ СТОЛ
Покрытие лаком с медными
полосками; ок. 1815 г.
Один из парных столов,
находившийся прежде в Варвикском
замке. Типичный пример мебели в
псеадокитайском стиле в период
Регентства; столешница покрыта
китайским лаком, а фриз и
ножки "лакированные* в подражание
восточному искусству. Стол
стандартного для стиля регентства
типа, варианты которого можно
встретить в красном и розовом
дереве. (Справа)
1
63

Е Б Е Л Ь
БРАЙТОНСКИЙ ПАВИЛЬОН
Выдающимся примером украшения
интерьера в псевдокитайском стиле в
Англии является Королевский павильон в
Брайтоне. В нем соединились вкусы
архитектора Джона Нэша (1752—1835),
который перестроил в 1815 году оригинал
Генри Холланда; декораторов Фредерика
Крейса (1779 — 1859) и Роберта Джонса, а
также принца-регента.
Несмотря на многочисленные
реставрации, нижний етаж поражает
обилием фантастических интерьеров.
Стены главного коридора украшены
живописными ветвями бамбука и мотивом
раковин и скал в голубых тонах на розовом
фоне; банкетный зал с большими группами
китайцев, обрамленными живописным
изображением бамбуковых ветвей. Оба
зала представлены в оригинальной
декоративном оформлении. Музыкальный
зал выдержан в золотисто-красных тонах,
на фоне которых представлены китайский
ландшафт и дома. Повсюду колонны
превращаются в пальмовые деревья,
железная литая лестница оказывается
сделанной из бамбука, и все фигуры
объединяет извивающийся китайский
дракон. Элвард, Марш и Тейтем
поставляли кабинеты и стулья из бука,
украшенные деревяной резьбой и
разукрашенные для имитации бамбука.
Мебель с имитацией бамбука
пользовалась большой популярностью на
протяжении этого периода (и весь остаток
столетия), особенно в декоре спален.
Встречается также в небольших кабинетах
и столах в любопытных полихромных
сценах в псевдокитайском вкусе, иногда с
использванием разрисованных
металлических панелей. Популярные для
Регентства примеры псевдокитайского
стиля в качестве декорации можно
встретить на чайницах, серебряных
подносах для графинов и рабочих корзинах
для рукоделия. Декор часто делался на
золотом или черном фоне, иногда белом,
красном, зеленом или коричневом. Также
псевдокитайский стиль можно было
встретить на аналогичных изделиях,
выполненный в технике пенворк. При этой
технике рисунок как бы "опустошался" на
дереве, которое специально готовили к
этому, покрывая гипсом. Фон обводился
чернилами, обычно черного цвета, детали
орнамента на рисунке обводились тонкими
линиями ручкой.
КОРИДОР
Из обозрения Джона Нэша
"Королевский павильон
в Брайтоне", 1826 г. Вручную
раскрашенная акватинта
Ок. 1820г.
Много места уделено там лондонским
мебельным мастерам Моргану и Сандерсу (активная
деятельность в 1801 — 1820 гг) и Джону Тейлору
(1821 — 1829). Моргану и Сандерсу уделено
место благодаря их изменяющейся мебели
(раздвижные обеденные столы, переносные стулья,
складные кровати и т.п.) и патентной мебели (с
каким-либо механическим устройством,
изобретение которого защищено патентом).
Перед тем как основать собственное дело,
Тейлор делал эскизы для мебельного мастера
Джорджа Оукли (активная деятельность в 1773 — 1840
гг.), зарегистрированная в различных лондонских
адресах. У Оукли, вероятно, была солидная
фирма, но лишь небольшое число его работ удалось
идентифицировать. Наиболее известной его
работой, после которой стали делать много мебели
в изысканном греческом стиле, была мебель,
выполненная им в 1809 году для Чарльза Мэдрилла
Чира в Папворт-Холле в Кембридже.
СТОЛ ДЛЯ ПИСЬМА
И ДЛЯ ИГР
По эскизу "Хранилища
искусств..." Аккермана
Раскрашенная вручную
акватинта; февраль 1814 г.
Этот стол 'должен был
выполнять двойную цель пользы и
удовольствия ... за ним удобно
сидеть за завтраком или поставить
у софы ... он удобен как
письменный стол ... для игры в
шахматы, шашки, триктрак и т.д.*
64

РЕГЕНТСТВО
Два других известных лондонских мастера, у
которых Эккерман включил по одному рисунку,
были Вильям и Эдвард Снелл (ок. 1788 — 1839)
и Морель и Хьюз (1790 — 1830).
Появляясь год за годом в "Хранилище", эти
эскизы отражали развитие вкуса в возрождении
таких стилей, как неоклассицизм, египетский,
стиль французской империи и готический. В
журнале также имелись рисунки патентной и
изменяющейся мебели и широкое разнообразие
эскизов для оконных занавесей, рассказывалось о
методах и материалах, применяемых в искусстве
драпировки.
Эккерман также проиллюстрировал работу
двух дизайнеров, чья мебель была особенно в моде.
Между 1816 и 1822 годами в его журнале
публиковалось по меньшей мере 12 эскизов мебельного
мастера Джорджа Буллока (см. след. раздел). А с
1825 по 1827 год там появилось 27 иллюстраций
"готической мебели" А.К. Пуджина (1762 — 1832),
которому, возможно, помогал его сын А. У. Н.
Пуджин (1812 — 1852), один из наиболее
влиятельных архитекторов и дизайнерой 19 века.
ДЖОРДЖ БУЛЛОК
Ни один из мебельных мастеров не отразил
настолько в своем творчестве эклектизм и
энергию эпохи Регентства, как Джордж Буллок.
Документально известно, что он работал
мебельным мастером в Ливерпуле в 1804 году вместе с
Уильямом Строксом. В 1814 году Джордж
Буллок переехал в Лондон, где благодаря
финансовой поддержке полковника Чарльза Фрейзера жил
и работал в престижном доме на Тентерден-стрит.
В дальнем конце его сада были открыты
современные мастерские, выходящие фасадом на
Оксфорд-стрит. Общительная натура и
артистическая личность Буллока привлекали к нему значи-
СТУЛЬЯ
ДЛЯ ЧТЕНИЯ
Эскизы из книги Эккермана
"Хранилище искусств...'
Раскрашенная вручную
акватинта; сентябрь 1810 г.
(Сверху)
ПРИСТАВНОЙ
СТУЛ
Работы Джорджа Буллока
Красное дерево; ок. 1815 г.
(Справа)
ГОТИЧЕСКИЙ СТОЛ
для книг
Из книги Эккермана
"Хранилище искусств...'
Раскрашенная вручную
акватинта; март 1828 г.
(Внизу)
л л. л. «* w *■ -«-
Gothic Table
■
ACbW««i
тельных покровителей, среди которых был сэр
Вальтер Скотт. Возможно, наиболее важная его
работа заключалась в изготовлении мебели для
британского правительства и обеспечении
необходимыми припасами Наполеона во время его
изгнания на острове Св. Елены. Буллок
заслужил свою репутацию главным образом благодаря
этому короткому лондонскому периоду до своей
безвременной смерти в возрасте 35 лет.
Буллок был дизайнером большого таланта, мог
работать во многих стилях; об этом в полной мере
свидетельствуют "Копии и чертежи Томаса Вил-
65

Е Б Е Л Ь
tt
МЕБЕЛЬНЫЙ СЛОВАРЬ" ШЕРАТОНА
Томас Шератон (1751 — 1806) учился на
мебельного мастера, но с 1793 года
поддерживал семью писательским трудом.
Его вторая книга "Мебельный словарь"
(1803) является значительной коллекцией
рисунков мебели и иллюстрирует
многочисленные характерные черты и
мотивы, связанные с мебелью периода
Регентства.
Многие из 500 подписчиков "Словаря"
были мебельнными мастерами, и это
показывает важность подобных книг для
распространения архитектурных стилей. В
конце книги дан список более чем 250
"выдающихся мастеров по изготовлению
шкафов, мастеров-драпировщиков и
мастеров по изготовлению стульев, в
Лондоне и за его пределами, за 1803 год".
Это ценное издание говорит о том, какую
важность приобретала торговля мебелью.
79 основных иллюстраций
представляют широкое разнообразие
мебели, включая стулья, столы, книжные
шкафы, диваны и зеркала. На рисунках
Шератона представлены кариатиды,
саблеобразные ножки, львиные маски,
ножки в виде животных и Х-образные
опоры для стульев.
столы для книг
Рисунки Томаса Шератона
из книги "Мебельный
словарь"
Гравировка; 1802 г.
ОЛЕНИЙ КАНДЕЛЯБР
Техника пера и чернил
с акварелью
1810
Взятый из классических
источников, возможно из работ Пиране-
эи, этот рисунок изображает
канделябр работы Джорджа Булло-
ка. В 1819 году подобный
канделябр был продан из его дома на
Тентерден-стрит в Лондоне. В
отличие от Шератона, Буллок не
издал книги рисунков.
СТОЛ
Рисунок приписывается
Томасу Хопперу (1776 - 1856)
Дуб, верхняя часть отделана
известняком; ок. 1830 г.
Этот стол периода
нормандского возрождения был выполнен для
Пенринского замка в Северном
Уэльсе.
кинеона с работ покойного г-на Джорджа Буллока,
1820 г." Большинство сохранившихся его
рисунков и мебели выполнены в неоклассическом стиле.
Однако начиная с 1804 — 1805 годов он также
работал в стиле готического ренессанса, который
появился в результате увеличения количества
антикварных исследований прошлого Англии.
На протяжении своей карьеры Буллок
создавал мебель, соответствующую "Старым
английским особнякам", как назван титульный лист кни-
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
По рисунку,
приписываемому Эдварду
Блору(1787- 1879).
Бук, отделанный черным
деревом; ок. 1830 г.
Этот антикварный стул, примером
для которого послужил
английский экземпляр середины \ 7 в., был
частью обстановки Ламбетского
дворца.
66

РЕГЕНТСТВО
ги "Мебель с канделябрами" (1826, полное
издание — 1838), опубликованное его сотрудником
Ричардом Бридженсом (1785 — 1846). Подобной
мебелью в "староанглийском стиле", сделанной из
дуба и раскрашенной, Буллок снабжал Бэттльс-
кое аббатство в Сассексе (1816 — 1818).
Использование плоского растительного
орнамента, характерного для Англии, придавало
работам Буллока жизненность, которая
предвосхитила появление в 19 веке таких дизайнеров, как
У. Н. Пуджин, Оуэн Джонс и доктор Кристофер
Дрессер.
ИНКРУСТАЦИЯ ПО МЕДИ
Страсть британцев к коллекционированию
великолепной французской мебели
достигла особого размаха в первой
четверти 19 века. Многочисленные
коллекции французского королевского
двора и знати после Французской
революции вывозились за границу.
Принц-регент, писатель Уильям Бекфорд и
герцог Веллингтонский были среди
английской аристократии, которая
воспользовалась предложенными
преимуществами. Эти три коллекционера
владели мебелью работы мастера Буля
(маркетри по черепахе и меди) (см. стр.
82) 17 и 18 столетия, и появление в
Англии мебели, орнаментированной в
подобном стиле (известном в то время как
"буль"), оказало сильное влияние на
декоративное оформление домашней
мебели начала 19 века.
Инкрустация по меди делалась для
украшения мебели четырьмя основными
способами. Наиболее простой
представлял собой тонкие полоски или
слегка более широкие. В 1803 году Томас
Шератон писал: "Тонкие прожилки меди
сейчас очень популярны в английской
мебели, и красиво выглядит на черном
фоне сочетание розового дерева и других
ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ
Луи лв Ганьв
Черное дерево
с инкрустацией по меди
и декоративными вставками
из золоченой бронзы.
Ок. 1815 г. (Внизу)
ДИВАННЫЙ СТОЛ
Джордж Буллок
Розовое дерево
с инкрустацией по меди
и декоративными вставками
из золоченой бронзы.
Ок. 1815 г. (Сверху)
темных пород древесины". Второй способ
состоял в создании декоративного
бордюра из антемиона (стилизованного
мотива цветов жимолости), волют, мотива
лабиринта и других на различных видах
мебели, включая диваны и спинки стульев.
Третий способ использования
инкрустации по меди состЬял в
применении панелей в стиле "буль" на
дверях шкафов и столешницах, обычно на
фоне дерева, а не черепахи,
используемой французами. И, наконец,
инкрустация по меди применялась во
французском стиле и представляла собой
маркетри по черепахе, которая
сохранилась на небольшой группе
предметов в стиле возрождения Людовика
XIV в исполнении мастеров Луи ле Ганье
из Лондона (ок. 1814 —ок. 1821), Томаса
Паркера, также из Лондона (1805 — 1830)
и некоторых других мебельных мастеров.
Их близкие к французским прототипам
копии несомненно создавались для
восполнения нехватки импортируемых
оригиналов, вызванной повышенным
спросом. Единственными
идентифицированными предметами,
соответствующими данному описанию,
являются несколько металлических
сундуков на подставках, письменные
столы и чернильницы.
67

Е Б Е Л Ь
В ЭПОХУ бурНОГО РАЗВИТИЯ НАуЧНО-ТЕХНИЧЕСКОГО ПрОГрЕССА
ЖИТЕЛИ ВИКТОРИАНСКОЙ БрИТАНИИ НЕ СТЕСНЯЛИСЬ ИСПОЛЬЗОВАТЬ
ДЛЯ УКРАШЕНИЯ СВОИХ ДОМОВ СТИЛИ ПРЕЖНИХ ВрЕМЕН.
ВОЗРОЖДЕНИЕ СТИЛЕЙ В ЭПОХУ ВИКТОРИАНСТВА
Период возрождения стилей мебели начался
уже в начале правления королевы Виктории
(1837 — 1901), и основными среди них были
готический, елизаветинский, стиль Людовика XIV
и Ренессанс. Большинство из них имели
смешанный характер, заимствовали элементы друг у
друга, что пугало современных блюстителей
чистоты стилей, но восхищало обычных людей, не столь
заботящихся об исторической точности.
Подобные возрожденные стили отвечали
вкусам растущего среднего сословия, которое,
стремясь как можно сильнее проявить свое
благосостояние, более всего были заинтересованы в
новизне своих приобретений. В мебели эта
новизна заключалась не только в конструкции и
оформлении, но в материалах, поэтому особым
спросом пользовались экзотические породы
древесины, которые становились доступными по мере
роста колониальных владений Англии. В цене
продолжали оставаться красное, атласное и
розовое дерево, но больше стали цениться тщательно
обработанные сорта, например, грецкий орех и
дорогое тропическое дерево, туя, пурпурное
дерево (амарант) и Коромандельская пальма.
Часто они соединялись с другими породами
древесины, как местного происхождения, так и
привозимыми из-за границы.
Особую популярность приобретает маркетри,
чаще используются металлы, как для
декоративных целей в виде инкрустации по меди или
декоративных вставок из золоченой бронзы, так и сами
по себе при изготовлении чугунной садовой и
другой мебели массового производства, в том
числе медных каркасов для кроватей.
В развитии производства папье-маше
появился материал, достаточно прочный, чтобы
использовать его не только для подносов и коробок.
Начиная с 1830-х годов его применяли для
изготовления столов, стульев и даже кроватей. И
благодаря своей декоративности — его
инкрустировали жемчужными раковинами, украшали
позолотой, бронзой и раскрашивали в
сверкающие яркие цвета на темном фоне — оно
удовлетворяло жаждущие разнообразия вкусы людей в
Викторианскую эпоху.
Дальнейший рост различных мануфактур
оказывал влияние на развитие напыщенного
викторианского стиля в убранстве интерьера. Одной
из них было появление в конце 1820-х годов
винтовых пружин, что привело к появлению
громоздких драпировок, полностью закрывающих
сиденья, что было характерно для интерьера эпохи
Викторианства. Другим нововведением было
использование ярких лакировок, известных как
французские лаки, впервые принятые в период
Регентства, а теперь с еще большим
энтузиазмом применяемые мебельными мастерами для
придания мебели "тончайшей отделки". Блеск ее
намного превосходил тот, что достигался с
помощью воска и скипидарного масла. Как винтовые
пружины, так и французская полировка обильно
применялись для украшения старой и новой
мебели, независимо от того, подходили они или нет.
Введение тонкой машинной обработки и
механической резьбы по дереву также
способствовало распространению экстравагантного
викторианского стиля. Автор книг в области садовой
архитектуры Дж. К. Лаудон (1783 — 1843)
писал, что все, о чем мечтали многие люди того
времени, было "выставить у себя богатые
произведения искусства, приобретенные по возможно
более дешевой цене".
ВОЗРОЖДЕНИЕ
ЕЛИЗАВЕТИНСКОГО СТИЛЯ
Мебели в елизаветинском вкусе прекрасно
соответствовала механическая резьба по дереву,
с ее открытыми декоративными панелями, пере-
КНИЖНЫЙ ШКАФ
Красное дерево;
1840
Сочетание лиственного
орнамента и 'драгоценностей* на
пилястрах, массивных скрученных
колонок, выступающих
переплетающихся полосок и богато
украшенных нижних дверей характерны
для этого книжного шкафа в
стиле елизаветинского возрождения.
(Справа)
НАБОР СТОЛОВ
Папье-маше
Ок. 1850г.
Эти столы с обточенными
опорами и позолоченным
орнаментом на ножках и стретчерах,
возможно, были выполнены в
Бирмингеме или Волверхэмптоне, где
были сосредоточены английские
мануфактуры по выпуску папье-
маше. Столы имеют
разрисованные и позолоченные
столешницы и инкрустацию из
перламутра. Самый большой стол
украшен живописной сельской
сценой, выполненной по эскизу Дж.
Ф. Херринга; на следующем
столе представлена перламутровая
инкрустация шахматной доски; на
остальных живописные
изображения собак, выполненные по
эскизу Джорджа Армфипьда.
Производство такой
высококачественной мебели из папье-маше
было характерно для середины
19 столетия. (Слева)
68

ВОЗРОЖДЕНИЕ СТИЛЕЙ В ЭПОХУ В И КТО Р И АНСТВ А
ЦЕНТРАЛЬНЫЙ СТОЛ
А У. И. Пуджин
Розовое дерево;
ок. 1835 г.
Рисунок этого стола представлен
е книге Пуджино "Готическая
мебель' (1835). Розовое дерево
являлось необычным материалом;
скорее всего, это был выбор
мастера. Пуджин больше
предпочитал дуб.
плетающимися полосками и обилием ручек и
различных выпуклостей в виде шишечек и т.д. В умах
представителей раннего Викторианства этот стиль
ассоциировался с " веселой Англией" и "старым
временем", романтизированными в романах
Вальтера Скотта. Хотя некоторые защитники этого
стиля, такие, как архитектор Энтони Сальвин,
были серьезными коллекционерами
антиквариата, обращавшими особое внимание на
стилистическую точность, многие изготовители мебели в
период возрождения елизаветинского стиля
смешивали чистые мотивы стиля Тюдора со
слащавыми резными гребешками (декоративное
завершение стула) и другим декором, типичным для
более позднего времени.
Строгий классический архитектор К. Р. Кол-
керел критиковал стиль елизаветинского
возрождения как "несовершенную и неуместную
имитацию греческого и готического стилей", но его
популярность поддерживалась такими
публикациями, как "Примеры архитектуры эпохи
Тюдора, приспособленные к современным нуждам"
Т.Ф. Ханта (1830), "Образцы старинной
мебели" Генри Шоу (1836) и "Английские особняки
старого времени" (1838 — 1849) Джозефа Нэша,
и он благополучно перешел в 1840-е годы.
ВОЗРОЖДЕНИЕ
ГОТИКИ
Елизаветинский и готический стили имели
много общего. Оба воспринимались как чисто
английские и потому приобретали
патриотическое звучание; оба отдавали дань живописности;
оба были приняты романтиками, жаждавшими
новизны, и оба в основном использовали
национальные породы дерева, такие, как дуб или
грецкий орех.
В стандартной викторианской мебели
применялись такие декоративные украшения, как
лиственный орнамент, пики и остроконечные
башенки, но возрождение готики, которое шло под
влиянием творчества английского архитектора и
декоратора интерьеров А. У. Н. Пуджина (1812 —
1852) происходило гораздо более радикально. В
погоне за исторической точностью и эстетической
чистотой этот стиль имел больше общего с
неоклассицизмом, чем со старыми романтическими
ассоциациями, связанными с готикой. В 1835 году
Пуджин опубликовал свою "Готическую мебель в
стиле 15 века", в которой явно прослеживается
его принятие средневековых конструкций.
Однако именно в прочной простой мебели с
минимальным, но изысканным декором, которую он
спроектировал для палаты лордов и для сельских домов
в 1840-е годы, Пуджину почти удалось достигнуть
своих идеалов в украшении интерьера. Его мебель
оказала значительное влияние на более поздних
мебельных дизайнеров, таких, как Уильям Берд-
жес (1827 — 1881), Уильям Моррис (1834 —
1896), Чарльз Истлейк (1836 — 1906) и Брюс Таль-
берт (1838 — 1881).
ВОЗРОЖДЕНИЕ СТИЛЯ
ЛЮДОВИКА XIV
Стиль Людовика XIV приписывают
большому числу мебели, созданной в той или иной
степени под французским влиянием, наполнявшей
дома среднего сословия в эпоху Викторианства.
Она включала в себя также стиль Людовика XV
или неорококо, и в соответствии с этим данный
тип мебели часто просто соотносился со стилем
Людовика. В более дорогих предметах
обстановки тяжеловесные барочные формы были перегру-
69

Е Б Е Л Ь
жены асимметрично изогнутыми линиями
орнамента в стиле рококо; также часто применялось
золочение; но даже сравнительно скромные
предметы мебели не могли избежать пышности
рококо, например гнутых ножек и бордюра с
волютами в виде буквы С. Особенно великолепно
выглядели точные копии французского маркетри 18
века, выполненные превосходными английскими
мастерами.
С неорококо был тесно связан
натуралистический стиль, напоминавший распространенный
в начале 18 века "живописный жанр", которому
было свойственно обильное использование
декоративных мотивов с изображением растений и
животных.
ВОЗРОЖДЕНИЕ РЕНЕССАНСА
В 1840-х годах классические формы вновь
появились в возрожденном Ренессансе, или
итальянском стиле. Произведения этого стиля
изобиловали орнаментальными украшениями и, как
отмечал современник, "могли сочетать в себе
классические ордера и орнаменты наряду с тра-
дициционным византийским орнаментом в виде
завитков, мавританскими ажурными узорами и
переплетениями, различными безделицами и
полосками, естественными имитациями животных
или растений любых форм и видов и
причудливых арабеск".
ВОЗРОЖДЕНИЕ
ДРУГИХ СТИЛЕЙ
Мебель, показанная на Всемирной выставке
1851 года, отличалась великолепным
мастерством исполнения и огромной декоративностью;
СЕРВАНТ С ЗЕРКАЛОМ
Дерево и мрамор
В резном орнаменте —
стремительное сочетание барочных
масок, елизаветинских
'драгоценностей*, птичек и причудливых
завитушек рококо и классических
бордюров и пилястр. (Вверху)
ПРИСТАВНОЙ ШКАФЧИК
Лондонская фирма "Джексон"
Черное дерево, декоративные
вставки из золоченой бронзы,
лазурит и акварель; ок. 1855 г.
Подобный тип великолепного по
качеству шкафчика во
французском стиле Южени Приньо
пользовался большим успехом у
богатой знати. (Справа)
70

ВОЗРОЖДЕНИЕ СТИЛЕЙ В ЭПОХУ В И КТО РИ АНСТВ А
большинство викторианцев среднего сословия
ощущали комфорт среди богато декорированных
исторических стилизаций. Однако в течение
последующего десятилетия в моду вошел более
простой старый английский стиль, а несколько
позже — стиль королевы Анны, на
распространение которых значительное влияние оказали
архитекторы местного возрождения, такие, как
ЭСКИЗ СЕРВАНТА
Этот эскиз буфета со множеством
отделений сделан в стиле
викторианского Ренессанса для пре-
аижной мебельной фирмы 'Марш,
Джонс энд Крибб* в Лидсе, (рис
сверху)
Идеи Несфилд (1835 — 1888) и Ричард Норман
Шоу (1831 — 1912).
Для высшего сословия такие фирмы, как Джон
Уэбб, Райт энд Мансфилд и Эдварде энд Роберте,
продолжали делать высококачественные образцы
мебели. В то же самое время почти все мастера
поставляли мебель в английских стилях Чиппендейла,
Хеппельуайта и в конце столетия — Шератона.
СОЕДИНЕННЫЙ
С ЭТАЖЕРКОЙ
ДЛЯ БЕЗДЕЛУШЕК.
Грецкий орех, черное дерево
и медь; середина 19 столетия.
Тонкая и изысканная отделка
великолепно сочетается с
окаймлением из черного дерева на
ящиках и верхней полкой с
галереей, украшенной медным декором.
Опускающаяся передняя часть
скрыта двумя ящиками. Полезную,
добротную вещь подобного типа
можно было встретить во многих
интерьерах эпохи Викторианства.
Твор*ёСтэ^^
ЛауАОН&ЩШ$:^М$Ш$ вЩ$10фМЩ себе
луч шие экл ё№ич$ЩЩ$р0£%Щ$
'•f'JST. l~rO-V- '-.-/• '
ВиетьриайртЩ&Д^БудзЩч£Щв^йф&1
с шйр^ймГ^ру^Взрро^^н^'
■ ч
приветствовал наунно-технйнескйв
открытия хс^р^Т^^!Шз^м^^^^'Ш^
первых подчеркйв|^
м еб е^Щ^0р^^ё^0Щ:Ег^: \
"ЭнцйктюпёДиЯ i^ '
для коу^^^^^б0Щ^0'Щ$^
включилалРйЬЖ^^вдрхновлёйнЙё. 1 .
классицизмом ^(грт^кои^ст^лдЩк>дрра,
псевдоиталЦяШк^ср}Лр$щщще} \
"индусским" и;шадЙЦ/аррЧй^тб^иляМй.
Лаудон отвергав^у[Щ^р^ё*р^у1к
современни ков^ к^екд^ат^внГрёти и
новизне только>радй них саШх. -"По. его
мнению, мебел Ь; должна обладать ^
еди н стер ц ,с^й л яг и отвен ать своему
назначению^многие егогэскизы
отличаются:поразительной для своего
времени простотой.
71

Е Б Е Л Ь
После многолетнего копирования стилей других европейских
стрли фрлнцузскиЕ мастера по изготовлению ме6ели конца
1 7 ВЕКА И В ПОСЛЕДУЮЩЕМ СТАЛИ ЛИДЕРАМИ МОДЫ
НА КОНТИНЕНТЕ.
ФРАНЦИЯ
После распространения Ренессанса из Италии
во Францию в конце 15 века и» как
следствие этого, приобщения французских
художников и мастеров к классической античности две
ее черты они усвоили в особенности. Одна
проявлялась в гротескном стиле орнаментации —
искаженные, фантастические изображения
животных, растений и других форм. Другая черта
заключалась в использовании архитектурных
форм — например классических колонн,
карнизов и фронтонов.
Стиль французского Ренессанса в мебели
можно в общих чертах разделить на два периода; один
примерно совпадает с правлением Франциска 1(1515
— 1547), другой начинается со времени правления
Генриха II (1547 — 1559) и продолжается
примерно до 1580-х годов, когда творческая деятельность
СТУЛ-аБОЛТУШКАя
Грецкий орех; вторая
половина 16».
Редкие и элегантные
архитектурные формы, создающие
иллюзорное впечатление
аркады, вырезанной на спинке
стула. Характерны для периода,
когда стулья были лишены
обивки, но имели убираемые
подушки. (Справа)
БУФЕТ
Грецкий орех
с мраморной инкрустацией;
середина 16 в.
Барельефное изображение
завитков и мифологических
фигурок и мраморная инкрустация
подчиняются классической
архитектурной конструкции этого
буфета. Его мастер, вероятно,
был знаком с работами Жака
Андрэ дю Серсо. (Слева)
■
s>
■
j ',
была прервана французскими религиозными
войнами. В первый период панели с гротескными
мотивами деревянной резьбы покрывают каждый
клочок поверхности, и архитетурные формы
подчинены декорации. Во второй период все меняется
местами, и изящные пропорции доминируют над
резьбой, которая в то же время приобретает более
геометрический и сдержанный характер.
Дуб, в основном использовавшийся в период
готики, в мебели французского Ренессанса заме-
72

ФРАНЦИЯ
няется более темным и маслянистым грецким
орехом, который легче поддается резьбе и при
полировке отлично блестит. Резьба по дереву
заменяется другими декоративными приемами:
инкрустацией по дереву, драгоценным камням,
слоновой кости и другим материалам. Но
металлических вставок (таких, как дверные петли,
ручки, замки и уголки мебели), старались избегать,
т.к. они казались слишком навязчивыми.
Наибольшей популярностью в то время
пользовался буфет. Обычно в нем было два отделения,
одно над другим, и каждое имело по две дверцы
(но были и другие формы). Дверные панели
украшались деревянной резьбой и обрамлялись
архитектурными деталями. Столы, украшенные в
первый период искусным резным декором, к
середине века приобретают большую элегантность
и опираются на ножки, имеющие форму
изящных обточенных колонок с простыми базами.
Аналогичным образом стулья вначале имели
широкую и высокую спинку и боковые стенки, а в
более поздних стульях, известных, как "стулья-
болтушки", спинка становится уже, и боковые
стенки заменяются изящными колонками.
Кровати, особенно их передние спинки, украшаются
нарядной резьбой.
Наиболее важным региональным стилем
мебели французского Возрождения был "иль де
Франс", с характерными отточенными
архитектурными пропорциями. Приобрел значение
бургундский стиль, отличавшийся массивными
формами и рельефной резьбой, и южный стиль, в
котором видное место занимала многоцветная
живопись и маркетри.
НАЧАЛО 17 ВЕКА
В правление Генриха IV (1589 — 1610) и
Людовика XIII (1610 — 1643), наряду с
итальянским, на французское искусство, в
особенности на искусство двора, начали оказывать
влияние испанский, голландский и немецкий
стили, техники и материалы. Они настолько
хорошо ассимилировались в изготовлении мебели,
что трудно бывает определить происхождение
предмета обстановки данного периода. В то же
время параллельно продолжал развиваться
стиль ренессанс, но с видоизменениями:
архитектурные формы и изысканный орнамент
прошлого века уступили место литым украшениям
(накладные полоски резного дерева),
геометрической резьбе, обточенным (закругленным)
ножкам, подставкам и т.д.
Основным предметом обстановки начала 17
века был шкаф. Он имел форму ящика, с двумя
дверцами, которые скрывали ящики, и стоял на
опоре, высотой со стол, с точеными ножками.
Излюбленным материалом для украшения
шкафов было черное дерево, дорогой сорт
древесины, которым мастера пользовались щедро и с
умом. Толстая отделка черного дерева
украшалась барельефной резьбой, которая затем
накладывалась на дешевый деревянный каркас изде-
стол
Грецкий орех;
середина 16*
ново важное значение. Имеет
провинциальное происхождение.
(Вверху)
У этого стола резьба и архи-
тектурный декор имеют одина-
ШКАФЧИК
НА ПОДСТАВКЕ
Черное дерево; первая
половина 17 в.
Декоративность усиливается резь-
бой и литыми украшениями.
(Внизу)
73

МЕБЕЛЬ
КРЕСЛО
Золоченое дерево;
середина 17 в.
Резьба с завитками в виде
листьев, волосистые лапы и
ножки, имитирующие "баранью
кость", типичны для этого
периода, равно как и бархатная
обивка. (Слева)
КОНСОЛЬНЫЙ
столик
Золоченое дерево и красный
мрамор; ок. 1715 г.
Вдохновленные рисунком
Никола Пино, подобные
легкомысленные мотивы, как изображения
дельфинов, масок бородатых
мужчин и ног с копытами было
типичным для сверкающего стиля
начала 18 в. (Внизу)
лия. Внутренняя часть мебели иногда
украшалась черным деревом, напоминая архитектурные
фасады зданий с точеными колонками,
фронтонами и дверными проемами; могли включать в
себя черепаховый, серебряный или классический
перспективный декор, выполненный в стиле
маркетри в дереве и слоновой кости.
Большие стенные шкафы и буфеты также были
характерны для этого периода. Многие из них
имели в основе такую же конструкцию, как их
предшественники в эпоху Ренессанса, но были
украшены тяжеловесными литыми
обрамляющими панелями с геометрической резьбой; буфеты
же имели тонкую отделку панелями.
Стулья, столы и многочисленные
декоративные украшения для закрывающейся мебели
(шкафов с выдвижными ящиками и стенных шкафов
и буфетов) делались из древесины плодовых
деревьев и грецкого ореха. Некоторые фрагменты
конструкции обтачивались на токарном станке
(эта техника используется теперь повсеместно),
например при изготовлении винтовых
скрученных деталей. Стулья становятся более удобными
и покрываются яркой цветной бархатной обив-
74

ФРАНЦИЯ
кой, в тон с декоративным оформлением
остальной части комнаты.
Гравюры Абрахама Боссе, дающие
наиболее яркое впечатление об интерьерах этого
периода, показывают разнообразное применение
декоративных тканей для украшения мебели.
Столы покрывались сукном, ножки стульев
закрывались тем же драпировочным материалом,
что и сиденье со спинкой, а кровати (ни одна
из них не сохранилась, т.к. они были
выброшены, как только вышли из моды) полностью
скрывались драпировками, чтобы не было
видно ни одного кусочка древесины. Согласно
изображению Боссе, мебель этого периода
становилась все более удобной и
комфортабельной благодаря большому числу небольших
столов, которые сохранились. Их столешница
имеет удлиненную или восьмиугольную
форму и точеные ножки.
СТИЛЬ
ЛЮДОВИКА XIV
Многолетнее царствование "короля-солнце"
Людовика XIV (1643 — 1715) отмечено
абсолютизмом и великолепием королевского двора в
Версале и Париже. После единовластия
Людовика главной фигурой в культурной жизни
Франции стал дизайнер интерьеров Шарль Лебрен
(1619 — 1690). Он был первым директором
Гобеленовой мастерской, позже названной
"Королевской мебельной мануфактурой", где было
отделение по изготовлению мебели под
руководством итальянца Доменико Куччи (ок. 1640 —
1705). Там делали изысканные шкафы с
выдвижными яшиками, декорированные панелями с
инкрустацией из цветного твердого камня и
вставками из золоченой бронзы.
Голландский мебельный мастер Пьер Голль
(1620 — 1684), работавший с 1840-х годов в
Париже, принадлежал к другому направлению:
он продолжал традицию изготовления больших
шкафов из черного дерева, начатую в начале 17
века. Голль создавал парадную мебель для двора
в простых, обычно традиционных формах, такую,
как шкафы на подставках, столы и столики,
стоящие в промежутках между окнами, с
использованием многоцветного маркетри по дереву,
слоновой кости, раковинам и металлу.
Как и в начале века, в изобилии выпускаются
комплекты мебели для сидения, гармонирующей
с кроватями и драпировками, но шкафы
встречаются редко. Большие стулья и кресла
украшаются резными завитками и позолотой, с бархатной
или шелковой обивкой, расшитой золотыми и
серебряными нитями. В это время впервые
появляются приставные позолоченные столики. У
таких столов часто бывают прямые, сужающиеся
книзу ножки, стретчеры в виде волют (распорка,
соединяющая ножки) и резной фриз,
украшенный плетениями и другими стилизованными
мотивами. Все эти ножки и стретчеры служили
просто опорами для стола, и дорогой мраморный
верх считался гораздо более ценным, чем более
дешевая опора.
Закрывающаяся мебель. Шкафы с
выдвижными ящиками, стенные шкафы, буфеты и столы
периода Людовика XIV отличаются богатством и
размерами. В Гобеленовой мастерской
выпускались шкафы из черного дерева,
инкрустированные панелями из флорентийского твердого
камня; золоченая бронза использовалась для
обрамления панелей и декоративных вставок, которым
придавались архитектурные формы. Гобеленовая
и другие мастерские также делали шкафы,
декорированные маркетри по дереву, с центральной
дверцей, ящиками по бокам и часто
позолоченными опорами. Особой популярностью
пользовались наборы мебели, подходящей друг другу по
тону (иногда называемые триадами), которые
состояли из стола, двух канделябров и зеркальной
рамы, украшенной маркетри по дереву или
покрытой лаком.
В 1680-е годы широкое распространение
получило маркетри по металлу и черепахе,
после впервые применившего его Андре-Шар-
ля Буля. Ее можно было встретить на разно-
ШКАФ С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ
Приписывается Пьеру Голлю
Черное дерево, золоченая
бронза,черепаха, перламутр,
слоновая кость и лак;
ок. 1650 г.
В этой вещи ощущаются
фламандские традиции. С помощью
сочетания многих материалов и
технических приемов Голль добивался
разнообразных эффектов.
75

Е Б Е Л Ь
МАРКЕТРИ В СТИЛЕ "БУЛЬ"
Маркетри в стиле "буль" представляет
собой отделку мебели медными
вставками, оправленными в черепаху. Она
получила название не в честь своего
изобретателя, французского мебельного
мастера Пьера Голля (годы работы 1644 —
1684), а по имени того, кто успешно
применял ее, — Андре-Шарля Буля
(1642-1732).
Отделка достигалась путем наклеивания
близко друг к другу пластинок меди и
черепахи, поверх которых помещался
листок бумаги с рисунком, и с помощью
пилочки выпиливался образец на самом
материале. Вырезанный кусочек меди
затем плотно пригонялся на место,
оставленное в черепахе. Многие предметы
обстановки Буля делались попарно: на
одном использовалось медно-черепаховое
маркетри и маркетри с противоположным
рисунком, т.е. черепаха в меди. Иногда
оба типа маркетри применялись на одном
предмете.
Рисунок маркетри чаще всего включал
в себя лиственный орнамент с
геометрическим окаймлением или
причудливые сценки, вдохновленные
работами декоратора и дизайнера Жана
Берена (1637— 1711). Медные образцы
обычно гравировались, либо с завитками,
либо с тенями для придания объемности;
черепаха часто раскрашивалась в красный
или голубой цвет путем помещения
раскрашенной бумаги под нее на
мебельном каркасе.
В начальный период маркетри в стиле
"буль" — примерно с 1660 по 1680 год—
также применялось олово, черное дерево
и грецкий орех, но после 1680 года почти
tисключительно стали применять медь и
черепаху.
ШКАФ С МАРКЕТРИ В СТИЛЕ "БУЛЬ"; приписывается Ноэлю Жерару; начало 18 в.
образных видах мебели. Сюда входили
большие стенные шкафы и столы,
устанавливаемые в простенках между окнами, позже
известные как бюро Мазарини. Подобный стол
наиболее часто встречается в сохранившейся
мебели периода Людовика XIV. У него обычно
восемь ножек, либо квадратных и
сужающихся книзу, либо в виде волют, и каждый набор
из четырех ножек соединен Х-образным стрет-
чером. С каждой стороны расположено по 3 —
4 ящика и один длинный неглубокий ящик над
проемом. В варианте этого шкафа, называемом
складным бюро, верхняя крышка в центре
откидывается назад, а за ней внутри
расположены ящики меньших размеров и поверхность для
письма.
Новые конструкции. К концу правления
Людовика Андре-Шарль Буль стал создавать
новые формы мебели, и два предмета
изготовленной им мебели приобрели наибольшую
популярность в следующем столетии: это письменный стол
и комод. Письменный стол большой, с опорой на
четыре ножки и тремя ящиками спереди во
фризе, обычно подлинным с одной стороны и
поддельным с другой. Не менее известен сегодня
комод, с тонким изысканным декором. Обычно
стоял в центре комнаты, вдоль самой длинной
стены. Оба эти предмета обстановки изначально ук-
76

ФРАНЦИЯ
рашались маркетри в стиле "буль", но после
смерти Людовика она была заменена облицовкой
деревом с более простым геометрическим
рисунком.
РЕГЕНТСТВО
И СТИЛЬ ЛЮДОВИКА XV
После смерти Людовика XIV в 1715 году
общественная реакция на пышность и великолепие,
начавшаяся в конце его правления, продолжилась
в период Регентства, которое царило во
Франции в течение последующих восьми лет, во
время единовластия Людовика XV (1715 — 1774).
Стиль этого периода (грубо говоря, 1700 — 1730),
известный, как регентство, менее тяжеловесен и
более грациозен, чем стиль предшествующих 40
лет. В мебели отделка простыми сортами
древесины заменила маркетри в стиле "буль";
упрощена была орнаментация из золоченой бронзы.
В мебели периода Людовика XV
по-прежнему отвергалась тяжеловесность форм с
помощью обильного применения рококо, в котором
округлые линии заменяли острые углы.
Криволинейные мотивы, такие, как вода, растения,
драконы и раковины, рельефно выделялись в
резном деревянном декоре, маркетри и
золоченой бронзе, и конструкция предметов мебели
становилась совершенно невидимой. У стула
эпохи Людовика XV, к примеру ножки,
подлокотники, сиденье и спинка, продолжают
текучую закругленность линий, прерывающихся
лишь для резьбы по дереву, листочка или
волюты рококо.
Мебель для сидения и архитектурная мебель
(мебель, образующая часть декорации стены),
такая, как консольные столики (столики без
задних ножек, закрепленные к стене при помощи
скоб) и зеркала, делалась из бука и грецкого оре-
комод
Шарль Крессан; королевская
сосна, золоченая бронза;
около 1735 —1740 гг.
Это наглядный пример рельефных
декоративных вставок Крессана.
(Сверху)
ПАРА КРЕСЕЛ
Приписываются Никеля
Херто; позолоченное дерево;
середина 18 в.
Кресла с плоской спинкой
ставились у окна. (Внизу)
ха, незаметно собиралась и закреплялась, а
затем золотилась или раскрашивалась в тон с
остальной обстановкой комнаты. Закрывающаяся
мебель, каркасная часть которой часто
выполнялась из дешевой сосны, а иногда из дуба,
отделывалась экзотическими породами деревьев с
геометрическим рисунком, известным, как паркет,
из-за сходства с паркетными полами.
В 1740-е годы приобрело популярность
маркетри с изображением цветов. Один из приемов
состоял в окрашивании фрагментов мозаики
красками или горячим песком; при другом, дававшем
лучшие результаты, использовались кусочки
мозаики, вырезанные из древесины, волокна
которой образовывали нужный рисунок. В качестве
отделки иногда применялось покрытие лаком,
японским и китайским, или французской
имитацией под названием Верни Мартен.
Выступающие углы и ножки закрывающейся мебели, а
также ручки и обрамления панелей маркетри
украшалась золочеными бронзовыми вставками.
Новые виды мебели. В период правления
Людовика XV появилось много новых видов и форм
мебели. Кресло, наиболее распространенный тип
стула, имел сиденье, спинку, изогнутые ножки и
подлокотники, напоминающие по форме волюту
или сердце; прямая спинка называлась "царской";
изогнутая — "кабриолетом". Глубокое кресло
делалось большим и удобным, с обивкой,
покрывающей даже подлокотники. Консольные столики
стояли на сильно изогнутых ножках, украшенных
резьбой, — изображался лиственный орнамент,
корзина цветов или волюта рококо на стретчерах.
Основным предметом закрывающейся
мебели этого периода был комод. Он имел
закругленную переднюю часть, бока и ножки и два или три
ряда ящиков. Письменный стол выполнялся
наряду с новыми видами столов для работы,
например секретером с откидной доской, который имел
две дверцы и доску для письма, закрывающую
собой небольшие внутренние ящики.
77

Е Б Е Л Ь
Письменные столы всех форм и размеров
имели дополнительный ящик сбоку, а иногда и
наклонную плоскость под верхом (столешницей).
Один тип стола представлял собой небольшой
письменный стол с надстройкой в глубине его.
Другой был с цилиндрическим верхом,
поверхность которого открывалась при откидывании
крышки.
Трансформирующиеся столы, на изготовлении
которых специализировались немецкие мебельные
мастера, имели сложные запирающие устройства,
ящики, задвижки и углубления, пригодные для
многих целей, например для письма, хранения
ценных бумаг, вышивания и даже для молитв
(некоторые ящики превращались в места для
преклонения колен).
КОНЕЦ 18 ВЕКА
К концу периода правления Людовика XV,
между 1760 и 1770 годами, стиль рококо, столь
почитаемый в оформлении интерьеров, начал
постепенно заменяться неожиданно пришедшим
неоклассицизмом. Он характеризовался
использованием классических архитектурных форм и
мотивов — прямых линий, симметрии, пилястр, канне-
СТОЛЯРЫ
И КРАСНОДЕРЕВЩИКИ
До революции 1789 года все
мебельные мастера во Франции
принадлежали к гильдии столяров (сюда
также входили плотники и мастера по
изготовлению карет). Мебельные мастера
делились на две основные категории:
столяры, делавшие стулья, столы и другую
несложную мебель, и столяры-
краснодеревщики, изготавливающие
шкафы с выдвижными ящиками и другую
закрывающуюся мебель, которая обычно
облицовывалась другим материалом (слово
"ebeniste" ("столяр-краснодеревщик")
происходит из старинного употребления
"евопу" ("черное дерево") в качестве
отделочного материала). Каждый вид
деятельности являлся
специализированным, и мастера работали
в той или иной области ремесла.
Изготовление мебели подчинялось
строгому законодательству; "мэтр" —
старший мастер — должен был долго
учиться, изготовить совершенное
произведение (шедевр) и заплатить
порядочную сумму денег, прежде чем он
мог получить разрешение выпускать вещи
под собственным именем; он должен был
на каждой сделанной им вещи обязательно
ставить свое имя (это было характерно для
французской мебели), офицеры гильдии
периодически занимались проверкой
качества изделий и штамповали
получившие одобрение предметы знаком
гильдии JME (Жюри столяров-
краснодеревщиков). Практика ставить
штампы на мебель как гарантию ее качества
была закреплена указом 1751 года.
ПАРА КРЕСЕЛ
Печать Жана-Батиста Сена
Золоченое дерево;
ок. 1780 г.
Спиральные ножки с
каннелюрами, спинка во форме ширмы и
тонкая резьба характерны для
творчества Сене, одного из
крупнейших мастеров по изготовлению
стульев в неоклассическом стиле.
люр, розеток, львиных масок и лепного
орнамента в виде листьев или бусин. Постепенное
видоизменение стиля рококо из-за влияния
неоклассицизма, перед тем как последний приобрел
доминирующее значение, известно как переходный
стиль.
В начале переходного периода мебель
продолжает иметь криволинейные формы, свойственные
рококо, но уже приобретает неоклассический
декор. Затем и формы мебели начинают
включать неоклассические элементы. Например,
комод сохранял свои изогнутые ножки, а его
формы приобрели прямолинейный характер. А в
мебели для сидения спинка в форме сердца часто
опиралась на прямые, сужающиеся книзу
ножки, украшенные каннелюрами. Подобные
предметы обстановки и декорировались в том же
стиле. Например, корпус комода украшался
характерным маркетри с цветочным мотивом и
декоративным фризом с волютами; угловые вставки из
золоченой бронзы иногда украшали триглиф
(прямоугольную каменную плиту с тремя
продольными врезами, применяемую в дорическом фризе)
и козырек (нижний выступ), сделанный на
фимиаме.
К 1770 году неоклассицизм почти полностью
вытеснил стиль рококо. Однако при оформлении
интерьеров классический стиль применялся не
формально, а весьма причудливым образом, что
придавало стилю элегантность и
соответствовало легкому архитектурному оформлению
интерьеров того времени.
Людовик XVI. В период правления
Людовика XVI (1774 — 1792) появилось несколько
новых типов мебели; а сделанная прежде
приспосабливалась к новому времени. Мебель для
сидения потеряла все черты стиля рококо:
ножки стали обточенными, сужающимися книзу и с
каннелюрами; место соединения между ножками
и перекладинами делалось в форме куба с
розеткой; квадратные спинки и отлитые рамки сиде-
78

ФРАНЦИЯ
ФРАНЦУЗСКИЕ МАСТЕРА ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ МЕБЕЛИ
Де Серсо, Жак
ok.1515-ok.1585
Архитектор, дизайнер и гравировщик. Начиная с 1559 года, опубликовал множество
серий декоративных чертежей, которые широко применялись мебельными
мастерами в качестве образцов для форм и декораций.
Боссе, Абрахам
ок.1605-1676
Архитектор, дизайнер и гравировщик. Больше известен своими гравюрами с
изображением французских интерьеров первой половины 17 века.
Лебрен, Шарль
1619-1690
Архитектор и дизайнер. Под его руководством осуществлялось украшение
королевских дворцов, с 1661 и по 1683 год. Отвечал за архитектурное оформление
мебели в начальный период стиля Людовика XIV.
Голль, Пьер
ок. 1620-1684
Столяр-краснодеревщик. Делал мебель для королевской семьи, начиная с 1650 — х
годов до самой смерти, изготавливал шкафы с выдвижными ящиками, столы,
рабочие столы, опоры, стенные шкафы и буфеты, в технике маркетри по дереву,
слоновой кости, металлу или черепахе, а также покрывал их лаком. На его стиль
оказало влияние голландское происхождение.
Буль, Андре-Шарль
1642-1732
Столяр-краснодеревщик, резчик, чеканщик, золотильщик и скульптор при
королевском дворе. Прославился замечательными инкрустациями по металлу и
черепахе, которыми изобиловали его работы с архитектурными деталями,
оправленными в золоченую бронзу. Делал работы для членов королевской семьи и
иногда для Людовика XIV.
Крессан, Шарль
1685-1768
Столяр-краснодеревщик. Первоначально прошел обучение на скульптора.
Созданные им шкафы, в основном комоды, шкафы с выдвижными ящиками и
письменные столы украшены рельефными скульптурными вставками.
Ванрисамбур, Бернар
1696-1766
Столяр-краснодеревщик. Самый крупный мебельный мастер эпохи Людовика XV.
Делал комоды, небольшие столы, секретеры и письменные столы в грациозных
формах рококо, украшал их маркетри с цветочными мотивами или покрывал лаком
и золочеными бронзовыми вставками тонкой работы.
Тиллар, Жан-Батист
1685-1766
Плотник. Его изделия отличаются благородством форм, декоративными завитками
в стиле рококо и вырезанными из дерева цветами.
Эбен, Жан-Франсуа
1721-1763
Столяр-краснодеревщик. Делал комоды, украшенные маркетри, и
трансформирующуюся мебель в позднем стиле Людовика XV; одним из первых
начал включать в свою мебель неоклассические детали.
Ризенер, Жан-Анри
1734-1806
Столяр-краснодеревщик при королевском дворе. Возможно, пользовался
наибольшим успехом среди всех французских мебельных мастеров 18 века. Его
работы для королевских дворцов отличались великолепным качеством исполнения,
украшались изысканным маркетри, золочеными бронзовыми вставками,
выточенными с невиданным до той поры совершенством.
Вейсвеллер, Адам
1744-1820
Столяр-краснодеревщик. Делал мебель для торгового люда, включая Доминика
Дагера; при изготовлении мебели использовал редкие материалы, такие, как
японский лак и севрский фарфор, с декоративными колонками из золоченой
бронзы и причудливыми вставками во фризе.
Жакоб, Жорж
1739-1814
Плотник. Зарекомендовал себя как ведущий мастер по изготовлению стульев во
Франции. Создавал для Марии-Антуанетты комплекты стульев, богато украшенных
резьбой, с нарядными деталями, такими, как ножки в виде колчана со стрелами.
После того как Жорж вышел на пенсию, оба его сына унаследовали его дело.
Дворцы Наполеона изобиловали их мебелью из красного дерева, декорированной
золоченой бронзой.
Вернер, Жан-Жак
1791-1849
Главный мастер по изготовлению мебели периода империи. Принимал участие в
промышленных выставках того времени и был удостоен многих официальных
наград. Для отделки использовал местные породы дерева, такие, как ясень.
Фординуа,
Александр-Жорж
и Анри-Огюст
1799-1871
1830-1907
Создавали мебель для императрицы Евгении. Работали в стиле Лкадовика XVI, но
специализировались в Ренессансе.
ний декорированы классическими фризами,
например перекрученной лентой. У кроватей и
консольных столиков появились более изящные,
каннелированные подпорки в виде колонок и
архитектурные фризы.
Закрывающаяся мебель также приобрела
прямоугольный вид. Комоды часто имели
прямоугольную форму, хотя иногда передняя часть
была как бы разорванной (центральная его часть
напоминала по форме выступающую панель) или
имела форму полумесяца. Все виды письменных
столов и секретеры делались прямоугольной
формы, с прямыми, сужающимися книзу,
точеными или прямоугольными ножками. Верхняя
часть была обычно украшена греческим фризом,
а главная панель декорировалась литым орна-
79

Е Б Е Л Ь
ментом из золоченой бронзы. Консольный
столик из красного дерева, также среди
оригинальных нововведений того времени, опирался на
ножки в виде колонн.
Закрывающуюся мебель продолжали
украшать красочным маркетри. Наиболее
распространенными мотивами были руины, экзотические
предметы, например, китайская посуда, и
сложные геометрические формы. Однако,
постепенно простая отделка, особенно красным деревом,
начала вытеснять маркетри. Для отделки
использовалась декоративные породы дерева
(древесина с отчетливыми волокнами), подчеркнутая
тонким рельефным узором из золоченой
бронзы, а также восточные лаки. Панели из
цветного твердого камня или маркетри в стиле "буль"
часто брались из старой мебели эпохи
Людовика XIV и прикреплялись к новым комодам и
шкафам и облицовывались черным деревом.
Закрывающуюся мебель украшали дисками из
севрского фарфора.
Купля-продажа. В 18 веке появилась
группа дельцов, занимавшихся куплей-продажей
мебели, в функции которых входило снабжение
мебелью и декоративными предметами богатой
клиентуры. Благодаря такому положению этим
купцам удавалось приобрести определенное
влияние не только на маркетинг, но также на
конструкцию мебели.
Лазар-Дюво, один из наиболее известных
поставщиков мебели в эпоху Людовика XV,
занимался дизайном предметов, которыми он
снабжал любовницу короля мадам де Помпадур и
других. Дело кончилось тем, что под контролем этих
купцов оказалась работа всех специалистов по
изготовлению мебели. Доменик Дагер, самый
известный из купцов конца 18 века, оформлял
заказы на рисунки, заказывал таблички
определенной формы и декора из Севрской фарфоровой
фабрики, покупал покрытые лаком шкафы,
чтобы снять с них декоративные панели и заменить
вставками из золоченой бронзы в исполнении
талантливых мастеров. Таким образом, на долю
столяра-краснодеревщика оставалось лишь офор-
СТОЛ
Печать
Мартина-Гийомв Бивннв
Золоченая бронза и мрамор;
конец 18 в.
Столешница декорирована
сценами археологических раскопок
в Италии. (Справа)
СЕКРЕТЕР С ОТКИДНОЙ
ДОСКОЙ
Личная печать Мартина
Карлина.
Японский лак и золоченая
бронза; ок. 1780 г.
Карлин работал почти
исключительно для тех, кто занимался
куплей-продажей. Этот предмет
мебели первоначально принадлежал
м-ль Лагер, известной парижской
оперной певице и куртизанке,
которая умерла в 1782 году, в
возрасте 28 лет, 'изношенная
чрезмерной жизнью".
80

ФРАНЦИЯ
мить каркас мебели и произвести ее конечную
сборку, что сводило его роль дизайнера до
простого исполнителя.
ДИРЕКТОРИЯ И ИМПЕРИЯ
Годы, последовавшие после Французской
революции, были неспокойными — анархия,
террор (1793 — 1794), Директория (1795 — 1799),
ее свержение Наполеоном в качестве консула
и, наконец, его правление в качестве
императора (1804 — 1814). Этот политический
переворот сопровождался переворотом в
искусстве. В производстве мебели крушение, распад
имели драматические последствия, открывая
путь в торговлю каждому, кому этого хотелось,
в результате чего было покончено со старыми
специализациями. В добавление ко всему, из-
за сложных экономических условий
приходилось сводить к аскетизму бытовавшую до той
поры роскошь. По коммерческим
соображениям невозможно было больше выпускать мебель
с изысканной отделкой и золочеными
бронзовыми вставками. В результате стали делать
более простую, разрисованную мебель, и
единственная применяемая отделка осуществлялась
из красного дерева.
Директория. Примерно с 1793 по 1804 год
превалирующий стиль дизайна называется
директорией. Для него характерно использование
арабесок и этрусских форм и мотивов, например,
причудливых животных, морских львов, орлов,
змей, ромбов и пальметок (стилизованных
пальмовых листьев).
Формы мебели стали проще, чем при
Людовике XVI, и менее разнообразны, чем раньше.
Комоды стали делать простыми, с ножками в виде
лапы. Впервые обеденные столы из красного
дерева стали выставляться для обозрения, не
закрытые скатертью. Возможно, наиболее
оригинальной и грациозной в этот период была
мебель для сидения. Она окрашивалась в светлые
тона; ножки часто делались в виде сабли или
рога изобилия или обтачивались и сужались
книзу (но без каннелюр); спинки имели
ажурное украшение с верхней перекладиной,
завивающейся в виде волюты.
Империя. Император Наполеон оказывал
значительное личное влияние на империю.
Чтобы придать своему режиму атмосферу силы и
стабильности, он поощрял развитие
монументального стиля, основанного на массивных, прочных
формах и рельефном декоре. Огромное
количество мебели создавалось для императорских
дворцов, и большая часть сохранившейся мебели
периода Империи напоминает известные имперские
комиссионные продажи.
Главным источником вдохновения для
имперского стиля была массивная мраморная мебель с
резными украшениями, используемая греками и
римлянами на открытом воздухе. Но Египет
также оказывал сильное влияние: путешествие туда
Наполеона в 1799 году сопровождалось поездка-
эскизы
ДЛЯ ТАБУРЕТОК
Начало 19 в.
Были напечатаны в издании
"Мебель и изящные предметы',
издававшемся Пьером дела Меэанже-
ром с 1802 по 1835 г. (Внизу)
81

Е Б Е Л Ь
ЭСКИЗ ДВУХ КРЕСЕЛ
И КНИЖНОГО
ШКАФА-СЕКРЕТЕРА
Начало 19 в*
В этой мебели из красного
дерева, декорированной
золоченой и патинированной бронзой,
ощущается влияние декора
старой мебели периода Империи.
Фигуры на секретере
напоминают о Египте. Этот рисунок был
опубликован в альманахе
Пьера де ла Мезанжера 'Мебель и
изящные предметы*
ГА#
[
• l/,«/>?tV r/ fty/s/.i /*• (,'onf
'//
/
Л^-Глг Ят*т
>■/ .1, . ttnt/fHt/j ./itt/tf,!. a, t'/eere/шгг - t лыА/tot/ii'i/tn'
ми художников, которые регистрировали свои
впечатления, и во Франции началось повальное
увлечение всем египетским. В результате этого в
декоративных мотивах на мебели появились
крылатые жуки-скарабеи, египетские мумии,
сфинксы и иероглифы.
Мебель для сидения в эпоху Империи
делалась либо из красного, либо из позолоченного
дерева. Эта мебель с квадратными спинками и
украшенными рельефной резьбой передними
ножками, образующими опоры для подлокотников,
больше соответствовала внушительным
интерьерам, чем предназначалась для сидения.
Сохранились также большие табуретки, часто с Х-образ-
ной конструкцией, в форме перекрещивающихся
сабель. Комоды и секретеры часто делались в тон
с кроватями, туалетными столиками и
зеркалами. Их великолепная отделка красным деревом
выделялась на фоне изысканных вставок из
золоченой бронзы и выступающих пластинок или
панелей с военными мотивами. Большие
письменные столы помещались на массивных резных
опорах.
Дополняли общую картину тяжеловесности
большие книжные шкафы с архитектурными
формами. Нововведением этого периода было псише
(высокое зеркало на ножках).
РЕСТАВРАЦИЯ
После окончательного падения Наполеона в 1815
году произошла реставрация монархии Бурбонов:
Луи XVIII (1815 — 1824), Шарля X (1824 — 1830)
и Луи-Филиппа (1830 — 1848). Этот период
совпал с началом промышленной революции и
подъемом средних классов; происходит увеличение
ПАРА КРЕСЕЛ
около 1825 г.
Формы этих кресел более
удобны, с плавными закруглениями;
кресла выполнены из светлого
дерева, с более темной
инкрустацией. Рисунок обивки отмечен
неоклассическими мотивами.

ФРАНЦИЯ
выпуска декоративной мебели для
удовлетворения вкусов новоявленных! богачей.
В период Реставрации античность перестала
быть единственным источником вдохновения для
художников. Интерес к искусству разных
народов, вызванный большей доступностью
путешествий, и открытие славного национального
прошлого, благодаря историческим романам Гюго и
других писателей, привело к тому, что мы
называем теперь возрождением романтизма. Одним
его аспектом становится популярность готики;
мебель приобретает такие конструктивные
элементы, как заостренные арки, орнамент в виде
трилистника и пучков колонок. Поиски
конструктивной новизны привели к использованию
различных форм и декоративных мотивов без
определенной основной тематики, эклектизму форм,
углубленному воздействием на дизайнеров
различных промышленных выставок этого периода.
Во время Реставрации не произошло резкого
разрыва с имперским стилем (например,
Людовик XVIII сохранял мебель Наполеона, просто
заменив имперских пчел королевской
геральдической лилией). Но постепенно пробивал себе
дорогу менее грандиозный, более домашний стиль. В
отделке мебели тонко обработанный грецкий орех,
тис и клен инкрустировались более темными сор-
консольный столик
Жаков Двсмальтвр
и патинированная бронза;
начало 19 а.
Один из пары столов,
выполненных по рисунку архитектора
Шарля Персье. Чувствуется влияние
античности.
тами древесины, например розовым или черным
деревом, или наоборот. Вставки из золоченой
бронзы постепенно уступают место инкрустации
по дереву и более широкому применению
деревянной резьбы.
В мебели для сидения соображения
комфорта заменяют помпезность: мебель приобретает
меньшие размеры, и вновь появляются
закругленные линии, круглые формы сидений и спинок
и ножки с резным волютами. Применялись
также обточенные ножки, задние часто имели
саблеобразную форму. Диваны и шезлонги
приобретают самые различные формы. Делались сиденья
в виде "помье" с крестообразным соединением
ножек, у которого один подлокотник был на
уровне спинки, а другой ниже.
Закрывающаяся мебель приобретает более
вычурные формы, однако становится более
утилитарной, удовлетворяя потребности среднего
сословия. Письменные столы, опирающиеся на
пучки колонок, делались с многочисленными
ящиками. Этажерки (двух- и трехъярусные
открытые шкафы с выдвигающимися ящиками,
используемые в качестве книжных шкафов или
для безделушек) делались с резными
украшениями по бокам и на галереях и имели самые
разнообразные формы. Выпускалось много ко-

Е Б Е Л Ь
модов и секретеров, но гораздо больше стали
делать новой функциональной мебели, такой,
как жардиньерки, небольшие ширмы,
приставные столики и впервые — фортепьяно как
предмет обстановки.
ВТОРАЯ
ИМПЕРИЯ
В 1848 году монархия была заменена Второй
республикой, но четыре года спустя первый ее
президент, Луи Наполеон, племянник Бонапарта,
провозгласил себя императором Наполеоном III.
Эта Вторая Империя продолжалась до 1871 года,
когда она была заменена Третьей Республикой.
В этот промежуток времени не было имперского
стиля, установленного свыше; не было даже
вообще четко выраженного стиля Второй Империи.
Художники и мастера этого периода просто по-
своему интерпретировали и применяли в своем
творчестве широкое разнообразие стилей
прошлого всех стран и народов. А иногда дизайнеры даже
смешивали несколько стилей в одном
произведении. Новым явлением здесь было техническое
совершенство, ставшее возможным благодаря
современным механическим достижениям.
Особой популярностью у мебельных мастеров
пользовался стиль ренессанс, тогда же появились
огромные шкафы с выдвижными ящиками, с
обилием резьбы, маркетри и других технических
приемов. Мастера также черпали вдохновение в
17 и 18 веках. Императрица Евгения испытывала
ностальгию по всему, что было связано с
супругой Людовика XVI Марией-Антуанеттой, и
многие вещи выполнялись как имитации стиля
Людовика XVI. Часто в них маркетри сочеталась со
вставками из поддельного севрского фарфора, или
черное дерево инкрустировалось панелями из
цветного твердого камня.
Копировался также стиль Людовика XIV:
создавалось много закрывающейся мебели в стиле
"буль", часто с красным черепаховым фоном; в
этом же стиле делались стулья, кровати и другая
мебель. Вниманием обычно пользовались самые
изысканные предметы тонкой работы; их детали
усердно копировались в преувеличенном
масштабе. Широко применялся лак, обычно черный,
который усиливал декоративность мебели за счет
применения живописи, золочения и
перламутровых инкрустаций; им также покрывались стулья,
столы, шкафы, ширмы, чернильницы, корзины и
многие другие предметы. Некоторые из них
выполнялись из папье-маше, дешевый способ
изготовления которого делал возможным массовое
производство.
Модным становилось проектировать целые
комнаты в одном стиле, а также обставлять
каждую комнату в своем собственном стиле —
например, столовая в стиле ренессанс,
библиотека в стиле готики, а гостиная в стиле
Людовика XV. Мастера стремились использовать все
известные формы мебели и возможные
технические приемы, упор делался на изобилии и
усложненности. Широко применялись фарфор,
мрамор, цветной твердый камень, редкие
сорта древесины, патинированная и золоченая
бронза, серебро, чугун и мягкая ковкая сталь,
олово и другие металлы, слоновая кость и
черепаха. Не менее сложными были
драпировки; в центре комнаты часто ставились
огромные пуфы (имеющие в своей конструкции крест
между скамейкой и табуреткой) с растущими
из них растениями. Среди наиболее
причудливых конструкций того времени была
табуретка на деревянных ножках, деревянная
золоченая резьба которых напоминала скруче-
ную веревку.
КАБИНЕТ
ИМПЕРАТРИЦЫ ЕВГЕНИИ
В САН-КЛОДЕ
Батист Фортюнв дв Фурньв
1860
Данный кабинет является ярким
примером эклектики в период
Второй Империи, когда мебель
более раннего времени стояла
вперемежку с современной, удобной
и полезной. Кабинет отражает но-
стальгию императрицы по Марии-
Антуанетте.
84

ФРАНЦИЯ
ФРАНЦУЗСКАЯ ПРОВИНЦИАЛЬНАЯ МЕБЕЛЬ
Французская провинциальная мебель в
соответствии со своими стилями может
быть отнесена к различным регионам, но
большинство предметов обстановки
остаются анонимными, поскольку
парижские гильдии не распространялись
на провинции, и мало кто из
провинциальных мастеров ставил на
мебели свое имя. Отчетливо можно
различить стили за период 1650-х— 1850-х
годов, хотя точно датировать что-либо
трудно, поскольку популярные формы
продолжали сохраняться в течение долгого
времени, став уже традиционными.
Декоративная отделка редко
встречается на провинциальной мебели.
Обычно ее изготавливал плотник из
прочных местных сортов древесины, —
дуба, грецкого ореха, каштана, тополя,
вяза, сосны, бука, березы и древесины
фруктовых деревьев; из них делалась
всевозможная мебель.
Шкаф: стенной шкаф, буфет или
гардероб, обычно соответствующий по
тону декоративному оформлению
комнаты. Он состоял из отдельных
секций; при сборке колышки вбивались в
отверстия, вследствие чего его можно
было легко демонтировать. Тип шкафа в
стиле Людовика XIII и XIV с лепными
деталями геометрической формы
оставался популярным в центральной
части Франции до тех пор, пока
примерно в 1750-е годы не был заменен
шкафом в стиле Людовика XV
с асимметричными панелями рококо.
Боннетьер (дословно — шкаф
для трикотажных изделий): небольшой
шкаф, известный в Нормандии как кофьер,
обычно имел только одну дверцу, за
которой располагались полки, достаточно
большие для того, чтобы вмещать
широкополые шляпы, которые носили
провинциальные женщины.
Низкий буфет: стенной шкаф,
доходящий до линии пояса; дверцы
на булавочных петлях декорированы
панелями в стиле рококо, наверху два
или три ящика.
Шкаф для посуды: буфет с верхними
полками. Типичный подобный шкаф из
провинции Овернь имел сдержанный
декор; шкафы в Бретани имели
выточенные винты, образующие
предохранительные опоры на полках;
нормандские шкафы богато украшены
резьбой по дереву, а эльзасские
разрисованы цветами.
Буфет из двух частей: буфет со
шкафчиком наверху. Дверцы верхней
секции могут быть оформлены
декоративными панелями или
отполированы. Некоторые буфеты
середины 19 века были очень больших
размеров, и в верхней секции имелись
стенные часы с гирями.
Сундук: делался с крышкой, обычно
ДВУВЕРХИЙ
ШКАФ
Древесина вишневого
дерева; декоративная
резьба по дереву;
ок. 1790 г.
(Сверху)
КОМОД
Вишневое дерево с резным
фризом и арбалетным
фасадом; около 1740 г.
(рис. внизу)
из дуба. В некоторых областях типы
сундуков 16 и 17 веков перешли в 18 век.
В Лотарингии передняя панель часто
украшалась цветочным орнаментом.
Некоторые имеющие средневековый вид
сундуки, изготовленные в Оверне и Баскии,
были сделаны в 19 веке.
Комод: лишь немногие комоды имеют
выпуклую форму (выступает нижняя
передняя часть), характерную для
усложненного комода эпохи Людовика XV, у
некоторых она искривленная или
арбалетная. Одни комоды богато
декорированы, другие, особенно те, что
сделаны в стиле Людовика XVI, имеют
сравнительно скромный внешний вид. Верх
комода обычно деревянный, а не
мраморный.
Закрытая кровать: кровать-шкаф.
Подобные кровати 17 века продолжали
изготавливать в сельской местности,
особенно в Бретани, до конца 19 века. В
таких кроватях делались облицованные
панелями дверцы для вентиляции, клапаны
декоративно оформлялись обточенными
винтами. Другие кровати напоминали
шкафы в стиле Людовика XV.
Шкафчик: небольшой стенной шкаф для
продуктов, обычно прикрепленный к стене,
состоящий в основном из обточенных
деталей, обеспечивающий вентиляцию и в
то же время предохраняющий пищу от
домашних животных.
Мебель для сидения: в провинциях
часто делалась с деревянными или
тростниковыми сиденьями.
85

Е Б Е Л Ь
Италия 6ыла главным местом притяжения для знатоков
ИСКУССТВА, ХУДОЖНИКОВ И МАСТЕРОВ. ВЗЛЕЛЕЯННЫЙ ЗДЕСЬ
В ПОЛНОЙ МЕрЕ СТИЛЬ блрОККО ВЕЛИКОЛЕПНО СОЧЕТАЛСЯ
СО СВОЙСТВЕННЫМ ИТАЛЬЯНЦАМ СТРЕМЛЕНИЕМ К фАНДИОЗНОСТИ
И НАПЫЩЕННОСТИ.
ИТАЛИЯ
Пестрая коллекция городов, княжеств и
графств, составлявших в 17 веке то, что
мы называем теперь Италией, оказывала
влияние на производство мебели по всей Европе.
Главными центрами по изготовлению мебели
были Флоренция, Венеция, Генуя, Рим и
Неаполь.
Многие из мебельных форм, появившихся в
эпоху Ренессанса, сохранялись и в 17 веке, но
с гораздо более тонким декоративным
оформлением, в соответствии со стилем барокко,
который процветал в то время в Италии в других
видах искусств. Сундуки, опоры для столов и
стульев обильно украшались резьбой с
мотивами фигур негров и кариатид, амуров и богов,
орлов и дельфинов, фруктов и растений в
роскошных садах, поддерживаемых волютами
(спиральными завитками) и раковинами. Кровати
украшались великолепной золоченой резьбой и
шелковыми или бархатными драпировками.
Столешницы выполнялись из мрамора
экзотических цветов.
Ведущими мастерами подобных скульптурных
эффектов были Андреа Брустолон (1662 — 1732)
в Венеции, Доменико Пароди (1668 — 1740) в
Генуе и Антонио Коррадини (1668 — 1752),
КРЕСЛО
Венеция
17а.
Это кресло выполнено в манере
скульптора Андреа Брустолона
(1662 — 1732). Созданная им
массивная резная мебель с
рельефными опорами положила
основу для традиционной мебели
венецианских палаццо.
СТУЛ
Возможно,
работы Антонио Коррадини
Резьба и позолота; ок. 1730 г.
Этот стул, взятый из Ка-Риццони-
ко в Венеции, демонстрирует
напыщенный скульптурный стиль в
его наиболее экстравагантном
исполнении.
который перенес чувственность венецианского
барокко в 1730-е годы. Их мебель была
высочайшего класса и пользовалась большим
успехом у аристократов. Богатые горожане Рима,
Генуи, Флоренции и Турина хотели, чтобы их
парадные комнаты отражали их успех; галереи
с живописными потолками украшались
стоящими вдоль стен античными статуями,
перемежающимися с резными золочеными консольными
столиками, креслами в форме трона и
шкафами с выдвижными ящиками с фантастическими
мотивами декора.
Такие шкафы предназначались не только для
хранения коллекций редких, диковинных вещей,
которыми владели почти все богатые ценители
искусства того времени, но сами по себе
представляли произведения искусства, выполненные
с виртуозным мастерством: позолоченная
бронзовая скульптура в ящиках и на бордюрах,
резьба по самшиту или железному дереву (прочная
темная древесина, привозимая с островов Вест-
Индии) или черепаховые панели. Во многих из
86

ИТАЛИЯ
них, в особенности тех, которые выполнялись
в Мастерских по твердому камню во
Флоренции, в декоре присутствовали натуральные
изображения птиц и цветов в технике инкрустации
по цветному твердому камню. Подобные
шкафы ценились не только итальянской знатью, но
и в королевских и аристократических кругах
по всей Европе; фрагменты цветного твердого
камня или скальолы (имитации мрамора),
которые можно было использовать для
украшения шкафов или столешниц, скупались
богатыми туристами.
В конце 17 века законодателем стиля
мебели с декорациями из твердого камня был Джо-
ванни Баттиста Фоджини (1652 — 1725), в
работах которого плоские панели из цветного
твердого камня отчетливо выделялись на фоне
искусно выполненных вставок из золоченой
бронзы. Мебель из черного дерева в пышном
барочном стиле он также в изобилии украшал
объемными изображениями фруктов и листьев.
В отличие от парадных комнат итальянских
палаццо, жилые комнаты в них, как и в домах
среднего сословия, были обставлены гораздо
меньшим количеством более скромной прочной
мебели, обычно из грецкого ореха. Редко
можно было встретить мебель без декора, и самые
значительные образцы, изготовленные в
областях Венеции и Ломбардии, украшались
инкрустациями из слоновой кости, олова или
перламутра. Подобно многим образцам итальянской
мебели, они кажутся необработанными по
сравнению с аналогичной мебелью, сделанной в
Северной Европе, но их декор отличается
приятной живостью.
Венеция прославилась в Европе
изготовлением зеркального стекла, и пока Франция и
Англия не разработали свои собственные
производства в конце 17-го — начале 18 века,
Венеция сохраняла монополию в этой области.
Украшенные искусной золоченой резьбой рамы для
зеркал выпускались в Венеции и Флоренции.
Венецианские зеркала являлись важной
принадлежностью хорошо обставленной комнаты в
итальянском доме.
В Италии 18 века большее внимание стали
уделять обстановке малых комнат в домах и
дворцах. Самые различные типы мебели
выпускались в северной части Альп. Сюда можно
отнести длинную софу с обивкой или
тростниковым сиденьем, стулья из Франции, книжный
шкаф-бюро из Англии и Голландии. Более
широкое распространение получили комоды. В то
время как в странах Северной Европы главное
внимание уделялось мастерству и качеству
изделий, итальянская мебель отличалась
нарядным многокрасочным декором, но
низкокачественной конструкцией.
Итальянцы также разделяли восторженное
отношение к восточным лакам, импортируемым
в Европу Ост-Индской компанией, но, понимая
трудность их приобретения и дороговизну, они
ВЫПУКЛЫЙ КОМОД
Северная Италия
Грецкий орех, слоновая кость,
перламутр, олово
и позолоченный металл;
середина 18 в.
Роскошные инкрустации с
изображением цветов и гротескных
мотивов характерны для стиля,
уже завоевавшего популярность
в конце 17 в. Наряду с искусно
выполненными ручками и
орнаментальными щитами, они
свидетельствуют о восторженном
отношении итальянских мебельных
мастеров к декоративным
эффектам — иногда за счет прочности
конструкции. (Сверху)
ЗЕРКАЛО
Северная Италия
Резьба и золочение;
1730-е г.
Это зеркало выполнено в легком
стиле рококо. Венеция
обладала фактической монополией на
производство зеркал до конца
17 в. и продолжала
экспортировать зеркала во все страны
Европы, даже после того, как
всюду начали делать зеркальное
стекло. (Справа)
87

МЕБЕЛЬ
не только приняли лакировку в качестве более
дешевой замены, но и разработали свой
собственный метод имитации покрытия лаком.
Тонкое покрытие лаком или имитация
покрытия лаком состояла в приклеивании
вырезанных и разрисованных картинок — обычно
китайских или сельских сценок — на
разрисованную поверхность мебели и затем обильном
покрытии лаком. Полученное украшение
напоминало декоративную ткань и иногда также цвет
лакировки, хотя редко можно было обмануться
на этот счет.
Живопись — изображение уголков
природы, цветов или рельефных сцен — также была
излюбленным видом декорации сундуков,
столов и стенных шкафов.
В Турине сицилийский мастер Филиппо
Жуварра (1676 — 1736) собрал группу
выдающихся мастеров для работы в палаццо Реале в
1730-е годы. В нее входил скульптор Франчес-
ко Ладатте (1706 — 1787) и мебельный мастер
Б ру стол он, Андреа
Па роди, Доменико
Коррадини, Антонио
Фоджини,
Джованни Баггиста
t
Пиффетти, Пьетро
Бонцаниго,
Джузеппе Мария
Маджолини,
Джузеппе
г
Союси, Джованни
Паладжи, Пеладжо
1662-1732
1668-1740
1668-1752
1652-1725
ИТАЛЬЯНСКИЕ МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА
Венеция
Генуя
Венеция
Флоренция
ок. 1700-1777 Турин
1745-1820
1738-1814
раб.сж. 1809-
1775-1860
Турин
Милан
-1815 Флоренция
Турин
Талантливый резчик и ведущий представитель барокко. Особенно
прославился своими стульями.
Делал роскошно декорированную мебель в стиле барокко.
Работал в стиле барокко. Известен резными золочеными рамами
для стульев и консольных столиков.
Скульптор. Делал мебель, богато декорированную черным деревом
и твердым камнем, в стиле барокко.
Мебельный мастер, который обильно украшал поверхность мебели
драгоценными материалами — экзотическими сортами древесины,
слоновой костью, перламутром и т.д. Его легкий стиль явился
предвестником рококо.
Скульптор по дереву, чья мебель содержит элементы рококо и
неоклассического стиля. Его мастерство проявлялось в резном
золоченом декоре. Для его работ также были характерны
живописные декорации.
Делал мебель с прямоугольными формами, без резьбы,
украшенную панелями маркетри с использованием различных
сортов древесины.
Делал мебель в сдержанных формах в стиле ампир. Создал мебель
для палаццо Питти во Флоренции, заказанную сестрой Наполеона,
великой герцогиней Тосканской.
Художник/ скульптор, делавший мебель со скульптурным
декором — стулья, столы, диваны — в стиле ампир. Создавал
мебель для палаццо Реале в Турине.
Пьетро Пиффетти (около 1700 — 1777).
Вместе они создали образцы самого вычурного
мебельного декора из известных когда-либо, но
выполненного качественно.
СТИЛЬ РОКОКО
Работы Пиффетти с инкрустациями из
слоновой кости, перламутра и экзотических пород
дерева, с рельефными бронзовыми вставками
являлись ранними проявлениями перехода от
барокко к рококо в Италии. Рококо было
излюбленным стилем благодаря своей эффектной,
но менее грандиозной обстановке гостиных, что
привело к восторженному принятию выпуклых
(закругленных) фасадов и змеевидных форм.
Они потребовали приложения способностей
многих итальянских мастеров, позволяя скрыть
недостатки с помощью яркой живописи или лака
и обильной позолоты.
Выпуклый фасад принимал различные
формы, начиная от полной круглой линии в карка-
СТЕННОЙ
ПОДСВЕЧНИК
Италия
18 в.
Подсвечник дан в характерном для
рококо оформлении золоченой
рамы, окружающей натюрморт.
88

ИТАЛИЯ
ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ
Пь&тро Пиффетти
костью; 1741 г.
се венецианских сундуков до сдержанных
волнообразных линий боковых частей сундуков,
сделанных в Ломбардии.
НЕОКЛАССИЦИЗМ
В середине 18 века Италия, и в особенности
Рим, притягивали археологов, художников и
дизайнеров со всей Европы в поисках
"античности" и стали главным источиком
неоклассических идей и образцов. Несмотря на это, в
развитии неоклассического стиля в мебели Италия
отставала от Франции и Англии. Прямые линии
и правильный орнамент были абсолютно чужды
итальянскому природному богатству, и лишь в
конце 18 столетия там был принят
неоклассицизм.
В работах Джузеппе Мария Бонцаниго
(1745 — 1820) для дворцов в Турине и его
окрестностях в конце 18 века проявляются
элементы как неоклассического стиля, так и
рококо. Несмотря на использование им
прямолинейных форм и классических мотивов, его
собственное высочайшее мастерство как
скульптора по дереву ощущается в искусной
декоративной золоченой резьбе на созданных им
предметах. Его шедеврами были также живописные
декорации, обычно цветы в стиле рококо, а
выполненная им мебель для королевской семьи
в Сардинии является, несомненно, итальянской
по своей цветущей утонченности.
Мебель Пиффетти для палаццо
Реале в Турине отражает стиль
итальянского рококо в его
наиболее фантастичном проявлении.
КАМИННЫЙ ЭКРАН
Джузеппе Бонцаниго
Резьба по дереву и позолота;
1775 г.
Представляя собой живописную
декорацию работы Мишеля
Рапу, данный каминный экран
был выполнен для палаццо
Реале в Турине. Представляет
эффектные формы
неоклассицизма, распространенного в то
время в Италии.
89

Е Б Е Л Ь
После того как французская версия
неоклассицизма, наконец, была принята в оформлении
парадных залов многих модных итальянских
палаццо, в нем заняла главенствующее положение
группа знаменитых мастеров, возглавляемая
Джузеппе Маджолини (1738 — 1814) в
Милане. В его строго прямолинейных комодах,
стенных шкафах и буфетах не было ни одной
извилистой и закругленной линии; вместо этого он
опирался на широкое разнообразие различных
пород дерева (в 1795 году их было известно 86)
при создании с потрясающеей виртуозностью
живописных панелей маркетри, многие из которых
выполнялись по эскизам художников.
Близко к Маджолини по производству
высококачественной мебели в Италии были Игнацио
(род. 1756) и Луиджи (род. 1776) Ревелли, отец
и сын, работавшие в Турине.
Известные своими полукруглыми комодами,
Ревелли также специализировались на
декоративных украшениях в технике маркетри.
СТИЛЬ АМПИР
Стиль наполеоновской Империи в полном
расцвете установился в Италии благодаря
усилиям различных членов семьи Бонапарта, а не
только сестры Наполеона, Элизы Бачокки,
которая, будучи великой герцогиней Тосканской,
наняла мебельного мастера Джованни Сокки
(годы работы около 1809 — 1815) для
создания мебели в палаццо Питти во Флоренции. Его
стиль проявляется в серии похожих на ящики,
сделанных со вкусом стенных шкафов с
мраморным верхом, сосновыми ножками
конической формы и деревянными позолоченными
вставками, напоминающими о мебели Бидермей-
СТУЛЬЯ
Флоренция
Резьба по дереву
и золочение; ок. 1800 г.
В этих двух модных стульях в
стиле неоклассицизм с красной
обивкой из дамасского полотна не
ощущается следов рококо.
Стулья являются частью комплекта из
четырех стульев.
90

ИТАЛИЯ
ера (немецкий неофициальный мастер 19 века),
но он стал знаменит благодаря своему
бесхитростному мастерству, ярким примером
которому является массивный сундук овальной
формы на ножках, стоящий на постаменте,
который вдвигается в изящный письменный стол с
чернильницей и стулом.
Несколько раньше сиеннский архитектор
Агостино Фантастичи проектировал мебель в
неоклассическом стиле, отличающуюся такой
же сдержанностью, облицованную грецким
орехом, с полосками черного дерева и
минимальным декором. Некоторые из его наиболее
знаменитых работ, сделанных для Джулиано Бьян-
ки Бандинелли, влиятельного сторонника
неоклассицизма, отчетливо демонстрируют черты
этого стиля.
Стиль ампир продолжался в Италии в
течение долгого времени после падения Наполеона,
особенно при украшении палаццо. В мебели
наиболее героическая его интерпретация
принадлежит Пеладжо Паладжи (1775 — 1860),
который в 1830-е годы создал замечательную,
украшенную скульптурой мебель для палаццо
Реале в Турине, включая канделябры, табуретки,
диваны, стулья и стол из золоченой бронзы в
Палате Совета, с массивными крылатыми
кариатидами, поддерживающими глубокий фриз
антемион (стилизованное изображение
жимолости) и волюты. Паладжи также работал в
готическом стиле, когда считал это необходимым.
В Италии возникли как возрождение готики,
так и возрождение Ренессанса, местное
проявление которого называлось дантовским стилем.
Для него были характерны стулья с Х-образ-
ными рамами, неудобные табуретки и столы с
тяжеловесной резьбой.
ПРОВИНЦИАЛЬНАЯ МЕБЕЛЬ
Повседневную мебель делали плотники в
различных местных стилях, и часто она
выглядела прочной и надежной. Мебель северных
провинций Италии находилась под сильным
влиянием Южной Франции, делали ее в обоих
регионах преимущественно из местного грецкого
ореха. В этих областях традиционно
пользовалась популярностью техника инкрустации с
породами дерева различных цветов.
Разукрашенная мебель была типична для альпийских
областей, где также применялось покрытие лаком и
лакировка, как и во многих частях Италии;
декоративные украшения мебели, характерные для
области Альп и Генуи, как и сами формы
мебели, отличались гораздо большей
сдержанностью исполнения, чем в районе Венеции.
Генуя, будучи одним из главных портов
Средиземноморья, в значительной степени
испытывала на себе влияние Испании, и
импортируемые породы деревьев, такие, как палисандр,
применялись там в производстве
высококачественной мебели наряду с грецким орехом. То
же самое можно было заметить в сделанных в
Сицилии шкафах из черного дерева с
инкрустацией из слоновой кости, по образцу
испанских шкафов варгуэньо. Мебель Тосканы , чаще
всего из грецкого ореха, обладает цельностью
как форм, как и декора, которые в
значительной степени отличаются от бьющей через край
стройности и поверхностного декора
венецианской мебели.
Мебель Эмилии Романьи, провинции,
расположенной к югу от Венеции, также обладала
прочностью (дуб применялся наряду с грецким
орехом), но ее наиболее заметной чертой был
геометрический орнамент с изображением
гвоздиков и кружков на фасадах сундуков и
стенных шкафов, наряду со своеобразно
обточенными деревянными шишечками.
Подобно большей части мебели,
создававшейся скорее для комфорта и удобств обычных
людей, чем для демонстрации мод, итальянскую
провинциальную мебель почти невозможно
датировать. Насаждаемые сверху стили
укоренялись скорее благодаря их практичности, а не
книжной традиции, и сохранялись на
протяжении веков с небольшими изменениями.
КОМОД
Феррара
Грецкий орех; первая
половина 18 в.
Этот небольшой комод имеет три
ящика и извилистую форму
фасада. Его сильно выступающий
карниз и основание, равно как и
короткие толстые ножки на
кронштейнах, типичны для мебели из
провинции Феррара.
91

Е Б Е Л Ь
МЕбЕЛЬ, СОЗДАННАЯ ДЛЯ МАДРИДСКОГО ДВОрА, СПОСОбСТВОВАЛА
РАСПРОСТРАНЕНИЮ СТИЛЕЙ В ИСПАНИИ, ХОТЯ, КАК И В ПортуГАЛИК
СИЛЬНОЕ ВЛИЯНИЕ ОКАЗЫВАЛ АНГЛИЙСКИЙ ИМПОрТ.
ИСПАНИЯ И ПОРТУГАЛИЯ
Формы мебели в Испании и Португалии 18
века во многом определялись их
колониальной политикой и культурными течениями. В
Испании главное влияние оказывалось со
стороны Франции и Италии: в обеих были
родственные связи с испанскими королями. Однако,
мавританское прошлое с его декоративными
формами продолжало жить в провинциальной и
сельской мебели.
Дворец Филипа V "Ла Гранья" в Сеговии
является наиболее ярким по сложности
примером вдохновленного Францией стиля рококо в
Испании. Мода на сделанные в стиле рококо
консольные и приставные столики, обильно
украшенные резьбой и позолоченные и в
дополнение к этому декорированные нарядными зерка-
7s
J
СТУЛ
Испания
Дарено и разрисованная
кожа; около 1840 г.
В этом стуле, взятом из
мебельного гарнитура, причудливо
сочетаются классические элементы
рококо и барокко в скульптурной
резьбе на ножках и спинке.
Обивка из разрисованной кожи
характерна для Испании и связана с
Толедо.
лами, пришлась по вкусу благодаря
величественности испанского интерьера и привела к
открытию зеркальной фабрики в Сан-Ильдефонсо в
1736 году.
Варгуэньо (шкаф с выдвижными ящиками)
был постепенно вытеснен комодом, который имел
более нарядный вид. Хотя комод впервые
появился во Франции, его формы и декор очень
напоминали итальянские, особенно после того,
как неаполитанский декоратор Матиас Гаспари-
ни стал директором королевских мастерских в
Мадриде в 1768 году. Однако позже, в конце 18
века, испанская мебель в стиле неоклассицизм
приобрела свойственную ей экстравагантную
суровость. Маркетри стало более детальным и
утонченным; продолжали использоваться
живопись и золочение, а металлические вставки
применялись редко.
Импортируемая английская мебель в первой
половине 18 века также оказывала влияние на
дизайн испанской мебели, особенно на стулья.
Популярной статьей импорта становятся
лакированные изделия, и английский мебельный
мастер Жиль Гренди послал большую партию
лакированной красной мебели герцогу Инфантадо
в 1730-е годы. Ранние эскизы мебели периода
правления Георга и Томаса Чиппендейла
исполнялись испанскими мастерами в грецком орехе
и тополе, украшались декоративной резьбой и
золочением в стиле рококо, а также снабжались
стретчерами Н-образной формы
(горизонтальными распорками, соединяющими ножки). Позже
можно было почувствовать отголоски творчества
Хеппельуайта и Шератона, но они были менее
заметны.
В 1808 году вторжение Наполеона в Испанию
положило начало периоду политического
смятения в стране, которое продолжалось до 1830-х
годов. Испанская мебель имела тенденцию
подражать французскому стилю ампир. Пышное
великолепие стиля "фернандино" было отмечено
использованием накладного орнамента в золоченой
бронзе или "античных" классических мотивов в
золоченой резьбе по дереву.
ПОРТУГАЛИЯ
В Португалии, распоряжавшейся богатством
южноамериканских колоний (по крайней мере,
ее королевский двор), английское влияние было
наиболее сильным. После того как овдовевшая
супруга Чарльза II, Катарина из Браганцы, вер-
92

ИСПАНИЯ И ПОРТУГАЛИЯ
нулась в 1693 году в свою родную Португалию,
она привезла с собой английскую мебель.
Представленная ею мода была затем подкреплена
торговыми соглашениями между обеими
странами, в результате чего большие партии
английской мебели оказались в португальских домах.
Как и в Испании, популярна была
лакированная мебель, и португальские мастера
также создавали свои собственные имитации
восточных лаков. Английский стиль наиболее
часто находил отражение в португальских
стульях, но последние больше изобиловали
резьбой, чем их оригиналы, и обычно имели стрет-
черы Н-образной формы, от которых
отказались в Англии в начале 18 века. Во многих
примерах английский вкус сливался с
влиянием французского рококо, но интерпретация
была чисто португальской, и при
изготовлении мебели часто применялись неевропейские
сорта древесины.
При изготовлении комодов и кроватей
португальские мастера по-своему, оригинально и
ярко, применяли стиль рококо, больше
внимания уделяя декоративным украшениям из
резного дерева, чем металлическим. Комоды в
Португалии делались выше, чем в других
европейских странах, и почти всегда с четырьмя
глубокими ящиками.
После Лиссабонского землетрясения 1755
года, принесшего большие разрушения, и
последующего восстановления португальской
экономики маркизом Помбал, было создано много
замечательной мебели в неоклассическом стиле.
Комоды с цилиндрическим верхом и бюро с
мастерски выполненными маркетри и декорацией
паркета, многочисленные столики для разных
целей, в том числе для игр и консольные и
гармонирующие с ними по тону зеркала также
отражали комфорт и преуспевание Португалии
ШКАФ
С ВЫДВИГАЮЩИМИСЯ
ЯЩИКАМИ НА ОПОРАХ
Гоанезийская работа (мастера
с острова Гоа)
Черное дерево, твердая
древесина и слоновая кость
Характерная мебель,
производимая в Гоа, богатой португальской
колонии в Индии, пользовалась
большим успехом в Европе.
Обратите внимание на
поддерживающих шкаф резных
русалок-кариатид (Слева)
СТУЛ
Португалия
Грецкий орех; ок. 1730 г.
Этот стул входит в комплект из
пяти стульев. Центральная
распорка спинки украшена резным
переплетающимся узором, резные
ножки заканчиваются лапой на
шарике, стул имеет приставное
сиденье. Явно чувствуется
английское влияние, но преувеличенно
гнутые передние ножки чисто
португальские. (Справа)
КОМОД
Португалия
Маркетри; конец 18 в.
Эта вещь известна как 'комод
донна Мария', с характерным
прямолинейным рисунком,
великолепным маркетри, глубоким
выступом и мраморным верхом.
(Внизу)
конца 18 века. Стулья и кушетки сильно
походили на стиль Хеппельуайта и Шератона,
многие из них были красиво разукрашены,
свидетельствуя о знакомстве с английскими книгами
по дизайну этого периода.
В 19 веке на архитектурные стили в
Португалии оказывалось последовательное влияние
извне: в начале века французский стиль ампир
дал жизнь нескольким незначительным
классическим интерпретациям; после изгнания
Наполеона в 1811 году мебель стала следовать
английскому дизайну, а после 1820 года — бидер-
мейерскому стилю.

Е Б Е Л b
Пройдя путь от великолепных королевских дворов
1 7 И 1 8 ВЕКА К ДОМАМ НАРОЖДАЮЩЕГОСЯ В 1 9 ВЕКЕ
среднего сословия, ме6ель Германии отличалась
НЕЗАВИСИМЫМ ПОДХОДОМ.
ГЕРМАНИЯ, АВСТРИЯ
И СТРАНЫ ВОСТОЧНОЙ ЕВРОПЫ
В мебели, изготовленной в странах
Центральной и Восточной Европы, заметны сильные
региональные различия. Подобно Италии,
Германия представляла собой скорее собрание
более или менее независимых государств, чем
единую страну. Итальянское влияние более всего
ощущалось на католическом юге Германии, а
голландское — на протестантском севере. Часто
наблюдалось покровительство богатых
епископов и других священнослужителей, а также
светских представителей власти, особенно в
Западной Германии. В северной части Германии
мебель часто отражала благосостояние богатых
купцов из процветающих городов, таких, как
Данциг, Гамбург и Любек.
Нюрнберг и Аугсбург продолжали свои
давние традиции мебельного мастерства, создавая
шкафы с выдвижными ящиками, богато
декорированные слоновой костью, черным деревом,
черепахой, металлами и полудрагоценными
камнями. Они сами по себе были произведениями
искусства и вывозились для покупки их
богатыми коллекционерами по всей Европе. В конце
17 века эти два города также стали известны
благодаря опубликованному там собранию
декоративных гравюр с изображением интерьеров
и книг по мебельному дизайну и декоративному
убранству интерьеров. В начале 18 века
влияние изысканной французской мебели
проявлялось в украшении ее гравировкой и чеканкой по
серебру. Подобная мебель делалась в Аугсбурге
и экспортировалась в другие пышные
королевские дворы. Сохранилось лишь небольшое ее
количество.
СТИЛЬ БАРОККО
Мюнхен был также крупным центром
мебельного ремесла, особенно во вдохновленном
Италией стиле барокко второй половины 17 века;
особенно много выпускалось столов с
инкрустированными мраморными столешницами и
резными рельефными опорами, которые создавались
здесь под влиянием архитекторов и художников
из Турина.
Ближе к концу 17 века мебель,
производимая в Южной Германии, находилась под
влиянием Парижа. Особенно ощутимо было влияние
БЮРО-КАБИНЕТ
Германия
Грецкий орех
со ■ставками маркетри
и переплетающимся узором
из древесины грецкого
ореха, груши и черного
дерева; ок. 1740 г.
Возможно, изготовлен в Вюрц-
бурге или Майнце; этот тип
мебели известен как
шкаф-секретер. У него есть элементы
рококо — выпуклая форма секции
секретера, округлые волюты и
резные щиты, но в общем настрое
присутствует тяжеловесное
барокко.
знаменитого мебельного мастера Андре-Шарля
Буля. Ведущим представителем маркетри в стиле
"буль" был X. Д. Зоммер (годы работы 1666 —
1684) из Кунцельзау в Швабии, который
использовал черное дерево, медь, черепаху, олово и
слоновую кость. Работавшие вместе в
Аугсбурге Эссер и Вольфгауэр соединяли маркетри в
стиле "буль" с мраморной мозаикой.
Великолепие барокко было с готовностью
воспринято во всей Германии и продолжалось в
18 веке. Более всего оно проявлялось при
изготовлении больших стенных шкафов, украшавших
гостиные дома любого зажиточного бюргера.
Тяжелые карнизы (навесные лепные выступы),
архитектурные пилястры (плоские проекции
колонн) и декоративные облицовочные панели
украшались резьбой; часто это выполнялось в
натуралистичном стиле, известном как "кнорпел-
94

ГЕРМАНИЯ, АВСТРИЯ И СТРАНЫ ВОСТОЧНОЙ ЕВРОПЫ
В конце 17 — начале 18 века в Германии
так же сильно увлекались
лакированными изделиями, как и в
остальных странах Европы. Одним из
наиболее талантливых представителей
этого ремесла был Жерар Дали (годы
работы 1687— 1714), который находился
на службе в Берлине у Фредерика
Вильяма Бранденбургского, а затем у
прусского короля Фредерика 1 (1701 —
13). Дали был родом из Спа, где сейчас
помещается Бельгия, и лакировочное
ремесло процветало там в 17 и 18 веке.
Великолепные украшения шкафов, часов,
корпусов клавишных инструментов и
опор для мебели, выполненные им в
период, когда он служил "директором по
орнаментам" при королевском дворе, по
своему качеству превзошли все
известные виды европейских лакировок.
Он прекрасно работал в черном и
золотистом цвете, но самые характерные
для него лакировки были в ярких
зеленых, красных и других тонах
на кремово-белом фоне, более
напоминающие фарфор, чем
мебельный декор.
ЖЕРАР ДАЛИ
ШКАФ
С ВЫДВИГАЮЩИМИСЯ
ЯЩИКАМИ
Стиль Жврара Дали,
возможно. Берлин
Лаковое покрытие;
начало 18 в.
верк — хрящеватый стиль , эскизы для
которого публиковались франкфуртским мебельным
мастером Фридрихом Унтеушем и другими. В
конце 17 века декоративное оформление этих
все еще массивных стенных шкафов состояло
чаще всего из причудливых арабесок, панелей с
волнистым литым рисунком и обточенными в
виде катушек колонками.
Меньшие по размерам стенные шкафы
включали "китайские" буфеты и шкафы на опорах,
украшенные резными или литыми панелями.
Шкаф-секретер'представлял собой стенной шкаф
с ящиками, которые к концу 18 века стали
частью шкафа многоцелевого назначения, куда
входил сам шкаф (его верхняя часть) и наклонный
стол с сундуком из трех ящиков внизу.
"Хрящеватый стиль" проявлялся в стульях
17 века. От разнообразных стульев с сиденьями
из деревянных досок и расширяющимися книзу
ножками, с резьбой на очень неудобной спинке мода
перешла на стулья с обивкой и очень высокими
резными спинками. В начале 18 века стулья,
делавшиеся в Северной Германии, несли в себе черты
голландского и английского влияния — у них
появились гнутые ножки, спинки разной формы,
тростниковые сиденья и спинки, облицованные
декоративными панелями.
На протяжении 18 и 19 веков большая часть
производимой мебели продолжали украшать
популярной в Германии с давних пор деревянной
резьбой, но с начала 18 века также широко
использовалась отделка грецким орехом, черным
деревом и другими породами. К этому времени
некоторые правители Германии уже "посеяли
семена" рококо, несмотря на то, что стиль
барокко продолжал пользоваться неослабевающей
популярностью. Длительному периоду стиля
рококо в Германии способствовали имевшие
большое влияние рисунки Иоганна Якоба Шюб-
лера, опубликованные в 1720 и 1730-е годы в
Нюрнберге и Аугсбурге; на этих рисунках
изящная мебель была одета в барочный орнамент 50-
летней давности.
В течение первых двух десятилетий 18 века
продолжали строиться великолепные дворцы в
барочном стиле, кульминацией которых стал
великолепный Померанцевый дворец, построенный для
Лотара Франца фон Шенборна, архиепископа Бам-
бергского, обставленный в основном в стиле
Людовика XIV Фердинандом Плицнером (1678 —
1724). Этот дворец, с созданной Плицнером
зеркальной комнатой, сохранился.
РАННЕЕ РОКОКО
Строительство резиденции правителей Майн-
ца, великолепного Вюрцбургского дворца, было
начато в 1720 году в стиле барокко, но его
обстановка и декоративное убранство выдержаны
в стиле раннего немецкого рококо.Там работали
такие мастера, как Франц Антон Шлотт из Бам-
95

Е Б Е Л Ь
НЕМЕЦКИЕ, АВСТРИЙСКИЕ И ВОСТОЧНО-ЕВРОПЕЙСКИЕ МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА
Дали, Жерар
раб.1687-1714
Спа и Берлин
Мастер лакировки. Наиболее характерной для него была яркая,
красочная лакировка на кремовом фоне. Находился на службе
у Фридриха Вильгельма, правителя Бранденбургского.
Плицнер,
Фердинанд
1678-1724
Бамберг
Представитель стиля барокко. Создал мебель в стиле Людовика
XIV для Померанцевого дворца, включая Зеркальную комнату.
Маттерн, Карл
Максимилиан
раб.1733-70
Вюрцбург
Раннее рококо. Его мебель украшена искусным декором
и маркетри.
Шумахер, Мартин 1695-1781
Ансбах
Раннее рококо. Его произведения характеризуются сдержанной
прямолинейностью. Мебель иногда отделана красным деревом.
Спиндлер, Иоганн
Фридрих
и Генрих Вильгельм
1726-ОК.1799
1738-ОК.1799
Байройт и Берлин
Рококо. Создавал мебель для сестры Фредерика Великого,
а затем и для самого Фредерика.
Шнель, Мартин
раб.1703-1740
Берлин и Дрезден
Ученик Дали. Изготавливал лаки для королевского двора. Его
мебель нарядно украшена рельефным лаком и позолоченными
фигурами.
Хоппенхаупт,
Иоганн Михаэль
и Джон Кристиан
1709-ОК.1755
1719-1786
Берлин и Потсдам
Рококо. Создавал мебель для дворцов Шарлоттенбурга, Потсдама
и Сан-Суси.
Наль, Иоганн Август 1710-1773
Берлин, Потсдам
и Кассель
Дизайнер. Работал в стиле рококо. Создавал мебель для дворцов
Шарлоттенбурга, Потсдама и Сан-Суси.
Ронтген,
Абрахам
и Давид
1711-1793
1743-1807
Нейвид
Абрахам специализировался в маркетри. Их работы отличались
сложными механизмами — замками, потаенными ящиками и т.д.
Фон Кленце, Лео
1784-1864
Мюнхен
Классический дизайнер, работавший в имперском стиле.
Делал мебель для прусской королевской семьи.
Шинкель, Карл
Фридрих
1781-1841
Берлин
Работал при дворе в Берлине, создавая мебель в имперском
стиле.
Данхаузер, Йозеф 1780-1829
Вена
Выдающийся бидермейерский дизайнер. Работы отличаются
высоким мастерством и абстрактными закругленными линиями.
Лейстлер, Карл
1805-1857
Вена
Представитель экстравагантного стиля неорококо, резко
восстающий против классицизма. Сделал книжный шкаф
в неоготическом стиле для Всемирной выставки 1851 года.
Тонет, Михаэль
1796-1871
Болпард-на-Рейне
и Вена
Прославился своими стульями и другой бентвудской мебелью
первой мебелью массового производства.
берга, четыре брата Гутману из Мюнхена, Иоганн
Вольфганг ван дер Авера, Карл Максимилиан
Маттерн (годы работы 1733 — 1770), Иоганн
Георг Нестфелл и Иоганн Колер. Великолепие
созданного ими маркетри, обилие резьбы и
позолоты выглядело грубоватым в свете позднего
рококо, но отличалось совершенным мастерством
исполнения и определенно служило своей цели
выставления напоказ.
Резиденция в Ансбахе, как и резиденция в
Бамберге, была еще одним важным местом в
стиле раннего рококо. Одним из главных
мебельных мастеров Ансбаха был Мартин Шумахер
(1695 — 1781), мебель которого с ее
сдержанными, прямолинейными формами, иногда
отделанная красным деревом, находилась под
английским влиянием.
Стиль рококо процветал в Байройте, родине
маркграфа Фридриха и его жены Вильгельмины
(сестры Фредерика Великого), которые с энту-
96

ГЕРМАНИЯ, АВСТРИЯ И СТРАНЫ ВОСТОЧНОЙ ЕВРОПЫ
зиазмом строили дворцы. Они оказывали
покровительство братьям Спиндлерам, которые
позже работали при дворе Фредерика Великого.
Август Сильный, правитель Саксонии (1694 —
1733) и король Польши (1697 — 1733) питали
слабость к английскому дизайну, особенно к
шкафам для письменных принадлежностей с
выдвигающимися ящиками, и стульям, но влияние
французского рококо превалировало, и начиная
с 1720-х годов большая часть мебели для
королевского двора в Дрездене создавалась под
сильным французским влиянием. Среди наиболее
саксонских по духу предметов мебели были
шкафы для письменных принадлежностей с
выдвигающимися ящиками и зеркалами в верхних
дверцах. Мартин Шелл (годы работы 1703 — 1740),
мастер королевского двора по покрытию лаком,
создавал лакированные предметы,
отличающиеся богатым великолепием, украшенные
рельефными фигурами из покрытой лаком и
позолоченной меди.
Наиболее яркими проявлениями
французского рококо в Германии были, без сомнения, те,
что предприняты правителями Баварии в
Мюнхене. Правитель Максимилиан Эмануэль (1662 —
1726), ранее отправленный в ссылку при дворе
Людовика XIV, в Мюнхене в своем окружении
стал представителем наиболее передового
французского вкуса. Его главные архитекторы и
дизайнеры, вначале Йозеф Эффнер (1687 — 1745),
а позже Франсуа Кювилье-старший (1695 —
1768), оба прошедшие обучение в Париже,
украшали Мюнхенскую резиденцию и Нимфенбург-
ский дворец в легком, грациозном и
ослепительном стиле рококо. Кювилье издал свои эскизы
орнаментов, декоративных панелей и мебели,
которые приобрели популярность во всей Европе.
Сам Кювилье продолжал популяризировать
рококо в Германии до своей смерти.
В стиле рококо были оформлены резиденции
для Фредерика Великого (1740 — 1786) в
Берлине и Потсдаме. Сначала под руководством
управляющего дворцами Фредерика, Георга Венцес-
лауса фон Кнобельсдорфа (1699 — 1753), а
потом в составе собственной команды
замечательных мастеров под руководством братьев Иоганна
Михаэля (1709 — ок. 1755) и Джона Кристиана
Хоппенхауптов (1719 — 1786), Иоганна Августа
ШКАФ-СЕКРЕТЕР
С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ
Приписывается Францу
Антону Германну, Майнц
Грецкий орех, дерево
и инкрустация по кости,
золоченая бронза; 1738 г.
Искусноя инкрустация, равно как
и вставки из золоченой бронзы,
типичны для работ, выполненных
в Мойнце. (Сверху справа)
КОНСОЛЬНЫЙ СТОЛИК
Франсуа Кувилье
Резьба и золочение;
1739 г.
Этот столик в полном расцвете
стиля рококо был выполнен для
Амальенбургского охотничьего
домика в Нимфенбургасом
дворце в Мюнхене. (Справа)
97

Е Б Е Л b
Нал я (1710 — 1773), Иоганна Мельхиора Камб-
ли (1718 — 1773) и братьев Иоганна Фридриха
(1726 — ок. 1799) и Генриха Вильгельма Спинд-
леров (1738 — ок. 1799) заполнили дворцы Шар-
лоттенбурга, Потсдама и Сан-Суси не имеющей
себе равных по великолепию мебелью в
закругленных формах рококо. Комоды, облицованные
черепахой или экзотическими сортами
древесины, украшенные маркетри по дереву,
перламутру, слоновой кости и даже серебру, вставками из
золоченой бронзы, сделанными в мастерских Кам-
бли, и стулья из разрисованной или
позолоченной мягкой древесины часто украшались резьбой
в итальянском стиле.
Вся эта пышная экстравагантность
по-разному влияла в Германии на мебельные стили по
мере опускания вниз по социальной лестнице.
Региональные характеристики сохранялись,
особенно в проектах шкафа, который оставался
важным символом домашнего благосостояния. В
целом ганзейские малые и свободные большие
города севера проявляли огромный
консерватизм. Шкаф, как он интерпретировался в Брюнс-
вике, в середине 18 века продолжал сохранять
черты барокко — со своим архитектурным
карнизом, классическими пилястрами и
симметричными дверными инкрустированными панелями.
Стенные шкафы, изготовленные во Франкфурте
и Гамбурге, также до середины 18 века
сохраняли барочный характер. Напротив, прочные
дубовые шкафы, выполненные в Аахене, подобно
шкафам Льежа, украшены лиственным резным
орнаментом поразительной легкости.
В Майнце рококо проявлялось в искусно
выполненных, состоящих из трех секций, бюро
для письменных принадлежностей, на
изготовлении которых специализировался Питер Шусс.
Змеевидная передняя секция основания комода
дополнялась бюро вогнутой формы, с
наклонным верхом, и над всем этим возвышался
стенной шкаф с двумя дверцами, весь украшенный
маркетри. Скошенные углы, верхний карниз и
нижний выступ были сплошь изрезаны
волютами и переплетениями, асимметричными карту-
шами и лепными деталями повсюду, где только
возможно. В самых экстравагантных случаях это
резное изобилие к тому же золотилось. Однако
великолепное мастерство этого декора не могло
преодолеть его неуклюжей формы.
Другие шкафы-бюро, изготавливаемые в
Южной Германии, не столь искусно украшались
резьбой, но тоже имели внушительный вид;
делались они из грецкого ореха с маркетри из
других пород деревьев, часто с геометрическим
рисунком; имели скошенные углы и вогнутую
переднюю стенку для расположенных в нижней
секции ящиков, а сверху была секция шкафа-
секретера, придающая солидность всей
конструкции. В этих областях Германии и Австрии
влияние было в основном итальянским, и во
многих предметах каркасной мебели середины
18 века заимствовались итальянские элементы,
такие, как приземистые гнутые ножки и
выпуклые формы. Однако большая часть мебели,
выпускаемой для среднего сословия, отличалась
сдержанностью и массивностью форм.
В южной и восточной части Германии
продолжали выпускать традиционно разукрашенную
мебель: сравнительно простые формы и
конструкция дополнялись безудержным
использованием цвета и рисунка.
На севере Германии отчетливо ощущалось
влияние Англии и Голландии, особенно в
стульях. Стулья с высокой прямой спинкой и стрет-
черами в виде буквы Н и часто тростниковое
сиденье и спинка ассоциировались с
английскими стульями начала 18 века и продолжали
сохранять популярность в странах Центральной и
Восточной Европы в середине 18 века. Наряду с
этим применялись гнутые английские ножки, и
обычным было французское влияние.
Мебельные заказы для более зажиточной
части общества выполняли два известных мебельных
с откидной доской
Давид Ронтгвн
Сикамор (платан), другие
породы дерева и золоченая
бронза; ок. 1780 г.
Четко очерченные, рельефные
вставки из золоченой бронзы
придают элегантность этой вещи,
отделанной сикамором,
украшенной маркетри с цветами и
лентами. Как и во многих предметах
мебели, созданных Ронтгеном,
декоративные украшения скрывают
сложную систему механизмов для
открывания ящиков и потайных
отделений.
98

ГЕРМАНИЯ, АВСТРИЯ И СТРАНЫ ВОСТОЧНОЙ ЕВРОПЫ
мастера второй половины 18 века — Абрахам
Рентген (1711 — 1793) и его сын Давид (1743 —
1807), которые основали мебельные мастерские в
Нейвиде-на-Рейне, где изготавливаемая мебель
отличалась виртуозным исполнением и сложностью.
Благодаря опыту, приобретенному Абрахамом в
Голландии и Англии и позднее путешествиям
Давида по Европе, Ронтгены завоевали
международную клиентуру, в том числе среди королевских
дворов, и соединили в своем творчестве рококо и
неоклассицизм. Их маркетри было
непревзойденным, а сложные механизмы в мебели (замки,
потайные ящики, часы и т.д.) завоевали Давиду Ронт-
гену во Франции титул "мебельный мастер и
механик короля и королевы".
НЕОКЛАССИЧЕСКИЙ СТИЛЬ
Элегантность письменных столов и шкафов
с выдвижными ящиками работы Давида Ронт-
гена заметно отличается от нарочитости более
ранних его вещей в стиле рококо. Теперь
маркетри у него изображала изящные цветы,
листья, гирлянды или музыкальные инструменты
в отличие от прежних архитектурных мотивов;
мебель лишилась своих округлых, извилистых
форм и стала изящной интерпретацией стиля
Людовика XVI.
Другие мебельные мастера Германии с
меньшим энтузиазмом восприняли строгие линии
неоклассицизма, и в некоторых предметах
переходного стиля 1770-х годов изгибы рококо
соседствуют с прямыми, сужающимися книзу
ножками и прямоугольными формами каркаса.
В других вариантах неоклассический орнамент
прилагается к старым формам. Однако к концу
18 века классические прямолинейные формы и
декоративные мотивы были приняты в мебели,
в которой отражалось как английское, так и
французское влияние. Нигде с таким успехом
не проявилась элегантность неоклассицизма,
как при дворе императора Йозефа II (1780 —
1790) в Вене, которая стала центром нового и
яркого стиля ампир наполеоновского периода
начала 19 века.
Ампир оказался недолговечным и,
возможно, слишком академичным, чтобы стать стилем
КРУГЛЫЙ СТОЛ
Германия
Красное дорого;
начало 19 в.
Этот стол имеет вращающийся
верх и четыре крепящихся на
пружинах ящика. В отделке черного
дерева и золочении видны
мотивы неоклассицизма и масонская
символика. (Сверху)
ДЕКОРАТИВНОЕ
ОФОРМЛЕНИЕ СТЕНЫ
Генрих Асмус, Берлин
1844
Этот рисунок, взятый из книги
'Новые орнаменты Генриха Асмуса',
представляет 'верхнюю часть
богато декорированной стены'.
Является примером
продолжающегося увлечения греческим
стилем в Германии середины 18 в.
99

Е Б Е Л Ь
простых людей. Он проявился в мебели для
дворцов, подобно той, что была спроектирована
Иоганном Валентином Раабом для Вюрцбургс-
кой резиденции, Лео фон Кленце (1784 — 1864)
из Мюнхена и Карлом Фридрихом Шинкелем
(1781 — 1841) для прусской королевской семьи
во дворцах и его окрестностях.
БИДЕРМЕЙЕРСКИЙ СТИЛЬ
Наиболее ярко классическое влияние
ощущалось в бидермейерском стиле, который
процветал в Вене и ее окрестностях примерно в
1815 — 1848 годах и распространился в
странах Европы, говорящих на немецком языке. Этот
простой, но удобный стиль ("бидер" по-немецки
означает "простой, обыкновенный", "мейер" —
распространенная немецкая фамилия) возник как
ответ на авторитарную власть в Австрии после
Венского конгресса. Лишенный политической
активности, народ переключился на торговлю,
домашние дела и отличающуюся изящной
простотой буржуазную культуру. В мебельном деле
теперь господствовали интересы удобства и
практичности, использование цветных тканей и
обработанного дерева. Для получения большего
эффекта применялись различные сорта
древесины: красное, розовое дерево, грецкий орех,
древесина плодовых деревьев, клен, сикамор и
тополь. Для украшения использовалась
инкрустация по черному дереву или окрашенная в
черный цвет древесина плодовых деревьев.
Характерна была чистота линий, столь же часто
закругленных, как и прямых.
Нарочито крупные образцы мебели прошлых
лет уступали место мебели меньших размеров,
предназначенной для особых нужд. Сюда
входили дамские письменные столики, столы для
шитья, высокие зеркала (недавнее нововведение)
и книжные шкафы. Особая изобретательность
проявлялась при изготовлении небольших
столов. Теперь в каждой богато обставленной
гостиной было фортепьяно, и во многих стояла
также горка с фарфором. Особое внимание
уделялось удобству сидений: диваны с прекрасной
обивкой и поднятыми кверху боками
дополнялись глубокими креслами и приставными
стульями с обитыми сиденьями, рельефными
спинками, на прямоугольных, сужающихся книзу или
обточенных ножках с минимальным числом
украшений. Требования на подобную мебель
удовлетворялись возросшим числом городских
мебельных мастеров, из которых наиболее
плодовитым был Йозеф Данхаузер (1780 — 1829).
В Северной Германии бидермейерский стиль
характеризовался меньшим количеством
красок и меньшим разнообразием; мебель часто
отделывалась красным деревом, обивка
выполнялась из черного конского волоса; формы же
ГОСТИНАЯ
В БИДЕРМЕЙЕРСКОМ
СТИЛЕ
Германия
Акварель; ок. 1830 г.
Это работа неизвестного
мастера демонстрирует уютную
неформальность, которая была
свойственна бидермейерскому стилю.
Удобные стулья с прямыми
спинками стоят вокруг центрального
стола; на приставном столике
выставлены безделушки;
фортепьяно (возможно, клавесин)
говорит об увлечении в то время
домашним музицированием.
Великолепные занавеси с кистями,
позолоченными карнизами и
раздвижными портьерами оттенялись
многочисленными комнатными
растениями. (Внизу)
100

ГЕРМАНИЯ, АВСТРИЯ И СТРАНЫ ВОСТОЧНОЙ ЕВРОПЫ
мебели напоминали английскую мебель
начала 19 века.
Бидермейерский стиль в чистом виде
неизбежно был заменен антиклассическим
романтическим настроением, возникшим в 1830-х и 1840-
х годах по всей Европе. Воодушевившись им,
венский мастер Карл Лейстлер (1805 — 1857),
полностью заменив обстановку развлекательных
залов Лихтенштейнского дворца своей
великолепной резной мебелью в стиле неорококо, наряду с
ней создал монументальный готический книжный
шкаф для Всемирной выставки 1851 года.
БЕНТВУДСКАЯ МЕБЕЛЬ
(МЕБЕЛЬ В БЕНТВУДСКОМ СТИЛЕ)
Лейстер украсил Лихтенштейнский дворец
не только своими собственными работами:
стулья в танцевальном зале были изготовлены
Михаэлем Тонетом (1796 — 1871), чей бентвудс-
кий стиль ("бентвуд" — закругление
древесины при помощи пара) прославился не только
благодаря своей элегантности, но и потому, что
благодаря ему впервые появилась массовая,
общедоступная мебель. Впоследствии Тонет
экспортировал ее во все страны мира. Все типы
мебели продавались по частям и затем
собирались с небольшим количеством винтов на
месте их назначения.
ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ
САЛОН
Людвиг Хильд
Акварель; 1841 г.
Картины и декоративные
украшения буквально льются через
край в столь естественной
обстановке этого салона. В то
время как декоративное
оформление выдержано в стиле
неорококо, большая часть мебели
здесь, такая, как ступы, стол,
зеркало и выставочная витрина в
форме аналоя справа, — в
неоготическом стиле. Однако
рабочий стол слева чисто
бидермейерский, а небольшой стол у
окна неоклассический. (Сверху)
БИДЕРМЕЙЕРСКАЯ
СОФА
Добротная мебель с солидными
пропорциями, но незатейливым
декором, как на этом диване, была
характерна для бидермейерско-
го стиля. (Внизу)
101

Е Б Е Л Ь
ОбЩЕИЗВЕСТНОЕ НЕПОМЕрНОЕ боГАТСТВО РУССКОЙ АрИСТОКрАТИИ
В ПЕРИОДЫ ЦАрСКОГО ПрАВЛЕНИЯ НАШЛО ОТРАЖЕНИЕ
В РОСКОШНЫХ ПРЕДМЕТАХ обСТАНОВКИ, КОТОрЫМИ ОНИ укрАШАЛИ
СВОИ ВЕЛИКОЛЕПНЫЕ ДОМА.
РОССИЯ
В России самые модные европейские
мебельные стили восторженно принимались при
украшении дворцов и загородных домов. В
документах не очень точно установлено, какая
мебель пользовалась успехом у простых людей,
но, вероятно, она еще более отличалась от той,
которой пользовалась аристократия, чем в
любой другой стране Европы. Русские мебельные
мастера традиционно были приписаны к
определенным домам в качестве крепостных и не
имели права искать счастья в других местах.
В конце 17 века Россия начала
импортировать великолепные по качеству образцы
мебели, которые копировались местными
мастерами из местных пород дерева. Стремясь
основать культурный и экономический центр в
Санкт-Петербурге (основан в 1703 году), Петр
Великий (1672 — 1725) послал русских
мебельных мастеров в Англию и Голландию для
изучения архитектурных стилей и
художественных приемов лучших европейских
мастеров. В результате этого получилось
интересное сочетание стилей стран Центральной
Европы и чисто русских характерных
особенностей, развивавшееся на протяжении 18-го —
начала 19 века.
ФРАНЦУЗСКОЕ
И НЕМЕЦКОЕ ВЛИЯНИЕ
Французское рококо в наибольшей степени
повлияло на обстановку русских дворцов. В
период между 1716 и 1726 годами французский
скульптор и резчик по дереву Никола Пино
(1684 — 1754), один из ведущих
представителей дизайна рококо, работал в России,
представляя искусство резьбы для изучения Петра
Великого. Импорт модной мебели и
публикуемые эскизы других ведущих представителей
рококо были дополнительными факторами
принятия столь развитой формы этого стиля в
России. Позже граф Бартоломео Франческо
Растрелли (ок. 1700 — 1771), сын итальянского
скульптора, стал главным архитектором
русского двора и представил цветистый германский
декоративный стиль в императорской
резиденции Царское Село и Зимнем дворце в Санкт-
Петербурге.
Неоклассицизм в России принял столь же
великолепные формы. Представителем его был
шотландский архитектор Чарльз Камерон
(около 1743 — 1812), который работал для
Екатерины Великой (1729 — 1796) с конца 1770-х
годов и создал декоративное оформление и
предметы обстановки для многих царских
резиденций. Мебель изготавливалась самыми
модными парижскими мебельщиками.
Давид Ронтген также оказал большое
влияние на развитие неоклассицизма в России.
Он несколько раз посещал Санкт-Петербург и
поставлял Екатерине не менее семи партий
мебели. Многие из работавших в России
уважаемых мебельных мастеров были эмигрантами
ШКАФ ДЛЯ
ПИСЬМЕННЫХ
ПРИНАДЛЕЖНОСТЕЙ
Россия
Отделка карельской березой
и тополем; начало 19 в.
Шкаф имеет высоту около 280 см
(9 футов 2 дюйма), но всего 94 см
(37 дюймов) в ширину.
РУССКИЕ МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА
Растрелли,
Бартоломео
Франческо
раб.1687-1714
Санкт-Петербург
Главный архитектор русского двора. Автор крупномасштабной
мебели в стиле рококо с великолепным резным декором и яркими
красками.
Камерон, Чарльз
1678-1724
Санкт-Петербург
Шотландский архитектор; представитель неоклассицизма в
России. Работал для Екатерины Великой, создавая роскошные
позолоченные интерьеры.
Гамбс, Генрих
1796-1871
Санкт-Петербург
Наиболее известный мебельный мастер данного периода.
Проектировал мебель для наследника Екатерины, Павла I.
102

РОССИЯ
ТУЛЬСКАЯ СТАЛЬНАЯ МЕБЕЛЬ
На тульском заводе по изготовлению
мелкого стрелкового оружия, расположенном
в центральной России и основанном Петром
Великим, делалась также стальная мебель и
декоративные орнаменты начала 18 века.
Хотя лишь небольшое число из них уцелело,
гораздо большее количество сохранилось с
конца 18 века, когда на заводе выпускалась
стальная мебель для дворцов Екатерины
Великой. Ее личное посещение
бирмингемского завода Мэттью Баултона в
Англии, вероятно, оказало влияние на стиль
большей части стальных изделий, и,
возможно, английские мастера ездили в
Россию и представляли там мастерство
Бултона.
Камины, каминные решетки, каминные
приборы, шкатулки и другие декоративные
изделия из полированной (вороненой)
стали украшались неоклассическими
мотивами из шлифованных бусин и сильно
напоминают рисунки Адама. С особым
изяществом сделаны складные, с X-
образной рамой стулья; их спинки и
подлокотники часто украшались завитками
растительного орнамента, а у других
сиденья и спинки образовывали узкие
полоски металла. Развитием техники
резных стальных изделий стало
инкрустирование стальной поверхности
изделий другими металлами — серебром,
оловом, латунью и медью.
ЧАЙНИЦА В СТИЛЕ
НЕОКЛАССИЦИЗМ
Тульское стальное изделие;
декор.
из Германии, полными идеалов рентгенских
мастерских в Нейвуде-на-Рейне. Одним из них
был Кристиан Мейер, другим Генрих Гамбс
(1765 — 1831), который проектировал мебель
для наследника Екатерины, Павла I (1796 —
1807).
19 ВЕК
В начале 19 века французское влияние на
российскую мебель было большим, во многом
благодаря любви ко всему французскому царя
Александра I (1801 - 25). Он пригласил на
службу швейцарского мастера Тома де Томона
(1754 - 1813), который одинаково хорошо
мастерил мебель и строил дворцы, для которых
завез большое количество мебели из Франции.
Двумя наиболее известными российскими
мастерами в начале 19 века были Андрей Ни-
кифорович Воронихин (1760 - 1814), который
обучался мебельному дизайну в Париже,
копируя лучшие образцы Карла Персье и Пьера-
Франсуа-Леонардо Фонтена, и итальянец
Карло Росси (1775 - 1849), который работал в
стиле ампир.
Большинство российских мебельных
мастеров предпочитали делать мебель, объединяя
элементы как французского, так и английского
стиля _ нечто среднее между образцами Якоба
Десмальтера и Томаса Шератона. Эта
тенденция сохранилась на протяжении всего 19 века,
и почти вся мебель середины столетия
практически неотличима от европейских образцов —
различие часто состояло лишь в использовании
отечественных материалов, например
карельской березы.
Использование пород дерева светлых и
темных оттенков производило большой эффект. В
некоторых домах мебель часто расписывали.
КОНСОЛЬНЫЙ СТОЛИК
И ТРЮМО
Россия
Красное дерево и золоченая
бронза; ок. 1810 г.
В этом высоком трюмо со
столиком, выполненным в
неоклассическом стиле, сильно ощущается
французское влияние. Многие
изделия в этот период
изготавливались во Франции специально
для русского рынка.
103

ЕБ Е Л Ь
Сосновые леса Скандинавии о6еспечивали прекрасные
рЕсурсы для региональных ме6ельных мастеров. Они
СОЗДАВАЛИ рАЗНООбрАЗНуЮ, НАрЯДНО рАЗукрАШЕННуЮ МЕбЕЛЬ,
КОТОРАЯ СООТВЕТСТВОВАЛА КРАСОЧНЫМ ИНТЕрЬЕрАМ.
СКАНДИНАВСКИЕ СТРАНЫ
Разрисованная мебель — из березы, бука или
ясеня, а также из сосны — была характерна
для скандинавских домов (даже богатых людей),
которые практически все были деревянными. Но
при этом Швеция и Норвегия были открыты
влияниям европейских стилей, поскольку Англия
очень нуждалась в древесине для
реконструкции Лондона после пожара 1666 года, что
привело к стечению как английских капиталов, так
и английских мебельных проектов в
Скандинавские страны в конце семнадцатого века. Сам же
английский дизайн находился под влиянием
Голландии, поэтому скандинавская мебель этого
периода несет в себе отчетливые
англо-голландские черты.
Стул с высокой спинкой и тростниковым
сиденьем, модный в Англии и Голландии в
конце семнадцатого века, был успешно принят в
Скандинавских странах и распространен там
ШКАФ-БЮРО
С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ
Дания
начало 18 в.
Этот шкаф работы
скандинавских мастеров, разрисованный
китайскими сценками и фигурками
на фоне панелей из красного
мрамора и голубого бордюра,
благодаря своему декору имитирует
лаковое покрытие.
также и в восемнадцатом веке. Общий
консерватизм скандинавских мебельщиков (по
традиции отделенных от наиболее прогрессивных
мебельных мастеров), обеспечил более долгую
жизнь этим стульям, вышедшим из моды в
остальных европейских странах. Стулья с
гнутыми ножками и спинками с центральной
распоркой периода королевы Анны и начала правления
Георга пользовались особой популярностью в
Скандинавских странах, где они укреплялитсь
точеными стретчерами еще долгое время после
того, как с ними распростились в Англии.
Английские стили мебели, представленные
во многих книгах по дизайну, оказывали
значительное влияние на мебель горожан в
Скандинавских странах. Рабочий стол с опускающейся
передней частью и стенные часы с вытянутым
корпусом продолжали сохранять популярность
у жителей Скандинавских стран, и
соответственно их продолжали выпускать.
Из-за своей территориальной близости
Германия также оказывала влияние на типы и
стили скандинавской мебели. Многие скандинавские
мастера учились в Германии мебельному
мастерству, в то время как немецкие мастера
практиковались в Дании, Норвегии или Швеции.
Стиль рококо в Скандинавских странах был
принят сначала при дворе и представлен в
своей немецкой форме, особенно в Дании и
Норвегии. Швеция была более открыта французскому
влиянию, и прошедшие обучение в Париже
архитекторы способствовали введению этого
стиля в салоны Стокгольма в 1730-е и 1740-е годы.
Восторженное отношение к французскому
искусству здесь было не внове. В конце 17 века
оба старых королевских замка в Копенгагене и
Стокгольме были заменены великолепными
дворцами в духе Версаля. Большая часть мебели для
них вывозилась из Франции, другая же
копировалась датскими мастерами по французским
моделям.
НЕОКЛАССИЦИЗМ И СЛЕДУЮЩИЕ
ЗА НИМ СТИЛИ
Французское влияниие в Дании усилилось в
период неоклассицизма, главным образом
благодаря назначению французского скульптора
Жака-Франсуа Сали (1717 — 1796) директором
новой Копенгагенской академии, в которой он
104

СКАНДИНАВСКИЕ СТРАНЫ
поднял уровень датского художественного
образования. В Швеции, где неоклассицизм был
принят позже, чем в Дании, его интерпретация
включала в себя как французские, так и английские
элементы. Комоды были французскими по
форме, но отделка чаще выполнялась в английском
вкусе красным деревом, чем декоративным
паркетом, принятым во Франции. Красное дерево
также использовалось в прочных конструкциях,
особенно в спинках с центральной распоркой
производных стилей от Хеппельуайта и Шератона.
Георг Гаупт (1741 — 1784) был наиболее
значительным мебельным мастером, работавшим в
Стокгольме в 1770-е годы. Он приобрел
известность во всей Европе своими изящно
выполненными столами в английском вкусе, а также
крупномасштабными шедеврами, украшенными
золоченой бронзой в стиле Людовика XVI. Братья Ма-
релье, Луи Адриан (1748 — 1810) и Жан Баттист
Эдуард (1853 — 1801), продолжали заимствовать
французские стили при изготовлении мебели для
шведского двора. Другой же известный шведский
мебельный мастер, Готлоб Иверссон, работавший
на рубеже столетий, главным образом
руководствовался английскими моделями.
В начале 19 века французский стиль ампир
заимствовался при изготовлении большей части
скандинавской мебели, и соответственно
английская мебель больше не пользовалась
популярностью, главным образом в результате британских
артобстрелов Копенгагена во время
Наполеоновских войн. Но, несмотря на это, простые стили
английской мебели начала 19 века продолжали
сохранять свою популярность, наряду с некоторыми
ее формами. Одной из них можно назвать
диванный столик многоцелевого назначения, который
имел самые разнообразные формы, с верхней
откидной доской, крепящейся на одной из
центральных опор, с завершением в виде лиры или
четырьмя сужающимися книзу ножками.
Большая часть импортируемой мебели
привозилась в это время из Германии. В
стилистической простоте распространенного датского
стиля ампир мы встречаем сильные отголоски
не только английского регентства, но и бидер-
мейерского стиля. Подобная классическая
элегантность сохранялась в скандинавской мебели
до второй четверти 19 века, когда сначала в
Швеции, а затем в Дании и Норвегии, она была
застигнута врасплох эклектикой, утвердившейся в
остальной части Европы.
КОНСОЛЬНЫЙ
столик
Швеция
Сосна; ок. 1815 г.
В большей части шведской
мебели заметно как
французское, так и английское влияние,
что мы и наблюдаем в этом
консольном столике, который
поддерживается дельфинами.
Натуральная сосна, которая
имелась там в изобилии,
создавала прекрасную основу
для золочения. (Справа)
КОМОД
Георг Гаупт
Маркетри, мрамор
и золоченая бронза; 1780 г.
Этот комод в неоклассическом
стиле, с мраморным верхом,
украшенный маркетри и
рельефными вставками из золоченой
бронзы, был выполнен Георгом
Гауптом, разносторонним
шведским мебельным мастером.
(Слева)
МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА СКАНДИНАВСКИХ СТРАН
Гаупт, Георг
1741-1784
Стокгольм
Наиболее известный мебельный мастер в Стокгольме в 1770-е
годы. Его многостороннее дарование проявлялось в самых
разнообразных предметах мебели, от изящных столиков до
крупномасштабной мебели, украшенной золоченой бронзой в
стиле Людовика XV).
марелье,
Луи Адриан
и Жан Батист
Эдуард
1748-1810
1753-1801
Стокгольм
Работали при шведском дворе.
105

Е Б Е Л Ь
Голландские ме6ельные мастера из всех стилей выделили
характерную для се6я сильную форму.
ГОЛЛАНДИЯ
Голландцы были замечательными мастерами по
абсорбированию стилей. Влияние на
Голландию оказывалось со многих сторон: из Франции,
Германии, из стран Востока, с которыми
голландцы успешно торговали; с юга Европы проникали
мавританские мотивы (как результат
долговременного австро-испанского владычества над
Нидерландами), которые проявлялись в
причудливых рисунках и геометрических мотивах
голландской мебели. Особое влияние шло со стороны
Англии, которое усилилось в обоюдном
направлении, когда два монарха — голландский принц
Вильям Оранский и англичанка Мария —
породнились в 1688 году.
АНГЛО-ГОЛЛАНДСКАЯ МЕБЕЛЬ
В конце 17-го — начале 18 века, когда
Голландия оказывала наиболее сильное влияние на
английскую мебель, голландцы, в свою очередь,
брали то, что им нравилось, из английских
стилей и типов мебели. В результате получилось
то, что теперь известно как англо-голландский
стиль. Тростниковые сиденья для стульев были
придуманы в Голландии и стали равным
образом популярны в Англии; мода на восточные
лаки и развитие лакировки как имитации
восточного искусства также было общим для
обеих стран.
Голландским мебельным мастерам
принадлежала ведущая роль в отделке мебели, и в конце
17 века они разработали специальный вид
отделки — маркетри с цветочным орнаментом, с
использованием импортируемых и местных пород
дерева многих разнообразных оттенков. Одним
из первых — и величайших — мастеров в этой
области искусства был Ян ван Мекерен из
Амстердама (годы работы примерно 1690 — около
1735), большая часть работ которого вывозилась
на экспорт.
Голландская страсть к фарфору привела к
изобретению застекленной горки и сервантов,
дверцы у которых часто украшались покрытыми
лаком панелями; подобная мебель использовалась
для демонстрации фарфора. Оба типа шкафа были
приняты в Англии. Другим характерным
предметом англо-голландской мебели был книжный
шкаф-бюро, с наклонной передней доской в
верхней части бюро, над которым возвышался
книжный шкаф с двумя дверцами и двойным литым
ШКАФ-ГОРКА
Голландия
Грецкий орех;
середина 18 •.
На этой горке представлено
резное украшение в виде
'гребешка' в стиле рококо, и
полоски стекла оформлены
декоративными завитками. В ответ
на повальное увлечение в
Голландии фарфором для его
демонстрации мастера
изобрели застекленный шкаф-горку.
арочным украшением наверху. Часто такой шкаф
украшался лакировкой.
Параллельно шло также развитие английских
и голландских стульев; для последней четверти
17 века были характерны резные рамы для
стульев из дуба или грецкого ореха, с
тростниковыми сиденьями и спинками. В начале 18 века
очертания голландских стульев напоминали плавные
линии английских, с гнутыми ножками,
завершающимися лапой на шарике, и спинками
определенной формы, с декорированной центральной
распоркой, некоторые украшались панелями
маркетри с цветочным орнаментом. "Стул
бургомистра", или вращающийся стул, был привезен в
Голландию из Ост-Индии в конце 17 или начале
106

ГОЛЛАНДИЯ
ГОЛЛАНДСКИЕ МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА
Маро, Даниэль
1741-1784
Гаага и Лондон
Работал во Франции, Голландии и Англии, оказал влияние на
англо-голландский стиль. Делал парадные кровати, украшенные
богатыми тканями; создал новый тип стула из грецкого ореха,
богато украшенного резьбой, с удлиненной спинкой.
Брейтспраак, Карел 1748-1810
1753-1801
Амстердам
Был на службе у Луи Наполеона в Амстердаме. Работал в
неоклассическом стиле.
18 века. Он имел круглое тростниковое сиденье,
низкую спинку с резными центральными
распорками и обточенными опорами и резные гнутые
ножки, соединенные обточенными стретчерами.
Подобные голландские стулья, обычно из
грецкого ореха или дуба, так же, как и индийские, на
протяжении 18 века вывозились на экспорт и
копировались английскими мастерами, но обычно
в облегченной форме.
БАРОККО И РОКОКО
В 17 и 18 веках многие голландские мастера
покинули родину и уехали на поиски счастья во
Францию или Англию, но точно так же много
мастеров из-за границы приехали в Голландию,
часто из-за преследований протестантов во
Франции. Одним из таких мастеров был Даниэль Маро
(1663 — 1752), который во время своей
деятельности в Париже впитал традиции изысканного
барокко, а затем успешно перенес его в
Голландию. Выполненная им мебель, начиная с
роскошных парадных кроватей, украшенных дорогими
драпировками, до стульев с искусной резьбой,
расставленных рядами по комнатам, имела
отчетливо скульптурный вид. Благодаря службе Маро
при дворе Вильяма Оранского, как в Голландии,
так и в Англии, он много сделал для развития
англо-голландского стиля, и его гравюры с
изображением всех видов мебели пользовались
большой популярностью по обе стороны Ла-Манша.
В 1720-е годы тяжеловесное барокко Маро
было вытеснено в Голландии изящным
великолепием рококо, и влияние Франции пересилило
влияние Англии. В 1740-е годы шкафы-бюро с
выдвижными ящиками имели характерную выпуклую
форму нижней секции, извилистые карнизы и
литые украшения в виде завитков на дверцах. Для
отделки чаще всего применялся грецкий орех,
который прекрасно поддавался обработке, в то
время как сами шкафы делались из красного дерева,
дуба, вяза и древесины плодовых деревьев.
Южная Голландия более всего находилась под
французским влиянием, что вытекало из
специализации льежского района: там делались дубовые
стенные шкафы, облицованные панелями и
декорированные эффектными резными волютами в стиле
рококо, картушами и асимметричными завитками.
Цветы в живописи, на фарфоре и на тканях,
как и на мебели, всегда пользовались особой лю-
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
Голландия
Грецкий орех
Этот стул в англо-голландском
стиле имеет центральную
распорку спинки в виде вазы, резные
раковины украшают верхнюю
перекладину и 'коленки* передних
ножек, их завершение
выполнено в виде лапы на шарике.
Цветочный мотив маркетри чисто
голландский. (Слева)
КОМОД
Голландия
Дерево, мрамор и золоченая
бронза; 18 в.
Боковые стенки и скрывающий два
ящика фасад этого выпуклого, во
французском стиле, комода
отделаны королевской сосной и
тюльпанным деревом. (Внизу)
107

Е Б Е Л Ь
бовью голландцев, и маркетри с цветочным
орнаментом было одним из наиболее впечатляющих
мебельных украшений. Бюро, комоды, шкафы с
выдвижными ящиками, стулья и футляры для
часов были сплошь отделаны сказочным декором
из цветов в вазах, корзинах или букетах. В
подобных образцах мебели проявлялось чисто
голландское сочетание мастерства с полезностью,
прочности формы с безудержной фантазией
декоративного убранства.
НЕОКЛАССИЦИЗМ
С приходом неоклассицизма декоративная
отделка мебели стала более сдержанной и сим-
ШКАФ С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ НА ПОДСТАВКЕ
Грецкий орех и розовое
дерево; конец 17 в.
Этот шкаф богато украшен
маркетри с цветочным орнаментом,
окаймленным отделкой из
устричных раковин.
108

ГОЛЛАНДИЯ
метричной; цветы теперь появлялись лишь в
небольших букетах или на веточках на
вставленных лакированных панелях. Во второй половине
18 века в Голландии продолжалась мода на
английскую и французскую мебель до такой
степени, что голландские мебельные мастера
ощущали, что импорт, особенно со стороны Франции,
подрывает их жизненное существование. В 1771
году в результате протестов Амстердамской
гильдии был запрещен весь иностранный импорт
мебели. Высокий уровень мебельного мастерства в
Голландии поддерживался Амстердамской
гильдией Джозефа, которая требовала, чтобы вся
мебель, сделанная там, имела печать мастера.
В течение последних десятилетий 18 века,
когда голландские мастера особенно
преуспевали, в Голландии распространена была
французская версия неоклассицизма. Изгибы рококо
уступили место прямоугольным формам и прямым,
сужающимся книзу ножкам у сундуков, столов и
стульев. К этому времени красное дерево во
многом вытеснило грецкий орех, но атласное дерево
продолжало часто применяться. Голландские
мастера продолжали специализироваться в
маркетри из экзотических пород деревьев, часто
создающих иллюзию архитектурных деталей,
например, каннелюр (желобков). Вставки из
золоченой бронзы стали применяться реже, но в
маркетри иногда включались лакированные панели.
Типично голландским предметом обстановки
этого периода стал тип комода-буфета, в нижней
части которого находился стенной шкаф или
буфет с двумя дверцами, над которым возвышались
полки, а в центре всей конструкции иногда стоял
таз. Боковые откидные доски давали
дополнительное место.
В начале 19 века французское
неоклассическое влияние усилилось благодаря Луи
Наполеону, который в 1808 году решил превратить
городскую ратушу в Амстердаме в королевский
дворец и взял на службу таких голландских
мастеров, как Карел Брейтспраак (годы работы
около 1795 — 1810) и Йозеф Куэл, которые
выпускали модную мебель в стиле ампир,
представленном французскими мебельными
дизайнерами Персье и Фонтеном в их книге по дизайну
"Собрание декораций интерьеров" (1801). Эта
книга пользовалась большой популярностью в
Голландии, как и в других странах Европы, и во
многом способствовала более осторожному
применению вставок из золоченой бронзы в
качестве контраста с темными породами древесины,
которые были тогда в моде. Сплошное
золочение богато украшенной резьбой мебели также
было характерно для позднего ампира, который
сохранялся некоторое время после падения
Наполеона.
БИДЕРМЕЙЕРСКИЙ СТИЛЬ
И ПЕРИОД ПОСЛЕ НЕГО
Во второй четверти 19 века многие
голландцы явно предпочитали сдержанную элегантность
бидермейерской мебели, для которой, наряду с
красным деревом и древесиной плодовых
деревьев, часто применялись амбойна, ясень и грецкий
орех и чьи добротные и закругленные, но по
существу "греческие" формы явно подходили к
голландскому интерьеру.
Вскоре, однако, возникла необходимость в
показном, нарочитом орнаменте. Новые заводы,
такие, как "Братья Горрикс" в Гааге и "М. Роул"
в Антверпене стали его поставщиками, и в
Голландию пришла характерная для всей Европы мода
на эклектику. Голландские мебельные мастера
вновь переключились на цветочное маркетри,
большая часть которого вывозилась за границу.
Кроме того, простая старая мебель заново
облицовывалась голландскими картинками с
изображением цветов, которые, похоже, никого в
Европе не могли оставить равнодушными.
ШКАФ-БЮРО
С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ
Голландия
Грецкий орех;
середина 18 в.
Этот шкаф соединяет в себе
точные пропорции и великолепное
маркетри с натуралистичным
изображением цветов, которые
связываются с голландским
мебельным мастерством
109

Е Б Е Л Ь
В ЭТУ ЭПОХУ МНОГИЕ СТРЕМЯЩИЕСЯ К НОВОМу ДИЗАЙНЕРЫ
И МАСТЕрА С ПОМОЩЬЮ СОЕДИНЕНИЯ РАДИКАЛЬНЫХ ТЕХНИЧЕСКИХ
ПРИЕМОВ И НОВЫХ МАТЕРИАЛОВ СТРЕМИЛИСЬ СОЗДАТЬ НОВЫЙ
СИНТЕЗ ТРАДИЦИОННЫХ СТИЛЕЙ ДЛЯ ТОГО ВрЕМЕНИ.
ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860
1920
Большая часть британской и европейской
мебели, созданной за период I860 — 1920 гг.,
едва ли можно с первого взгляда отличить от
мебели, сделанной за предыдущие 300 лет.
Мебельные мастера обычно имитировали
различные стили, сменявшие друг друга со времен
Возрождения. Но если посмотреть повнимательнее,
можно увидеть такие ошибки в пропорциях, а
также снижение качества материалов и
деградацию мастерства, что становится невозможно
спутать имитацию с оригиналом. Было сделано
несколько прекрасных копий, но лучшие работы
этого периода почти всегда оригинальны по
своему проекту и обычно демонстрируют
радикальный подход к техническим приемам и типам
применяемой древесины. Подобная мебель, однако,
составляет лишь малую часть всей
произведенной мебели.
БРИТАНСКАЯ МЕБЕЛЬ
Мебель в стиле возрождения готики,
спроектированная А. У. Н. Пуджином (1812 — 1852),
изменила дизайн английской мебели в
направлении к простой конструкции и сдержанному
орнаменту. На Большой выставке 1851 года и
Всемирной 1862 года подобную мебель
представили Пуджин, Джон Поллард Седдон (1827 —
1906), Ричард Норман Шоу (1831 — 1912) и
компания "Моррис, Маршалл, Фолкнер & Ком-
пани". Большая часть работ была декорирована
разрисованным орнаментом, включающим сце-
ПРИСТАВНЫЕ
СТУЛЬЯ
А У. Пуджин
Дуб; ок. 1870 г.
Мебели, спроектированной А. У.
Пуджином, свойственна
простота и четкая конструкция, которые
раньше проповедовал его отец,
известный архитектор и дизайнер
А. У. Н. Пуджин. (Вверху)
ШКАФ
с выдвижными
ЯЩИКАМИ
ок. 1861-1862
Этот шкаф с выдвижными
ящиками декорирован сценами из
жизни святого Георга кисти Уильяма
Морриса. Средневековая
тематика типична для мебели,
созданной "Моррис & Ко', на
протяжении 1860-х г. (Слева)
110

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
ны из средневековых легенд, с длинными
переплетающимися узорами и большими
пластинками, предохраняющими замочные скважины и
ручки, украшенные гравировкой по металлу.
Дизайнеры стремились напомнить, но не
имитировать мебель средних веков и сознательно
избегали форм и украшений, возникших в
течение или со времени эпохи Возрождения.
Большая часть мебели, созданной
компанией "Моррис, Маршалл, Фолкнер & Ко" (или
"Моррис & Ко", как она была известна с 1875
года), была спроектирована архитектором
Филипом Веббом (1831 — 1915), чей стиль
характеризовался тонкой игрой объемов и
тщательной разработкой структуры. Постепенно он
освободился от влияния неоготического стиля и
использовал широкое разнообразие источников,
включая японские мебельные формы.
От неоготики к возрождению стиля
королевы Анны. Отголоски простой добротной
мебели в неоготическом или народном стиле
были широко распространены Чарльзом Истлей-
ком (1836 — 1906) в его книге "Советы по
повседневным вкусам в мебели, драпировкам и
другим деталям" (1868), иллюстрированной
многочисленными рисунками самого автора. Книга
Истлейка способствовала переходу от
неоготики к возрождению стиля королевы Анны,
который пользовался успехом у многих архитекторов
и дизайнеров в 1870-е и 1880-е годы. Некоторые
из них, такие, как Брюс Тальберт (1838 — 1881),
Э. У. Годвин (1833 — 1886) и Чарльз Биван
успешно работали в обоих стилях, и главная идея
их мебели заключалась в простой
конструктивности и отсутствии декоративной резьбы и
отделки. Мебель, созданная в японском стиле Год-
ШКАФ С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ
У. Гуалбврт Саундерс
ГЛАВНЫЕ ДИЗАЙНЕРЫ
МЕБЕЛИ 1860-1920
Чарльз Фрэнсис
Эннсли Войси
Густав Серурье-Бови
Луи Мажорель
Виктор Орта
Иозеф Мария Олбрих
Гектор Гимар
Коломан Мозер
Чарльз Рени Макинтош
Иозеф Хоффман
Август Эндель
1857-1941
1858-1910
1859-1926
1861-1947
1867-1908
1867-1942
1868-1918
1868-1928
1870-1956
1871-1925
ок. 1875 г.
Дизайнер и мастер У. Гуалберт
Саундерс, управлял 'Саундерс
& Ко", фирмой, основанной в
1865 году архитектором
Уильямом Бурджесом, который был
связан с Уильямом Моррисом
и его кругом. Готический стиль
мебели Саундерса выглядит
более архаическим, чем тот, что
воспроизводили 'Моррис & Ко'.
(Справа)
УМЫВАЛЬНИК
Уильям Бурджвс
и позолоченное дерево;
ок. 1880 г.
Бурджес проектировал часть
наиболее яркой мебели для своего
собственного Кенсингтонского
дома. К моменту создания этого
умывальника его неоготический
стиль уже давно потерял свою
популярность. (Вверху)
вином и другими, удовлетворяла этим чертам.
Она соответствовала архитектурным формам
Японии, как видно было из гравюр, привозимых
на Запад.
Все эти разнообразные стили
способствовали эстетическому движению в мебели, которое
характеризовалось интенсивным
использованием черного дерева в качестве отделочного
материала, а также украшением мебели
разрисованными панелями или керамической плиткой.
Мебельный дизайнер Кристофер Дрессер (1834 —
1904) проектировал мебель самых
разнообразных стилей, включая греческий, египетский,
готический и японский.
Мебель, спроектированная архитектором
Артуром Хейгейтом Макмердо (1851 — 1942) для
Столетней гильдии, основанной в 1882 году,
происходила из стиля королевы Анны и других
стилей 18 века. Два предмета обстановки, однако,
несли в себе влияние последующих мебельных
стилей и могут считаться предшественниками
искусства модерн. Один из них был приставной
стул (без подлокотников), выполненный в
основном в стиле начала 18 века, но его резная спинка
была украшена рисунком, изображающим
кружащиеся подводные микроорганизмы — протозоа —
что напоминало о французской, бельгийской и
немецкой мебели, сделанной в конце столетия.
Другим предметом мебели был рабочий стол,
выполненный Макмурдо, где за основу был взят
111

Е Б Е Л Ь
стиль Георга, но его строго геометрические
формы и множество аналогичных образцов говорят о
стиле, который был распространен в
последующие три десятилетия в Англии, Шотландии,
Австрии и Соединенных Штатах.
Мебель, спроектированная Джорджем
Джеком (1855 — 1932) и У. А. С. Бенсоном для
"Моррис & Ко" в конце 1880-х и в 1890-е годы,
была в основном построена на формах 18 века,
хотя Бенсон также создавал мебель,
построенную по сельским образцам. Гильдия ремесел,
основанная в 1888 году Чарльзом Робертом Эшби
(1863 — 1942), делала мебель по своим
проектам. Будучи свободной интерпретацией
возрождения стиля королевы Анны, проекты Эшби
часто украшались разрисованным и позолоченным
гипсом.
Перед тем как открыть собственные
мастерские в Котсволдсе, Эрнест Гимсон (1864 — 1919)
и Сидней Барнсли (1865 — 1926) были связаны
с компанией "Кентон & Компани", обществом
архитекторов и мастеров, образованным в 1890
году для создания качественной мебели.
Образцы Гимсона выполнялись искусными
плотниками; Барнсли сам создавал мебель по своим
проектам. Работы обоих напоминали стиль "жилого
дома на ферме": массивные, прочные, со стрет-
черами с наклонными краями (опоры,
соединяющие ножки), иногда украшенные
инкрустацией или простым выдавленным орнаментом.
Войси и Бейли Скотт. Проекты
архитектора К. Ф. А. Войси (1857 — 1941) можно
считать наиболее новаторскими во всей истории
английской мебели. Для его работ характерны
высокие узкие опоры, широкие плоские
карнизы, с большими декоративными резными
узорами. Его мебель делалась из дуба, иногда
разрисованного, и создавали ее искусные мастера,
такие, как Артур Симпсон, который впоследствии
делал мебель по своим собственным эскизам в
стиле Войси.
Мебель работы Бедфордской фирмы под
руководством Дж. П. Уайта по эскизам М. X.
Бейли Скотта (1865 — 1945) имела более сложный
декор, чем мебель Войси. Многие предметы
инкрустировались стилизованными цветами или
птицами. После того как некоторые образцы
мебели, спроектированные Бейли Скоттом для
Большого Герцогского дворца в Дармштадте,
были выполнены мебельными мастерами из
Гильдии ремесел, Эшби стал проектировать более
простую мебель, а ее декор находился под
влиянием работ Бейли Скотта.
Макинтош и его влияние. Проекты
шотландского архитектора Чарльза Рени Макинтоша
(1868 — 1928) отличаются поразительным,
виртуозным мастерством, иногда даже чрезмерным.
Нетрудно понять, почему его мебель не очень
хорошо принималась в Англии. Он приносил про-
ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ
К. Ф. А. Войси
Дуб; ок. 1900 г.
Сложный медный узор говорит о
средневековом влиянии в 1860-е
и 1870-е годы, но общая
свобода орнамента и простые линии
свидетельствуют о
приверженности Войси к традициям Виктори-
анства. (Справа)
ПРИСТАВНЫЕ СТУЛЬЯ
К. Ф. А Войси
Дуб; 1898
Высокие спинки с вертикальными
линиями и резным узором в виде
сердечек на центральной
распорке спинки типичны для мебели
Войси.
112

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
стоту в жертву нарочитой усложненности,
попирал традиции и проявлял недостаточное
уважение к материалам. Он делал мебель из
различных пород дерева, включая дуб, кипарис, сосну и
красное дерево, которые редко оставлял в
необработанном состоянии; древесина либо
полировалась во французском вкусе, либо
раскрашивалась или отделывалась черным деревом.
Многие из проектов Макинтоша были
пародиями на традиционные стили мебели.
Например, его стул с опускающейся спинкой имел
преувеличенно высокую спинку с узкими
опорами, нелепо сдвинутыми вплотную. Дизайнер
Джордж Уолтен (1867 — 1933), также живший
в Глазго до 1898 года, перед тем как перебрался
в Лондон, проектировал мебель большей частью
с узкими, сужающимися ножками. Один из его
пректов представлял собой вариант
традиционного стула с тростниковым сиденьем с
округлыми подлокотниками, выступающими из-за узкой
спинки, которая имела узкую центральную
распорку с отверстием в форме сердечка. Этот
проект имел многочисленные имитации как в
Англии, так и на континенте.
На рубеже столетий некоторые мастера
выпускали мебель в стиле, который современники
часто называли "причудливым, эксцентричным";
он основывался на работах Войси, Макинтоша и
других дизайнеров Движения искусств и
ремесел. "Либерти & Ко." делала раскрашенную
дубовую мебель, часто декорированную изнутри
отчеканенными медными панелями и древесиной
плодовых деревьев, инкрустацией с
использованием металла и жемчуга. Другая фирма, "Уилли
& Локхенд" из Глазго, выпускала мебель в стиле
под влиянием Макинтоша, хотя без его
нарочитых нелепостей. Подобно мебели "Либерти", она
искусно украшалась инкрустацией, и древесина
часто раскрашивалась в необычные цвета,
например в серый и в фиолетовый.
Фирма Джона Солли Генри в Лондоне
выпускала мебель в аналогичном стиле. Обычно
использовалось красное дерево, и сам Генри был
автором большей части проекта. Однако, он
также получал проекты от Войси, Бенсона и Уол-
тона, а некоторые из его работ сделаны по
проектам Джорджа Монтагью Элвуда. Аналогичную
мебель выпускали также фирмы "мебельные
мастера Бат" (для которой делал проекты Эл-
вуд) и лондонская фирма "Шепланд & Петер".
"Хил & Сан". Одна из мебельных фирм,
"Хил & Сан", выпускала разнообразную мебель
в котсводском стиле, авторами которого были
Гимсон и Барнсли. Эта мебель делалась по
проектам Амброуза Хила (1872 — 1959) и указана
в каталоге "Простая мебель", выпущенном
фирмой в 1899 году. Мебель обычно делалась из
дуба, но иногда применялся каштан или
красное дерево. Мебель имела довольно скромный,
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
Чарльз Рвни Макинтош
Дуб; ок. 1900 г.
Форма центральной распорки
спинки, продленной до
перекладины в нижней части ножек,
представляла собой новейшее
решение традиционной конструкции.
(Отрава)
ШКАФ
с выдвижными
ЯЩИКАМИ
ДЛЯ ПИСЬМЕННЫХ
ПРИНАДЛЕЖНОСТЕЙ
Чарльз Рвни Макинтош
Дуб и цветов стекло; 1904 г.
Шкаф показан в закрытом и в
открытом виде в качестве
письменного стола. (Внизу)
г 1
II
1111
II
СТОЛ
Чарльз Рени Макинтош
и цветное стекло;
он 1905 г.
Инкрустации стекла, металла и
жемчуга были характерны для
меое?ш# спроектированной в
Глазго. Часто древесина подвергалась
определенной обработке. (Внизу)
113

Е Б Е Л b
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
Мастерские Омега
ок. 1913 г.
но менее простой вид, чем у Гимсона и
Барнсли, которые предназначали ее для
провинциальных домов.
Мастерские Омега. В 1913 году художник
Роджер Фрай (1866 — 1934) организовал
мастерские Омега в Лондоне, на Фицрой-сквер,
неподалеку от того места, где проходила Тот-
тенхэм Корт Роуд с расположенными
поблизости главными мебельными магазинами (включая
магазин Хила). Мебель Омеги проектировали
художники Ванесса Белл, Дункан Грант, Уин-
дем Льюис и сам Фрай, и изготавливали в
местных мастерских. Она раскрашивалась и
украшалась маркетри, в ультрасовременных стилях,
основанных на фовизме.
ФРАНЦУЗСКАЯ МЕБЕЛЬ
"Все мы произошли от Виолетт-ле-Дюка",
писал архитектор и дизайнер Уильям Бурджес
(1827 — 1881), имея в виду неоготическую
школу английских дизайнеров. Эжен Виолет-ле-Дюк
(1814 — 1879) был французским архитектором,
посвятившим большую часть своей карьеры
реставрации готических зданий. Он также
проектировал мебель в готическом стиле для замков
Пьерфон и Рокетайлад, но он пользовался
археологическим подходом, и его мебельные проекты
не отличались ни выразительностью, ни
оригинальностью. На Бурджеса и его друзей
произвели большое впечатление книги Виолет-ле-Дюка,
особенно его "Словарь французской мебели"
Точно неизвестно, кто был
автором проекта этого стула (иногда
его называют 'етпетским стулом',
но, возможно, это был Роджер
Фрай, основатель и директор
мастерских Омега. Вариант
этого стула имеет продолжение к
спинке в виде трех четвертей
кольца, превращая таким образом
верхнюю перекладину в
греческую букву (омега). Раскрашенные
изделия характерны для мастер
ских Омега. Роджер Фрай
отказался от требований Уильяма
Морриса добиваться
исключительного мастерства, считая гораздо
более важной художественную
выразительность.
114

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
(1858 — 1875), подробный путеводитель по
готическому декоративному искусству.
Виолет-ле-Дюк оказал значительное влияние
на художника-графика Эжена Грассе, который
проектировал мебель для Шарля Жилло,
владельца типографии, где печаталось большинство
трудов Грассе. Комплект мебели, выполненной
между 1879 и I885 годами из дуба и грецкого ореха,
был декорирован барельефной резьбой и
деталями из чугуна, но наиболее характерной ее чертой
было ясное подчеркивание конструкции — стрет-
черы, опоры и поддерживающие скобы
придавали ей живость и рельефность форм.
В Париже большинство архитекторов
почивали на лаврах, приобретенных в течение 18 и
начале 19 века. Они продолжали делать мебель,
богато украшенную позолотой, серебром,
украшениями в стиле "буль" (медная и черепаховая
инкрустация) и металлическими вставками.
Ренессанс, стили Людовика XV и Людовика XVI
сохраняли популярность на протяжении второй
половины 19 века; ренессансная мебель часто
украшалась скульптурой. В необычной мебели,
созданной скульптором Рупертом Карабином, в
резных обнаженных женских фигурах
присутствовал элемент пародии, и эти фигуры с их
физическими пороками и непристойными
позами были далеки от идеализированных
классических дев и атлетов, часто ассоциирующихся с
ренессансным декором.
Восточные влияния. По-своему ушел от
следования историческим стилям парижский
мебельный мастер Габриэль Виардо. Начиная с
18 века во Франции пользовались успехом
китайские безделушки, и некоторые мебельные
мастера, такие, как Жиру, Сормани и Дювинаж,
современники Виардо, делали мебель, обычно из
розового или черного дерева, спроектированную
и декорированную в восточном вкусе: с
полками, вздернутыми кверху на концах, ножками в
виде завитков, и искусно орнаментированную
слоновой костью, лаком и эмалями. Восточное
творчество Виардо было оригинально и
фантастично, в нем соединялось сложное
асимметричное расположение полок, скульптурных
бронзовых драконов и лакированных панелей. В
качестве источников он пользовался не только
китайскими и японскими формами и
орнаментами, но также искусством французской колонии
Вьетнама.
Галле и искусство модерна. Эмиль Галле
(1846 — 1904), уже получивший известность
своими гончарными изделиями и изделиями из
стекла, в 1884 году основал в Нанси мебельные
мастерские. Его ранняя мебель была в самых
разнообразных стилях, включая японский,
рококо и ренессанс. Вскоре, однако, он перешел к
использованию естественных форм, как для
конструктивных целей его мебели — ножки для
стола вырезались в виде летящих драконов,
спинки стульев делались в форме цветов, — так и
для декорации в технике маркетри. Когда в
поисках новых стилистических решений Галле
принял искривленные опоры и волнообразной
формы стретчеры, он пришел к искусству модерна.
Его мебель в основном делалась из дуба или
грецкого ореха.
Другим нансийским мебельным мастером был
Луи Мажорель (1859 — 1926); создаваемая им
СТОЛ
Эмиль Галле
Грецкий орехи
ок. 1900 г.
Галле создал варианты этого
стола с тремя и четырьмя
ножками; называли его 'летящий
дракон'. Деревянная резьба
была одной из наиболее
характерных черт
французского искусства модерна при
изготовлении мебели. Галле
оказывал особое предлчтение
природным мотивам, и его
изображение здесь
насекомых, возможно, явилось данью
японскому искусству и
декорации. (Справа)
КРЕСЛО
Луи Мажорель
Красное дерево; ок. 1900 г.
Мебельный мастер из Нанси Луи
Мажорель находился под
влиянием творчества Эмиля Галле, но
Мажорель трактовал искусство
модерна более абстрактно,
подчеркивая длинные искривленные
линии и поверхностную резьбу.
В мебели Мажореля
присутствует элегантность, идущая от
стиля возрождения рококо 19 в.
(Слева).
115

Е Б Е Л Ь
мебель в 1890-е годы находилась под влиянием
творчества Галле. До этого он работал
преимущественно в стиле рококо, и легкость и
изящество его мебели в стиле Людовика XV
присутствует в его мебели в стиле модерн.
Украшающие его мебель вставки из золоченой бронзы
вызывают в памяти работы мебельных мастеров
18 века, хотя в творчестве Мажореля они
отлиты в формах растительного орнамента,
характерных для искусства модерна. Он чаще
использовал красное дерево.
В 1900 году Жак Грубер (1870 — 1936),
проектировавший мебель для Мажореля, основал
свою собственную мебельную мастерскую для
производства мебели и цветного стекла. Его
часто вставляли в дверцы шкафов, сделанных по
проектам Эжена Валлена (1856 — 1922).
Тем временем, стиль модерн начал
оказывать влияние на парижских мебельных
мастеров. В 1895 году Зигфрид Бинг (1838 — 1905)
основал Дом модерна, где он продавал мебель,
сделанную по проектам Жоржа де Фера (1868 —
1943), Эжена Гейлара (1862 — 1933) и
Эдварда Колонны (1862 — 1948). Мебель де Фера и
Колонны отличалась большой легкостью и
простотой. Узкий сужающийся стул и ножки
стола не имеют стретчеров, придающих мебели
легкость и плавность линий; изгибы его
линий спокойны, резьба поверхностная, и ее
немного. Некоторые предметы мебели
позолочены, другие более скромно украшены
маркетри. Мебель делалась из грецкого ореха,
иногда из ясеня.
Группа Шести. В 1897 году группа
художников, которые назвали себя "Ле Сие"
("Шестерка"), устроили в Париже выставку мебели
по проектам архитектора Шарля Плюме и
братьев Пьера и Тони Селмерсгейм. Они работали
ПРИСТАВНОЙ СТОЛ
Луи Мажорель
Грецкий орех и древесина
плодовых деревьев; ок. 1900 г.
Этот пример творчества
Мажореля показывает его большое
уважение как к материалам, так и к
традициям его мастерства, но все
же стол безошибочно можно
отнести к его эпохе.
116

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОП
1860-1920
в стиле модерн, но часто в извилистых линиях
и позолоченных металлических украшениях
ощущалось влияние рококо. Подобно дизайнерам из
Нанси, Плюме и Селмерсгейм часто тяготели в
своей работе к естественным формам.
Еще одним членом Группы Шести был
скульптор Александр Шарпентье (1856 — 1909); в
проектируемой им мебели основной эффект
достигался за счет обработки древесины, ее
золоченых бронзовых рельефов и цвета: резная
древесина придавала ей расплавленный, почти раз-
жижженный вид; рельефные панели, ручки
изображали обнаженные женские фигурки; а
древесина, обычно граб, часто покрывалась воском,
придававшим ей желтый оттенок, где-то между
золотистым и медовым.
Жан Дэмпт, другой скульптор из этой
группы, был учеником Раскина и сторонником
английского Движения искусств и ремесел. Он
создавал мебель в стиле модерн, часто с чертами
неоготики.
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
ЭжвнГвйлар
Грецкий орех; ок. 1900 г.
Гейлар создавал мебель»
формы которой были
вдохновлены природой, но без точного
копирования ее. (Справа)
СТОЛ
Гектор Гимар
Древесина tpyuieooro
1904 г.
Гимал спроектировал этот стол
для промышленника Леона Но-
эаля. (Внизу)
Гимар. Архитектор модерна Гектор Гимар
(1867 — 1942), который прославился своими
проектами входных помещений станций
парижского метро, также проектировал мебель. Для
Кастел Беранже, жилого квартала,
построенного им между 1894 и 1898 годами, он создал
мебель, в которой отразилась его приверженность
принципам рациональности под влияниям Вио-
лет-ле-Дюка. Конструкции его мебели, хотя и
слишком напыщенные, были всегда оправданны
с точки зрения прочности и пользы. Мебель
часто украшена волнистой барельефной резьбой,
абстрактной по содержанию, но естественной по
форме. Здесь отсутствуют все черты готики,
характерные для ранней мебели Гимара.
Во время постройки Кастел Беранже Гимар
посетил Брюссель, и на его мебель оказали
влияние работы архитекторов Анри ван де Вельде
(1863 — 1957) и Виктора Орта (1861 — 1947),
которые он видел там. Стулья и диваны Гимара
обычно имеют сиденья и спинки, обтянутые
кожей, с вырезанным на ней линейным
орнаментом. Он создал мебель для построенных им в
дальнейшем зданий, в том числе для Куальо-ха-
уса в Лилле, замка Генриэтты в окрестностях
Парижа, замка Валь около Овер-сюр-Уаза, для
своего собственного дома в Париже и для дома

Е Б Е Л Ь
своего друга Поля Меццара, также в Париже.
Он использовал дуб и древесину грушевого
дерева, но особенно любил эвкалипт.
Наступление на искусство модерн.
Большая часть мебели Гимара была создана после
Парижской выставки 1900 года, на которой
господствовал стиль модерн. Несколько ведущих
парижских мебельных мастеров показали свою
мебель в этом стиле, искусно украшенную
резьбой, много мебели было декорировано богатым
маркетри. Фирмы Югне Фрера, Пероля Фрера
и Деймона & Колина в числе других выпускали
мебель в ухудшенном варианте модерна, и
через год или два после выставки 1900 года на нее
резко упал спрос. Некоторые дизайнеры начали
работать в гораздо более сдержанной манере,
черпая вдохновение в неоклассицизме 18 века и
французской мебели для сельской местности.
Поль Фолло, прежде бывший одним из
учеников Эжена Грассе, в Салоне Общества
художников-декораторов 1909 года представил
свое оформление интерьера мебелью в стиле
приглушенной элегантности, которая
отражала бытующее в то время увлечение
неоклассицизмом. Леон Жалло, который когда-то был
директором мастерских Зигфрида Бинга,
проектировал мебель с сильными вертикальными
и горизонтальными акцентами. Она была
украшена орнаментом, хотя и основанном на
естественных формах, но организованном в
геометрическом порядке.
ВЕШАЛКА
Постав Серрурье-Бови
Металл; ок. 1905 г.
Бельгийский дизайнер Серурье-
Бови стал основателем
успешной компании по производству
мебели со своими
собственными розничными торговыми
точками в Льеже, Брюсселе,
Париже, Ницце и Гааге. В этой
вешалке представлен
геометрический стиль, который он принял в
конце своей карьеры. (Справа)
УГЛОВОЙ
СТЕННОЙ ШКАФ
Жак-Эмиль Рульман
Розовое дерево, слоновая
кость и экзотические породы
дерева; 1916 г.
Мебель Рульмона
свидетельствовала о полном разрыве со
стилем модерн. Применяемые им
экзотические материалы, роскошь
его мебели и использование
неоклассических мотивов — все это
говорило о скором пришествии
декоративного стиля. (Слева)
118

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
Примерно с 1910 года художник Андре Маре
проектировал мебель в стиле, который в чем-то
напоминал традиционную мебель для сельской
местности и отчасти был близок к кубизму. В
1912 году он показал на выставке свой
Кубистский дом, полностью обставленный мебелью и
декорированный в стиле, родоначальником
которого были Пикассо и Брак.
Сенсацией Осеннего салона 1913 года стала
мебель, показанная французским мебельным
мастером Жаком Эмилем Рульманом (1879 —
1933). Сделанная из экзотических пород
древесины, таких, как амбойна, она была украшена
неоклассическими мотивами и геометрическим
рисунком инкрустации в черном дереве и
слоновой кости. Она значительно отличалась от
искусства модерн.
БУФЕТ
Виктор Орта
Дерево; около 1900 г.
Бельгийский архитектор Виктор
Орта отдает дань формам
рококо в этом буфете, который он
спроектировал для
собственного дома.
БЕЛЬГИЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
Бельгийский архитектор Виктор Орта в 1892
году спроектировал дом в Брюсселе для
инженера Эмиля Тасселя в чрезмерно ярком и
необузданном стиле модерн. Он был отмечен
извилистыми линиями и завитками железных
конструкций, цветным стеклом, деревянными
изделиями и стенным декором. Часть мебели,
спроектированной Орта для дома Тасселя, имела
менее новаторский вид, чем само здание. Буфет, к
примеру, с застекленными стенными шкафами
наверху, увенчанный фронтонами с S-образной
волютой и парой каделябров с несколькими
извивающимися ручками, выглядел бы вполне
уместно в интерьере рококо. С другой стороны,
изобилие искривленных стретчеров и опор под
стульями и столами было характерно для модерна.
В 1890-е годы стиль Орта стал более
сдержанным, и к 1905 году он совершенно
отказался от модерна. Для его мебели характерны
абстрактные формы, берущие свое начало в
природе, и довольно тонкие элементы конструкции.
Орта принадлежит идея встроенной мебели,
которая стала столь популярной для интерьера
модерна, что французский писатель Эдмон
Гонкур изобрел для него прозвище "Яхт-стиль"; к
примеру, банкетка могла располагаться вдоль
одной стены, заворачивать за угол и
заканчиваться горкой для посуды.
Серурье-Бови. На Хорта оказало влияние
изучение трудов Виолет-ле-Дюка и другого
бельгийского дизайнера, очарованного творчеством
первого — Густава Серурье-Бови (1858 — 1910).
В 1884 году он посетил Англию, где на него
произвели глубокое впечатление теория и практика
Уильяма Морриса, лидера Движения искусств
и ремесел. Его ранняя мебель в основе своей
имела проекты, опубликованные в лондонских
журналах "Мебельный мастер" и "Британский
архитектор". Мебель, которую он выставил в
1894 году в Салоне свободы эстетики,
выставочном обществе, сформированном
бельгийскими художниками и дизайнерами, все еще была
ориентирована на английский стиль искусств и
ремесел; но в той мебели, которую он показал в
Салоне в следующем году, хотя она и была
сделана из простого дерева с железными
вставками, сильно ощущались причудливо изогнутые
элементы модерна.
В следующем десятилетии мебель Серурье-
Бови отражала противоречие между его
восторженным почитанием Морриса с его простой
конструкцией из обшивных досок и панелей и его
энтузиазмом к бельгийской и французской
яркости. Его мебель стала очень популярной, и
вскоре он стал управлять большой фабрикой в
Льеже. В 1899 году он открыл розничную
торговую точку в Париже под названием "Искусство
в доме", и его мебель демонстрировалась на
119

МЕБЕЛЬ
жественного критика, который открыл в
Париже магазин, где продавал современную мебель
и предметы декоративного убранства; в 1899 году
де Вельде проектировал мебель для немецкой
фирмы "Лефлер", а на следующий год он
переехал в Берлин, после чего его карьера стала
принадлежать истории дизайна в Германии.
МЕБЕЛЬ ГЕРМАНИИ
Югендштил (Молодежный стиль) был
немецким названием для искусства модерна. В
Мюнхене в 1890-е годы многие архитекторы,
художники и скульпторы, в том числе Герман
Обрист (1863 — 1927), Август Эндель (1871 -
1921), Ричард Римершмид (1868 — 1957), Бернард
Паекок (1872 — 1943) и Бруно Поль (1874 — 1954)
заинтересовались прикладными искусствами. В
1897 году эти пятеро, в числе других,
организовали Объединенные художественные
ремесленные мастерские. Обрист и Эндель
проектировали мебель с плавными, естественными
формами, которые определялись согласно теории
взаимодействия между внешним видом и
психологическим воздействием. Мебель Обриста
делалась из дуба, а Энделя — из вяза. Дизайн Пан-
кока также был основан на естественных
формах; он использовал дуб, древесину грушевого
дерева, грецкий орех и ель.
Римершмид. Ранними опытами Ричарда
Римершмида в области изготовления мебели
были несколько вещей, которые он в 1895 году
Парижской выставке 1900 года в Голубом
павильоне. Подобно английским мастерам,
творчество которых Серурье-Бови так сильно почитал,
он использовал для своей мебели дуб.
Незадолго до смерти он начал проектировать мебель с
отчетливыми геометрическими элементами как
в конструкции, так и в декорации.
Ван де Вельде. Третьим бельгийским
дизайнером, чья мебель достойна упоминания, был
Анри ван де Вельде. Он начал свою карьеру в
качестве художника, но в 1892 году оставил
живопись и посвятил себя прикладным
искусствам. В 1895 году он построил для себя дом Бло-
менверф в Уккле, неподалеку от Брюсселя, для
которого сам спроектировал всю мебель.
Подобно мебели Серурье-Бови, его мебель несла в себе
черты как английского Движения искусства и
ремесел, так и криволинейного стиля Орта. Де
Вельде делал свою мебель в основном из дуба,
приставные стулья простой конструкции имели
тростниковое сиденье. Более искусно
выполненная мебель украшалась резным орнаментом в
стиле модерн.
От французских
художников-неоимпрессионистов Ван де Вельде воспринял идею
использования линий для выражения психологических
настроений и старался придать эмоциональную
силу своему абстрактному орнаменту. Подобный
интеллектуальный подход, похоже, устраивал
немцев: де Вельде спроектировал оффисную
мебель для Юлиуса Мейер-Графе, немецкого худо-
БУФЕТ
Август Эндель
Дуб; ок. 1900 г.
Эндель основывал свои проекты
на психологических эффектах
линий и пропорций, веря, что одна
лишь форма способна внушить
ощущение спокойствия и
удовлетворения. Его декоративные мотивы
были взяты из иллюстраций в
научных книгах, имеющих дело с
примитивными формами жизни.
120

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
спроектировал для своей собственной
квартиры. Они были в неоготическом стиле, сделаны
из раскрашенной сосны и украшались
сложными узорами из мягкой ковкой стали и
лиственным орнаментом в технике барельефа. Однако
стилю Римершмида пришлось измениться в
результате посещения им в 1897 году в Дрездене
выставки мебели Ван де Вельде, чей
абстрактный стиль модерн оказал значительное влияние
на всех мюнхенских художников. В следующем
году Римершмид спроектировал приставной стул
ШКАФ С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ
Отто Ввйнхолд
Дерево; ок. 1900 г.
В этом шкафу можно обнаружить
элементы английской, немецкой,
французской и бельгийской
версий стиля модерн.
из дуба; его спинка поддерживалась опорами,
которые опускались по кривой линии к
завершениям передних ножек. Слегка измененный
вариант вскоре был продан "Либерти" в Лондоне.
Другой мюнхенский дизайнер, Бруно Поль,
также создавал мебель под влиянием работ Ван
де Вельде. Мебель Поля характеризовалась
элегантными извилистыми линиями и была лишена
всякого орнамента.
Дрезденские мастерские. В числе
прочего мюнхенские художники стремились создать
мебель, достаточно дешевую, для нужд простых
людей, которые могли позволить себе
приобрести сделанную вручную мебель, изготовленную
ведущими мебельными мастерами авангарда
дизайнеров из Парижа, Нанси и Брюсселя. При
выборе форм мебели немцы также имели в виду
появление в это время новых
деревообрабатывающих машин. Лидером этой тенденции был
Карл Шмидт, шурин Римершмида, который
прошел обучение на мебельного мастера и в 1898
году открыл Дрезденские мастерские. На
выставке промышленного искусства, проведенной в
Дрездене в 1899 — 1900 годах, Шмидт показал
квартиру из двух жилых комнат, спальни и
кухни, обставленную скромной мебелью. Пять лет
спустя Дрезденские мастерские выпустили
большое количество мебели, сделанной
механическим способом по проекту Римершмидта.
Немецкие мастерские. В 1902 году Адель-
берт Нимейер, художник, и Карл Бертш,
драпировщик, основали в Мюнхене мастерские для
производства мебели и других предметов
внутреннего убранства. В 1907 году эти мастерские
слились с Дрезденскими мастерскими, и стали
известны как Немецкие мастерские. Их не
следует путать с Немецкими производственными
мастерскими, ассоциацией дизайнеров, мастеров,
производителей и торговцев, основанную в том
же году с одобрения немецкого правительства.
Нимейер продолжал проектировать мебель для
Немецких мастерских до самой смерти. Другие
дизайнеры, иногда работавшие для Дрездена,
были Бейли Скотт и австрийцы Йозеф Хоффман
(1870— 1956) и Коломан Мозер (1868— 1918).
Дармштадтские дизайнеры. Работы
Бейли Скотта были хорошо известны на
континенте, часто печатались в журнале "Студио". Эти
иллюстрации случайно попались на глаза
Великому герцогу Эрнсту Людвигу из Хессе-Дармш-
тадта, которому Бейли Скотт и Эшби обставили
мебелью и декорировали в 1897 году гостиную
и столовую в его Дармштадтском дворце.
Великий герцог способствовал основанию колонии
художников в Дармштадте и выделил немного
земли для нее. Семь художников были приглашены
присоединиться к этой колонии, и в 1900 году
были построены их дома. Для своего дома
Петер Беренс (1868 — 1940), художник и архи-
121

Е Б Е Л Ь
тектор, работавший в Мюнхене в 1890-е годы,
спроектировал мебель, близкую по стилю к
работам Ван де Вельде. Йозеф Мария Олбрих (1867 —
1908) из Вены, еще один житель Дармштадтс-
кой колонии, создал мебель для своего
собственного дома и домов других художников в стиле,
который успешно сочетал в себе органические
формы и геометрический орнамент. А Ханс Кри-
СТУЛЬЯ
Коломан Мозвр
Бенгаудская древесина
(обработанная паром)
и латунь; ок. 1900 г.
ШКАФ С ВЫДВИЖНЫМИ
ЯЩИКАМИ И СТУЛ
Йозеф Мария Олбрих
Дерево; ок. 1900 г.
Австрийский архитектор Олбрих
начал свою карьеру в Вене и стал
одной из ведущих фигур
Отделения. Однако в 1899 году он
принял предложение великого герцога
Эрнста Людвига из Хессе-Дарм-
штадта поселиться в колонии
художников в Матильденхохе, в
окрестностях Дармштадта.
Декорация в технике маркетри на
дверцах шкафа показывает влияние
последователя британского
Движения искусств и ремесел,
дизайнера М. X. Бейли Скотта,
который в 1897 году проектировал
мебель для некоторых залов
Большого дворца герцога. (Слева)
Венские производители Якоб
Йозеф Кон заказали дизайнеру
Моэеру несколько проектов бен-
твудской мебели. Обивка на этих
стульях выполнена из ткани с
современным рисунком
стиансен проектировал мебель в
геометрическом стиле, украшенную инкрустацией,
маркетри или барельефными серебряными
украшениями.
Возрождение неоклассицизма. Мебель
Кристиансена была выдержана в
неоклассическом стиле, который стал преобладать в
искусстве Германии в годы перед Первой мировой
войной. Все комнаты, обставленные в этом стиле,
были выставлены Немецкими мастерскими в
Осеннем салоне 1910 года в Париже и оказали
сильное влияние на французский дизайн.
Автором интерьеров были Нимейер и Бертч,
которые, наряду с другими немецкими дизайнерами,
откликнулись на призыв правительства хранить
верность принципам классицизма.
АВСТРИЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
В Австрии стиль модерн назывался "стилем
Отделения", после того, как в 1897 году было
оформлено отделение Вены; группа
архитекторов, художников и скульпторов вышли из
официальной организации художников и провели
свои собственные выставки в Доме Отделения.
Одним из старейших в этой группе был
архитектор Отто Вагнер (1841 — 1918),
проектировавший очень простую мебель для построенных
им зданий. Эта мебель выпускалась фирмой
братьев Тонет, которые первыми разработали
технологию изготовления бентвудской мебели.
Другой венский архитектор, Адольф Лооз
(1870 — 1933), проектировал бентвудские
стулья, выпускаемые фирмой "Тонет" для "Кафе-
Музеума". Лоос находился под впечатлением
английского Движения искусств и ремесел, и
часть спроектированной им мебели имела про-
122

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
РАБОЧИЙ СТОЛ
Копоман Мозвр
перламутр, черное дерево,
ок. 1905 г.
Моэер спроектировал этот
великолепный стол по заказу
богатого клиента. Его строго
геометрическая форма и
декоративные украшения типичны для
работ Венских мастерских.
(Слева)
ПРИСТАВНОЙ СТУЛ
Йозвф Урбан
Дерево; ок. 1010 г.
Урбан проектировал и
создавал мебель для многих венских
апартаментов, перед тем как
был приглашен Венскими
мастерскими оформить их
нью-йоркское отделение. (Справа)
стую конструкцию, облицованную панелями. Его
работы отличаются изящными пропорциями и
умелым сочетанием плетеных и металлических
покрытий.
Венские мастерские. Сам Лоос не
присоединился к " раздел енцам" и критиковал их за
орнамент и нарочитую искусственность
создаваемой ими мебели. Йозеф Хоффман и Коломан
Мозер, два молодых архитектора, которые были
главными дизайнерами Отделения,
первоначально выпускали мебель в органичном стиле, но
потом стали больше тяготеть к
прямолинейности. В 1903 году Хоффман и Мозер основали
Венские мастерские, которые выпускали широкое
разнообразие декоративных предметов, в том
числе мебель. Некоторые из вещей, сделанных по
проектам Мозера, были богато декорированы
маркетри или инкрустацией по металлу, другие —
просто окрашены в белый цвет.
Многие проекты хоффманской мебели
показывают влияние Макинтоша, но Хоффман
сохранял высокий уровень личной
изобретательности. Для его мебели характерны спинки
стульев в виде решеток, столы с декоративными
выступами и небольшие деревянные шары для
украшения мест конструктивной значимости.
Постепенно стиль Хоффмана стал более
ретроспективным, он начал применять некоторые
неоклассические и бидермейерские (неформальный
стиль 19 века) формы.
Аналогичное влияние проявлялось в мебели
работы Отто Прутшера и Йозефа Урбана (1872 —
1933), также дизайнеров из Венских
мастерских. Прутшер также проектировал мебель для
"Тонет". В число других венских
производителей, у которых работали дизайнеры из Венских
мастерских, входили Якоб & Йозеф Кон
(Хоффман и Мозер), Портуа & Фикс (Хоффман), Франц
Глозер (Хоффман) и Ричард Людвиг (Хоффман
и Прутшер).
ИТАЛЬЯНСКАЯ МЕБЕЛЬ
Италии принадлежит уникальный вклад в
историю мебели благодаря работам дизайнера
Карло Бугатти (1855 — 1940). Бугатти начал
выпускать мебель в Милане в 1880 — е годы,
разработав идиосинкратический стиль,
частично основанный на моде мавританского
искусства. Сложные геометрические узоры,
инкрустированные слоновой костью, металлом и деревом,
дополнялись круглыми и прямоугольными
формами мебели. Сидения и спинки стульев часто
покрывались тонким пергаментом, разрисован-
СОФА
Эрнвсто Базилв
Дерево; ок. 1900 г.
Мебель Базиле выполнена в
одержанной версии итальянского
искусства модерна. Эта софа была
сделана палермским
промышленником Витторио Дукротом и
удостоена высоких похвал на
Международной выставке в Турине в
1902 г. (Слева)
123

Е Б Е Л b
ным арабскими сценами; корпус мебели
украшался декоративными медными дисками; с
протяженных колонн или распорок свешивались
кисти. Чтобы не отстать от искусства модерна,
Бугатти представил на Туринской выставке 1902
года мебель, украшенную скульптурной резьбой,
с органичными формами, и в то же время
декорированную медью и пергаментом.
Итальянский модерн. Около 1900 года
итальянский архитектор Эрнесто Базиле создал
мебель в стиле модерн, известном, как стиль
либерти или "цветочный стиль". Элегантные
формы мебели Базиле были декорированы
резным лиственным орнаментом. Мебельные
мастера фирмы "Карло Зен" также выпускали
мебель в стиле модерн. Она была искусно
украшена резным растительным орнаментом, и многие
предметы мебели имели двойное назначение.
МЕБЕЛЬ
ДРУГИХ ЕВРОПЕЙСКИХ СТРАН
Испанский архитектор Антонио Гауди (1852 —
1926) создавал мебель для зданий, которые сам
же проектировал. Он находился под влиянием
Виолет-ле-Дюка, и многие из его ранних работ
были в неоготическом стиле. Между 1885 и
1890 годами он построил в Барселоне дворец
для семьи Гуэль, для которой спроектировал
асимметричную мебель в органичном стиле,
ставшем предвестником искусства модерна.
Голландская мебель. Мебель,
произведенная в Голландии на рубеже веков, достаточно
проста, хотя работы К. П. К. де Базеля и Дж. Л.
М. Лауверикс были иногда украшены резьбой с
мотивами египетского или ассирийского
искусства. Часто мебель делалась с медными
вставками. Тео Нейвенхью, С. А. Лион Каше и Г. В.
МЕБЕЛЬ
ДЛЯ ГОСТИНОЙ
Карло Бугатти
Дерево, металл и тонкий
пергамент, ок. 1900 г.
Мавританский стиль этой
мебели обусловлен захватническими
устремлениями Италии в
Северной Африке в последней
четверти 19 века. Бугатти, отец
дизайнера спортивного автомобиля,
был эксцентричной личностью,
изобретателем 30-струнной
гитары, кожаного бумажника без
единого шва и своей собственной
одежды в сильно
идиосинкратическом стиле. (Сверху)
124

ВЕЛИКОБРИТАНИЯ И СТРАНЫ ЕВРОПЫ 1860-1920
Дийссельхоф проектировали мебель, простую по
конструкции.
Простую функциональную мебель
проектировали архитектор X. П. Берлаг, Якоб ван ден
Босх, дизайнер Геррит Райтвелд (1888 — 1965),
который около 1918 года создал хорошо
известный "красно-синий стул" с сиденьем и спинкой
из обшивных досок.
Мебель Скандинавских стран. В ней
отразился интерес мебельных мастеров того
времени к традиционной народной культуре.
Создаваемая ими мебель была проста по конструкции и
часто раскрашивалась или украшалась резным
растительным или анималистическим орнаментом.
Шведские мастера Дж. А. Г. Экке и Карл Вестман
проектировали мебель в изогнутых ритмах
мебели Ван де Вельде; проекты Карла Бергстена
находились под влиянием Венских мастерских.
В течение первых двух десятилетий нашего
столетия норвежский мастер Габриель Киланд,
датчанин Кааре Клинт (1888 — 1954) и швед
Карл Мальмстен проектировали мебель,
отмеченную элегантностью линий и применением
высококачественных материалов. Мебель
финских дизайнеров Луиса Спарре и Элиеля Саари-
нена (1873 — 1950), двух зачинателей
международного Движения модерна, отражает
стремление к конструктивности и функциональности.
■
it
•
35
ИНТЕРЬЕР
Луис Спарре
Набросок дизайна;
ок. 1903г.
Мебель финского дизайнера
Луиса Спарре отличается
сочетанием чистоты линий и простоты
форм с функциональным
подходом, который преобладал в
скандинавском стиле в 20 веке. В 1897
году Спарре, прошедший
обучение в Париже на художника,
основал в Порвоо фабрику Ирис,
на которой выпускали не только
мебель, но также ткани,
металлические изделия и керамику.
Однако дизайнеры слишком
опережали свое время, но, несмотря
на международное признание,
завоеванное продукцией фабрики
за ее короткую жизнь, в 1902 году
ее пришлось закрыть.
125

Е Б Е Л Ь
Ме6ельные мастера Нового Света соединили свое
ЕВРОПЕЙСКОЕ НАСЛЕДСТВО С ГОТОВНОСТЬЮ ПрИДАТЬ СВЕЖуЮ
ИНТЕРПРЕТАЦИЮ ТРАДИЦИОННЫМ ПРОЕКТАМ. Эю ПрИВЕЛО
К СОЗДАНИЮ УНИКАЛЬНОЙ АМЕРИКАНСКОЙ ТрАДИЦИИ.
АМЕРИКА
Американский мебельный дизайн отличается
своей независимостью. Конечно, европейские
стили, особенно английские, оказывали
определенное влияние на американских дизайнеров, но
их творчество характеризовалось
оригинальными идеями, привнесенными новой обстановкой и
материалами, а также их природной
изобретательностью.
ОТ ВЕКА ПЕРЕСЕЛЕНЦЕВ
ДО 1715 ГОДА
У первых британских поселенцев в Новом
Свете удовлетворение насущных нужд в
укрытиях и питании оставляло мало времени для
развития мебельного мастерства. Прочность и
простота были главными требованиями,
предъявляемыми к мебели, и немногие сохранившиеся с
1650 — 1670 годов стулья, скамейки и
табуреты сделаны очень основательно. Среди
немногих ранних предметов мебели, в которых
проявилось мастерство ремесленников, были
обшитый панелями стул из дуба или ясеня, с
высокой, отделанной панелями спинкой, простой или
украшенной резьбой, и более нарядно
декорированные карверские и брюстерские стулья. У
этих стульев, названных в честь
соответственно первого правителя и первого старейшины
Плимутской колонии, высокая спинка и
подлокотники присоединялись при помощи винтов.
Еще более средневековый вид имели столы с
подмостками, которые имели длину более 2,4 м
(8 футов). У этих больших столов была съемная
крышка, крепившаяся при помощи колышков и
либо третьей перекладины, либо убирающихся
вертикальных опор. Сохранилось немного этих
анахроничных столов, поскольку они вскоре были
заменены трапезным столом с неподвижной
крышкой, которая поддерживалась четырьмя
точеными ножками, соединенными стретчерами.
Подобные столы в полный размер копировались в
меньших масштабах для баров и таверн, и делались
из дуба, клена, сосны, серого ореха, древесины
вишневого и других плодовых деревьев. Такой
стол был популярен и в домашнем быту, часто
имел декоративное обрамление.
В конце 17 века появился стол небольших
размеров, предок многих современных столов. Он
был круглый или прямоугольный, на четырех
вертикальных или скошенных ножках, который
ставили у камина или у кровати. Стол с
откидной крышкой пользовался популярностью;
появилась и чисто американская его версия — "стол-
бабочка", названный так из-за его боковых
откидных досок, напоминающих крылья бабочки.
Оба типа столов делались из клена, грецкого ореха
или дуба; ножки и стретчеры становятся более
сложно проработанными к концу века.
Рабочие столы. В эпоху первых поселений
немногие образованные люди писали либо на
УГЛОВОЙ
СТЕННОЙ ШКАФ
Деоеео. оюашбнное
в голубой цвет,
с застекленной верхней
дверцей и тростниковыми
колонками; начало 18 в.
Нижние дверцы украшены
декоративными панелями и ори*
гинальными вставками в виде
буквы "Н*. Подобные шкафы,
в федералистской моде,
пользовались большой
популярностью.
126

ЕРИКА
единственном большом столе в доме, либо на
ящике для письменных принадлежностей.
Примерно в 1675 году появился письменный стол
сборной конструкции, но, хотя его и продолжали
делать в следующем столетии, гораздо большую
популярность приобрел стол с опускающейся
передней частью (откидной доской).
В период правления в Америке Вильяма и
Марии, около 1695 — 1720, каждый стол
подобного типа делался из различных пород дерева,
например, верх из необработанной древесины
СТОЛ
С ПЕРЕКЛАДИНОЙ
Дерево;
середина - конец 18 в.
Крышка стола, сделанная из
сосны, и опорные перекладины
предназначены для хранения.
Этот стол является наглядным
примером ранней мебели.
ОСНОВНЫЕ АМЕРИКАНСКИЕ МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА РАННЕГО ПЕРИОДА
Дисброу, Николас 1612-1683
Эллис, Джон
Деннис, Томас
Хартфорд, Коннектикут Специализировался в изготовлении дубовых сундуков с искусной
деревянной резьбой.
1642-1691
Хэдли, Массачусетс
Мастер по изготовлению сундуков.
ок.1640-1706
Ипсвич, Коннектитут
Столяр и мастер по изготовлению сундуков.
Сейвори, Уильям
Годдард, Джон
раб. 1742-1787
Филадельфия,
Пенсильвания
Мебельный мастер широкого профиля. Работал в стиле королевы
Анны и чиппендейл, в основном в грецком орехе.
раб.1750-1785
Ньюпорт, Род-Айленд
Ведущий мастер штата по изготовлению мебели из красного
дерева; возможно, родоначальник блочной стилизации, ценивший
также декор в виде резных раковин. Отец Стивена и Томаса.
Элф, Томас
Рандолф,
Бенджамин
раб.1751-1771
Чарльстон, Северная
Каролина
Ведущий мебельный мастер южных штатов, представитель стиля
чиппендейл, известный также своими резными украшениями; отец
Томаса Элфа (1759 — 1825).
раб.1762-1792
Филадельфия,
Пенсильвания
Ведущий мебельный мастер, работавший в стиле чиппендейл.
Эффлек, Томас
раб.1763-1795
Филадельфия,
Пенсильвания
Ведущий мебельный мастер, работавший в стиле чиппендейл.
Джиллингем,
Джеймс
раб.1765-1791
Филадельфия,
Пенсильвания
Мебельный мастер, работавший в стиле чиппендейл, особенно
прославившийся своей мебелью в готическом вкусе.
Тафт, Томас
Фолуэлл, Джон
раб. 1765-1793
Филадельфия,
Пенсильвания
Мебельный мастер, работавший в стиле чиппендейл; пользовался
большим успехом за изготовление больших ларцов и футляров.
раб. в 1770-х
Филадельфия,
Пенсильвания
Ведущий мебельный мастер, работавший в стиле чиппендейл,
известный своими новаторскими проектами.
Таунсенд, Джон
раб.1777-1790
Коннектикут
Ведущий мебельный мастер в блочном стиле; друг Джона
Годдарда и потомок большой семьи мебельных мастеров.
Данлел, Сэмюэль II раб.1780-1830
Нью-Гэмпшир
Ведущий мебельный мастер Нью-Гэмпшира, известный своими
кленовыми ларями с лепными украшениями.
Мак-Интайр,
Сэмюэль
раб.1780-1811
Сзлем, Массачусетс
Знаменитый мебельный резчик в стиле шератон, делал ларцы и
стулья.
127

Е Б Е Л Ь
СУНДУКИ ДЛЯ ХРАНЕНИЯ
Со; времен раннего колониального
прошлого из всех предмет!6в обстановки
больше всего сохранилось сундуков для
хранения различных вещей;- Делалйсыони
из дуба или сосны и одновременно
служили сидением..Обычно имели.высоту
63 — 76 см (25 — 30 дюймов) и 1,2 — 1,5 м
(4 — 5 футов) в длину, ножки в виде
скобок, плоскую крышку/ фасад,.
разделенный вдавленными панелями и
украшенный резьбой со стилизованным
растительным орнаментом. Существовало
четыре основных типа сундуков. Николас
Дисброу (1612 — 1683) считается автором
хартфордского сундука, или "подсолнуха".
На его центральной панели было вырезано
украшение в виде подсолнуха, обычнав
обрамлении панелей с двумя тюльпанами,
с листьями в виде завитков; имелись •
также два крепящихся на винтах;ящика и
декоративные выступы. Сохранившиеся
примеры датируются 1660 — 1680 годами.
Современником хартфортского сундука
был ипсвичский (из Коннектикута), или
(названный в честь его создателя), сундук
в деннис-стиле, у которого стили
(вертикальные элементы конструкции
между вдавленными панелями);и
перекладины (горизонтальные элементы)
несут на себе орнаменты в виде , ,
переплетающихся полос, лент и листьев.
Хэдлейский сундук, связываемый с
Джоном Эллисом (1642—1691),^также
имел три панели и раскрашивался в
черный, коричневый, красный или зеленый
цвет. У него отсутствуют винты и выступы,
как у предыдущих двухдтйпов, нотой .,.
украшен более яркой резьбой} состоящей
из обилия поверхностной рёзьбы-с
изображением листьев. Хэдлёйскив/
сундуки'былй популярны^ конца 1.670-х ■„
годов до середины 18 века^
ГильДфордский сундук, Также.из ,
Коннектикута, не был'Типйчным из-за
своего разрисованного фасада.
ХЭДЛЕЙСКИЙ СУНДУК
С ЯЩИКАМИ
Резное дерево,
ок. 1680- I7l0rr
=l
о
\ i
клена, боковые стороны из более тонко
обработанного клена с фактурой в виде завитков,
передняя часть выполнялась из клена с рисунком в
виде узелков, ножки из грецкого ореха, бордюр в
виде тонких инкрустированных линий, отделения
для бумаг и небольшие ящики из древесины
вишневого дерева, а основные, большие ящики из
сосны. В мебели больших размеров маркетри
создавало множество разнообразных оттенков из
имеющихся пород дерева.
Высокий комод и туалетный столик на
низких ножках с ящиками. К 1710 году в моду
вошла лакировка. Она придавала особую
эффектность новой мебели, высоким и обычным
комодам с верхними высокими секциями, стоящими
на нижнем основании с ножками. В
первоначальной своей версии, в период правления Вильяма
и Марии, высокий комод делался обычно из
грецкого ореха и имел шесть или реже четыре
сужающиеся точеные ножки, соединенные стретчера-
ми и заканчивающиеся шариками.
Вскоре высокий комод выделился в
туалетный столик на низких ножках с ящиками, т.е.
нижняя секция получила независимость.
Обычно делался из грецкого ореха или облицовывался
им, часто с узором в виде узелков; подобная
мебель использовалась во всех комнатах дома.
Кровати. В эпоху первых поселений кровать
была гордостью дома; вначале ее ставили в
гостиной или в кабинете, а затем в главной комнате
наверху. Сделанная из дуба, клена или сосны,
ВЫСОКИЙ
комод
Грецкий орех и отделка
с узелками; ок. 1730 —1750
Этот моссочусетский комод
является прекрасным примером
эволюции высокого комода в стиле
королевы королевы Анны. Шесть
точеных ножек периода Вильяма
и Марии превратились в четыре
гнутых ножки. Верх еще не имеет
изогнутого возвышения,
популярного 20 лет спустя.
128

ЕРИКА
она украшалась драпировками из тонкой шерсти
(тонкой камвольной пряжи), парчи, а в бедных
семьях домотканой материи.
В конце 17 века были внесены новшества в
формы кушетки. Ранние варианты были в
английском каролинском стиле (1625 — 1649):
регулируемое сиденье и спинка делались из
тростника, восемь точеных ножек связывались
орнаментированными перекладинами, и каждая
ножка заканчивалась небольшим шариком. Но
вскоре перекладины уступили место простым
точеным стретчерам, число ножек уменьшилось до
шести, и они стали завершаться испанской
(похожей на лапу) ножкой.
СТИЛЬ КОРОЛЕВЫ АННЫ
В Соединенных Штатах термин "стиль
королевы Анны" обычно используется для описания
предметов, созданных между 1715 и 1750
годами. Для американцев характерные для этого
стиля изящные линии и элегантная резьба явились
откровением и очень хорошо подходили для
нового колониального чувства экспансии и
преуспевания. Мебели больше не требовалось
провозглашать свою прочность. Вместо этого
воцарилась хогартовская "красивая линия"; S-образные
формы заняли место прямоугольных; спинки,
сиденья и ножки стульев, декоративные
выступы сундуков и комодов, края столов приняли
волнообразную форму.
Вскоре ножки стульев и столов из просто
изогнутых превратились в гнутые (дважды
изогнутые). Они заканчивались подушечкой или
трехпалым завершением, а коленная часть (а также
верхняя перекладина обеденных стульев) часто
декорировалась раковиной гребешка. Стретчеры,
пришедшие из периода правления Вильяма и
Марии, исчезли.
Теперь в дизайне американских стульев
стали ценить комфорт. Наряду со стулом появилось
кресло с подлокотниками, с высокой спинкой, у
которого закругленные, предохраняющие от огня
подлокотники располагались на уровне лица. На
этих креслах, как и на другой драпированной
мебели, ткани турецкой работы наподобие
ковров и бархата, характерных для 17 века,
заменялись шелком, дамасским полотном и шерстью.
Сохранилось небольшое количество обитых
диванов в стиле королевы Анны; большей
популярностью стали пользоваться сплошь деревянные
диваны и кушетки с наклонным верхом.
Нововведением примерно 1725 года стал
американский "виндзорский стул", сплошь
выполненный из дерева, для которого было характерно
применение обточенных шарниров, вставленых
в сиденье, как для спинки, так и для ножек.
Колониальные образцы отличались от своих
английских родственников отсутствием центральной
распорки спинки и увеличением угла
присоединения ножек к сидению. Это придает
американскому варианту легкость, которая усиливалась в те
времена большим числом тонких шарниров,
образующих спинку. Две черты оставались
общими: наклонная спинка, с верхней перекладиной,
наклоненной на три четверти, и возможность
откидывания ее назад, почти до полного
выпрямления.
Стол с откидной крышкой уступил место
более элегантному столу с откидной доской, у
которого две из четырех ножек были подвижными
и могли поворачиваться, давая возможность
разложить круглый или овальный верх стола. В
некоторых наиболее интересных образцах
добавлена дополнительная пара ножек, обеспечивающих
лучшую устойчивость при опускании досок.
КУШЕТКА
Красное дерево;
ок. 1740-1750 гг.
Восемь ножек этой переходной
кушетки периода Вильяма и
Марии/ королевы Анны еще не
превратились в шесть, в то время как
наклонная спинка, с
фланкирующими шарнирами,
свидетельствует о более ранних влияниях.
Ножки соединяются стретчером со
многими перекладинами. (Сверху)
СТОЛ С ВЕРХОМ
В ВИДЕ ПОДНОСА
Древесина вишневого дерева;
ок. 1760 г.
Этот прямоугольный стол в стиле
королевы Анны сделан из
типичного американского материала,
придающего особое тепло
классическим европейским линиям.
(Слева)
129

Е Б Е Л Ь
К концу стиля королевы Анны стали делать
столы с квадратной и прямоугольной откидной
доской. Завершение ножек в виде лапы на шарике
стало заменять прежнюю подушечку, как у
столов, так и у стульев. Появились игровые столы и
небольшие прямоугольные столы для разных
целей, которые приспособили для подачи недавно
вошедшего в моду чая.
Высокие комоды и секретеры.
Художественной кульминацией стиля королевы Анны
стал высокий комод. Прежние ножки с шестью
шарнирами или конусообразные ножки
превращаются в четыре гнутые ножки; фронтон
украшается декором в виде шариков. Все пропорции
выдержаны в S-образном ритме. В 1730-е годы
изгиб декоративного выступа фронтона
приобретает более отчетливый характер, и даже
плоский верх приподнимается извилистой линией.
За исключением Филадельфии, прежний
грецкий орех уступил место более популярному
красному дереву.
Другим высоким предметом обстановки,
который отразил в себе изменения в развитии ме-
высокий комод
С ДЕКОРАТИВНЫМ
ВЕРХОМ В ВИДЕ
РАЗОРВАННОЙ
ДАМСКОЙ ШЛЯПКИ
Красное дерево; ок. 1760 г.
Фронтон и козырек украшены
медными шарами; резные
раковины подчеркивают
принадлежность этого комода в позднем
стиле королевы Анны к лучшим
образцам мебели Новой Англии.
бельного мастерства, был книжный шкаф (бюро)-
секретер. Сделанный из грецкого ореха, клена или
красного дерева, он подражал архитектурным
линиям палладианства, которое тогда было в моде,
особенно в дверцах, изогнутых в форме арок, и
архитектурных деталях на пилястрах (колоннах
с плоским профилем) и карнизах
(горизонтальных выступах на стене). Уменьшенным
вариантом этого шкафа был угловой стенной шкаф,
выполненный из сосны или грецкого ореха, с
верхом, украшенным резными раковинами.
СТИЛЬ ЧИППЕНДЕЙЛ
В 1730—1740-е годы в американской мебели
появились некоторые черты, характерные для
работ английского мебельного мастера Томаса
Чиппендейла (1718 — 1779), еще до
опубликования его замечательной книги "Джентльмен и
директор мебельного мастера" в 1754 году. Но лишь
в 1760-е годы этот стиль, испытавший на себе
французское влияние стиля рококо,
приправленный элементами готики и китайского стиля,
покорил, вошел в сознание жителей американских
городов и был полностью принят ими. Для
изготовления мебели теперь использовалось
великолепное красное дерево из Санта-Доминго, а
грецкий орех уже навсегда потерял былую
популярность.
Филадельфия стала столицей мебели,
впускаемой в стиле чиппендейл. Среди наиболее
талантливых мастеров были Томас Эффлек (годы
работы 1763 — 1795), Бенджамин Рендолф (годы
работы 1762 — 1792), Джон Фолуэлл (год
работы 1775), Джеймс Джиллингем (1765 — 1791),
Уильям Сейвери (годы работы 1742 — 1787) и
Томас Тафт (годы работы 1765 — 1793).
Сделанные этими и другими мебельными мастерами
стулья, высокие комоды и книжные шкафы-бюро
были шедеврами элегантности и отличались
большей четкостью и живостью исполнения, чем их
английские родственники; изгибы линий у них
были менее экстравагантны. И еще некоторые
определенные черты подчеркивают их уникальную
американскую принадлежность: декоративное
изображение пламени, очень часто
появляющееся на фронтонах секретеров и высоких комодов,
и резьба по каштану, оживляющая верхние
перекладины и завершения стульев.
Вслед за Филадельфией шли Нью-Йорк,
Бостон и Сэлем, в которых также были прекрасные
мебельные мастера, такие, как Томас Бурлинг
(Нью-Йорк, годы работы 1772 — 1800), Сэмюэль
Принс (Нью-Йорк, годы работы 1760 — 1778),
Джон Когсуэлл (Бостон, годы работы 1769 —
1818) и Сэмюэль Мак-Интайр (Сэлем, годы
работы 1757 — 1811), чьи многоярусные шкафы
делают его одним из лучших поздних
интерпретаторов стиля чиппендейл. В работах этих
мастеров книжные шкафы-бюро продолжали
отделываться панелями, несмотря на вошедший в моду
в Великобритании вариант с застекленным
фасадом. В Бостоне появилась идиосинкратическая
130

версия с выпуклым основанием. Раздутое
основание сужалось кверху, придавая этому шкафу
явно женственный вид.
Однако несмотря на значительность мебели,
выпускаемой в Нью-Йорке,* Бостоне и Сэлеме,
была еще небольшая колония в Род-Айленде и
расположенном рядом Коннектикуте, которая
серьезно оспаривала приоритет Филадельфии.
Крепкие, энергичные формы стиля королевы
Анны все еще были живы здесь и свободно
сочетались с новым стилем. Простые, но полные
величия блочные столы, секретеры и комоды,
созданные такими мастерами, как Бенджамин
Берхем, Джон Годдард (годы работы 1750-е —
1785) и семья мебельных мастеров Таунсенд
(годы работы 1777 — 1790-е), приобрели явно
выраженный американский характер, как это
видно в высоком комоде. Именно здесь лучше всего
проявилась выступающая облицовка с плоской
резьбой, часто завершающаяся резными
раковинами на нижнем фронтоне или облицованных
панелями дверцах.
Новые интерпретации. Раскладные
диваны и новые формы кресел с подлокотниками, у
которых последние закручивались в
противоположную сторону от сиденья, выпускались в
небольших количествах. Чайный столик делался
теперь круглым, его опора украшалась искусной
резьбой, каждая из трех ножек завершалась
лапой на шарике, а верх украшался рисунком в виде
декоративной "корочки пирога" или раковин.
Специальный механизм позволял складывать стол,
когда в нем не было необходимости. Из-за
высоких потолков столбики кроватей стали делаться
повыше. Для парадности деревянные диваны
украшались драпировками из тонкой шерсти или
СОФА
Приписывается
Дункану Файфу
Красное дерево и детали
из тростника; ок. 1810 г.
Уроженец Шотландии, Файф в
молодые годы эмигрировал 8
Нью-Йорк. Изображение
подлокотников и ножек в форме
рога изобилия типично для
декора Файфа, выражая его
преклонение перед стилем древнего
Рима. (Вверху)
СТУЛ-КАЧАЛКА
ок. 1840 г.
Высокая спинка завершена
декоративными резными желудями, а
подлокотники увенчаны грибами.
Стулья-качалки имеют столь
хитрую конструкцию, что просто
невозможно перевернуть их во
время пользования. (Справа)

Е Б Е Л Ь
парусины. В 1760-е годы драпировки в ногах
постели стали убираться, и окрытые столбики
декоративно обтачивались и украшались
каннелюрами. Кровати в стиле чиппендейл, в
зависимости от места, делались из красного дерева,
древесины вишневого дерева или клена.
СТИЛИ ФЕДЕРАЦИИ
И ДИРЕКТОРИИ
Американская война за независимость (1775 —
1783) резко приостановила развитие
декоративного искусства в стране. После окончания войны
английские художественные стили продолжали
оказывать здесь свое влияние, но мастера
триумфальной новой республики старались сделать их
специфически американскими. В результате этого
идеи трех классических английских дизайнеров,
Роберта Адама, Джорджа Хеппельуайта и Томаса
Шератона, объединились в стиле, который часто
называли федеральным и который продолжался
примерно с 1790 по 1830 год. В мебели жесткие
формы классицизма Адама сыграли сравнительно
небольшую роль; народу, стремящемуся сбросить
с себя провинциальную репутацию и приобрести
реноме светской нации, больше импонировали
лирические идеи Хеппельуайта и Шератона.
Отличительной чертой этого стиля было
применение великолепного красного дерева,
инкрустированного атласным деревом, древесиной клена и
березы, простая выделка которых была
характерна для Нью-Йорка. Множество декоративных
рисунков — раковины, цветы, орлы — встречается
на мебели, сделанной в Филадельфии,
Балтиморе, Сэлеме и в меньшей степени в Бостоне.
Указанный период также примечателен
появлением новых предметов обстановки и
видоизменением прежних. Прелестный небольшой
столик для шитья, с удобной сумкой для
принадлежностей, значительно улучшил свой вид,
равно как и стенной шкаф. С принятием
французских цокольных ножек и введением
дополнительных досок обеденный стол приобрел новые
измерения; позже к нему было приделано
приспособление в виде аккордеона, позволяющее
легко раскладывать его. Кушетка вновь
появилась в виде римской кушетки или шезлонга, с
высокой закрученной спинкой и завершениями
ножек в виде завитков, сплошь покрытых
резьбой, часто позолоченных и украшенных
богатыми драпировками. Сохраняясь короткое время в
период Федерации, мода на высокие комоды и
туалетные столики прошла, и гнутые ножки
уступили место прямым и узким.
Но наиболее важной чертой периода
Федерации было стилевое оформление мебели —
стульев, столов многоцелевого назначения, книжного
шкафа-бюро, комода и книжного шкафа. Стулья
со спинками в виде ширмы или в форме овала,
часто с резной центральной распоркой,
украшенной перьями, пшеничными колосьями или
урнами, с простыми сужающимися книзу ножками
выдавали наследие Хеппельуайта, а в стульях с
ЧАЙНЫЙ СТОЛИК
Красное дерево;
ок. 1760 г.
Благодаря специальному
механизму, расположенному под
крышкой этого стола в стиле
чиппендейл, можно было
опрокидывать крышку с опоры,
чтобы стол легче было поставить
у стены. В Филадельфии
делали большие по размерам
версии подобного стола,
например стол для завтрака и
иногда столы для игр. (Справа)
ОБЕДЕННЫЕ СТУЛЬЯ
Красное дерево;
ок. 1790 г.
Спинки в виде ширмы с резной
центральной распоркой,
изображающей початок кукурузы и
урну, напоминают о стиле хеп-
пельуайт, хотя в американской
мебели гораздо менее заметны
различия между влиянием
Хеппельуайта и Шератона, чем в
английской мебели того же
периода. (Внизу)
квадратными спинками, решительными линиями
и плоскими (сужающимися прямоугольными)
ножками ощущалось влияние Шератона.
Соединение стилей наблюдалось в крупных
фрагментах стенных шкафов, рабочих столов и книжных
шкафов, где, например, змеевидные изгибы
Хеппельуайта сочетались с инкрустированными
виньетками Шератона.
После 1810 года тонкие, изящные линии
федерального стиля уступили место большей
театральности директории, основанной на
французском стиле того же названия; у
мебели делались саблеобразные ножки,
завершающиеся звериными лапами, спинки стульев
принимали форму вогнутых арок, со змеевидной
передней частью; делались они обычно из по-
132

ЕРИКА
пулярных в то время розового или красного
дерева.
Крупным представителем стиля Директории был
Дункан Файф (1768 — 1854). Будучи шотландцем
по происхождению, он работал в Нью-Йорке.
Отчетливо выделяются его элегантные диваны с
тростниковыми ножками, резными перекладинами
завершения, украшенные полосатой парчой, стулья
со спинками в форме лиры, монументальные столы
и табуретки Х-образной формы. Только француз по
происхождению, Шарль-Оноре Лануйе (1779 —
1819), другой нью-йоркский мебельный мастер,
работавший в классическом режиме, мог
соревноваться в мастерстве с Файфом.
ВИКТОРИАНСТВО
Последние годы федерального стиля были
отмечены экстравагантностью неоклассицизма с его
нарочитым резным орнаментом листьев аканта,
ананасами и кисточками. В середине 30-х годов
19 века он уступил место возрождению готики;
стали использоваться такие декоративные
мотивы, как заостренные арки, S-образные (вогнутая
кривая, переходящая в выпуклую) лепные
украшения и трилистник (узор из трех долей).
С 1820-х по 1870-е годы по всей стране,
почти в каждом обычном доме можно было
встретить полированную мебель, а с 1825 по 1852 год
пользовался популярностью скромный стул "хич-
кок". Было организовано массовое производство
таких стульев, из березы или клена,
раскрашенных вручную или по шаблону.
В середине столетия в американском
мебельном дизайне пришла мода на возрождение
рококо, которое нашло наиболее яркое выражение в
произведениях Джона Генри Белтера,
работавшего в Нью-Йорке в 1844 — 1863 годах:
фрагменты слоистого розового дерева или черного
грецкого ореха искусно покрывались резьбой на
всех возможных местах.
БЛОЧНОЕ БЮРО
Красное дерево;
«с. 1760-70 гг.
Решительные линии стиля
королевы Анны все еще присутствуют
в этом элегантном бюро,
возможно, сделанном в Род-Айленде.
Облицовка передней панели в виде
блоков характерна для Род-Ай-
ленда и Коннектикута и
подчеркивает качество древесины,
поскольку волнистая древесина
отражает световые нюансы.
133

Е Б Е Л Ь
ПЕНСИЛЬВАНСКАЯ
ТРАДИЦИЯ
В середине 18 столетия квакеры и другие
нонконформистские группы,
обосновавшиеся в Филадельфии,
выступали против общепринятых норм в
мебели и в искусстве декорации.
Среди прочих национальных обычаев,
пришедших из Европы, была традиция
сундука с приданым, который родители и
друзья давали дочери. Предназначенные
для хранения домотканого белья, одеял,
драпировок и полотенец, сундуки
раскрашивались в голубой, реже зеленый,
черный или коричневый цвета, и
украшались мотивами из средневековых
мифов и христианских легенд.
Применялась своеобразная символика;
так, единорог означал девственность,
сердце — любовь, русалки или сирены —
секс, дерево жизни — смертность,
цветы — плодородие, голуби — мир,
пеликан и рыба — Христос. На некоторых
сундуках писалось имя владельца и дата
изготовления. Кроме большого числа
неизвестных художников, двумя наиболее
известными были Кристиан Зельцер
(1749— 1831) и Генрих Отто.
Другая характерная мебель
представляла собой раскрашенные
столы, стулья и кровати, навесные
стенные шкафы с выдвижными ящиками,
угловые стенные шкафы и шкафы-сейфы
с выступающими металлическими
панелями. Самым крупным среди них был
мощный гардероб из прочных обшивных
досок, имеющий средневековый вид, богато
украшенный живописью или инкрустацией
с распространенными мифологическими или
более современными мотивами, например
коронами и свастикой. Сундуки, шкафы
и стенные шкафы обычно имели опоры
в виде шариков или скоб. К началу
19 века подобная мебель была
ассимилирована более широкой
американской традицией.
СУНДУК ДЛЯ ОДЕЯЛ
С ДВУМЯ ДВЕРЦАМИ
Иоганнес Ранк
Раскрашенное дерево; 1789 г.
Начиная с середины 1860-х и до середины
1880-х годов в мебельном дизайне возникло
новое направление эклектики, в которой
присутствовали элементы всех стилей, от стиля
Людовика XVI и возрождения Ренессанса до
восточного, включая бамбуковый.
СТИЛЬ ШЕЙКЕРОВ
Шейкеры были религиозной сектой,
появившейся в Соединенных Штатах в 1774 году
благодаря Энн Ли, ставшей диссидентом у квакеров.
Трудолюбие, независимость и общественный дух
этой секты привлекли в нее многих
последователей, несмотря на обет безбрачия, налагаемый на
его членов.
Каждый предмет мебели, изготовленной шей-
керами, отвечал своему назначению. В шкафах
было достаточно места для хранения; для этой
же цели служили откидные доски столов и
сундуки; вешалки вдоль дверей позволяли вешать на
них стулья, когда в них не было нужды.
Появление предмета обстановки вызывалось
его необходимостью. Хороший дизайн
принимался в качестве образца для этого предмета
мебели, за исключением небольших различий в от-
СТУЛ
Мексика
Сосна с тонкой резьбой;
ок. 1820 г.
Массивные линии этого аула
облегчаются линейной
горизонтальной резьбой. В мебели с такой
простой конструкцией и
необработанными местами соединений
влияние более сложных образцов
мало заметно. (Слева)
СТУЛ
"ХИЧКОК"
Резное и раскрашенное
дерево; ок. 1825 — 1850 гг.
Этот ранний стул демонстрирует
тончайшую фабричную резьбу и
живопись вручную. Сцена с
изображением водопада на верхней
перекладине дополнена
морскими мотивами в украшении
остальной части спинки. (Справа).
134

ЕРИКА
135

ЕБ Е Л Ь
делке стульев и обточке ножек, в тех обществах,
где был распространен стиль шейкеров. В
подобных обществах существовало разделение полов,
и поэтому каждый пользовался собственным
типом мебели. Стулья для женщин были легче и
меньше, чем для мужчин, женские столы были
ниже, и в комодах для женщин было больше
отделений.
Предпочитаемыми породами дерева были
древесина плодовых деревьев и береза. Мягкий
красноватый оттенок полированной древесины
вишневого дерева стал традиционным у шейкеров.
Большая часть мебели, предлагаемая сегодня
для продажи в качестве антиквариата, была
изготовлена между 1815 и 1880 годами (остальная
является высококачественными копиями более
позднего времени).
ИСПАНСКИЙ
ЮГО-ЗАПАДНЫЙ СТИЛЬ
В 19 веке наиболее бедные владельцы ранчо и
фермеры юго-западных штатов Аризоны, Нью-
Мехико, Техаса и Калифорнии приобретали
предметы обстановки у сельских мебельных мастеров
и плотников-любителей. Используя дешевую
желтую сосну и можжевельник, они создавали копии
прекрасной испанской мебели, сделанной
мексиканскими мастерами. Обшивные доски
обрабатывались вручную, орнамент был поверхностным, а
СКАМЬЯ
ДЛЯ ПРИЕМНОЙ
Густав Стикли
Дуб; ок. 1910 г.
В мастерской Стикли
извлекали пользу из местных твердых
пород дерева, таких, как дуб;
спартанские линии рисунка
позволяли волокнам древесины
'говорить самим за себя*. Эта
скамья имеет почти монашеский вид,
придавая особый смысл понятию
'мебель миссии*.
ОСНОВНЫЕ АМЕРИКАНСКИЕ МЕБЕЛЬНЫЕ МАСТЕРА ПОЗДНЕГО ВРЕМЕНИ
Файф, Дункан
раб. 1790-1847
Нью-Йорк
Ведущий мебельный мастер в стиле шератон, директория и ампир.
Лануйе, Шарль
Оноре
раб.1779-1819
Нью-Йорк
Основной соперник Файфа, особенно известный своими
монументальными работами в стиле директория.
Хичкок, Ламберт
раб. 1825-50
Коннектикут
Ведущий мастер по изготовлению раскрашенной мебели.
Родоначальник американской массовой продукции и основатель
Хичкоквилля, Коннектикут.
Белтер, Джон
раб. 1845-60
Нью-Йорк
Автор гарнитуров мебели для небольших гостиных, кабинетов и
спален, обрабатывал розовое дерево в стиле Людовика XV.
Райт, Фрэнк Ллойд 1864-1959
Чикаго, Иллинойс
Архитектор-новатор и дизайнер мебели для домов, построенных
им в США.
Элмсли, Джордж 1871 -(| 952
Грант
Иллинойс и Средний
Запад
Ведущий дизайнер и мебельный мастер, работал вместе с Маэром
(см. ниже) из Прэри-скул в Иллинойсе и штатах Среднего Запада.
Мейер, Джордж
1864-1926
Иллинойс и Средний
Запад
Партнер Элмсли в группе по дизайну, стоявшей во главе
Прэри-скул. Создавал массивную мебель в органичных формах.
Хаббард, Элберт 1856-1926
Штат Нью-Йорк
Основатель Ройкрофт-скул в северной части штата Нью-Йорк.
Изготавливал простую мебель из твердых пород дерева.
Стикли, Густав
1857-1942
Штат Нью-Йорк
Автор стиля, известного как "мебель Миссии", в основном из дуба,
иногда с инкрустацией.
Грин, Чарльз
Саммер и Генри
1868-1957 и
1870-1954
Пасадена, Калифорния ^торы стиля'изввстного «** "Калифорнийское бунгало".
«*« • ч~к Полностью создавали интерьеры проектируемых ими домов.
136

ЕРИКА
отделка грубой. Годы существования этого стиля
падали в основном на 1800 — 1880 годы.
Среди этой юго-западной мебели особым
спросом пользовались сосновые сундуки, украшенные
лепными и резными панелями, иногда с
раскрашенным рисунком; трасеро, шкафчик для
хранения пищи, с дверцами, укрепленными на
шарнирах или декорированными гипсовыми золоченым
вставками; стулья с кожаными спинками или
горизонтальными перекладинами спинки,
украшенными пилообразной резьбой; и простые столы.
После 1840 года можно было обнаружить черты
пришедших с востока ампира и готического
стиля, хотя трактовка их отличалась обманчивой
наивностью в лучших образцах.
СТИЛЬ
ИСКУССТВ И РЕМЕСЕЛ
Начиная примерно с 1880 года в
Соединенных Штатах получило распространение
Движение искусств и ремесел; идеи его заключались в
том, что механизация антигуманна и снижает
уровень человеческого мастерства. В рамках
этого Движения началась реакция против массовой
продукции, возглавляемая чикагским
архитектором Фрэнком Ллойдом Райтом (1869 — 1959).
Среди главных чикагских мебельных фирм,
которые принесли на рынок новую эстетику, были
мебельная компания "Тоби" (действовала в 1890-е
годы) и вспомогательная "Тоби & Кристиансен
кабинет" (основана в 1888 году). В их мебели
часто прямые линии и обычная поверхность
оживлялись рельефной резьбой, изделия отличались
органичными формами, такими, как камень и
стволы дерева.
Многие чикагские архитекторы работали в том
же направлении и оказали влияние на
творчество молодого Райта; некоторые из них входили
в школу дизайнеров "Прэри". Среди них были
Джордж Грант Элмсли (1871 — 1952) и Джордж
Вашингтон Мейер (1864 — 1926), опиравшиеся
в основном на средневековые и ренессансные
традиции, применявшие волюты, резьбу с головами
животных и глубокие подлокотники и спинки
кресел, характерные для 16 века, в сочетании с
прочной древесиной и "ковровым"
индивидуализмом Среднего Запада.
В 1898 году Густав Стикли (1857 — 1942)
открыл мастерские в Иствуде, в окрестностях
Сиракуз, штат Нью-Йорк, где производил мебель
из местных пород твердой древесины, чаще
всего дуба, иногда инкрустированного оловом,
железом или медью, а иногда обтянутую кожей или
парусиной. Однако в 1915 году он
обанкротился, главным образом из-за бескомпромиссной
привязанности к качеству. В штате Нью-Йорк
также было расположено сообщество мастеров,
возглавляемое Элбертом Хаббардом (1856 —
1915), которые работали в Авроре. Они
сосредоточились на изготовлении простой мебели —
дубовых скамеек, столов, стульев и книжных
шкафов.
Теперь строгие, аскетичные работы обеих
нью-йоркских групп относят к стилю "миссии";
название происходит из-за того, что эта мебель
проектировалась "с миссией исполнения";
также она связывалась с архитектурной миссией
штата Калифорния, для которого выпускалась
эта мебель.
Архитекторы-дизайнеры Чарльз Саммер Грин
(1868 — 1957) и Генри Мейтер Грин (1870 —
1954), работавшие в Южной Калифорнии,
создавали мебель для проектируемых ими огромных
особняков в испанском стиле; мебель делалась
из ценных пород дерева, таких, как грецкий орех,
кедр и гондурасское красное дерево,
инкрустировалась древесиной фруктовых деревьев и
драгоценными камнями.
С ОПУСКАЮЩЕЙСЯ
ПЕРЕДНЕЙ ЧАСТЬЮ
(ОТКИДНОЙ ДОСКОЙ)
Густав Стикли
Дуб, другое породы дерева
и олово; ок. 1904 г.
Выложенная панелями откидная
доска инкрустирована
стилизованными мотивами в олове и ценных
сортах дерева. На других
предметах мебели чаще делались
вставки из меди, в то время как
Стикли никогда не показывал
экстравагантности материалов,
которая наблюдалась в работах
братьев Грин из Калифорнии.
137

Е Б Е Л b
Интерес к китайской, японской и корейской ме6ели, которая
отличается прочностью, Функциональностью и хорошо
ВПИСЫВАЕТСЯ В ОГРАНИЧЕННОЕ ПРОСТРАНСТВО СОВРЕМЕННЫХ
домов, сильно возрос начиная с 1945 года.
ВОСТОЧНАЯ МЕБЕЛЬ
До начала нашего столетия на Западе мало
было известно о восточной мебели. Даже на
сегодняшний день существует большая путаница
в ее классификации, датировке и происхождении.
Редкая и привлекающая большой интерес, эта
область антиквариата представляет большие
возможности для коллекционера.
КИТАЙСКАЯ МЕБЕЛЬ
Китайскую мебель принято считать
высочайшей формой восточной мебели. Во время Граж-
*. JTP
Л
ъ\
ШКАФ УЧЕНОГО
с выдвижными
ЯЩИКАМИ
Китай
Хуань хуа-ли и ки ки-му.
1550-1650 гг.
Квадратные в плане шкафы
подобной формы с закрытой для
обозрения секцией встречаются
крайне редко. Данный шкаф со
светлыми медными вставками
отличается великолепным качеством
работы и представляет яркий
пример резного декоративного
убранства на выступающих дверцах,
причем с боков резьба
отличается по рисунку, и даже задняя часть
украшена отделкой, несмотря на
то, что этот шкаф, очевидно,
должен был стоять у стены.
Подобные детали обычно характерны
для мебели высокого качества.
данской войны в Китае (1946 — 1949) целые
коллекции мебели вывозились оттуда в музеи стран
Запада, особенно в Соединенных Штатах.
Впервые там познакомились с мебелью из твердой
древесины периодов Минь (1368 — 1644) и Чинь
(1644 — 1912). Это привело к серьезному
изучению китайской мебели, повысило нашу эрудицию
о ней, а появившаяся научная литература
способствовала увеличению осведомленности о ней
коллекционеров и позволила по-новому оценить
эту мебель.
Ранняя китайская мебель, до 16 века,
делалась из мягких сортов древесины и покрывалась
лаком; от нее мало что сохранилось. В течение
долгого времени эта мебель, возможно из-за ее
декоративного внешнего вида, наиболее высоко
ценилась и поэтому лучше была
документирована, чем современная ей мебель из твердой
древесины.
На Западе существует лишь несколько
специалистов, обладающих подробной информацией о
китайской мебели из твердой древесины,
которые способны по оценке декоративного
оформления и конструкции отдельных предметов мебели
датировать ее, несмотря на отсутствие даты
изготовления и подписи на них и старых описей.
Здесь можно провести аналогии с датировкой
миниатюрных моделей мебели по древним
захоронениям и домашним сценам, нашедшим
отражение в живописи.
До прихода к власти китайских коммунистов
в 1949 году Музей Нельсона Аткинса в Канзас-
сити собрал, вероятно, наиболее полную
коллекцию китайской мебели из твердой древесины. В
Великобритании же первые подобные предметы
появились в Музее Виктории и Альберта лишь в
1969 году, и к ним в настоящее время можно
добавить значительную коллекцию сэра Джона
Аддиса, приобретенную им в 1983 году. Другие
крупные собрания в Соединенных Штатах
принадлежат Художественному музею в
Филадельфии, музею в Портленде, штат Орегона, и
Музею изящных искусств в Бостоне, а в Европе это
Кунзиндустримузеет в Копенгагене и Музей Гиме
в Париже.
На протяжении династий Минь и Чинь
мебель стала использоваться не только
правительственным двором и высшими сословиями для
особых церемоний, но также учеными и предста-
138

ВОСТОЧНАЯ
ЕБЕ Л b
вителями других видов деятельности, которые
нуждались как в фунциональной, так и в
декорированной мебели. Импортируемая с Дальнего
Востока древесина твердых пород дерева, таких,
как индийское розовое дерево, значительно
облегчила выпуск мебели, которую благодаря ее
прочности можно было паковать и
транспортировать по всему Китаю, где она использовалсь при
различных видах работ. Будучи прочной при
сборке, при перевозке мебель легко демонтировалась,
и при изготовлении ее не применялись ни клей,
ни гвозди. Она часто использовалась как в
помещении, так и на открытом воздухе, и
своеобразные черты дизайна, например, "плавающие"
панели позволяли расширять и сжимать большие
поверхности мебели в различном климате во
избежание трещин и деформации.
В мебельном дизайне делался упор на
симметрию. Стулья часто располагались попарно и
обычно принадлежали к одному из трех типов:
кресла в виде подковы с закругленной спинкой,
стулья со спинкой в форме коромысла с одной
широкой центральной распоркой спинки и
плавно оформленным завершением и стулья с более
короткой спинкой, более прямая версия стула со
спинкой в виде коромысла. Почти вся мебель
выпускалась с определенной специализацией,
например, низкий столик кань ставился на
кирпичную платформу у стены, и эта платформа
часто подогревалась снизу. В дизайне также
учитывались многосторонние функции мебели;
например, квадратный стол мог использоваться не
только для обеда, но и для работы или
демонстрации различных предметов. Также принималась
во внимание практичность материалов: например,
ПАРА КРЕСЕЛ
СО СПИНКАМИ В ВИДЕ
КОРОМЫСЕЛ
Китай
Хуань хуа-ли; 1550—1650 гг.
Из двух стандартных типов
кресел со спинками в виде
коромысла эта группа с
вывернутыми наружу "коромыслами"
наиболее элегантна. Эти два
кресла отличаются прекрасными
пропорциями изящных
элементов конструкции по отношению
к центральной распорке
спинки. (Вверху)
СКЛАДНОЕ КРЕСЛО
В ВИДЕ ПОДКОВЫ
Китай
Хуань хуа-ли; 1550 — 1650 гг.
Складные стулья и кресла
появились в Китае во втором веке
нашей эры, и назывались они
'варварскими' стульями.
Металлические крепежные детали
имеют как функциональное, так
и декоративное назначение.
(Вверху)
ПРЯМОУГОЛЬНЫЙ СТОЛ
КАНЬ
Китай
Хуань хуа-ли; 1550—1650 гг.
Это прекрасный пример
низкого столика, который можно
ставить на платформу, занимавшую
в холодном китайском доме до
трети комнаты. Подобная
форма стола сочеталась с
пропорциями комнаты, и он являлся
центральным местом, вокруг
которого сосредоточивалась жизнь на
платформе. (Внизу)
139

Е Б Е Л b
из камфорного дерева делали сундуки,
используемые для хранения вещей, и стенные шкафы для
защиты от моли и других вредителей.
Датировка китайской мебели также
затруднена вследствие преемственности ее основных
конструкций. Однако каждый период был
отмечен характерными различиями в дизайне и
материалах.
Специалисты обычно выделяют классический
период, простирающийся от середины 16 до
середины 17 века, охватывающий последнюю часть
правления Минь и самое начало династии Чинь.
Этот период характеризуется отчетливым,
рельефным дизайном и мягкими, спокойными
линиями. Любая декоративная резьба этого периода
отличается детальными подробностями и
великолепным качеством рисунка.
В 18 и 19 веках линии мебели приобретают
более жесткий характер и формы становятся
более прямыми, а декор более тяжеловесным и
формальным.
Древесина. Еще одной подсказкой для
датировки мебели и, возможно, определения ее
происхождения могут служить типы применяемой
древесины. Из древесины хуа-ли, тропического
дерева с твердой древесиной, напоминающей
розовое дерево, делались большие обшивные доски
с красивой выделкой, от бледно-желтого до
сочного оранжевого цвета. Наибольшим успехом
пользовалась древесина хуань хуа-ли. Похоже, она
уже не существовала в начале 18 века; однако
встречается мебель меньших размеров,
изготовленная из более ранних крупных предметов.
Равным образом ценилась очень темная древесина
дзу-тан и, благодаря ее большой прочности и
плотности, из нее делали сложные резные узоры. Эти
два вида древесины обычно использовались для
ДИВАН-КРОВАТЬ
Китай
Хуань хуа-ли; 1550—1650 гг.
Кровати подобного типа
встречаются хотя и редко, но не так,
как 'альковные", которые
аналогичны по конструкции, но с
небольшой передней частью. Их
можно было легко разбирать и
транспортировать. Резной
декоративный узор в вице волн на этой
кровати очень необычен и
выполнен с великолепным мастерством.
(Вверху слева)
ДВУХЪЯРУСНАЯ
ПОДСТАВКА
Китай
Хунь-му; конец 19 в.
Данная подставка, украшенная
мраморными панелями и
рисунком в виде завитков, возможно,
использовалась для демонстрации
предметов или в качестве кури-
тельницы. В ней чувствуется
значительное изменение по
сравнению с более простыми формами
ранних времен. (Вверху справа)
изготовления особо важной мебели; часто они
контрастировали друг с другом или
инкрустировались другими породами, например, хуа-му
(древесина с выработкой в виде узелков,
применявшаяся в декоративных целях) или мрамором.
Повседневная мебель делалась из легкой
древесины ки ки-му или хунь-му (черного дерева).
Из мягкой древесины вяза или камфорного
дерева изготавливали низкие стенные шкафы,
сундуки для хранения, а также задние стенки для
полок или стенных шкафов, выполненных из хуань
хуа-ли, для создания естественной защиты от
насекомых.
Глина и лаки часто применялись для защиты
мягкой, а также открытых участков твердой
древесины, например, внутренней поверхности
стола или верха стенного шкафа. Металлические
вставки делались из латуни или имитирующего
серебро сплава цинка, меди и никеля, для
придания блеска.
Реставрированная мебель. Главным
образом благодаря своей простоте и элегантности,
китайская мебель приобретает в настоящее время
особую популярность. Это означает, что
поставщикам хорошей мебели Минь и Чинь приходится
производить поиски в далеких провинциях
Китая, чтобы найти интересующую их мебель.
Причем многие вещи находятся в очень плохом или
разобранном состоянии, требующем
внимательной реставрации. Но теперь реставрация стала
характерной чертой китайской мебели. Вообще
наиболее приемлемыми являются ранние
ремонты, и коллекционеры должны быть готовы к тому,
что эта мебель после 300-летнего использования
и износа будет иметь какие-то черты
подновления. Многие вторичные предметы мебели из
хуань хуа-ли можно узнать по обработке прорезей
140

ВОСТОЧНАЯ
Е Б Е Л b
(углублений в местах соединения мебели).
Наиболее заметные части мебели, такие, как опоры
для ножек стульев или козырьки (нижние
выступы) под ними в наибольшей степени
подвергались риску и часто нуждались в замене.
Наибольшая часть мебели 16 и 17 века,
предназначенной для сиденья или сна, имела мягкие
сиденья с имитацией соломы внутри, которые
удерживались на месте пружинными решетками.
В начале 18 века, во избежание постоянной
замены сидений, подобную мебель стали делать с
сидениьями из твердого наполнителя или
деревянными.
Менее приемлемым вариантом (в основном
из-за искажения пропорций, что часто к тому же
уменьшало ценность веши) являлось укорочение
ножек приставного стола для превращения его в
кофейный столик (для которого стол кань был
слшком низким). Это можно заметить или в
зрительном сращивании ножек — прибавлении
дополнительной полоски дерева или заново
сделанной резьбе на скошенном под углом соединении
(когда две поверхности, скошенные под углом
45%, соединяются вместе, образуя прямой угол)
КОМОД
Вьетнам
Различные мягкие породы
каркасного дерева, покрытые
лаком; последняя четверть
17в.
В прошлом считалось, что
подобные изделия отправлялись в
страны Дальнего Востока, чтобы их
там покрывали лаком, но для этого
нет достаточных подтверждений.
Лаковое декоративное покрытие
этого комода во многом
напоминает аналогичные,
документально подтвержденные, лаковые
покрытия из Датской королевской
коллекции, приобретенной во
Вьетнаме. (Вверху)
ПРЯМОУГОЛЬНЫЙ
СЕКЦИОННЫЙ СТЕННОЙ
ШКАФ
Китай
Хуань хуа-ли и хуа-му;
1550-1650 гг.
Этот великолепный
двухсекционный стенной шкаф является
одним из пары шкафов, второй
находится в коллекции Артура Сэк-
лера в Вашингтоне, федеральный
округ Колумбия. Эти два шкафа
считаются единственными,
которые облицованы панелями с
подобным рисунком, в данном
случае двойной тыквы, круга и
квадрата. (Слева)
в верхней части ножки. Изменение цвета и
отделки поверхности мебели также может
уменьшить ее ценность — часто мебель может быть
безвозвратно испорчена из-за воздействия
влаги, недавней окраски или полировки.
Китайская экспортная мебель. Эта мебель
обычно изготавливалась по западным чертежам
и спецификациям. Часто покрывалась лаком и
иногда делалась из местных твердых пород
древесины, но она не соответствовала восточным
стандартам ни в отношении конструкции, ни в
смысле размеров и мастерства европейских
мебельных мастеров, чью работу они намеревались
имитировать.
Отдельные экспортные предметы мебели
специально заказывались Западом и перевозились
управляющими грузовых судов для своих
собственных или спекулятивных целей. Как следует
из ранних описей начала 18 века, такая мебель
не путешествовала на большие расстояния.
Например, в голландских отчетах фабрики
Кантона, принадлежащей Восточно-Индийской
компании, указано лишь 33 предмета мебели,
предназначенных для семи человек. Многие из этих
ранних предметов экспорта, первоначально
заказанные для богатых европейских домов или для
принимающих участие в торговых связях, теперь
заняли свое место в европейских музеях, таких,
как Музей Виктории и Альберта в Лондоне и Кун-
зиндустримузеет в Копенгагене.
141

Е Б Е Л Ь
МЕБЕЛЬ ДРУГИХ СТРАН ВОСТОКА
По традиции, в японских и корейских домах
было немного мебели, по сравнению с тем, к чему
мы привыкли на Западе. В японских жилищах
большая часть мебели носила встроенный
характер, имелись лишь низкие столы и танзу
(переносные сундуки для хранения вещей). На
сегодняшний день подобные сундуки наиболее
подходят для небольших апартаментов из-за простых
линий, скромного декора в виде железных
вставок и сочетание оптимальной емкости для
хранения с экономичным использованием пространства.
Хотя в эстетическом отношении низкие столы
являлись жалкой копией столов кань, они
больше подходили для западных нужд, поскольку в
Европе ноги ставят под стол, а не перед столом,
как в Китае, и обычно такие столы делались выше,
чем их китайские оригиналы.
Корейская мебель. Корейской мебели
сохранилось гораздо больше, чем японской,
очевидно из-за того, что для нее был более широкий
рынок сбыта. В функциональном отношении эти
два вида мебели очень похожи, но у корейской
КАЙДАН-ТАНСУ
Япония, период Мвйджи
Химоки, конец 10 в.
Возможно, служила лестницей к
двухъярусной кровати или на
верхний этаж. Передние дверцы
экономят место. Большая часть
японской мебели изготовлена из
местной древесины. (Справа)
БЮРО-ШКАФ
Англия (экспорт)
Хунг-му, ок. 1750 г.
Этот прекрасный образец был
изготовлен в Кантоне для
британского рынка Конструкция в
основном выдержана в китайском
стиле с "плавающими*
дверными панелями.
мебели гораздо больше вариантов форм, чем у
японской, и она включает, к примеру, книжные
шкафы и полки европейского типа
модернистской мебели 20 века. Вообще говоря, корейская
мебель ценится ниже японской. Корейский
металлический декор более сдержан по форме,
конструкции отличаются большей примитивностью,
а древесина более низким качеством. Однако, есть
некоторые образцы высококачественной
корейской мебели, превосходящие все остальные, за
исключением великолепной китайской мебели (но
обычно имеющей более сельский вид).
Мебель других стран Юго-Восточной
Азии. В Таиланде, Камбодже, Индонезии и на
Филиппинах выпускалась своя собственная
версия китайской мебели. На Филиппинах
выпускалось пять образцов гибридной испано-голландской
колониальной мебели, часто изготовленной
китайскими мастерами или в мастерских, во главе
которых находились китайские предприниматели;
китайские приемы конструкции нередко
приспосабливались к обеденным столам и стенным
шкафам в стиле барокко и рококо.
Вся мебель стран Юго-Восточной Азии с ее
гибридизацией (смешением) различных приемов
и форм прежде полностью игнорировалась
исследователями западной мебели и
представляет сравнительно не изведанную и достойную
изучения область для предприимчивого
коллекционера мебели.
142

ВОСТОЧНАЯ МЕБЕЛЬ
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода из печати
нашей книги могли
появиться новые работы.
Эйджиус, Полин
Британская мебель,
1880-1915
Лондон, 1978
— и Стивен Джонс
(Введение)
Мебель и интерьеры
Аккерманна
эпохи Регентства
Мальборо, 1984
Бейзин, Герман
Барокко
и рококо
Лондон, 1964
Берд, Дж.
Гринлинг Гиббоне
Лондон, 1989
— и Кристофер
Джильберт
(предисловие)
Словарь английских
мебельных мастеров
1660-1840
ЛИДС, 1986
Барр, Грейс X.
Мебель
латиноамериканских
стран
Нью-Йорк, 1964
Кейтерс, Дэвид М.
Мебель
американского
Движения искусств
и ремесел
Нью-Йорк, 1981
Чиннери, Виктор
Британская
традиционная
мебель из дуба
Вудбридж, 1979
Коллард, Фрэнсис
Мебель эпохи
Регентства
Вудбридж, 1985
Комсток, Элен
Американская
мебель
Нью-Йорк, 1962
Купер, Джереми
Викторианская
и эдвардианская
мебель
и интерьеры
Лондон, 1987
Корнелиус,
Чарльз А.
Ранняя
американская
мебель
Нью-Йорк, 1926
Дауне, Джозеф
Американская
мебель в музее
Генри Фрэнсиса
дю Понт Уинтертур:
периоды королевы
Анны и чиппендейл
Нью-Йорк, 1952
Дуброу, Эйлин
и Ричард
Американская
мебель 19 века,
1840- 1880
Нью-Йорк, 1983
Имс, Пенелопа
Мебель Англии,
Франции
и Голландии,
12 —15 века.
Журнал Общества
истории мебели,
Музей Виктории
и Альберта
Лондон, 1975
Эдварде, Ральф
Краткий словарь
английской мебели
Лондон, 1964
Эриксен, Свенд
Ранний
неоклассицизм
во Франции
Лондон, 1974
Фербенкс,
Джонатан Л.
и Роберт Ф. Трент
(предисловие)
Начало Новой Англии
(каталог выставки)
Бостон, 1982 (Зтт.)
Фланаган, Дж.
Митчел
Американская мебель
из собрания
Кауфмана
Нью-Йорк, 1986
Мебель Чарльза
и Генри Грин;
Вступительная
Хантингтонский музей,
Сан Марино,
Калифорния, 1987
Мебельный мастер
Джордж Буллок
(каталог выставки)
Лондон, 1988
Грин, Д.
Гринлинг Гиббоне;
его работа в качестве
резчика и скульптора
Лондон, 1964
Де Гроэр, Леон
Декоративное
искусство
с 1790 по 1850 гг.
Фрибург, 1985
Хейвард, Елена
(предисловие)
Всемирная
мебель
Лондон, 1990
Жан но, Гийоме
Буржуазная мебель
во Франции
Издание Гарнье
Джервис, С.
(предисловие)
Мебельные
эскизы, изданные
до 1650 года
Лондон, 1974
Джорден, Маргарет
Английское
декоративное
искусство и мебель
раннего Ренессанса
Лондон, 1924
Джой, Эдвард
Иллюстрированный
словарь мебельного
дизайна 19 века
Вудбридж, 1977
Л еду-Л е бар, Дениз
Парижские мебельные
мастера (1795 —1830)
Париж, 1951
Мак-Грегор, А.
Товары
последнего короля
Лондон и Оксфорд,
1989
Мак-Квойд, Перси
Век грецкого
ореха
Лондон, 1905
Мерсер, Эрик
Мебель
700- 1700
Лондон, 1969
Миллер, Эдгар Дж.-
младший
Книга стандартов
старинной
американской
мебели
Нью-Йорк, 1950
Монтгомери,
Чарльз Ф.
Американская мебель:
Федеральный период
в музее Генри
Фрэнсиса дю Понт
Уинтертур
Нью-Йорк, 1966
Моррадзони,
Джузеппе
Итальянская
мебель
Флоренция, 1940
Нейгель, Чарльз
Американская
мебель
Нью-Йорк, 1949
Ормсби, Томас X.
Путеводитель
по американской
викторианской
мебели
Бостон, 1951
Пейн, Кристофер
Европейская мебель
19 века
Лондон, 1985
Швейгер, Вернер Дж.
Венские мастерские:
Венский дизайн,
1903- 1932
Нью-Йорк, 1984
Сталкер, Дж.
и Дж. Паркер
Трактат об
искусстве лакировки
1688
Торнтон, Питер
Подлинный декор
1620-1920
—17 век
Декоративное
убранство интерьера
в Англии, Франции
и Голландии
Лондон и Нью-Хейвен,
1978
Трент, Роберт
(предисловие)
Мебель века
переселенцев
Нью-Йорк, 1980
Вио, Жаклин
Французская
мебель
Париж, 1962
Вард, Джеральд У. Р.
Американская
закрывающаяся
мебель в собраниях
Мейбл Брейди
Га рван и других
в Иельском
университете
Нью-Хейвен, 1988
Уилле, Джеффри
Английская
мебель
1550-1760
Лондон, 1971
—Английская
мебель
1760-1900
Лондон, 1971
143

i?
Восточные ковры
Европейские ковры
Йан Беннетт
Малькольм Хазлам
На странице: АРМЯНСКИЙ КОВЕР "ЩИТ", 18 в.
(фрагмент).
ш
о%
&
9 I
щ
i> 0
W]
■_/
•.
L>

КОВРЫ И КОВРИКИ
КОВРЫ
КОВРИКИ
♦ «я
IS
*£*
ГЛАДКИЙ КОВРИК
Италия
Уточнонастилочная
техника переплетения
по шерсти. 19 в.
Абруццо наиболее хорошо
известна в Италии своими
деревенскими коврами. До нас
дошло большое количество древних
ковровых изделий. (Вверху)
КОВРИК С УЗОРОМ
"АРАБЕСКА" ИЛИ
аЛОТТОя
Анатолия
Шерстяной ворс на
шерстяном грунтовом
переплетении. 17 в.
Один из ноиболее известных
узоров #ушок". Вариант
'анатолийского' узоро. (Справа)
Иногда под ногами может оказаться настоящее сокровище
ДРЕВНЕГО ИСКУССТВА КОВЕр ИЛИ КОВрИК С ЭКЗОТИЧЕСКИМ y30DOM.
ИЗЯЩНЫМ ОРНАМЕНТОМ KOBDOB ВОСХИЩАЛИСЬ ЗНАМЕНИТЫЕ
ИТАЛЬЯНСКИЕ ХУДОЖНИКИ И ВЕЛИКИЙ ГОГЕН.
Предполагают, что самые первые "тканые изделия" предназначались
для украшения облачений священнослужителей и культовых
помещений. Это могли быть занавеси с изображением богов для храмов или
святилищ. Тем не менее появление тканых изделий, которые вешали на
стену или стелили на пол, почти совпадает по времени. Первые тканые
ворсовые изделия из льна с симметричным узором были найдены в Египте
и датируются 15-16 веком до н.э. Мастерство изготовления этих
произведений искусства, которые, вероятно, использовались как покрывала или
напольные покрытия и на удивление хорошо сохранились, свидетельствует
о том, что ковроткачество было хорошо известно. Найденные изделия
представляют собой чудом уцелевшие образцы широко распространенных
художественных ремесел. К 5 веку до н.э., которым датируется ковер, най-
'OPAZILAcZZ
Q* ^ * 'Ш
©*И
».
»*
с
>1<$
i'fevXbjfe
I
ITJ&OTFV
- ч. V
<Ф#*Ф*
J •
* ^\ *»
f9t Чл.
»*?•
-^гщъжугщ-ъ jr^S2j7TJS3^:^^^/r^^
<Jd
ТЕХНИКА ГЛАДКОГО
ПЕРЕПЛЕТЕНИЯ
Сверху вниз: затканная от руки
ткань (гобелен) с разрезной
фомкой или безворсовый ковер
'килим*; сумакскоя порча с
грунтовым переплетением; порча с
грунтовым переплетением и
незаработанными уточными нитями но
кромке. (Вверху)
146

КОВРЫ И КОВРИКИ
КОВРИК
Египет
Шерстяной ворс
на шерстяном фунтовом
переплетении.
Начало 16 в.
Росцветко и узор коврико хо-
роктерны для ковров периодо
лровления династии Мамелюков
в Египте {1250-1517). Однако
такие коврики продолжают ткать
и после падения династии под
ношествием турок. В этот
ранний период господство турок в
Египте делают ковры двух
розных типов: прежнего, типа
'мамелюк', и нового, ввезенного
турками. Это так называемые
'дворцовые' ковры небольшого
розмеро (1,88 х 1,45 м),
обычного для большинства дошедших
до нос прекрасных ковриков
этого тило. (Вверху)
денный в уродище Пазарык в Горном Алтае, ковроткачество повсеместно
достигло технического совершенства. Если говорить о технике ткачества,
то нет никакой разницы между ковром, найденным в Пазарыкских
курганах, и любым ковром симметричного переплетения, изготовленным за
последние 500 лет.
Термином "ткачество" называют самые разные способы производства
изделий. Известны две наиболее важные культуры ткачества: культура
Южной и Центральной Америки до завоевания испанцами — на Западе и
культура Китая на Востоке. Первоначально эти культуры не были
связаны непосредственно с ковроткачеством, хотя в Китае в период между
1400 и 1800 годом н.э. было изготовлено несколько наиболее известных
шедевров восточного ковроделия. Только теперь исследователи
начинают ценить искусство китайских мастеров. Вероятно, это объясняется тем,
что, хотя китайские ковры можно отнести к группе восточных коров, на
них не сказалось влияние стран исламского мира, а при изучении
восточных ковров это могло бы помочь установить их общность и связь между
ними.
Ковроткачеством занимались не только на Востоке. Европа тоже имеет
блестящую историю ковроделия. Наиболее известными областями
ковроделия являются страны Пиренейского полуострова, испытавшие влияние
мусульман, а также Балканские страны, которые в течение многих лет
находились под властью Оттоманской империи. Англия, Франция,
Германия, Скандинавские страны, Швейцария, Италия и Польша тоже имеют
свою история ковроткачества, которая отличается от истории создания
хорошо известных ковров 17 и 18 веков, вытканных на крупных
мануфактурах промышленного типа во Франции и Англии. Несмотря на
распространение мастерских, в которых изготовляли небольшие ковры, и их
долгую историю, на Западе кустарные ковры с трудом находят признание как
произведения искусства. Что касается дошедших до нас крупных образцов
ковроделия, представляется спорным, что они относятся к наиболее ярким
достижениям человеческого умения и мастерства.
В 16 и 17 веках европейская знать и аристократия высоко ценили
восточные ковры. Однако три столетия спустя высокую оценку восточному
искусству ковроделия дает только сравнительно узкий круг специалистов. С
точки зрения критиков и торговцев, процесс изготовления восточных
ковров менее понятен, чем процесс изготовления всех прочих крупных
произведений художественного творчества.
КОВЕР
С "МЕДАЛЬОННЫМ"
ОРНАМЕНТОМ
Северо-западная Персия
Шерстяной ворс на
хлопчатобумажном
грунтовом переплетении.
16-й в.
Этот величественный ковер
хранится в музее Метрополитен в
Нью-Йорке. Одно из загадок
техники ткачества периодо
правления сафавидов.
Стилистически ковер напоминает строгий
стиль небольших 'медольонных'
ковров, приписываемых
мастерам Тебризо. Однако основной
узор бордюро с медальонами и
орнаментальными завитками
напоминает стиль мастеров из
Кошено (Центральная Персия). Тем
не менее по форме его нельзя
отнести ни к одной из этих двух
групп. (Вверху)
ЗАВЯЗЫВАНИЕ УЗЛОВ НА ВОСТОЧНОМ КОВРЕ
Представлены наиболее
распространенные способы
завязывания узлов на
восточном ковре. Узел на
одной нити основы был
обнаружен на ранних тканых
изделиях с петельным ворсом,
приписываемых Египту.
1 Симметричный; турецкий узел *гиор-
дос*. 2. Испанский узел на одной нити
основы. 3. Асимметричный; иранский
ковровый узел 'сенно* с левой
круткой, 4. Асимметричный; иранский
ковровый узел 'сенна* с правой круткой.
5. Асимметричный узел "джуфти* иа
четырех нитях основы. 6.
Симметричный узел 'джуфти* на четырех нитях
основы.
147

КОВРЫ И КОВРИКИ
Искусство ткачества дорогих восточных ковров нашло много
ПОДРАЖАТЕЛЕЙ, НО ОЧЕНЬ НЕМНОГИЕ МОГЛИ СОПЕРНИЧАТЬ
С ВОСТОЧНЫМИ МАСТЕРАМИ. Яр КИЙ ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ рИСуНОК
ВОСТОЧНЫХ КОВрОВ РАДУЕТ ГЛАЗ, ТАКОЙ КОВЕр МОЖЕТ ДОПОЛНИТЬ
убрАНСТВО ЛЮбОЙ, ДАЖЕ САМОЙ уЮТНОЙ КОМНАТЫ.
ВОСТОЧНЫЕ КОВРЫ
Ранняя история техники ткачества ворсовых
ковров, в которой выполнены самые
изящные восточные ковры, имеет много темных
пятен. В процессе ткачества короткие нити
пряжи, обычно шерсти или шелка, обвиваются
вокруг нитей основы, натянутых вертикально
между навоями ткацкого станка. Пряжа образует
петли или узлы, которые разрезаются, образуя
"ворс". Ворсовое ткачество считают
расширенным способом гладкого ткачества или
изготовления гобеленов. Люди начали ткать еще в
эпоху неолита, между 9-м и 7 веками до н.э.
Среди первых известных образцов
ворсового ткачества, выполненных в поддающейся
определению технике, имеются законченные
образцы из льна с симметричными турецкими
узлами "гиордас". Они были найдены в могиле Ка
в Египте и датируются 1500 годом до н.э. Ковры
хранятся в Городском музее в Турине и в
Лувре. В 1947 году на могиле родового правителя в
урочище Пазарык в Горном Алтае был найден
законченный шерстяной ворсовой ковер,
выполненный в той же технике. Он датируется 5
веком до н.э. Сложная техника ткачества,
вероятно берущая начало в Персии, заставляет
предположить, что к тому времени ворсовое ткачество
было хорошо известным ремеслом. Ковер
хранится в Эрмитаже.
РАННИЕ
ВОРСОВЫЕ КОВРЫ
ЕГИПТА
Следующую значительную группу ковров и
больших фрагментов, дошедших до нас,
связывают с Египтом. По своей стилистике и фактуре
эти ковры распадаются на две отдельные
группы, которые датируются б—9 веками н.э. Одну
группу ковров называют антинойской (по
фрагменту, который хранится в музее Метрополитен
в Нью-Йорке). Ковры отличаются широкой цве-
КОВЕР, НАЙДЕННЫЙ
В УРОЧИЩЕ ПАЗАРЫК
Центральная Азия (Персия)
Шерстяной ворс на
шерстяном фунтовом
переплетении. 5 •. до н.э.
Самый древний дошедший до нас
шерстяной ворсовый ковер
имеет 200 узлов на кв. дюйм.
Найден в 1947 году в могиле
родового правителя. Хранится в
Эрмитаже. Многие доказательство
позволяют определить место
производства ковра. Сходство узоро
с 'ковровыми' рисунками но ко-
менных плитах Ассирии,
найденных во время раскопок дворцов
правителей (705-681 гг. до иэ. и
668-626 гг. до нэ.), позволяет
предположить, что такие ковры
ткали на продажу.
148

ВОСТОЧНЫЕ КОВРЫ
товой гаммой и выполнены в так называемой
технике переплетения с асимметричными узлами
"сенна". Ковры второй группы имеют
геометрический узор и выполнены в петельной технике
переплетения за одну нить основы или
коптского узла.
Антинойская группа. К этой группе
относится несколько законченных ковров и
фрагментов, большинство из которых было найдено во
время археологических экспедиций в район
озера Насер. В древние времена здесь проходила
граница Верхнего Египта. Речь идет о Нубии,
которая вышла из состава Римской империи
только в конце 3 века н.э.
Все образцы нубийских ковров
предположительно выполнены в технике коптского узла,
завезенной из Египта, хотя большинство
ковров найдено в дохристианских нубийских
могильниках в б веке н.э. Можно считать, что
ковры изготовлены в Египте — они очень
напоминают фрагмент антинойского ковра,
найденный в древней Антиное в Нижнем Египте
под Александрией. Антинойский ковер
традиционно относят к 5 веку н.э., но он мог быть
выткан и раньше.
Два из наиболее хорошо сохранившихся
ковров антинойской группы хранятся в
Британском музее. Они были найдены перед Второй
мировой войной в Бухене и Каср Ибриме
соответственно. Экземпляр, аналогичный второму
ковру, находится в Национальном музее
Хельсинки, а третий принадлежит Институту
восточных искусств Чикагского университета. Все
ковры — яркой расцветки, некоторые из них
имеют характерный "садовый" орнамент по
основному бордюру. Действительно, по
расцветке и рисунку они напоминают анатолийские
ковры позднего периода. Как и на прекрасных
фрагментах ковра такого же типа, который
хранится в коллекции Кира в Лондоне, в этих
коврах сочетается влияние рисунка римской
мозаики и местный колорит.
Ковер из собрания Кира, с льняным
грунтовым переплетением и узким цветным
бордюром, можно отнести к более позднему
периоду. Однако по своей фактуре он более
тесно связан с антинойской группой ковров, чем
другой, хорошо известный ковер,
выполненный в технике коптского узла, который
относят к 7-му или 8 векам. Его можно отнести
ко второй группе, которая датируется
периодом после завоевания Египта арабами в 641
году н.э. Первоначально коптами называли
местное население Египта, находящегося под
господством римлян. После завоевания
Египта арабами это название приобрело
религиозно-этнический смысл. Коптами стали
называть местных жителей, сохранивших
христианство.
ПЕРВЫЕ
ИСЛАМСКИЕ ВОРСОВЫЕ КОВРЫ
Во второй группе египетских ковров почти
не сохранилось признаков ковров "более
древнего" периода. Отдельные фрагменты
предположительно можно отнести к исламским
коврам, а один законченный образец ковра со
"звериным" орнаментом, хранящийся в
Мемориальном художественном музее Де Янга в
Сан-Франциско, датируется 9 веком. Предполагают, что
он был найден в Фустате, древней исламской
столице Египта (теперь пригород Каира). До сих
пор не найдено более крупных фрагментов
египетских ковров, кроме так называемых ковров
"мамелюк", которые относят к 15-му или 16
векам.
Все ковры, выполненные в технике "копт-
КОВЕР
Алькарас, Испания
Шерстяной ворс на основе
из козьей шерсти
и шерстяном утке. 16 в.
Ковры с характерным "медальон-
ным" орнаментом относят к 16 в.
и считают, что они вытканы в Аль-
карасе: найдены документы того
времени, в которых описываются
ковры "с медальонами' из Алько-
раса На образце в четырех
углах имеется герб ордена
Святого Доминика.
149

КОВРЫ И КОВРИКИ
ского узла, и, вероятно, все египетские
шерстяные текстильные изделия первого
тысячелетия н.э. имеют один отличительный признак,
позволяющий атрибутировать более поздние
ковры "мамелюк" и каирские ковры эпохи
правления Оттоманской империи, которые в
настоящее время тоже относят к египетским коврам.
Шерстяные изделия вытканы из пряжи с левой
круткой S. Это объясняется тем, что лен, из
которого сделано большинство древних
текстильных изделий, больше всего пригоден для левой
крутки. Так это или нет, но только ковры,
относящиеся к основным культурам ткачества, за
исключением нескольких тибетских ворсовых
ковров 19 века, вытканы из пряжи с левой
круткой S.
ТУРЕЦКИЕ КОВРЫ
"Современная" эпоха ковроткачества
начинается на довольно шаткой основе. Тем не менее
имеется группа анатолийских ковров,
большинство из которых датируется 13-м и 14 веками, а
также испанские ковры, вытканные
мусульманами и относящиеся к 14 веку. Некоторые из
ранних испанских ковров украшены гербами
потомственных адмиралов, поэтому их называют
"адмиральскими" коврами. Другие имеют узор,
напоминающий анатолийские коврики в стиле
"эскизов Гольбейна". Есть ковры с характерным
испанским узором, на котором заметно
европейское влияние, например, ковры 15-го и 16 веков с
"садовым" орнаментом. Большинство испанских
ковров изготовлено на юге страны, в городах
Альпарас, Летур и Куэнка.
Ранние анатолийские ковры. Наиболее
известные из ранних ковров принадлежат к двум
группам: одна группа ковров найдена в 1905 году
в мечети Эль-Аддин в Конье, другая — в 1929
году в мечети Эшрефоглю в Бейшехире. За
малым исключением, все ковры находятся в Музее
истории ислама в Стамбуле или в музее Мевла-
на в Конье. Многие ковры имеют почти
законченный вид. Если дата их «изготовления
определена правильно, по ним можно судить, какими
были "кустарные ковры" 13 века. Строительство
мечети Эль-Аддин было закончено в 1220 году,
мечети Эшрефоглу — в 1296 году. Считают, что
ковры можно грубо датировать этими годами.
Большинство ковров имеют компактный узор в
виде решетки, многие окаймлены абстрактным
бордюром, стилизованным под куфскую вязь.
Ковры выполнены в технике симметричных
узлов и ткались исключительно из пряжи с правой
круткой Z. В этих коврах, по сравнению с
ковром, найденным в урочище Пазарык и
вытканным 2000 лет назад, заметно снижение уровня
техники ткачества, хотя в художественном
отношении они, вероятно, равноценны.
Родовые и деревенские ковры.
Ковроткачество в Турции 12—17 веков имеет очень
сложную историю. Турция и теперь, как и в
течение веков, состоит из маленьких деревень, в
каждой из которых есть своя мечеть. Важной
частью соблюдения религиозных обрядов в Тур-
ДЕРЕВЕНСКИЙ КОВЕР
"КИЛИМ"
Восточная Турция
Шерстяная основа
и шерстяной уток Период
Оттоманской империи. 18 в.
Прекрасный поздний образец
местного ткачества. Анатолийский
ковер выполнен в технике
гобелена с разрезными ромками.
Основной мотив называют пармак-
ли, то есть "растопыренные
пальцы'. Однако этот мотив
встречается на более древних дошедших
до нас произведениях искусства
из центральной Анатолии,
включая настенную роспись 7 в.
Считают, что узор 'пармакли'
может обозначать священную
пещеру или грот. Если узор
расширить, получится символ богини
плодородия. Этот узор встречается
также на грузинских и иранских
коврах. Он является одним из
наиболее известных турецких
мотивов, который
прослеживается на многих изделиях.
I*
i
и
|Ш
«
*
150

ВОСТОЧНЫЕ КОВР
ции всегда были благочестивые пожертвования.
Поэтому сохранились сотни, даже тысячи очень
древних ковров ручной работы, которые никогда
не экспортировались в Европу. Эти ковры
можно отнести к образцам родового и деревенского
ткачества, в отличие от придворного ковроделия
и изготовления ковров на продажу. Последнее
особенно характерно для западной Турции, в
частности, для района Ушака.
Среди стран Ближнего и Среднего Востока с
великолепной культурой ткачества Турция
занимает особое место. Нам неизвестны
сравнимые образцы родового и деревенского ткачества
из Персии, с Кавказа, из Центральной Азии или
других регионов, которые датировались бы
периодом раньше конца 18 века. Турецкие
образцы ткачества включают как ворсовые, так и
гладкие ковры, выполненные в гобеленовой технике
с разрезными кромками. Такие ковры называют
"килимами" в Турции, "паласами" на Кавказе и
"гилемами" в Иране. Однако не существует
единого мнения о времени изготовления этих
ковров. В Турции существует обширная коллекция
килимов, хранящаяся в Музее истории ислама
и в Музее Вакифлар. Оба музея находятся в
Стамбуле. На Западе, вероятно, самая большая
коллекция ранних турецких килимов находится
в Мемориальном художественном музее Де Янга
в Сан-Франциско.
Ранние ковры периода Оттоманской
империи. Эти ранние и исторически "сложные"
ковры противопоставляются хорошо известным
коврам раннего периода Оттоманской империи.
Отмечают ковры с двумя наиболее известными
типами узора. Обычно их называют узорами в
стиле "больших полотен Гольбейна" и "малых
полотен Гольбейна", потому что узор ковров
напоминает работы этого художника. К первому
типу ковров относят изделия с большими
восьмиугольными медальонами по центральному
полю. По краям в шахматном порядке иногда
расположены более мелкие медальоны. Ковер
"малое полотно Гольбейна" имеет более
сложный геометрический узор из чередующихся
небольших восьмиугольников и ромбов на общем
фоне.
Самая большая группа ранних турецких
"кустарных" ковров связана с районом Ушака. По
своему узору они распадаются на несколько
групп и имеют определенные названия:
"большие медальонные", "малые медальонные" или
"с двойной нишей", "Лотто" (по имени
итальянского художника), ковры с белым фоном
"птичьи", "Чинтамини", "звезда" и "висящие
медальонные". Все ковры датируются концом
15-го — началом 17 веков.
Большинство ковров с различным орнаментом,
приписываемых Ушаку, объединяются в группу под
общим названием "трансильванские ковры". Мно-
ФРАГМЕНТ КОВРА
Предположительно
Центральная Турция
Шерстяной ворс на
шерстяном фунтовом
переплетении. Период
Оттоманской империи. 15 в.
Орнамент фрагмента известен как
"малое полотно Гольбейна'.
После 15 в. он появляется на многих
полотнах европейских художников,
особенно итальянских. (Вверху)
КОВРИК
Район Ушака, Западная
Турция
Шерстяной ворс
ив шерстяном грунтовом
переплетении. Период
Оттоманской империи. 16 в.
Другим известным мотивом
"анатолийских' ковров является
'малый медальонный' орнамент или
орнамент 'с двойной нишей',
видимый на ковре. Ушакасие
'малые медальонные' ковры
продолжали ткать ив 17 в. (Слева).
151

КОВРЫ И КОВРИКИ
КОВЕР
Район Ушака, Западная Турция
Шерстяной ворс
на шерстяном фунтовом
переплота ми. Период
Оттоманской империи. 16 в.
"Птичий" узор — один из трех
узоров, характерных для ковров
с белым фоном. Два других
узора — 'чинтамани* или "губы и
шары' и 'водяной паук',
стилизованный под 'звериный'
орнамент. Узор назван 'птичьим'
неверно. Вероятно, на ковре
представлен лиственный орнамент.
гие из них были найдены в церквах и частных
коллекциях стран Восточной Европы, которые когда-
то входили в состав Оттоманской империи. "Транс-
вильванские" ковры по орнаменту можно
разделить на несколько групп, включающих ковры с
узором "Лотто", молитвенные ковры "тройная
колонна", коврики "Смирна" характерной расцветки
с цветочным орнаментом, "медальонные" ковры со
"звездой и орнаментальными завитками" по
бордюру. В основном "трансильванские " ковры
относят к первой половине 17 века. Многие образцы
этого периода можно встретить в Европе,
особенно в Голландии.
КОВРЫ СТРАН ВОСТОЧНОГО
СРЕДИЗЕМНОМОРЬЯ
В 1517 году турки захватили Египет. До
нашествия турок в Каире процветало ковровое дело,
ткали ковры в стиле мамелюк , названном в
честь правителя, которого свергли турки. Эти
ковры продолжали ткать и позднее, но теперь
стали появляться ковры нового типа — в стиле
"дворцового" искусства Оттоманской империи.
Был создан новый стиль — начали ткать так
называемые каирские турецкие ковры с
"цветочным" и "лиственным" орнаментом разной
формы. Ткали молитвенные коврики и ковры для
украшения жилищ. Появились ковры очень
большого размера.
Специалисты спорили о том, где ткались
ковры, в Египте или Турции, тем более что одни
ковры были на шелковом грунтовом
переплетении, а другие, более грубой выделки, — на
шерстяной основе. Однако всегда использовалась
пряжа с левой круткой S, что характерно для
египетских ковров. Поэтому есть все
основания приписывать их Египту. Во дворце Пит-
ти во Флоренции находится образец ковра из
собрания Медичи начала 17 века, который в
современных описях значится как "каирский
ковер".
Продолжаются споры по поводу другой
группы ковров с узорами "пара-мамелюк" и
"шахматная доска". По расцветке и деталям
орнамента обе группы ковров явно относятся к
периоду правления Мамелюков в Египте. Ковры
имеют одинаковую фактуру, однако вытканы из
пряжи с правой круткой Z, что, очевидно, не
позволяет отнести их к египетским коврам, а
техника асимметричных узлов не характерна для
турецких ковров. Бытует мнение, что ковры
ткали в Дамаске, в котором когда-то правили
Мамелюки, а потом он отошел к туркам. Самые
ранние ковры "пара-мамелюк" можно датировать
15 веком. Ковер "шахматная доска" обычно
датируют концом 16-го — началом 17 века.
ПЕРСИДСКИЕ КОВРЫ
Почти все известные персидские ковры,
датируемые ранее 1800 года н.э., относятся к
периоду правления Сафавидов (1500-1722).
Недавно было высказано предположение, что
фрагмент ковра, находящийся в Музее Бенаки в
Афинах, относится к периоду правления Тиму-
ридов, то есть к 15 веку. Если это
действительно так, то мы имеем единственный
сохранившийся до нашего времени ковер, вытканный до
эпохи Сафавидов. Менее убедительным
кажется предположение, что некоторые из так
называемых тавризских "медальонных" ковров
также относятся к эпохе Тимуридов, хотя самый
большой из них можно датировать примерно
1500 годом.
Ковры эпохи Сафавидов. Трудно
приписать эти ковры к каким-то определенным
центрам ковроткачества, хотя можно назвать
несколько крупных городов ковроделия — от Теб-
152

ВОСТОЧНЫЕ КОВРЫ
I
1 ^\
№*
f С О $*' л Л€
jig»'
Л
^ ~: VT-
»,~ч.
#©>*48i
\ Ъ
ч
■ ■ III
—
КОВЕР
Сирия f ?Л возможно,
Дамаск
Шерстяной шоре
на шерстяном грунтовом
переплетении. Период
Оттоманской империи.
Начало 17 а.
Ковер с узором 'шахматная
доска* относится к одной иэ двух
известных групп ковров, которые
приписывают Дамаску. Ковер
трудно атрибутировать иначе.
(Вверху)
КОВЕР
Каир
Шерстяной ворс
на шерстяном груигомм
переплетении. 16 в.
Ковер в стиле 'каирского
турецкою'ковра является примером
перехода от одной техники
ткачества к другой, сходной (ковер,
представленный выше). Его
можно отличить по использованию
пряжи с левой круткой S. (Слева)
153

КОВРЫ И КОВРИКИ
риза на северо-западе до Герата на востоке.
Именно этим городам традиционно
приписывают производство ковров. Можно назвать еще
Кашан, Исфахан и Керман, которым
приписывают основные группы дошедших до нас ковров,
а также Казвин и Джоушаган, которые были
центрами ковроткачества. Имеется мало
документальных подтверждений связи отдельных
ковров с конкретными городами и даже периодами.
Путешественники часто отмечали, что
встречали ковры в отдельных городах и селениях
Персии, но их описания не содержали
существенных деталей, по которым можно было бы
уверенно идентифицировать группу ковров или тип
узора. Очевидно, однако, что ковроделие было
широко распространено в Персии 15-го, 16-го и
17 веков. Ковры ткали во многих городах, они
были гораздо разнообразнее тех сравнительно
немногих групп, которые нам известны и
которые поддаются аттрибуции. Однако не всегда
просто и не всегда возможно аттрибутировать
ковры известных групп, которые в
значительной степени узнаются по фактуре, а не по
орнаменту. Одни ковры приписывали нескольким
городам, другие трудно было отнести к
установленной группе или к конкретному центру
ковроткачества.
Как важно правильно определить
происхождение ковра. Вероятно, можно привести только
два примера уверенной аттрибуции тканых
изделий на основе данных об их художественной
и исторической ценности, и только два других
примера показывают, что с некоторой степенью
достоверности можно приписать ковры к
определенному месту производства на основе
данных об их фактуре. В 1610 году польский
король Сигизмунд III поручил армянскому купцу
Муратовичу посетить Персию и приобрести там
шелковые ковры и гобелены. В декабре 1602 года
Муратович представил польскому двору счет с
указанием стоимости восьми шелковых ковров.
Считают, что среди купленных ковров было два
шелковых килима с гербом Сигизмунда,
которые теперь хранятся в Резиденц-музее в
Мюнхене, как и остальные шесть ковров. Поскольку
доподлинно известно, когда и где были куплены
эти ковры, значительную группу шелковых
килимов, совпадающих по времени изготовления
и явно связанных с этой группой, можно
приписать Кашану конца 16-го — начала 17 веков.
Некоторые ковры можно датировать 16 веком.
Подтверждением служит тот факт, что один
похожий ковер, который хранится в Наре в
Японии, принадлежал самураю Тоетоми Хидэоси (ум.
1598).
Однако почти в то же время синьория
Венеции получила первые три шелковых ковра —
подарок персидского шаха. Первый ковер был
доставлен в Венецию в 1603-м, второй — в
1622-м и третий — в 1638 году. Пять ковров,
известных как "польские", хранятся в
сокровищнице св. Марка. Ковер из первой группы
даров очень сходен по орнаменту с другим
"польским" ковром, подаренным в начале 17
века шахом Аббасом усыпальнице имама Али
в Эль-Наджафе. Вероятно, все ковры были
изготовлены в шахских мастерских, созданных
шахом Аббасом в первые пять лет 17 века в
своей новой столице Исфахане.
Ковры с другим узором. Две отдельные
группы ковров однозначно приписывают Кашану
и Исфахану. Эти ковры отличаются от ковров
других групп, например, тавризских ковров с "ме-
дальонным" орнаментом, объединенных общим
"ПОЛЬСКИЙ"КОВЕР
Исфахан, Центральная Персия
Шелковый ворс
с металлической парчовой
нитью на смешанном
хлопчатобумажном
и шелковом грунтовом
переплетении. Вторая
четверть 17 в.
До нас дошло более 200
"польских" ковров, из них только
35 имеют такой же размер или
больше. Большинство "польских*
ковров имеет плотное фунтовое
переплетение и смешанный
хлопчатобумажный и шелковый уток
Для ковров с шелковым ворсом
не характерны такие крупные
узлы, какие заметны на этом
ковре. Однако есть ковры с
полностью шелковым грунтовым
переплетением и более мелкими узлами.
Их относят к первому
десятилетию 17 в. Не все образцы имеют
металлическую парчовую нить.
Известны только два ковра с "хм-
вописным' орнаментом На
одном позднем "польском* ковре
имеется подпись армянского
мастера — "Яков*. В период
правления шаха Аббаса Армения
имела монополию на торговлю
шелком.
154

ВОСТОЧНЫЕ КОВРЫ
-ИМПЕРАТОРСКИЙ"
КОВЕР
Центральная Персия,
предположительно Катан
Шерстяной ворс
с металлической парчовой
нитью на шелковом
грунтовом переплетении,
Период правления
Сафавидов. Конец 16 в.
Считают, что ковер находился
среди прочих, подаренных
Петром Первым австрийскому
императору Леопольду I (1658-1705).
Надпись вокруг внутреннего
центрального поля означает, что
такими коврами персидские
правители выражали свою монаршую
милость. (Справа)
КОВЕР
Район Гвриэа, Персия
Шерстяной ворс на
хлопчатобумажном грунтовом
переплетении. Период
правления Каджаров.
Вторая половина 19 в.
Один из знаменитых 'кустарных*
ковров Персии 19 е. Ковры
продавали под разными
названиями - гореванские, серапскне,
бакшайаие, но все они были
вытканы в одном районе. (Внизу)
■»?■
узором, которые приписывают Керману.
Последние весьма разнообразны по орнаменту, и
благодаря легко узнаваемой фактуре теперь их
считают однотипными.
Выделяют другую "группу" ковров: более
поздние ковры 17 века с весьма разнообразным
орнаментом и однотипной или разной основой,
приписываемые провинции Хорасан в Восточной
Персии; шерстяные ворсовые ковры с
великолепным орнаментом и расцветкой, на шелковом
грунтовом переплетении, часто с металлической
парчовой нитью, приписываемые Кашану.
Особняком стоит группа из 17 небольших и 4
больших шелковых ковров (последние обычно
называют "охотничьими"), также приписываемых
Кашану. Шелковые кашанские ковры
предположительно можно датировать второй половиной
16 века.
Сложности датирования. Хронология
является менее сложной проблемой, тем не
менее она существует. Эпоха правления
Сафавидов грубо растягивается на два столетия. В
эти годы были вытканы почти все ковры,
которые можно отнести к конкретным группам.
Некоторые даты, указанные выше,
подтверждаются исторически, они позволяют
определить, когда и где (в некоторых случаях) был
выткан тот или иной ковер. Известны,
например, три ковра, датируемые 16 веком. Самый
старый из них — большой шерстяной
"охотничий" ковер хранится в музее Польди Пец-
цоли в Милане. На ковре имеется подпись
мастера, он датируется 1522-1523 годами н.э.
Два других ковра — знаменитые ардабильс-
кие "медальонные" ковры, шерстяные на
шелковом грунтовом переплетении. На каждом
ковре выткано одно и то же изречение и
подпись мастера (Максуд из Кашана); ковры
датируются 1539-1540 годами н.э. Они
хранятся в музее Виктории и Альберта в Лондоне и
в Окружном музее Лос-Анджелеса.
Родовые ковры. В период правления
Сафавидов ткачество было частью цеховых или
дворовых ремесел. К 19 веку в таких условиях
ткали ковры только в Персии. Однако мастера
многих известных в Иране ткацких мастерских не
были персами по происхождению. Они были
турками, арабами и представителями других
этнических групп. Только курдов и лурдов
(боковая ветвь рода Бахтиаров, берет свое начало
в 16 веке) считают персами по происхождению.
Другое крупное объединение мастеров
ковроткачества было "искусственным" политическим
образованием шаха Каджара.
До нас дошли многочисленные родовые
ковры, датируемые 1850-1920 годами. Однако
совершенно очевидно, что многие из них, в
частности хорошо известная группа кашкайских
ковров, изготовлены в мастерских, созданных
155

КОВРЫ И КОВРИКИ
богатыми ханами (старейшинами рода), и
предназначались для личного пользования либо для
продажи. Это относится и к так называемым
бахтиярским коврам с хлопчатобумажным
грунтовым переплетением. С 1870 года ковры
ткали в мастерских, находившихся во многих
городах и деревнях долины Чакар Махал к
западу от Исфахана и принадлежавших роду Бах-
тиаров.
Следовательно, когда термин "родовой"
используется применительно к персидским тканым
изделиям 19-го — начала 20 веков, следует
помнить, что существуют сложности в
определении места производства ковров. Многие из
известных бытовых тканых изделий, например
переметные сумы, легко определяются как
родовые, как и многие очень красивые ковры
грубой выработки с толстым лохматым ворсом. Их
изготовляли в основном для домашнего
употребления, и только недавно они привлекли
внимание коллекционеров.
ИНДИЙСКИЕ КОВРЫ
Существует мало документов, в которых
описываются ковровые изделия Индии в период
правления Великих Моголов в 16 и 17 веках.
Сохранились некоторые образцы, которые
обычно относят к двум разным группам ковров. К
первой группе относится ковер,
демонстрирующий пышность и роскошь тканых изделий
Востока. Ковер отличается чрезвычайной
детализацией узора, реалистичным "цветочным"
орнаментом и прекрасными красками. Для образования
ворса использовали самые дорогие материалы, а
также мягкую тонкую шерсть кашмирских коз
КОВЕР
Мастерские рода Бахгиаров,
долина Чакар Махал, Персия.
Шерстяной ворс на
хлопчатобумажном грунтовом
переплетении. 1885-1886.
Ковер относится к
многочисленной группе ковров 19-го — ночо-
ло 20 в. Ковры ткали в
мастерских, созданных богатыми ханами
из рода Бахтиаров в
принадлежавших им деревнях к западу от
Исфахана. (Вверху)
КОВЕР
Индия,
предположительно Лахор
Шерстяной ворс
на смешанном шелковом
и шерстяном грунтовом
переплетении. Период
вторая четверть 17 в.
Один из наиболее красивых
образцов многочисленной группы
ковров с орнаментом из цветущих
кустов на красном фоне. Комр
выткан для дворца магараджи
Джайпура в Амбере. (Слева)
156

ВОСТОЧНЫЕ КОВРЫ
"пашмина". Вероятно, в истории ковроткачества
этот ковер является единственным примером
соединения высокого мастерства с несомненной
художественной ценностью.
Ковры из козьей шерсти предположительно
ткали в Кашмире в начале 17-го и, вероятно, в
конце 16 века. В 17 веке появилось много
ковров грубой обработки с ворсом из овечьей
шерсти. Многие ковры имели красный фон с
"цветочным" орнаментом. На технике ткачества было
заметно влияние техники персидских ковров из
Исфахана, примерно совпадающих по времени
изготовления. Тем не менее индийские ковры
можно сразу отличить по расцветке и
характерным деталям орнамента.
Известна также большая группа ковров с
"цветочным" орнаментом на красном фоне,
выполненным в реалистической манере. Ковры
относят к середине 17 века, большинство из них
было найдено во дворце магараджи Джайпура в
Амбере. Ковры отличаются по качеству, но даже
лучшие из них не приближаются по красоте к
более ранним коврам "пашмина". Все ковры, а
также различные "охотничьи" ковры и ковры со
"звериным" орнаментом обычно приписывают
мастерским в Лахоре. Некоторые из них,
несомненно, были вытканы в Лахоре, хотя в тот же
период, возможно, ткали похожие ковры и в
других городах, например в Агре. В конце
правления Великих Моголов, то есть в конце 17 и в
18 веках появились ворсовые ковры "пашмина",
вытканные предположительно в Хайдарабаде и
известные как ковры с "цветочным" орнаментом.
Молитвенные коврики, которые относят к этой
же группе, имеют "вазовый" и "цветочный"
орнамент, напоминающий натюрморты
фламандских живописцев 16 века.
ТЕКИНСКИЕ КОВРЫ
За последние два десятилетия искусство
ткачества родовых ковров в Центральной Азии и
особенно в Туркмении привлекало внимание
исследователей. К родовым текинским коврам
стали проявлять интерес коллекционеры.
Работы ковровых мастеров из главных родов
западного Туркестана — Салора, Сарыка, Ёмута, Тек-
ке и других — достаточно документированы.
Текинские ковры, вероятно, представляют
только незначительную часть дошедшей до нас
культуры кочевых народов Востока. Многие
образцы ковров имеют общие признаки, то есть
преимущественное использование различных
оттенков красного цвета на доминирующем
центральном поле и орнамента из восьмиугольных
медальонов (гелей). Этот декоративный мотив
повторяется наиболее часто. Российские ученые
считают, что гель является родо-племенным
знаком, и каждая разновидность геля выражает
качества, присущие только этому племени.
Ученые считают, что, когда одно племя
захватывало другое и поглощало его, гели постепенно
теряли признаки, характерные исключительно для
своего племени. Эта теория остается
недоказанной, и сегодня к ней относятся весьма
скептически.
Каждый ковер имел свое назначение и
название. Главный ковер был самым большим, потом
был енси, закрывавший вход в юрту, и капунук с
двумя длинными узкими полосами, висевшими
ТЕКИНСКИЙ КОВЕР
С ОСНОВНЫМ УЗОРОМ
Рад Салора, Туркестан
Шерстяной и шелковый ворс
на шерстяном грунтовом
переплетении. 19 в.
Ковры рода Салора относятся
к самым красивым образцом
туркменского родового
ковроткачества. Повторяющийся 'медаль-
онный" орнамент образован из
гелей.
157

КОВРЫ И КОВРИКИ
над енси. Туркменские ткачи были известны
своими охотничьими сумками с ворсом, которые
отличались высоким качеством и
разнообразием. Самую большую сумку называли чувал,
потом шла торба и самая маленькая — мафраш.
Видимо, молитвенные коврики не получили
широкого признания в Туркестане, хотя известно
несколько прекрасных образцов мастера Бешира
Ерзари.
Большое значение имели тканые изделия,
которыми украшали животных, например,
пятнили семиугольные попоны для верблюдов. В роду
Салора ткали прямоугольные попоны,
называемые асмалыками. Грудь животного украшали
небольшим тканым ковром халыком.
КАВКАЗСКИЕ КОВРЫ
Самая ранняя группа ковров, которые
приписывают мастерским Азербайджана,
расположенного к северу от Ирана, — это ковры с так
называемым "варварским" узором "дракон" и
блестящими красками. Их относят к 16-17 векам.
Преобладающий мотив — повторяющийся
стилизованный рисунок дракона, обрамленного
решетчатым бордюром. Этот узор мог быть
позаимствован у мастеров Кермана, которые ткали
ковры со "звериным" и "цветочным"
орнаментом и решетчатым бордюром. В 18 веке
орнамент трансформировался в чисто "цветочную"
композицию. Самая большая коллекция ковров
с узорами "дракон" и "цветение" находится в
музеях Турции, куда их доставили из мечетей.
Узор в виде надписей на армянском языке на
некоторых старых образцах заставляет
предположить, что в мастерских, где ткали эти ковры,
вероятно, работали армяне, влияние которых на
ТУРКМЕНСКИЙ
АСМАЛЫК
(ПЕРЕДНЯЯ
ВЕРБЛЮЖЬЯ ПОПОНА)
Род Ёмутв, Туркестан
Шерстяной ворс
на шерстяном грунтовом
переплетении.
Вторая половина 10 в.
Многие из самых красивых
родовых ковров были вытканы
молодыми девушками. Ковры
составляли часть их приданого. Ковры
ткали только женщины, и
секреты ткачества передавались в
пределах рода. (Вверху)
158

ВОСТОЧНЫЕ КОВРЫ
КАВКАЗСКИЙ КОВЕР
Предположительно Шуша,
район Карабаха, Азербайджан
Шерстяной ворс
на шерстяном грунтовом
переплетении. 18 в.
Вероятно, ковер был выткан в
мастерских, созданных
богатыми местными правителями.
Ковер имеет узор "цветение*.
Заметен отход от стилистики
более ранних ковров с узором
•дракон" и деревенских ковров
19 в. (Справа)
КАВКАЗСКИЙ КОВЕР
Район Казаха,
юго-западный Кавказ
Шерстяной ворс на
шерстяном грунтовом
переплетении. Вторая
половина 19 в.
Ковер из хорошо известной
группы ковров с узором "звезда".
Прекрасный образец поздних
ковкозских ковров. (Внизу)
культуру ткачества Турции, Персии и стран
Кавказа до конца не изучено.
Типы ковров и их назначение.
Текинские ковры использовались в юртах для
украшения и тепла. Иногда ковры имели более
утилитарное назначение. Умение ткать ценилось очень
высоко. У большинства восточных народов с
развитой культурой ковроткачества этим ремеслом
занимались в основном женщины. Поэтому в
семьях берегли даже самые маленькие коврики,
которые явно имели бытовое назначение, и
особенно ковры, которые в семье девушки
считались ее приданым.
Появление ковров "цветение" с более
стилизованным орнаментом, естественно,
заставило обратиться к деревенским коврам и к
коврам, вытканным в мастерских в 19-м — начале
20 века. Кавказские ковры этого периода в
большом количестве импортировали в Европу и
США. В отдельных областях — Казахе,
Карабахе, Мохане, Гяндже, Ширване и других —
ткали ковры с определенным рисунком,
который, в свою очередь, связывали с конкретным
селом. Названия ковров — "Лори-Памбак",
"Борчалу", "Фахрало" (все приписываемые
Казаху) вошли в западную литературу по
ковроткачеству. Хотя, ссылаясь на них, нужно быть
осмотрительным.
159

КОВРЫ И КОВРИКИ
Ковровый стиль стрли Среднего Востока был завезен
МУСУЛЬМАНАМИ В ИСПАНИЮ. Это ДАЛО ТОЛЧОК РАЗВИТИЮ
КОВрОДЕЛИЯ, КОТОРОЕ РАСПРОСТРАНИЛОСЬ ПО ВСЕЙ ЕврОПЕ
от Средиземного моря до Балтики.
ЕВРОПЕЙСКИЕ КОВРЫ
Существовало много условий для
процветания ковроткачества в Европе. Можно
назвать несколько факторов, объясняющих,
почему те или иные города стали центрами
ковроделия. Часто развитие ковроткачества
стимулировала связь со странами Ближнего
или Среднего Востока, которые имели шерсть,
основное сырье для производства ковров.
Прохладный климат нагорных областей
препятствовал развитию сельского хозяйства,
поэтому в горных районах разводили овец и коз.
Возникали общины, жизнь которых зависела
от получения шерсти, которая давала не
только средства к существованию, но и защищала
от холода.
Социально-экономические условия,
влиявшие на жизнь королевских дворов Европы или
торговых центров, способствовали развитию
ковроткачества. Придворные и купцы хотели
иметь собственные предметы роскоши, в том
числе ковры, — это повышало их престиж.
Обычно они имели средства на развитие
коврового дела. Не менее важным было наличие
рабочей силы — молодых девушек и детей с
маленькими гибкими пальцами, которые
могли завязывать узлы или работать иглой.
Другим положительным фактором было обилие рек
с быстрым течением, воду которых
использовали для окраски шерсти.
ИСПАНСКИЕ
КОВРЫ
Первое значительное проникновение
исламской культуры в Европу относится ко второму
десятилетию 8 века н.э., когда мусульмане
заняли большую часть Испании и
провозгласили столицей Кордову. Среди
поселенцев-мусульман были образованные люди с
утонченным вкусом, которые привезли из Африки и
Среднего Востока вкус к роскоши и желание
выставлять ее напоказ. Их потребность в
коврах по мере возможности стали удовлетворять
развивающиеся местные ремесла. Алькарас и
Куэнка стали главными центрами
ковроткачества. Ковры ткали также в Альмерии.
Самые первые испанские ковры были
вытканы мусульманами, возможно выходцами из
КАЛЕБЖАНСКИЙ КОВЕР
Испания
Шерсть. 1450-1500 гг.
Сохранилось несколько таких
ковров, украшенных решеткой из
гранатов в готическом стиле.
Образец назван по имени вла-
дельца, торговавшего коврами в
Париже в конце 19 века. Ковер
выткан в Алькарасе или Летуре,
в технике испанского узла на
одной нити основы, как и все
испанские ковры этого периода.
Египта. Среди мусульман в Испании было
много коптов и египтян-христиан, и они повсюду
распространяли ткачество в технике узла на
одной основе, которая просуществовала до 17
века. Этот узел, получивший название
испанского, завязывается на каждой чередующейся
нити основы, а в следующем ряду — на
другой чередующейся нити. В настоящее время
известно мало испанских ковров, которые
датируются раньше 15 века, а тогда
большинство ковров ткали монахини-христианки.
Характерной чертой ковроделия в Испании
было взаимное влияние исламской и
христианской культур, которое отражалось и на
смешанной природе узора ковров, особенно начи-
160

ЕВРОПЕЙСКИЕ КОВРЫ
ная с 14 века. Типичными мусульманскими
мотивами, завезенными со Среднего Востока,
были "звезды" и "деревья". Бордюр иногда
украшали куфской вязью. На протяжении 15
века использовали готические мотивы,
особенно геральдические гербы и эмблемы, часто в
сочетании с исламскими элементами.
Встречался и геометрический узор, включая
орнамент в стиле "малых полотен Гольбейна" и
"больших полотен Гольбейна". Вероятно, на
таких узорах сказывалось влияние
анатолийских ковров, ввозимых в Испанию. У
персидских гончаров, которые в 13-м и 14 веках
делали изразцы, теперь покрывающие стены
дворца Альгамбра в Гранаде, испанские ткачи
позаимствовали персидские мотивы, например
узор бесконечных узлов. После Кордовы
столицей мусульманской Испании стала Гранада,
гербом которой был гранат. Узором из
гранатов часто украшали испанские ковры. На
образцах ковров 15-го и 16 веков отмечаются
мотивы, заимствованные у художников
итальянского Возрождения, например "цветочный"
и "лиственный" орнамент.
В 1492 году Фердинанд Арагонский
завоевал провинцию Гранада, занятую
мусульманами. Эпоха мусульманского владычества в Юж-
КОВЕР, УКРАШЕННЫЙ
ВЫШИВКОЙ
Португалия
Шерсть. 17 в.
Рисунок ковра,
предположительно вытканного в Аррайолосе,
заимствован у персидских и
индийских ковров различного типа,
что свидетельствует о торговых
связях между этими странами в
17 в. Преобладающая
расцветка с бледно-голубых и желтых
тонах типична для ковров Аррайо-
лоса. Ковер украшен вышивкой,
обычно отмечаемой на этих
коврах. (Справа)
г-
КОВЕР
Испания
Шерстяной ворс
на шерстяном грунтовом
переплетении.
Узор "Лотт©". Конец 16 в.
Характерная расцветка ковров,
изготовленных в главном центре
ковроткачества в Куэнке на юге
Испании. Испанские варианты
анатолийского узора 'арабеска*
или 'Лотте/, очевидно, были
распространены очень давно. Этот
узор встречается и на коврах
других европейских стран. (Слева)
161

КО В Р
И КОВРИКИ
ной Испании закончилась. Многие
мусульманские мастера, оставшиеся в Испании, создали
стиль, получивший название "мадьярского".
Мусульмане окончательно покинули Испанию
в 1609 году, и после этого качество испанских
ковров стало ухудшаться. Начали ввозить
турецкие ковры, испанские ткачи заимствовали
у них рисунок, расцветку и даже технику. На
многих коврах, вытканных в Испании в 17-м и
18 веках, встречается испанский узел.
В маленьком укрепленном городке Аррайо-
лос в Португалии ковроткачество
существовало с 16 века. Ковры украшали вышивкой
"елочка", узор заимствовали у ковров других стран,
включая Турцию и Персию. По расцветке
ковры напоминали испанские — сочетание
красного и зеленого
КОРОЛЕВСКИЕ
КОВРОВЫЕ
МАНУФАКТУРЫ
ВО ФРАНЦИИ
Во Франции ковроделие стало набирать
силу в тот период, когда ковроткачество в
Испании стало приходить в упадок, — в
первой четверти 17 века. Во Франции начали ткать
ковры на три столетия раньше, но ни один из
ранних ковров не сохранился до нашего
времени. После религиозных войн, которые
сильно подорвали хозяйство страны, Генрих IV
решил развивать во Франции новые ремесла.
Мануфактура Савонери. В 1608 году
Пьер Дюпон получил лицензию на
изготовление ковров в мастерской при Лувре. В 1623
году в своем трактате он сообщил, что освоил
восточную технику ткачества ворсовых ковров
из шелка и шерсти. Четыре года спустя
Дюпон взял помощника и расширил дело, купив
помещение бывшей мыловаренной
мануфактуры на окраине Парижа. Ковры, которые ткали
здесь, стали называть коврами Савонери.
На мануфактуре Савонери ткали ковры по
самым высоким стандартам в технике
турецкого узла. Рисунок ковров был выдержан в
западном стиле с использованием мотивов
декоративного искусства эпохи Возрождения. На
мануфактуре работали сироты из
находящегося рядом приюта, брали девочек 10—12 лет,
которые шесть лет учились ковровому делу. С
воцарением на троне Людовика XIV
владельцы мануфактуры старались своими изделиями
еще больше подчеркнуть великолепие
королевского двора. На протяжении столетия ковры
Савонери пользовались высоким спросом. Их
поставляли в Лувр и Тюильри, позднее — в
КОВЕР, ВЫТКАННЫЙ
НА МАНУФАКТУРЕ
САВОНЕРИ.
Франция.
Шерсть. Середина 18 в.
Узор и расцветка ковра,
предположительно вытканного для Вер
сальского дворца, выдержаны в
стиле 'рококо'. (Слева)
162

ЕВРОПЕЙСКИ
Е
КОВРЫ
г^. -^г
1к;з:2льскнй хзорен~ строительство которого
jiib024i!»iDZi е. L756 голу Французская зк1Тк
гщгл;гл1 хорэлю. злхлзвсввн ковры ляп см
1л ггрысинх и загородных доков.
!''зр;а плн кинро-в. которые ткалн нл ману-
^зягур? r-niJtiiM-i Шйрл* Либрмн (3&19 —
h;,ll!« П.-И С'йДерЖйХН ЖИЙй мгпбррЖСННЫН
"jHU'ii i.jfl "йрКЛНС-НТ"* С НЛйМИЧ1'^ш.ИМИ #НТИЧ-
HfcS'iH ЛГТЛЛЯЫН нЛПрНЫСр ОрНЛМйНТЗХЬНЫМИ 3-3-
вилмуч н пйлйсйыи с MH^EuioJHHMir'HHMH слен-
С2Ч1-1
Ну wvиуфйй 1 ygpiri CpyoHi'pH продолжали
ТЧГЬ чйНЦН иЛЗ П|ЫЯНТ1^ГЙ ФДОИУНЛ ПОЧТИ
ю гзими лнгй Рй^унпн иовров *ентлся ■& за-
: кичигтн ит нлый.чйнн-а ЛйКйрнтИвнеги стн-
-и На citsav бледным токхи и иэтнх&м ет и-
. •) ;okdkdr, мо.П1ШИ to времена Лвдовннл
Л'.', ::;1илн тусклые храсхи 11 сдержанный
г лыетрпчесхнй узор о этрусском стиле, по-
i у л ь;ни с- до революции. В период Империи
иапздишш архитекторов Пеосье и Фонтами
г. ичй-гись волос пышной форийЯ я сти/п
<iatvi 1.1ПЫД Q а 9 ЬСКС <бЫЛЙ СОЗДАН* ГрфЩн
vi4|=if. -о декнляы Зжонл Etaoi. ныв-Лижа Н»ч.;-
TiH4L'£HuU СТИЛО
Оршссопские м«лры_ Другим нейтрал*
MMfuTAuMMiTLi do Франции был ОСхзссон,
rain! 1 321* хм к югу от Парижа. В атом рлнонс
в именно icKoa ткали гоОелсны, si 1 L743
толу власти решили, с-озлать в городе
копровую нямуфйк-яуру Три пздл спустя исключи-
тельное прйай на Арзизвооство коороо в
Обюееоне получили два паригкехнх Kynqa, н
с тех пор различны* Частные зеастерекке о
городе находились пал клитрвлеч мастей.
Некоторые ооюссонские и-ййры были ручной
работы, но значительная часть зкадвсь в
технике глаажого переплетения Пй «грвйяеыня с
кадрами млиуфлжтуры Саййннрн узор обзас-
С01Г00СХНХ КОВрОХ бЫЛ МЙНС? б;?ОСКНМ, НО ПО-
CT1TD4QD СЛОЖНЫМ ТнПкЧЙЫН "бюсСОКОВСХНЁ
козер L9 века имеет слежный "цветочныйг
н.си "садовый" орнлмен*. выполненный г ре-
ллкстнческой манере
АНГЛИЙСКИЕ
КОВРЫ
РУЧНОЙ РАБОТЫ
В Акглни поври тклхн е середнны If? в***.
Ни о перавск ивнуфактурхх того времени
известно- о-тень мало. Так же мало- ядметчо 0 но---
рах~ которасе ткали в Еврчсстояе и НФрнвче в
l& tff.t До нле дошли ьышнаый КйарЫ. с
узором из сплетенных постов, котарыя ястреча-
гы ил современных иышнтик изделиях
Уяятфм С огневой Наззтсксто адн^та х
mjJSfi голу свобод! вероисповедания хо Фрлн-
21HH б^1й йап решена, н ^гевоты, среди ною-
KOBQ» С КРУЖЕЕНОЙ
ОТДЕЛКсзЙ.
*7W-ltfB.
ii> t'»r». cr'-cfBiP па.т^*г рас-
ГТОСТрОг****! tfi wTafcajjU. »\гт-
ПТ1МТ "<pr*^) H.TmVm.*i#.-»-jwb
|>1а>-ч«<у&зю цепи, -апоА*г*-
<анн1 c-p>rau«rr t»a rfair.un
lltU^if чета 11

КОВРЫ И КОВРИКИ
рых было много ткачей, нашли приют в
Англии. К концу века французские ковровые
мастера наладили производство ковров в Уилто-
не в Южной Англии. Эта область славится
производством шерсти и изготовление тканей. В
1701 году Вильгельм III даровал мануфактуре
в Уилтоне королевскую грамоту. На
мануфактуре начали ткать ковры с петельным ворсом,
была разработана техника разрезания петель.
Бархатистый ворс ковров получил название
уилтонского.
Фулем. В 1779 году два мастера-ткача с
мануфактуры Савонери переехали в Лондон,
где при поддержке эмигранта-гугенота Пьера-
Паризо (1697—1769) открыли мануфактуру в
Паддингтоте. Дело пошло успешно, и
мануфактура переехала в большое здание в Фулеме,
где начали ткать ковры с узором,
позаимствованным у ковров мануфактуры Савонери. В
1755 году мануфактуру в Фулеме продали,
однако уже в следующем году Паризо открыл
новую мануфактуру в Эксетере, и эта
мануфактура процветала до конца столетия.
Эксминстер. Томас Уитти, ткач из Экс-
минстера, начал делать ковры ручной работы
в 1755 году. Тайком посещая мануфактуру в
Фулеме, он многому научился там. Уитти
научил своих дочерей завязывать турецкий узел
и в течение года выпускал ковры высокого
качества. Постепенно все ковры ручной
работы стали называть эксминстерскими.
Большинство ковров продавалось в богатые дома,
эскизы ковров часто создавал архитектор по
заказу хозяина дома.
Морфилдз. Еще одна ткацкая
мануфактура, выпускавшая ковры ручной работы, была
открыта в 1756 году Томасом Мором в Мор-
филдзе, районе Лондона. В 1769 году на
мануфактуре ткали великолепные ковры по
эскизам Роберта Адамса, предназначавшиеся для
резиденции герцога Нортумберлендского.
КОВЕР
РАДЗИВИЛЛОВ-СДРРЕ
Польша
Шерсть. 1700 - 1750 гг.
Ковер назван по фамилии
польских князей, чей герб
входит в узор ковра, и немецкого
историка искусств Фридриха
Сарре, которому ковер
принадлежал. Считают, что ковер
выткан в Бродах, к востоку от
Львова. (Внизу)
ДОНЕГОЛСКИЙ КОВЕР
Шерсть. Ок. 1900 г.
Ковер выткан по эскизам
архитектора Чарлза Фрэнсиса Вой-
зи, по рисункам которого на
рубеже веков выпускали обои и
текстильные изделия в Европе и
Северной Америке. (Вверху)
*fe'
ш
*ъх
L
К
Движение "Искусства и ремёсла". С
1800 года ковровые мануфактуры в Англии
начали механизировать. Сразу уменьшилось
количество мастерских, делавших ковры
ручной работы. В последней четверти 19 века
Уильям Моррис попытался наладить
производство ковров ручной работы. Аналогичные
мануфактуры создавались по всей Европе:
можно назвать мануфактуру Александра Мор-
тона в Донеголе, Ирландия, мануфактуру Гин-
цки в Мафферсдорфе, Богемия, а также
мануфактуры в Швеции. Ведущие архитекторы
и художники создавали эскизы для ковров по
принципам движения "Искусства и ремёсла",
в стиле модерн и стиле "Венских
отступников
»»
164

ЕВРОПЕЙСКИЕ КОВРЫ
СТРЭДБРОКСКИЙ КОВЕР
Англия
Шерсть. Ок. 1790 г.
Этот эксминстерский ковер был
выткан сэром Джоном Роузом и
вывешен в Хэнхэм-холле, Эссекс,
в 1795 г. (Внизу)
ДЕРЕВЕНСКИЕ
КОВРЫ
В континентальной Европе деревенские
ковры ткали во многих странах. В Испании
в деревнях, расположенных на склонах
Сьерра-Невады, ткали альпухерские ковры
грубой выработки с неразрезным петельным
ворсом. Многие ковры имели отдельно
вытканную кайму, обрамлявшую ковер с
четырех сторон. Предполагали, что такие ковры
стелили не на пол, а на кровать или на стол.
Мусульманские детали узора позволяют
предположить, что впервые такие ковры
начали ткать до изгнания мусульман из
Испании в 1609 году. В узоре ковров
использовались декоративные мотивы — дерево
жизни, "цветочный" и "птичий" орнамент,
животные и гранаты.
Безворсовые килимы с ярким
геометрическим узором ткали в Польше. Встречались
ковры с "цветочным" орнаментом, на котором
чувствовалось влияние узора обюссонских
ковров. Хотя большинство ковров можно
отнести к изделиям деревенских ремесел, ткали
и ковры ручной работы с более сложным
рисунком; в 17 веке в Бродах были созданы
ковровые мастерские. Килимы и ковры Западной
Украины обычно украшались "цветочным"
орнаментом с множеством мелких деталей, на
котором сказывалось французское влияние.
Тем не менее ковры сохранили самобытный
почерк мастера.
В скандинавских странах использовали
различную технику гладкого ткачества для
производства накидок и покрывал. В Финляндии
и Швеции ткали ворсовые ковры риа в
технике турецкого узла, с абстрактным "звериным"
и "цветочным" орнаментом, напоминавшим
узоры ковров Ближнего Востока. Иногда в
узоре ковров встречались парные людские
фигурки, вероятно, изображавшие свадебный обряд.
В Финляндии ворсовые ковры продолжали
ткать на протяжении всего 19 века, часто с
преимущественно абстрактным узором. В
Швеции после 1800 года производством
ковров, видимо, не занимались.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться
новые работы.
Айланд М. Л.
Восточные ковры.
(2-е изд.)
Нью-Йорк, 1976.
Беннетт Йан. (ред.)
Ковры и коврики
всего света
Лондон, 1977.
Биддер Ханс
Ковры Восточного
Туркестана
Лондон, 1964.
Диманд М. С.
Деревенские ковры
кочевых народов Азии
Нью-Йорк, 1961.
Джарри М.
Обюссонские ковры
Ли-он-Си, 1969.
Кендрик Э. Ф.
и К. Э. К. Таттерсолл
Ковры
ручной работы
Нью-Йорк, 1973.
Ландро А. Н.
и У. Р. Пикеринг
Гладкотканые
ковры — от Босфора
до Самарканда
Вашингтон, 1969.
О'Бэннон Джордж У.
Текинский ковер
Лондон, 1975.
Студия Тиффани
Древние
китайские ковры
Нью-Йорк, 1969.
Таттерсолл К. Э. К.
и С. Рид
Английские ковры
Лондон, 1966.
Шлоссер И.
Справочник
по восточным
и европейским
коврам
Лондон, 1963.
Эдуардз А. К.
Персидские ковры.
(Исправ. и дополи,
изд.)
Лондон, 1975.
Эллис Чарлз Грант
Ранние кавказские
Вашингтон, 1976.
Эмери Ирэн
Основная фактура
тканых изделий
Вашингтон, 1965.
Эрдманн Курт.
(Пер. М. Битти
и X. Херцог)
Семь столетий
восточных ковров
Лондон, 1970.
Якобе Бертрам
Эксминстерские
ковры
Ли-он-Си, 1969.
Якобсен Чарлз У.
Восточные ковры.
Полный справочник.
(11-е изд.)
Нью-Йорк, 1971.
165

Вышивка
Го6еаены
лоскутные и стеганые издеаия
•
ИЗДЕАИЯ ИЗ обыЧНОГО
И НАбИБНОГО СИТЦА
•
КруЖЕВА
Одежда
Кашемировые и шотаандские шааи
Джуди Уэнтуорт
v < ш
На странице: ОБИВОЧНАЯ ТКАНЬ 18 в. (Фрагмент)

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ТЕКСТИЛЬ
костюм
4
ПрИВЫЧНАЯ ОДЕЖДА И ТЕКСТИЛЬНЫЕ ИЗДЕЛИЯ ЯВЛЯЮТСЯ
ОбрАЗЦАМИ РУКОДЕЛИЯ, ЗАСЛУЖИВАЮЩИМИ САМОЙ ВЫСОКОЙ
ОЦЕНКИ. К СЧАСТЬЮ, ДО НАС ДОШЛИ ОТДЕЛЬНЫЕ ЭКЗЕМ ПАЯ рЫ,
ДАЮЩИЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЕ О ПОВСЕДНЕВНОЙ ЖИЗНИ
НАШИХ ПрЕДКОВ.
Мы все — и не только в повседневной жизни — пользуемся
текстильными изделиями, и большинство из нас даже не задумывается об их
происхождении. А между тем одежда и ткань, из которой она сшита,
являются одним из определяющих элементов нашего быта.
Большинство изделий ручной работы сделано мастерами своего дела,
часто с использованием дешевой рабочей силы. Однако любители всегда
ценили прекрасные творения человеческих рук. Дома нужно было
обставлять мебелью, а людям — одеваться. Исходя из этого, люди веками
создавали декоративные материалы и различные предметы быта —
напольные и настенные ковры, занавеси и балдахины для кроватей,
украшая свое жилище и делая его пригодным для жилья. Одежда, которая
шилась с учетом требований моды или сохранения стиля своего
времени, позволяет легко определить эпоху по изменению рисунка ткани и
покрою одежды.
В прошлом создание тканей было частью повседневной жизни людей.
К 14 веку благодаря посредникам и купцам производством тканей в
Европе стали заниматься не только в городских мануфактурах, но и в
сельской местности. Многие семьи и мелкие владельцы мастерских
приобретали ткацкие станки, чтобы повысить свое благосостояние путем
ткачества шерстяных и льняных тканей. Изделия кустарного производства,
пряжа и готовые ткани сбывались на больших торговых ярмарках и
сезонной распродаже и развозились по всему миру перевозчиками и
судами морских держав.
В начале 17 века в Европе появился хлопок. Китайский шелк,
который ценился еще до нашей эры и секреты производства которого
тщательно охранялись, ввозился в Европу в течение нескольких веков.
Шелководство пришло в Римскую империю, а значит, в страны
Средиземноморья в 5 веке н.э. К 15 веку Франция выпускала собственные шелковые
ОТКРЫТОЕ ПЛАТЬЕ
Франция. 1792 г.
К 1790 г. одеждо становится
более простой и более изящной.
Но иллюстрации из модного
журнала представлено открытое
платье с длинным рукавом,
которое носили с нижней юбкой.
Длинная юбка закрывает обувь.
Были популярны шелковые или
хлопчотобуможые ткани с
повторяющимся рисунком. Шляпы с
высокой тульей прибавляли
женщине рост.
168

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
СИТЦЕНАБИВНОЕ ДЕЛО
Гравюра из "Энциклопедии"
ДениДидро. 18в.
Врощоющиеся цилиндры повзо-
ляют гороздо быстрее ноносить
рисунок но тконь, чем
трудоемким способом ксилографии.
(Вверху)
ОТДЕЛОЧНАЯ ТКАНЬ
Фирма
Александр Мортон и Ко'
Шелк и шерсть. Ок. 1900 г.
Интересный рисунок из
павлинов и геральдических животных
в лиственном орноменте.
(Вверху ниже)
ткани, а Италия в начале 17 века гордилась своими шелко-ткацкими
фабриками, работавшими от силовых установок.
Король Джеймс I очень хотел наладить производство шелковых
тканей в Англии и в Новом Свете. Он приказал насадить целые плантации
шелковицы, листьями которой питается шелкопряд. В 1607 году Джеймс
I вывез личинки шелкопряда в Виргинию (США), безуспешно пытаясь
наладить производство шелка в Америке.
Во времена первых поселенцев в Америке было мало торговцев
готовым платьем. Не было ничего необычного в том, что женщины шили
одежду и украшали свой дом изделиями из сырья, которое они сами и
выращивали. Выращивали хлопок, собирали его, обменивали на шерсть
и лен, затем обрабатывали сырье, ткали и окрашивали ткани. Ткали и
подрубали простыни и скатерти. Ткали ткани для одежды и обивки
мебели с основным рисунком в полоску и клетку. "Трясуны", древняя
религиозная секта, ткали тонкие шелковые ткани. Позднее дорогие ткани и
ткани для повседневной одежды стали ввозить из Европы.
Сегодня только немногие умеют обращаться с пряжей, умеют прясть
и работать на ткацком станке. Двести лет назад производством текстиля
занималось очень много людей, и сегодня мы можем только восхищаться
их работой.
ТКАНЬ ИЗ ЖУИ
Франция. Ок. 1796 г.
Дорогая хлоачотобумажная
тконь, переливающаяся всеми
цветами родуги. Образец менее
распространненой ксилографии
с деревянных форм. Тконь
изготовлено для продажи на рынках
Прованса. Относится к группе
тканей 'Приятная зелень*,
модных в 90-х г. 18 в. и позднее.
Плотный рисунок но темном
фоне. (Вверху)
169

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
Старинные вышивки не только являются поразительными
ПО СЛОЖНОСТИ И ЯРКОСТИ КрАСОК ИЗДЕЛИЯМИ ДЕКОРАТИВНОГО
ИСКУССТВА, НО И ДАЮТ ПРЕДСТАВЛЕНИЕ О НЕТОРОПЛИВОМ ТЕЧЕНИИ
ЖИЗНИ, КОТОРАЯ ПРОХОДИЛА ЗА ВЫШИВАНИЕМ.
ВЫШИВКА
Ниткой и иголкой пользовались веками, и их
основное назначение не изменилось и в
наши дни. С помощью нитки и иголки
соединяют отдельные куски ткани, украшают или
чинят одежду. До недавнего времени практически
каждая женщина и многие мужчины высшего и
низшего сословия умели вышивать, сохраняя это
умение с раннего детства до глубокой старости.
В каждом доме нужно было сшить что-то из
одежды, домашние вещи требовали починки и
обычно этим занимались женщины и дети.
Холостякам, солдатам и морякам тоже
приходилось пользоваться иглой. Изобретение в
середине 19 века швейной машины позволило
сократить долгие часы, проводимые за шитьем
белья и одежды, но никакая машина не может
прокладывать такие изящные стежки, какие
кладет опытная вышивальщица.
ОДЕЖДА
Профессиональные вышивальщицы не
ограничивались вышивкой домашних
принадлежностей. В 18 веке было налажено массовое
производство одежды, украшенной вышивкой, —
мужские пиджаки и жилеты, халаты и
плательные ткани вышивали в Лионе и
распространяли как во Франции, так и за ее пределами.
Портному нужно было только подогнать
изделие по фигуре заказчика. Вышивка чаще
встречалась на мужской одежде, потому что
женщины предпочитали носить платья из шелка с
парчовой нитью, не требующие украшений.
Бархатные, атласные, шерстяные и
хлопчатобумажные пиджаки, жилеты, бриджи и
мужские плащи были щедро украшены вышивкой и
иногда простеганы.
У вышивальщиц были особенно популярны
блестящие шелковые ткани разного цвета.
Использовали также крашеную шерсть. Вышивки белыми
нитками по белому фону часто выполняли
льняными и хлопчатобумажными нитками. В конце 18 века
жилеты и женские платья было модно украшать
блестками. Вышивку синелью, названную так из-
за пушистой нити, в 1770-х годах использовали в
Северной Америке и Англии, а еще раньше — во
Франции. С 80-х годов 18 века вошла в моду
вышивка тамбурным швом — иглой делалась цепоч-
ДЕТАЛЬ
МУЖСКОГО ЖИЛЕТА
Англия
Вышивка по шелку.
Ок. 1730 г.
Необычная вышивка по узорной
камчатной ткани. Использованы
четыре вида серебряной нити,
бутоны отделаны блестками и
серебряной фольгой (вверху
справа). Вышивка цветным шелком
выполнена простыми стежками,
стебли и серебряные листья
вышиты горизонтальными стежками.
Серебряные нити проложены
горизонтально, образуя
декоративный стежок.
ка стежков, напоминавшая вязание крючком.
Вышивкой шелком по шелку отделывали жилеты и
платья, муслиновые платья украшали вышивкой
белыми нитками по белому хлопку и вышивкой
цветной шерстью.
ВЫШИТЫЕ ДОМАШНИЕ
ПРИНАДЛЕЖНОСТИ
Диваны, кресла, стулья и диванные
подушки часто обивали вышитой канвой —
крестиком, полукрестиком или сочетанием этих швов.
В более ранний период все обивочные ткани в
Европе украшали вышивкой, рисунок для
которой, с незначительными изменениями,
заимствовали с больших тканых ковров, украшавших
стены замков и богатых домов. Поэтому
вышивку по канве иногда ошибочно называют
"гобеленом", хотя гобелен является тканым
изделием. Были популярны рисунки на библейские и
мифологические сюжеты, охотничьи сценки и
сцены из придворной жизни. Очень
распространенным был цветочный рисунок. В 1770-х годах
во Франции можно было купить готовую канву
для обивки кресел и диванов, на которую не
только был уже нанесен рисунок, но и вышиты
наиболее сложные детали. Большие
поверхности вышивались крестиком, более мелкие
детали — полукрестиком. Этим эффектным
стежком плотно покрывали всю поверхность, полно*
170

ВЫШИВКА
стью скрывая канву. Мелкие предметы обихода
вышивали крестиком шерстяными и
шелковыми нитками — шнурки для звонка, столовые
салфетки, кошельки, подушечки для иголок,
домашние туфли, пояса и даже жилеты.
Балдахины для кроватей и драпировки были
важными предметами домашнего обихода до
конца 18 века. Они защищали от сквозняка,
слишком яркого солнца и посторонних глаз. Парадные
спальни были украшены дорогими драпировками
из бархата, шелковой дамастной ткани, с
аппликацией, вышивкой шелком и отделкой бисером. В
Европе было очень модно украшать предметы быта
вышивкой по шелку или аппликацией. В конце
18-го и в 19 веке стали популярными набивные
ситцы. В Европе начала 19 века вошли в моду
белые стены в комнатах и белые балдахины на
кроватях с вышивкой тамбурным швом. Эта мода
распространилась на Северную Америку, где для
более пышного украшения использовали особую
вышивку для покрывал.
В Лионе, который являлся центром
шелкоткацкой промышленности, к концу 18 века
имелось множество швейных мастерских и
шелкоткацких мануфактур, на которых работало
свыше 6 тысяч человек. В 1787 году лионская
фирма "Дефарж" поставила серию эффектных
балдахинов с вышивкой белым шелком для Марии
Антуанетты. Сегодня их можно видеть в Верса-
ВЫШИВКА ПО КАНВЕ
Англия
Вышивка шелком
и шерстью по льну.
1730-1750.
Были популярны обивочные
ткани с вышитым цветочным
рисунком. Кусок ткани, которой,
предположительно, было обито
кресло в георгианском стиле.
Выбрана толстая, но неплотная канва.
Вышивка шелком и шерстью,
гладь и крестик (Вверху)
ФРАГМЕНТ
БАЛДАХИНА
Франция.
Конец 16 в.
На фоне деревьев и цветов с
порхающими птицами и
бабочками полукрестиком вышит
единорог, любимый образ
средневековых художников. Грива и
шерсть вышиты
необработанным шелком. Комбинированный
стежок.
171

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ле. Служители культа также заказывали в
Лионе облачения с причудливой вышивкой шелком.
ВЫШИВКА ШЕРСТЬЮ
В Англии и Северной Америке были
популярны балдахины, вышитые шерстью по
бумазее натурального цвета (льняная основа,
хлопчатобумажный уток). Для вышивания
использовали шерсть с двойной крученой нитью.
Вышитые балдахины впервые появились в 17 веке,
и их четкий рисунок в стиле барокко, с
обилием листьев и цветов на изогнутых стеблях,
оказал влияние на рисунок цветных набивных
ситцев для балдахинов, разработанный в
Индии с целью экспорта в Европу. Для вышивки
шерстью часто использовали мотивы древа
жизни. К 18 веку появились более мелкие
детали вышивки, отражавшие вкусы заказчика.
Развитие стиля рококо в Англии и
Соединенных Штатах позволили перейти от вышитых
шерстью балдахинов к легким светлым тканям
с диагональным рисунком.
ВЫШИВКА
СТЕБЕЛЬЧАТЫМ ШВОМ
И РЕЛЬЕФНАЯ ВЫШИВКА
Рельефная вышивка выполняется путем
наложения на основу ниток, кусочков ткани,
кожи, бумаги или шерсти с последующим
вышиванием толстым стебельчатым швом, в
результате чего образуется рельефный рисунок.
Во Франции и Италии рельефную вышивку
делали давно, главным образом для церковных
облачений и парадной одежды. В Англии
рельефную вышивку делали главным образом в 17-
ми 18 веке. Ею украшали шкатулки, оправы
биноклей и вышитые картины. Эти изделия
очень любили за их наивную прелесть.
Рисунок представлял сцены из придворной и
королевской жизни, вышивка выполнялась ярким
шелком, украшалась мелким бисером,
кораллами, иногда слюдой.
ВЫШИВКА БИСЕРОМ
В 17 веке в Европе вышивкой бисером
украшали салфетки для подносов, зеркальные рамы,
маленькие сумочки или кошельки и картины. В
Италии переднюю часть алтарей в храмах
иногда делали из стекляруса цилиндрической
формы. В Венеции, которая славилась предметами
роскоши, делали и бисер, продавая его по
всему свету. В Англии рисунок вышивки бисером
напоминал рисунок рельефной вышивки. Эффект
выпуклости достигался тем, что бисер
нанизывали на проволоку и обвивали ее вокруг
металлического каркаса, создавая фигуры лебедей,
оленей и цветы.
В 18 и 19 веках француженки создавали
изящные вышивки бисером, названные "сабль",
ВЫШИВКА ШЕРСТЬЮ
Англия.
Ок. 1700 г.
Эффектный красочный рисунок,
вышитый шерстью, оказал
влияние (и сам находился под
влиянием) на рисунок индийских
ситцев. Вышивка шерстью
использовалась для украшения
балдахинов. (Справа)
БЕРЛИНСКАЯ
ВЫШИВКА ПО ШЕРСТИ
Вышивка шелком по канве.
Ок. 1840 г.
Изнанка канвы не зашивается,
что позволяет сократить время
вышивания. Рисунок, нанесенный
на канву, вышивали шелком
разного цвета (стежок — крестик).
Цветочный рисунок (аврикулы,
гибискус, пассифлора и ипомея) был
наиболее популярным. (Внизу)
172

ВЫШИВКА
потому что мелкие бисерины напоминали
песчинки. Создавались декоративные панно с
различной цветовой гаммой, достигаемой за счет
использования очень мелкого цветного бисера.
В 17 веке в технике "сабль" делали мешочки,
кошельки и сумочки. Пестрые деревянные
шкатулки, обтянутые вышитой бисером тканью,
часто с вышитым девизом, дарили на память. В
начале 19 века вышивкой бисером иногда
украшали мужские подтяжки и вязаную детскую
одежду. К 50-м годам 19 века вышивка бисером
достигла наибольшей популярности. Накидки на
скамеечки для ног, каминные экраны, салфетки
на подносы, стеганые покрышки на чайник,
домашние туфли, кисеты, молитвенные
подушечки вышивались цветным бисером. Чтобы
добиться светового эффекта, делали вкрапления
прозрачных или металлических бусин.
Последний всплеск интереса к вышивке
бисером пришелся на 20-30-е годы 20 века, в
период распространения декоративного стиля.
БЕРЛИНСКАЯ ВЫШИВКА
ШЕРСТЬЮ
Когда в конце 18 века возникла мода на
вышитые картины, в Берлине с 1804 года начали
продавать бумажные квадраты с
напечатанными цветными рисунками для вышивки по канве.
С 1810 года продавец гравюр Виттих стал
вывозить эти трафареты в другие страны.
Использование трафаретов для вышивания быстро
распространилось в Европе и Северной Америке.
Их популярность (свыше 50 лет) объясняется
тем, что при вышивании углы трафарета просто
совмещались с углами ткани, переносить
рисунок на ткань не требовалось. К 1860 году
появились анилиновые красители, и стали
преобладать яркие тона — пурпурный, зеленый,
кричаще оранжевый, желтый и розовый. Во многих
журналах и книгах по вышиванию печатались
рисунки для диванных подушек, каминных
экранов, картин, шнурков для звонка, сумочек и
домашних туфель. Рисунки для вышивания
продавали в галантерейных лавках и
универсальных магазинах. При желании можно было
вышить более крупные вещи — ковры, скатерти,
обивочные ткани и церковные облачения.
Типичные сюжеты берлинской вышивки
шерстью — сентиментальные сцены из популярных
романов, сюжеты из Библии, любимые
животные, птицы или цветы. В Англии в технике
вышивки шерстью заново создавались работы
художника-анималиста Эдвина Лансира,
копировались портреты королевы Виктории и членов
королевской семьи (часто в шотландских
национальных костюмах). Применение техники
разрезного ворса позволяло получить рельефный
рисунок вазы с цветами или корзины с фруктами.
УХ
П Л
t V
"О >
e&SWW%^XyJZfcl234S<
Л
ft
\
\
ч *
У
mini hi
;rtu* *'•"• Лл ***** 6;е- b^t **rs *♦ ""orrjijft
frtrm ьЗибЫУ tooKS III turn atid*. ft mortlfo Ctytru
I
Щ HtttTtort
ДЦьdfflftft4 J^J^ ^Фг <*N^
1
W M Mr
ОБРАЗЕЦ
Америка. 1774
11 -летней Ханне Тэйлор,
очевидно, очень нравилась ее работа.
Она вышила (вверху) свой дом и
фигуры членов своей семьи, а
также, вероятно, себя в зеленом
платье. Отделаны мельчайшие
детали. Обычным является
включение в узор строчки из псалма
90 и перечисления добродетелей,
так как дети были набожными с
раннего возраста.
ОБРАЗЦЫ ВЫШИВКИ
Образцы стали собирать, чтобы сохранить
швы и рисунки для вышивания. Европейские
образцы 16 века представляют собой собрания
рисунков, выбранных случайно, независимо от
отношения к ним. Обычно выбирали хорошо
обработанные льняные ткани, позволяющие легко
считать нити, на которых был хорошо виден
каждый стежок. На рисунки, представляющие
интерес, либо на сложные рисунки наносились
буквы и цифры, позволявшие впоследствии
ссылаться на них.
Образцы вышивок 17 века были длинными и
узкими и содержали рисунки, расположенные в
горизонтальных рядах. Образцы стежков и
узоров кружева вышивались нитками по белой
льняной ткани. Рисунок каймы и точечный рисунок
(детали узора, разбросанные по однотонному
фону) вышивались цветным шелком.
В 18 веке образцы стали шире и короче,
появились живописные рисунки — дома, сады,
деревья, цветы, животные. В рисунках обычно встре-
173

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
чались стихи, превозносившие добродетели или
напоминавшие вышивальщице, как опасна
суетность и быстротечна жизнь. Часто на образце
указывалось имя или инициалы вышивальщицы, ее
возраст и время окончания образца.
Сохранились прекрасные образцы штопки 18
века, демонстрирующие различные способы
починки и умение мастериц работать с цветным
шелком и льняными нитками. Штопка сделана
так искусно, что ее почти не заметно. К концу
столетия появились образцы карт. Карту
рисовали на шелке, и ребенку оставалось только
вышить ее — вышивая береговые линии,
границы и названия городов, ребенок учил географию.
В Соединенных Штатах были сделаны образцы
глобуса. Они представляли собой сферические
поверхности, обтянутые шелком, на которых
была вышита карта мира с обозначением линий
долготы и широты.
Постепенно функции образцов устаревали.
Сначала они служили "памяткой" для опытного
мастера, а потом превратились в наглядные
пособия, по которым детей учили читать и
считать. Дети из зажиточных семей для
вышивания пользовались цветной шерстью и шелком.
Сироты и дети из бедных семей вышивали
черной шерстью буквы и цифры на образцах,
содержавших изречения из церковных книг.
К середине 19 века образцы стали больше,
их вышивали яркой цветной шерстью,
вероятно, под влиянием берлинской вышивки. На
образцах появился вышитый рукописный шрифт
и заглавные буквы.
ВЫШИВКИ МУЖЧИН
Вышиванием занимались не только
девочки. Обычно мальчиков тоже учили вышивать
свои инициалы. Солдаты и моряки часто
брались за иглу, когда не было другой работы.
Образцы, вышитые шерстью, лоскутные
изделия из старых мундиров и изящные изделия,
вышитые крестиком или гладью, — подушечки
для иголок, рабочие шкатулки (длинные узкие
полоски ткани с карманами для мелких пред-
КАРТИНА СО СТИХАМИ
Америка
Вышивка. 1835
В 1830-х гг. детская одежда
вышивалась более изящной гладью.
(Вверху)
РИЗА
Англия
Вышивка. Ок. 1485 г.
Роскошные церковные облачения
хранили в сложенном виде в
сундуках, поэтому они не выгорали.
(Внизу)
метов, которые свертывались), обложки для
книг и накидки на диванные подушки,
обивочные ткани — все эти изделия прекрасно
вышивали мужчины, не будучи профессиональными
вышивальщиками.
В 19 веке моряки вышивали шерстью по
канве корабли — длинными широкими стежками,
напоминавшими линии, проведенные цветными
мелками. Чаще всего вышивали профильный
рисунок парусника с точным соблюдением
деталей такелажа, парусов и вымпелов.
ВЫШИВКА КАРТИН
Вероятно, эта традиция берет свое начало
от вышивания сцен из жизни святых на
церковном облачении. Во французских, испанских и
итальянских монастырях и профессиональных
мастерских вышивали церковное облачение и
украшения для храмов очень высокого качества.
Живописные картины, вышитые цветным
шелком и золотыми и серебряными нитями, иногда
с вкраплением драгоценных и полудрагоценных
камней, подчеркивали красоту шелковых дама-
стиновых тканей, парчи и бархата, которые
выбирались для вышивания.
Вышивание шелком картин было широко
распространено в 18 веке. Картины содержали
натуральные детали — букеты цветов,
пасторали и мемориальные сцены, например фигуру
женщины в трауре, склонившейся над урной
рядом с плакучей ивой. В Италии вышивали
шелком картины для иностранцев, которые
путешествовали по Франции, Италии и другим
174

ВЫШИВКА
странам для завершения образования.
Вышивали сцены на религиозные сюжеты,
знаменитые здания, памятные места или известные
картины.
Картины, стежки на которых нанесены
словно кистью художника, известны как "игольные"
картины. В музее Рейксмузеум в Амстердаме
хранится вышитая картина 1650 году,
подписанная В. Халвехом, на которой в реалистической
манере изображены тюльпаны, нарциссы и
ирисы в стеклянной вазе, стоящей на столе;
несколько лепестков упало на скатерть. Во
Франции Риве вышивал портреты для Людовика XV.
В Англии была хорошо известна
вышивальщица Мэри Линвуд из Лестера (1756-1845),
которая в своих вышивках копировала работы
старых мастеров, особенно искусно имитируя
мазки кисти.
ВЫШИВКИ ПРЕДСТАВИТЕЛЕЙ
ДВИЖЕНИЯ "ИСКУССТВА
И РЕМЁСЛА"
Уильям Моррис (1834-1896) был основным
представителем движения "Искусства и
ремесла" в Англии. Он обладал огромной
работоспособностью и умел заражать других своей
энергией. Моррис научился вышивать, ткать ковры,
делать набивные ситцы и многое другое.
Моррис создавал свои рисунки, черпая вдохновение
у ранних исламских мастеров по текстилю,
представителей готического стиля и мастеров по
бархату в стиле ренессанс. В своих рисунках
Моррис использовал английские традиции
цветочного орнамента. Он и его помощники
продавали нанесенные на ткань рисунки, готовые для
вышивания. Рисунки можно было отобрать по
образцам и заказать в его мастерских. Дочь
Морриса Мэй (1862-1938), художник по вышивкам,
в 1885 году стала управляющей мастерскими
Морриса в Мертоне. Художник Дж. Г. Дирл,
помощник Морриса, много сделал для создания
вышитых изделий и обивочных тканей,
которыми славился Мертон.
Джесси Р. Ньюбери (1864-1948) с конца
1880-го до 1910 года преподавала вышивание в
художественной школе в Глазго. Ньюбери
отказалась от вышивания картин (с плохим
рисунком) с сентиментальными сюжетами и
яркими красками, которые были популярны во
времена королевы Виктории. Она отдавала
предпочтение гармоничным узорам, общим контурам
вышивки, аппликации в холодных "живописных"
тонах. Подобно другим членам движения
"Искусства и ремесла", Ньюбери предпочитала
работать с натуральными материалами
гармоничной расцветки. Она считала, что предметы
повседневной жизни тоже должны иметь хорошую
форму и носить фирменную марку.
Художественная школа в Глазго оказала огромное влияние
ШЕЙНЫЙ ПЛАТОК
Предположительно
Австро-Венгрия
Золотое и серебряное
кружево. 1740-1760
Край прелестного дорогого
изделия в стиле рококо украшен
редким золотым кружевом,
дополняющим кайму, вышитую
золотыми и серебряными нитями.
Большинство кружевных изделий из
металлических нитей сжигали,
чтобы получить скрап. В отличие от
шелковых и льняных кружев,
золотое кружево блестит и не
мнется. (Вверху)
"ИГОЛЬНАЯ" КАРТИНА
Япония
Вышивка шелком.
1860-1880
Эффект живой птицы, зеленой
травы и кукурузы достигается
умелой вышивкой и
использованием тонких крученых шелковых
ниток с едва уловимым
изменением цвета. Ворона просто
хочется погладить. (Слева)
на разработку рисунков для вышивания в
начале 20 века, особенно на рисунки художников из
Венских мастерских, которые открылись в 1903
году. Они отличались от изделий массового
производства формой и мелкими деталями.
175

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
СТИЛЬ ГОбЕЛЕНОВ СООТНОСИТСЯ С ОСНОВНЫМИ НАПРАВЛЕНИЯМИ
В ДЕКОРАТИВНОМ ИСКУССТВЕ ГОТИЧЕСКИМ, РЕНЕССАНС, блрОККО
ГобЕЛЕНЫ ЯВЛЯЮТСЯ ВЫСОКОКАЧЕСТВЕННЫМИ ПРОИЗВЕДЕНИЯМИ
искусства, укрлшлющими наш дом.
ГОБЕЛЕНЫ
В мире известны различные способы создания
гобеленов. Наиболее распространенный тип
гобелена — большое старинное настенное полотно,
затканное шерстяными нитками и изображающее
сцены из Библии, мифологические или охотничьи
сценки. По существу, гобелен представляет собой
затканную от руки ткань с определенным
пространственным расположением цветовых оттенков.
Рисунки для гобеленов выбирались на
классические сюжеты, заимствованные у великих
художников. Копию, или рабочий чертеж, делали в
размерах оригинала. Использовали два типа
станков — с вертикальным и горизонтальным
расположением основы. В первом случае ткали, точно
воспроизводя рисунок. На станках с
горизонтальным расположением основы воспроизводили
зеркальное отображение рисунка.
Наиболее известной является серия гобеленов
"Единорог" (хранится в Музее Клюни в Париже)
и серия "Монастыри" (хранится в Нью-Йорке). В
течение многих лет не удавалось определить
происхождение гобеленов "Единорог", однако
последние исследования позволили установить, что они
вытканы в Брюсселе примерно в 1500 году.
ФЛАМАНДСКИЕ ГОБЕЛЕНЫ
В 15 веке покровительство герцога
Бургундского позволило фламандским ткачам из Арраса
успешно создавать гобелены. В 1477 году город
отошел к Людовику XI Анжуйскому. На типичных ар-
расских гобеленах изображены фруктовые сады и
парки, сценки из охотничьей жизни,
декорированные лиственным цветочным орнаментом. Когда
Аррас перестал быть центром ткачества, важную
ГОБЕЛЕН
Обюсон
Ок. 1750 г.
Французские гобелены ткали по
эскизам Ж. В. Удри, который
активно работал на мануфактуре
в Бове. Удри создал эскизы
знаменитых гобеленов на темы
'Басен' Лафонтена и других
знаменитых гобеленов, которые ткали
во Франции.
176

ГОБЕЛЕНЫ
ГОБЕЛЕН
В ЗЕЛЕНЫХ ТОНАХ
Удвнаард
Ок. 1630 г.
Ненавязчивый фон с
изображением растений, лиственных
деревьев и полей в отдалении
подчеркнут широким бордюром из
корзин с фруктами и виньеток,
вызывающим воспоминания о
сельской жизни.
роль стал играть город Турне. На гобеленах,
вытканных в Турне, в мельчайших деталях
изображены сцены из жизни при дворе герцога
Бургундского. Среди других городов, в которых делали
гобелены, — Ипр, Брюгге, Гент и Уденаард.
Брюссельские мастерские тоже были известны своими
высококачественными изделиями. В эпоху
Возрождения ткали гобелены на библейские и
аллегорические сюжеты, украшая их лиственным и
цветочным орнаментом. Серию гобеленов "Деяния
апостолов" по картонам Рафаэля, выполненным им по
заказу папы Льва X, ткали четыре года. Копии с
картонов делали на Парижской гобеленовой
мануфактуре и в мастерских в Мортлейке, недалеко от
Лондона. В конце 18 века искусство ткачества
гобеленов в Брюсселе заглохло.
ФРАНЦУЗСКИЕ ГОБЕЛЕНЫ
В 8 веке на Францию напали сарацины. После
ухода армии некоторые представители этого народа
остались во Франции. Именно они завезли во
Францию искусство ткать гобелены. К 10 веку уже
существовали мануфактуры в Сомюре, Туре и Бельгар-
де. Одна из наиболее известных работ раннего
периода — серия из семи полотен, на которых
изображены 70 сцен из Апокалипсиса. Эти гобелены
начали ткать в 1376 году для Людовика Анжуйского.
В 1662 году Кольбер, министр торговли при
Людовике XIV, порекомендовал Парижской
гобеленовой мануфактуре принять статус
"королевской мануфактуры" и получать субсидии из казны.
Под руководством Шарля Лебрена (1619 — 1690)
мануфактура стала процветать. На ней ткали
гобелены в стиле барокко на хорошо известные
сюжеты — "История Дианы" по картонам Тюссена и
"Месяцы" Лукаса ван Лейдена. В 17 веке вошли в
моду гобелены, которые ткали на станках с
расположением основы в горизонтальной плоскости; они
получили название гобеленов в рамке. Их
создавали по картонам таких художников, как Франсуа
Буше. Гобелены в рамке представляли собой
декоративные полотнища, которыми накрывали
диваны и кресла. На фоне, имитирующем парчу, была
представлена пасторальная сцена или сцена на
классический сюжет в обрамлении купидонов,
корзин и букетов. Жан-Батист Юэ (1745 — 1811),
знаменитый художник по набивным ситцам из Жуй,
также делал для гобеленовой мануфактуры
эскизы в модном стиле рококо и в стиле китайской
миниатюры.
В 1684 году управляющим гобеленовой
мануфактурой в Бове стал Филипп Беагль (ум. 1705).
При нем работа мануфактуры оживилась, за 21
год было изготовлено около 20 различных серий
гобеленов. Вместе с Беглем работал модельер Жан
Берен (1637 — 1711). Они создали несколько
гобеленов, в том числе известные "Гротески", в
которых использовались восточные, морские и му-
177

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ГОБЕЛЕН
Франция, 19 в.
Гобелены были
распространенным обивочным материалом.
Ткали целые комплекты для обивки
кресел и диванов. Представлен
гобелен, который использовали
для обивки сиденья кресла, хотя
он не предназначался для этих
целей. Квадратные вырезы для
ножек сделаны с нарушением
деталей рисунка. Художник не
предполагал, что гобелен будут
использовать не по назначению.
зыкальные мотивы, которыми прославился Верен.
В 1762 году на мануфактуру пригласили Жана
Батиста Удри (1686 — 1755). Самой известной
работой Удри на мануфактуре в Вове были
"Басни" Лафонтена, которые впоследствии
неоднократно копировались. Буше создал для
мануфактуры в Бове знаменитую "итальянскую" серию,
иллюстрации на темы идиллической сельской
жизни, и "китайскую" серию — подарок китайскому
императору от французского короля.
Происхождение гобеленов из мануфактуры в
Обюссоне, изображавших сцены из охотничьей
жизни и сцены на религиозные сюжеты, было
известно. Они не привлекали особого внимания до
середины 18 века, когда возникла мода на
небольшие декоративные полотна, которыми славилась
эта мануфактура. На мануфактуре неоднократно
обращались к картонам Удри на сюжеты "Басен"
Лафонтена, и с повышением стандартов качества
эти гобелены привлекали все большее внимание.
АНГЛИЙСКИЕ ГОБЕЛЕНЫ
Самые ранние английские гобелены,
сохранившиеся до нашего времени, изготовлены в середине
16 века в мастерских Вильяма Шелдона (ум. 1570)
в Барчестоне, Уоркшир. Шелдон ткал главным
образом карты графств, соблюдая все
архитектурные и географические особенности местности и
обозначая названия городов заглавными
латинскими буквами. В мастерской делали живописные
полотна, на которых было заметно фламандское
влияние. В начале 17 века, с появлением мастерской
в Мортлейке, которой покровительствовал король,
мастерская Шелдона пришла в упадок.
Мастерская в Мортлейке была создана в 1618
году. Ею руководил Франсис Крейн (ум. 1636).
Первые гобелены с изображением Вулкана и
Венеры были изготовлены по заказу принца
Уэльского, будущего Карла I. Вероятно, самыми
известными гобеленами мастерской является серия
"Деяния апостолов".
Гобеленовые мастерские были открыты в Сохо,
где Пол Сондерс (ум. 1770) ткал изящные
гобелены для многих богатых домов, и в Фулеме — в
мастерской Пьера Паризо (1697 — 1769), где
ткали изящные дорогие каминные экраны и
обивочную ткань для кресел.
ГОБЕЛЕНОВОЕ
ПОЛОТНО
Мортлейк. Ок. 1700 г.
Классические сюжеты всегда
вдохновляли художников. На
английском гобелене
представлена иллюстрация к
'Метаморфозам' Овидия — история Прокны
и Кефала. Размеры гобелена —
1,9 х 2,4 м
178

ЛОСКУТНЫЕ И СТЕГАНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
ВО ВСЕМ МИрЕ ДЕЛАЮТ СТЕГАНЫЕ ИЗДЕЛИЯ, ПОЛуЧАЯ ТЕПЛуЮ
ОДЕЖДУ ИЛИ ПОКРЫВАЛА. ЛоСКуТНАЯ ТЕХНИКА ПОЗВОЛЯЕТ
КОМбиНИрОВАТЬ РАЗЛИЧНЫЕ КуСКИ ТКАНИ, СОЕДИНЯЯ ИХ
В ЕДИНОЕ ЦЕЛОЕ.
ЛОСКУТНЫЕ И СТЕГАНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
В храмах Индии были найдены лоскутные
шелковые покрывала, датируемые 6 — 9
веками. В местечке Левенс-Холл, в Северной
Англии, хранятся стеганые балдахины,
датируемые 1708 годом: узор составлен из кусков
индийского набивного ситца конца 17 века по
белому фону.
При простегивании соединяют два или
более слоев ткани стежками, видимыми с
лицевой и изнаночной стороны. Часто между
слоями ткани кладут подкладку, обычно шерсть или
хлопчатобумажную ткань, чтобы сделать
изделие более теплым или повысить эффект
декоративной отделки с переходами от света к тени,
когда ткань туго натягивается под стежками.
АМЕРИКАНСКИЕ
ЛОСКУТНЫЕ
ИЗДЕЛИЯ
В американских лоскутных изделиях
обычно соединяется техника простегивания и
лоскутная техника. Изделие составляют из мелких
деталей, которые повторяются по всей
поверхности полотнища с контрастными краями и
каймой. Лоскутная техника — быстрый и
экономичный способ получения покрывал,
позволяющий научить детей простейшей работе иглой.
В Соединенных Штатах существовал обычай
собираться для совместной работы. На таких
собраниях женщины помогали друг другу
выполнять домашнюю работу, например
простегивать изделия. Каждая женщина приносила
куски ткани, чтобы сделать лоскутное одеяло.
СТЕГАНЫЕ
ЛОСКУТНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
АМИШЕЙ
Амиши, члены американской религиозной
секты, известны своими стегаными
лоскутными изделиями, которые они начали делать в
конце 19 века. Лоскутные изделия были
одноцветными, с абстрактным рисунком, без
включения набивных тканей, цветочного и
растительного орнамента, сердец и сцен
бракосочетания, которые любили другие мастера.
Работа амишей в яркой цветовой гамме —
сочетание темно-зеленого, голубого и фиолетового
либо красного, оранжевого или черного, —
радуют глаз.
РАННИЕ ЛОСКУТНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Не все лоскутные изделия простегивались.
В конце 17 века заметно изменилась мода в
одежде и деталях отделки. Мода продолжала
меняться на протяжении всего 18 века. Это заставило
обратиться к набивным ситцам — тонким
хлопчатобумажным тканям яркой расцветки,
окрашенным натуральным красителем с
использованием закрепителей, не линяющим при стирке,
чего раньше достичь не удавалось. Эти
чрезвычайно популярные ткани в огромном количестве
КОМБИНИРОВАННОЕ
ЛОСКУТНОЕ ИЗДЕЛИЕ
Америка
Простеганная
хлопчатобумажная ткань.
I860
На этом прекрасном стеганом
изделии в каждом квадрате по
диагонали размещена
"канзасская лилия'. Квадраты с
цветками простегиваются. Простеганный
узор украшается красно-зеленой
зубчатой каймой.
179

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ПОКРЫВАЛО
Англия
Вырезанные кусочки
набивного ситца на белом
хлопчатобумажном фоне.
1815-1820
Рисунок медальона в середине
(корзина с фруктами)
специально набит для этого покрывала.
В 1815 г. в Англии были модны
набивные ситцы с рисунком
порхающих птиц. Каймой из
набивного ситца отделывали края
занавесей. В период Регентства
все ситцы набивали способом
ксилографии. (Справа)
ЛОСКУТНОЕ
ПОКРЫВАЛО
Англия
Хлопчатобумажная ткань.
1780-1810
Изящное покрывало
отличается умелым расположением
деталей, хорошим рисунком и
тщательностью отделки.
Стороны каждого шестиугольника
составляют 2,5 см. Покрывала
такого типа не простегивали,
чтобы не испортить эффектный
блеск хлопчатобумажной
ткани. Шестиугольные детали
отделаны нитками одного цвета.
Такие покрывала часто
называли 'Бабушкиным содом*.
(Внизу справа)
использовали для балдахинов. Когда ткань
частично изнашивалась, из нее аккуратно
вырезали рисунок — цветущие ветки, порхающих птиц,
бабочек и цветы, размещали его на белом
хлопчатобумажном фоне и простегивали, получая
изделие с новым рисунком. Этот вид набивных
лоскутных изделий, называемый "персидской
вышивкой", был очень популярен в Англии и
Северной Америке в 1780 — 1800 годах.
АНГЛИЙСКИЕ
ЛОСКУТНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Помимо стеганых изделий, "персидской
вышивки" и покрывал из набивного ситца,
наиболее типичными лоскутными изделиями в
Англии первой половины 19 века были лоскутные
изделия из шестиугольных кусков ткани,
иногда с простежкой. Куски хлопчатобумажной
ткани прикрепляли к бумажному
шестиугольному шаблону, затем аккуратно прошивали с
изнанки, выравнивая края.
В Уэльсе и на севере Англии строго
соблюдали традицию делать стеганые изделия.
Использовали целые куски или широкие полоски
ткани контрастного цвета, усиливая их
рисунком, простеганным декоративным стежком. В
некоторых лоскутных изделиях
комбинировали аппликацию, куски ткани и простегивание.
Английские мастера создавали декоративные
или памятные медальоны специально для
мастерских, выпускавших покрывала. Покрывала
с медальонами были популярны в период
Регентства.
ФРАНЦУЗСКИЕ
СТЕГАНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
В Провансе делали изящные стеганые
покрывала, обычно из одного куска ткани с кра-
S©*1
X
X
'о
::.
♦ •
т
*
I
t&
00ОООО00О00000
00О0ООООФО0©О
■ 00000000
0000 ОС- @000000
*000О000'0000000
• *L
•] •: L*J Efe А • : ••: •
J»000000000000C
000000000000001
100000000000000
0000000000^00'" '
10000000000*
00
00000000
180

ЛОСКУТНЫЕ И СТЕГАНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
I
СТЕГАНОЕ
ЛОСКУТНОЕ ИЗДЕЛИЕ
С ПАМЯТНЫМИ
МЕДАЛЬОНАМИ
Уэльс
Ок. 1816-1820
Простое рельефное лоскутное
изделие с пятью медальонами.
Выполнено простежка завитков и кругов,
типичных для Уэльса. На каждом ме-
доионв имеется надпись: ТТринцес-
со Шарлотта Уэльская выходит
замуж зо принца Саксен-Кобургско-
го. 12 моя 1816 г.'
сивой стежкой. Покрывало делали набивным —
сначала простегивали два слоя ткани, затем
набивочную ткань проталкивали через небольшие
промежутки между основой и утком с
изнаночной стороны. Удавалось так плотно набить
покрывало, что оно почти не сминалось,
сохраняя рельефный рисунок в виде гроздьев
винограда, листьев и цветов.
Традиционный костюм жителей Прованса
включает практичные и красивые предметы
стеганой одежды — жилеты и юбки, часто с
мелким ярким рисунком.
ШЕЛКОВЫЕ ЛОСКУТНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
ВИКТОРИАНСКОЙ ЭПОХИ
В 1860-х годах развитие массового
производства, затронувшего шелкоткацкую
промышленность, и внедрение анилиновых красителей
привело к тому, что модные лоскутные изделия
стали делать не только из хлопчатобумажных
тканей. Используя яркие шелка, атлас и бархат,
получали эффектные изделия.
Начиная с 1880-х годов в Англии и
Соединенных Штатах вошли в моду лоскутные
одеяла, сшитые из кусочков тканей разного типа.
181

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
Появившиеся в 17 веке первые обрлзцы нлбивных ситцев
покорили Европу. С появлением этих тканей, срлзу ставших
МОДНЫМИ, ОПРЕДЕЛИЛИСЬ СТАНДАРТЫ, КОТОрЫМ СТАрАЛИСЬ
СЛЕДОВАТЬ ЕВРОПЕЙСКИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ ОДЕЖДЫ.
ИЗДЕЛИЯ ИЗ ОБЫЧНОГО И НАБИВНОГО СИТЦА
Когда в 16-м и 17 веках установились торговые
. отношения с Востоком, в Европу начали
поступать экзотические товары, в том числе дорогие
текстильные изделия. Под влиянием Востока
возникала мода на те или иные предметы обихода.
НАБИВНЫЕ СИТЦЫ
Набивные ситцы, хлопчатобумажную ткань с
цветным рисунком, нанесенным способом
ксилографии, первоначально делали в Индии. Это была
медленная кропотливая работа с использованием
закрепителей красок и веществ, которые
препятствовали окраске областей, на которые не
наносился рисунок. В 17-18 веках набивные ситцы
ввозили в страны Европы, из них шили балдахины,
портьеры, занавеси, делали обивочные ткани, шили
накидки для парикмахерских, столовое белье и
фартуки.
Из набивного ситца шили модную одежду.
Появились не только женские ситцевые платья и
камзолы, туфли, подкладочные ткани для одежды и
шляп. Из ситца шили мужскую домашнюю
одежду, жилеты, свободные рубашки и халаты.
ЕВРОПЕЙСКИЕ
ХЛОПЧАТОБУМАЖНЫЕ ТКАНИ
До появления набивных ситцев рисунок на
хлопчатобумажную ткань наносили с помощью резных
деревянных досок, краски были непрочными и
быстро линяли. Успешное внедрение ярких
красочных индийских ситцев на европейские рынки
заставило западных производителей искать новые
способы окраски тканей, чтобы выдержать
конкуренцию. Письменные свидетельства подтверждают, что
миткаль начали набивать во Франции в 1657 и 1661
годах (в провинции Буше дю Рон) и в Марселе
после 1669 года. В 1676 году Вильяму Шервину из
Вест-Хэма, Лондон, был выдан патент на способ
ксилографии с использованием закрепителей
красок на основе марены. К 1700 году фабрики,
расположенные на берегах Темзы и ее притоков, стали
выпускать яркие ткани цвета марены — красного,
пурпурного, коричневого и черного.
В 1700 году, под давлением владельцев
шелкоткацких фабрик, которые терпели убытки из-за
ввоза индийских ситцев, парламент принял указ,
запрещающий ввоз индийского миткаля и персид-
ПОВСЕДНЕВНОЕ
ПЛАТЬЕ
Индийский набивной ситец
с окрашенной
хлопчатобумажной отделкой
Ок. 1785 г.
Ввозимые из Индии набивные
ситцы были очень модными в 17-
18 вв. Из них шили парадную и
повседневную одежду и исполу
зовали для обивки. Платье из тко-
ни с повторяющимся мелким
рисунком, типичным для конца 18
в. (Слева)
ОБРАЗЕЦ НАБИВНОГО
ШЕЛКА ДЛЯ ОБИВКИ
МЕБЕЛИ
Англия
Блестящая
хлопчатобумажная ткань
с рисунком, нанесенным
способом ксилографии.
Ок. 1810 г.
Образец ткани с прелестным
цветочным рисунком
свидетельствует о том, какого высокого
уровня достигла ксилография в
начале 19 в. Для каждой
краски требовался отдельный
комплект резных деревянных досок.
(Внизу)
182

ИЗДЕЛИЯ ИЗ ОБЫЧНОГО И НАБИВНОГО СИТЦА
ского шелка для внутреннего потребления.
Однако разрешался ввоз тканей с последующим
вывозом, и с контрабандой тканей так и не удалось
справиться. Во Франции в 1686-1759 годах также было
запрещено использовать индийские набивные
ситцы и французские подделки под них, но в
Нидерландах изделия из этих тканей можно было шить
на законных основаниях. Английские мастера
удовлетворяли спрос, набивая ткани в индийском
стиле, хотя им разрешалось делать набивные ситцы
только на экспорт. Для внутреннего рынка
английские мастера, обходя запреты, делали набивную
бумазею, ткань с льняной основой и хлопковым
утком.
КСИЛОГРАФИЯ
Ксилография выполнялась с помощью набора
резных деревянных досок удобного для работы
размера (около 30x20 см). Задняя поверхность доски
вырезалась, чтобы получить рельефный рисунок.
На ткань наносились большие области основного
цвета и мелкие детали рисунка. Чтобы получить
многокрасочный рисунок, для каждой краски
требовался отдельный набор резных форм.
ОТТИСК
С МЕДНЫХ НАБОРНЫХ ПЛАСТИНОК
Способ получения оттиска с медных пластинок
был впервые применен Фрэнсисом Никсоном в
Ирландии в 1752 году. Применение этого способа
позволяет получить графически лаконичные линии
и обобщенные цветовые пятна. На большой
медной пластинке размером 1 кв. метр вырезали
линии, переносимые на ткань, которые затем
заполнялись закрепителем. Поверхность пластинки
насухо вытирали, вещество оставалось только в
вырезанных линиях. Пластинку прижимали к ткани,
которая впитывала вещество на рисунке,
наносимом на ткань в зеркальном отображении. При
последующей окраске ткани закрепитель фиксировал
цвет, а после отбеливания фон становился чистым.
Краски высшего качества наносили "кистью" —
мелкие детали добавляли кистью либо способом
ксилографии, которая лучше подходит для
получения ровного цвета.
В 1761 и 1769 годах Роберт Джонс, мастер по
набивке тканей из Лондона, создал два образца
декоративной ткани превосходного качества
способом оттиска с медных пластинок. В виде исклю-
ДЕКОРАТИВНАЯ
ХЛОПЧАТОБУМАЖНАЯ
ТКАНЬ
Франция
Рисунок нанесен способом
ксилографии, потом
простегнут. Конец 18-го —
начало 10 в.
Красивая декоративная ткань
набита на мануфактуре MFAJ, в
Шервине, недалеко от Вильфран-
ша Такие ткани использовали для
покрывал, занавесок, обивки
мебели и украшения стен. Во
Франции хлопчатобумажные
покрывала часто простегивали.
183

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
"ПАВЛИН
В РАЗВАЛИНАХ"
Роберт Джонс, Лондон
Набивная
хлопчатобумажная ткань.
Оттиск с медной пластинки.
1761 г.
Один из самых ранних известных
рисунков на тхани, который
можно датировать. Рисунок с
незначительными изменениями часто
повторяли в Англии и Франции.
На одной из каменных плит
разрушенной стены выгравировано
имя печатника и название
фабрики — "Старый Форд*. (Клеймо
фабрики ставили на кромке
ткани, которую отрезали перед тем,
как шить). Показана только часть
полотна. На другой части —
классические развалины с пастушкой
и юношей.
чения этим тканям присвоили имя мастера.
Одноцветный образец 1761 года, который часто
копировали во Франции, был повторен в виде двух
больших полотен. На одном полотне был изображен
павлин в древних развалинах, на другом —
пастушка, сидящая за прялкой, и юноша, играющий
на свирели. Образец 1769 года был набит на мит-
кали, он многоцветный, выполнен в голубых,
коричневых, красных и темных тонах. Этот образец
был дважды повторен на больших полотнах.
ИДЕНТИФИКАЦИЯ
Согласно указу от 1774 года, английские
производители ситцевых тканей, вывозившие
набивные ситцы в другие страны и уплатившие пошлину
за вывоз, должны были вплетать три голубые нити
в кромку своих тканей для идентификации. Этот
указ действовал до 1811 года. Для тех, кто
занимается историей текстильных изделий и тканей, это
очень важно — можно с уверенностью
утверждать, что набивные хлопчатобумажные ткани с
тремя голубыми нитями изготовлены в 1774 — 1811
годах в Англии и предназначены на экспорт.
ТКАНИ ИЗ ЖУИ
Во Франции запрет на производство ситцев на
отечественных мануфактурах не отменяли до 1759
года, поэтому способ набивки тканей с медных
пластин не получил там распространения. В 1760
году выходец из Германии Кристоф Оберкампф
(1738 — 1815) открыл свою мануфактуру в
местечке Жуи-ан-Жоза под Парижем. В 1764 году были
получены первые образцы тканей, набитых
способом ксилографии, с рисунком в виде букетов
цветов на полосатом фоне с широкими волнистыми
линиями. С 70-х годов 18 века на мануфактуре в
Жуй способом оттиска с медных пластинок
набивали прекрасные однотонные ткани с
пасторальным и метафорическим рисунком, которыми
прославилась мануфактура. Эскизы самых изящных
рисунков делал рисовальщик Жан-Батист Юэ. В
1783 году он сделал первую медную гравюру для
мануфактуры в Жуй — "Работа на мануфактуре",
на которой были показаны все операции по
набивке тканей и представлены портреты Оберкампфа,
его маленького сына и самого Юэ.
Мануфактура выпускала самые разнообразные
ткани, находившие сбыт на внутреннем и внешнем
рынке. Например, для Прованса делали ткани с
мелким цветочным рисунком в переливающихся
тонах, которые использовали как декоративные
ткани и для пошива национальной одежды. С 1790
по 1793 год мануфактура в Жуй выпускала ткани
для английских мастерских по эскизам английских
художников. В 1793 году вывоз товаров из
Франции был запрещен — началась революция.
Среди других заметных центров
ситценабивного дела можно назвать Нант, Руан, Мюльхаус,
Оранж и Бордо. В Эльзас-Лотарингии и
Швейцарии также выпускали набивные
хлопчатобумажные ткани высокого качества.
РИСУНОК ТКАНЕЙ
В конце 18 века наиболее популярными были
ткани в полоску и ткани с мелким повторяющимся
рисунком. В 1780-1790-х годах отдавали
предпочтение тканям с элегантным темным фоном и
узором из цветущих веточек. Во Франции такой фон
называли "черным, как печная труба", в
Голландии — "темным, как ночь". В Голландии отдавали
предпочтение тканям темно-лилового, красного,
темно-коричневого цвета и цвета бычьей крови.
В Англии с 90-х годов 18 века и до 1825 года
выпускали набивные ткани для каминных экранов.
В мастерских делали постельные покрывала с
аппликацией или лоскутные покрывала с памятными
медальонами и декоративной отделкой. В
медальонах изображались цветущие веточки. С 1780-х
годов до 1830 года на декоративных тканях был
популярен рисунок с классическими колоннами,
часто увитыми цветами. С 1812 года в моду вошел
рисунок с экзотическими растениями и
порхающими птицами.
С 17-го и до конца 19 века в рисунке тканей
отмечались китайские мотивы. На английских и
французских тканях 18 века были забавные
рисунки, отражающие представление европейцев о
Китае, — пагоды, люди в причудливой одежде, бу-
184

ИЗДЕЛИЯ ИЗ ОБЫЧНОГО И НАБИВНОГО СИТЦА
мажные змеи и дети. В Англии в 1810-1830 годах
набивали многоцветные ткани, часто с модным
рыжевато-коричневым фоном ("цвета чая").
НАБИВКА НА ЦИЛИНДРИЧЕСКОЙ
ПЕЧАТНОЙ МАШИНЕ
В 19 веке в производстве декоративных тканей
появилось много новшеств, связанных с набивкой
и окраской тканей. Примерно в 1815 году для
набивки на печатной машине начали использовать
гравирование цилиндров, что позволило
художникам создавать более разнообразные варианты
рисунков. Этот способ применяли на мануфактуре в
Мюльхаусе в Восточной Франции. Художник Жорж
Зипелиус делал эскизы для многих
хлопчатобумажных тканей, которые можно легко узнать по
почерку мастера. Ткани были однотонными, с
выписанным в мельчайших деталях рисунком в
романтическом духе или сценами из жизни на цветочном
фоне. Была сделана серия эскизов с
изображением птиц и ваз с фруктами.
Никогда не выходил из моды "шотландский"
рисунок "елочка", который во Франции называли
"индийским". В Европе этот рисунок можно было
встретить на набивных шалях, плательных и
декоративных тканях на протяжении всего 19 века.
Наиболее качественные набивные ткани имели
теплый красный фон, называемый "турецким". В
1850-1860 годах в Северной Англии такие яркие
удобные ткани использовали для шитья стеганых
изделий, нижних юбок и халатов. Ткани с таким
рисунком делали также во Франции и в России.
Существовали подделки, имитирующие
муаровый шелк, кружевные и шерстяные ткани и
лоскутные изделия. К середине века на набивных
тканях появился характерный рисунок — полностью
распустившиеся цветы в викторианском стиле.
ТКАНЬ ИЗ ЖУИ
Хлопчатобумажная ткань,
набитая способом
ксилографии. 1764
На ткани впервые появилось
клеимо мануфактуры в Жуй:
MANUFACTURE СР.
OBERKAMPF ЕТ
COMPAGNIE A IOUY EN
IOSAS. BON TEINT.
(Слева в отдалении)
РАЗВЛЕЧЕНИЯ
Жуй
Хлопчатобумажная ткань,
набитая оттиском с модных
пластинок. 1785
Ткань с идиллическим рисунком
создана по эскизам Ж. Б. Юэ.
Отчетливо видны преимущества
набивки таким способом.
(Вверху слева)
ХЛОПЧАТОБУМАЖНАЯ
ТКАНЬ, НАБИТАЯ
НА ЦИЛИНДРИЧЕСКОЙ
ПЕЧАТНОЙ МАШИНЕ
Ок. 1815 г.
Декоративная ткань с
прелестным повторяющимся рисунком
неизвестного мастера. Создается
полное представление о
движениях цилиндра. (Слева)
"ИНДИЙСКАЯ" ШАЛЬ
Мюльхаус
Крашеная
хлопчатобумажная ткань.
1820-1840
Сложный процесс окраски
обеспечивает получение "турецкого'
красного фона,
переливающегося на этой небольшой шали или
шарфе. (Внизу)
185

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ЯПОНСКИЕ ТКАНИ
Японские ткани отличаются очень
высокой техникой выработки:
красильщики, ткачи и швейники
достигли редкого уровня мастерства в
своем деле. С 1639 года и до середины
19 века Япония была закрыта для
иностранцев, контакты с другими
странами были очень редкими, поэтому
в Японии выработался свой, уникальный
и легко узнаваемый стиль.
В 16-м и 17 веках в Японии была
разработана очень сложная технология
закрепления красителей. После окраски
кимоно и стягов краску закрепляли
узором, нанесенным вручную, золотыми
и серебряными пластинками и, редко,
вышивкой. Для получения узора из
круглых белых пятен (касури) ткань
натягивали на тонкую рейку и
связывали, чтобы защитить часть ткани
от окраски. Таким способом получали
очень сложные узоры, например,
рисунок тростника. Ткань окрашивали в
несколько цветов, связывая куски,
которые не требовали окраски. Процесс
повторяли несколько раз, добавляя
новые краски.
В Японии был распространен мелкий
набивной узор, который частично
наносили путем окраски, а частично
ткали вручную. Чтобы получить кусок
ткани для кимоно длиной 9,5-11 м и
шириной 38-45 см, требовалось
несколько лет. Рисунок наносили на
основу или на уток, или на обе нити
сразу, получая сдвоенный узор. Перед
тем как ткать, нити окрашивали,
натягивая их в той последовательности,
в какой отбирали нити. Нити делили на
группы, неокрашиваемые нити
связывали. После окраски нити
развязывали, отбирая окрашенные и
неокрашенные нити. Процесс
повторяли, добавляя краску другого
цвета и окрашивая другие нити. Затем
нити выравнивали и начинали ткать,
отделяя каждый цвет узором из пятен.
Шелк с узором из круглых белых пятен
использовали для кимоно, а из
хлопчатобумажных тканей цвета индиго
с таким же рисунком шили рабочую
одежду и одежду для сельских жителей.
Летнюю одежду шили из тканей
с растительной нитью, например
с волокном из конопли и китайской
крапивы. Ткани с рисунком в горошек
часто комбинировали с газовыми
тканями. Узором в горошек
создавали разнообразные рисунки —
геометрический с повторяющимися
мотивами, абстрактный либо
живописный. Для набивки тканей
использовали нанесение узора по
трафарету с дополнительной окраской.
Некоторые трафареты были очень
тонкими, удерживались на месте
натянутыми волосками, которые
пропускали краску на ткань. Можно
было получить негативный рисунок —
устойчивая к краске паста наносилась
кистью на трафарет, оставляя
неокрашенной часть ткани, в то время
как остальная часть ткани
окрашивалась, или позитивный
рисунок — с помощью красителя,
закрепителя и краски воспроизводился
узор вырезанной части трафарета.
С 5 века в Японии делали пяти- или
семицветную парчу, из которой шили
ризы для буддистских монастырей
(прямоугольные стеганые халаты) и оби,
широкие пояса, которые носили с
кимоно. С 8 века для парчи стали
использовать серебряные нити.
Для украшения ширм, занавесей,
кимоно, шелковых платков, для отделки
мелких декоративных деталей на ткани с
трафаретным рисунком использовали
вышивку. Национальную одежду для
торжественных церемоний часто
украшали вышивкой, выполненной
кручеными золотыми нитями. Нити
накладывали на поверхность ткани и
закрепляли тонким шелком с изнанки.
Кимоно: сдвоенный узор на
коричневом фоне,
характерном для одежды жителей
острова Ошима. Конец 19 в.
Платок. По шелковому атласу
проложена золотая нить.
Середина 19 в.
Узор касури на фоне цвета
индиго. Два образца ткани 19 в.:
а) одинарный узор с красной
полосой; б) сдвоенный узор.
186

КРУЖЕВА
Тонкая кружевная отделка и кружевные изделия ручной
работы всегда привлекали знатоков и ценителей изящных
вещей. Теперь появились машины, позволяющие выпускать
кружева в огромном количестве.
КРУЖЕВА
С конца 16-го и до конца 19 века
наблюдалась настоящая погоня за кружевами, люди
тратили огромные деньги на изделия, которые
предназначались главным образом для отделки.
Необыкновенные качества этих изделий ручной
работы — мельчайшие детали рисунка,
богатство и разнообразие форм, невесомость — не
поддавались копированию до 19 века.
РАННИЕ КРУЖЕВА
В 16 веке кружева были предметом роскоши.
В 1550 году знатные дамы занимались
плетением кружева по альбомам с образцами. В Италии,
в основном в женских монастырях, начали
делать кружева на продажу. Во Фландрии
кружева делали мастера-надомники, а потом их
продавали торговцы. Для плетения кружева чаще
всего использовали льняные нитки из-за их
эластичности и прочности. Кроме того, изделия из
льна легко стирались. Делали цветные
шелковые кружева и кружева с золотой и серебряной
нитью для аристократии и членов королевских
семей. Однако образцы этих кружев почти не
сохранились (первые истлели, а вторые ломали
и продавали драгоценные нити по цене скрапа).
Во второй половине 16 века техника
"игольного" кружева и техника плетения на
коклюшках стали развиваться независимо друг от
друга. Во Фландрии и Италии наладили
коммерческое производство кружева.
ТЕХНИКА "ИГОЛЬНОГО" КРУЖЕВА
Техника "игольного" кружева развилась на
основе вышивки на льняной ткани по заранее
подготовленной сетке. При соединении двух
кусков ткани по кромке оставляли расстояние
между кромками и расширяли его декоративной
строчкой. Из льняной ткани вырезали куски,
образуя рисунок, который сначала называли
трафаретом. Сетка, образуемая декоративной
строчкой, позволила значительно расширить
возможности вышивки. На льняной основе
продергивали целые куски, создавая тонкую сетку из
ниток, которые тщательно отсчитывали, обычно
по две. Столбики сетки обшивали строчкой с
обводкой или петельным швом и получали
новый ажурный рисунок.
"ИГОЛЬНОЕ" КРУЖЕВО
"СЕТОЧКА"
Италия
1600-1620.
Для изготовления этого
тончайшего кружева требовалось
огромное умение, терпение и
хорошее зрение. 'Розочки'
сплетены иглой из оставшихся нитей
основы и утка. Для каймы
шириной 10 см использовали
кружево, плетенное на коклюшках.
Геометрические границы сетки удалось
преодолеть в начале 17 века, когда появились
"игольные" кружева произвольного рисунка с
воздушными петлями. На пергамент наносили
тонкий ажурный рисунок, контуры которого
наметывали, а сплошные части рисунка медленно
заполнялись стежками в технике "игольного"
кружева. По окончании работы готовое
кружево снимали с пергамента.
ТЕХНИКА ПЛЕТЕНИЯ
НА КОКЛЮШКАХ
Вероятно, техника плетения на коклюшках
берет свое начало от способа плетения
"тесьмы" (шнура или шнурков в современных
ботинках). "Тесьма" использовалась для украшения
и имела утилитарное назначение. Чтобы нити
не спутывались, их наматывали на шпульки или
коклюшки, группируемые определенным
образом. Коклюшки перемещали взад и вперед,
сплетая нити, образующие узор. На подушке для
плетения кружева булавками был наколот
трафарет. По мере плетения булавки перекалывали
выше.
КРУЖЕВА 17 ВЕКА
В 17 веке выделялись фламандские,
миланские и женевские кружева, плетенные на
коклюшках; итальянская "сеточка" из воздушных
187

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
петель, венецианские и французские "игольные"
кружева.
На смену зубчатой кружевной отделке на
рюшах и манжетах 16 века в начале 17 века
пришла кружевная отделка по краю в стиле "Ван
Дейк". Длинные закругленные фестоны 1630-х
годов уже в 40-х годах 17 века перешли в
отделку с волнистыми краями. В 1650-х годах края
одежды стали отделывать широкими ровными
кружевами.
Итальянские кружева. Итальянское
"воздушное" кружево было особенно
распространено в первой половине 17 века. Его широко
использовали для отделки воротников и манжет,
тонких льняных изделий и церковного
облачения. После 1650 года в моду вошли рельефные
"игольные" кружева. Выпуклый узор получали,
кладя строчку по мягкой прокладке,
образованной несколькими слоями толстых ниток. С 1660
по 1680 годы были в моде кружева в стиле
барокко — розовые кружева и редкие кружева
"слоновая кость", названные так потому, что их
глубокий рельефный рисунок с краями,
отделанными тонкими петлями или зубчиками,
напоминавшими снежинки. Коралин, венецианское
гладкое "игольное" кружево с рисунком,
напоминавшим отростки кораллов, также был
распространен в 1690-х годах Купцы, продававшие
фламандские кружева, легко приспосабливались к
требованиям клиентов, улавливая веяния моды
и продавая кружева, плетенные на коклюшках,
на протяжении всего столетия.
Французские кружева. Первые известные
французские кружева появились после 1675
года. К этому времени попытки министра
торговли Кольбера наладить производство
кружева во Франции наконец увенчались успехом.
Франция тратила очень много средств на
приобретение кружева в других странах, поэтому
было решено наладить производство
собственного кружева, равного по качеству тончайшим
фламандским и итальянским кружевам. В 1655
году в Лонри, недалеко от Алансона, была
открыта государственная мануфактура. Было
запрещено носить импортные кружева. В узоре
типичных французских кружев отчетливо
виден почерк художника Жана Берена (1637-
1711), стиль которого соответствовал моде 90-х
годов 17 века: статуи под покрывалом, ангелы
и гербы на пышном декоративном фоне.
Отличительным признаком французских кружев
является сетка с простыми мелкими петлями и
столбиками, отделанными петельной строчкой.
Английские кружева. Кружева делали в
Бэкингемшире, Девоншире и других графствах
Англии начала 17 века. Некоторые кружева
делали на экспорт. В 1640 году из Девона в
Лондон на продажу еженедельно отправляли так
называемые хонитонские "костяные" кружева,
** +
ВИД "ИГОЛЬНОГО"
КРУЖЕВА
Венеция
Ок. 1600 г.
Рельефные кружева в стиле
барокко отличаются красивым
выпуклым узором Были особенно
модными в 1650—1680 гг.
Петельная строчка образует основу.
(Вверху)
"ИГОЛЬНОЕ"
КРУЖЕВО
Фландрия
Ок. 1690 г.
На редком 'игольном* кружеве
воссоздается узор модных
французских кружев. Ширина детали
кружева — 9 см (Внизу)
названные так потому, что их плели на
костяных коклюшках. Хонитонские кружева имели
типичный цветочный узор, иногда по
шестиугольной сетке.
Некоторые из дошедших до нас "игольных"
английских кружев 17 века были выполнены
петельной строчкой. Их использовали для
отделки носовых и шейных платков, когда вышли из
моды жесткие кружева. Кружева, выполненные
в технике петельной строчки, широко
использовали для отделки детских чепчиков и блуз,
вшивая их в плечевые швы. Это плотное кружево с
геометрическим узором, в который часто
вплетали стихи или дату.
КРУЖЕВА 18 ВЕКА
В 18 веке кружева Фландрии и Франции
превзошли итальянские кружева. Самые изящные
кружева плели на коклюшках в Брюсселе, Ме-
хелене, Валансьене и Бенше, "игольные"
делали в Брюсселе, Аржантане и Алансоне.
Каждый вид кружева имел свои отличительные
признаки, но границы производства кружева
размыты. Например, мастера из Алансона
отправляли свои кружева в Брюссель, чтобы
тамошние мастера сделали петельный фон и зашили
188

КРУЖЕВА
его. В результате получали готовое кружево,
сделанное в двух разных центрах кружевного
дела. "Английские" кружева, сплетенные на
коклюшках в Брюсселе, были модными в конце
17 века и на протяжении 18 века. Их можно
было ввозить во Францию без уплаты высокой
пошлины, которой облагались фламандские
кружева. Английскую разновидность этого
кружева делали в Девоншире.
В начале 18 века были популярны кружева
с плотным узором. Когда в моду вошел стиль
рококо, узор стал более легким, детали
распределялись свободно, стал лучше виден фон. К
60-м годам 18 века стал модным красивый
легкий фон в виде сетки с шестиугольными
ячейками. Такие кружева делали в Брюсселе,
позднее — в Англии. Сетку плели на коклюшках
в четыре нитки, полученные полосы шириной
2,5 см незаметно сшивали. Петельный фон
использовали для получения узора с
аппликацией, которую нашивали или наклеивали на фон.
Иногда вместо ткани использовали "игольное
кружево". Такую технику применяли для
крупных изделий из модного кружева — фартуков,
кружевных косынок, покрывал и накидок.
.
шг
"ИГОЛЬНОЕ"
КРУЖЕВО
Англия
Ок. 1800 г.
'Игольное* кружево широко
использовали для отделки детской
одеэды. Легкое кружево,
отделанное изящной вышивкой,
предназначалось для отделки верха
маленьких чепчиков. Полоски
такого кружева вшивали в
плечевые швы блузок. Кружево не
использовали на оборки и кайму.
(Вверху)
ТРЕУГОЛЬНАЯ
КРУЖЕВНАЯ ШАЛЬ
Брюссель
Плетение на коклюшках
с аппликацией. Ок. 1800 г.
Тонкая, как паутинка, сетка
составлена из узких длинных полос
шириной 2,5 см, незаметно
соединенных между собой.
Кружевной узор, сплетенный на
коклюшках, можно наклеить или нашить
на сетку, используя очень тонкие
нитки. (Слева)
189

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
КРУЖЕВА
19 ВЕКА
В 19 веке не было создано сколько-нибудь
заметного вида кружев. Отчасти это
объясняется тем, что появились кружева машинной
работы. В мануфактурах Северной Франции
продолжали плести на коклюшках прелестные
светлые кружева, названные так по цвету
неотбеленных шелковых нитей, из которых их делали.
Эти кружева прекрасно дополняли одежду с
мягкими легкими линиями, которые вошли в
моду в начале 19 века. Были популярны
кружева, окрашенные в черный цвет и известные как
"черные светлые" кружева.
КРУЖЕВА
МАШИННОЙ РАБОТЫ
Попытки создать машину для плетения
кружева предпринимались еще тогда, когда в 1589
году появились первые вязальные машины. В
Англии патенты на машины для плетения
кружева стали выдавать с 1758 года, однако
наиболее серьезные перемены в изготовлении
кружева были вызваны появлением машин Хеткота,
патенты на которые были выданы в 1808 и 1809
годах. На этих машинах получили первую
надежную "плетеную" сетку шириной до 1,35
метра. Стоимость сетки была во много раз меньше
стоимости сетки, изготовленной вручную, очень
напоминала настоящую сеть и была гораздо
прочнее петельчатой сетки. Машинную сетку
использовали для изготовления кружева на
мануфактурах Брюсселя и Девоншира (кружева с
аппликацией, сплетенной на коклюшках), в
мастерской Когсхолла в Англии, в Лимерике,
Ирландия, где кружева отделывали вышивкой
тамбурным швом, а также в мастерской в Каррик-
макросе, Ирландия. Было выпущено много
шалей, покрывал и оборок для платьев.
Внедрение ткацкого станка Жаккарда
привело к революции в текстильной
промышленности и отчасти повлияло на производство
кружева. В 1840 году Жаккардов ткацкий станок
объединили с машиной Пашера, на которой с 1812
года делали сетчатое кружево, и в огромных
количествах стали выпускать шали и сборки для
отделки платьев, имитирующие кружево,
сплетенное на коклюшках.
К концу столетия кружева машинной
работы стали настолько обычной деталью одежды,
что люди, желая доказать, что они носят
старинные кружева, специально опускали их в чай.
Фирмы, занимавшиеся старинными кружевами,
боролись за выживание, занимаясь починкой и
обновлением старого кружева, продавая
машинные кружева и воспроизводя прежние образцы.
Появление товаров массового потребления и
низкого качества возродило интерес к
кружевам ручной работы. В Болонье было создано
КРУЖЕВНАЯ НАКИДКА
Брюссель
"Игольное" кружево
с аппликацией. Ок. 1820 г.
Тонкий, кок паутинка, фон
ручной работы. Отделка
фестонами и узорной каймой. Размеры
накидки — 255x55 см. (Вверху)
ДЕТАЛЬ УКРАШЕНИЯ
НА ШЛЯПЕ
Алансон
"Игольное" кружево.
Ок. 1720 г.
С конца 17-го до конца 18 века
было модно украшать дамские
шляпы двумя длинными лентами.
Представлена деталь кружевной
ленты размером 55x8,5 см Для
придания жесткости края ленты
отделывали петельной строчкой
с обводкой вокруг конского
волоса. (Слева)
объединение Эмилии Аре, которое
придерживалось принципов движения "Искусства и
ремесла" в Англии. В объединении делали очень
изящные кружева, копии кружева 17 века. В школе
плетения кружева в Бурано, недалеко от
Венеции, делали превосходные копии старинного
"игольного" кружева, в Вене делали красивые
кружева в стиле модерн.
190

ОДЕЖДА
Государственные мужи, священнослужители и о6ыватели
ВСЕ И ВСЕГДА УДЕЛЯЛИ боЛЬШОЕ ВНИМАНИЕ ОДЕЖДЕ.
ОДЕЖДА
Хотя одежда появилась как средство
защиты от холода, долгое время она
определяла общественное положение людей.
Первоначально по одежде можно было отличить
богатого от бедного, знатных людей и придворных
от представителей среднего класса,
мелкопоместного дворянина от рабочего,
священнослужителя от светского человека и
иностранца от своего соотечественника.
Во многих странах существовали законы,
регулирующие ношение определенных видов
одежды определенными слоями общества.
Однако эти законы не достигали своей цели, так
как они не ограничивали расходы. Те, кто
опережал моду, всегда смеялись над
ограничениями. Например, во Франции и Англии в 18 веке
были приняты законы, запрещавшие ввозить
индийские набивные ситцы и носить одежду из
них. Но законы не заставили маркизу
Помпадур отказаться от туалетов из набивного
ситца, она украшала ситцами свой дворец и
дарила их своим друзьям.
ЖЕНСКОЕ ПЛАТЬЕ
50-Х ГОДОВ
18 ВЕКА
Чтобы датировать костюм, необходимо
знать, какие силуэты в одежде были в моде в
то или иное время. Мода середины 18 века,
которой следовали богатые люди и
представители среднего класса на Западе, выработала
основные принципы конструирования одежды,
которых придерживались до начала 20 века.
Для женской моды 18 века было типичным
свободное платье, иногда с большим декольте,
которое носили с нижней юбкой. Допускалось,
чтобы нижняя юбка чуть-чуть выглядывала из-
под платья, довершая общий вид. Корсет был
скрыт отделанным вышивкой лифом с
треугольным вырезом. Рукава по локоть украшали
длинные многослойные оборки из шелка, белой
ткани или из ткани в тон платья.
В женской одежде существовали два
принципиальных стиля: платье с "английской"
спиной и платье с широкой свободной спиной в
стиле женщин Ватто. В первом случае спинку
кроили из нескольких полотен по косой, за-
МОДНОЕ ПЛАТЬЕ
80-х г. 18 в.
Большая шляпа с узкими палями,
муфта, узкие туфельки на высоком
каблуке и юбка, подобранная на
польский манер и открывающая
нижнюю юбку, — отличительные
признаки моды 80-х г.
кладывая их к середине в одну или несколько
узких складок, которые затачивали до талии.
От талии складки расходились по ширине юбки.
В платье со свободной спиной ткань падала
сзади двумя широкими складками от шеи до
кончиков ног. Плотно прилегающий лиф на
льняной подкладке был с длинным разрезом и
шнуровкой на спине, скрытой складками. К
1800 году корсет вышел из моды. Стали мод-
191

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ными платья с открытой спиной, которые
носили без нижней юбки.
ТКАНИ
Для таких фасонов одежды очень
подходили тяжелые шелковые ткани с парчовой
нитью, которые делали в Европе, цветные
китайские шелковые ткани и яркие набивные
ситцы. Эти ткани, а также восточные шелка
ввозили в Европу купцы Ост-Индской
компании на протяжении 17 и 18 веков.
Специально для шитья женского платья выделывали
прекрасные шелка, отделанные вышивкой, и
муслиновые ткани.
В середине 18 века, с появлением стиля
рококо, одежда стала более легкой. К 1790 году
на смену плотному шелку пришли
хлопчатобумажные ткани и тонкий муслин. Платья
свободного покроя вышли из моды. Стиль модерн
диктовал новую моду — туфли без каблуков и
гладкую прическу, часто без парика. К 1810
году стали носить платья с прямой юбкой и
высокой талией по моде Древней Греции и
Римской империи. Часто платья были с треном или
длинными складками сзади. Низ платья, ворот
и рукава отделывали вышивкой.
Самой модной тканью был белый
индийский муслин, обычно украшенный вышивкой
белыми нитками. Иногда плательные ткани
украшали "мелкой" вышивкой металлической
нитью. В первые 30 лет 19 века узоры
вышивания заимствовали с индийских и кашемировых
тканей. Узор "елочка" часто встречался на
платьях, шелковых накидках и вуали дамских
шляп.
Для женской одежды выбирали пастельные
тона. Каймой в пастельных тонах часто
отделывали широко распространенные белые
муслиновые платья.
МОДНЫЕ
ПЛАТЬЯ
К 1810 году линия талии в платьях стала
высокой, к 1825 году вернулись к платьям с
обычной линией талии. Рукава начали
расширяться к плечу, к 1830 году ширина рукавов
стала максимальной. Рукава сохранили форму
благодаря буфам — обручам из китового уса
или пуховым подушечкам. Юбки стали шире.
К 1860 году, чтобы сохранить форму юбки,
начали носить корсеты. В 1868 году на смену
корсетам пришли турнюры. Когда надевали
турнюр, юбка на животе туго натягивалась и
драпировалась сзади пышными складками.
Появились верхние юбки, которые подбирались
спереди и укладывались в сборки сзади. Под
такую юбку надевали узкую в талии длинную
юбку, на которую надевали турнюр, создающий
впечатление пышности форм. В 70-х годах же-
ПЛАТЬЕ
С "АНГЛИЙСКОЙ"
СПИНОЙ
Ок. 1780 г.
Шелковые парчовые ткани,
подтягивающие фигуру, идеально
подходили для платьев с длинной
юбкой, модных в 18 веке.
Платье из слиталфилдского шелка,
впервые полученного в 1745 году.
В 1780 году платье перешили.
Застроченные до линии талии
складки на спине переходили в
складки на юбке. (Отрава)
ПЛАТЬЕ ИЗ НАБИВНОЙ
ХЛОПЧАТОБУМАЖНОЙ
ТКАНИ
Ок. 1800 г.
Стиль модерн вытеснил пышные
юбки и корсеты. Линия талии
стала высокой, почти под грудь.
Муслины и хлопчатобумажные
ткани драпировали мягкими
складками фигуру, делая силуэт
более естественным На смену
туфлям на высоких каблуках
пришла обувь типа домашних туфель,
без каблука, с закрытыми
пальцами. (Внизу)
сткий корсаж спереди стал более длинным,
плотно облегая фигуру. Появление турнюров
заставило женщин отказаться от шалей. Они
не могли скрывать длинной шалью самую
выдающуюся часть своего туалета.
ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ
ДЕТАЛИ
В течение веков для поддержания фигуры
носили корсет. Корсет кроили из плотной
хлопчатобумажной ткани или канвы, прошивали
толстыми бумажными нитками и укрепляли
китовым усом. Корсет имел шнуровку сзади,
спереди или сбоку. К 19 веку на корсете спереди
стали делать металлические крючки, но
шнуровка сзади сохранилась. В Англии корсеты
относили к нижнему белью, но в 18 веке во
Франции и Италии жесткий корсет
отделывали великолепным шелком с парчовой нитью и
носили как деталь платья.
В 18 веке юбки поддерживались обручами.
192

ОДЕЖДА
ФАСОНЫ ОДЕЖДЫ
Ок. 1828 г.
Легкие бальные туфли были
модны в конце 20-х гг. 19 в. Вновь
вошли в моду пышные юбки,
затянутые в корсет лифы,
'спущенные' рукава и ворот с глубоким
вырезом. (Вверху)
К концу столетия в моду вошли тонкие
легкие юбки. Когда в 30-х и 40-х годах 19 века
юбки стали шире, их стали носить с нижними
юбками. При появлении легкого кринолина под
широкую верхнюю юбку стали надевать
только одну нижнюю юбку. Первоначально
кринолином называли приспособление из жесткого
конского волоса, обшитое хлопчатобумажной
тканью. Потом так стали называть нижние
юбки с концентрическими обручами из
китового уса, которые поддерживались поясом на
талии.
В конце 19 века женские фигуры были
затянуты в корсеты, которые подчеркивали
узкую талию и округлую грудь. Турнюры из
проволоки, тесьмы, конского волоса, в виде
кринолина, с пуховыми или перьевыми
подушечками, имели самую разнообразную форму —
от складок хлопчатобумажной ткани с
добавлением конского волоса до полукруглых
подушечек из яркой ткани, набитых пухом.
г—гт-
<F
LES JARDINS DU BAL МАВПЛ.Е
(1WB).
*♦
ПЛАТЬЯ
С КРИНОЛИНОМ
Ок. 1858 г.
К 1860 г. юбки стали очень
широкими, сохраняя форм/ за счет
кринолина. (Вверху)
ДЛИННЫЕ ПЛАТЬЯ
С ОБЛЕГАЮЩЕЙ
ТАЛИЕЙ. 1878
В противоположность
чрезвычайно широким юбкам 50-х и
60-х гг. 19 в., платья стали
плотно облегать талию, делая
фигуру стройнее. (Внизу)
193

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
В Западной Европе начала и середины 19 века шаль стала
НЕЗАМЕНИМОЙ ДЕТАЛЬЮ ТуАЛЕТА, НЕЗАВИСИМО ОТ ТОГО, 6ЫЛА ЛИ ЭТО
НАСТОЯЩАЯ КАШЕМИРОВАЯ ШАЛЬ ИЛИ ЕВРОПЕЙСКАЯ ПОДДЕЛКА.
КАШЕМИРОВЫЕ И ШОТЛАНДСКИЕ ШАЛИ
Слово "шаль" взято из персидского языка в
17 веке. По мусульманским законам, шали
носили мужчины. В течение 18 века шали
привозили в Европу служащие Ост-Индской
компании, а также английские и французские
солдаты, возвращавшиеся из Индии и Египта. Когда
потребность в этих роскошных изделиях
возросла, шали тюками отправляли на судах в Лондон
для продажи с аукциона либо отправляли
сухопутные караваны в другие города Европы.
ПРОИСХОЖДЕНИЕ ШАЛЕЙ
Первые шали выткали в Кашмире,
используя шелковистый кремовый подшерсток
гималайских горных коз. В конце 18 века шали
имели форму длинных прямоугольных полотнищ
размером 140x335 см, с узкой боковой каймой
и ярким рисунком, часто с цветами и
завитками. Концы шали были отделаны более широкой
декоративной полоской ткани с
повторяющимся рисунком, так называемой "шотландской
елочкой". Кашемировые шали ценили за
легкость, тепло, яркие краски и элегантность.
Постепенно они все больше входили в моду, и
скоро их начали копировать на европейских
мануфактурах.
ИДЕНТИФИКАЦИЯ
И ТЕХНИКА ТКАЧЕСТВА
Кашемировые и европейские шали имели
сходный рисунок, отличаясь материалом и
техникой ткачества. Европейские ткачи работали с
пряжей, которая не обладала высокими
качествами кашмирской пряжи. Поэтому они
использовали шелковые и шерстяные нитки. Длинные
прочные шелковые нити брали как основу.
Однако в 30-х годах 19 века на французских
мануфактурах получили более тонкую и достаточно
прочную шерстяную пряжу, которую начали
использовать как основу и выпускать чисто
шерстяные шали.
За редким исключением, европейские шали
ткали на станках, на которых нити утка,
образующие узор, были натянуты в горизонтальной
плоскости (от одной кромки до другой). Когда ткали в
несколько цветных ниток, на изнаночной стороне
оставалось много нитей, которые были лишними
в узоре. Чаще всего их обрезали, оставляя
мелкие пучки ниток. Большие шали середины 19 века
при снятии со станка весили около 2,83 кг. После
обрезания они весили 935 г.
Чтобы выткать узор кашемировой шали,
требовалась очень кропотливая работа. Нить
каждого цвета наматывалась на отдельную
маленькую бобину, которую вручную обводили вокруг
нитей основы, определявших длину шали. Даже
под лупой нельзя заметить обрезанные концы
нитей на изнаночной стороне кашемировой
шали.
НАЧАЛО
Первое упоминание о шалях, сделанных в
Англии, появилось в 1784 году, когда Эдуард
КАШЕМИРОВАЯ ШАЛЬ
Короткий разрезной ворс.
Ок. 1800 г.
Для первых кашемировых шалей
использовали руно гималайских
горных коз (пашмину).
Естественный кремовый цвет шерсти
служил приятным фоном для
рисунка из нитей, окрашенных
растительными красителями. Для
изготовления шали размером
285x132 см требовалось 18
месяцев. (Вверху)
196

КАШЕМИРОВЫЕ И ШОТЛАНДСКИЕ ШАЛИ
• У ж
fSf'
Вт •
1
УуГ- ;;у.< ,...;;
^Л Ъ?1
WTttfkt
•
^г
п
1
1
kJ
ШАЛЬ
Мануфактура Таулвра
и Кампина, Норвич
Машинная работа. 1847
Копирование узора шалей было
обычным делом, поэтому
некоторые мануфактуры регистрировали
свои рисунки в Патентном бюро,
чтобы предотвратить незаконное
копирование. Иногда это
позволяет точно датировать шаль, хотя
шали с распространенным
рисунком выпускались в течение
нескольких лет. (Вверху)
ИЗНАНОЧНАЯ
СТОРОНА
КАШЕМИРОВОЙ ШАЛИ,
СШИТОЙ
ИЗ НЕСКОЛЬКИХ
КУСКОВ.
Ок. 1860 г.
Обрезанные концы нитей на
изнаночной стороне шали видны
только в месте сшивания кусков.
Техника переплетения позволяет
экономить пряжу, но отнимает
много времени у ткачей. (Слева)
Барроу из Норвича выпустил в продажу
"имитации" индийских шалей. Шали ткали и в
Эдинбурге в 1792 году. Выпуск шалей продолжался
до 1847 года. В этом году в Пейсли, к западу от
Глазго, было налажено массовое производство
шотландских шалей. Мастера из Пейсли
начали ткать шали с 1808 года, и уже к 1812 году
была налажена торговля шалями.
Во Франции шали входили в моду гораздо
медленнее. Императрица Жозефина шила
платья и диванные подушки из кашемировых
шалей. В Париже и Лионе наладили выпуск самых
разнообразных шалей, затем шали начали ткань
на провинциальных мануфактурах в Руане, Ниме
и других городах. Шали ткали и в Вене, в 30-х
годах 19 века в городе было свыше 4 тысяч
ткацких станков.
РАЗНОВИДНОСТИ
ШАЛЕЙ
И ШАЛИ НА ЭКСПОРТ
Трудно установить происхождение
европейских шалей, потому что в Европе работало
огромное количество мелких мануфактур и
ткачей-надомников. В 1847-1848 годах, например,
в бухгалтерских книгах одной мануфактуры в
Норвиче имеется запись о продаже 32 тысяч
шалей, выполненных в 26 различных стилях.
В 1801 году в Норвиче работало 16
мануфактур, выпускавших шали, поэтому можно
предположить, что к 1847 году их число по
меньшей мере удвоилось. Каждая мануфактура
выпускала разные, хотя в чем-то похожие шали.
Рисунки некоторых шалей были
запатентованы, чтобы остановить незаконное копирование
в 40-х и 50-х годах 19 века. Говорили, что на
мануфактуре в Пейсли могли скопировать
рисунок шали и продать изделие по более
низкой цене через две недели после появления
оригинала.
В идентификацию шалей, предназначенных
на экспорт, также вносится путаница. В Ниме
ткали шали для продажи в Голландии,
полосатые шали для Леванта и еще один вид шалей
для стран Северной Африки. Мануфактуры
Норвича вывозили шали в Южную Америку.
Мануфактуры Пейсли продавали свои шали во
многих странах, даже в Индии, однако в Индии к
шотландским шалям относились с подозрением.
В начале 19 века в России делали тонкие
"зимние и летние" шали, которые ткали, как и в
Кашмире, в технике переплетения по
диагонали, но с цветочным узором, мало
напоминавшим узор индийских шалей. С 1820 до 1840 годы
в Австрии ткали шали в виде квадратных
шелковых полотнищ с узорной каймой, пришитой
от руки. Эти шали напоминали изделия из
Норвича и Пейсли. К 60-м годам 19 века наладили
производство шалей в Массачусетсе.
197

ТЕКСТИЛЬ И КОСТЮ
ВЛИЯНИЕ ЕВРОПЕЙСКИХ СТРАН
НА РИСУНОК КАШЕМИРОВЫХ
ТКАНЕЙ
Чтобы выжить, кашмирские ткачи должны
были приспосабливаться. Сначала они не
хотели менять узор своих шалей, но к 50-м годам 19
века на кашемировых шалях стало отчетливо
видно европейское влияние. Кашмирские ткачи
старались снизить стоимость изделий. Шали
стали ткать по кускам несколько мастеров,
которые потом сшивала вышивальщица. Шаль,
которую раньше один или несколько ткачей ткали
в течение трех лет, теперь заканчивали за
несколько месяцев.
Другим способом снижения стоимости была
вышивка. Некоторые кашемировые шали
начала 19 века отделаны с изнанки декоративным
вышитым кантом, что позволяло сократить
время ткача.
НАБИВНЫЕ ШАЛИ
В Европе набивные шали имели очень
сложный рисунок. На мануфактуре Таулера и Кемпи-
на в Норвиче с конца 40-х до 50-х годов 19 века
делали высококачественные шали, набиваемые
способом ксилографии. Использовали тонкие
шерстяные ткани, иногда с добавлением
шелковой нити, и шелковые газовые ткани разного
качества. В Пейсли делали набивные шерстяные
шали. Шотландские шали с рисунком "в елочку"
делали из смесовых тканей (хлопка и шелка),
иногда с дамастиновой основой, вплетенной в
ткань и не влияющей на набивной рисунок.
На Лионских мануфактурах делали
набивные шали из тонкого натурального шелка,
обычно в оранжевых тонах с повторяющимся
рисунком. Российские набивные шали иногда можно
узнать по деталям цветочного узора. Шали,
окрашенные анилиновыми красителями, яркого
пурпурного, розового, оранжевого и зеленого
цвета относят к концу 19 века.
СТИЛИСТИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ
Европейские мастера взяли в качестве
образца узор ранних кашемировых шалей —
прямоугольник с большой одноцветной серединой,
узкой длинной декоративной каймой по бокам и
концами с более широким рисунком.
Постепенно рисунок на шалях начал
расширяться от концов к середине. К 50-м годам 19
века только небольшая часть шали в середине
оставалась одноцветной, обычно черной или
белой. Некоторые мастера, особенно на
французских мануфактурах, вплетали в середину шали
псевдонравоучительные посвящения. В 50-х
годах 19 века были популярны шали с
двухцветной серединой, например красной и зеленой или
голубой и белой. Были очень популярны
прямоугольные или квадратные шали "Четыре време-
198

КАШЕМИРОВЫЕ И ШОТЛАНДСКИЕ ШАЛИ
ни года", на которых полотнище было
разделено на квадраты четырех разных цветов. К 60-м
годам 19 века вошли в моду шали с
повторяющимся рисунком по всему полю. Такой рисунок
встречался на двухсторонних шалях, сделанных
в Шотландии и Норидже.
РИСУНКИ
В 30-х годах 19 века во Франции
попытались ввести в рисунок шалей узоры, отличные
от рисунка индийских шалей. На короткое
время вошли в моду исламские мотивы, но они не
имели успеха. Очень недолго (с 1849 до 1851
год) был популярен растительный узор из
цветов, образующих рисунок "елочка". В это
время появились шали с рисунком из больших
широких деталей, в котором один конец
рисунка повторяет другой не в зеркальном
отображении, а при повороте на 180 градусов. Такие шали
оставались в моде до 60-х годов 19 века.
КОНЕЦ ТОРГОВЛИ ШАЛЯМИ
Несмотря на попытки поощрять выпуск шалей,
к 70-м годам 19 века мода на них стала проходить.
Перепроизводство шалей на механизированных
мануфактурах сделало изделия более дешевыми и
позволило насытить рынок. Торговле шалями
мешала франко-прусская война. В одежде женщин
появилась новинка — турнюры, которые сразу
стали популярными. Женщины старались обратить на
себя внимание именно им, а не шалью, которая
скрывала турнюр. К 80-м годам 19 века шали
трансформировались в пелерины или накидки.
ДЕТАЛЬ ШАЛИ
Норвич
Шелк и шерсть.
Ок. 1850 г.
Эффектная шаль с великолепным
'вихревым* рисунком. (Вверху)
"РАЗДЕЛЕННАЯ"
ТКАНЬ
Норвич
Шелк и шерсть.
Ок. 1850 г.
Модный растительный узор
середины века, в котором
соединяются цветы и рисунок *елоч-
хо*. Когда шаль складывали
пополам, она получалась
двухцветной. (Слева)
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться
новые работы.
Арнолд Дж.
Справочник
по костюму
Лондон, 1973
Брэдфилд Н.
Подробности
о костюме
Лондон, 1968
Бриджман и Друри.
Вышивка:
история
в картинах.
Нью-Йорк и Лондон,
1978
Гейджер Э.
История текстиля
Лондон, 1979
Ирвин Дж.
Кашемировые
шали
Лондон, 1973
Клабберн П.
Словарь
вышивальщицы
Лондон, 1976
Коулман Э.
Эпоха
Изобилия
Бруклин, 1989
Ливи С. М.
История
кружева
Лондон, 1983
Ливи-Страус М.
Кашемировые
шали
Лондон, 1987
Моррис Б.
Модели фирмы
"Либерти"
Лондон, 1989
Музей Виктории
и Альберта
Английские
набивные ткани
Лондон, 1960
О'Коннор
и Грейнджер-Тейлор
Цвет
и набивка ситцев
Гилфорд, 1983
Ротштейн Н.
Рисунок шелковых
тканей 18 века
Лондон, 1990
Симеон М.
История
кружева
Лондон, 1979
Синг Л.
Старинная
вышивка
Лондон, 1989
Тоузер и Левитт
Общественный
строй
Карно, 1983
Уэйхе Э.
2000 лет
шелкоткачества
Нью-Йорк, 1944.
Хьюджес Т.
Английская
национальная
вышивка
1660-1860 гг.
Лондон, 1960
Четыре века
моды
Лондон, 1984
Эрншоу П.
Идентификация
кружева
Эйлсбери, 1982
199

I
шшшшшшш

ЧАСЫ
ЧАСЫ
ДО СОЗДАНИЯ МЕХАНИЧЕСКИХ ЧАСОВ НЕЛЬЗЯ быЛО ТОЧНО
ОПРЕДЕЛИТЬ ВрЕМЯ. ПОВЫШЕНИЕ КАЧЕСТВА ОТДЕЛКИ ЧАСОВ
СОПРОВОЖДАЛОСЬ СМЕНОЙ СТИЛЕЙ В ИХ укрАШЕНИИ.
ЧАСЫ-ФОНАРЬ
Николас Коксвтер, Лондон
Латунь, 17 в.
Циферблат украшен
гравировкой с изображением тюльпанов.
Купол понизу украшен резными
дельфинами.
Примерно до 1350 года механические часы не получали широкого
распространения. Первые часы появились в монастырях, чтобы собирать
монахов на службу и раз в день на публичное чтение проповеди. Первоначальное
использование часов в монастырях нашло свое отражении в нанесении делений
на круг, где каждое деление соответствовало определенному часу. Часовая
стрелка совершает полный оборот по кругу. К середине 16 века в большинстве
городов Европы появились общедоступные часы на городской башне. От них
берут свое начало широко известные башенные часы, которые устанавливали
на ратушах, церквах и загородных домах.
Комнатные часы были созданы в конце 15 века Сначала они были довольно
громоздкими, приводились в действие с помощью груза, продолжительность
хода составляла только 12 часов. Потом груз нужно было подтягивать. Часы
нельзя было передвигать. Примерно в 1500 году для приведения часов в
действие решили использовать ходовую пружину. Потребность в переносных
часах была удовлетворена. Для компенсации уменьшения сопротивления
пружины при разматывании использовали фузею, усеченный конусообразный
элемент со спиральным пазом, на который наматывается трос, соединенный с
пружиной.
СОЗДАНИЕ ЧАСОВ В СЕВЕРНОЙ ЕВРОПЕ
В Германии вместо фузеи предпочитали использовать уравновешивающую
пружину, более простую в исполнении. Однако она оказалась
малоэффективной, и в начале 17 века от нее отказались. Впервые переносные часы стали
изготавливать в южной Германии, главным образом в Аугсбурге и Нюрнберге.
Настольные часы являются переносными часами с пружинным заводом.
Конструкция настольных часов 16—17 веков чрезвычайно разнообразна.
Продолжительность хода составляла 30 часов без подзавода.
До 1600 года большинство часов в Англии были привозными или
изготовлены в Лондоне ремесленниками — выходцами из других стран. Изготовление
пружин было развито меньше, чем в Германии. В Англии были больше
распространены комнатные часы, приводимые в действие грузом. Известна
английская модель таких часов — часы-фонарь, названные так по сходству со
средневековым фонарем, который держали в руке.
202

ЧАСЫ
АНГЛИЙСКИЕ ЧАСЫ
С АВТОМАТИЧЕСКИМ
ЗАВОДОМ
Дх. Ф. Коул, Лондон
Золотой корпус,
серебряный циферблат,
стрелки из золота
и вороненой стали. 1826 г.
Но отделку этих носов,
снабженных вечным календарем с
указанием фаз Луны, повлияли
изделия французского часового
мостеро А. Л. Бреге. Мостер Дж.
Ф Коул, вероятно, был знаком
с роботоми Бреге. Коул первым
в Англии стал делоть коретные
чосы.
Настоящие карманные часы, в отличие от небольших часов, которые
носили на цепи на шее, были созданы в середине 16 века также в Южной
Германии. Искусство их изготовления получило распространение во Франции, а
позднее, к 1600 году, и в Англии. Корпус часов украшали гравировкой,
покрывали эмалью и инкрустировали драгоценными камнями. Это особенно
относится к часам, созданным в 1580—1650 годах
Поскольку часы были очень хрупким инструментом, получили
распространение часы в двойном корпусе. Внешний, защитный корпус делали из кожи или
металла. Внешний корпус тоже украшали, особенно после того, как в конце 17
века ходовой механизм стали помещать в простой пыленепроницаемый
корпус, и часы стали показывать более точное время. Декоративный внешний
корпус иногда закрывали еще одним корпусом.
МАЯТНИКИ И БАЛАНС-СПИРАЛИ
В 1656 году голландец Христиан Гюйгенс (1629—1695) предложил
использовать в напольных часах маятник. Около 1675 года в карманных часах стали
использовать баланс-спирали. Эти новшества радикально изменили точность
хранения времени: если раньше отставание или опережение времени
составляло от половины до четверти часа в день, то теперь точность хода повысилась
от одной до трех минут. Появились минутные стрелки, и часы можно было
заводить раз в восемь дней. Регулятор хода, разработанный для часов с
маятником примерно в 1670 году, наряду с маятником, отмечающим секунды, еще
больше повысил точность хода: отставание или опережение составили несколько
секунд в неделю. Это позволило изготовить часы с продолжительностью хода
в несколько месяцев. Отдельные часы ходили без подзавода в течение года.
После 1657 года Соломон Костер из Гааги сделал маятниковые часы по
патенту Гюйгенса. Он создал стиль, воплощением которого стали так
называемые гаагские часы. Часовой мастер Ахазуер Фромантил, фламандец, живший
в Лондоне, послал своего сына к Костеру учиться мастерству. По его
возвращении в 1658 году Ахазуер объявил, что может создавать точные часы.
1660—1720-е годы были классическим периодом достижений английских
часовых мастеров. В этот период были впервые созданы и впоследствии
усовершенствованы основные виды часов — консольные (маятниковые часы с
пружинным ходовым механизмом, иногда снабженные консолями), напольные
(с грузом и маятником, соединенным с ходовым механизмом, который был
расположен в верхней части корпуса), а также карманные часы в двойном
корпусе. Все часы были сделаны при участии мастеров Джозефа Нибба (1640—
1711) и Томаса Томпиона (1639—1713), а также их учеников и помощников.
В 1704 году в Англии был выдан патент на метод использования
драгоценных камней для изготовления опорных подшипников, что позволило снизить
трение и уменьшить износ деталей в механизмах. Преимущество
использования драгоценных камней оказалось особенно важным в деле изготовления
часов. В Англии этот метод использовали на протяжении почти всего столетия.
История часового дела в Англии 18 века характеризуется в основном внесени-
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
В УДЛИНЕННОМ
КОРПУСЕ
ДжонЧэпман
ОК. 1790г.
В конце 18 в. в провинции
рисованные циферблаты,
изготовлявшиеся в Бирмингеме, были
заменены но латунные.
■
N.
ВЕДУЩИЕ ЧАСОВЫЕ МАСТЕРА ДО 1720 г.
БЮРЖИ, Йост. 1552-1632
Кассель и Прага Часы эпохи немецкого Возрождения и механические глобусы
НИББ, Джозеф ум. в 1711
Оксфорд
и Лондон
Работал примерно в 1670 г. Консольные и напольные часы
КВАРЕ, Дэниел 1649-1724 Лондон
Карманные, консольные и напольные часы
ТЮРЕ, Исаак
ум. в 1750. Париж
Работал в 1689 г. Карманные и маятниковые часы в форме храма ("церковные")
ГРЭХЕМ, Георг 1673-1751
Лондон
Карманные и настольные часы и регуляторы
203

ЧАСЫ
НЕМЕЦКИЕ
КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
Золоченый металлический
корпус, латунный ходовой
механизм. Ок. 1580г.
Первые гормонные часы
(появились примерно в 1550 г.) были
круглыми. Одного с 1580 г. и
примерно до 1660 г. большинство
часов стали иметь овальную или
восьмиугольную форму.
Гравированный циферблат из
посеребренной латуни и стрелки из
вороненой стали, вероятно,
появились позже и только
приблизительно напоминали оригинал.
ем изменений в форму корпуса и циферблаты. В часах использовались
стандартные ходовые механизмы.
Во Франции часы в форме храма (так называемые "церковные"),
распространенные во времена Людовика XIV (1661—1715), вызывали
противодействие. Большой изобретательностью и даже причудливостью украшения
отличались французские каминные часы 18 века.
В первой половине 18 века производство часов во Франции находилось в
упадке. Оживление в работе часовых мастеров связано главным образом с
фамилией Ле Роя. Жюльен Ле Рой (1680—1759) первым стал использовать
вместо колокольчиков гонги со стальной спиралью. Ж. А. Лепин предложил
использовать вместо отдельных колонок и перемычек латунные платины для
поддержания колесиков ходового механизма. Это новшество и гонги Ле Роя
позволили сделать часы более плоскими. А. Л. Бреге еще больше
усовершенствовал часовой механизм.
Бреге не только сам делал высококачественные часы. Он ввозил
необработанные швейцарские ходовые механизмы, отделывал их и помещал в корпус.
Вскоре после 1800 года часовые мастера Швейцарии начали оспаривать
первенство Франции в изготовлении модных часов. Успехи швейцарских
мастеров были обусловлены тем, что они наладили механизированное производство
деталей. В мастерской "часового мастера" оставалось только собрать
стандартные детали.
Часовое дело в Америке было надомным ремеслом вплоть до 19 века.
Затем производство часов, сначала стенных, а потом и карманных, было
механизировано. С середины века стал использоваться принцип взаимозаменяемых
деталей карманных часов, изготовленных одной фирмой. Было налажено
массовое производство дешевых и надежных часов. Хотя технология
механизированного производства постоянно усовершенствовалась, американцы не
могли конкурировать с традиционным швейцарским мастерством — в Швейцарии
АБРАХАМ-ЛУИ БРЕГЕ
Родился в Швейцарии в 1747 году. В
1762-м переехал в Париж, где в 1775-м
открыл собственную мастерскую. Однако
в период Французской революции, в 1793
году, Бреге вынужден был бежать в
Швейцарию. По возвращении во
Францию в 1795 году Бреге был
награжден орденом Почетного Легиона, а
в 1816-м выбран членом Королевской
Академии наук.
Бреге впервые обратил на себя
внимание изготовлением часов с
автоматическим заводом. Это была не
его идея, но он ее усовершенствовал. В
часах Бреге малейшие колебания груза
влияли на ход часового механизма. Его
"подписные" часы, названные так потому,
что заранее оплачивались заказчиком,
были очень высокого качества, но
чрезвычайно просты в обращении, что
позволило снизить их стоимость.
Например, у них была только одна
стрелка, но циферблат был снабжен
дополнительными делениями, так что
можно было определять время с
точностью до трех с половиной минут.
Часы идеально подходили для
повседневного пользования.
Бреге ввел и другие новшества: ход
"турбильон", компенсирующий
ухудшение хода в том случае, когда
КАРЕТНЫЕ ЧАСЫ БРЕГЕ
Оригинальный корпус.
Часы снабжены
свидетельством. 1823 г.
положение часов меняется; две
раздельные секундные стрелки для
секундомера, которые передвигаются
вместе, но останавливаются по
отдельности.
Благодаря техническим новинкам и
личному элегантному почерку мастера
Бреге считают отцом современного
часостроения. Умер в 1823 году.
ЧАСЫ БРЕГЕ
цилиндрической
формы с отбиванием
четвертей. 1802 г.
204

ЧАСЫ
Ле Рой, Жюльен
Элликот, Джон
Лепин,
Жан-Антуан
Терри, Эли
Дент, Эдвард Дж.
1686-1759
1706-1772
1720-1814
1772-1852
1790-1853
ВЕДУЩИЕ ЧАСОВЫЕ МАСТЕРА ПОСЛЕ 1720 г.
Париж
Лондон
Париж
Массачусетс
Лондон
Карманные часы, настольные часы и хронометры.
Карманные часы, прочие часы и регуляторы.
Карманные часы, настольные часы и хронометры.
Массовое производство часов.
Создал фирму "Арнольд энд Дент", 1830—1840. Карманные часы, хронометры.
Башенные часы Вестминстерского аббатства (Биг Бен).
было налажено интегрированное производство часов на базе
специализированных кустарных мастерских. Поэтому в 20 веке Швейцария заняла первое
место на рынке высококачественных часов.
Часовые мастера Голландии, после попыток вырваться вперед,
предпринятых ими в 17 веке, в 18 веке старались придерживаться среднего стиля —
между обилием украшений на французских часах и скромным внешним видом
английских часов. Некоторые мастера полностью подражали французам,
однако большинство голландских мастеров придерживались строгого стиля и часто
использовали новинки, привезенные из Англии. Напольные часы были
главным предметом производства голландских городских мастеров, которые
наиболее часто использовали английские новшества в сочетании с украшением
циферблата и корпуса причудливым орнаментом.
После 1800 года появились первые каретные часы Бреге, которые вначале
выглядели как очень большие карманные часы. Их называли пассажирскими
часами. По инициативе Бреге производство каретных часов во Франции быстро
развивалось и примерно в 1825—1830 годах превратилось в хорошо налаженную
отрасль производства. В то же время производство каминных часов отличалось
смешением стилей 18 века и их возрождением в ухудшенном варианте. Каретные
часы делали и в Англии, но настоящие английские каретные часы не следует
путать с часами производства Франции, хотя на них стоит имя английского
торговца. Английские каретные часы были больше французских, имели характерную
отделку, в конструкции ходового механизма использовалась навойка.
ПОСЛЕДНИЕ ЧАСЫ, ПРЕДСТАВЛЯЮЩИЕ ИНТЕРЕС
ДЛЯ КОЛЛЕКЦИОНЕРОВ
Английские каминные часы были созданы на основе стенных часов.
Примерно с 1830 года в Англии отказались от производства напольных часов, которые
не выдержали конкуренции с более дешевыми каминными часами, ввозимыми
из Европы и Америки, — там было налажено производство этих часов на основе
изготовления деталей из тонкой рулонной латуни и штампованных деталей.
Чтобы выдержать конкуренцию с производителями дешевых, хотя и не очень
точных часов, изготавливаемых в других странах, в конце 19 века в английской
часовой промышленности ввели высокий стандарт на часы, в которых
по-прежнему использовали фузею. Это был период расцвета производства
хронометров, встречались часы с очень сложным механизмом. Англия поддерживала
высокий уровень производства часов вплоть до Первой мировой войны.
Первая мировая война нанесла урон производству каретных часов во
Франции. Небольшое оживление наблюдалось между двумя войнами, когда
наладили производство дорогих будуарных часов, украшенных золотом, серебром и
эмалью. Это были небольшие переносные часы, которые ставились на ночной
столик или письменный стол. Делали также часы с секретом (причудливой
формы со скрытым ходовым механизмом), в корпусе, украшенном
драгоценными камнями. Это последние высококачественные часы, представляющие
интерес для коллекционеров. Коллекционеров могут заинтересовать также
отдельные образцы часов 1920—1930 годов, выполненные в декоративном стиле.
КАРЕТНЫЕ ЧАСЫ,
ОТБИВАЮЩИЕ
ПОЛЧАСА
Дрокур, Париж
Золоченая латунь.
Отделка пластинками
иэ парижского фарфора.
Ок. 1870г.
Кнопке в верхней части
предназначено для 'репетиции' боя.
До открытия электричество это
было необходимо, особенно
ночью. Форфоровые пластинки,
наряду с другими украшениями
корпуса, включоя урны, в 19 в.
изготавливали но
многочисленных фабрикох Порижа,
работавших с севрским фарфором.
205

ЧАСЫ
В эпоху Возрождения в Германии делали огромное
количество часов самых рлзных типов — по выпуску часов
Германия занимала первое МЕао в ЕвропЕ.
НЕМЕЦКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
Считают, что первые настоящие переносные
часы были сделаны в Южной Германии в
начале 16 века. Они были скопированы с часов,
выпускаемых в странах севернее Германии.
Потом, после введения маятника и баланс-спирали
во второй половине 17 века, переносные часы
перестали изготовлять, однако в Южной
Германии их продолжали делать до 18 века.
Самые первые часы, приводимые в действие
пружиной (ок. 1520), имели золоченый
металлический корпус прямоугольной формы с
циферблатом в верхней части и откидной крышкой,
закрепленной на футляре, чтобы можно было заводить
часы и регулировать ход. В 16 веке получили
распространение настольные часы с горизонтальным
циферблатом в квадратном или шестиугольном
корпусе. Примерно с 1600 года края корпуса
украшались орнаментом на темы эпохи Возрождения,
после 1620 года они стали резными. Основания
имели шарнирные соединения, поддерживали
колокольчики и были снабжены ножками.
РАСЦВЕТ ЧАСОВОГО ДЕЛА
В ГЕРМАНИИ
Часы с горизонтальным циферблатом дали
толчок для изготовления многочисленных
настольных часов в квадратном или шестиугольном
корпусе, которые в 1650—1730-е годы получили
широкое распространение в Германии, Богемии (в
Праге) и Польше. До 1680 года часы имели одну
стрелку. После появления баланс-спирали
минутные стрелки стали обычной деталью часов.
Вершиной создания часов в эпоху
Возрождения в Германии стали часы в форме церковного
храма (они известны как часы-шатер). Каждая
вертикальная плоскость корпуса имела свой
циферблат, была окружена галереями,
украшенными балюстрадами и шпилями. Некоторые часы-
шатер показывали часы и четверти, долготу дня
и ночи в течение всего года, имели календарь
всех святых.
Чтобы подчеркнуть свое умение, часовые
мастера проявляли много фантазии. Появлялись
часы самой причудливой формы (например, в виде
зверя, державшего в руках циферблат) и из очень
дорогих материалов (некоторые часы были
просто усыпаны драгоценными камнями).
КОЛЛЕКЦИЯ
НЕМЕЦКИХ
НАСТОЛЬНЫХ ЧАСОВ
Золоченый металл.
Конец 16-го — начало 17 в.
Показаны часы в виде
церковного храма (вверху слева), часы-
распятие (вверху справа),
квадратные настольные часы (Фло-
мандия, внизу слева) и каретные
часы вместе с настольными
часами (в центре). Точное время
изготовления можно указать
потому, что края подставок
имеют вогнутую форму, наиболее
распространенную до 1590 г.
К 1610 г. края основания часов
имели S-образную форму.
206

ГОЛЛАНДСКИЕ ЧАС
ХОТЯ НА ГОЛЛАНДСКИХ МАСТЕРОВ СИЛЬНО ВЛИЯЛИ АНГЛИЙСКИЕ
ЧАСОВЫЕ МАСТЕрА, ОНИ СуМЕЛИ СОХРАНИТЬ САМОСТОЯТЕЛЬНЫЙ
СТИЛЬ, КОТОРЫЙ ВЫРАЖАЕТСЯ В СОЗДАННЫХ ИМИ
ВЕЛИКОЛЕПНЫХ МОДЕЛЯХ ЧАСОВ.
ГОЛЛАНДСКИЕ ЧАСЫ
Гаагские часы, изготовленные в третьей чет
верти 17 веха\ теперь являются большой
редкостью. Часы можно было вешать на стену,
ставить на стол или каминную полку. У них был
корпус из черного дерева с боковыми
стеклянными стенками и передней дверцей, обтянутый
бархатом циферблат с латунным кругом, на
котором были нанесены деления. Мастер обычно
ставил свою подпись на пластине, находившейся
под кругом с делениями. На часах,
выставляемых на продажу, пластинка часто отсутствует
либо не является подлинной.
Часы 18 века, приводимые в действие
пружиной, были сделаны по образцу французских
или английских часов, но часто в голландских
моделях каждые три часа звучала музыка.
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
С 1680 года городские часовые мастера стали
продавать напольные часы. Первые образцы
(1680—1720) имели корпус, отделанный черным
деревом, орехом или королевской сосной, с
прямым фризом и декоративным выступом сверху.
Циферблаты обтягивались бархатом, стрелки
были тщательно отделаны. На часах переходного
периода сказывается влияние английских
мастеров, особенно в отделке циферблата. Нижняя
часть корпуса покоилась на вогнутом литом
основании с ножками грушевидной формы.
Напольные часы в стилях рококо и ампир
(1735—1820) имеют отделанный под орех
корпус, выступающее основание на ножках в
форме лап и фигурную дверцу. Футляр увенчан
резными золочеными фигурами атлантов, сбоку от
которых находятся ангелы, трубящие в трубы.
Циферблат снабжен календарем с указанием фаз
луны, расположенным над кругом с делениями.
Нижнюю часть корпуса украшает пейзаж или
сцена из морской жизни.
ДРУГИЕ МОДЕЛИ ЧАСОВ
Так называемые голландские часы были
изготовлены в 18 в. Это часы с 30-часовым ходом,
приводимые в действие грузом. Они имеют
квадратный рисованный циферблат, корпус снабжен
боковыми дверцами. Часы поддерживаются
консолью, укрепленной в стене. В 19 в. на смену им
пришли часы Стаарта, ходовой механизм и
сводчатый циферблат которых были помещены в
защитный футляр с консолью, крепящейся к стене.
ГОЛЛАНДСКИЕ ЧАСЫ
Вторая половина 18 в.
Ходовой механизм выполнен из
латуни и стали. Прямоугольный
циферблат с рисованным и
литым орнаментом, увенчанный
резьбой. (Слева)
ЧАСЫ СТААРТА
Середина 19 в.
Дубовый корпус, украшенный
резными золочеными
деревянными фигурками. Рисованный
металлический циферблат.
(Справа).
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
Йаи вам дер Сввллинг
Отделанный под орех
инкрустированный корпус
с рисованным циферблатом
Ок. 1770г.
Часы изготовлены в Лейдене.
Имеют характерную форму
корпуса с выступающим
основанием. Верхняя часть корпуса
украшена фигурками атлантов, по
бокам — трубящие в трубы
герольды. (Вверху).
207

ЧАСЫ
Английские часовые мастера сохраняли первенство в ЕвропЕ
В ТЕЧЕНИЕ 1 8-ГО И НАЧАЛЕ 1 9 В. ЭПОХА АНГЛИЙСКИХ ЧАСОВ
ХАРАКТЕРИЗУЕТСЯ ИСПОЛЬЗОВАНИЕМ НАДЕЖНЫХ
ХОДОВЫХ МЕХАНИЗМОВ И ЭЛЕГАНТНЫМ КОрпуСОМ
С УМЕРЕННЫМ КОЛИЧЕСТВОМ укрАШЕНИЙ.
АНГЛИЙСКИЕ ЧАСЫ
Появление маятника коренным образом
изменило технику изготовления часов в Англии.
Были созданы два новых типа часов — консольные
и напольные, основными характеристиками которых
было использование платин для поддержания
ходового механизма и полностью деревянный корпус.
Большинство стенных часов предназначалось
для бытового употребления (до 1760 года еще
не было каминов с каминными полками).
Напольные часы прикреплялись к стене, потому что при
поднятии груза до конца вверх нарушалась
устойчивость корпуса.
ПЕРИОД АРХИТЕКТУРНЫХ ФОРМ
(1665-1675)
В английском часовом деле период с 1665-го
по 1675 год известен как период архитектурных
форм: корпус стенных и напольных часов
отделывали под дуб с использованием ценных пород
дерева; он имел строгую классическую форму с
колоннами по углам, фризом и карнизом. Сверху
корпус был украшен фронтоном. Основания и
капители колонн были литыми, украшенными
резьбой по металлу с позолотой и золочеными
шпилями. Архитектурные украшения
утяжеляли корпус, и, чтобы регулировать работу
маятника, часы ставились на поворотное основание.
Корпус напольных часов был снабжен
декоративным футляром с крышкой, которая
откидывалась вверх, когда нужно было завести часы.
Футляр опирался на "узкий" выступ в верхней части
корпуса с рельефными боковыми стенками и
длинной дверцей. Дверца крепилась непосредственно
к боковым стенкам, промежуточная передняя рама
отсутствовала (см. период выпуклых форм).
Скошенное основание опиралось на толстые ножки.
К 1673 году вместо ценных пород дерева стали
использовать орех или оливковое дерево.
КОНСОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
Часы в деревянном корпусе появились
примерно в 1658 году, одновременно
с появлением маятника в Англии.
Первые деревянные корпуса имели
строгую форму, от которой отказались
в 1673 году, когда вошли в моду часы
в корпусе, украшенном фасонным литьем.
Стиль корпуса изменился.
1. Корпус в форме чаши
или чайницы (1670-1725).
2. Верхняя часть корпуса
имеет форму чаши,
украшенную
чеканкой (1690-1725).
3. Верхняя часть корпуса
имеет форму
колокола (1720-1770).
4. Верхняя часть корпуса
имеет форму колокола
(1760-1810).
5. Корпус шарообразной
формы (1780-1820).
6. Корпус со сводчатым
верхом (1765-1830).
7. Верх корпуса в форме
стрельчатого свода
(1810-1860).
8. Корпус со скошенным
верхом (1815-1840).
208

АНГЛИЙСКИЕ ЧАСЫ
ЧАСЫ-ФОНАРЬ (1620-1800)
Названы так потому, что своей формой
напоминают переносные средневековые
фонари, часы-фонарь — английский
вариант более ранних и более
громоздких немецких и голландских
комнатных часов. Они имеют одну
стрелку и ходовой механизм, приводимый
в действие грузом. В конце 19 в. многие
часы снабдили минутной стрелкой и
пружинным ходовым механизмом (ход
которого был рассчитан на 8 дней) по
типу стенных часов.
Усовершенствованные часы имели два
отверстия для подзавода, просверленные
в декоративном рисунке в середине
циферблата.
В изготовлении часов-фонаря
выделяют три основных периода:
1620-1640. Часы еще несовершенны,
их конструкция не улучшается.
Продолжительность хода — 12 часов.
1640-1660. Конструкция отдельных
часов улучшается, особенно в период
гражданской войны 1642—1649 годов.
Продолжительность хода по-прежнему
12 часов. Корпус впервые начинают
украшать гравировкой с изображением
тюльпанов (см. текст).
СТАНДАРТНЫЕ
ЧАСЫ-ФОНАРЬ
С СИГНАЛОМ
Латунь, ок. 1685 г.
Типичные часы-фонарь
позднего периода снабжены звуковым
сигналом, заменившим механизм
отбивания каждого часа,
вышедший из моды к 1700 г. (Слева, в
отдалении)
1660-1700. Изготовители часов-
фонаря аффективно использовали два
новшества голландца Гюйгенса:
маятник, обеспечивающий точность
хода, и привод с бесконечным тросом,
„■Ч ■■■"■ — - *
который повысил продолжительность
хода до 30 часов. Циферблаты
украшались гравировкой с
изображением тюльпанов или других
цветов.
В городах Англии часы-фонарь
продолжали использовать на протяжении
всего 18 века. Они были гораздо дешевле
стенных или напольных часов.
"КРЫЛАТЫЕ"
ЧАСЫ-ФОНАРЬ
С МАЯТНИКОМ
И СИГНАЛОМ
Латунь, ок. 1685 г.
В корпус часов встроен
маятник в форме якоря. Часы
издают звуковой сигнап. (Слева)
Циферблаты консольных часов немного
меньше циферблатов напольных часов.
Циферблат состоит из узкого круга с делениями,
нанесенного на металлическую пластину,
которая первоначально была целиком матовой, за
исключением обода шириной 1,6 мм. Очень
скоро углы циферблата стали украшать
литыми головками херувимов, иногда —
растительным орнаментом. В 1670 году очень недолго
середину циферблата украшали гравировкой с
изображением тюльпанов и других цветов. Для
контроля отсчета ударов, соответствующих
каждому часу (до 12) использовалось
колесико с насечкой по периметру.
В напольных часах мастер ставил свое имя
в нижней части циферблата. На стенных часах
имя мастера почти всегда писалось на задней
стенке.
ПЕРИОД
ВЫПУКЛЫХ ФОРМ
(1675 — ОК. 1700)
В этот период (названный по
использованию выпуклых лепных украшений) корпус
часов уже не имел строгой формы, хотя в
отделке сохранялись колонны по углам (иногда
витые), фризы и карнизы раннего периода. К 1690
году исчезли футляры с откидывающейся
крышкой. Теперь футляр просто снимался,
открывая доступ к часовому механизму. Корпус
был снабжен дверцей для еженедельного
подзавода часов и перевода стрелок. Многие часы
сверху украшались куполом, но большинство
моделей имели плоский верх. Корпус часов был
плоским, дверца навешивалась на переднюю
раму.
Напольные часы стали выше, консольные —
меньше. Корпус консольных часов начали
подгонять под ходовой механизм. Корпус принял
форму прямоугольного ящика с
расширяющимся литым основанием, повторявшим
форму карниза. Верх украшался либо литым
куполом в форме "сахарницы", либо
металлическим куполом, украшенным чеканкой —
золочеными фруктами и путти в обрамлении
завитков.
Большинство консольных часов были
отделаны ценными породами дерева, некоторые
отделывались под орех, оливковое дерево или
королевскую сосну. Очень редко можно было
встретить мозаику из цветной древесины. Для
напольных часов чаще стали использовать
отделку под орех. Паркетное украшение,
распространенное в период архитектурных форм, ста-
209

ЧАСЫ
•i *
»i
i
/
<S
-i
л
A- V
«
ii
ч
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ С
ПРОДОЛЖИТЕЛЬНОСТЬЮ
ХОДА 30 ЧАСОВ
Донискорн, Бирмингем
Дубовый корпус,
циферблат из латуни
и посеребренной латуни.
Ок. 1760 г. (Вверху)
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
Бенджамин Хили
Корпус отделан под сосну
и покрыт черным лаком.
Циферблат из латуни
и посеребренной латуни.
Ок. 1735 г. (Слева)
КОНСОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
ГЕОРГА III
Эндрю Дики, Эдинбург
Корпус из ценных пород
дерева. Циферблат
из латуни и посеребренной
латуни. Конец 18 в. (Внизу)
ло уступать место растительной мозаике.
Сначала мозаику из цветной древесины
использовали только для украшения передней дверцы
и скошенного основания, но к 1680 году
мозаикой стали покрывать весь корпус. К 1690 году
мозаикой украшали переднюю часть корпуса,
она использовалась в виде бордюра,
имитирующего рисунок "под морские водоросли".
В 19 веке отделанный под орех корпус часов
стали украшать мозаикой, чтобы сделать часы
более дорогими. Теперь трудно определить
подлинное время изготовления таких часов.
Циферблаты и задние стенки. В
напольных часах циферблат был преимущественно
квадратным. Сторона квадрата составляла: 25,5
см — в 1675-1690 годах, 28 см — в 1690-1700
годах и 30,5 см — после 1700 года. Круг с
делениями стал шире, появились деления по 5
минут, деления, отмечающие полчаса, стали
больше, ярче. Теперь фамилию мастера
ставили на круге с делениями, за исключением
известных мастеров — они расписывались на
циферблате сами.
Ширина циферблата консольных часов
составляла 12,5—15 см. К 1695 году стали
делать часы с прямоугольным циферблатом.
Подпись мастера ставилась вверху на ободе.
Примерно в 1675 году заднюю стенку
корпуса стали украшать гравировкой с изображением
стилизованных тюльпанов. В 1680 году гравировка
встречается на передних стенках,
стилизованными тюльпанами симметрично обрамляется
подпись мастера. Через 5 лет на смену тюльпанам
приходят изображения бутонов, к 1690 году
появляется лиственный орнамент, иногда в
сочетании с птицами или путти.
ПЕРИОД ВОГНУТЫХ ФОРМ
(ОК. 1700-1720)
Консольные часы этого периода с
вогнутыми удлиненными карнизами аналогичны
консольным часам предыдущего периода. Однако
примерно с 1710 года вместо украшения в
форме сахарницы используется украшение в
форме опрокинутого колокола.
Напольные часы становятся выше.
Скошенное основание корпуса покоится на плоской
подставке, а не на круглых ножках. Корпус
чаще всего отделывается под орех. Мозаика
цветных пород дерева становится менее яркой,
но более причудливой по рисунку, с 1710 года
ее постепенно заменяют отделкой черным
лаком (имитация лаковой миниатюры).
Циферблаты и задние стенки.
Циферблат консольных часов иногда наносился на
овальный диск с матовой серединой. Циферблат
напольных часов был окаймлен
выгравированными пшеничными колосьями и увенчан крестом и
короной либо херувимом со свитком в руке. Зад-
210

АНГЛИЙСКИЕ ЧАСЫ
няя стенка украшалась гравировкой —
изображением птиц и путти в лиственном орнаменте.
АНГЛИЙСКИЕ ЧАСЫ (1720-1830)
История декоративного украшения часов в
ранний период правления Георгов началась на
25 лет позже истории изготовления мебели,
которую теперь считают антикварной. Красное
дерево для изготовления мебели начали
использовать с 1730 года, для изготовления корпуса
часов — только с 1750 года. Под влиянием
"сторонников" часов к ним стали относиться
с таким же уважением, как и к фурнитуре. А
до тех пор для отделки корпуса использовали
главным образом орех. С 1735 года отдавали
предпочтение "красному" ореховому дереву.
В начале этого периода вместо мозаики
корпус стали покрывать лаком. Обычно
использовали черный лак, однако в настоящее время
самым большим спросом пользуются часы,
покрытые алым, желтым, ярко-синим и зеленым
лаком. Их очень трудно купить.
КОНСОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
До 1800 года для отделки корпуса обычно
использовали черное дерево, а также орех и
V
\
\
КАМИННЫЕ ЧАСЫ
Фирма
"Чарлз Фродсзом
и Ко.'
Отделка розовым деревом.
Около I860 г. (Вверху)
ФФ
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
ДжонУайэ
Отделка под орех.
Ок. 1685г.
Яркая мозаика из цветной
древесины. Часы украшены витыми
колоннами цвета 'ячменный со*
хар', типичными для украшения
мебели этого периода. (Справа)
>*ч
Rrjl
Г*
'*4
ТОМАС ТОМПИОН
Томпион (1638-1713) родился
в Бедфордшире, с 1671 года жил в
Лондоне. В 1674 году Томас познакомился
со знаменитым ученым Робертом Гуком,
благодаря которому его заметил Карл II.
Томпион постарался занять видное место
среди английских часовых мастеров,
отчасти благодаря высокому
покровительству.
После нескольких лет
экспериментирования Томпион нашел
свой стиль и начал создавать часы
целыми партиями. Перед сборкой
детали часов нужно было
идентифицировать, поэтому с 1680 года
Томпион ввел для своих часов серийные
номера деталей. Отдельно
нумеровались настольные
и стенные часы, часы-фонарь,
хронометры и часы с репетицией.
Томпион сделал около 4000
хронометров и 580 напольных и стенных
часов. После смерти мастера дело
продолжил его племянник и
последователь Георг Грэм
(традиц. — Грэхем, 1673-1751).
Все часы Томпиона отличаются
стабильно высоким уровнем замысла
и качеством отделки. Благодаря
стандартам, установленным Томпионом,
Англия заняла ведушее положение
в часовом деле, сохраняя его
вплоть до 19 века.
^%
vy
S
СТЕННЫЕ ЧАСЫ
N 270, ОТБИВАЮЩИЕ
КАЖДЫЙ ЧАС,
С РЕПЕТИЦИЕЙ
ЧЕТВЕРТЕЙ
Томас Томпион, Лондон
Корпус отделан черным
деревом. Золоченый
и посеребренный латунный
циферблат. Латунный
ходовой механизм.
Ок. 1700г.
Образец стандартных
консольных часов Томпиона,
выпускавшихся в трех типовых размерах.
^r^SrHv
4^1 «А-
211

ЧАСЫ
ПАРЛАМЕНТСКИЕ
ЧАСЫ
Томас Бвнтли, Дарлингтон
Отделанный сосной корпус
покрыт черным лаком. На
дверцу вручную нанесен
рисунок. Ок. 1780 г.
Парламентские часы не
отбивали каедый час Это ранний
образец чосов с круглым
циферблатом и элегантным корпусом в
форме падающей капля (Слева)
красное дерево. Уже в конце 18 века
отдельные экземпляры стали отделывать атласным
деревом. После 1800 года для отделки
использовали исключительно красное дерево.
Примерно до 1760 года верхняя часть корпуса
консольных часов имела форму опрокинутого
колокола. Позднее края "колокола" стали делать
закругленными. Такая форма часов оставалась
в моде до 1810 года Одновременно делали часы
другой формы: шаровидные (ок. 1780),
сводчатые (ок. 1770), стрельчатые (ок. 1810) и часы
со скошенным верхом (ок. 1810). В 1830 году
были сделаны часы в плоском корпусе. Это
означало, что наступил новый период
производства каминных часов.
С 1720 года циферблат консольных часов
был сводчатым. После 1760 года появились
часы с круглым циферблатом и декоративным
маятником, который качался под цифрой XII.
Над цифрой VI был вырезан квадрат, в
котором указывался день месяца. После 1730 года
на круг циферблата уже не наносили
получасовые деления, циферблат не имел внутренне-
НАСТЕННЫЕ
ЧАСЫ-ХРОНОМЕТР
Лв Граве, Лондон
Гравированный латунный
посеребренный
циферблат, латунный
желобок, изогнутый корпус
из красного дерева. Около
1790 г.
Циферблат чосов раннего
периода имел декоративный
маятник под цифрой XII. Часы
позднего периода, особенно
эпохи Виктории и Эдуарда, имели
цветные с белым металлические
циферблаты (вверху).
го круга с делениями на четверти. После 1750
года сводчатый верх часов украшали не
только завитками в стиле позднего барокко, но и
лиственным орнаментом в стиле рококо. С 1770
года циферблат целиком покрывали серебром.
В провинции с 1785 года делали рисованные
металлические циферблаты не совсем белого
цвета. Рисованные циферблаты были очень
распространены в Англии в период Регентства.
В этот период делали часы с изящными
гравированными задними стенками,
преимущественно в стиле рококо. Гравирование
встречалось гораздо чаще, чем серебрение. Над
декоративным украшением часов работало много
мастеров-граверов.
НАПОЛЬНЫЕ ЧАСЫ
Корпус напольных часов, изготовляемых в
Лондоне, стал проще и отличался чистотой
линий. С 1730 года изогнутый циферблат
сочетали со сводчатой дверцей удлиненного
корпуса. Использовались готические детали
украшения — угловые колонны и стрельчатые
дверцы. Многие часы периода Регентства имели
круглый циферблат, в остальном циферблат
был таким же, как и в консольных часах.
В Лондоне от изготовления напольных
часов отказались с 1820 года, а в провинции —
с 1830 года.
ДРУГИЕ ВИДЫ
ЧАСОВ
Парламентские (или гостиничные) часы
предназначались для общественных зданий —
гостиниц, судов и пр. Считают, что они получили
название из-за указа 1794 года, который ввел налог
на все часы. В результате многие люди могли
узнавать время только по общественным часам.
Однако на самом деле парламентские часы
впервые были изготовлены в 1720 году. У них был
большой циферблат и длинный корпус. На
большой медной пластинке значилось имя мастера. С
1720 по 1780 год корпус покрывали черным
лаком и украшали золоченными китайскими
фигурками. Циферблат имел определенную форму. До
1830 года корпус отделывали красным деревом,
циферблат был круглым, часто выкрашен в
белый цвет.
"Картельные" настенные часы делали только
с 1755 по 1775 год. Часы имели деревянный
золоченый корпус в стиле французского рококо,
гравированный посеребренный циферблат и
декоративный маятник над медной пластинкой, на
которой было написано имя мастера.
Настенные часы, выпускавшиеся с 1770
года, были уменьшенной копией
парламентских часов, но с посеребренным циферблатом
и изогнутым желобком, в который вставлялось
стекло, закрывавшее циферблат.
212

ФРАНЦУЗСКИЕ ЧАСЫ
ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ЧАСОСТрОЕНИЯ ВО ФрАНЦИИ ТЕСНО СВЯЗАНА
с исгориЕй производавл ме6ели и развитием декоративного
ИСКУССТВА. В ЧАСАХ ОбрАЩАЛИ ВНИМАНИЕ НА КрАСОТу ОТДЕЛКИ
КОрПуСА И ТОЧНОСТЬ ХОДА.
ФРАНЦУЗСКИЕ ЧАСЫ
Во Франции почти на протяжении всего 18 века
форму часов диктовали производители
кабинетной мебели. Стиль Людовика XIV (до 1715)
был тяжеловесным, с обилием золоченых
бронзовых украшений на черепаховой коже. Стиль
эпохи (1715-1723) был менее внушительным,
корпус часов имел плавные линии, боковые
стенки выгибались у основания. Стиль Людовика XV
(1723-1774) отличался причудливостью отделки.
Ко времени правления Людовика XVI воцарился
неоклассический стиль, наиболее
распространенный в период Империи (1804-1815) и
продолжавший господствовать в годы правления
Людовика XVIII и Карла X (1824-1830).
ТИПЫ ЧАСОВ
"Церковные" часы. Эти часы,
изобретенные гаагскими мастерами, имели прямоугольный
ходовой механизм, соединенный с задней
стороной обтянутого бархатом циферблата. К
основной циферблатной плите крепилось латунное
кольцо с делениями. В отличие от голландских
моделей, французские часы обычно имели
корпус, обтянутый черепаховой кожей и инкрусти-
КАРЕТНЫЕ ЧАСЫ
В каретных часах были ходовые
механизмы стандартного размера»
которые помещались в корпус, не всегда
тщательно отделанный. Наиболее часто
встречался корпус в форме карниза,
в который помещали хронометр,
а также ходовой механизм с боем.
Часы имели календарь и колокольчики.
Более сложные ходовые механизмы
помещали в тщательно отделанный
корпус. Представлены некоторые
модели часов.
Корпус
■ форме карниза
Корпус
с витиеватыми
украшениями
Стиль ампир
Овальный корпус
Великолепный
английский стиль
Рококо
Корпус
с арочным верхом
Корпус,
отделанный бамбуком
213

ЧАСЫ
рованный латунью или оловом, с подставкой из
золоченой бронзы.
Консольные часы. Эти часы делали с 1710
по 1760 год. Они имели изогнутый корпус с
фигурками коней по углам, декорированными
лиственным орнаментом.
Картельные часы. Созданы в конце
периода Регентства. Корпус часто украшали
китайские фигурки, декорированные лиственным
орнаментом и прихотливой аппликацией из фарфора
и золоченой бронзы.
Напольные часы. Были менее
распространены, чем прочие модели. Часы стиля Людовика XIV
и периода Регентства имели корпус в форме фасада
храма {"церковные" часы) или консольных часов,
установленных на отдельном постаменте.
Напольные часы неоклассического стиля имели
прямоугольный корпус, украшенный золоченым
бронзовым орнаментом, и длинную стеклянную дверцу,
сквозь которую был виден ажурный маятник (из
металлических и латунных стержней разной
длины) с большой чашкой на конце. Многие из этих
часов могли ходить без подзавода месяц и более.
Каминные часы. Впервые созданы в годы
правления Людовика XV. Самые распространен-
КАМИННЫЕ ЧАСЫ
ЛЮДОВИКА XV
Анвы, Париж
Золоченая бронза, бронза
и фарфор. Ок. 1760 г.
(Справа)
ШВЕЙЦАРСКИЕ ЧАСЫ 18 ВЕКА
По сравнению с французскими
консольными часами, швейцарские
часы были простыми по форме,
но мало отличались от них
декоративной отделкой. Вместо
мозаики из цветной древесины
в стиле буль корпус отделывали
красной черепаховой кожей или
покрывали лаком (имитация японского
лака, появившаяся во Франции
в 18 веке). Потом на цветном или
золоченом фоне появлялись россыпи
цветов. Бронзовые подставки отливались
полыми с задней стороны. Покрытые
эмалью циферблаты обычно имели
изогнутую форму и вдавленную
середину. Ходовой механизм
соединялся с отдельной
музыкальной пружиной
в нижней половине корпуса.
Нёшательские часы, которые
делали в Швейцарии вплоть до 19 века,
были ухудшенной копией консольных
часов в стиле рококо с деревянным
изогнутым корпусом и серебряной
окантовкой.
КОНСОЛЬНЫЕ
МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЧАСЫ.
Ок. 1770 г.
КАМИННЫЕ ЧАСЫ
ЛЮДОВИКА XV
Лвпотр, Париж
Золоченая бронза,
Ок. 1780 г. (Слева)
ные французские антикварные часы. До 1780 года
делали часы, устанавливаемые, например, на
туалетном столике, а не на каминной полке.
Большинство часов имело циферблат, покрытый
эмалью, и ходовой механизм, помещенный в
цилиндрический корпус. Корпус часов мог быть главной
или второстепенной деталью композиции,
составленной из лепных фигур- В некоторых широко
известных моделях эпохи Людовика XV часы
установлены на спине животного и увенчаны
фигуркой китаянки под зонтиком.
Каретные часы. Первые настоящие
каретные часы были изготовлены А.- Л. Бреге в 1796
году. Первоначально каретные часы имели
большой прямоугольный корпус с регулятором хода
от карманных часов (ходовой механизм
регулировал силу растяжения пружины). Бреге
установил регулятор хода над платинами,
поддерживающими ходовой механизм, и снабдил устойчивый
корпус стеклянными панелями. Другие мастера
упростили конструкцию часов, сделав их
пригодными для массового производства, которое
развивалось с 1830 по 1915 год. Корпуса и ходовые
механизмы каретных часов выпускались в
заданных уровнях качества. Ходовой механизм любого
качества можно было поместить в любой корпус.
Наибольшим спросом пользовались часы,
отбивающие часы и четверти, с колокольчиками и
календарем. Они имели гравированный корпус,
покрытый эмалью или отделанный эмалевыми или
фарфоровыми пластинками. Самыми известными
мастерами были Жако, Марген, Дрокур, Ле Рой,
Ламей и Жапи.
214

ЕРИКАНСКИЕ ЧАСЫ
Часовые мастера, переселившиеся в колонии
и в Соединенные Штаты, ставшие независимыми, при везли туда
СВОЕ МАСТЕрСТВО И СОЗДАЛИ ЧАСОВуЮ ПРОМЫШЛЕННОСТЬ, КОТОрАЯ
затмила производство некоторых типов часов в Одром Свете.
АМЕРИКАНСКИЕ ЧАСЫ
В 18-м и в начале 19 века во многих городах
Америки, например, в Бостоне делали
изящные напольные часы, по стилю напоминавшие
часы английской провинции. Иногда у них был
деревянный ходовой механизм в традициях
немецких часов "темный лес". В начале 19 века
были распространены стенные часы в
деревянном корпусе, с продолжительностью хода 30
часов, приводимые в действие грузом и
снабженные маятником.
Часы-банджо были изготовлены в 1802 году
Саймоном Виллардом (1753-1845). Круглый
циферблат был расположен в верхней части
конического корпуса, который покоился на
прямоугольном основании. На основе этих часов были
созданы часы-лира в резном изогнутом корпусе,
а также часы-канделябр на круглой подставке.
ЧАСЫ-ШКАФ
Первые часы-шкаф были сделаны Саймоном
Виллардом и его братом Аароном (1757-1844).
Они получили известность как массачусетские
часы. Часы высотой около 1,2 м имели более
широкий постамент и по конструкции
напоминали шкаф со множеством полок.
В 1816 году Эли Терри запатентовал
небольшие прямоугольные часы высотой около
75 см. Сначала рисованный циферблат был
размешен на стеклянной дверце, потом его
поместили между дверцей и ходовым
механизмом. Маятник, отмечающий полсекунды,
висел справа. После 1823 года его стали
располагать в середине. Ходовой механизм
приводили в действие грузы, размещенные по
бокам корпуса, тросы были перекинуты через
шкив, находившийся вверху.
Корпус самых изящных часов-шкафа был
украшен колоннами с декоративным орнаментом
(новшество Терри, введенное в 1817 г.); нижняя
часть корпуса была снабжена рифленым
козырьком, фронтон украшен литой головой лебедя на
длинной шее и шпилями с латунными урнами
(орнамент в виде остроконечных шпилей).
Часы-шкаф были недорогими и во множестве
ввозились в Европу. Позднее были созданы
"бронзовые часы-зеркало" с толстыми полуколоннами
на дверце и бронзовой подставкой, а также часы
АМЕРИКАНСКИЕ
ЧАСЫ-ШКАФ
С КОЛОННАМИ
И ОРНАМЕНТОМ
Эли Терри, Коннектикут
Отделка красным деревом.
Латунные шпили, вставной
двухсторонний цветной
витраж. Ок. 1820 г.
Часы Терри были недорогими,
элегантными и очень
популярными. (Вверху)
СТЕННЫЕ ЧАСЫ
В СТИЛЕ НЕМЕЦКИХ
ЧАСОВ "ТЕМНЫЙ ЛЕС"
Деревянный ходовой
механизм, деревянный
рисованный циферблат.
Первая половина 19 в.
(Слева)
АМЕРИКАНСКИЕ
ЧАСЫ-БАНДЖО
Неизвестный мастер
Золоченый деревянный
корпус с вставными
стеклянными цветными
■правами. Ок. 1815г.
(Внизу)
ОС в прямоугольном корпусе с изогнутой S-об
разной дверцей. Часы таких мастеров, как Дже
ром Шанси, имели остроконечную дверцу,
украшенную шпилями.
215

ЧАСЫ
ЧАСЫ 19 ВЕКА
В 19 веке начинается возрождение прежних
стилей — рококо, эпохи Регентства,
барокко, Ренессанса, неоклассического и
готического. Возрождение стиля не было
копированием оригинала, готовое изделие
часто содержало элементы разных стилей.
С середины века было налажено массовое
производство часов
в США и Германии, серийное производство
— во Франции, и только в Англии
производство часов оставалось штучным.
Каминные часы. Известны как часы-
гарнитур, потому что были снабжены
двумя канделябрами по бокам. Чаще
всего были французского производства.
Часы имели литой золоченый корпус,
украшенный фарфоровыми фигурками,
урнами и вставными фарфоровыми
пластинками. Головки канделябров были
выполнены в форме золоченых
бронзовых путти или фарфоровых урн.
Орнаментика на фарфоре была
выполнена в севрском стиле — россыпь
цветов на голубом, розовом, желтом или
зеленом фоне. Циферблат был круглым,
покрыт эмалью и защищен стеклом, с
резными стрелками из золоченой
бронзы.
В конце столетия начали широко
использовать черный бельгийский
мрамор. Ходовой механизм часов,
отделанных мрамором, был сравнительно
дешевым, но надежным, и многие часы
до сих пор находятся в прекрасном
состоянии. Усеченный низ корпуса имел
вкрапления цветного мрамора или
декоративную насечку. В наиболее
дорогих моделях под стандартным
циферблатом имелся календарь.
Часы с четырьмя стеклянными
дверцами. Во Франции такие часы,
напоминавшие огромные каретные часы,
имели стеклянный корпус в латунной
раме, круглый ходовой механизм и
круглый циферблат. До 1860 года в них
использовали колокольчик, отбивающий
часы, позднее — металлический гонг.
Корпус английских часов был
деревянным, с большим прямоугольным
циферблатом, покрытым белой эмалью,
золоченым либо металлическим
посеребренным.
Часы-загадка. Их делали так, чтобы
скрыть соединение стрелок и часового
механизма. Часы имели несколько форм.
В одних часах стрелка двигалась по кругу
с помощью вращающейся стеклянной
пластинки, удерживаемой двумя
неподвижными пластинками. В других
часах в сосуде плавала черепаха;
проплывая мимо делений, черепаха
делала круг, притягиваемая магнитом,
укрепленным на рукоятке внизу. Еще в
одной модели циферблат был нанесен на
ФРАНЦУЗСКИЕ
ЧАСЫ-ЗАГАДКА
Стеклянный циферблат,
золоченый или черненый
латунный корпус,
деревянная подставка.
Около 1845 г. (Вверху, слева
и справа)
ФРАНЦУЗСКИЕ
ЧАСЫ-НОВИНКА
Золоченая бронза
и мрамор. Ок. 1880г.
(Вверху, в середине)
ЧАСЫ-ЗАГАДКА
В ДЕКОРАТИВНОМ
СТИЛЕ
Картье, Париж
Золото, эмаль,
бриллианты,горный
хрусталь и другие
драгоценные камни.
Ок. 1925 г. (Внизу)
АНГЛИЙСКИЕ
АЖУРНЫЕ ЧАСЫ
Неизвестный мастер, Англия
Латунь и посеребренная
латунь. Ок. 1860 г.
216

ЧАСЫ 19 ВЕКА
чашку маятника, качавшегося в вытянутой
руке женской фигуры, которая незаметно
олебалась. Стрелки часов приводились в
ействие движением маятника.
Ажурные часы. Часы имеют ажурный
орпус, позволяющий видеть работу
одового механизма. Впервые были
зготовлены в 18 веке во Франции. До
ередины 19 века выпускались
ебольшими партиями. Получили широкое
аспространение в Англии. Стенки
корпуса были искусно отделаны,
имитируя фасады зданий, особенно
храмов. Многие ажурные часы были
просто хронометрами, не отбивающими
часы или отмечающими каждый час
одним ударом. Лучшие образцы отбивали
полные часы, многие часы имели подбор
колокольчиков для отбивания четвертей.
Промышленные часы. Названы так
потому, что снабжены автоматическим
элементом (движущейся фигуркой или
другим предметом). Часы
сконструированы по принципу
механических систем — паровых
двигателей и ветряных мельниц либо по
принципу работы бытовых приборов.
Ходовой механизм, рассчитанный
на 8 дней, был отделен от ходового
механизма автоматического элемента,
рассчитанного на 12 часов.
Венские регуляторы изготовлялись
в основном в Германии. В начале 19 века
изготовлялись в Вене и представляли
собой маятниковые стенные часы
с деревянным штоком. Венские часы
делали поштучно, они прекрасно
отделывались, имели высокоточный
ходовой механизм в простом корпусе
с узкими стеклянными стенками
в деревянной раме. С середины века
немецкие модели имели тяжелый
изогнутый корпус, украшенный шпилями
с луковками и подвесками по
основанию. В поздних образцах
циферблат имел вдавленную середину,
корпус некоторых часов отделывали в
стиле модерн.
Английские стенные часы создавались
по образцу часов эпохи короля Георга.
Выпускались в основном двух типов. В
более простых моделях ходовой
механизм и маятник помещали в
прямоугольный корпус, полностью
скрытый циферблатом. В часах с
корпусом в форме падающей капли
удлиненный корпус скрывал более
длинный маятник, который был виден
через застекленную прорезь. Часы имели
рисованный железный циферблат;
изогнутый латунный желобок, в который
вставлялось стекло, крепился к подложке
из красного дерева, часто с латунными
вкраплениями.
Часы с кукушкой. Впервые были
изготовлены в южной Германии, в
Шварцвальде, около 1730 года. Их
производство особенно возросло после
1840 года. В Швейцарии их выпускали до
20 века.
ПРОМЫШЛЕННЫЕ
ЧАСЫ С ПАРОВЫМ
молотом
Неизвестный мастер.
Франция
Золоченая и платиновая
латунь, мрамор.
Ок. 1900 г.
ВЕНСКИЙ РЕГУЛЯТОР
Германия
Ореховый корпус,
латунный ходовой
механизм. Ок. 1880 г.
(Вверху).
НАПОЛЬНЫЙ
РЕГУЛЯТОР ГЕОРГА IV
Лекомбр, Ливерпуль
Отделка красным деревом,
посеребренный латунный
циферблат, латунный
Ок. 1830 г. (Справа)
Ж Ш
I
1
217

ЧАСЫ
Карманные часы очень популярны, потому что отличаются
ИЗЯЩЕСТВОМ ОТДЕЛКИ И ПО НИМ ОЧЕНЬ удобно УЗНАВАТЬ ВрЕМЯ
КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
К1600 году центр производства карманных
часов переместился из Южной Германии во
Францию. Производство сосредоточилось в
Париже, Блуа и Лионе. Однако в первой половине
17 века центрами часостроения становятся
Женева и Лондон.
Первые модели карманных часов плохо
показывали точное время и использовались в
основном как дорогие украшения. Для изготовления
корпуса использовали золото, серебро или
позолоченный металл, корпус украшали горным
хрусталем и драгоценными камнями либо
покрывали эмалью.
В начале 17 века ограничивались применением
непрозрачных и полупрозрачных эмалей для
декоративного украшения всего корпуса или отдельных
деталей. В 1630 году мастер Путэн из Блуа
усовершенствовал способ росписи красками по белому
эмалевому фону, что привело к созданию школы
мастеров по эмали из Блуа. Мастера
специализировались на росписи изящными цветами или
росписи на религиозные сюжеты. Корпус часов был
круглым с овальным поперечным сечением, такую
форму называли "салатницей". Внутреннюю
поверхность корпуса также покрывали эмалью.
Большинство карманных часов начала 17 в.
имели плоский металлический корпус овальной
формы с вытянутыми по вертикали боковыми
гранями и слегка выпуклой крышкой. На
внешней, а иногда и на внутренней поверхности
крышки был выгравирован рисунок на
мифологический сюжет или аллегорические фигурки с
орнаментом в стиле ренессанс. Металлический
циферблат имел узкий круг с делениями,
укрепленный на гравированной пластинке с
маленькими бортиками, доходившими до края корпуса.
Часы имели только одну часовую стрелку,
латунную или из вороненой стали. Стрелка была
прочной, фигурной, с несколькими гранями.
Уже к 1600 году появились часы различной
формы — в форме книги, цветка, птицы и даже
черепа. Пуританские часы представляли собой
простые английские часы, отличавшиеся от
причудливо декорированных часов, создаваемых
выходцами из Франции в Лондоне в начале 17 века
Часы имели плоский овальный корпус без
всяких украшений с выпуклой крышкой,
характерный для этого периода. Для изготовления
корпуса использовали серебро или золоченую латунь.
ЧАСЫ С БАЛАНС-СПИРАЛЬЮ
(1675-1735)
В 1675 году для карманных часов начали
использовать баланс-спираль. В результате
появились часы с более точным ходом, с делением на
минуты на циферблате и минутной стрелкой.
Самые первые французские и швейцарские часы
с балансом-спиралью известны как часы-луковица.
У них был простой серебряный, латунный или
золоченый корпус. Простые латунные часы обтягивали
кожей, закрепленной золотыми или серебряными
булавками с декоративным рисунком или
монограммой. Золоченый латунный или серебряный корпус
иногда украшали гравировкой с симметричным
рисунком. Для самых первых часов-луковицы
характерны циферблаты, покрытые эмалью.
Одновременно с часами-луковицей появились
английские часы в двойном корпусе.
Декоративный внешний корпус иногда имел гравировку во
французском стиле или чеканку, был обтянут
кожей или покрыт черепаховыми пластинками.
Первые циферблаты делали из металла с
гравировкой, с выемками между делениями на часы и
минуты. Выемки шлифовались, образуя
рельефную поверхность. В середине 18 века и в более
поздние годы циферблат часов-луковицы стали
покрывать эмалью, он стал более четким.
НЕМЕЦКИЕ ЧАСЫ
В ВОСЬМИУГОЛЬНОМ
КОРПУСЕ
Горный хрусталь,
золоченый металл
и вороненая сталь.
Латунный ходовой
механизм. Ок. 1615 г.
(справа)
ФРАНЦУЗСКИЕ
КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
С КРЫШКОЙ В ФОРМЕ
ПЕРЕВЕРНУТОЙ
КОРЗИНЫ
Робвр Юбер, Руан
Серебряный корпус,
латунный ходовой
механизм. Ок. 1620 г.
(Вверху)
АНГЛИЙСКИЕ
ПУРИТАНСКИЕ ЧАСЫ
Эдуард Ист, Лондон
Серебряный корпус,
латунный ходовой
механизм. Ок. 1635 г.
Пуританские часы по своему
внешнему виду резко отличаются
от французских часов, украшен*
ных в стиле барокко. (Вверху)
218

КАРМАННЫЕ ЧАС
ЧАСЫ В ДВОЙНОМ
КОРПУСЕ,
УКРАШЕННОМ
ЧЕКАНКОЙ
Дж. Уэщон, Лондон
Золотой корпус,
гравированный золотой
циферблат, латунный
ходовой механизм. 1731 г.
(Вверху)
К 1720 году английские часовые мастера радом
со своей фамилией стали ставить порядковый
номер изделия — обычно на задней стенке или
внутренней поверхности корпуса. Начиная с 1690 года
английские карманные часы начали отбивать часы
и четверти при нажатии на звуковую спираль.
Мастера Юод из Женевы (работали в 1670—
1724) делали знаменитые часы с эмалевым
покрытием. Они предпочитали использовать ярко-
голубой, гранатовый и желто-оранжевый цвет.
Роспись по эмали выполнялась на темы
художников начала 17 века. Фамилия мастера
ставилась на обрамлении корпуса между виньетками
узора. Внутренняя сторона корпуса, не
покрытая эмалью, также украшалась рисунком.
СТИЛЬ РОКОКО (1730-1770)
В этот период (и до конца 19 в.) карманные
часы часто носили как драгоценные украшения.
В Европе наиболее ценились английские часы в
двойном корпусе, многие из которых имели не-
декорированный серебряный или золоченый
латунный корпус. Появились циферблаты с белым
эмалевым покрытием. Сначала их делали по
образцу металлического гравированного
циферблата, потом они стали более простыми.
Внутренний корпус часов с репетицией был
гравированным. Иногда ограничивались декорированием
только внешнего корпуса.
Начиная с 1715 года все более модной
становится чеканка. В настоящее время можно редко
встретить часы в корпусе, на котором
сохранилась чеканка 18 века. Наиболее хорошо
сохранились часы в дополнительном защитном корпусе.
Французские часы обычно имели
одинарный корпус и покрытый белой эмалью
циферблат с получасовыми делениями. Стрелки были
украшены драгоценными камнями или стразами.
Корпус покрывали эмалью, для росписи брали
сюжеты из Ватто, Буше или Франагора. Рисун-
КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
В ДВОЙНОМ КОРПУСЕ
Ричард Пековер, Лондон
Украшенный чеканкой
золотой корпус, латунный
(Дальше слова)
КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
В ДВОЙНОМ КОРПУСЕ
Якоб Мвйр, Германия
Украшенный чеканкой
золотой корпус, латунный
Ок. 1745 г. (Слева)
ЦИЛИНДРИЧЕСКИЕ
ЧАСЫ В ДВОЙНОМ
КОРПУСЕ С ЦЕПОЧКОЙ
Джеймс Трегенг, Лондон
Золото и змаль.
Ок. 1790 г. (Вверху оправа)
ки обрамлялись орнаментом в стиле рококо,
иногда с вкраплением драгоценных камней. Очень
популярными, особенно после 1765 года, были
четырехцветные золотые украшения.
Голландские подделки. Некоторые часовые
мастера на континенте пытались повысить спрос
на свои изделия, подделывая подпись
лондонского мастера, хотя ходовой механизм был
изготовлен в Швейцарии, а сборка производилась в
Голландии. Одни и те же фамилии часто
повторялись, на корпусе также ставилось поддельное
английское клеймо.
НЕОКЛАССИЧЕСКИЙ СТИЛЬ
(1770-1870)
В Англии на смену украшению чеканкой
приходит более популярная роспись по эмали.
Овальную пластину с нарисованными на ней камеями
219

ЧАСЫ
по зеленому фону в неоклассическом стиле
украшали узором из пересекающихся линий (гиль-
ошировали), а потом покрывали непрозрачной и
полупрозрачной эмалью. С 1790 года полностью
гильошированные задние поверхности часов
покрывали полупрозрачной эмалью красного,
голубого, зеленого или розовато-лилового цвета с
имитацией под жемчуг по краям. Корпус часов,
выпускаемых для бедных слоев населения,
отделывали роговыми пластинками и украшали
сельским идиллическим пейзажем. Циферблат
покрывали простой белой эмалью. С 1800 года
циферблат имел только деления на часы. В большом
количестве делали часы для продажи в Турции,
как в корпусе, покрытом эмалью, так и в
корпусе, украшенном чеканкой.
Швейцарские часы. На европейский
рынок выпускались часы в изящном корпусе,
покрытом женевской эмалью. Задняя эмалевая
поверхность корпуса обрамлялась ободком,
который украшался настоящими или покрытыми
эмалью жемчужинами. Передняя поверхность
корпуса была покрыта простой белой эмалью
по гильошировке или украшена миниатюрой в
неоклассическом стиле. Для усиления
композиции широко использовали пилоны из золотой и
серебряной фольги.
Часы-фантазия. Швейцарские мастера
делали часы самой причудливой формы. Золотой
корпус украшали гильошировкой, покрывали
прозрачной эмалью и украшали жемчугом. Во
многих часах использовали сложные
механические фигурки или ходовые механизмы со
звуковой пружиной, сделанные с большим
искусством. Часы имели форму театральных биноклей,
пистолетов, птичьих клеток или табакерок.
Автоматические механизмы были особенно
распространены в часах с репетицией четвертей —
часы украшались двумя бронзовыми
человечками, отбивающими молоточком время;
фактически звучали гонги, соединенные с ходовым
механизмом.
Французские часы. В декоративной
отделке часов преобладали сюжеты на темы
идеальной любви и предложения руки и сердца. Часы
ЧАСЫ
С АВТОМАТИЧЕСКИМИ
ФИГУРКАМИ
Жан Комсоль, Женева
Золото, эмаль и жемчуг.
Ок. 1810 г.
Когда дамы "играют' на арфе, в
украшенном куполом портале
появляются танцующие пары.
(Вверху слева)
ФРАНЦУЗСКИЕ ЧАСЫ
СБОЕМ
Илэр Бассеро, Париж
Золото, эмаль,
бриллианты и жемчуг.
Ок. 1820г.
Время узнается либо по
движению усыпанной бриллиантами
стрелки, либо по циферблату на
обратной стороне. (Вверху)
КАРМАННЫЙ
ХРОНОМЕТР
В ДВОЙНОМ КОРПУСЕ
Уильям Илбери, Лондон
Золотой и эмалевый
корпус, латунный ходовой
механизм, 1813 г. (Вверху)
КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
И РАЗЛИЧНЫЕ ТИПЫ
КОРПУСА
Слева направо: защитный корпус,
украшенный чеканкой. Роговая
основа. Около 1800 г. Часы в
двойном корпусе, Томос Паркер
(Дублин), серебро, около 1745 г.
Английские чосы в двойном
корпусе. Золото, 1847 г. (Справа)
220

КАРМАННЫЕ ЧАСЫ
А.- Л. Бреге были типичным образцом
умеренности в декоративной отделке и
функциональной элегантности. Циферблат покрывали белой
эмалью, золотом или серебром, тонкие
заостренные стрелки закреплялись в углубленном
кольце, корпус был плоским. Стиль Бреге быстро
распространился среди его последователей — его
фамилия стоит на многих подделках.
1830-1935 гг.
Часы стали легкими и плоскими, с
крышками, закругленными к ободку. Некоторые модели
часов, подделки под Бреге, но более плоские,
продолжали выпускать до середины 19 века.
Значительно больше часов стали выпускать
женевские мастера по эмали, хотя их качество было
очень разным. В Европе выпускали часы с
циферблатом, покрытым простой белой эмалью,
либо с золоченым или серебряным циферблатом.
В Англии с 1830 года вместо часов в
двойном корпусе стали выпускать часы в одинарном
золотом или серебряном корпусе. В середине
столетия появились карманные часы с крышкой,
предохранявшей стекло циферблата от удара.
Корпус таких часов имел гравированный или
покрытый эмалью круг с делениями, нанесенный
на крышку, закрывающую прорезь, через
которую были видны стрелки. Американские часы
массового производства были с крышкой или без
нее, по типу английских часов. В швейцарских
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
• я • •
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода из печати нашей
книги могли появиться
новые работы.
Алликс С.
и Боннерт П.
Каретные часы
Вудбридж, 1974.
Бейли Г. Г. (т.1)
и Лумс Б. (т.2).
Всемирно известные
часовых дел
мастера
Лондон, 1929.
Бриттен Ф. Дж.
Старинные часы
и часовые мастера
Лондон, 1932.
Даньелз Г.
Искусство Бреге
Лондон, 1974.
Джаггер С.
Художественная
ценность английских
карманных часов
Ньютон Эббот, 1988.
Досон П. Г.,
Дроувер С. Б.
и Паркер Д. У.
Первые английские
часы
Вудбридж, 1982.
Клаттон К.
и Даньелз Г.
Карманные часы
Лондон, 1968.
Касс, Т. А. Камерер.
Справочник Касса
и Камерера
по антикварным
карманным часам
Вудбридж, 1967.
Ли Р. А.
Семья Нибб —
часовых дел
мастера
Байфлит, 1964.
Ллойд Г. Э.
Словарь часов
для коллекционера
Лондон, 1964.
Лумес Б.
Первые часовые
мастера
Великобритании
Лондон, 1981.
Робинсон Т. О.
Напольные часы
(пересмотренное
и исправленное
издание)
Вудбридж, 1985.
Саймондс Р. У.
Томас Томпион
Лондон, 1951.
Самые знаменитые
часы за 700 лет:
1250-1950
Вудбридж, 1981.
Тарди Анри Ланжель.
Французские часы
Париж, 1948.
% Л W ^^
Уайт С.
Английские
часы-фонарь
Вудбридж, 1989.
^fc ль
Эдуардэ Э.
Старинные часы
Олтринхэм, 1949.
АНГЛИЙСКИЙ
КАРМАННЫЙ
СЕКУНДОМЕР
С КРЫШКОЙ
Чарлз Фродсвм, Лондон
Золотой корпус. 1904 г.
Образец изящной работы
английских мастеров. Хронометр с
двумя раздельными секундными
стрелками предназначен для
измерения скорости на
соревнованиях, например на скачках. Ход
"турбильон" продолжительностью
6 мин уравновешивает разницу
в скорости разматывания
спирали, обусловленную тем, что часы
могут находиться в розном
положении. (Справа)
часах в 1850—1860-х годах стали использовать
подзавод с помощью верхней заводной головки.
В Англии такой способ завода стали применять
только после 1880 года.
Швейцарские часы отличались невысоким
качеством. После Первой мировой войны
высокий уровень механизации в часовом деле
позволил швейцарским мастерам вновь захватить
первенство на мировом рынке.
Уровень декоративной отделки часов
заметно снизился во второй половине 19 века.
Частично мастерство декоративной отделки стало
вновь набирать силу с появлением новых
стилей: модерн (1890-1910) и более позднего
декоративного стиля (1920-1930).
221

Резная деревянная скуАьптурА стрАн Востока •
Резная деревянная скульптурл стрАн Европы •
Издеаия из саоновой кости стрАн Востока •
Издеаия из саоновой кости стрлн Европы •
БрОНЗОВАЯ СКуАЬПТурА СТрАН ВОСТОКА •
Бронзовая скуАьптурА стрлн Европы •
Издеаия из китайского жадеита •
Лакированные издеаия стрлн Востока •
Эмали • Черепаховые изделия •
Изделия из папье-маше •
Деревянные предметы домашнего 6ыта •
Бытовые металлические изделия
ЧАрльз ЭйвЕри, Клер Эйр, Дэвид Бэти, Симон Касл,
Эйлин Доусон, РичАрд ФолкинЕр, Майкл Герман,
Джон Хоуп-Фолкнер, Питер Хорнсби,
БрАЙЕН МорГАН
На странице: ЯПОНСКИЙ КУВШИН ДЛЯ ЧАЯ, середина 19 в. (фрагмент)

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Настоящим антиквариатом считаются красивые произведения
СКуЛЬПТурЫ И КЕрАМИКИ, СОХРАНИВШИЕСЯ СО ВрЕМЕН ДрЕВНЕГО
Египта, Греции и Рима. Их потомками по прямой линии являются
ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА, КАТЕГОрИЯ, В КОТОруЮ ВХОДИТ ОГрОМНОЕ
ЧИСЛО КРАСИВЫХ ВЕЩЕЙ.
В этой главе рассказывается о тех небольших антикварных изделиях,
которые необязательно имеют практическое применение, но по-своему
хороши собой. Такое широкое определение может быть применено ко всем
предметам, о которых идет речь в этой книге. Например, на некоторые часы
приятнее смотреть, чем узнавать по ним время. Но владелец часов по
крайней мере может притвориться, что использует часы по назначению;
обладатель бронзовой статуэтки лишен такой возможности для оправдания своей
эстетической роскоши — если только это не изделие из папье-маше.
Такое широкое определение, охватывающее столь широкое
разнообразие природных материалов, вызывает проблемы. Вся огромная информация
о предметах искусства будет нуждаться в еще более подробных
подразделах. Все виды антиквариата классифицируются внутри своей собственной
области, и с предметами искусства следует поступать точно так же.
Нигде в области коллекционирования антиквариата нет столь подробной
классификации, как среди предметов искусства. Взять, к примеру, небольшую
панель из слоновой кости 14 века; ее можно отнести к широкой теме "Изделия
из слоновой кости". Но в то же время она может подходить под классификацию
Льюиса "Шахматы" и японские нэцкэ. Проще было бы классифицировать это
изделие вместе с другими европейскими изделиями из слоновой кости, если
поместить его в рамках определенного художественного направления. Однако
это приведет к смешиванию священных предметов, таких, как епископский
посох, с изображениями светских предметов, которые могут присутствовать на
панели. Возможно, в этом случае поможет дополнительная классификация
религиозных и светских предметов. Но многие резные изделия религиозного
содержания выполнены из другого материала — дерева.
Любители поспорить здесь могут вволю удовлетворить свое желание, но
в некоторой точке необходимо провести черту. Предметы искусства можно
отнести к определенным категориям, по крайней мере во временных рамках.
В этом разделе книги мы рассмотрим многие виды предметов искусства и
подскажем вам, где взять дополнительную информацию о них.
В некоторых областях информация столь сильно разбросана, что трудно
идентифицировать данный предмет искусства. Но в других областях изуче-
СТОЯЩАЯ ЖЕНСКАЯ
ФИГУРА
Китай
Дерево; 17 в.
224

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
СУЗУРИБАКО
Япония
Золотистый лак;
19 в.
Внутренняя и наружная части
этой шкатулки для письменных
принадлежностей украшены
сценами пейзажа.
L>*^
|
^^т ш
'^^^^^^^^^j
ние и распределение по категориям хорошо налажено, иногда даже со
времен Ренессанса, и легко можно получить нужную информацию.
В широком смысле предметы искусства можно разделить на две категории.
Существуют произведения искусства, которые создавались для удовлетворения
потребностей знатоков изящного искусства, будь то предметы убранства
средневекового собора или изделия из китайского жадеита, которые правители Китая
демонстрировали своим гостям. В то же время были предметы искусства для
домашних целей, обычно ручной работы, которые, независимо от того, созданы
ойи как дань моде или в процессе машинного производства для массового рынка,
являют собой редкие образцы практически забытого ручного мастерства.
В обоих случаях при изготовлении предметов искусства использовалось
множество разнообразных материалов. В некоторых примерах, например,
изделиях из слоновой кости или чепепаховых, обстоятельства окружающей
среды таковы, что едва ли в будущем многие предметы искусства будут
выпускаться в этой категории. В других случаях, как, например, изделиях
из бронзы, высокая стоимость этого материала сделала его непривычным в
современном мире. В третью группу входят изделия из материалов, с
которыми большинство людей сталкивалось в какие-то моменты их жизни. Те,
кто помнят свои школьные проекты из папье-маше, узнают здесь, что может
сделать из этого материала талантливый мастер.
Изучение богатого разнообразия предметов искусства в чем-то сходно с
посещением особняка ценителя искусства эпохи Викторианства. Собрание
предметов искусства здесь может быть в духе эклектики. В каждом зале вас
может ожидать новый сюрприз, необычное соседство самых различных
вещей. Это всегда вызывает интерес, всегда побуждает к изучению их, а
подчас и изумляет.
ПОРТСИГАР
Александр Тилландер,
Санкт-Петербург
Золото и эмаль; 1893
Сквозь эмалевое
покрытие видно
выгравированное изображение
русского царского дома
Романовых — двуглавого орла.
В портсигаре есть
отделение для спичек и
другие приспособления, а
также выступающий
кабошон из сапфира.

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Как китайские, так и японские мастера создавали шедевры
ДЕРЕВЯННОЙ рЕЗЬбы, ОСОбЕННО ТАМ, ГДЕ рЕЧЬ ШЛА
О КРОШЕЧНЫХ ДЕТАЛЯХ.
РЕЗНАЯ ДЕРЕВЯННАЯ СКУЛЬПТУРА
СТРАН ВОСТОКА
Появление индийского буддизма и принятие
его в качестве государственной религии в 4
веке н. э. имело большое значение в развитии
китайской скульптуры. В начальный период
преобладала каменная, бронзовая и глиняная
скульптура, но начиная с 6 века все большую
популярность приобретает деревянная скульптура.
Дерево обладало явными преимуществами: оно легче
поддавалось резьбе, чем камень, и его удобнее
было перевозить.
Возможно, это покажется странным для
людей западного мира, но в Китае к скульптуре не
относились с таким же уважением, как к
живописи, поэтому известно мало имен мастеров
этого вида искусства. Это не относится к Японии,
где известно много буддистских работ,
созданных известными и почитаемыми скульпторами.
Сюжеты сначала вырезались из куска
прочной древесины, затем украшались гипсом, лаком,
позолотой или краской. Затем резьба по твердой
древесине была заменена резьбой на небольших
срезах дерева, которые соединялись друг с
другом. Благодаря такой технике скульптору
удавалось передавать тончайшие детали, часто с
использованием прожилок дерева, для
подчеркивания контуров изделия. Из видов отделки,
которые использовали мастера по изготовлению
резной деревянной скульптуры стран Востока,
позолота наиболее привлекательна для современных
западных ценителей искусства.
РЕЛИГИОЗНАЯ РЕЗНАЯ СКУЛЬПТУРА
Буддизм в большой степени является
иконографической религией, и соперничающие с ним
религии, такие, как шинтоизм и таоизм, также
используют изображения, хотя и в меньшей
степени. Скульптурные изображения религиозных
образов были очень популярным искусством в
странах Дальнего Востока, но позже все
изменилось. Например, в Китае, в период правления
династии Мин (1368 — 1643) деревянная
скульптура стала менее жизненной, а в Японии, где в
14 веке стали популярны более медитативные
аспекты буддизма дзен, стали делать небольшие
изображения, возможно больше
предназначавшиеся для домашних, чем для храмовых целей.
Вершина религиозной резной деревянной
скульптуры в Китае приходится на 6 — 14 век;
в Японии — на 8 — 15 век. В этот период глав-
СТОЯЩАЯ ДЕРЕВЯННАЯ
ФИГУРА МУЖСКОГО
БОЖЕСТВА
Япония
Дерево со следами старого
пигмента; 11—12 в.
Грубоватая, но спокойная
резьба этого Хейянского периода
Джидзо Босатсу является ярким
примером ранней японской
резной деревянной скульптуры
религиозной тематики. Почитание
этой ранней скульптуры было
столь велико, что поврежденные
части тщательно заменялись ,
как, например, на этой
скульптуре, чьи руки и ноги были
добавлены в более поздние
сроки, (рис. справа)
ЛЮБОВНИКИ (НЭЦКЭ)
Япония
деталями; конец 19 ш.
В этой необычной и чувственной
группе юцкэ применены
различные породы дерева для
изображения одежды, лиц и рук.
Намеренно потертая, что затрудняет
определение ее возраста, она
является замечательным
примером миниатюрной резной
деревянной скульптуры, которая
использовалась в качестве тогглэ
(продолговатые деревянные
пуговицы на одежде) для
прикрепления предметов к оби (широкий
яркий шелковый пояс в Японии).
(Внизу)
226

РЕЗНАЯ ДЕРЕВЯННАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ВОСТОКА
ным образом создавались резные изображения
Будды во многих его проявлениях, а также
служителей его культа, таких, как женское
божество Куан Инь (в Японии Каннон).
Изображения простирались от возвышенных и
медитативных фигур Будды, вызывавших состояние
внутреннего спокойствия, до диких и жестоких
японских настоятелей храмов, которые
вселяли ужас.
В Китае в период династии Мин было
созданы шедевры малой резной деревянной
скульптуры. И в 18 и 19 веках в Китае было выполнено
несколько талантливых работ, созданных
мастерами с богатым воображением; это были работы
более крупного масштаба, обычно украшенные
позолоченной и лакированной резьбой.
ЯПОНСКАЯ РЕЗНАЯ ДЕРЕВЯННАЯ
СКУЛЬПТУРА
В 18 и 19 веках именно в Японии
прекрасные образцы миниатюрной скульптуры были
доведены до совершенства в форме нэцкэ
(миниатюрные разноцветные фигурки из кости и рога
и т. п.) Эти небольшие резные фигурки, часто
ОКИМОНО: КРЫСЫ
Масамитсу
Обычное и черное дерево;
10 в.
Эта группа крыс, взбирающихся
на кожуру от стручков фасоли,
является ярким примером более
монументального приложения
резьбы нэцкэ. (Внизу слева)
СИДЯЧЕЕ БОЖЕСТВО
Китай
Дерево и гипс; династия Мин
(1368-1643)
Это наиболее раннее китайское
изображение фигуры Будды на
поднятом троне. (Внизу справа)
высотой всего в несколько сантиметров,
использовались для прикрепления небольших висящих
предметов к оби (поясу кимоно). Нэцкэ
делались из многих материалов, из которых
наиболее важными были дерево и слоновая кость.
Нэцкэ изображали самые разнообразные
предметы, включая сцены из повседневной жизни и
животных, которые привлекательны для
западных почитателей искусства; четкая, энергичная
резьба в столь малом масштабе является
выдающимся образцом искусства резьбы по дереву.
Кроме нэцкэ, японские мастера украшали
деревянной резьбой маски, ширмы, шкатулки и
миниатюрные усыпальницы. Те, что
предназначались для местного рынка, отличались в
основном более тонким качеством, чем изделия,
вывозимые на только начинавший развиваться в 19
веке экспорт. Однако были и заметные
исключения. Некоторые окимоно (стоящие фигуры) для
украшения стола, которые можно было считать
увеличенными версиями нэцкэ, больше ценились
на Западе, чем в Японии; они имели
великолепный внешний вид и отличались прекрасным
мастерством исполнения.
227

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Резчики по ДЕрЕву явились создателями выдающихся
скульптурных изобрлжЕний в европейском искусавЕ. В этих
ИЗДЕЛИЯХ ПРОЯВИЛОСЬ СОВЕРШЕННОЕ ВЛАДЕНИЕ МАТЕРИАЛОМ.
РЕЗНАЯ ДЕРЕВЯННАЯ СКУЛЬПТУРА
СТРАН ЕВРОПЫ
Дерево с древних времен служило материалом
для создания произведений искусства. Из
него делали предметы роскоши в Египте начиная
с древнейших династий в 4 тысячелетии до н. э., и
благодаря сухому климату многие из этих
изделий сохранились (однако встречаются и
подделки). Ссылки на них также имеются в Библии (кн.
Исход, 35,33): "...и резать дерево, и делать
всякую художественную работу" (эти строки
написаны, согласно исследованиям современных ученых,
между 9 и 5 веками до н. э.)
ТЕХНИКА ДАТИРОВАНИЯ
Идентификация резной деревянной
скульптуры любого периода времени сопряжена с
трудностями. Однако при помощи определенных тестов
можно установить возраст произведения
искусства. Один из методов называется дендрохронологи-
ческим, и состоит он в сравнительном изучении
ежегодного роста колец на деревьях, который имеет
характерные рисунки, сложившиеся на
протяжении многих тысяч лет. Если речь идет о резной
деревянной скульптуре и известно ее
происхождение, но есть сомнения в возрасте, можно
сделать поперечный разрез этой древесины и
сравнить рисунок колец на ней со стандартным
рисунком древесины этого места и возраста. Таким
образом, если возраст дерева меньше, чем дата,
стоящая на резной деревянной скульптуре, значит,
налицо подделка. Этот метод особенно часто при-
СМЕРТЬ БОГОРОДИЦЫ
Южная Германия
Многоцветная древесина
липы; начало 16 в.
Характерно было использовать
групповые фигуры в качестве
составной части внутреннего
декора церкви. Тонкая структура
и мягкость древесины
позволила резчику добиться четкой оп-
ределености. В подобного типа
резьбе краска, ухудшающаяся с
возрастом, часто заменяется в
различные периоды времени.
(Слева)
228

РЕЗНАЯ ДЕРЕВЯННАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ЕВРОПЫ
меняется для датировки живописи на деревянных
панелях, но может быть также использован для
датировки резьбы безо всякого ущерба для нее.
Другим важным методом датировки является
тест на углерод-12: поскольку дерево является
органическим материалом, молекулярная структура
входящего в его состав углерода с возрастом
меняется, и изучив ее, можно определить возраст
дерева.
Но, определяя возраст данного деревянного
изделия, мы, конечно, никак не сможем
определить время украшения его резьбой. Если резьба
разукрашена красками, то анализ красок может
помочь узнать время ее создания, но в этом
случае необходимо принять во внимание, что
живопись может быть нанесена после резьбы. Следует
также иметь в виду, что даже если время
нанесения резьбы идентифицировано с помощью тестов,
определенные участки ее, т.е. отбитые части,
например, на руках и даже голове, могут являться
заменой более позднего времени.
АТРИБУТИРОВАНИЕ
На протяжении 19 века и в меньшей степени в
18-ом, было широко распространено копирование
готической деревянной скульптуры, иногда с
целью откровенного возрождения романтического
стиля, а иногда с целью ввести в заблуждение. По
СВЯТАЯ АННА
С БОГОРОДИЦЕЙ
И МЛАДЕНЦЕМ
ХРИСТОМ
Круг Ввита Шгроссв,
Германия
Ок. 1500г.
Св. Анна была матерью девы
Марии и представлена здесь
в традиционной позе. Данное
произведение украшено
плоской рельефной резьбой.
(Слева)
АДАМ
Германия
16*,
Скульптуры подобного типа
использовались в качестве натуры
для тренировки художников.
(Вверху)
229

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
БЛАГОВЕЩЕНИЕ
Тироль
Начало 1 вв.
этой причине важно, чтобы будущие
коллекционеры перед приобретением вещи получили
хороший совет.
Другой областью, которая требует проявления
особой осторожности со стороны неопытного
коллекционера, является деревянная скульптура
периода Ренессанса, используемая для
вспомогательных целей в студиях художников для тренировки
учеников. Применяемые в качестве натуры для для
совершенствования формы, они бывают архаичны
по стилю, что затрудняет атрибутирование.
Подобные скульптуры часто бывают повреждены.
Идентификацию малой деревянной
скульптуры, особенно сделанной в Германии и Голландии,
можно облегчить ссылкой на современные или
более поздние печатные издания и гравюры. В
случае с работами немецкого художника
Альбрехта Дюрера (1471 — 1528), например, имитации
его гравюр и резьбы по дереву делались при его
жизни, и на многих стояла его отчетливая
монограмма. Неизвестно, создавались ли они с целью
обмана или нет. С приходом в 19 веке моды на
античную деревянную резьбу копии резных
деревянных скульптур работы Дюрера стали, в свою
очередь, копироваться, и чтобы разобраться во всем
этом, требуется тщательная экспертиза.
ТИПЫ ДРЕВЕСИНЫ
Самые маленькие деревянные скульптурки,
такие, как миниатюрные фигурки и шахматные
фигуры, вырезались из самшита, поскольку,
подобно падубу, он обладает очень тонкой
структурой и твердостью и потому пригоден для
вырезания тонких деталей. Подобная мелкая
скульптура, будь то со светским или мифологическим
сюжетом, использовалась для украшения немецких
Интенсивное применение
позолоты характерно для Тироля и
северной Германии для
произведений подобного типа и
периода времени. Тематика в
основном религиозного содержания.
(Слева)
МИНЕРВА
Голландия, круг Габриаллв
Групелло
Конец 17 в.
Мелкие волокна и твердость
древесины фруктового дерева
позволили резчику добиться большой
тонкости в изображении деталей.
В 17 в. в странах Северной
Европы господствующие стили
отказались от своего готического
наследство и обратились к
более маньеристским идеалам,
принятым ювелирами и граверами.
В этой скульптуре явно
ощущается влияние работ мастеров
серебряных дел этого периода.
Тематика становилась все более
светской. (Справа)
230

РЕЗНАЯ ДЕРЕВЯННАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ЕВРОПЫ
кунсткамер (кабинетов редкостей), мода на
которые была столь велика в 17 веке.
Расширение морской торговли в 17 веке
привело к тому, что многие редкие твердые породы
древесины попали в студии европейских
художников. Для крупномасштабных работ приходилось
использовать дерево с соразмерными ветвями. До
того как в Великобритании уменьшились запасы
дубовых лесов в 18 веке, что было вызвано
ростом строительства кораблей, дуб был наиболее
распространенным видом древесины для создания
мебели, украшения ее декоративными панелями и
оборудования интерьеров церквей и богатых
домов. Дуб имеет очень твердую древесину, и
поэтому резные деревянные изделия из него
кажутся тяжеловесными, и им недостает тонкости
деталей. В Италии, Испании и Португалии более
популярен был грецкий орех с его приятной
расцветкой. Он часто дополнительно
инкрустировался самшитом либо костью, которая иногда
окрашивалась в зеленый цвет. Для создания панелей
и других декоративных целей немецкие резчики
по дереву особенно предпочитали липу, мягкий,
но мелковолокнистый сорт древесины, на которой
можно быто вырезать тончайшие детали в
технике горельефа. Однако именно английский резчик
по дереву, уроженец Голландии, Гринлинг Гиббоне
(1648 — 1721) в полной мере осознал
возможности липы и вырезал из нее изумительные,
тончайшие и реалистические по своему декору
цветы, животных и другие природные формы.
Красное дерево в 18 веке использовалось
больше для изготовления самой мебели, чем резьбы.
Все же сохранилось несколько резных изделий из
красного дерева, датирующиеся началом 17 века.
Тис относился к твердым сортам древесины и
обладал очень мелкими волокнами, вследствие чего
использовался для тех же целей, что и самшит.
Кроме вышеуказанных пород дерева, в течение
последниъх двух столетий многие из тех пород,
которые считались редкими, стали доступны для
резчиков по дереву.
Подробное изучение древесины, например
географическое распределение различных пород
дерева, может оказаться полезным для
коллекционера, который интересуется резной деревянной
скульптурой. Например, европейская скульптура,
выполненная из сорта дерева, которое растет лишь
в Австралии, не может считаться подлинной, если
резьба на ней в стиле до начала 19 века,
поскольку до той поры древесину из Австралии не
привозили в Европу.
БОГОРОДИЦА
И СВ. ИОАНН
Приписывается Йозефу
Маттиасу Гетцу, Австрия
Многоцветное и
дерево; 18 в.
Плавно ниспадающие одежды на
этих скульптурах характерны для
стиля рококо в период его
расцвета в 18 в. Их образы далеки
от готики. Позы близки к готичс-
ким идеалам, но они теперь едва
различимы. И все же в данных
статуях представлен поздний
расцвет продолжающейся традиции
религиозной резьбы. Судя по их
размеру, эти статуи украшали
распятие в частной церкви.
231

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
В странах Востока изготавливалось огромное количество
изделий из слоновой кости, и на их производство
ЗАТРАЧИВАЛИСЬ НЕ МЕНЬШИЕ УСИЛИЯ; В КИТАЕ В КАЖДОМ бОЛЬШОМ
ГОРОДЕ был СВОЙ МАСТЕР ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ ИЗДЕЛИЙ
ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ.
ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ СТРАН ВОСТОКА
Прозрачность, твердость и утонченные
оттенки цвета слоновой кости позволяли резчикам
с исторических времен создавать из нее
виртуозные по красоте произведения искусства, которые
на протяжении веков очень ценились в странах
Дальнего Востока.
КИТАЙСКИЕ ИЗДЕЛИЯ
ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ
Вследствие охоты на слонов в Китае их там
почти не осталось к 6 веку до н. э., и поэтому
слоновую кость приходилось ввозить из-за
границы. Это не представляло сложности, т. к.
благодаря обширным торговым связям Китая этот
материал доставлялся в культурные центры страны.
Начиная с 1000 н. э., китайские торговцы
обосновались на Филиппинских островах, которые
были центром торговли товарами, перевозимыми
морским путем, в странах Дальнего Востока.
Корабли курсировали между этими островами и
Китаем, Японией, Индией, арабскими странами и
различными европейскими государствами
(включая Испанию, которая обменивала мексиканское
серебро на китайские товары). Явное влияние на
Китай оказывали Индия и арабские страны, что
видно из мусульманских надписей на изделиях из
бронзы, зданиях и скульптуре. Все это говорит о
том, что слоновая кость из Индии и стран Африки
поступала в Китай именно по этому
дальневосточному торговому пути.
Наиболее ценной считалась кость,
получаемая из бивней слона, но также использовалась
и кость моржа, гиппопотама, нарвала (кита с
бивнями) и даже, в виде окаменелости, мамонта и
сибирского мастодонта. Резчики слоновой
кости также изготавливали изделия из обычной
кости и рога.
Слоновая кость использовалась для
инкрустации с целью украшения и для изготовления
изделий, начиная от статуэток божеств в период
династии Мин (1368 — 1643) и до широкого
разнообразия изделий середины 17-го — начала 19 века.
В конце этого периода подобные изделия
создавались большей частью для экспорта и были
примечательны в основном своей сложностью, чем
художественным мастерством исполнения.
Среди изделий из резной слоновой кости
жителям западных стран лучше всего знакомы
веера, украшенные рисунком и перфорированные
концентрические сферы, игральные кости, гребни,
бутылочки для ароматических веществ и модели
СТОЯЩАЯ ФИГУРА
МУЖСКОГО
БОЖЕСТВА
Китай
Слоновая кость со
следами пигмента;
(1368-1643)
В разные времена родилось
Восемь бессмертных божеств,
и первое из них в период
династии Чжоу (1027 - 221 гг.
до н. э.) Эти легендарные
личности, достигшие
бессмертия с помощью понимания
Природы, представляют все
жизненные состояния:
мужское и женское, бедность и
богатство, юность и старость,
образованность и
невежество. Культ этих божеств
входит в китайскую религию
"Пути* — таоизм.

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ СТРАН ВОСТОКА
различных абстрактных скульптур, пагод и
храмов. Одно из наиболее замечательных изделий
было подарено жене Наполеона Жозефине; на нем
были изображены храмы, пагоды, мосты и
человеческие фигуры на фоне китайского сада; в
настоящее время эта вещь, высота которой 104 см (3
фута 5 дюймов), а ширина 84 см (2 фута 9
дюймов), находится в собрании музея Виктории и
Альберта в Лондоне.
Среди резных изделий из слоновой кости для
внутреннего рынка были подставки для кистей,
палочки для еды, мундштуки для опиумных
трубок, стулья для крикета. Из резной слоновой
кости делались модели лежащих обнаженных
женских фигур, которые женщины-пациенты
использовали при визитах к врачам-мужчинам (которым
не разрешалось осматривать их), чтобы показать,
где они ощущают боль. Даже скребки для спины
украшались резьбой, хотя по некоторым
причинам они делались из моржеовой кости.
КОРЗИНА ДЛЯ ПИКНИКА
Китай
Слоновая кость; конец 18 в.
Данная вещь, украшенная
причудливой резьбой и сложными
отверстиями, великолепна с
точки зрения эстетики. (Вверху
слева)
СТОЯЩАЯ ФИГУРА
ЖЕНСКОГО БОЖЕСТВА
Китай
Слоновая кость, полихромию
краски; конец 18 в.
Живая окраска напоминает о
пышном декоре, который
сохранился и на протяжении 19 в.
(Вверху справа)
Из слоновой кости изготавливались
шахматные фигуры. Раньше считалось, что шахматы
появились в Китае примерно в 6 веке, но сейчас их
относят к 3 веку.
ДВОРЦОВЫЕ ФАБРИКИ
Последний расцвет резных изделий из
слоновой кости в Китае пришелся на правление
императора Канкси (1662 — 1722). В 1680 году этот
монарх основал несколько фабрик на территории,
прилегающей к его пекинскому дворцу. Опытные
мастера со всех концов империи создавали
разнообразные предметы, в том числе и резные изделия
из слоновой кости. Эти мастерские действовали
больше столетия, но постепенно закрылись в
царствование Шиень-лун (1736 — 1795).
МАССОВОЕ ПРОИЗВОДСТВО
Центром массового производства изделий из
слоновой кости был Кантон. В отличие от ранних
233

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
нэцкэ
Нэцкэ создавались из самых
разнообразных материалов, включая
керамику, металл, лак, рог, дерево и
слоновую кость. Нэцкэ делались в самых
различных формах; они могли носить
метафорический или изобразительный
смысл, манджу (в форме пучка), с
разнообразными вариантами, например,
в виде небольшой плоской чаши с
декоративной металлической крышкой
или с очень глубокой резьбой; или
преувеличенной длины, в виде стручка
фасоли или бесчешуйчатой рыбы.
Религия вдохновляла мастеров на
изображения Ракхана (последователя
Будды), Дарумы (основателя секты Дзен в
буддизме) и популярного женского
божества Каннон. Мифологическими
образами навеяно изображение целой
армии демонов, древних героев,
совершавших доблестные подвиги, и
сказочных зверей, из которых наиболее
хорошо известен дракон.
Природная тематика нэцкэ включала
изображения цветов, насекомых,
рептилий, диких и домашних животных.
РАЗЛИЧНЫЕ
НЭЦКЭ
Слоновая кость; 18 а.
(Вверху и внизу)
Однако именно резные изображения
обычных людей позволяют лучше всего
проникнуть в образ жизни "старушки-
Японии": актеры, надевающие свои
маски, дети, играющие с животными и
девушки-гейши, поправляющие
прическу.
Датировка нэцкэ. Одно время
датировка нэцкэ производилась
приблизительно с помощью их тематики.
Ведь нельзя отрицать, что, грубо говоря,
простая тематика была характерна для
более древних времен, а изображения
более сложных понятий, например знаков
зодиака, легендарных личностей и
иностранцев пользовались популярностью
в 18 веке, а изображение повседневных
предметов, таких, как птицы, животные,
цветы и овощи, были распространены
в 19 веке. Однако существует так много
исключений из этих правил, что ими
следует пользоваться с большой
осторожностью.
Нэцкэ, в той или иной форме,
существуют уже сотни лет. Их впервые
стали относить к области декоративного
искусства в конце 1690-х годов, а первое
упоминание о резчиках нэцкэ, названных
по имени, появилось в 1781 году. В 19
веке купцы настолько разбогатели, что
они, а не милитаристически настроенные
самураи, диктовали художественные
вкусы, и примерно в это время мастера
нэцкэ начали, как правило, подписывать
свои произведения. Среди мастеров
нэцкэ конца 18 века были Мазанао,
Йошимаса и Окамото из школы Киото, а
в 19 веке — Гараку, Кайгиокусаи и
Масака из школы Осака.
234

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ СТРАН ВОСТОКА
работ для массового производства изделий из
слоновой кости в 19 веке характерна
изобразительность и высокое техническое совершенство, но
почти полное отсутствие воображения.
ЯПОНСКИЕ ИЗДЕЛИЯ
ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ
В связи с упадком монументальной храмовой
скульптуры позднего периода Муромаши (1392 —
1573) и Момояма (1573 — 1615) японские
умельцы проявляли свое мастерство в создании
повседневных изделий небольших размеров, в
особенности нэцкэ (выполнявших роль пуговиц). Нэцкэ
использовались для прикрепления сагемоно
(подвешенных предметов) — инро (миниатюрных
шкатулок для лекарств или печатей), тонкотсу
(мешочков для табака) и ятате (письменных
принадлежностей) — к оби (широкому поясу кимоно).
КОНЕЦ ИЗОЛЯЦИОНИЗМА
Самоизоляция Японии от остального мира,
начавшаяся в 17 веке, закончилась в 1853 году.
После свержения правящей военной династии в
1868 году была восстановлена власть императора,
но в несколько модернизированном виде и с
ассимиляцией западных влияний. Резчики нэцкэ
перешли на изготовление вещей, которые успешно
продавались растущему числу заморских гостей. Эти
изделия, известные как окимоно (стоящие
фигуры) представляли собой увеличенные версии
нэцкэ и использовались для украшения стола.
Многие из них декорировались высококачественной
резьбой, но для остальных было характерно
посредственное качество, что свидетельствовало о
постепенном и общем упадке искусства резных
изделий из слоновой кости в Японии.
В наши дни запрет на экспорт слоновой кости,
принятый в конце 1980-х годов, фактически нанес
смертельный удар искусству резьбы по слоновой
кости.
ШАР-ГОЛОВОЛОМКА
Китай
начало 19 в.
Расположенный на высокой
ножке шар поддерживается
фигурами у основания и орнаментом на
верхней части шпиля и
представляет собой яркий пример
сложной китайской резьбы по
слоновой кости позднего периода.
(Справа)
(ОКИМОНО)
Подпись "Маруки'
Слоновая кость, бронза
и дерево; конец 19 в.
Резчики нэцкэ и их
последователи обратились к чисто
орнаментальным мотиве**, таким, как
окимоно (стоящие фигуры).
Представленный здесь ястреб выполнен из
слоновой кости, украшенной
великолепной резьбой, с
бронзовыми лапками, стоящий на
деревянной подставке; последняя,
вероятно, была скорее найдена в
готовом виде, чем специально
украшена резьбой. (Внизу)
* *
•\
f A
• '*
тТ*
*«?к»-

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
ИСКУСНЫЕ рЕЗЧИКИ СОЗДАЛИ ЗАМЕЧАТЕЛЬНЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ
ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ, ТЕМАТИКА КОТОрЫХ ПрОСТИрАЛАСЬ
ОТ СВЯЩЕННЫХ ЗАПРЕСТОЛЬНЫХ обрАЗОВ ДО СВЕТСКИХ Г(Х)ТЕСКОВ,
ВЫПОЛНЕННЫХ ДЛЯ КОРОЛЕВСКИХ ДВОРОВ 1 7 ВЕКА.
ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ СТРАН ЕВРОПЫ
ГОСПОДИН
ФРЭНСИС СЭМБРУК
Давид па Маршал
1704
Изображаемый (род. 1662)
принадлежал к семье городских
купцов, которые вели торговлю с
Турцией, но сам он был адвокатом.
Его роскошный парик и похожие
на воск драпировки характерны
для техники Маршана и его
резьбы по слоновой кости; для
создания этого великолепно
исполненного портрета он
использовал целый бивень слона (высота
портрета 19 см или 7'/, дюйма).
Часто на его работах стоят
инициалы "D.L.M.", художник —
иммигрант из гугенотов, который
долгое время работал в
Лондоне, делал портреты королей
(Людовика XIV, королевы Анны и
короля Георга Q, титулованных
аристократов ( портрет герцога
Мальборо), видных деятелей
литературы и науки (священников,
правительственных чиновников и
сэра Исаако Ньютона). Также
делал портреты своих
собратьев гугенотов — бизнесменов и
художников.
Слоновая кость является материалом с
тонкой, ровной структурой, которая легко
поддается резьбе и поверхность которой можно
отполировать до приятного блеска. Викинги и
англосаксы (и до нашего времени, эскимосы)
использовали моржовую кость. Индийская и
африканская слоновая кость, являвшиеся большой
редкостью, вначале ввозились по сухопутным
путям, наряду со специями и шелком, а затем,
начиная с 16 века, морем.
Из твердых бивней слона вырезались
круглые поверхности, а из окружностей нижней,
полой части бивней делались большие
прямоугольные фрагменты; из оставшихся щепок —
миниатюры. Изделия из слоновой кости часто
показывают следы изгиба бивней по краям или
появление коричневого обрамления полости нервов.
Наряду с видимой частью структуры
вышеуказанные признаки помогают установить
подлинность изделий из слоновой кости (в отличие от
обычной, где существуют мельчайшие поры).
Изделий из слоновой кости со времен
древних европейских цивилизаций, таких, как
Египет и Греция, сохранилось мало.
С началом христианской эры слоновая кость,
наряду с другими драгоценными материалами,
стала использоваться для совершения
церковной службы; из нее делали посохи епископов,
бадьи для святой воды, гребни для
торжественных церемоний и другие литургические
предметы, которые до сих пор хранятся в
сокровищницах многих европейских храмов.
СРЕДНЕВЕКОВЫЕ ИЗДЕЛИЯ
ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ
В 14 и 15 веках паломники использовали
сложенные двухстворчатые миниатюрные
запрестольные образы из слоновой кости, которые
назывались диптихами. С внутренней стороны на них
вырезалось изображение святых, окруженное
богато орнаментированной рамкой, а внешняя
сторона была оставлена пустой. Створки
скреплялись металлической проволокой, которая
продевалась сквозь отверстия в досках, и поэтому
разделенные резные панели были испорчены либо
самими отверстиями, либо следами ржавчины,
либо реставрацией поврежденных мест.
Небольшая панель без подобных характерных черт
выглядит подозрительной, т.к. в 19 веке в Париже,
Дьеппе и Эрбахе в Германии было создано так
много подделок подобных средневековых
диптихов их слоновой кости, что в настоящее время
даже эксперту бывает трудно различить их.
Наряду с диптихами (и триптихами) из
слоновой кости делались статуэтки большого
размера, особенно богоматери и младенца Христа;
в средневековье они украшались резьбой и
вставлялись в отдельные готические резкие раки.
Почти все средневековые изделия из слоновой
кости имели рельефный фон и следы позолоты и
ярких красок на одеждах.
ВОЗРОЖДЕНИЕ 17 ВЕКА
В эпоху Возрождения искусство резьбы по
слоновой кости несколько утратило свою популярность,
но вновь возродилось в 17 веке. Крупным центром
слоновой кости становится Дьепп, где создавались
статуэтки как светского, так и религиозного
содержания, портретные медальоны и предметы
утилитарного назначения типа табакерок.
В 17 веке по все й Фландрии и Германии
талантливые мастера воспроизводили в слоновой
кости пышные барочные фигуры Рубенса. В
Южной Германии были популярны нарядные
резные ручки из слоновой кости, которые
прикреплялись к высоким пивным кружкам из серебра.
236

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ СТРАН ЕВРОПЫ
Наибольшей славой на рубеже 17 и 18
столетий в Дьеппе пользовались портретные
медальоны. Ведущая роль в их создании принадлежала
Жану Мапселю (годы активной работы 1681 —
1717) и его последователям Жану Кавальеру (ум.
1699) и Давиду ле Маршану (1674 — 1726),
британскому эмигранту из гугенотов, который
выполнял украшенные рельефной резьбой
портреты, а также бюсты, статуэтки и скульптурные
группы.
СОВРЕМЕННЫЕ ИЗДЕЛИЯ
ИЗ СЛОНОВОЙ КОСТИ
С начала 19 века слоновая кость стала более
доступным и потому менее дорогим материалом
и применялась в различных стилевых
направлениях. На протяжении 19 века слоновая кость
использовалась при создании произведений
искусства на исторические сюжеты, привлекавшие
горожан в те времена.
В 20 веке слоновая кость особенно
почиталась во Франции, Германии, странах
Центральной Европы и США в период между двумя
мировыми войнами; часто из нее делались
декоративные статуэтки для украшения камина.
ВЫСОКАЯ
ПИВНАЯ КРУЖКА
С ИЗОБРАЖЕНИЕМ
ВАКХИЧЕСКИХ СЦЕН
И ДАМА В КОСТЮМЕ
18 ВЕКА
Французская школа
19 в.
Эти два изделия из слоновой
кости типичны для буржуазного вкуса
с возрождением интереса к
исторической тематике, что не имело
ничего общего с промышленной
революцией и современным
искусством (Вверху)
СТАТУЭТКА
ДЕВЫ МАРИИ
С МЛАДЕНЦЕМ
Французская школа
Последняя четверть 13 в.
Резьба и коническая форма этой
готическрй скульптурной группы
продиктованы естественными
формами бивня слона. (Справа).
237

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
В то время как в Китае изделия из бронзы высоко ценились
С ДРЕВНИХ ВРЕМЕН, В ЯПОНИИ брОНЗОВАЯ СКуЛЬПТурА,
отличавшаяся высочайшим мастерством, появилась в 19 веке,
В ОТВЕТ НА ИНТЕРЕС К НЕЙ СО СТОрОНЫ ЕВРОПЕЙСКИХ СТрАН.
БРОНЗОВАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ВОСТОКА
Бронзовый век в Китае охватывал период
примерно с 1500-х годов до н. э. и примерно до
200 года н. э. Сохранившиеся образцы
бронзовых изделий входят в число наиболее
выдающихся предметов искусства античного мира; сюда
входят предметы утилитарного назначения,
частично оружейные доспехи и снаряжение колесниц,
ритуальные сосуды, погребаемые вместе с
усопшим, и знаки отличия.
КИТАЙСКИЕ БРОНЗОВЫЕ СОСУДЫ
ПЕРИОДА ШАН
В период Шан (18/16 в. — 1028 гг. до и. э.)
в Китае были созданы лучшие бронзовые
изделия — сосуды для вина и для пищи. Наиболее
ранние упоминания о них встречаются в
письменных источниках в период династии Хань (206
ГУ
Династия Шан
Этот старинный китайский
бронзовый сосуд для вина имеет
высоту 29 см (11 1/2 дюйма).
(Внизу слева)
БРОНЗОВАЯ ГРУППА
ИЗ ТОКИО (ТОКИЙСКАЯ
ШКОЛА?)
Подписано Твйдагава Шо-о
Ок. 1900г.
Эта большая и трогательная
японская скульптурная группа имеет
высоту 57 см (24 дюйма).
(Справа внизу)
г. до н. э. — 23 г. и. э.), где описывается
назначение каждого типа сосудов, но нет гарантии, что
это более позднее атрибутирование было
правильным. В период династии Сун (960 — 1279) эти
старинные изделия из бронзы начали почитать и
коллекционировать.
Большинство бронзовых сосудов эпохи Шан,
вероятно, отливались путем использования
способа "потерянного воска" (способ литья по
выплавляемым моделям). При этом способе
выполненная из воска модель разрушается в процессе
литья. Другие изделия из бронзы отливались по
непосредственным формам. Некоторые изделия
выглядели скромно, поражая лишь своими
массивными пропорциями, но многие украшались
сложным декором, в основном абстрактным
растительным орнаментом, животными или челове-
238

БРОНЗОВАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ВОСТОКА
ческими масками ("таотие") и особенно часто
орнаментом в виде завитков. Для линейного
орнамента обычно характерна глубокая резьба.
Ручки более декоративны, чем функциональны, за
исключением верхних поворачивающихся ручек
у сосудов "ю" с крышкой для пищи, сделанных в
форме балясин. Маски с их большими
выпученными глазами, крючковатыми носами и
завивающимися, переходящими в сложные волюты
очертаниями настолько абстрактны, что многие из них
трудно узнать.
КАКУХИНБА
ОТЕЙРОКУ
Мийя-0
Бронза с позолоченными
деталями; ок. 1900 г.
Эта фигура японского воина имеет
высоту 67 см (28 дюймов)
Некоторые сосуды имели остаточные ручки в
виде головы кролика или оленя. Наиболее часто
встречалась форма "джуэ" (сосуд для вина с
широким горлом и U-образным корпусом, на трех
ножках в виде лопастей), "фан-ги" (сосуд
прямоугольной формы с несколькими отделениями и
крышкой) и изящный "гу" (в форме
расширяющейся книзу трубы, с бантом на ножке и
расширяющимся основанием).
На некоторых сосудах сохранились надписи,
или пиктограммы, в основном на непереводимом
архаическом письме — записи семейных
фамилий, имен изготовителей и формы сосудов. Реже
указывалось, что данная вещь является
королевским подарком.
ДРУГИЕ КИТАЙСКИЕ ИЗДЕЛИЯ
ИЗ БРОНЗЫ
Еще одну важную категорию ранних
китайских бронзовых изделий составляли зеркала. Они
были тонкими, круглой формы и не имели ручек,
но обычно имели центральную выступающую
часть с одной стороны, окруженную отлитыми
драконами, волютами и другими мотивами.
Обратная сторона украшалась полировкой.
На протяжении веков или даже тысячелетий
многие старинные изделия из бронзы
покрывались патиной зеленого, серебристо-серого и
медно-красного оттенков, и ценность для
коллекционера заключается в ее глубине и утонченности.
В период династии Мин (1368 — 1644) и
позже из бронзы делались курильницы и камины.
Первые часто имели круглую вогнутую форму и
две небольшие ручки в виде петель и три
коротких ножки. Многие из этих изделий, хотя на них
и стоят 6 букв, отмечающих период правления
императора Ксуан-те (1426 — 1435), были
сделаны в 19 веке.
ЯПОНСКАЯ БРОНЗОВАЯ
СКУЛЬПТУРА
В Японии не было бронзового века, похожего
на китайский. В Японии бронза не очень высоко
ценилась, хотя из нее делали буддистские
статуи. Больше ценилось железо, и достижения
японцев в изготовлении лезвий мечей считались
непревзойденными. Однако из бронзы делали
приспособления для эфесов и ножен.
Расцвет японской бронзовой скульптуры
приходится на 19 век. После того как в 1853 году
Запад открыл для себя Японию, здесь вскоре
начали изготавливать произведения искусства для
западных потребителей, в том числе бронзовые
вазы, некоторые очень большого размера для
международных выставок. Это были настоящие
сложные произведения, украшенные отлитой листвой,
драконами, животными и человеческими
фигурами. Позже, в конце столетия, под влиянием
Токийской школы искусств мастера бронзовой
скульптуры отливали великолепных животных и
человеческие фигуры, часто украшенные
позолотой и изысканной красно-коричневой патиной.
Наиболее известным из этих художников был
Мияо, известный своими золотыми и
серебряными инкрустациями.
239

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Многие известные художники и скульпторы создавали
небольшие бронзовые скульптуры, отличающиеся красотой,
ЛЕГКОСТЬЮ И ГРАЦИОЗНОСТЬЮ, ДЛЯ укрАШЕНИЯ ДОМОВ
СВОИХ ПОКРОВИТЕЛЕЙ.
БРОНЗОВАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ЕВРОПЫ
Бронза представляет собой сплав меди и
олова, в пропорции примерно 9:1, но эти
пропорции варьируются в зависимости от времени и
места и имеющихся примесей цинка, свинца или
серебра. Чем выше содержание меди, тем мягче
будет сплав и тем легче будет с ним работать.
Наиболее легкий способ отливки
заключается в том, что по модели делаются два полых слепка
из тонкого песка, который держат в двух
ящиках. Затем эти слепки плотно соединяют,
оставляя лишь воронку, через которую будет
заливаться расплавленный металл. После охлаждения
ящики разделяются, вынимается твердый предмет из
сплава, а воронка (ныне уже из твердого
металла) распиливается, и поверхность предмета
очищается.
Для произведений искусства более безопасен
метод, который еще в средние века применяли
европейские ювелиры, — это метод
"потерянного воска". Этот метод гораздо дешевле и
безопаснее для оригиналов. Скульптор делает модель из
огнеупорной глины и покрывает ее "футляром"
из воска, толщина которого равна толщине
будущей бронзовой скульптуры. В мягком воске он
моделирует каждую деталь, которая должна быть
в отлитой скульптуре.
После этого модель часто вручалась
литейщикам, которые заменяли восковое покрытие
бронзовым. Затем к работе снова приступает
скульптор, поскольку свежеотлитая скульптура
нуждается в подправке или гравировке для
создания необходимой эстетической структуры. Для
этого какие-то детали нарезаются резцом или
меняется направление, в котором металл
отражает свет, с помощью чеканки, штамповки,
отделки или полировки. Выбор техники часто
зависит от художника и поэтому помогает
идентифицировать его работу почти с той же
уверенностью, как если бы она была подписана.
После гравировки у металла появляется
яркий, натуральный цвет, который, если его так
оставить, будет окисляться. Чтобы сохранить
золотистый цвет, применяют прозрачный лак.
Поверхность изделия также может быть позолочена или
обработана кислотой для придания различных
цветов — например, серная кислота дает зеленый
цвет. Временами, например, в Падуе в период
Ренессанса для затемнения поверхности
применялся густой черный лак. Он имел тенденцию
стираться на высоких точках, и открытый металл
приобретал естественный каштановый цвет,
близкий к классической, благородной патине.
В общем смысле, ранняя бронзовая
скульптура отличалась массивным литьем, сплавами с
высоким содержанием меди и была уникальна.
Позже бронзовая скульптура ставновилась
тоньше, у нее были более легкие стенки, и в
применяемом сплаве было больше цинка (он был
ближе к латуни — желтой меди). Это позволяло
наладить массовое производство и приводило к
наводнению мирового рынка многими
идентичными произведениями искусства.
РЕНЕССАНС
В ранние годы итальянского Ренессанса (ок.
1420 — 1430) вновь появились бронзовые
статуэтки, тип скульптуры, который едва ли
существовал в средние века. Вначале они
выпускались как подделки для пополнения
количества подлинных антиков, которые в то время
выкапывались из земли и коллекционировались.
Отдельно стоящие статуэтки постепенно
вышли из архитектурного контекста, например ниш,
рак и усыпальниц, и по праву стали
самостоятельными произведениями искусства. Они
представляли в миниатюре вещи, дорогие для их
владельцев эпохи Ренессанса, например
знаменитые предметы античности, святых
покровителей и любимых животных.
Обычно бронзовая статуэтка являлась
копией или вариантом сохранившихся предметов
античности и делалась в первый век их
существования. Наиболее ранние известные примеры были
созданы во Флоренции Донателло (1386 — 1466)
и его партнерами и отражают интерес его
покровителей к мифологии. Однако, наиболее
впечатляющим примером была бронзовая копия
монументальной конной статуи Марка Аврелия в Риме
из позолоченной бронзы работы архитектора-
скульптора Филарета.
Влияние Донателло. В каждом городе,
где работал Донателло, он основывал
традицию бронзовой скульптуры: в Риме его
последователем стал Филарет; во Флоренции Ве-
роккьо (1435 — 1488), Поллайоло (1431 —
1498) и Бертольдо (1420 — 1491), каждый из
которых создавал статуэтки с изображением
мускулистых мужских фигур; в Сиене Веккь-
АПОЛЛОН
БЕЛЬВЕДЕРСКИЙ
Антико
Бронза, частичная позолота,
с инициалами; 1490-е г.
Это миниатюрная копия
подлинной древнеримской мраморной
статуи и очень редка тем, что
подписана своим создателем.
(Справа)
ОТДЫХАЮЩИЙ
ГЕРКУЛЕС
Антонио Поллайоло
Бронза; 1460 — 70-е г.
Эта статуэтка, которая в
настоящее время находится в музее Беде
в Берлине, характерна для
интереса раннего Возрождения к
классическим героям и показу
мускулистого обнаженного тела
(Справа)
240

БРОНЗОВАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ЕВРОПЫ
етта (1412 — 1480) и Франческо ди
Джордже (1439 — 1501/02) и в Падуе команда
талантливых помощников, таких, как Беллано
(1435 — 1496), по праву стали знаменитыми.
Наиболее одаренным мастером по
изготовлению бронзовых статуэток (возможно, всех времен)
был Андреа Риччо (около 1460 — 1532), который
воссоздал в Падуе целый мир классических нимф,
сатиров, красивых обнаженных пастушков,
животных, чудовищ, светильников причудливой формы,
гротескных масок и эротики.
Третим знаменитым падуанским скульптором
в бронзе был Северо да Равенна (годы активной
деятельности 1496 — 1525), которые создавал
КОЛЕНОПРЕКЛОНЕННЫЙ
САТИР
Северо да Равенна
Бронза; ок. 1500 г.
Мифологические чудовища были
популярны в качестве подставок
для письменных приборов, но их
функциональные части отливались
отдельно. (Вверху)
241

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
СТРЕМИТЕЛЬНЫЙ
МЕРКУРИЙ
Джамболонья
Бронза; ок. 1570—1580г.
Эта великолепная статуэтка была
подарена Медичи в качестве
дипломатического подарка
Габсбургам и в настоящее время
находится в Музее истории искусства
в Вене. Летящие линии его
конечностей показывают
растяжимую силу бронзы. (Внизу)
ВЕНЕРА И КУПИДОН
Тициано Аспетти
Бронза; конец 16 в.
Бронзовые группы наподобие
этой являются парными и
использовались как украшения на
больших железных подставках. Этот
образец был отделен от его ор-
номентального основания.
(Справа)
скульптуры святых, сатиров, подсвечники,
навесные светильники и чернильницы.
В Мантуе, при дворе Гонзага, скульптор Ан-
тико (1460 — 1528) использовал прием очень
тщательной полировки кругом своих обнаженных
фигур, затем покрывал их темным лаком, украшал
частичной позолотой и иногда инкрустировал
глаза чистым серебром.
МАНЬЕРИЗМ В ИТАЛИИ
В период высокого Возрождения созданию
статуэток уделялось меньшее внимание, поскольку
величайший скульптор современности, Микелан-
джело (1475 — 1564), был одержим мраморной
резной скульптурой. После его отъезда из
Флоренции в 1534 году скульпторы вновь обратились
к статуэткам как средству самовыражения.
Около 1540 года скульптор Бандинелли (1488 —
1560) создал серию бронзовых статуэток,
основанных на древнеримских статуях; Челлини (1500 —
1571), который учился на ювелира, также
создавал статуэтки. Около 1570 года была заказана
классическая серия из восьми статуэток для
заполнения ниш в Палаццо делла Синьория во
Флоренции: разнообразные обнаженные боги и
богини демонстрируют меняющиеся стили и
творческие возможности восьми скульпторов, среди
которых Джамболонья (1529 — 1608), который
создал Аполлона в чрезвычайно маньеристском
стиле.
Джамболонья и Сузини. Джамболонья
сочетал мастерство Микеланджело в композиции с
мастерством отливания скульптуры. Его ранние
статуэтки являются уникальными или отливались
лишь в нескольких экземплярах, но позже он
передал свои полномочия по выпуску скульптуры
Антонио Сузини (годы активной работы ок. 1580
— 1624). Творчество Джамболоньи—Сузини
простиралось от традиционных мифологических
героев до изображений животных и изящных
жанровых сценок, например "Волынщик и пастух".
Эти модели многократно отливались более
полувека во флорентийских мастерских племянника
Антонио Сузини, Джанфранческо (около 1573 —
около 1653) и преемниками Джамболоньи в
качестве дворцового скульптора Пьетро Медичи и
Фердинандо Токка.
Сансовино и Витториа. С приездом в
Венецию Джакопо Сансовино в 1527 году там
начался подлинный расцвет бронзовой скульптуры,
рельефы, статуэтки, портретные бюсты стали
поступать из литейных цехов; появилось и
множество мастеров, из которых самым знаменитым был
Алессандро Витториа (1525 — 1608). Витториа
удалось соединить тонкость и четкость
моделирования, свойственную Сансовино, со с трудом
сдерживаемой энергией Микеланджело.
РЕНЕССАНС В СТРАНАХ
СЕВЕРНОЙ ЕВРОПЫ
Будучи переносной, бронзовая скульптура
служила распространению знаний о Возрождении из
Италии и по всей Европе. В особенности
столкнулись с итальянским Возрождением французы ,
когда они примерно в 1500 году завоевали
Ломбардию, и Франциск I впоследствии нанял
итальянцев Челлини и Приматиччо отливать
бронзовые статуи для его нового дворца в Фонтенбло.
Местные скульпторы начали использовать
бронзу для памятников, а также создавали статуэтки
в качестве побочного продукта; среди этих
мастеров были Понс Жако (ок. 1515 — 1572) и При-
ер (1536 — 1611). Таким образом, во Франции
была основана своя традиция изготовления
бронзовой скульптуры, и она продолжалась до
нашего столетия.
В Южной Германии, особенно в Нюрнберге,
скульптор Питер Висхер Младший (1487 — 1528)
создавал бронзовые статуэтки для украшения на-
242

БРОНЗОВАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ЕВРОПЫ
ВЕНЕРА,
ВЫТИРАЮЩАЯ НОГУ
Бшрттжми Привр
Бронза; <ж. 1600 г.
Привр был французским
современником Джамболоньи. Он
создал много статуэток наподобие
этой, привлекательной
обнаженной женской фигуры,
совершающей свой туалет.
243

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
САФО
Джеймс Прадьвр
Посороброная бронза, отлита
Виктором Пейлардом; 1848
(Вверхуслева)
стольных фонтанов и письменных приборов. В
Аугсбурге и Мюнхене около 1600 года появилась
индивидуальная школа, где готовили
скульпторов по бронзе. Несколько мастеров работало во
Флоренции с Джамболонья:
Адриан де Врие (1545 — 1626), Жерар (ок.
1550 — 1620) и Рейшль (ок. 1570 — 1642). Де
Врие стал дворцовым скульптором в Праге при
дворе императора Рудольфа II.
БАРОККО В РИМЕ И ФЛОРЕНЦИИ
Интересным новшеством периода барокко в
Риме было то, что статуэтки часто отливались по
рабочим моделям скульптора. Существуют
примеры из студий Джанлоренцо Бернини (1598 —
1680), Алессандро Альгарди (1595 — 1654) и их
помощников. Во Флоренции традиция создавать
самостоятельную малую бронзовую скульптуру
была намеренно возрождена в 1680-е годы
семейством Медичи. Скульпторы Фоджини (1652 —
1725) и Солдани (1656 — 1740) создавали
скульптуры в неистовом движении или в
томных, замирающих позах; после отливки из этих
фигур составлялись драматические композиции
на фоне пейзажа, на декорированных
основаниях и опорах.
ФРАНЦИЯ 17 И 18 ВЕКА
Выдающимся французским скульптором 17
века по изготовлению бронзовых статуэток был
Мишель Ангиер (1612 — 1686). В 1652 году он
создал серию из шести классических богов и
богинь, которые многократно воспроизводились в
различных масштабах.
В 1660-е и 1670-е годы была сформирована
команда скульпторов и литейщиков для
украшения Версаля статуями, большей частью по
проектам Шарля Лебрена. Почти все эти статуи
копировались в малых формах, с отточенными и
утонченными деталями. В большом количестве
выпускались единичные статуэтки, некоторые с
жанровой тематикой. Версальская школа
использовала красноватый сплав с высоким
содержанием меди, усиленный полупрозрачным
красноватым или золотистым лаком.
В период неоклассицизма и имперский
период французская бронзовая скульптура была в
техническом отношении очень высокого качества,
ТАНЕЦ
Жан-Баттист Карпо
Бронза; после 1869 г.
Карпо создал эту скульптурную
группу для фасада Парижской
оперы. (Вверху в центре)
ЕВРЕЙСКАЯ ДЕВУШКА
ИЗ АЛ ГЬ ЕР
С.-Х.-Дж. Кордьв
Бронза, частичная позолота
и эмаль, аметисты и оникс;
датирована 1863 г.
Экзотическая тема и сочетание
различных материалов типично
для французской скульптуры того
времени.
244

БРОНЗОВАЯ СКУЛЬПТУРА СТРАН ЕВРОПЫ
как в отливке, так и в гравировке; примером
этому могут служить многочисленные работы
Томиайра (1751 — 1843), чьи безмятежные
фигуры украшали канделябры, опоры в виде
треножников и часы.
19 ВЕК
После наполеоновских войн и возникновения
движения романтизма французские скульпторы
создавали необычайно привлекательные
произвели И ЗМЕЯ
Антуан-Луи Бари
Бронза; ок. 1840 — 50 г.
Одна из наиболее ранних
композиций скульптора,
подчеркивает характерную для его периода
романтику схваток диких зверей.
(Вверху)
ИКАР
Альфред Джильбврт
Бронза; после 1884 г.
Тема взята из трагических
страниц греческой мифологии. Икар,
сын Дедало, смастерил для себя
крылья из воска. Но он подлетел
слишком близко к солнцу, его
крылья расплавились, и он погиб.
Стиль Джильберто вызывает в
памяти чувственные изображения
мужских обнаженных фигур
Донателло и Челлини. (Справа)
дения, отлитые на промышленной основе в таких
центрах, как Барбедьенн. В моду входят
средневековье, Ренессанс и этнические фигуры;
поверхность статуэток часто украшалась золочением,
эмалями или разноцветными красками. Это
помогало замаскировать замену бронзы более
дешевыми сплавами на металлической основе. На
подлинных изделиях ставились штампы
"подлинная бронза". Но даже в этом случае многие
скульпторы избегали подобного нарушения вкуса.
Дэвид ДАнджерс (1788 — 1856) и Франсуа
Руд (1784 — 1855) были двумя французскими
основоположниками романтической скульптуры,
и многие их композиции популяризировались
благодаря уменьшенным воспроизведениям в
бронзе: "Неаполитанский рыбак" последнего (1831)
стала основополагающим произведением
направления романтизма. Далу (1838 — 1902)
выполнял многочисленные заказы на общественные
памятники, и их побочными продуктами были
статуэтки; наиболее трогательны его
изображения крестьян и рабочих.
АНИМАЛИСТЫ
Одним из проявления романтизма было
изображение животных, обычно в драматическом
противоборстве. Начиная с 1830-х годов, Антуан-Луи
Бари (1796 — 1875) самый ранний и
величайший из всех анималистов, выполнил серию
одухотворенных изображений экзотических
животных в состоянии борьбы, в которых в бронзе
великолепно был передан мех, перья и шкура.
Мене (1810 — 1879) предпочитал лепить
домашних и охотящихся животных; Муанье преуспел в
изображении птиц.
В 20 веке эта популярная область искусства
привлекла двух крупных мастеров — итальянца
Рембрандта Бугатти (1884 — 1916),
создававшего их в оригинальных абстрактных формах, и
американца Герберта Хейзелтайн (1877 — 1962),
фигурки которого были еще более абстрактны.
КОНЕЦ 19-ГО — НАЧАЛО 20 ВЕКА
В Англии не существовало традиции
бронзовой скульптуры, до тех пор, пока в эпоху Викто-
рианства Лондонский Художественный совет не
сделал попытку к поощрению ее. Одной из
лучших работ в этой области была "Королева
Виктория на коне", выполненная Томасом Торникроф-
том (1853), которая представляла собой
уменьшенное изображение монументальной статуи.
Между 1870 и 1920 годами в Англии
процветала Новая скульптурная школа, параллельно с
художественным направлением модерна в других
европейских странах. Наиболее известный пед-
ставитель этой скульптурной школы Альфред
Гилберт (1854 — 1934) создавал из бронзы
мужские обнаженный фигуры, например
"Вооруженный Персей" и "Комедия и Трагедия". В том же
направлении была скульптура Гамо Торникроф-
та (1850 — 1925) и "Атлет, борющийся с
питоном" работы лорда Лейтона (1830 — 1896).

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Мастера, ра6отавшие с жадеитом, одним из самых твердых
МИНЕРАЛОВ НА ЗЕМЛЕ, СОЗДАВАЛИ ИЗ НЕГО ИЗЫСКАННЫЕ
И УТОНЧЕННЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА, СВИДЕТЕЛЬСТВУЮЩИЕ
Об ИХ ТОНКОМ МАСТЕРСТВЕ И уСЕрДНОЙ рдбОТЕ.
ИЗДЕЛИЯ ИЗ КИТАЙСКОГО ЖАДЕИТА
Т'ермин "жадеит" используется для описания
двух различных минералов: нефрита
(силиката кальция и магния) и жадеита (силиката и
натрия). В длинной истории китайского
искусства наиболее важное значение имеет нефрит,
несколько более мягкий, чем жадеит. Его
применяли в Китае начиная с 4-го тысячелетия до
н. э., и он составляет более 90% всего
известного жадеита. Составная же часть нефрита в
жадеите стала известна в Китае не ранее 18 века.
Нефрит наиболее известен как бледный
полупрозрачный зеленый камень, обычно с
пятнами внутри, по цвету может различаться от
почти белого до ярко-зеленого, коричневого или
черного. Иногда полупрозрачный зеленый
включает в себя более матовый зеленый, создавая
впечатление мрамора. В своем наилучшем виде
жадеит имеет сверкающую изумрудную
окраску, которая иногда сочетается с аметистово-пур-
пурным цветом. На изделиях из жадеита
иногда видна коричневая ржавчина,
подчеркивающая срез каменной глыбы, из которой он был
вырублен.
РАБОТА С ЖАДЕИТОМ
Жадеит является очень твердым минералом.
Для определения его подлинности можно
воспользоваться перочинным ножиком; в отличие
от серпентина, бовенита и других мягких
камней, на нем нельзя сделать царапину. Из-за того
что он такой твердый, его нельзя украшать
резьбой, а нужно путем шлифовки и огранки
придавать ему требуемую форму. Во времена неолита
для шлифовки использовался известняк,
содержащий кварц; позже стали применять корунд,
минерал, занимающий второе место по
твердости после алмаза.
В 4-м тысячелетии до н. э. в Китае делали
из жадеита различные инструменты и
приспособления, маски и другие предметы.
Некоторые из них украшались тонкой инкрустацией,
рисунок которой отличался совершенством
исполнения. На протяжении веков техника
работы с жадеитом была усовершенствована с
помощью просверливания прямосторонних
отверстий. История старинных изделий из
жадеита таит в себе много загадок, и
датирование этих изделии подтверждается
свидетельствами археологов.
Декоративные формы. С древних времен
были популярны рисунки с изображением птиц.
Но с наибольшей декоративностью изображались
сюжеты из жизни животных.
Несмотря на то что некоторые декоративные
рисунки сильно усложнялись, выполнение их все
больше упрощалось. Таким образом, если в
искусстве Шан в 12 веке до н. э. изделия
украшались резьбой на каждой из сторон, к 8 веку
очертания изделий упростились и были сведены к
применению желобков, из которых один
расположен в менее вертикальном направлении и
более наклонный, чем другой. И вновь в период
войн (480 — 211 г. до н. э.) изделиям из
жадеита придавались сложные формы, но в период
Хань (206 г. до н. э. — 220 г. н. э.) формы
обработки их поверхности были упрощены до рядов
гладких выпуклостей.
В последние два тысячелетия резные нату-
ВАЛУН,
ИЗОБРАЖАЮЩИЙ ГОРУ
Конец 17-го или 18 в.
Но фоне горного ландшафте
изображены два мальчика,
которые держат большой перок, ом-
волиэирующий "счастье". На
заднем плане сучковатая сосна, одна
из 'трех зимних подруг", и
волшебный лин-дзи фунгус, эмблема
долголетия. Белые блики
нефрита удачно использованы для
создания "тумана* и "туч*. На
другой стороне показаны скалы и
коричневый твердый
поверхностный слой на камне, оставленный
для увеличения эффекта.
246

ИЗДЕЛИЯ ИЗ КИТАЙСКОГО ЖАДЕИТА
*J »
ЧАШКА
Период Сун/Юань,
до 1320г.
Эта чашка выполнена в виде
персика! ручка представляет его
ветки, на которых сидит птица с
длинным хвостом. В период Сун
впервые растения становятся важной
деталью декора. (Справа).
КОЛЬЧАТЫЙ ДРАКОН
Конец династии Шаи,
Ок. 12 в. до н.э.
В этой круглой подвеске дракон
кусает свой собственный хвост.
Кажущиеся приподнятыми линии
эквивалентны линиям на
ритуальных бронзовых изделиях,
отлитых по глиняным слепкам.
(Вверху)
АППЛИКАЦИЯ
Неолит,
3 тыс. дон. х
Представленный здесь
гуманоид, должно быть, является одним
из наиболее ранних в предис-
тории Китая. (Слева)
МИФИЧЕСКОЕ
ЖИВОТНОЕ
Шесть династий, 3—7 в.
Свирепые звери, вырезанные из
круглого куска жадеита,
пользовались большой популярностью
в то же самое время, когда в
Китае появилась индийская
скульптура. (Вверху)
ралистичные формы китайского жадеита
тяготеют к архаичности. Животные, как реальные,
так и мифологические, изображаются с юмором,
особенно в период иностранного влияния Тан.
В период Сун (960 — 1279 гг. н. э.)
господствуют растительные и животные декоративные
мотивы. Проблема датирования изделий из
жадеита заключается в том, что эти декоративные
изделия трудно отнести к какому-то
определенному периоду, потому что, несмотря на появление
время от времени новой тематики, от старой
тоже никогда не отказывались.
Историческое прошлое. Основным
источником жадеита в историческом прошлом был
Синь-кьян (Китайский Туркестан). Нефрит
находили в камнях любых размеров, от крупной
до мелкой закругленной гальки, и эта форма во
многом определяла тематику изделия. Например,
жадеит размером с крупную гальку
использовался для изображения горы и слегка
обрабатывался для изображения небольших фигур, в то
время как жадеит в виде мелкой гальки больше
подходил для изображения, скажем, мелких
животных.
Начиная с 17 века жадеит становится еще
более доступным благодаря улучшению методов
освобождения его от осадков. В период Цин
(Мань-шу) (1644 — 1911) жадеит добывался
особенно крупных размеров, что позволяло
выполнять из него сложные рисунки на одном
плане, что было характерно для данной династии.
Изображались небольшие животные, буйволы,
группы мальчиков, все очень хорошо сработано,
но исполнение небрежное.
Мастерство древних китайских мастеров не
угасло и в наше время, и при наличии сложных
современных методов шлифовки и полировки
создаются замечательные изделия из жадеита,
которые могут соперничать с изделиями
прошлого. Даже самому проницательному эксперту
трудно доказать, что это не античные изделия, за
которые они себя выдают.
247
ПОДАТЕЛЬ ПОДАТИ
Период Там/Суй;
7-11ш.
Изображенный здесь человек —
иностранец, с большим носом и
вьющимися волосами. В качестве
подати он принес валун
жадеита. Этот камень мог быть
предположительно взят из
месторождения на Шелковой дороге, вдоль
которой шло движение культуры
и торговли в период династии Тан.
(Вверху)

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
МНОГОСТОРОННОСТЬ ЛАКОВ ПОЗВОЛЯЕТ В ПОЛНОЕ МЕрЕ ПРОЯВИТЬСЯ
творческим способностям художников, которым, бллгодлря
ИХ УСЕРДИЮ И ТЕРПЕНИЮ, УДАЕТСЯ СОЗДАТЬ УДИВИТЕЛЬНЫЕ,
ПОЛНЫЕ ТВОРЧЕСКОЙ фАНТАЗИИ, ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА.
ЛАКИРОВАННЫЕ ИЗДЕЛИЯ СТРАН ВОСТОКА
Лак представляет собой сок дерева "руты
полированной". При нанесении на предметы он
образует твердый, прочный глянцевитый лак и,
используемый в качестве декоративного
пигмента, ближе всего из восточных материалов
подходит к европейской масляной живописи.
Для получения лакового сока из дерева в
стволе делается надрез, и в чашку собирается сок. Он
белого цвета, но при контакте с воздухом
становится черным, и перед употреблением его следует
очистить и процедить.
Существуют различные методы лакировки, но
все они похожи друг на друга. Слой лака
наносится на поверхность требуемого предмета, который
обычно выполнен из дерева. Ему дают высохнуть,
затем полируют до гладкого состояния и наносят
следующий слой лака и полируют его, и так
далее, пока покрытие не будет во много слоев
толщиной; это очень длительный и трудоемкий
процесс. Из этого ясно, почему хорошее покрытие
лаком было дорого и доступно лишь богатым.
Лак был всегда в цене из-за своей
долговечности. Изделия, покрытые лаком, становились
устойчивыми к кислотам, щелочам, многим
растворителям, жаре и сырости. Говорили, что этот ма-
ИНРОО
Япония
коиец19в.
Данный пример японского
лакового изделия позднего периода
богато украшен изображениями
лягушек, демонами и цветочными
мотивами и выполнен в пышном
декоративном стиле, известном
под названием Шибаяма. Инроо
представляет собой разделенную
на секции шкатулку для лекарств,
подвешенную на поясе. (Вверху)
СУЗУРИБАКО
Япония
Золотистый лак;
начало! 9 •.
Суэурибако представляет собой
шкатулку для письменных
принадлежностей, содержащую
необходимые приспособления для
почитаемого искусства каллиграфии,
в том числе кисть и чернильницу.
В этом примере, богато
декорированном различными приемами,
изображен пейзаж в китайском
стиле. (Слева)
териал сопровождает китайцев всю жизнь: их
кормили лакированными ложками из лакированной
посуды и хоронили в лакированных гробах.
Древняя история лаков скрыта в тумане
времени, но считается, что ими впервые начали
пользоваться в 2000 г. до н. э. Одним из древнейших
экспонатов, выставленных для публичного
обозрения, является кубок с ручками на подставке,
который приписывается концу периода Шоу в Китае
(5 — 4 вв. до н. э.) и находится в Галерее
искусства Фреда в Вашингтоне.
КИТАЙСКИЕ
ЛАКИРОВАННЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Древние китайские мастера обычно занимались
как формой, так и декором изделия, но начиная с
династии Мин (1368 — 1643) декор становится
очень богатым. В этот период в Китае начинают
изготавливать знаменитый красный лак для
покрытия резных изделий, возможно наиболее
знаменитый китайский лак в странах Запада,
особенно для покрытия шкатулок и тарелок. Лак
периода Мин считается наилучшим из всех китайских
лаков, хотя некоторые великолепные, покрытые
им изделия появились позже.
Император Шиень-лун (1736 — 1795), как
сообщалось, был особенно большим почитателем
лаков; одним из многочисленных заказанных им
предметов был великолепный трон, который теперь
находится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне.
ЯПОНСКИЕ
ЛАКИРОВАННЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Как ни замечательны были некоторые
китайские лакированные изделия, японцы
усовершенствовали это искусство. Считается, что японцы
впервые познакомились с китайскими лаками в 6 веке;
и вначале лак применялся японцами для
религиозной скульптуры.
Усовершенствование техники маки-е
(разбрызганной картинки) вызвало к жизни настоящий
японский лакировочный стиль. Сущность маки-е
состоит в том, что на рисунке разбрызгиваются
золотистая и серебряная краски, наносимые на
слой влажного лака, который, в свою очередь,
накладывался на предварительно наложенный и
высушенный слой лака. Этот декоративный лак за-
248

ЛАКИРОВАННЫЕ ИЗДЕЛИЯ СТРАН ВОСТОКА
ШКАТУЛКА В ВИДЕ
ПАВИЛЬОНА
Китай
Красный лак и золоченая
бронза; 18 а.
Прекрасный пример техники
красного лака, доведенный в Китае
до совершенства. Изображает
один из дворцовых павильонов и
мог быть изготовлен в качестве
подарка для видного сановника.
(Справа)
КУВШИН ДЛЯ ЧАЯ
Япония
Сплав олова, позолота
и красный лак;
середина 19 в.
Это редкий пример сплава
олово, декорированного
различными методами лакировки.
Цветочные эмблемы представляют
собой изображение японских
геральдических щитов. Напоминает
керамический кувшин с крышкой.
(Внизу).
тем полировался до гладкого состояния. Данный
процесс повторялся много раз, один декоративный
слой накладывался на другой, пока не достигался
требуемый эффект: внешний вид в крапинку,
который назывался нашиджи. Подобным образом
выполнялись небольшие предметы мебели,
ножны сабель и шкатулки.
В период Едо (1615 — 1868), когда Япония
была изолирована от Запада, искусство
лакировки достигло там своего расцвета. Такие мастера,
какКоорин (1661 — 1716) и Ритсуо (1663 — 1747)
поощрялись к творческому воображению и
вместе со своими последователями создали
замечательные инроо (шкатулки для лекарств), сузурибако
(шкатулки для письменных принадлежностей) и
кого (сосуды для ладана).
Как и в случае со многими видами искусства в
странах Дальнего Востока, западное влияние в конце
19 века привело к деградации лаковых изделий. Но
некоторые из ярких многокрасочных лаковых
изделий не могли скрыть тонкого художественного
мастерства своих создателей, которое развивалось на
протяжении веков. Гости вновь открытой в конце
19 века Японии были очарованы ее искусством и
ремеслами, и многие замечательные американские
и европейские коллекции лакированных изделий
были созданы как раз в это время.
249

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
ОДНИМ ИЗ СТАрЕЙШИХ ВИДОВ ДЕКОРАТИВНОГО ИСКУССТВА,
В ТЕЧЕНИЕ ДОЛГОГО ВрЕМЕНИ СОХрАЯЮЩИМ СВОЮ ПОПУЛЯРНОСТЬ,
ЯВЛЯЕТСЯ ИЗЫСКАННОЕ И УТОНЧЕННОЕ ИСКУССТВО ЭМАЛИ,
ПРОИЗВЕДЕНИЯ КОТОРОГО ОТЛИЧАЮТСЯ ЯрКОЙ ЦВЕТОВОЙ ГАММОЙ.
ЭМАЛИ
Покрытие эмалью (нанесение на металл
прочного стеклообразного покрытия, цвет
которого определяется окисью металла)
использовалось в качестве украшения с доисторических
времен. Одним из наиболее ранних приемов было
клуазоне (французская эмаль), при котором
применялось разделение перегородкой на отделения,
образующиеся путем припаивания тонких
металлических полосок, обычно из золота или меди, к
металлическому предмету, после чего вся
поверхность заполнялась стекловидной пастой и
обжигалась при температуре 750 — 800 градусов С
для полного сливания эмали с металлом.
Клуазоне была популярна в Японии в конце 19-го —
начале 20 века.
Техника выемчатой эмали, известная кельтам
и римлянам, заключалась в помещении
порошкообразной стекловидной массы в сделанные
углубления на поверхности изделия с последующим
обжигом. Средневековые французские и
немецкие раки, гробницы и предметы церковной
службы часто украшали техникой выемчатой эмали.
При барельефном покрытии эмалью, которое
было известно в средние века, полупрозрачные
эмали обжигаются над барельефным рисунком,
выгравированным на металле. Начиная с
середины 18 века эта техника использовалась для
украшения дорогих золотых табакерок, бонбоньерок
(коробок с конфетами), футляров и чехлов для
небольших предметов, в том числе для часов, в
основном французской или швейцарской работы.
Техника барельефа часто использовалась
русскими ювелирами и Фаберже в конце 19-го —
начале 20 века.
Инкрустированная эмаль была еще одной
средневековой техникой эмали и применялась в
ювелирном деле в эпоху Ренессанса по всей Европе.
В эмалях с прозрачными пластинками, также
применяемых в средние века, металлический
задний план убирался из клуазоне, оставляя
прозрачное эмалевое покрытие. В конце 19 века
такой вид эмали активно применялся для
украшения чаш, ложек, блюд и драгоценностей,
особенно французскими ювелирами, такими, как Рене
Л ал ик (I860— 1945).
РАЗУКРАШЕННАЯ ЭМАЛЬ
Наиболее популярной техникой эмали в
Европе 18 и 19 веков была разукрашенная эмаль,
впервые появившаяся в 15 веке. Расписанные
тонкими эмалевыми красками блюда, кувшины,
ТАБАКЕРКА
Мишвль-Робвр Алле, Париж
Золото, гравировка и эмаль;
1750
Роскошные табакерки наподобие
этой, декорированные
барельефной эмалью с лиственным
орнаментом и решетками и
разукрашенной эмалью с цветами, часто
предназначались для подарков.
и стенные тарелки изготавливались в 16 и 17
веках в Лиможе. В этих эмалях, в основном на
мифологические и библейские сюжеты и темы
времен года, использовалась тончайшая техника
гризайль (сероватых оттенков) и телесные тона.
Обратная поверхность блюд и стенных тарелок
покрывалась бесцветными эмалевыми красками
для предупреждения искажений при обжиге.
Разукрашенные эмали, возможно, попали в
Англию из Франции в конце 17 века. В
середине 18 века сама техника эмали, наряду с
печатью на эмали, получила развитие в Лондоне,
Бирмингеме, Южном Стаффордшире и Ливерпуле.
Между 1745 и 1770 годами в Лондоне работали
по меньшей мере 25 мастеров по изготовлению
эмалей, и многие миниатюристы также
работали в технике эмали. Тонко написанные маслом
цветы на белом фоне, напоминающие
аналогичные цветы на современных им фарфоровых
игрушках Челси (например, флаконах с духами и
футлярах) часто приписываются лондонским
мастерам. Бирмингем специализировался на
больших футлярах, например шкатулках для чая,
250

АЛ И
ШКАТУЛКА
Бирмингем, Англия
Эмаль на меди» живопись,
вставки из гравированного
поволоченного металла;
ок. 1755 г.
Здесь представлен сюжет, взятый
с картины Антуана Ватто
'Пьеро слишком бедный страж,
чтобы охранять честь красивой
молодой женщины'; гравировка
выполнена Кошином-младшим.
(Слева)
ШКАТУЛКА И ЛОЖКА
Фаберже, Москва
Золото, эмаль; ок. 1910 г.
Эта ложка типично русская по
форме, а филигранная техника
эмали и характерные краски были
широко распространены в
странах Восточной Европы. На
каждой разукрашенной эмали
изображен средневековый дворянин.
(Слева внизу).
СТЕННЫЕ ТАРЕЛКИ
Баттерси, Лондон
Эмаль на меди, живопись
маслом; вставки из
украшенного гравировкой
позолоченного металла;
ок.1753 —1756 (Внизу).
корзинах и коробках для ножей. В пригородах
Бирмингема Билстоне и Венсбери между
примерно 1760-ми и 1840-ми годами было создано
много небольших шкатулок с очаровательными
надписями, подносов для карт, наперстков и
других небольших предметов, украшенных
эмалями. В Ливерпуле с 1749 по 1790 год
театральные и политические сюжеты наносились
сочными коричневыми или черными красками
Джоном Седлером и Гаем Грином.
СОВРЕМЕННЫЕ ЭМАЛИ
Покрытия эмалями футляров для часов
выполнялись в большом количестве в Женеве на
протяжении 18 века и, по крайней мере до 1850
года. Филигранная эмаль, вариант клаузоне, при
которой эмаль помещалась между украшенной
бусинами или перекрученной проволоки,
пользовалась популярностью в странах Восточной
Европы и в России в 19 веке. Разукрашенными
эмалями украшались большие кувшины и
корзины, сделанные в Австрии во второй половине
19 века. Старые техники были возобновлены в
конце 19-го — начале 20 века и в настоящее
время эмали продолжают очаровывать
современных художников и мастеров.
251

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Черепаховый пАнцирь, с его богатством опенков
И ОТЧЕТЛИВОЙ ПРОЗРАЧНОСТЬЮ, ВСЕГДА При ВЛЕКЛА МАСТЕрОВ,
которые свято берегли свои секреты.
ЧЕРЕПАХОВЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Черепаховые изделия делаются из панциря
черепахи, обычно хоксбиллской морской
черепахи, которая обитает либо на побережье
Бразилиии, либо на Сейшельских островах в
Индийском океане. Задняя часть изделий
обычно украшалась вставками из
темно-коричневого янтаря, а передняя имела светлый или
желтый оттенок и, особенно в Японии и Испании,
традиционно использовалась для изготовления
женских гребней, поскольку они очень
декоративно смотрелись в черных волосах. Будучи
приятным на ощупь, с привлекательным
блеском, черепаховый панцирь среди морских
сокровищ в течение тысячелетий пользовался
большим успехом. Древние римляне
импортировали его с востока, и черепаховый панцирь
применялся для инкрустации мебели и мелких
декоративных предметов.
Для мастеров он представляет наиболее
благодатный материал для работы. Отдельные
"чешуйки" или пластинки панциря можно подбирать
по цвету. После кипячения в морской воде он
приобретает ковкость, и отдельные кусочки
панциря даже можно соединять вместе для получе-
ОБЛОЖКА КНИГИ
Черепаха и серебро;
начало 18 а.
Эта обложка длиной около 6 см
(2 I /2 дюйма) украшена
черепаховой инкрустацией с
цветочным и растительным
орнаментом и серебряными вставками.
(Справа)
ШКАТУЛКА
ДЛЯ ШИТЬЯ
отделка
с оловянными прожилками
и контуром из слоновой кости;
1800-1830
В прикрепленной крышке
имеется центральная застекленная
вставка с медальоном из волос,
который дополнен светлой
черепаховой отделкой. (Внизу)
ния любой требуемой формы, если сжать стык,
завернутый во влажную ткань, раскаленными
докрасна щипцами.
Многие неохотно раскрывают подобные
секреты, которые появляются с опытом и
знанием возраста и типа черепахового панциря.
Подлинный панцирь можно отличить от
современных пластиковых имитаций по его
желто-коричневому свечению при ультрафиолетовом
освещении; кроме того, при распиливании или
полировке он издает резкий, едкий запах.
Техника полировки также является составной
частью секретов мастера. Вначале необходимо
зачистить поверхность до гладкого состояния,
чтобы не было никаких неровностей, а потом
обработать ее очень тонкой наждачной
бумагой во избежание царапин, и полировать
мягким шлифующим составом из
порошкообразного гнилого камня и миндального или
оливкового масла. И, наконец, поверхность
полируется смесью окиси железа в порошке с
растительным маслом для получения такого
глубокого блеска, что мастер может увидеть в нем
свое изображение.

ЧЕРЕПАХОВЫЕ ИЗДЕЛИЯ
ШКАТУЛКА
ДЛЯ КАНЦЕЛЯРСКИХ
ПРИНАДЛЕЖНОСТЕЙ
Дж. К. Викери, Лотом
Буль; 10 в.
Эта красивая шкатулка, размера*
ми 23 х 16 см (9 % 6 1/2 дюйма)
демонстрирует возрождение стиля
буль в период Викторианства.
(Слева)
ТАБАЧНЫЙ КИСЕТ
Черепахам серебро;
конец 17-со — начало 18 в.
Изделие декорировано серебря*
ными вставками и инкрустацией
с изображениями птиц, масок и
картушей; выгравирована надпись
'Сувенир*. Имеет длину 12 см (5
дюймов). (Внизу)
РАБОТЫ БУЛЯ
Одну пластинку панциря можно расколоть или
распилить на несколько пластин и использовать
для инкрустации мебели.
Техника инкрустации черепахи медью и
другими металлами и применение ее для украшения
мебели родилась в Италии в 16 веке. В 17 веке
она встречается в Германии, Бельгии и
Голландии, а в 17 и 18 веке во Франции и в Англии.
Более всего усовершенствовал эту технику
Андре-Шарль Буль (1642 — 1732), который был
в 1672 году назначен главным мебельным
мастером по красному дереву у Людовика XIV и
сделал много мебели для его Версальской
резиденции. Работы Буля пользовались большим
спросом в Англии в 18 веке и часто применялись для
декорации удлиненных часов.
Начиная с 1820-х годов черепаховые изделия
переживали возрождение популярности, и с
автоматизацией процесса резки в период
Викторианства изделия стиля буль снова вошли в моду.
Черепаховая заколка для волос вошла в моду
в конце 1870-х годов для заплетения косы "ка-
тогон" на затылке. После этого волосы стали
более богато украшаться высокими испанскими
гребнями, приобретшими популярность после
первой постановки оперы "Кармен" в 1875 году.
Викторианские гребни делались исключительно
из черепахи.
Черепаховый панцирь использовался также в
качестве сложного и привлекательного декора для
настольных часов, причем черепаховые пластины
оставались либо в натуральном цвете, либо реже
подкрашивались. В период Викторианства
отделкой в стиле буль украшались также опоры
письменных столов, различные детали шкафа-бюро.
Черепаховый панцирь также широко
применялся при украшении табакерок, предметов
туалета, часто в виде инкрустаций, тонких золотых
или серебряных полосок или создания рисунка
из точек слоновой кости и черепахи. Подобные
декорации применялись для футляров английских
часов в конце 17 века.
Долгое время черепахой модно было
отделывать заднюю часть зеркала, щетки и гребни, а
имитации черепахового панциря продолжали
сохранять популярность для туалетных
принадлежностей даже в 1930-е годы.

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Изделия из папье-маше отличаются поразительной
рлзностронностью — от подносов и блюд до крупных
ПРЕДМЕТОВ, ТАКИХ, КАК СТуЛЬЯ, СТОЛЫ И КАМИННЫЕ ЭКрАНЫ,
КОТОРЫЕ ДЕЛАЛИСЬ ИЗ ЭТОГО МАТЕРИАЛА.
ИЗДЕЛИЯ ИЗ ПАПЬЕ-МАШЕ
Искусство изготовления декоративных
предметов из бумажной массы называется по-
французски "папье-маше", что буквально
переводится как "спрессованная бумага", но
происхождение этой техники скорее восточное,
чем французское. Хотя ее привезли в Англию
французские иммигранты в 1600-х годах,
папье-маше впервые появилось в Китае, где
издавна из бумажной массы лепили бумажные
коробочки и шкатулки, покрывали их лаком и
украшали в типичной восточной манере.
Единственная подробная информация,
касающаяся изготовления изделий из папье-маше,
известна из английских источников.
Знаменитый ученый Роберт Бойль (1627 — 1691)
писал, что японцы умеют делать чашки, тарелки
и другую посуду из бумаги и иногда из опилок,
а в 1732 году, с помощью записок Бойля, Дж.
Пилу удалось разработать метод разминания и
прессовки коричневой бумаги в бесформенную
бумажную массу с последующим смешиванием
ее с резиной, после чего ее можно было
прессовать и создавать из нее различные изделия.
Начиная с 1750-х годов в Англии папье-маше
занималось всего несколько мастеров,
изготовлявших в небольших количествах изделия из
прессованной бумаги, такие, как позолоченные
настенные бра, канделябры, подсвечники и
декорированные зеркала.
Описаний подобной техники в других
странах встречается очень мало или вообще нет.
Герцог Брунсвикский, Карл I (1735 — 1786)
привез английскую технику папье-маше в
Германию и в 1763 году основал там фабрику,
директором которой был Георг Зигмунд Штоб-
вассер (род. 1740). В списке 1780 года
перечислены изготовленные там почти 1300
изделий — не только табакерки, но и столы,
сундуки и тарелки. Подпись Штобвассера начала
появляться на изготовленных им табакерках
начиная с 1800 года.
НОВЫЕ МЕТОДЫ
В 1772 году Генри Клей из Бирмингема
изобрел метод производства жароустойчивого
\(л\
254

ИЗДЕЛИЯ ИЗ ПАПЬЕ-МАШЕ
ТАБАКЕРКА
Около 1800 года
Крышка диаметром 8.8 см (3 1 /2
дюйма) украшена живописным
портретом бородатого турка, (рис
справа наверху)
ПОДНОС
Начало 19 века
Это редкий образец периода
Регентства, имеет ширину 78 см
(31 дюйм), украшен модным
восточным декором. Стоит штамп
'Клей Кинг Ст., Ковентри гарден'.
(рис. слева наверху)
ТАБАКЕРКА
Начало 19 века
Но этой интересной табакерке —
надпись "Прощание с
Фонтенбло', и изображен Наполеон с
трехцветным флагом Франции, по-
кидающий своих офицеров в
сопровождении королевского
двора Имеет 8 см в диаметре (3 1/
4 дюйма) и надпись: 'Фабрика
Штобвассеро в Брауншвейге'.
(рис. справа внизу)
ПОДНОС
Папье-маше, позолота
и перламутр; 19 век
Лобные очертания
подчеркиваются позолотой и инкрустацией пер-
ломутра, с типичным для
середины Викторианства букетом цветов.
(рис. слева внизу)
строительного картона, с которым можно было
обращаться как с деревом и высушивать в печи,
не опасаясь покоробить его. Из листовых
слоев не сортированной по величине бумаги,
приклеенных к металлической основе или
литейным формам, стали делать панели.
Наибольший успех имело массовое производство
изделий из папье-маше в селе Федоскино под
Москвой, где женщины и девочки из семьи Луку-
тиных изготавливали свои знаменитые
шкатулки, сундуки и подносы, отмеченные двуглавым
орлом внутри овала.
В 1830-х годах Ричард Бриндли придумал
метод формовки влажных листов
прессованной бумаги между матрицами, что позволяло
значительно удешевить процесс и наносить
требуемый декоративный узор на табуретки,
каминные экраны и рабочие столы. Папье-машье
позволяло создавать отчетливые закругления
стульев и скамеечек для ног благодаря
отсутствию волокон, а также придавать материалу
любую форму, под любым углом, чего
невозможно было достигнуть в дереве.
Много образцов подобной мебели было
представлено на знаменитой Выставке 1851
года. В этот период папье-маше пользовалось
огромной популярностью, и изделия из него
разрисовывали под малахит, разноцветный
мрамор и агат, так что было очень трудно
отличить их от оригиналов.
БЛЕСТЯЩАЯ
ОТДЕЛКА
Отделка и украшение изделий из папье-
маше сами по себе являются искусством.
Начиная с 1815 года блеск придавался
нанесением тонкого слоя порошкообразного металла, в
том числе бронзы, что очень гармонировало с
изображением восточных мотивов — храмов,
деревьев и пагод, которые были в большой моде
с 1825 года. Метод бронзировки, известный,
как стиль Вольверхэмптона, придавал
изделиям контрастность в привлекательной
атмосфере готических соборов, в интерьеры которых с
высоты струились потоки солнечного света.
Этот метод появился около 1855 года и был
распространен примерно до 1860 года с
алюминиевыми и серебряными добавками,
вызывающими атмосферу лунного сияния.
Масляная живопись, в особенности
изображение пейзажей, карет и сцен охоты, была
популярна на подносах начиная с 1780-х и до
1820-х годов, когда они уступили место
многокрасочным цветам на фоне бамбука, пальм,
травы и бабочек. Цветочный декор прошел
различные модные влияния от ранних условных
изображений до пышных, декоративных
стилей 1830-х годов на черном лакированном фоне.
В 1850-е годы очень яркие и живые цветы
изображаются на белом, желтом и зеленом
фоне. Павлины и морские раковины были
характерны для Фредерика Нормана. Позолота
появилась в самом начале века и сохранялась
в моде для аллегорических и восточных сцен.
Пейзажная живопись на панелях из папье-
маше была прекрасного качества и
первоначально предназначалась для украшения
интерьеров. В 1860-е годы декор, однако, стал
вульгарным и утрированным.

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Многие предметы из тех, что окружлют нас дома
ИЛИ НА рАбОЧЕМ МЕСТЕ И ДЕЛАЮТСЯ В НАСТОЯЩЕЕ ВрЕМЯ
ИЗ ПЛАСТМАССЫ, KADTOHA ИЛИ МЕТАЛЛА, В СТАрИНу
ИЗГОТАВЛИВАЛИСЬ ИЗ ДЕрЕВА. ОНИ СОСТАВЛЯЮТ КАТЕГОРИЮ
АНТИКВАРНЫХ ПРЕДМЕТОВ ДОМАШНЕГО 6ЫТА.
ДЕРЕВЯННЫЕ ПРЕДМЕТЫ ДОМАШНЕГО БЫТА
Под средневековым термином "сделанный из
дерева" подразумеваются любые домашние
предметы небольших размеров, такие, как бокалы
и кубки, сделанные из дерева. Здесь важно
подчеркнуть слова "небольших размеров", поскольку
эти изделия должны быть такими, чтобы их легко
можно было переносить с места на место.
Домашняя утварь является наиболее распространенным
видом деревянных предметом домашнего быта.
Основным производителем деревянных
предметов домашнего быта была Великобритания, и
поэтому большая часть этих изделий, доступных
КОЛЛЕКЦИЯ
СЕЛЬСКИХ
ДЕРЕВЯННЫХ
ПРЕДМЕТОВ
ДОМАШНЕГО БЫТА
Древесина фруктовых
деревьев, сикамор,
грецкий орех и бук;
Конец 18-го—
середина 19-го в.
В этот набор входят три формы
для масла и редкий масляный
черпак с необычной ручкой.
для коллекционеров, британского происхождения,
и датируются они 1650 — 1900-ми годами; более
ранние вещи встречаются очень редко.
ДЕРЕВЕНСКОЕ ОБЩЕСТВО
Британская культура 17 века была
замкнутой. Множество людей не покидали деревни, в
которых они родились. Целые семьи, поколение
за поколением, ели из круглых деревянных
тарелок. Хотя они, возможно, и слышали об
оловянной посуде, им и в голову не приходило
заменить дешевые, доступные предметы новыми и

ДЕРЕВЯННЫЕ ПРЕДМЕТЫ ДОМАШНЕГО БЫТА
ЗАЗДРАВНАЯ ЧАША
ок. 1680 г.
более дорогими. Новые идеи приносили в
сельские местности сезонные рабочие и цыгане.
Промышленность была слабо развита; должно было
пройти по меньшей мере еще 200 лет, пока ее
влияние станет ощутимым в сельской
местности и начнет развиваться местная
промышленность. То, в чем нуждались сельские жители,
они изготавливали сами. А какой материал был
более доступным, чем дерево?
В 17 веке деревянные предметы домашнего
быта включали широкое разнообразие изделий, в
том числе наперстки, прялки, ковши и черпаки,
предназначенные для зачерпывания из заздравной
чаши, подсвечники и миниатюрная домашняя
пожарная машина (ящик на колесах с насосом). Для
изготовления этих предметов могло
использоваться мягкое или твердое дерево, и сами предметы
могли быть простыми или с декоративными
украшениями. Огромное их количество вписано в
каталоги музеев, но существует еще гораздо
большее число нигде не записанных деревянных
изделий, которые заботливо, с любовью и точностью
создали неизвестные мастера.
Наиболее ранние из известных сегодня
деревянных предметов домашнего быта обычно
религиозного содержания. Одним из таких изделий
является кубок, неглубокая чаша для
торжественных церемоний, изготовленная из кленового
первоцвета, с серебряным ободком, использовалась в
монастырях и богатых приходских церквях.
Согласно описям и завещаниям, эти чаши-кубки
относятся к 14 — 17 векам.
В каждом большом доме в городе и деревне
была своя заздравная чаша (использовалась для
горячего пряного эля или пива). Эти чаши,
также известные, как чаши из шерсти ягненка из-за
пены, образующейся в верхней части их
содержимого, пользовались огромной популярностью
Подобные чаши — но этой
стоит надпись *DF* — имеют
большую ценность. У самых ценных
чаш еще бывает крышка,
горшочек для прянностей и черпаки.
(Слева)
ПОДСТАВКА
ДЛЯ КАТУШЕК
С НИТКАМИ
Красное дерево, самшит,
черное дерево и слоновая
кость;
Ок. 1820г.
Особыми чертами являются три
вращающихся яруса и декор из
слоновой кости. (Справа).
257

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
в середине 17 века, когда они выпускались в
большом количестве; однако из них мало что
сохранилось. Многие другие деревянные предметы, с
которыми мы встречаемся сегодня, были также
связаны с ритуалом питья: это был важный вид
общественной деятельности, и тип сосуда,
который хозяин предлагал своему гостю, отражал его
общественное положение. Все используемые
породы древесины, например железное дерево, были
прекрасного качества. Модно было дарить
бокалы, в большой цене были декоративные
деревянные кубки и чаши. Будь то круговая чаша (чаша,
передаваемая по кругу в конце пира, чтобы все
выпили из нее) или королевский бокал, их
заботливо сохраняли.
С целью коллекционирования деревянные
предметы домашнего быта можно разделить на
основные группы: официальные, провинциальные
(сельские) и декоративные.
ОФИЦИАЛЬНЫЕ ДЕРЕВЯННЫЕ
ПРЕДМЕТЫ ДОМАШНЕГО БЫТА
Официальные и декоративные деревянные
предметы домашнего быта лучше всего подходят для
использования в верхней, парадной части дома, в
отличие от сельских предметов, применяемых "вни-
КОЛЛЕКЦИЯ
ПРИНАДЛЕЖНОСТЕЙ
ДЛЯ КУРЕНИЯ
И НЮХАНИЯ ТАБАКА
Различные роста дерева
и латунь;
Первая половина 19 в.
В 18 и 19 в. курение
пользовалось большой популярностью, и
принадлежности для него
выпускались с использованием
различных рисунков и материалов, в том
числе дерева. Фигура слева
называется 'Бюргер* и датируется
примерно 1840 г. Наиболее
редкая иэ фигурных кружек для
табака, она привешивалась к
талии, набивалась табаком и
применялась для его хранения.
Высокая подставка с глиняной
трубкой (сейчас на ней укреплены
современные трубки)
голландского происхождения, ее
основание иэ красного дерева
облицовано латунью. Будучи элегантной
принадлежностью курения
начиная примерно с 1820 г., такая
подставка хранилась в доме.
Кружка с крышкой из железного
дерева (справа) датируется около
1820 г.; хранящимся в ней
нюхательным табаком можно было
воспользоваться в магазине.
Верхнее отверстие в кружке
предназначалось для того, чтобы
высыпать небольшое количество
табака на поднос Курительная
трубка на переднем плане
выполнено просто и элегантно из
красного дерева, на латунных
петлях крепилась к крышке кружки
для табака; датируется начиная
примерно с 1820 г.
258

ДЕРЕВЯННЫЕ ПРЕДМЕТЫ ДОМАШНЕГО БЫТА
зу". в бытовых комнатах. В хорошо
оборудованном доме жителя среднего сословия в конце 18 —
начале 19 века, в эпоху правления Георга I, было
достаточное количество деревянных предметов
домашнего быта, которые наполняли все комнаты
дома. В заставленном книгами кабинете было
несколько подсвечников из красного дерева, а на
большом столе помещалась массивная двойная
чернильница из розового дерева, с блокнотом с
промокательной бумагой, также отделанным розовым
деревом. Рядом находятся коробочка для порошка (для
впитывания чернильных брызг), перочинный нож
(для очинки перьев), нож для разрезания бумаги,
подставка для гусиных перьев, — все
выполненные из дерева. Рядом со стулом у камина —
принадлежности для курения, состоящие из кружки
для табака, коробочки с нюхательным табаком,
подставки для трубок, зажигалки для спичек и
пробки для табака. На камине стоит пара деревянных
ваз и коллекция деревянных предметов,
украшенных машинным декором. На столе лежат зеркало,
большая лупа в рамке из розового дерева, с
изящной длинной ручкой, для изучения рисунков на
стене. Рядом с зеркалом — спиральная этажерка
с каталогами всех книг в кабинете. Тепло и цвет
примененных пород дерева гармонируют с
окружающей обстановкой.
Столовая освещается светом свечей,
деревянные ножки выше и имеют более
внушительный вид, чем бронзовые завершения. На
буфете стоят два ящичка для ножей, овальный
поднос из красного дерева в стиле чиппендейл и
небольшие подносы для бутылок. На
обеденном столе очень редкий набор декоративных
круглых тарелок (roundel) из сикамора, одна
из сторон которых, простая, предназначена для
еды, а на обратной написаны слова песни, и
после окончания блюда гости пели ее (игра слов:
на круглой тарелке ("roundel") — слова песни
("roundelay" — песенка). На каждом из концов
стола — комплект горшочков с пряностями,
каждый со своей крышкой, и набор открытых
солонок из красного дерева с очень тонким
декором, а в центре стола — вращающийся
поднос из красного дерева для сладких блюд. (200
лет назад там были бы еще доски для резания
хлеба (старинные тарелки), кубки из
железного дерева, и все предметы из дерева казались
бы более крепкими и мощными).
ПРИНАДЛЕЖНОСТИ
ДЛЯ ШИТЬЯ
Грецкий орех, самшит
и слоновая кость; 19 в.
В центре — высокая редкая ваза
для швейных принадлежностей;
чашка из самшита
представляет собой шаблон для шитья, а
спираль в центре для ниток и
лент. Справа шкатулка для
швейных принадлежностей иэ
грецкого ореха, около 1840 года.
(Внизу)
ПОДСВЕЧНИКИ
Различные породы дерева,
бронза и латунь;
18и10в.
Наиболее редкой в этой
коллекции является пара треножников
слева из красного дерева, с
бронзовыми подставками для свечей,
около 1775 г. На переднем
плане в центре два подсвечника из
красного дерева эпохи правления
Георга I, с бронзовыми
канделябрами в виде листьев
чертополоха, а перед ними — пара
подсвечников с перекрученным
резным основанием из грецкого
ореха и латунными канделябрами,
около 1860 г. Самыми высокими
являются подсвечники иэ
грецкого ореха, с толстыми
перекрученными деревянными
канделябрами (ок. I860 г.), а самые
короткие, наподобие
артиллерийского ствола — примерно начиная с
1840 г. — из розового дерева.
(Слева)

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Наиболее удаленная комната заполнена
сокровищами из дерева, собранными во время
путешествий владельца. На камине — двое зверюшек из
грецкого ореха, украшенных тонкой резьбой;
рядом с самим камином — каминные экраны
тонкой ручной работы, а на боковом столике —
впечатляющий чайный прибор из грецкого ореха. Все
эти разнообразные столики, шкатулки для
красок и швейных принадлежностей, дамские
сумочки — пользовались особым спросом у
владельцев домов в 18 и 19 веке. В одном из углов
комнаты — стул для шитья в окружении
деревянных принадлежностей для шитья — катушек,
шпулек, тесьмы, спиц для вязания и подставки
для катушек. Изящная французская прялка из
грецкого ореха с завершением из слоновой
кости, выполняет больше декоративную, чем
практическую цель. По другую сторону комнаты
стоит игровой столик с угловым стенным шкафом,
полным замысловатых резных деревянных
фигурок для игр — шахматы, скачки, игральные
карты, рулетка, кегли, старинная игра в шары и
многие другие развлечения.
ДОМАШНИЕ ИЗДЕЛИЯ ИЗ КОЖИ
С древнейших времен кожа
использовалась для изготовления одежды,
кошельков, седел, ножен и обложек для
книг. В домашнем быту из кожи делались
сосуды для воды, бутыли, бадьи и высокие
пивные кружки.
Кожа готовится и обрабатывается
представителями многих различных
ремесел. В Лондоне "вязальщики" были в
14 веке отдельной гильдией, но в 16 веке
кордвейнеры также изготавливали
кожаные бутыли. Наличие в
Великобритании и во всей Европе
большого количества шкур означало, что
кожа обрабатывалась во многих
местностях. Кожаные изделия
продавались на местных рынках и
ярмарках. В 17 веке в Великобритании
Нортгемптон и Уалсел стали главными
центрами по выделке кожи.
С 16 по 18 век наиболее
распространены были два типа кожаных
бутылей. Первый, сосуд наподобие бочки,
был известен как "боттелл", другой
напоминал по форме балясину и
назывался " Джеком" (пивная кружка).
Все подобные сосуды имели
деревянную основу, на которой кожа
размягчалась при помощи пара. Стороны
и основание подрезались для придания
нужной формы и сшивались по швам
ниткой. Затем подшивался верх и
закрашивалась в черный цвет внешняя
ПИВНАЯ КРУЖКА
"ЧЕРНЫЙ ДЖЕК"
Англия
17 в.
часть кружки; отсюда название "черный
джек". Бывали также высокие кружки с
серебряными вставками, но если на
серебре не стоит клеймо, вставки могут
быть поддельными.
КУХОННЫЕ
ПРИНАДЛЕЖНОСТИ
Различные породы дерева;
17-19 в.
Ступка и пестик иэ вяза и
древесины фруктовых деревьев
датируются, начиная примерно с 1760
г. Штопоры выпускались
различных стилей; этот образец
примерно 1860 г. сделан из древесины
фруктовых деревьев, как и
коробочка для приправ конца 17 в. в
центре. Две башенки для приправ
выполнены иэ самшита около
1850 г. В башенках бывает от трех
до шести отделений, и на
каждой делались наклейки в
соответствии с их содержанием Справа
сосуд для вина около 1820 г., из
тиса, покрытый тонкой патиной.
На переднем плане большой
декоративный пресс лимонного
цвета и сито; датируется начиная
примерно с 1880 г. (Вверху)
260

ДЕРЕВЯННЫЕ ПРЕДМЕТЫ ДОМАШНЕГО БЫТА
СЕЛЬСКИЕ (ПРОВИНЦИАЛЬНЫЕ)
ДЕРЕВЯННЫЕ ПРЕДМЕТЫ
ДОМАШНЕГО БЫТА
Спустившись вниз на кухню и в рабочие
комнаты, мы найдем там сельские деревянные
точильные инструменты, дробилки, мешалки, ящики для
хранения вещей и другие принадлежности.
Рисунок и тип древесины выбирался специально для
каждого предмета в зависимости от его
назначения. Применяемая здесь древесина была не столь
дорогой, как в комнатах наверху, но ее цвет и
волокна, особенно если учесть многолетнее
употребление, сохраняют декоративный вид.
Большую, центральную часть кухни занимает
стол из сосны, предназначенный для
изготовления кондитерских изделий: на нем наготове стоят
чаши с мукой из сикамора, скалки, доски и мерки.
Для заключительного украшения кондитерских
изделий здесь представлен набор маркеров из
древесины фруктовых деревьев — для тортов,
пирогов и имбирных пряников. На стенных полках
помещаются ступки, терки, кофемолки и башенки
для специй (изделие с пятью цилиндрическими
отделениями, каждое из которых содержит
определенный вид специи), изготовленные из
железного дерева, вяза и самшита. На столе для рубки
лежат деревянные режущие инструменты (лезвия
с деревянными ручками) и широкие ножи (доска
с проволокой) для хлеба, сыра и овощей. Были
также деревянные соковыжималки для фруктов и
щипчики для сахара.
В подсобных помещениях рядом с кухней
собирались грязные тарелки для мытья в двух
бадьях из красного дерева; в углу стоят чистящие
доски и бельевые вальки для стирки; к стенам
прибиты ящики с солью, подставки для ложек и
коробки со свечами. В кладовой, рядом с ларями с
зерном и кувшинами с сухими припасами — два
причудливых ящика с наклонными дверцами, гирями
и блоками и куском сыра с одного конца — это
жестокая, но эффективная мышеловка. У двери
винного погреба выставлены деревянные,
расширяющиеся кверху винные фужеры и штопоры для
бутылок.
ИСПОЛЬЗУЕМЫЕ ПОРОДЫ
ДРЕВЕСИНЫ.
Древесина подбиралась очень тщательно в
зависимости от назначения изделия. В учет
принималась структура древесины, ее плотность,
способность впитывать масло и другие качества. Для
коллекционера деревянных изделий домашнего
быта железное дерево всегда обладает особой
привлекательностью. Древесина этого дерева впервые
была привезена в Великобританию в 16 веке: гру-
НАБОР РАЗЛИЧНЫХ
ПРИНАДЛЕЖНОСТЕЙ
Различные породы дерева;
10а.
Слева направо: три бутылочки с
лекарствами из самшита,
бочонок из ясеня, сосуд для сидра; две
скандинавских резных коробочки;
также представлена коробочка
для пилюль, три игровых шара;
уэльская ложка и буковый черпак.
(Вверху)
КУБКИ
Различные породы дерева;
начало 18-го—начало 19 в.
Крайний слева и крайний
справа — это редкие кубки грецкого
ореха начала 19 в. с
классическим рисунком; больше
предназначены для декоративных целей,
чем для использования, и
демонстрируют естественную,
природную красоту дерева. Дубовый
кубок в центре является копией
более раннего оригинала.
Кубки меньших размеров
выполнены из ореховой скорлупы, с
декоративными металлическими
ручками и ножкой; эта пара
датируется примерно начиная с
1720 г. (Слева)
261

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
КРУЖКИ ДЛЯ ТАБАКА
Резное дерево;
ок. 1860г.
Как ночной сторож, так и
пьяный монах представляют собой
кружки для табака. (Слева)
НАБОР ПРЕДМЕТОВ
10
Здесь представлены два сосуде
из твердой древесины и две
вазы для роз из розового
дерева; переносной подсвечник;
две лакированные чайницы из
грецкого ореха; молоток и
горшочек для специй из красного
дерева. (Внизу)
зовые суда на обратном пути от Вест-Индских
островов были обычно довольно пустыми и
нуждались в балласте; было обнаружено, что железное
дерево идеально подходит для этой цели — его
древесина сохраняет в большом количестве свои
масла, она достаточно плотная и тяжелая. Если у
мастера хватало терпения и силы, чтобы работать
с этой древесиной, результат получался
ошеломляющим. Она состояла из основной темной
волокнистой структуры с яркими желтыми или
зелеными отблесками.
Древесные породы, применяемые для
.изготовления деревянных изделий домашнего быта,
менялись с годами, согласно требованиям моды. В
период правления королевы Анны (1702 — 1714)
наиболее популярным видом древесины был грецкий
орех; остальную часть столетия — красное дерево
и дуб; на рубеже столетий самым любимым было
розовое дерево; затем, в период процветания Вик-
торианства и Британской империи, использовались
все виды древесины: редкие породы дерева из
Бирмы и Южной Африки, красное дерево из Северной
Америки, твердые породы древесины из Африки,
мягкие — с Востока. Но к концу нашей эры обра-
262

ДЕРЕВЯННЫЕ ПРЕДМЕТЫ ДО
АШНЕГО БЫТА
ботанное вручную дерево становится менее
желанным средством для изготовления небольших
художественных произведений — рынок начал
заполняться ранними пластмассовыми изделиями, и век
массовой мануфактуры был не за горами.
ДРУГИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ
ДЕРЕВЯННЫХ ПРЕДМЕТОВ
ДОМАШНЕГО БЫТА
Деревянные предметы домашнего быта
производились и в других странах, хотя в меньшей
степени, чем в Великобритании, особенно в странах,
расположенных в Северном полушарии, где было
много древесины. В Швеции и Норвегии делались
оригинальные деревянные предметы из березы.
Многие из них украшены замечательной резьбой
или разукрашены красками. Голландские
деревянные предметы были очень похожи по стилю на
английские. В Германии (особенно в районе
густого Черного леса) и Швейцарии создавалось
значительное количество деревянных предметов,
большинство из которых было сильно декорировано
замысловатой резьбой. Часто эти изделия имели
весьма простодушный вид — например, резные
фигурки, с помощью которых открывали крышку
ПРЕДМЕТЫ ДЛЯ
ОБЕДЕННОГО СТОЛА
Различные породы
древесины; 10 в.
Здесь представлены три пары
обработанных открытых
солонок из красного и розового
дерева, а правее в центре —
солонка из железного дерева с
машинным декором. Наверху и
внизу пара солонок из
ореховой скорлупы и горшочки для
перца. В центре справа на
заднем плане резной поднос для
винных бутылок, а в центре
сзади масленка из оливкового
дерева. Слева дубовый горшочек
для специй, а на переднем
плане резные щипцы с головой
собаки и поднос для бутылок из
грецкого ореха.
банки с табаком, резные щипцы для колки орехов,
украшенные головами животных и гротескными
человеческими головами. Франция и Италия, хотя
и славились своей резьбой, изготавливали очень
мало деревянных предметов; их предметы
домашнего быта были большей частью из керамики.
Деревянные предметы в странах Южной Европы
делались в основном из оливкового дерева. Чисто
итальянской специальностью были изделия из
Сорренто — различные предметы, например
коробки, веера, рамы для картин, декорированные
инкрустацией из ярко разукрашенного дерева. В
течение 19 века также начали коллекционировать
сувениры из древесины оливкового дерева со
Священной земли. Одним из наиболее популярных
предметов был переносной подсвечник под
названием "Брайтонский пучок".
Иммигранты завезли деревянные предметы
домашнего быта в Северную Америку, и там они
приняли форму народного искусства. Многие из
выполняемых деревянных предметов были
сельского типа; формальные привозились из Европы.
Кроме древесины, для изготовления предметов
домашнего быта использовалась скорлупа
кокосовых и других видов заморских орехов.
263

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
Для коллекционера, собирающего трости
или стеки, как их иногда называют,
представляют интерес два основных
периода. В 17 и 18 веках трость была
символом благополучия и знатности. В 19
веке и в начале 20 века трость стала
просто данью моде. В конце 19 века
только в Лондоне было известно 30
фирм, выпускавших трости, небольшие
зонтики от солнца и аналогичные
предметы быта.
МАТЕРИАЛЫ
Трость состоит из двух частей — ручки
и стержня. Ручка всегда была главной
деталью трости — раньше ее делали из
слоновой кости, золота, серебра и
фарфора. В !9 веке выбор материалов
для ручки стал более широким: ручки
обтягивали черепаховой кожей, делали из
резного дерева, покрывали эмалью,
использовали слоновую кость и сталь.
Существовали определенные правила
пользования тростью. Трость из ротанга
носили днем: у нее был легкий прочный
стержень коричневого цвета. Вечером и в
особых случаях пользовались тростью из
твердых пород дерева, отделанных
эбеновым деревом. Сельские жители
часто вырезали трости из местных пород
ТРОСТИ
деревьев. Богатые люди имели в среднем
дюжину тростей. Многие женщины
дополняли свой туалет элегантной
тростью.
ИЗМЕНЕНИЕ
СТИЛЯ
Сегодня коллекционеры, вероятно,
могут найти самые первые трости, так
называемые пики, модные во второй
половине 17-го и начале 18 века. Трости
имели ручку из слоновой кости,
украшенную серебряными штифтами, из
которых составлялись инициалы
владельца и дата изготовления.
Трости выполняли и другие функции.
Например, с 17 века были
распространены трости с вкладной
шпагой. В начале 19 века, с развитием
науки и появлением различных
измерительных инструментов,
к трости среднего размера старались
приспособить всякие полезные
предметы — телескопы, музыкальные
инструменты, часы, табакерки,
микроскопы и пистолеты. (См. рис.)
С 40-х годов 19 века вошли в моду
трости, привезенные из стран Ближнего и
Дальнего Востока. Ручки для тростей
начали ввозить из Турции, Индии, Китая и
ТРОСТЬ-ПИКА
Слоновая кость и серебро.
Ок. 1690 г.
(Внизу крайняя слева)
КОРИЧНЕВАЯ ТРОСТЬ
ИЗ РОТАНГА.
Ок. 1770 г.
(Внизу слева)
ТРОСТИ
ВИКТОРИАНСКОЙ
ЭПОХИ
Внизу, слева направо:
— трость с ручкой из
слоновой кости в виде собачьей
головы с серебряным
ошейником. Ок. 1870.
— трость с сосудом для питья.
Ок. 1880.
— Женская трость. Ок. 1860.
— Трость-посох. Ок. 1899.
ТРОСТЬ С РУН КОЙ
В ВИДЕ ТЕЛЕСКОПА
Внутри находится компас.
Ок. 1860 г.
(Внизу справа)
ТРОСТЬ В ВИДЕ
СТВОЛА
9-МИЛЛИМЕТРОВОЙ
ПУШКИ
Отделана ротангом
Ок. 1880 г.
(Внизу крайняя справа)
V. •
1<
264

ТРОСТИ
"
Японии. Мастер, делавший трости, по
желанию заказчика прикреплял ту или
иную ручку к стержню. В Европе и
Америке декоративные ручки отличались
тщательностью отделки.
Европа по-прежнему диктовала моду
на трости, и к концу 19 века выпускалось
огромное количество тростей. (См. рис.)
В Америке трость не являлась символом
принадлежности к тому или иному классу,
их мог купить каждый. В каталоге товаров
на 1897 год предлагается вечерняя
трость "с золотой ручкой" (на самом деле
с золоченой) всего за 4,45 доллара.
Зонт от дождя в его современном виде
получил распространение в начале 19
века. Конструкцию зонта неоднократно
усовершенствовали. В 1840 году Генри
Холленд предложил стальной каркас для
зонта. Конструкцию зонта, которым мы
пользуемся в настоящее время, предложил
Сэмюэль Фокс.
ЗОНТИКИ
ОТ СОЛНЦА
и дождя
Еще в древности женщины
пользовались маленькими зонтиками для
защиты от солнца, но только в 18 веке
такие зонтики стали предметом высокой
моды. Во Франции при дворе считали
модным всегда иметь при себе
маленький зонтик. В 19 веке такие
зонтики получили широкое
распространение. Был очень популярен
складной дорожный зонтик из
хлопчатобумажной ткани, отделанный
тонким шелком и кружевами. К
сожалению, со временем такие вещи
изнашиваются.
мужской зонт
Ок. 1855 г.
ДАМСКИЙ СКЛАДНОЙ
ДОРОЖНЫЙ ЗОНТИК
Ок. 1875 г.
265

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
РАЗНООбрАЗНЫЕ И РАСПРОСТРАНЕННЫЕ ПрЕДМЕТЫ, ПРИМЕНЯЕМЫЕ
В ДОМАШНЕМ быту, ГОрШКИ, КОТЕЛКИ, ЧАЙНИКИ, КОВШИ,
черпаки и подсвечники, саеланные члаично или полностью
ИЗ РАЗЛИЧНЫХ МЕТАЛЛОВ, ДАЮТ НАМ ЯрКОЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЕ
О бЫТЕ ПРОШЕДШИХ ВрЕМЕН.
БЫТОВЫЕ МЕТАЛЛИЧЕСКИЕ ИЗДЕЛИЯ
С древних времен многие недрагоценные
металлы использовались для создания
различных бытовых изделий и принадлежностей. В этой
главе мы поговорим о меди, латуни, бронзе, сплаве
меди и никеля, олове, жести и железе.
МЕДЬ
Из меди с трудом можно что-то отлить, но
зато она легко поддается ковке и чеканке и
потому обычно используется в листовой форме.
После того, как мастер придаст изделию
определенную форму, оно при необходимости сшивается
швами, чтобы сделать его водонепроницаемым.
В средние века медь в быту использовалась
главным образом для изготовления домашней
утвари (в основном котлов — больших баков
для кипячения воды — и больших кастрюль и
тазов для приготовления пищи). Особую
популярность медь приобретает в 18 веке, когда ее
начали использовать для изготовления посуды и
других кухонных принадлежностей.
Хотя в 19 веке уже применялись заводские
методы обработки меди, многие медные изделия
выделывались отдельными мастерами в
небольших мастерских, и такие мастерские можно было
найти в каждом городе, где испытывалась
местная потребность в меди.
До 17 века вся используемая в
Великобритании медь привозилась из Европы. В США в 18
веке медь добывалась и выплавлялась в
небольших количествах и изготавливалась посуда из
меди и латуни.
ЛАТУНЬ
Латунь, сплав медь с цинком, стала
применяться в домашнем обиходе начиная с 15 века.
Нехватка минерального (ископаемого) цинка (его
месторождения были открыты лишь в конце 18
века) означала, что при выплавке латуни
приходилось использовать порошкообразный каламин
(карбонат цинка), что было дорого и занимало
много времени. До 1770-х годов в меди было не
более 30 % каламина, и многие изделия
выпускались с низким содержанием цинка.
Латунь имеет преимущество перед медью в
том, что она легко поддается литью и тверже меди,
и поэтому из нее можно делать более сложные
по форме изделия. До 19 века латунные изделия
отливали в песчаных или глиняных формах, но
НЕБОЛЬШАЯ КАСТРЮЛЯ
СРУЧКОЙ
Свинец, бронва; 17 ш.
Подобные кастрюли
использовались для приготовления пищи на
открытом огне. Ручка у данной
кастрюли простая, но на многих
образцах имелись надписи.
(Справа)
БЛЮДО
ДЛЯ ПОЖЕРТВОВАНИЙ
Нюрнберг
Сплав меди; ок. 1500 г.
Этот рисунок известен как
"Сидящая дама". Блюда или чаши
подобной формы использовались
за столом для омовения рук
между блюдами. (Внизу)
позже стали иногда применять железные формы.
Латунь широко использовалась в домашнем быту
для изготовления подсвечников, а в 18 веке из
нее стали делать самые разнообразные изделия
для повседневного использования. Некоторые
изделия вначале покрывались серебром.
Главными центрами по производству латуни
были города Аугсбург, Нюрнберг, Динан, Бель-
266

БЫТОВЫЕ МЕТАЛЛИЧЕСКИЕ ИЗДЕЛИЯ
СТУПКА И ПЕСТИК
Эдвард Нил (ступка)
Латунь; ок. 1660 г.
Подобные небольшие ступки
использовались для перемалывания
трав и специй. Мясо, рыба или
крупы перемалывались в ступках
больших размеров.
тавливались в Лондоне Литейной компанией, а
также независимыми мастерами, но после 1700
года масштаб ее производства стал гораздо более
ограниченным, чем латуни. В основном причина
этого заключалась в открытии минерального цинка
и в эффективных способах выплавки чугуна,
благодаря чему изделия из латуни и железа стали
гораздо дешевле, чем из бронзы.
СПЛАВ МЕДИ И НИКЕЛЯ
Первоначально сплав меди и никеля
применялся в Китае и внешне напоминал серебро.
Импортировался в очень ограниченном
количестве готовых изделий, а позже в больших
количествах в виде сплава, который получали в
Европе. Пропорции сплава менялись, но основой его
оставалась медь с цинковыми и никелевыми
добавками.
Сплавы меди и никеля использовались при
изготовлении декоративных предметов, например,
подсвечников, решеток, каминных приборов, и
большинство изделий повторяли формы и стили,
характерные для изделий из серебра. Эти сплавы
продолжали производить и в 19 веке, но после
1800 года они теряют свою значимость.
СПЛАВ ОЛОВА СО СВИНЦОМ
Во всех странах Европы этот материал
называют просто оловом, и лишь в Англии изобрели
специальное слово — "pewter" — для этого сплава олова
с другими элементами. Чистое олово хрупкое и с
гия. Голландия, а позднее Швеция и
Великобритания.
В 1780-е годы появился минеральный цинк, в
результате чего производство латуни сильно
выросло. Наиболее активным британским центром
стал Бристоль, но в 1850-е годы Бирмингем
становится главным мировым центром по
производству латуни для бытовых нужд.
БРОНЗА
Бронза, сплав меди и олова, обладает
многими замечательными свойствами. Она твердая,
легко поддается литью и может выдерживать
более высокие температуры, чем латунь. Бронза
использовалась для изготовления многих
бытовых предметов, в основном принадлежностей для
приготовления пищи на открытом огне. До 1750
года наиболее распространены были бронзовые
горшки и кастрюли с длинной ручкой, но
подсвечники и ступки также пользовались
популярностью.
Изделия из бронзы отливались в песчаных или
глиняных формах. Производство бронзы было
сосредоточено в тех же областях, что и
производство бытовой латуни. Выбор латуни или
бронзы в какой-то мере зависел от наличия каламина
или олова, а также от назначения предмета.
В Великобритании бронзовые изделия изго-
ПСЩСВЕЧНИК
,: ок. 1740 г.
Многие латунные подсвечники
по своему стилю повторяли
аналогичные серебряные. (Сверху)
ГОРШОК
ДЛЯ ПРИГОТОВЛЕНИЯ
ПИЩИ
Свинец, бронза; 16 в.
Ясно заметен стык, где
соединяются обе половинки
внешней формы. В 17 в.
декоративные ножки стали проще.
Иногда большие горшки и
котлы использовались для хранения
горячей воды. В небольших
горшочках делали соусы. (Вверху)
267

ПРЕДМЕТЫ ИСКУССТВА
трудом поддается литью, но с добавлением других
металлов, в основном свинца, меди или сурьмы,
или комбинации всех трех, этот сплав становится
более прочным и легче поддается обработке.
В римском сплаве такого рода было 60%
свинца, но уже в средние века почти во всех
ремесленных гильдиях, контролировавших
производство сплава олова со свинцом в Великобритании
и в Европе, были приняты одинаковые стандарты
для получения высококачественного сплава с
высоким содержанием олова (более 90%) и со
строгим ограничением количества свинца и
других металлов. Медь широко использовалась как
составная часть сплава примерно до 1720 года,
но ее редко было более 10%. Сурьма входила в
состав сплава во Франции в 16 веке, а в
Великобритании лишь начиная с 1700 года; в любом
сплаве олова ее редко было более 5%.
Изделия из сплава олова со свинцом
обычно отливались в чугунных или бронзовых
формах и затем подвергались ковке для придания
дополнительной твердости. Данный сплав
нельзя было использовать при высокой
температуре из-за его низкой температуры
плавления, но он применялся в домашнем быту для
сервировки пищи и напитков, при
изготовлении осветительных приборов и для других нужд.
Чаше всего из него делались блюда, тарелки и
блюдца, но подсвечники также оставались
популярными до 18 века.
В 19 веке с этим сплавом олова серьезно
конкурировали изделия из керамики, латуни и
серебра, но посуду из него продолжали
использовать в тавернах, и многие кружки из него
сохранились.
ГРАФИН ЧАРЛЬЗА I
•EG'
Сплав олова;
ок. 1625 г.
Многие подобные графины
использовались для причастия.
(Справа)
ГРУППА ОЛОВЯННЫХ
предметов
17 ■.
Высокая пивная кружка с
плоской крышкой декорирована
вьющимся орнаментом. Подсвечник
периода правления Чарльза II
имеет восьмиугольное
основание, стоящее на низком
подносе. Стиль шотландской мерной
кружки напоминает аналогичные
голландские. Небольшая чаша
и закрученная ножка солонки
типичны для 1690-х годов. (Слева)
268

БЫТОВЫЕ МЕТАЛЛИЧЕСКИЕ ИЗДЕЛИЯ
В 1770-е годы появился сплав "британский
металл". Этот был твердый оловянный сплав без
свинца, отличающийся от предыдущего скорее
способом производства, чем составом. Листы
металла загибались вокруг деревянного оригинала и
затем обрабатывались на токарном станке. До
настоящего времени сохранилось много чайников
и кофейников 19 века из "британского металла".
Изделия из сплавов олова были столь же
популярны в домах 17 и 18 веков, как сегодня
пластмасса. Многие оловянные изделия делались
независимыми мастерами; изделия из
"британского металла" выпускались на крупных
фабриках, которые появились в 19 веке.
ЖЕЛЕЗО
С древнейших времен железо
обрабатывалось десятками тысяч кузнецов, которые кова-
Л09ККИ
Сплав олова; 18 в.
КОФЕЙНИК
Разукрашенная и покрытая
лаком жесть; начало 18 в.
Не кождый мог позволить себе
иметь домашные бытовые
изделия из серебра и
фарфора, поэтому изделия из
листовой жести, наподобие этого
кофейника из штата
Массачусетс, разукрашенного яркими
красками и покрытого лаком,
служили прекрасной заменой.
Центры подобных жестяных
изделий располагались в
Коннектикуте, Вермонте,
Пенсильвании, Нью-Йорке и
Массачусетсе. (Внизу)
Ложка с изображением якоря и
инициалов "GH* взята из
Гринвичской больницы. Ложка с
портретом принадлежала Георгу III и
королеве Каролине. (Внизу)
ли, выплавляли из него оружие, инструменты
и изделия домашнего быта, такие, как ковши,
черпаки, ножи и шумовки. Однако железо с
трудом поддавалось литью из-за наличия в нем
углерода и других примесей, и лишь после того
как Абрахам Дарби изобрел в начале 18 века
процесс выплавки кокса, отливка чугуна стала
более эффективной и дешевой. После этого на
протяжении 18 и 19 веков чугун нашел
широкое применение. С тех времен лучше всего
сохранились закругленные горшки, ступки,
решетки и печи.
ОЛОВО
Хотя чистое олово было хрупким и с трудом
поддавалось обработке, оно применялось для
изготовления домашних бытовых предметов. В конце
18 и в 19 веках оно было особенно популярно в
США.
В 18 веке олово также использовалось в
виде белой жести (тонких листов олова,
налагаемых на очень тонкую железную основу), и
изделия из нее назывались жестяными. Они
часто раскрашивались и покрывались лаком
так, что напоминали эмалированные или
лакированные. Главными центрами по
изготовлению жестяных изделий были Понтипул и Уск
в Уэльсе, а также Германия, и в 19 веке США,
особенно Новая Англия.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться
новые работы.
Дейви, Нейл К.
Нэцкэ: обстоятельное
изучение, основанное
на собрании
М.Т. Хиндсона
Лондон, 1982
Дево, С. С.
Искусство
жестянщика
Экстон, Пенсильвания,
1981
Джентл, Р. и Фильд Р.
Английские бытовые
изделия из латуни
1684 -1810
Лондон, 1964
Хорнсби, П. Р. Г.
Коллекционирование
старинных изделий
из меди и латуни
Эшбурн, 1989
— Олово
в странах Запада
Экстон,
Пенсильвания, 1983
Джасс, Мелвин и Бетти
Изделия
из слоновой кости
и другие миниатюры
в японском искусстве
Лондон
Джон, В. Д.
и Кумбес, К.
Сплавы меди
с никелем
Ньюпорт, 1970
Кауфман, X.
Американские
изделия
из меди и латуни
Нью-Йорк, 1979
Лион-Голдшмидт,
Дейзи,
Жан-Клод Моро-Гобар
и др.
Китайское искусство:
второстепенные виды
Фрайбург и Лондон,
1966
269

Навигационные приборы
усы
J
БАрОМЕТрЫ И МЕТЕОрОАОГИЧЕСКИЕ Приборы
СОАНЕЧНЫЕ ЧАСЫ
Оптические приборы
Медицинские инструменты
Геодезические приборы
"ФиАОСОфСКИЕ" ИНСТРУМЕНТЫ
Весы и измерительные машины
Артур Миддатон
На странице: КОМПАС, ОБЪЕДИНЕННЫЙ С ИЗОГНУТЫМ РТУТНЫМ ТЕРМОМЕТРОМ. Ок. 1840 г.

КОНТРОЛЬНО-ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
КОНТРОЛЬНО-ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ
ИНСГРЖЕНТЫ
На протяжении веков ученые пользовались сложными
ИЗМЕРИТЕЛЬНЫМИ ПриборАМИ, ИЗГОТОВЛЕННЫМИ уМЕЛЫМИ
Ремесленниками. Эти приборы по прлву являются обрлзцлми
ВЫСОКОГО МАСТЕрСТВА.
Самыми первыми учеными были верховные жрецы Вавилона и
Ассирии. Три тысячи лет тому назад они изучали ночное небо, наблюдая
за движением Солнца, Луны, планет и звезд и поклоняясь звездным
светилам. Они замечали, что Венера возвращается в ту же точку на
небосклоне через 8, а Меркурий — через 46 лет. Верховные жрецы
создали календарь на 365 дней.
В конце 4 века до н. э. Александр Македонский основал в дельте
Нила город Александрию, которая стала самым крупным центром
образования в древнем мире: только библиотека Александрии содержала
свыше полумиллиона томов. В 240 году до н. э. библиотекарь Эратосфен
рассчитал, что окружность Земли составляет 25 тысяч миль. Его
расчеты оказались достаточно точными: впоследствии английский астроном
Вильям Гершель определил путем измерений, что окружность Земли
составляет 24 860 миль.
МОДЕЛЬ ПЛАНЕТАРИЯ ТЕРМОМЕТРЫ
Парке и Хэдли. Бирмингем 19 в.
Конец 19 в.
Слева — резной термометр из
Верхний чугунный диск вращо- обточенной слоновой кости со
ется вручную. Луна вращается шкалой Фаренгейта и Реомю-
вокруг Земли, которая вращоется ро. Спрова — термометр, инк-
вокруг Солнца — свечи в цент- рустированный цветным камнем.
ре диска. (Слева) Предположительно изготовлен во
Флоренции. (Вверху)
272

КОНТРОЛЬНО-ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
КОМЛЕКТ
НАСТОЛЬНЫХ ЧАСОВ
И БАРОМЕТРА
Конец 19 а.
Возрождение готического стиля.
Но серебряном циферблоте
имеется надпись: 'Слейд, Турку-
эй*. Вероятно, это подпись не
мостеро, о местного оптика и
розничного торговца.
Во 2 веке н. э. александрийский астроном Клавдий Птолемей (ок. 90 —
ок. 160 годов н. э.) высказал предположение, что Солнце вращается
вокруг Земли. Только 1300 лет спустя, в эпоху Ренессанса, стали проодить
серьезные научные исследования: мореплаватели хотели знать, что
находится на другом конце земли. Кроме того, труды Птолемея перевели с
греческого языка на латынь, понятную большинству ученых. Труды
Птолемея, опубликованные в Риме в 1496 году, оказали огромное влияние на
Коперника в Польше и Галилея в Италии.
Формирование современного научного мышления проходило на
протяжении веков начиная с конца 15 века. Догадки Коперника подтвердил
Иоганн Кеплер (1571 — 1630), который вывел закон "движения
планет". В 17 веке были достигнуты огромные успехи в области изучения
земной поверхности. С глобуса, на котором во времена Птолемея было
обозначено только Средиземное море, стали быстро исчезать белые
пятна. В 18 веке впервые появились ученые как таковые.
К середине 19 века средства исследования и открытий были
значительно усовершенствованы. Например, конструкция телескопа стала
настолько совершенной, что в 1846 году немецкий астроном Иоганн Галле
(1812 — 1910) открыл планету Нептун, находящуюся на расстоянии
4350 млн км от Земли.
Очень немногие знатоки собирают старинные приборы для контроля
и измерений, которые ценятся за тонкую работу и материалы, из
которых они сделаны, — красное дерево, латунь, серебро и золото. В 18 веке
были созданы прекрасные приборы, которые можно приобрести в
настоящее время, хотя их немного и цены на них постоянно растут.
По сравнению с картинами и старинной мебелью приборы для
научных исследований всегда недооценивали. Например, редкие карманные
солнечные часы выдающегося мастера 17 века могут продаваться за
половину цены на самой лучшей картины Ван Гога. Некоторые
коллекционеры собирают инструменты из какой-то конкретной области — первые
почтовые весы, старинные электрические приборы, медицинские
инструменты с ручками из черного дерева или слоновой кости и даже первые
рентгеновские аппараты.
ГЕЛИОГРАФ
Англия
Ок. 1920 г.
Позади стеклянной сферы
находится светочувствительная бума-
го, лучи солнца оставляют но ней
тонкие линии. Прибор был
продан в Италию.
273

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
В океане нет ориентиров, и только создание соответствующих
навигационных приборов позволило совершить все открытия
1 8 СТОЛЕТИЯ.
НАВИГАЦИОННЫЕ ПРИБОРЫ
Древние мореплаватели Европы и Среднего
Востока ориентировались в основном по
звездам. В 11 веке н. э. арабские моряки,
которые давно плавали по Индийскому океану,
встречали китайцев, у которых был навигационный
инструмент — компас. Еще в 1 веке н. э.
китайцы использовали природные магниты
(магнитный железняк) для определения северного
направления. Первым примитивным компасом был
простой кусок намагниченного железа на
соломенной подстилке в сосуде с водой. Многие
коллекционеры старинных морских приборов
включают магнитный железняк в свои коллекции.
В 11 и 12 веках компас получил широкое
распространение в арабских странах Северной
Африки и в Западной Европе. Конструкцию компаса
усовершенствовали — теперь он представлял
собой намагниченную стрелку на штифте. Позднее
штифт стали приклеивать к круглой картушке с
указанием частей света, и стрелка могла
вращаться. В 16 веке французские моряки использовали
универсальный шарнир —
самовыравнивающееся приспособление с кольцами и центровыми
опорами, которое во время шторма удерживало
компас в горизонтальном положении. Большие
судовые компасы помещали в нактоуз — ящик из
тикового дерева, установленный на уровне глаз
рулевого. В зависимости от тоннажа судна или
тщеславия его владельца нактоуз вырезали в виде
фигуры матроса или трех играющих дельфинов,
которые поддерживали компас своими хвостами.
Когда в 19 веке появились бронированные суда,
КАРМАННЫЕ КОМПАСЫ
Латунь. 19 в.
Вверху слева — прибор фирмы
*Уоткинс и Хилл* из Чаринг
Кросса. Вверху справа — компас с
эмалевой шкалой. Компас внизу
слева имеет бумажную печатную
картушку и стрелку иэ вороненой
стали. Внизу в центре —
карманные солнечные часы с печатной
бумажной картушкой, гномом и
выпуклым стеклом. Средний
диаметр компасов — 6 см.
274

НАВИГАЦИОННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
НАКТОУЗ КОМПАСА
Латунь и тик. 1920
Нактоуз снабжен
электроприбором для освещения в ночное
время. По бокам размещены
металлические шары, нейтрализующие
воздействие брони на работу
компаса. За надежность моряки
окрестили нактоуз 'Верным
Фредди". Высота нактоуза — 46
см. Предназначен только для
каботажных и рыбачьих судов.
(Справа)
КОМПАС
Латунь. Ок. 1835 -1840 г.
Бумажная печатная картушка
снабжена -высококачественной
гровировкой по стали. Такие
компасы брали в шлюпки,
отправлявшиеся на берег. Чарлз
Дарвин, сходя на берег для
исследования прибрежных земель,
пользовался аналогичным
компасом. (Вверху)
потребовалось нейтрализовать влияние брони на
магнитную стрелку. С каждой стороны нактоуза
установили железные шары.
ПРИБОРЫ ДЛЯ ОПРЕДЕЛЕНИЯ
ШИРОТЫ
Арабы изобрели первый прибор для
определения высоты небесных тел над уровнем моря —
астролябию. (См. стр. 16). С 11 века моряки
пользовались небольшими астролябиями для
определения высоты солнца в полдень, чтобы по
ней определить широту. В 16 веке Магеллан взял
в свое первое кругосветное путешествие 24
астролябии, и каждый корабль испанской армады
имел на борту несколько таких приборов. В
настоящее время в музеях или частных коллекциях
сохранилось только 66 подлинных приборов,
которые датируются 1600 — 1640 годами.
На смену астролябии пришла
горизонтальная нивелирная рейка, которая обладала тем
же недостатком: чтобы пользоваться ею,
нужно смотреть непосредственно на солнце. В
тропиках это не только трудно, но и опасно.
Затем разработали нивелирную рейку, по
которой можно определять высоту, отвернувшись
от солнца. Угол отклонения солнца
определяли по теням, которые отбрасывали два
подвижных флюгера на внешний градуированный круг.
Значительное количество таких нивелирных
реек было создано в 17 и 18 веках. В
настоящее время их еще можно найти. Почти все
рейки были сделаны из железного дерева и име-

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ли гравированную шкалу из самшита. Редкие
экземпляры выполнены из слоновой кости и
грушевого дерева.
В 1750 году Джеймс Хедли в Англии и
братья Барадель во Франции создали
усовершенствованный вариант нивелирной рейки —
квадрант. Пользуясь этим треугольным прибором,
можно было смотреть прямо на солнце, так как
что наборы фильтров не пропускали опасное
сияние. Прибор сохранял свою форму в течение
многих лет. Основные изменения произошли в
18 веке, когда приборы стали делать из латуни,
а не из красного или черного дерева. Латунные
приборы меньше нагревались в тропиках.
В 18 веке внедрение делительных машин
позволило наносить на шкалу приборов
мелкомасштабные деления. Для нанесения таких
делений оптимально подходила шкала из
драгоценных металлов, тогда корпус приходилось делать
из латуни: непрактично вставлять
металлическую шкалу в деревянный корпус. Однако
найдены старинные секстанты со шкалой из
слоновой кости в латунном корпусе, и эти
приборы находятся в неудовлетворительном
состоянии. Найдены также секстанты в корпусе из
черного дерева, которые были включены в
каталоги изготовителей до середины 19 века, так
как они были очень популярны у старомодных
капитанов судов.
ПРИБОРЫ ДЛЯ ОПРЕДЕЛЕНИЯ
ДОЛГОТЫ
Долгота — это расстояние к западу или к
востоку от нулевого меридиана, воображаемая
линия, соединяющая оба полюса и проходящая
через местечко Гринвич, недалеко от Лондона.
В океане долготу определяли путем сравнения
местного времени, устанавливаемого по солнцу,
с временем по Гринвичу, которое показывали
часы, точно сверяемые в порту отправки судна.
Однако движение судна и колебания
температуры приводили к тому, что в море часы не могли
ходить точно. Поэтому в 1759 году английский
часовой мастер Джон Гаррисон (1693 — 1776)
СЕКСТАНТ
Фирма "Хит и Ко.", Нью-Элтам
Латунь. Конец 19 в.
Секстант вместе со всеми
принадлежностями продавался в
хорошо пригнанном ящике иэ
красного дерева с латунными
краями.
СЕКСТАНТ
Латунь и слоновая кость
19 в.
Надпись на инструменте,
вероятно, обозначает не имя
изготовителя, а имя торговца.

НАВИГАЦИОННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
МОРСКОЙ ХРОНОМЕТР
С ПРОДОЛЖИТЕЛЬНОСТЬЮ
ХОДА 8 ДНЕЙ
Надпись: "Баруайз, Лондон"
Красное дерево
и посеребренный металл.
Конец 19 в.
Два /маленьких циферблата при
подзаводе показывают секунды.
Хронометры высокого качества
имеют продолжительность хода 8
дней. Обычная
продолжительность хода — 56 часов. (Вверху)
ПОЛУЧАСОВЫЕ
ПЕСОЧНЫЕ ЧАСЫ
Корпус из сосны и резного
дуба
Ок. 1820г.
Песочные часы были проданы
фирмой "У. Лоу, оптика и
бинокли*, 182, Алпер стр., Ислингтон.
(Вверху справа)
усовершенствовал хронометр, который
показывал точное время в любых условиях.
Хронометр был снабжен баланс-спиралью,
устойчивой к колебанию температуры. Ходовой
механизм был помещен в латунный шар,
поддерживаемый двумя карданными подвесами.
Квадратный внешний корпус делали из
красного и розового дерева или из ствола кокосовой
пальмы, растущей на Коромандельском берегу
п-ова Индостан. Углы корпуса были украшены
латунью. Хронометр имел главный циферблат с
золотыми стрелками и два циферблата
поменьше — один с делениями на 12, другой — на б
часов, которые при подзаводе показывали
секунды. Продолжительность хода обычно
составляла 56 часов, иногда — 8 дней.
ПРОЧИЕ
НАВИГАЦИОННЫЕ ПРИБОРЫ
На протяжении веков скорость движения
судна определяли очень просто. Сначала с носа
судна бросали за борт щепку и измеряли время,
за которое она достигала кормы. Позже
использовали привязанный к канату поплавок, вес
которого был известен. Время разматывания
канатов измеряли по песочным часам в
деревянном или латунном корпусе. В конце 18 века
появился "механический" лаг, который вращался
в воде, а число вращений считали по солнечным
часам, установленным на корме. Более поздние
модели лага были снабжены счетчиком
оборотов. В конце 19 века лаги получили названия:
например, "Нептун", "Трезубец" или "Гарпун".
Сегодня лаги, как и морские песочные часы,
можно найти на аукционах, где продаются
предметы морского быта.
Чтобы проложить курс корабля на карте,
обычно пользовались латунными измерительными
циркулями с металлическими концами.
Крон-циркули имели конец в форме луковицы.
Параллельные измерительные линейки были снабжены
латунными шарнирами. Некоторые из них имели
шкалу на 180 градусов с делениями по трем
сторонам. Иногда использовали латунный или
серебряный круглый гониометр со шкалой на 360
градусов. Латунный гониометр с двумя длинными
подвижными стрелками указывал координаты и
использовался для прокладывания курса.

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Глобус, САМОЕ уДОбнОЕ СрЕДСТВО ЗНАКОМСТВА С КАрТОЙ ЗВЕЗДНОГО
не6а, приобрел свою привычную форму только в 17 веке,
КОГДА НАЧАЛОСЬ МАССОВОЕ ПРОИЗВОДСТВО ГЛОбуСОВ.
ГЛОБУСЫ
НЕБОЛЬШОЙ
НАСТОЛЬНЫЙ ГЛОБУС
Англия
50-е гг. 19 е.
На картушке надпись: 'Земной
глобус Мелби. Отмечены все
самые последние открытия,
подлинность которых установлена,
включая географические открытия...
Лондон 1854*.
После падения римской империи
Александрия быстро пришла в упадок, однако
система знаний Древней Греции послужила
основой для развития географии, астрономии и
философии исламского государства. Исламские
мастера делали великолепные глобусы из
серебра, меди и латуни и выгравировывали на
них контуры созвездий, открытых древними
греками.
ЗЕМНЫЕ
ГЛОБУСЫ
Еще в 6 веке до н. э. греческий математик и
философ Пифагор предположил, что Земля
круглая, а в 3 веке до н. э. астроном и географ
Эратосфен с удивительной точностью измерил
окружность Земли. Известно, что греки делали
карты звездного неба и земные глобусы.
Известно, что много столетий спустя император Карл
I (около 742 — 814) имел небольшой
серебряный глобус (утраченный для последующих
поколений). Однако трудно доказать, что в
средние века делали и другие глобусы. В 1492 году
Мартина Бехейма из Нюрнберга,
вернувшегося из путешествия по западному побережью
Африки, пригласили в городской муниципалитет
и предложили сделать глобус, чтобы отмечать
на нем все открытия. Этот глобус и сейчас
хранится в Нюрнберге — самый древний
дошедший до нас глобус диаметром 51 см, сделанный
из оштукатуренных деревянных обручей.
Внешние сферы глобуса покрыты полосками
пергамента, на которые художник Георг Глокентон
нанес карту Земли. Мастера поторопились
указать на глобусе Вест-Индию, открытую в 1492
году Колумбом и ошибочно принятую им за
Индию. Самые отдаленные области западного
побережья Атлантического океана
представляют собой белые пятна и украшены силуэтами
кораблей и изображениями фантастических
морских чудовищ.
Самый первый английский глобус,
датируемый 1592 годом, находится в Петуорт Хаус, гр.
Сассекс. На нем обозначен путь корабля
Фрэнсиса Дрейка, совершившего кругосветное
путешествие в 1577 — 1580 годах, но вновь
созданная колония в Виргинии только намечена,
не указано, на какой широте она лежит, чтобы
скрыть ее местонахождение от испанцев.
Голландские глобусы. В 1492 году
король Фердинанд изгнал последних мусульман
из Испании, мусульмане захватили Иудею.
Учителя, ученые, мастера, делавшие
измерительные приборы для научных
исследований, и в том числе мастера, создававшие
карты и глобусы, были вынуждены бежать.
Многие бежали в Голландию. Мастера, делавшие
глобусы, создали свой центр, который в
течение 300 лет оставался крупнейшим в
Европе. В 1536 году голландский математик и
астроном Гемма Фризиус изготовил земной
глобус диаметром 37 см. Два глобуса Фри-
зиуса хранились в городке Цербст, недалеко
от Лейпцига, но они погибли в 1945 году.
Учеником Фризиуса был фламандский мастер
инструментов Герардус Меркатор (1512 — 1594),
впоследствии прославившийся своим картами.
Он тоже делал глобусы — первый земной
глобус в 1541 году и небесный глобус —
десять лет спустя.
278

ГЛОБУСЫ
Голландские глобусы продавали по всей
Европе. В 1607 году голландские мастера Хен-
дрик ван Лангрен (1573 — 1640) и его шурин
Якоб Рейерз договорились сделать вместе 300
пар небольших глобусов (один небесный и
один земной глобус). По тем временам это
был очень большой труд, несмотря на
хорошо развитое печатное дело, которое
ускоряло производство глобусов. Треугольные
листы снимали с печатной машины, разрезали
ножом и наклеивали на сферическую
поверхность. Самые первые европейские глобусы
были деревянными сферами, обточенными на
станке. По мере увеличения размеров
глобусы становились тяжелее, при экстремальных
температурах они деформировались или
трескались. Поэтому деревянные сферы
заменили полыми шарами, которые обтягивали
сеткой, штукатурили и наклеивали печатные
изображения карты Земли. Деревянный
стержень служил осью, соединявшей оба полюса.
С помощью стержня глобус крепился в
латунном кольце, которое вместе с глобусом
вращалось в деревянной раме, позволяя
обозревать поверхность. Из 600 глобусов,
изготовленных ван Лангреном и Рейерзом,
сохранилась только одна пара: небесный глобус
хранится во Франкфурте, в Германии, земной
глобус — в Безансоне, во Франции.
Другим известным голландским мастером
был Биллем Янсзоон Блау (1571-1638). В 1602
году он предложил пару глобусов
Адмиралтейству провинции Зеландия "...для поощрения
мореплавания и процветания этих земель..." Но
моряки относились к глобусам с подозрением.
Ост-Индская компания требовала, чтобы на
каждом из ее судов была пара глобусов, но
большинство капитанов предпочитало пользоваться
обычными картами. Во время шторма их всегда
можно было свернуть и спрятать. Фактически
глобусы чаще всего использовали как наглядное
пособие для изучения географии либо как
модное украшение загородного дома богатого
джентльмена. Недавно была составлена таблица
нахождения старинных глобусов в странах
Европы. Оказалось, что несколько глобусов
хранятся в Голландии и Великобритании, отдельные
экземпляры — во Франции и Испании. Из
таблицы видно, что значительное число глобусов
находится в странах Центральной Европы —
Австрии и Германии (в Баварии, Богемии,
Саксонии и Силезии). Эти страны не имеют истории
мореплавания, но в прошлом в них было
хорошо развито образование.
Изменение карты земного глобуса. К
концу 17 века на глобусе были указаны
контуры основных континентов, но географические
особенности суши, очертания побережья
северной части России и Канады, точные очертания
Австралии и Новой Зеландии появились на
глобусе 100 лет спустя. Британское и голландское
отделения Ост-Индской компании посылали
торговые суда на восток — в Индию, на Яву,
Суматру, на Филиппины и в Китай, и эти области
были достаточно подробно обозначены на
глобусе. Но торговые пути на запад были еще мало
изучены.
В 18 веке произошли великие открытия в
бассейне Тихого океана. До 40-х годов 19 века
на глобусах пунктиром указывали пути
следования мореплавателей, например: "...Плавание
капитана Кука, поиски Северо-западного
прохода: 1778" или "Маршрут капитана
Ванкувера, апрель 1792". На больших глобусах были
обозначены группы островов с приведением
кратких сведений о них, например: "Острова
лорда Окленда, открыты в 1806 г.
Необитаемы" или "Мария Лайара, открыты судном
"Геркулес", густонаселенные".
В 18 веке стали особенно популярны
карманные глобусы, чисто английское изобретение.
Первые экземпляры изготовил Джозеф Моксон
в 90-х годах 17 века. Диаметр черного шара с
чешуйчатой поверхностью составлял не более
7-10 см. Шар раскрывался на две полые
сферические половины, к каждой из которых была
приклеена карта неба с обозначением
известных небесных светил. На более позднем
"Новом глобусе Земли Р. Куши, 1731" показана
только часть Австралии, названная Новой
Голландией, а полуостров Калифорния обозначен
как остров. Северное побережье Канады и
Аляски представлено в виде белых пятен с указани-
ПАРА ГЛОБУСОВ
Мастер Смит из Лондона
Подставки из красного
дерева. Ок. 1870
На земном глобусе отмечены
'последние открытия в Австралии,
Африке и Арктической области,
указаны морские течения". На
небесном глобусе указаны
размеры и положение звезд на небе
по "Майеру, Гершелю и Брэдли*.
Диаметр каждого глобуса — 30
см. (Вверху)
ДВА КАРМАННЫХ
ГЛОБУСА
Чешуйчатый корпус. 18 в.
Глобус вверху, изготовленный
мастером Кэри, датируется 1791
г. На внутренней стороне сферы
имеется таблица широт и долгот.
Глобус внизу, сделанный Натани-
елем Хиллом, дотируется 1754 г.
Диаметр обоих глобусов — 7,5
см. (Слева)
279

КОНТРОЛЬНО-ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ем: "Неизвестные области". Двадцать лет
спустя на "Новом глобусе Натаниеля Хилла, 1754"
большинство ошибок исправлено, Калифорния
обозначена как полуостров. К 40-м годам 19 века
карманные глобусы вышли из моды.
Глобусы 19 века интересны тем, какие
земли на них не отмечены. Последний континент,
который исследовали европейцы, — это
Африка. В 18 веке был основан Кейптаун, и в это же
время на Западе началась торговля рабами. Но
только в 19 веке состоялось настоящее
освоение Африки, сначала областей по рекам Нигер
и Нил. На глобусах 40-х и 50-х годов 19 века
отмечено несколько больших озер Африки, но
часто местонахождение озер и их форма
указаны неправильно. На глобусах начала 50-х
годов 19 века до 1865 года устье Нила
указывалось пунктиром. Затем на глобусе появились
озера Виктория и Ньяса.
На глобусы конца 19 века и до 1914 года
наносились результаты "освоения Африки".
280
НАСТОЛЬНЫЕ
ГЛОБУСЫ
Ж. Лвбвк, Париж
Конец 10 в.
На земном глобусе указаны
морские течения и трассы судов, но
небесном — основные планеты
(не в виде изображений) и
Млечный Путь. (Вверху)
ЧАСЫ-ГЛОБУС
Запатентованы в 1906 г. Часы
показывают время в любой части
света. Луна вращается вокруг
Земли. Часовой механизм скрыт
в основании. (Слева)

ГЛОБУСЫ
Франция контролировала северные территории
на побережье Средиземного моря, Англия
присоединила Египет, Судан и обширные области
Центральной и Южной Африки, Германия
контролировала Танганьику и области на востоке,
Испания и Португалия — небольшие области
на юго-западе Африки. Открытие Суэцкого
канала в 1869 году обеспечило быстрый путь в
Индию и на Дальний Восток, что было очень
важно. На многих глобусах конца 19 века
указаны морские пути судов по Средиземному морю
и дальше на юг через Красное море.
НЕБЕСНЫЕ
ГЛОБУСЫ
Из небесных глобусов древних греков до нас
дошел только один глобус, который можно
датировать с определенной степенью
достоверности. Это Атлант Фарнезский — мраморная
сфера, которая покоится на плечах атланта.
Глобус хранится в галерее Уффици, во
Флоренции.
Во 2 веке н.э. Птолемей в своем звездном
каталоге описал 48 созвездий. До 1515 года
существовали весьма скудные представления об
этих группах звезд, их изображали в виде
точек, соединенных линиями, ограничивающими
конфигурацию созвездия. Затем немецкий
художник и гравер Альбрехт Дюрер опубликовал
первые две таблицы звезд, в которых созвездия
представлены в виде живописных изображений,
раскрашенных вручную. Гравюры Дюрера
послужили основой для составления карт звездного неба
и небесных глобусов. Ими пользовались на
протяжении 400 лет. На глобусах 17-го и 18 веков
изображения созвездий выглядели очень
привлекательно, помогая изучать ночное небо.
В середине 18 века французский священник
и астроном Никола Луи Лакайль дал
систематизированное описание южного неба. В
течение двух лет он проводил свои наблюдения и
составил каталог с указанием положения 10
тысяч новых созвездий. Лакайль именовал их
по названиям приборов и конкретных предме-
ДЕТАЛЬ НЕБЕСНОГО
ГЛОБУСА КЭРИ
1818
Положение небесных светил но
этом глобусе диаметром 38 см
было вычислено в 1820 г.
Созвездия представлены в виде
живописных изображений. Вверху: Рысь
и Малый Лев, видна часть
Большой Медведицы. В центре, слева
направо: Близнецы, Рак и
Большой Лев, с частью созвездий
Гидра Секстант внизу под ними.
Вверху справа: часть меридианного
круга, внизу — часть круга
горизонта, на котором указаны
месяцы сентябрь, октябрь и ноябрь.

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
НЕБЕСНЫЙ ГЛОБУС
Гемма Фрисиус.
16 в.
В Южном полушарии отмечено
относительно мало небесных
светил. Многие созвездия будут
идентифицированы и получат
назвонил только через 200 лет.
тов из разных отраслей науки и искусства. Его
названия быстро вошли в употребление, и с
60-х годов 18 века латинские названия новых
созвездий Южного полушария стали указывать
на небесных глобусах.
Большинство людей понимало значение
латинских названий небесных светил: Октант (уг-
лоизмерительный инструмент), (Химическая)
Печь и Электрическая машина. Мастера,
делавшие глобусы, получили возможность
рекламировать свои изделия, продавая глобусы, на
которых в виде созвездий были якобы
представлены новые товары. Например, Джордж Адаме
из Лондона утверждал, что созвездие (Водяной)
Насос названо так в честь его нового прибора.
Небесные глобусы 18 века, как и приборы
для контроля и измерений, привлекают больше
внимания, чем инструменты других веков. К
концу 19 века глобусы стали более
функциональными и меньше радуют глаз своей
отделкой. На пороге 20 века небесные глобусы
обрели первоначальный вид — созвездия
представлены на них в виде группы точек,
ограниченных замкнутыми линиями.
282

ГЛОБУСЫ
АСТРОЛЯБИИ И ПЛАНЕТАРИИ
Сегодня редко можно встретить подлинную
астролябию, древний инструмент для
определения высоты небесных светил, а
значит, и времени. Астролябия представляет
собой плоскую латунную пластинку
размером от 7 до 30 см, на которой
выгравирована карта звездного неба на
арабском, персидском или древнеиндийском
языке. На наиболее редких европейских
астролябиях даны латинские названия
небесных светил. На передней стороне
выгравированы карты с указанием широт.
Астролябии очень дорогие, и при покупке
следует опасаться подделок.
Планетарий представляет собой
механическую масштабную модель
Солнечной системы, изобретенную в
начале 18 века английским мастером
Георгом Грэхемом (ум. 1751). В 1712 году
Джон Роули сделал планетарий для своего
покровителя Чарлза Бойла, графа
Оррерского, который назвал инструмент
своим именем. Планетарий показывает
движение планет вокруг Солнца. Немногие
модели, которые можно видеть в продаже
МЕХАНИЧЕСКИЙ
ПЛАНЕТАРИЙ
Фирма 'Георг Филипп
и сын", Лондон
Конец 19 в. (Справа)
в настоящее время, в основном имеют
одинаковую конструкцию. Латунный
цилиндр около 25 см в поперечнике,
поддерживаемый латунной опорой на трех
изогнутых ножках, снабжен приводным
механизмом и ручкой из слоновой кости,
которая находится сбоку. При вращении
ручки из середины цилиндра выдвигаются
горизонтальные консоли. На конце каждой
консоли закреплена модель планеты.
Планеты с разной скоростью вращаются
вокруг Солнца, которое находится в
центре. В моделях, построенных после
1781 года, наиболее удаленной от Солнца
планетой является Уран, открытый как раз
в 1781 году. В более ранних моделях
планетария самой удаленной от Солнца
планетой был Сатурн. Нептун, который
находится гораздо дальше от Солнца, был
открыт в 1846 году. Чтобы показать планету
Нептун на модели планетария, нужно было
устанавливать очень длинную консоль.
Поэтому на моделях того времени планета
Нептун отсутствует.
ПЛАНИСФЕРА
Франция
Латунь и чугун.
Середина 19 в. (Внизу)
ПЛАНЕТАРИИ
Джон Шоу. Ланкашир
Около 1868 г. (Внизу)
283

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
На вопрос "Какая будет погода?" ученые научились отвечать
ЕЩЕ В 1 7 ВЕКЕ, ПОЛЬЗУЯСЬ НОВЫМИ ИЗМЕРИТЕЛЬНЫМИ
ИНСТРУМЕНТАМИ.
БАРОМЕТРЫ И МЕТЕОРОЛОГИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
В 1641 году Галилео Галилей (1564-1642)
пригласил итальянского врача Торричелли
(1608-1647) работать вместе с ним. После
смерти Галилея Торричелли нашел в его бумагах
записи об экспериментах по измерению
атмосферного давления и решил продолжить
исследования. Он брал длинную тонкую трубку,
наполненную водой, переворачивал ее и опускал
открытый конец трубки в сосуд с водой.
Торричелли заметил, что уровень воды в верхней
части трубки понизился и там образовался
некоторый вакуум. Однако вода не выливалась
из трубки, потому что вода в сосуде
находилась под атмосферным давлением. Таким
способом можно удерживать воду в трубке
высотой более 9 м. Торричелли обнаружил, что если
вместо воды заполнить трубку ртутью и
опустить в сосуд, то максимальная высота
ртутного столбика составляет около 75 см. Ученый
сделал трубку, в которой уровень ртутного
столбика понижается или повышается в
зависимости от изменений атмосферного давления,
то есть сделал первый барометр. Однако
Торричелли не догадался снабдить трубку шкалой
для измерения высоты ртутного столба. Уже
после его смерти это сделал знаменитый
французский философ и ученый Рене Декарт (1596-
1650).
РТУТНЫЕ БАРОМЕТРЫ
Ирландский ученый Роберт Бойль (1627-
1691) предложил использовать в Англии
ртутные барометры — стандартные трубки,
заполненные ртутью, с вакуумом в верхней части.
Роберт Гук (1635-1703), его помощник,
усовершенствовал форму прибора и создал
барометры в форме "колеса" или "банджо". Трубка
имела внизу U-образную форму, и столбик
ртути был подвижным. Поплавок в верхней части
ртутного столба с помощью нити был соединен
с противовесом. При изменении высоты
ртутного столба противовес приводил в действие
указатель на шкале. Можно было использовать
шкалу диаметром до 45 см (обычно около 30
см) и точно регистрировать изменение высоты
ртутного столба, а значит, и атмосферное
давление. Хотя Гука назначили руководителем
экспериментальной лаборатории при вновь
созданном Королевском научном обществе, его
барометр медленно находил признание. Он был
дорогим, нить застревала в блоке. С барометра с
вертикальной трубкой было легче снимать
показания, хотя он и был менее точным.
Первые барометры обоих типов поступили
в продажу в 1680-1680 годах. Большинство
дошедших до нас барометров периода
правления Бильгельма III Оранского (1688-1702) и
королевы Анны (1702-1714) были целиком из
дерева или отделаны под орех. Часовые
мастера и мастера, делавшие приборы, отмечали,
БАРОМЕТРЫ
Слева направо: барометр с
вертикальной трубкой и
закругленной верхней частью в корпусе из
ствола кокосовой пальмы, около
1840; барометр с вертикальной
трубкой в дубовом корпусе с
зубчатым верхом в готическом стиле
викторианской эпохи и костяной
шкалой, около 1880; редкий
барометр с вертикальной трубкой
в перевернутом корпусе
красного дерева, с латунной
посеребренной шкалой на коротком
колене, соединенном с корпусом,
около 1810; барометр Доллон-
да с вертикальной трубкой в
корпусе красного дерева. Ок. 1780.
284

БАРОМЕТРЫ И
ЕТЕОРОЛОГИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
что сбыт барометров начала медленно расти.
Дошедшие до нас диаграммы сбыта
показывают резкое увеличение объема продаж. В 1 ZOO-
IT 10 годах Даниель Кваре создал элегантный
настольный барометр с вертикальной трубкой
в корпусе из слоновой кости с четырьмя
короткими ножками. Такие барометры теперь
чрезвычайно редки.
В последующие 200 лет продавали как
барометры с вертикальной трубкой, так и
барометры с круглой шкалой. Они почти не
отличались формой корпуса: изготовители пришли к
выводу, что корпус барометра должен
соответствовать высоте ртутного столба порядка 75 см.
Французские мастера помещали механизм Гука
в резной деревянный золоченный корпус
овальной или круглой формы. Деления на
бумажную шкалу наносились чернилами вручную, и
мастер (или торговец) добавлял свое имя или
указывал: "Изобретение Торричелли".
В Англии Сэмюэль Морланд сделал другой
вариант барометра. Он заметил, что ртутный
столбик может перемещаться в зависимости от
формы стеклянной трубки. Морланд изогнул
трубку под углом 75 градусов: если в
барометре с вертикальной трубкой ртутный столбик
поднимался на дюйм, в отогнутом конце трубки
ртутный столбик перемещался на 12 дюймов
(30 см). Такие барометры называли
барометрами с изогнутой трубкой. В 18 веке некоторые
РТУТНЫЙ БАРОМЕТР
С КРУГЛОЙ ШКАЛОЙ
Фирма "Нвгрвтти и Ко".
Англия
Ок. 1800 г. (Вверху слева)
РТУТНЫЙ БАРОМЕТР
С КРУГЛОЙ ШКАЛОЙ
Ок. 1840 г.
(Вверху в середине)
РТУТНЫЙ БАРОМЕТР
С КРУГЛОЙ ШКАЛОЙ
Ок. 1795г.
На шкале выгравировано: "Крещ.
Ронкелли'. (Вверху справа)
285

БАРОМЕТРЫ И
ЕТЕОРОЛОГИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
шер очистил барометр от снега, то увидел, что
он показывает 28 см. Наблюдатели на земле
отказывались верить ему, пока другие
измерительные приборы на борту не подтвердили
утверждение Глейшера. Обычные барометры,
используемые как альтиметры, рассчитаны на
высоту 4500 м, вполне достаточную для
научных исследований. Увеселительные прогулки на
воздушном шаре совершают на высоте менее 3
тысяч метров.
Когда Чарлз Дарвин в 30-х годах 18 века
совершал путешествие в Южную Америку,
капитаном "Бигля" был лейтенант Фицрой.
Впоследствии он стал адмиралом и был назначен
руководителем метеорологической службы при
министерстве торговли. Фицрой создал
барометр, носящий его имя, — с печатной
бумажной шкалой и "Указаниями", как предсказывать
погоду. Указания о прогнозе погоды по
повышению давления были записаны с левой
стороны, замечания о прогнозе погоды по
понижению давления — с правой. В настоящее время
можно встретить барометры Фицроя в дубовом
корпусе с резной верхней частью в готическом
стиле Викторианской эпохи.
БАРОМЕТРЫ-АНЕРОИДЫ
Путешественники изобрели портативный
барометр. В 1698 году немецкий философ и
ученый Готфрид фон Лейбниц (1646-1716)
откачал часть воздуха из двух сильфонов и снова
запаял их, создав частичный вакуум. При
изменении атмосферного давления сильфоны
сжимались или расширялись, изменение состояния
сильфонов измерялось по шкале. Так был
создан первый барометр-анероид и определен
основной принцип его работы. Размеры прибора
уменьшили, сделав его карманным, но до конца
18 века удачные прототипы не появились. В
конце века к изобретению Лейбница обратился
профессор Французской школы воздухоплавания
Никола Конте, потому что ртутные барометры
показывали сильные колебания давления во
время полетов. Конте сделал первый действующий
барометр-анероид, который, однако, был очень
подвержен колебаниям температуры. Этот
прибор не изготовляли для продажи.
В середине 19 века француз Люсьен Видье
решил создать прототип коммерческого
барометра-анероида, который должен был изготовить
Бреге. Видье получил патент на прототипную
модель сначала во Франции (в 1845 году), а
пять лет спустя — ив Англии, где прибор
прошел испытания на крыше собора Св. Павла и в
поезде, курсировавшем по северу и
северо-западу Шотландии. На всех остановках поезда
показания барометра-анероида сравнивали с
показаниями ртутного барометра с учетом
допустимых отклонений.
Французский ученый Эжен Бурдон (1804—
БАРОМЕТР-АНЕРОИД
Англия
Латунь и орех. Ок. 1800 г.
Предназначен для украшения
стола, каминной или книжной
полки. Посеребренная шкала,
рассчитанная но 71-78 см. Под
шкалой размещены два
термометра: спиртовой — для
измерения по шкале Цельсия (слева) и
ртутный — для измерения по
школе Фаренгейта (справа). Прибор
такого типо был популярен,
потому что можно было видеть, как
он работает. Круглая
гофрированная анероидная камера
расположена сзади. Незначительное
движение камеры при изменении
атмосферного давления
усиливается при взмахе руки.
Дополнительная стрелка позволяет
сравнивать показания с показаниями
предыдущего дня.
287

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
1884) решил использовать принцип
герметичной камеры с частичным вакуумом в
барометре со спиральной трубкой на два с половиной
витка; размер трубки составлял 37 см. Один
из двух приборов, изготовленных им, Бурдон
предложил мэрии Парижа, где его можно
видеть и сейчас. Многие коллекционеры
считают приборы Бурдона более элегантными, чем
барометры Видье плоской формы. Даже если
это и так, антиквары не в состоянии оценить
эстетические различия в приборах, и стоимость
барометра-анероида Бурдона чаще всего не
выше стоимости приборов других типов.
Карманные барометры-анероиды имели
самую разную форму. Некоторые — не очень
маленькие, диаметром не более 2 см, в золотом
корпусе. Другие — диаметром 2,5-7,5 см, в
серебряном корпусе. Диаметр больших
приборов в латунном корпусе составляет 20 см, их
вешают в холле или в каюте судна. Для них
можно сделать резную подставку из дуба или
красного дерева и поставить на письменный
стол.
Барографы. В 19 веке барометры,
которые составляли непрерывный график
изменения атмосферного давления, называли
барографами. Барографы были слишком сложными,
дорогими и ненадежными приборами.
Внедрение барометра-анероида помогло создать
более простой барограф. В 1866 году удачный
образец барографа сделал мастер Бреге из
Парижа. Изменение давления
регистрировалось пером самописца на клетчатой бумаге,
сматываемой с цилиндра, который вращался
по часовой стрелке. Барограф был помещен в
стеклянный корпус, отделанный дубом или
красным деревом, с чертежным устройством в
основании. Современные барографы в
основном имеют такую же конструкцию, некоторые
приборы снабжены круглой шкалой.
Термобарограф имеет дополнительное перо для
регистрации температуры.
ПРОЧИЕ
МЕТЕОРОЛОГИЧЕСКИЕ
ПРИБОРЫ
Гигрометр, небольшой прибор для
измерения влажности воздуха, изобрел барон Орас
Бенедикт де Соссюр в 1783 году. В первых
образцах, сделанных для него мастером Пикси из
БАРОМЕТР БУРДОНА
Ок. 1875 г.
Вакуумная камера представляет
собой круглый диск в центре.
Прибор отмечен золотой
медалью на Парижской выставке 1849
г. и на Лондонской выставке 185)
г. Позднее изобретатель
прибора Видье возбудил судебное дело
против Бурдона за нарушение
закона об авторском праве.
ЧЕТЫРЕ КАРМАННЫХ
БАРОМЕТРА
Вверху слева: барометр в
латунном корпусе. Шкала имеет
деления от 45 до 78 см и от 0 до
4500 м Вверху справа: барометр
в серебряном корпусе, сделан в
Лондоне в 1886-1887 г. Шкала
рассчитана на 53-78 см на
высоте от 3 тыс. м. Самый
маленький барометр внизу слева
имеет обработанный серебряный
корпус. На шкале надпись: 'К.У.
Дикси, придворный оптик, 3, Ныо
Бонд стр."
288

БАРОМЕТРЫ И
ЕТЕОРОЛОГИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
БАРОГРАФ
Фирма "Шорт и Мейсон",
Лондон
Корпус иэ красного дерево, со
скошенными стеклянными
боковыми стенками и верхом. Углы
украшены декоративными
колоннами. Новые ленты и ленты с
записями хранятся в основании
прибора. Блок анероидов в
середине контролирует движение пера
на цилиндре. (Слева)
КОМПАС,
ОБЪЕДИНЕННЫЙ
С ИЗОГНУТЫМ РТУТНЫМ
ТЕРМОМЕТРОМ
Ок. 1840 г.
Приборы закреплены на круглом
основании иэ слоновой кости.
Компас имеет эмалевую круговую
шкалу. (Внизу)
Парижа, использовался человеческий волос,
который в условиях влажности становился
длиннее. В поздних образцах использовали тонкие
полоски китового уса. С середины 19 века
гигрометр применяли для поддержания
постоянной влажности при проведении повторных
экспериментов в лабораторных условиях. В 1875
году создали карманный гигрометр для
путешественников, которым приходится ночевать в
плохих гостиницах.
Чашечный анемометр, состоящий из чашек,
вращающихся на вертикальной оси, был создан
в процессе наблюдений за вращением крыльев
ветряной мельницы. В 1846 году доктор
Робинсон сделал первую промышленную модель
анемометра. Анемометры выдавали инспекторам,
которые проверяли условия труда на фабриках
и шахтах в соответствии с фабричным
законодательством.
В 1890 году английский ученый Джордж
Стоке (1819-1903) предложил модель
гелиографа, состоявшего из стеклянной сферы,
закрепленной на полукруглом латунном держателе.
Сфера фокусировала солнечный луч,
оставлявший тонкую линию на светочувствительной
бумажной шкале с часовыми делениями.
•••••£&
289

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Пока обычныЕ часы не получили широкого распространения,
ВрЕМЯ уЗНАВАЛИ ПО СОЛНЕЧНЫМ ЧАСАМ. БЫЛО СОЗДАНО МНОЖЕСТВО
САМЫХ рАЗНООбрАЗНЫХ МОДЕЛЕЙ.
СОЛНЕЧНЫЕ ЧАСЫ
КРУГЛЫЕ
СОЛНЕЧНЫЕ ЧАСЫ
Англия
Латунь. Конец 17 в.
Два кольца соединены петлями,
часы складываются и убираются
в карман. Когда часы находятся
в разложенном виде, через
отверстие в центре лучи солнца
падают на кольцо с часовыми
делениями.
Древние египтяне узнавали время на
улице по солнечным часам, а в доме — по
песочным часам и размеченным свечам.
Продолжительность одного часа не была точно
установлена до 14 века. В 14 веке начали
строить церкви, на башне которых устанавливали
часы. Первые механические часы появились в
Европе в 13 веке. Они были грубо сделаны и
заведомо ненадежны, поэтому их проверяли по
вертикальным солнечным часам,
установленным на одной из стен церкви. К 16 веку часы
стали более совершенными, однако от
солнечных часов не отказались. Наоборот, таких
часов понадобилось гораздо больше. Некоторые
из самых первых карманных часов имели
обычный циферблат с одной стороны и солнечный —
с другой.
От солнечных часов окончательно отказались
в 30-х годах 18 века. В это время изобрели
электрический телеграф, по которому узнавали
точное время. Солнечные часы стали декоративным
украшением парков.
ГОРИЗОНТАЛЬНЫЕ
СОЛНЕЧНЫЕ ЧАСЫ
Самые первые часы такого типа были
круглыми или квадратными, их вырезали на
песчанике или сланце, впоследствии замененном
латунью. В центре вертикально выступал столбик-
указатель, тень от которого перемещалась по
мере движения солнца. Критический угол
между указателем и поверхностью часов зависел от
широты точки, в которой были установлены
солнечные часы. Эта широта была указана на
многих часах.
Усовершенствованным вариантом
горизонтальных солнечных часов были "стреляющие"
часы, возвещавшие полдень. Над жерлом
небольшой латунной пушки, установленной на часах,
помещали регулируемые линзы, которые в
полдень фокусировали лучи солнца на порох,
насыпанный в жерло. Раздавался "выстрел". Это
изобретение начала 19 века очень понравилось
владельцам усадеб, которые украшали
"стреляющими" часами парки своих шато. Когда пушка
возвещала полдень, работники знали, что настало
время обеда.
МИНИАТЮРНЫЕ И ПЕРЕНОСНЫЕ
СОЛНЕЧНЫЕ ЧАСЫ
В 17 и 18 веках дешевые часы были очень
неточными, поэтому купцы и путешественники
носили с собой карманные солнечные часы.
Если светило солнце, можно было быстро, хотя
и приблизительно, узнать время. Самые
простые и распространенные часы состояли из двух
пластинок дерева или слоновой кости,
открывавшихся как книга. Указателем служил отре-
290

СОЛНЕЧНЫЕ ЧАСЫ
ЧАСЫ-ПУШКА
франция
Мрамор и латунь
Линзу можно регулировать в
зависимости от времени года.
Указатель сориентирован на 47-ю
параллель. Часы установлены на
мраморном основании.
зок струны, которая туго натягивалась, когда
пластинки находились под прямым углом друг
к другу. Небольшой компас, вставленный в
основание часов, позволял ориентировать часы
на север и юг. На пластинках были наклеены
печатные вертикальные и горизонтальные
шкалы. В 18-м и в начале 19 века много
двустворчатых часов делали в Германии: Аугсбурге и
Нюрнберге.
В высококачественных двустворчатых часах
из слоновой кости на пластинках были набиты
важные сведения: широта больших городов, роза
ветров, юлианский и григорианский календарь.
Такие часы делали в Южной Германии и в Дье-
пе, во Франции.
Более элегантные двустворчатые часы были
предложены англичанином Майклом Баттерфил-
дом, который в 1685-1725 годах жил и работал
в Париже. Обычно часы имели обтянутый
шагреневой кожей серебряный (редко латунный)
корпус продолговатой восьмиугольной формы.
Внутри корпус были обтянут зеленым шелком
или бархатом. Маленький указатель легко
поднимался и опускался.
Солнечные часы-компас были более
распространены, чем часы Баттерфилда. Они имели
небольшой круглый латунный корпус с
круговой печатной шкалой, приклеенной изнутри. С
17-го до конца 19 века часы-компас делали во
многих странах Европы. Их можно было
использовать только на той широте, на которую они
были рассчитаны, потому что указатель не
регулировался.
Для повседневного пользования
путешественники брали с собой универсальные часы,
которые делали в Европе с 1700 года до 80-х годов
19 века. Шкалу с часовыми делениями,
закрепленную шарнирами, можно было настраивать по
шкале широты.
Складные часы делали с 17-го до середины
19 века. Он имели более простую конструкцию,
но были больше и точнее показывали время.
Чаще всего часы делали из латуни, иногда из
серебра. Шкала наносилась самыми разными
способами. Самые удачные образцы часов 18 века
устанавливались вертикально.
Среди других часов можно упомянуть
столбиковые (или пастушьи) часы, многочисленные
виды часов в многогранном корпусе разного
размера и часы в виде ладьи.
291

КО Н Т Р ОЛ b Н О - И 3
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Оптические приборы помогают изучдть тайны Вселенной,
СВОЙаВА СВЕТА И ПОВЕДЕНИЕ ОДНОКЛЕТОЧНЫХ СУЩЕСТВ.
ОПТИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
Стекло научились делать очень давно.
Греки и римляне делали зеркала и
зажигательные стекла. Римляне изготовляли
стеклянную посуду. Когда возникла потребность в очках,
научились делать линзы. Первые линзы
выполнены в Англии францисканским монахом и
ученым Роджером Бэконом (ок. 1214-1294). В то
же время линзы делали в Италии и в Китае.
ТЕЛЕСКОПЫ
Первым "современным" оптическим
инструментом был телескоп, изобретенный в
начале 17 века и впервые показанный на
Франкфуртской ярмарке в 1608 году. Год спустя
Галилей усовершенствовал один из телескопов
и получил линзовый телескоп (рефрактор). Все
ЛИНЗОВЫЙ ТЕЛЕСКОП
Латунь. Середина 19 в.
Устанавливается на столе.
Стойка снабжена зажимом,
позволяющим поворачивать трубку.
Трубку можно снять со стойки.
(Вверху)
ЗЕРКАЛЬНЫЙ ТЕЛЕСКОП
НА ПОДСТАВКЕ С ТРЕМЯ
НОЖКАМИ
Франция
Ок. 1825 г.
На телескопе выгравировано
надпись: "Харинг, оптик герцога
Вюртембергского, Пале Рояль,
N63, Париж". (Слева)
292

ОПТИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
первые телескопы были рефракторами. В 1663
году Скот Джеймс Грегори (1638-1675)
предложил идею зеркального (отражательного)
телескопа, в котором свет фокусируется одним
зеркалом и отклоняется другим зеркалом на окуляр.
К концу 18 века трубки телескопа стали делать
из красного дерева, затем — из латуни. Появились
элегантные подставки, телескопы можно было
ставить на письменный стол. Для напольных
телескопов делали более высокие подставки. Большие
телескопы были снабжены двумя деревянными
ручками, с помощью которых во время наблюдения
можно было медленно вращать прибор.
Для рефрактора было очень трудно получить
качественные линзы. Судовые телескопы хорошо
работали днем, а ночью в телескоп нельзя было
определить цвет сигнальных фонарей. При снятии
одной из линз изображение становилось более
четким (хотя и перевернутым), но таким телескопом
неудобно было пользоваться днем. В результате на
судах было несколько телескопов для "ночного" и
"дневного" видения. С 1760 года английский оптик
Джон Доллонд (1706-1761) начал создавать
телескопы с ахроматическими линзами, уменьшавшими
цветовое искажение. Многие мастера незаконно
копировали изобретение Долланда, пока не был
выдан патент. До наших дней дошло много телескопов
начала 19 века с выгравированной отметкой "День"
или "Ночь". Длинная громоздкая трубка из
красного дерева была заменена более короткой латунной,
состоявшей из нескольких выдвигавшихся секций.
БИНОКЛИ, В ТОМ ЧИСЛЕ
ТЕАТРАЛЬНЫЕ
В начале 17 века итальянцы, наряду с
монокулярными приборами, разрабатывали модель
бинокулярного телескопа с двумя параллельными
трубками. Однако из-за неудовлетворительного
качества линз телескоп было трудно сфокусировать, и
идея не получала своего воплощения до 19 века,
когда были созданы первые миниатюрные
бинокли. Бинокли имели короткое фокусное расстояние,
ими пользовались в театре, поэтому их стали
называть театральными. Для изготовления
театральных биноклей использовали слоновую кость,
золоченую латунь, шагреневую кожу, серебро и эмаль.
В 30-х годах 18 века французы вспомнили о
биноклях и стали делать их на продажу. Бинокли
делали из латуни и отделывали кожей.
Центральное фокусирующее колесико вращали большим и
указательным пальцами. Система с двумя
трубками сохранялась до конца 19 века. В 80-х годах
немецкие фирмы "Цейс" и "Лейтц" предложили
призматические бинокли с более длинным фокусным
расстоянием.
МИКРОСКОПЫ
С 17 века делали линзы с любым
фокусным расстоянием, поэтому на основе
телескопа-рефрактора удалось создать прибор с очень
ЧЕТЫРЕ РУЧНЫХ
ТЕЛЕСКОПА
Латунь. 10 в.
Сверху вниз: трехсекционный, с
кожаным покрытием но конце, 34
см; трехсекционный, трубки из
красного дерева, 38 см; шести-
секционный, с кожаным
покрытием на конце, 42 см; семисекци-
онный, с выгравированной
надписью: 'Джеймс Миллер, 1855".
(Вверху)
МИКРОСКОП
НАТУРАЛИСТА
Ок. 1850 г.
Карманный микроскоп в футляре
для палевых работ. Насекомых для
изучения помещают в стеклянный
сосуд (Внизу)
293

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
коротким фокусным расстоянием —
микроскоп. В 1590 году голландец Захариас Янссен
изобрел микроскоп с двумя линзами самый
распространенный тип микроскопа. Первые
модели из тонкого пергамента, картона, рога
и дерева помогал создавать Галилей. В 1660
году микроскоп использовали для наблюдения
циркуляции крови у лягушек и рыб: хотели
подтвердить предположение английского
физика Уильяма Харви (1578-1657), что в
человеческом организме происходят такие же
процессы.
В 17 веке Англия стала центром
производства микроскопов. В 1665 году английский
физик Роберт Гук (1635-1703) опубликовал свой
труд "Микрография", в котором описал самую
последнюю модель микроскопа, объяснил, как
им пользоваться и что можно наблюдать в
микроскоп. Английский предприниматель Джон
Маршалл (1663-1725) изготовил большой
микроскоп высотой 50 см, в корпусе из железного
дерева, латуни и кожи с золотой отделкой.
Регулировка выполнялась с помощью шарнира в
основании. Между отражающим зеркалом и
первой линзой располагался столик с
предметным стеклом в костяной оправе, на который
помещали исследуемый объект.
В начала 18 века английские
предприниматели Мэтью, Лофт и Эдмунд Калпепер
создавали модели микроскопов из дерева, латуни,
шагреневой кожи и кожи с золотой отделкой.
Микроскоп по желанию можно было
зафиксировать строго вертикально. В начале 19 века
был изготовлен микроскоп по модели Калпе-
пера. В 18 веке один из английских мастеров
сделал для Георга III прекрасный микроскоп,
отделанный серебром. Этот микроскоп
хранится в Научном музее в Лондоне. Следует
назвать и других мастеров 18 века: Джона Каф-
фа (1708-1772), Бенджамина Мартина (1705-
1782) и Джесса Рамсдена (1735-1800),
которые делали микроскопы из латуни. У этих
приборов был один недостаток: зеркало,
предметный столик и линзы были расположены
строго вертикально относительно друг друга, и
микроскопом можно было пользоваться
только стоя. В конце 18 века два английских
мастера Вильям и Сэмюэль Джоунс (1763-1831 и
1784-1838) снова начали использовать
шарнирное соединение в основании микроскопа,
и прибор можно было устанавливать под
углом, удобным для работы сидя. Микроскоп
этого типа назвали "самой совершенной моделью
Джонсов"; его делали в 30-х годах 19 века.
Хотя ученые получили для работы такие
большие приборы, им требовались и
маленькие переносные микроскопы. Первый
портативный микроскоп с одной линзой создал
голландец Антоний ван Левенгук (1632-1723) в
конце 17 века. В 18 веке у натуралистов
пользовались популярностью простые
карманные микроскопы с одной линзой. Набор линз
ученые всегда брали с собой. Более удобный
микроскоп изготовили в начале 19 века
английские мастера Джон и Уильям Кари (1754-
1835 и 1759-1825): детали микроскопа
складывались в ящик, в случае необходимости
микроскоп собирали и привинчивали к
крышке ящика.
В первых микроскопах также
существовала проблема искажения цвета и
изображения. Только в 1830 году английский
виноторговец и оптик-экспериментатор Джозеф
Джексон Листер (1786-1869) решил
использовать в микроскопе телескопические линзы
Доллонда. Известными мастерами, делавши-
МИКРОСКОП МОДЕЛИ
КАЛПЕПЕРА
Англия
Латунь, корпус из красного
дерева. Конец 18 в.
В первых моделях трубка
выдвигалась для фокусирования. В
моделях 19 в. использовали
кремальеру. К микроскопу
прилагаются пять последовательно
пронумерованных объективов и три
предметных столика из слоновой
кости, емкость для насекомых и
несколько маленьких пинцетов.
Последние модели этого типа
были изготовлены в 30-х гг. 19 в.
294

ОПТИЧЕСКИЕ ПРИБОРЫ
ми микроскопы в 40-х годах 19 века, были
Хью Пауэлл (1799-1883), Питер Лиланд и
Эндрю Росс (1798-1856). Они сделали
первый бинокулярный микроскоп: над первой
линзой располагалась небольшая призма,
которая дробила изображение объекта на
отдельные элементы.
На континенте в 19 веке тоже выпускали
высококачественные приборы. Во Франции,
в Париже были известны мастера Шевалье
(отец и сын) и Наше. В Германии с 1875 года
успешно работала фирма "Карл Цейсе" из
Йены. К 1900 году микроскопы делали 9
мастеров в Англии, 7 — в Германии, 4 — во
Франции и только 3 — в Соединенных
Штатах.
ПРОЧИЕ
ОПТИЧЕСКИЕ
ПРИБОРЫ
Исаак Ньютон обнаружил, что обычный свет
при прохождении через призму разделяется на
цвета спектра. Экспериментаторы-любители 18
и 19 веков покупали набор зеркал — вогнутое,
плоское и выпуклое — для изучения природы
света.
В 19 веке были созданы приборы для
изучения свойств света. Следует упомянуть
поляризатор, прибор для измерения
поляризации светового пучка; спектроскоп, прибор для
разделения светового пучка на цвета спектра,
и гониометр, прибор для измерения углов
между гранями кристалла и идентификации
драгоценных камней.
САМЫЙ
СОВЕРШЕННЫЙ
МИКРОСКОП
ДЖОНСОВ
Надпись: "Доллонд, Лондон"
Ок. 1810 г.
Прибор «подмоется и убирается
в ящик. Имеются дополнительные
принадлежности. (Слева в
отдалении)
СКЛАДНОЙ
БИНОКУЛЯРНЫЙ
МИКРОСКОП
Фирма "Свифт и сын", Лондон
Латунь. Ок. 1880 г. (Слева)
МИКРОСКОП
Фирма "Уотсон и сыновья",
Лондон
Латунь. 19 в. (Внизу)
295

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
КАЛЕЙДОСКОП
19 в.
Подставка позволяет наклонять
калейдоскоп к свету, поэтому им
можно было пользоваться по
вечерам. В других моделях
трубку просто обращают к свету и
смотрят в нее, как в телескоп.
(Справа)
ПРАКСИНОСКОП
Изображения наносятся на
цилиндр и отражаются в зеркалах.
В усовершенствованных моделях
цилиндры вращались с помощью
ручки, шкива и двух зубчатых
колес, (Вверху)
ЗОЭТРОП
Англия или Франция
Ок. 1850г.
Оловянный цилиндр вращается
вручную. На расстоянии 20 см от
прорезей видны движущиеся
изображения. Полоски бумаги с
изображениями находятся в нижней
части цилиндра. (Вверху справа)
ОПТИЧЕСКИЕ ИГРУШКИ
Многие оптические игрушки были созданы
в 18-м и 19 веках, но некоторые из них
относятся к более раннему периоду. Например, ана-
морфоскоп (от греческого "создавать заново")
был популярен с 16 века. Игрушка
представляла собой небольшое цилиндрическое
зеркало, стоявшее вертикально. Если зеркало
поместить на пластинку, на которой нарисовано
искаженное изображение предмета, оно
отражает изображение, и предмет становится
узнаваемым.
В 1818 году Дэвид Брюстер получил патент
на калейдоскоп, в котором небольшие цветные
кусочки слюды или бумаги, размешенные на
дне смотровой трубки, утраиваются
благодаря использованию двух комплектов зеркал,
расположенных под углом 60 градусов
относительно друг друга.
В 1825 году английский врач Джон Пари
(1785-1856) изобрел игрушку, названную им
томатропом. Он исходил из того, что
изображение объекта запечатлевается в мозгу
человека на '/зо сек (инерция зрительного
восприятия). Игрушка состоит из простого
картонного диска, на каждой стороне которого
нарисован определенный предмет.
В середине 19 века начали выпускать две
игрушки, основанные на принципе инерции
зрительного восприятия. Зоэтроп,
изобретенный В.Г.Хорнером из Бристоля, представлял
собой оловянный цилиндр с узкими
смотровыми щелями, вырезанными по окружности
цилиндра через определенные промежутки.
Внутрь цилиндра помешалась широкая полоса
бумаги, на которой были запечатлены
последовательные движения человека или
животного. При вращении цилиндра движения,
например движения ребенка, бросающего мяч,
воспринимались как одно непрерывное движение.
Праксиноскоп, патент на который был
получен французом Эмилем Рейно в 1877 году,
был просто усовершенствованным вариантом
зоэтропа. В середину цилиндра помещали
второй, неподвижный цилиндр, вокруг которого
располагали зеркала. Наблюдатель вращал
внешний цилиндр и смотрел в ближайшее
зеркало, в котором отражалось движение в
противоположную сторону. В других, более
совершенных моделях внутри находилась
масляная лампа, поэтому игрушку можно было
демонстрировать по вечерам.
Волшебный фонарь был еще одной
оптической игрушкой, изобретенной в 18 веке.
Источник света проецировал изображение на
стеклянной пластинке через линзы на темную
стену или экран. В зависимости от мощности
источника света и величины линз
изображение могло быть маленьким или заполнять весь
экран лекционного зала. Делались попытки
имитировать движение на экране с помощью
больших диапозитивов в деревянных рамках с
подвижными элементами. Вращая ручку
проектора, оператор заставлял эти элементы
двигаться, а остальные элементы оставались
неподвижными. Такой способ особенно подходил
для демонстрации движения планет вокруг
Солнца. В некоторых усовершенствованных
моделях использовали несколько линз
одновременно. Из дошедших до нас диапозитивов
самыми известными являются диапозитивы с
текстом молитвы "Отче наш" и с
изображением королевы Виктории в черном платье.
296

ЕДИЦИНСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ПрОСТЫЕ И ИНОГДА фубЫЕ МЕДИЦИНСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ ПрОШЛЫХ
ВЕКОВ СВИДЕТЕЛЬСТВУЮТ О ТОМ, ЧТО ДО 20 ВЕКА МЕДИЦИНА
РАЗВИВАЛАСЬ ОЧЕНЬ МЕДЛЕННО.
МЕДИЦИНСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ЯЩИК
С ХИРУРГИЧЕСКИМИ
ИНСТРУМЕНТАМИ
19 в.
Ножи для ампутации, большие
и маленькие пилы, скальпели,
катетеры, инструменты для
лечения зубов и трепанации.
Отсутствуют инструменты для
осмотра женщин. Ящик с
инструментами, вероятно, принадлежал
судовому или полевому хирургу.
Ручки инструментов сделаны из
черного дерева. К 1875 г.,
когда инструменты начали
стерилизовать перед использованием,
деревянные ручки заменили на
металлические.
В Римской империи практическая медицина
делилась на две области: врачи ставили
диагноз и назначали лечение, а хирурги
выполняли предписания. При раскопках Помпеи в 1763
году были обнаружены хирургические
инструменты Древнего Рима — бронзовые скальпели
и зонды.
С древности и до эпохи Возрождения в
медицине происходило мало изменений.
Сохранялись и основные виды инструментов.
При ранениях в грудь и живот удаляли
посторонний предмет, перевязывали рану и
надеялись на лучшее. На поле боя хирурги давали
раненому съесть зубок чеснока, а потом по
запаху определяли, не повреждена ли брюшная
полость.
В 16 веке французский военный врач Амб-
руаз Паре (1510-1590) попытался
систематизировать знания в области медицины и
хирургии. В 1580 году он выпустил учебник с
гравюрами, сделанными способом ксилографии. В
1620 году учебник издали в Англии, гравюры
выполнялись по тем же формам. Формы изъела
древоточица, и все гравюры были испещрены
черными точками. Инструменты, которыми
пользовались врачи, почти не менялись до кон-

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
НАРКОЗНЫЙ АППАРАТ
ДОКТОРА
Д'ОНБРЕДАННА
Впервые изготовлен
в 1906 г.
По положению мешка из
вощеной бумаги определяют дыхание
пациента. Внутри сферической
емкости находится вата,
пропитанная эфиром (Вверху)
"ЗАПАТЕНТОВАННАЯ
КОНИЧЕСКАЯ
ЭЛЕКТРИЧЕСКАЯ
МАШИНА" ГРИГСА
Г.Р.Франсис, Челтвнхэм
Ок. 1878г.
В Викторианскую эпоху врачи-
шарлатаны считали, что
электрическим током можно лечить и
снимать боль. В корпусе из
красного дерева находятся медные
обмотки с подвижным сердечником
из мягкого железа. (Вверху, ниже)
ца 18 века. Судовые или полевые хирурги
обычно носили с собой набор инструментов в
деревянных ящиках, отделанных латунью. А
большинство сельских врачей прятали кожаный
футляр с инструментами в карман пальто.
Если требовались пиявки, их доставляли к
постели больного в маленьких оловянных
кружках. Пиявки брали у местного аптекаря,
который хранил их в больших фарфоровых банках с
проколотыми крышками. Аптекарские банки
были снабжены этикетками с указанием
болезней, от которых применялось хранившееся в
них лекарство.
В 1816 году английский врач Рене Леннек
(1781-1826) изобрел стетоскоп. Первая модель
представляла собой узкий цилиндр из
обработанного плодового дерева с отверстием,
просверленным в середине. Сообщение о применении
стетоскопа появилось в Англии в 1820 году и в
"Новом английском медицинском журнале" в
1822 году. Скоро стетоскоп стал необходимым
диагностическим инструментом и
просуществовал, в форме слуховой трубки, до 1856 года,
когда врач Георг Камманон из Нью-Йорка
предложил хорошо известную бинауральную модель
стетоскопа.
АНЕСТЕЗИРУЮЩИЕ
И АНТИСЕПТИЧЕСКИЕ
СРЕДСТВА
Эксперименты с обезболивающими
средствами проводили в начале 19 века. В Англии и в
Соединенных Штатах (в 1842 году) врачи
снимали у больных боль, давая им понюхать
закись азота ("веселящий газ"). Четыре года
спустя в Массачусетской больнице врач У.Т.Г.Мор-
тон (1819-1868) сделал первую операцию под
общим наркозом. В настоящее время
аппаратура Мортона находится в Смитсоновском цент-
9
ре в Вашингтоне. В этом же году в Лондоне
впервые применили новый способ
обезболивания с использованием хлороформа.
Применение обезболивающих средств совершило
революцию в хирургии и получило одобрение
королевы Виктории.
Врачи вновь обратились к эфиру. В 1906
году французский аптекарь Д'Онбреданн
предложил эфирный наркозный аппарат,
состоявший из латунной шарообразной емкости,
медного наличника, запорного крана и мешка, по
которому определялось дыхание больного.
Аппарат пользовался большой популярностью.
Последний раз его использовала
Военно-медицинская служба Аргентины во время войны за
Фолклендские острова в 1982 году.
В 60-х годах 19 века английский хирург
Джозеф Листер (1827-1912) впервые применил в
хирургии антисептические средства. Для
обеззараживания он использовал раствор
карболовой кислоты. Листер использовал также
асептику, то есть стерилизацию инструментов
перед использованием. Поддержка этих средств
защиты медицинскими организациями
повлияла на усовершенствование медицинских
инструментов: старые ручки из слоновой кости или
черного дерева уступили место более
надежным металлическим ручкам, которые было
легко стерилизовать. Переход к инструментам с
металлическими ручками закончился к 1890
году. Восемь лет спустя один лондонский
мастер обнаружил у себя инструменты, которые
хранились со времени окончания Крымской
войны 1856 года. Мастер отправил
инструменты в английскую армию, воевавшую в Южной
Африке.
298

ГЕОДЕЗИЧЕСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ
До 1 6 ВЕКА ПЛОЩАДЬ ЗЕМЛИ МОЖНО 6ЫЛО ОПРЕДЕЛИТЬ ТОЛЬКО
приблизительно. В 16 веке появились новые инструменты,
которые позволили производить точную съемку местности.
ГЕОДЕЗИЧЕСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Еще в 1 веке н.э. ученый Геро
Александрийский написал трактат по геодезии, однако
до конца 16 века геодезической съемкой
профессионально не занимались. Галтериус Арсениус
впервые изготовил астролябию,
приспособленную для измерения углов на плоскости. Об этом
сообщил Гемма Фрисиус в 1529 году.
В 1585 году был опубликован труд
английского математика Леонарда Диггеса (1510-1558),
в котором описывались "способы точного
измерения и быстрого исчисления размеров земель,
площадей, лесов, камней, высоты колоколен и
колонн и т.д.". Диггес гораздо больше известен
тем, что предложил измерять вертикальный и
горизонтальный углы путем наложения двух
астролябий. Такой инструмент назвали
теодолитом. Первые теодолиты сделал в 1574 году
английский мастер Хэмфри Коул. В 1600 году в
Праге начал делать теодолиты Эразм Габермель.
С небольшими изменениями теодолит
оставался основным инструментом геодезистов до
появления в конце 70-х годов 20 века лазерного
ТЕОДОЛИТ И КОМПАС
Бенджамин Коул
Латунь и серебро.
Ок. 1800г.
СТОЛБИКОВЫЙ
СЕКСТАНТ
Латунь. Конец 19 в.
Секстант используется в море.
Теодолит имеет две шкалы для Секстант с дополнительными де-
иэмерения горизонтальных и вер- талями предназначен для изме-
тикальных углов. (Слева) рений на местности. Стойка
регулируется по высоте. Основание
снабжено тремя
регулировочными винтами. (Вверху)
299

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
измерительного прибора. В конце 18 века для
получения высокой точности измерений в
теодолитах стали использовать только серебряную
шкалу.
Для измерения расстояния давно
использовали шагомер, который толкали перед собой.
Расстояние на латунной круговой шкале
определяли в футах, ярдах, чейнах, фарлонгах и
милях. Англичанин Эдмунд Гюнтер, профессор
астрономии в Грешам колледже в Оксфорде (1619-
1626), ввел геодезическую мерную цепь длиной
22 м с 100 звеньями, обеспечивающую более
точные измерения. Каждое десятое звено
снабжалось латунной биркой. Мерные цепи
использовали до 1905 года.
СПИРТОВОЙ УРОВЕНЬ
В 1666 году французский строитель Ж.М.
Тевено предложил новый способ определения
строго горизонтальной поверхности. Он изобрел
прибор, так называемый спиртовой уровень,
представлявший собой наполненную водой
стеклянную трубку с пузырьком воздуха.
Поверхность можно было считать горизонтальной, если
при наложении трубки пузырек воздуха
оказывался точно в середине. Уровень нашел
широкое применение в Англии, однако для
изготовления тонких стеклянных трубок понадобилось
вызывать опытных стеклодувов из Италии.
Уровнем пользовались каменщики и плотники,
позднее его стали устанавливать на геодезических
приборах.
В 1875 году на основе уровня были созданы
два небольших прибора для измерения высоты
зданий. Один прибор, с фиксированной шкалой
и открытым видоискателем (без зрительной
трубы), был сделан английским военным
инженером Эйбни (1843-1920). Другой прибор создал
мастер Казелла. Оба прибора были снабжены
компасом и уклономером.
Для развивающейся горной промышленности
требовались специализированные геодезические
инструменты. Были разработаны специальные
компасы для горняков со складывающимся
видоискателем и двумя латунными крючками, с
помощью которых их вешали на крепежные опоры.
КАРМАННЫЙ
ГЕОДЕЗИЧЕСКИЙ
ИНСТРУМЕНТ
Джон Браунинг, Лондон
Ок. 1880 г.
Небольшой комплексный
инструмент снабжен компасом и
уклономером В середине
расположена зрительная труба, наводимая
на ближние и дальние объекты.
Усовершенствованная модель
Эйбни образца 1875 г. Прибор
не обладает точностью
теодолита. (Внизу)
САХАРИМЕТР
Дюбок из Парижа
Латунь и чугун. Ок. 1870 г.
Вариант поляриметра.
Предназначен для измерения оптической
активности раствора. (Слева)
МЕРНАЯ
ГЕОДЕЗИЧЕСКАЯ ЦЕПЬ
Железо и латунь. 19 в.
Каждые 10 звеньев отмечаются
латунной биркой. Двенадцать
кольев с красными петлями
предназначены для закрепления цели
на земле. (Слева в отдалении)
300

ГЕОДЕЗИЧЕСКИЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ЧЕРТЕЖНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ФУТЛЯР
ДЛЯ ИНСТРУМЕНТОВ
АРХИТЕКТОРА
Джеймс Сврч, Лондон
Черепаховая кожа, сталь
и латунь
Футляр для трех масштабных
линеек из слоновой кости.
Конец 18 в.
НАБОР
ИНСТРУМЕНТОВ
АРХИТЕКТОРА
Розовое дерево. Конец 19
Измерительные и разметочные
циркули разного размера,
транспортир, параллельная
масштабная линейка и плани-
мер Y некоторых циркулей руч-
И] слоновой кости. К концу
19 в. почти все инструменты
стали никелированными. (Вверху
справа)
МОРСКОЙ
ТРАНСПОРТИР
Роберт Бэнкс. Лондон
(Работал с 1791 до 1827 г.)
Две откидывающиеся консо
ли Круглый деревянный
корпус. (Вверху)
"Пропорциональный9' циркуль был
изобретен швейцарцем Йостом Бюржи
(1552-1632). Он, состоит из двух
измерительны^циркулей, ножки которых
регулируются с помощью шарнира.
Циркуль использовали для изменения
масштаба чертежа. В 18 веке стали
широко применять пантограф—"раму .
с шарнирными соединениями и двумяГ _
■••V»---',
а ■*-
t*± *—
параллельными штангами. На пантографе
выполняли быстрое копирование чертежа
в другом масштабе. В ^19 веке появилась
усовершенствованная моде
пантографа — эйдограф; В середине 19
века швейцарец Якоб Эмслер изобрел
плайймер, спомощью которого
измерялась область на карте или плане с
прослеживанием ее контуров. Для
измерения протяженности дорог, рек,
железных дорог и границ использовали
картометр, небольшой прибор;
снабженный колесом и шкалой.
Картометром пользуются и в настоящее
время. В начале 19 века английский
гражданский инженер Джон Фэри (1791-
1851 j изобрел эллипсограф, позволявший
точно вычерчивать эллипсы.
В течение веков геодезистам,
архитекторам, инженерам и
«•.,-_
чертежникам требовались небольшие
инструменты для вычерчивания; плана
местности в заданном масштабе.
Сначала появились масштабные
линейки, рейсшины, параллельные
линейки и измерительные циркули,
которые в 16 веке продавались в точно
подогнанных футлярах. Наборы
высококачественных латунных и
металлических инструментов продавали
в кожаных футлярах, отделанных
золотом. В 18 веке набор инструментов
помещали в вертикальную коробку с
откидывающейся крышкой, с черной
чешуйчатой поверхностью или
поверхностью, обтянутой зеленой и
белой, шагреневой Кожей• Инструменты
располагались в небольших гнездах Или
отделениях, вырезанных в деревянном
корпусе коробки. На трех- маештабных
линейках из слоновой кости должна
была быть подпись одного мастера;
ес/1илэто^не так} инструменты заменили.
Коллекционерам лучше иметь
подлинный набор инструментов, чем
собрание инструментов разных веков. В
настоящее время можно приобрести
наборы начала 19 века, например набор
акварельных красок и кистей.
301

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Электрические машины, вакуумные насосы, линзы или медные
рЕторты — этими инструментами пользовались ученые в прежние
века. Они обрлзуют необычную группу антикварных вещей.
"ФИЛОСОФСКИЕ" ИНСТРУМЕНТЫ
экспериментальный
гироскоп
Латунь. Середина 19 в.
Гироскоп был изобретен
французом Жоном Бернаром Леоном
Фуко, который прославился тем,
что использовал маятник для
демонстрации вращения Земли. На
гироскопе тоже можно показать
вращение Земли — ось
гироскопа сохраняет постоянное
положение в пространстве и
поэтому поворачивается
относительно Земли. В середине 20-х гг.
20 в. немецкие ученые нашли
практическое применение
гироскопу — его стали использовать
в инерциальной системе
наведения ракет.
Древних ученых называли философами,
поэтому и инструменты, которыми они
пользовались, называли "философскими". В течение
столетий, до разделения науки на отдельные
области в середине 19 века, все приборы и
инструменты для изучения природных явлений
называли одним общим термином, в отличие от
инструментов для изучения точных наук —
математики, астрономии и геодезии. С 1750 года
мастера рекламировали свою торговую марку
следующим образом: "Оптические,
математические и философские инструменты".
В 17-м и 18 веках ученые начали читать
публичные лекции и демонстрировать результаты
своих исследований. В Англии этим занималось
Королевское общество естественных наук,
образованное в 1660 году и находившееся под
покровительством Карла II. Многие ведущие
ученые того времени были членами Королевского
общества.
МЕХАНИЧЕСКИЕ
ИНСТРУМЕНТЫ
Исаак Ньютон в своем трактате
"Математические начала натуральной философии" (1686-
1687) вывел три основных закона движения,
объясняющие поведение тел под воздействием
на них внешних сил. Используя законы
Ньютона, английский ученый Джордж Атвуд в 1780
году изобрел машину, состоявшую из колонны
высотой 2,1 м, шкалы и часового механизма с
маятником. Машина предназначалась для
демонстрации ускорения падающего тела. Другие
машины Атвуда демонстрировали момент силы и
влияние силы тяжести. В то время была очень
популярна игрушка — резная фигурка
эквилибриста из дерева или слоновой кости,
балансирующая на вершине колонны. К длинным рукам
были прикреплены грузы, которые смещали
центр тяжести фигурки ниже точки равновесия.
Фигурка раскачивалась или вращалась, но очень
редко падала. На других машинах
демонстрировали принципы работы рычагов, клиньев и
шкивов, показывали, как с помощью блока и
полиспаста можно поднять тяжелый груз,
затрачивая минимальное усилие.
В 19 веке французский физик Жан Фуко
(1819-1868) заново открыл гироскоп, который
до него считали просто детской игрушкой. В этом
приборе маховик имеет устойчивую ось
вращения независимо от положения относительно
окружающей среды.
ГИДРОСТАТИЧЕСКИЕ
И ГИДРОДИНАМИЧЕСКИЕ
ПРИБОРЫ
Гидростатика и гидродинамика изучают
равновесие жидкостей в состоянии покоя и в
состоянии движения, соответственно, а также
поведение жидкостей под давлением.
Древнегреческие гидростатические и гидродинамические
приборы состояли из нескольких соединенных
между собой стеклянных сосудов разной формы
и размера. При наполнении сосудов водой уро-
302

"ФИЛОСОФСКИЕ" ИНСТРУМЕНТЫ
КОМПЛЕКТ
ЛЕЙДЕНСКИХ БАНОК
Франция
Медь и стекло. Дубовый
корпус. Начало 19 в.
Сосуды, накапливающие
статическое электричество, с помощью
крестовины соединены между
собой. (Вверху)
СТРЕЛОЧНЫЙ
ИНКЛИНАТОР
По основанию надпись:
"Робинсон, 38, Девоншир стр.
Портлэнд Плейс, Лондон"
Латунь. Начало 19 в.
Прибор снабжен стрелкой иэ
вороненой стали, закрепленной
в центре двойного шарнира. На
серебряной круговой шкале
выгравированы четыре квсщранта с
двумя подвижными
увеличителями для считывания показаний.
Магнитная стрелка инклинатора,
в отличие от стрелки компаса,
вращается в вертикальной
плоскости и измеряет магнитное поле
Земли. Этот прибор сделал
мастер Томас Чарлз Робинсон,
который делал оптические,
математические и философасие
инструменты. Работал в 182Ы835 гг.
(Отрава)
СЧЕТНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Греки и римляне пользовались
счетами, которые и сегодня можно
увидеть у уличных торговцев
в разных частях света. Средства
счета не менялись до тех пор,
пока шотландский математик Джон
Непер (1550-1617) не ввел
логарифмы в начале 17 века. В 1621
году английский математик Вильям
Отред изобрел логарифмическую
линейку. Обычно ее делали из
самшита, на котором были
отпечатаны цифры. В 19 веке
Фуллер предложил
логарифмическую линейку
цилиндрической формы, длиной
30 см, но возможности счета были
такими же, как и с помощью
линейки длиной 9 м. В настоящее время
линейку Фуллера можно найти, и стоит
она относительно недорого.
В 1645 году французский философ и
математик Блез Паскаль (1623-1662)
изобрел первую механическую счетную
машину, которая могла складывать и
вычитать с помощью системы зубчатых
колес. В 1888 году машина уже могла
умножать и делить. В 1820 году француз
Тома де Кольмар создал арифмометр. Как
и в других аналогичных машинах, в
арифмометре цифры появлялись в
маленьких окошках, расположенных в ряд.
Затем нужно было несколько раз
повернуть ручку из слоновой кости,
расположенную сбоку, и получить
результат.
ЭЛЕКТРОМОТОР
Англия
Конец 19 s.
Использовался для
демонстрации движущей силы
электричества.
303

КОНТРОЛЬНО-ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
вень жидкости в них был одинаковым. На
металлическом цилиндре с отверстиями на разной
высоте можно было показать, что сила
струйного течения зависит от напора воды, а с помощью
стеклянного сифона определяли, как можно
отвести воду под напором атмосферного давления.
В 17 веке был изобретен насос двойного
действия с двумя цилиндрами и двумя ручками, с
помощью которого получали непрерывный
поток жидкости. В 50-х годах 19 века вариант
такого насоса, но больших размеров,
использовали пожарные до изобретения пароструйного
пожарного насоса.
Было установлено, что в воде удельный вес
небольших тел равен их массе. Этот принцип
нашел широкое применение в конце 18 века,
когда появились фальшивые золотые гинеи.
Фальшивая гинея в нормальных условиях
весила столько же, сколько и настоящая. Когда
монеты бросали в воду, сразу обнаруживалась
подделка.
За вина и алкогольные напитки, ввозимые в
Европу, платили пошлину в зависимости от их
крепости. В 1826 году оптик и мастер по
инструментам Роберт Бреттел Бейт изобрел гидро-
304
ЭЛЕКТРОСТАТИЧЕСКАЯ
МАШИНА С ТРЕНИЕМ
МАШИНЫ РАМЗДЕНА
Латунь, стекло и орех
Начало 19 в.

"ФИЛОСОФСКИЕ" ИНСТРУМЕНТЫ
метр для определения удельного веса жидкостей.
Гидрометры продавали вместе с термометром и
логарифмической линейкой в хорошо
подогнанном ящике из красного дерева. Гидрометрами
пользовались пивовары. Коллекционеры обычно
разыскивают старые образцы, особенно
серебряные, которые были изготовлены в
континентальной Европе.
Многие из описанных выше экспериментов
оказались важными в конце 19 века, когда
гидравлика нашла промышленное применение.
ПНЕВМАТИЧЕСКИЕ
ПРИБОРЫ
Пневматика — это наука о свойствах
воздуха и газов. Основным средством проведения
экспериментов в области пневматики был
вакуумный насос. Первый английский воздушный
насос изобрел ирландский философ Роберт Бойль
(1627-1691) и описал его в 1660 году. В начале
18 века сначала в Англии, а потом и в
континентальной Европе, начали использовать модель
насоса Фрэнсиса Хоксби. В отличие от
микроскопа Эдмунда Калпепера, изготовленного в то
же время, насос имел очень элегантную форму.
После 1765 года на небесных глобусах
появились созвездия, именуемые по названиям этих
приборов.
Результаты работы вакуумного насоса во
время публичной демонстрации заворожили
зрителей. Например, при повышении вакуума в
сосуде звон колокольчика, помешенного в этот
сосуд, становился тише, а гинея и легкое
перышко в вакууме падали с одной и той же
скоростью.
Вакуумные насосы 19 века можно
постоянно видеть на специализированных аукционах.
Насосы 17 века часто имели деревянный
корпус. К середине 19 века некоторые насосы,
главным образом французские, имели в основном
латунный корпус. Коллекционеры должны знать,
что наличие стеклянного корпуса означает, что
это мощный насос с тяжелым режимом работы,
и не попадать впросак.
ЭЛЕКТРИЧЕСКИЕ
МАШИНЫ
Давно известно, что, если кусок янтаря
потереть о рукав, образуется статический заряд,
притягивающий мелкие предметы. Однако
только в 1709 году удалось увеличить силу этого
заряда: вслед за вакуумным насосом Фрэнсис
Хоксби создал первую электростатическую
машину с трением. Машина представляла собой
стеклянный шар, приходящий в
соприкосновение с пергаментом или кожей. К 1780 году
машину усовершенствовали Эдвард Нейрн, Джон
Катберсон и Джесс Рамсден. В 1880 году
Джеймс Вимсхерст создал наиболее удачную
модель с двумя стеклянными дисками,
вращающимися против часовой стрелки. В отличие от
электрического тока статическое электричество
находит мало областей применения. До конца
19 века врачи применяли статическое
электричество для шоковой терапии. Эти машины в
компактном корпусе красного дерева можно
встретить и сейчас.
ХИМИЧЕСКИЕ
ИНСТРУМЕНТЫ
До середины 19 века химиками считали
аптекарей и лекарей, которые готовили лекарства
и поставляли пиявки. Выделяли
химиков-органиков, которые занимались углеродными
соединениями, а значит, и живыми организмами, и
химиков-неоргаников. В 19 веке, по мере
развития общества, возник интерес к свойствам
отдельных химических веществ и к законам,
которые регулировали взаимодействие веществ.
Химические инструменты не менялись
веками. Для перегонки использовали
стеклянные или медные реторты. Пестики и ступки
делали из бронзы, камня, стекла или
железного дерева. В середине 19 века для
проведения исследований пользовались тонкими
стеклянными трубками, бюретками и пипетками.
Эти средства обеспечивали более высокую
точность эксперимента. Было очевидно, что
старые способы взвешивания являются
недостаточно точными при проведении
химических опытов. Начали делать весы со
стеклянными чашками. Немецкий химик Людвиг Ор-
тлинг (1818-1893), работавший в Лондоне,
делал лучшие химические весы конца 19 века.
Их продавали в стеклянных коробках, чтобы
защитить от сквозняка и попадания
посторонних предметов.
В 1855 году немецкий химик Роберт Бунсен
(1811-1899) изобрел газовую горелку,
названную его именем. Горелка позволяла получить
высокую температуру нагревания, которую можно
было контролировать при проведении
лабораторных испытаний.
СТУПКА И ПЕСТИК
ХИМИКА
Обработанное железное
дерево
18».
Железное дерево
водонепроницаемо, однако тонет в воде.
Такими свойствами обладает
дерево только двух пород Считали,
что из железного дерева делали
волшебные палочки.
305

К О НТ Р О Л Ь Н О - И 3
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Разнообразие традиционных систем мер и весов у6еждает нас
в том, что измерительные машины являются одними из самых
древних инструментов.
ВЕСЫ И ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ МАШИНЫ
С появлением торговли потребовались
точные средства мер и весов. В Европе
делали два наиболее распространенных типа
весов: равноплечные весы и безмены. В весах
первого типа опорная точка находится в
центре, взвешиваемый предмет кладется на одну
чашку, а уравновешивающий груз — на
другую. Безмен представляет собой разноплечные
весы, в которых взвешиваемый предмет
помещают на короткое плечо, а простой груз
перемещается по длинной шкале с делениями.
Используются оба типа весов, но безмен имеет
одно преимущество — он не имеет мелких гирь,
которые можно потерять.
В средние века многие страны чеканили
свою золотую монету. В Испании это были
пистоли, в Италии — цехины. При торговле
в разных странах купцам рекомендовалось
взвешивать монеты при расчетах, а не
пересчитывать их: было известно, что при
обращении монеты стирались. Поэтому были
распространены небольшие переносные весы. В
17-м и 18 веках такие весы делали в
Голландии и Южной Германии. Впоследствии
коллекционеры старались найти весы с
интересными торговыми марками и полным набором
гирь.
В 1775 году английский мастер весов
Энтони Вилкинсон делал складные весы,
которые можно было носить в кармане пальто.
Внешний корпус был из красного дерева, в более
редких экземплярах — из латуни, слоновой
кости или черепаховой кожи. В это же время
во Франции появились складные весы со
стрелкой и таблицей на крышке корпуса, в которой
перечислялись все золотые монеты, бывшие в
обращении в Европе.
В 1840 году в Англии была введена
почтовая оплата в 1 пенни. Это означало, что
отправления будут оплачиваться по весу неза-
ПОЧТОВЫЕ ВЕСЫ
Марка: Т.Т.Рэтклифф,
мастер'
Латунь и красное дерево.
Конец 19 в.
Весы снабжены полным
комплектом квадратных гирь. Самая
маленькая гиря часто отсутствует.
Весы сделаны по эскизу
французского изобретателя Роберво-
ля. В наклонном положении обе
чашки остаются параллельными
относительно стола. Прочие
детали механизма скрыты в
основании.
306

ВЕСЫ И ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ
А Ш И Н Ы
БАНКОВСКИЕ ВЕСЫ
Марка: "Дж. Хэр, мастер.
Брайтон9
Латунь. 80-е гг. 10 в.
Стальные опорные ребра призмы
весов покоятся на агатовых
опорах. Весы использовали для
взвешивания мешков с монетами,
например золотых соверенов.
Когда на чашках лежат монеты и
гири, чашки поднимаются вверх
нажатием педали.
307

КОНТРОЛЬНО-ИЗ
ЕРИТЕЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
РАВНОПЛЕЧНЫЕ
ПОЧТОВЫЕ ВЕСЫ НА
ОВАЛЬНОМ ОСНОВАНИИ.
Чашками служат фарфоровые
диски фабрики 'Веджвуд'.
(Вверху слева)
ПОЧТОВЫЕ ВЕСЫ
"КОЛЕНОПРЕКЛОНЕННЫЙ
МАЛЬЧИК"
Надпись: "Г.Б.Райт, N130,
Лондон, дек. 20, 1839'
НАБОР СТАНДАРТНЫХ
ГИРЬ ГРАФСТВА
Надпись: "Графство Эйр
1859"
висимо от расстояния. Было введено правило,
гласившее: "Первые четыре унции за 1
пенни", и черный почтовый штемпель с 1 пенни
стал знаменитым. У производителей весов
появилась возможность делать небольшие весы
для взвешивания писем.
С конца 15 века за стандартную меру
емкости для эля, вина или зерна был принят
винчестер, крупная лабораторная склянка,
названная по названию древней столицы Англии
времен правления саксов. Винчестер делится на
бушель, полбушеля, кварту и четверть пинты.
По традиции, фермеры мерили свой урожай в
бушелях, то есть, мерой объема, а продавали
зерно на вес. В 1824 году был введен кондро-
метр — небольшие весы для зерна, которые
переводили бушели в килограммы.
В течение сотен лет чиновники,
устанавливающие торговые стандарты, проверяли,
придерживаются ли торговцы принятой законом
системы мер и весов. В 19 веке в каждом
графстве Англии ввели стандартный набор
тяжелых бронзовых мер; большие меры имели по
бокам две ручки. Некоторые меры делали для
английских владений, на них было
выгравировано название колонии, например: "Колония
Гренада, 1834". Делали также стандартные
наборы гирь из латуни, сферической или
расширенной формы, весом от 56 фунтов до 1/4
унции (1 фунт = 0,453 кг, 1 унция = 0,028 кг).
308

ВЕСЫ И ИЗМЕРИТЕЛЬНЫЕ
А Ш И Н Ы
ФОТОГРАФИЯ
Камера-обскура была известна очень
давно. Через отверстие в стене закрытой
комнаты проецировали перевернутое
изображение на противоположную стену.
В 1550 году миланский математик
Джироламо Кордано впервые вставил
линзу в апертуру для расширения
изображения. Несколько лет спустя
венецианец Даниеле Барбаро (1528-1570)
предложил использовать диафрагму для
получения четкого изображения,
воспроизводимого простой выпуклой
линзой. Камера-обскура была хорошо
известна в Китае и в средневековой
Европе. Ее использовали для наблюдения
солнечного затмения. В 1800 году Томас
Веджвуд, представитель знаменитой
семьи фабрикантов, занимавшихся
выпуском фарфора и фаянса, проводил
эксперименты с камерой-обскурой.
Подвергая бумагу, покрытую нитратом
серебра, воздействию солнечных лучей,
он вплотную подошел к открытию
фотографии.
Исследования продолжались во
Франции. В 1827 году Жозеф Найсфор
Найпс (1765-1833) зачернил битумом
оловянные пластинки и получил на них
первые фотографии. Три года спустя за
ним последовал Луи Дагерр (1787-1851).
В 1839 году появился дагерротип. К 1841
году в Париже и Лондоне открылись
тысячи фотостудий, и многие художники-
портретисты остались без работы.
Нипс умер в 1833 году, Дагерр — в
1851 году. В 1835 году англичанин Уильям
Генри Фокс Тальбот (1800-1877), проводя
эксперименты с камерой-обскурой,
снабдил ее линзами. Ему удалось
зафиксировать изображение на бумажной
пластинке. В 1841 году Тальбот получил
патент на свое изобретение и назвал
прибор "калотипом". Процесс,
предложенный Тальботом, имел одно
неоценимое преимущество: с одного
негатива можно было получить несколько
отпечатков.
Первые фотокамеры представляли
собой два простых деревянных ящика,
вставляемых один в другой. Ящик
поменьше был снабжен линзами. На
задней стороне большого ящика, напротив
линз,устанавливалась
светочувствительная пластинка, на
которой фиксировалось изображение.
Ящики делали из ореха и бука, позднее —
из красного дерева с латунной
гарнитурой. К 1844 году заднюю и
переднюю части камеры соединили
кожаной гармошкой. Обе части вдвигались
и выдвигались с помощью кремальеры,
которая фокусировала изображение.
ПЛАСТИНОЧНАЯ
КАМЕРА РОССА
С НАБОРОМ ДЕТАЛЕЙ
Ок. 1860г.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться
новые работы.
Барнетт Дж. Э. и А.Д.
Моррисон-Лоу
"Обычные и
механические
инструменты".
Ярмарка контрольно-
измерительных
инструментов в
Ирландии. 1650-1921
Эдинбург, 1989
Беннетт Дж.А.
Разделенный круг
Оксфорд, 1987
Беннион Э.
Старинные
медицинские
инструменты
Лондон, 1979
Бэнфилд Э.
Барометры (в 3-х т.)
Троубридж, Уилтшир
— Великая эпоха
микроскопов
ГукР.
Нюрнбергские
солнечные часы из
слоновой кости.
1500-1700
Кембридж, 1988
Дома Морис
Контрольно-
измерительные
инструменты
18-19 вв.
Нью-Йорк, 1972
Коллекция
микроскопов
Биллингса
(Музейный каталог)
Вашингтон
Кроуфорт М.А.
Монеты на вес
Лондон, 1979
Рандье Жан
Морские
навигационные
инструменты
Лондон, 1980
Тернер Энтони
Первые
измерительные
инструменты: Европа,
1400-1800
Лондон, 1987
Тюрне Жерар Л'Этранж
Измерительные
инструменты 19 в.
Лондон, 1983
Уинтер Хэрриэт
и Энтони Тернер
Контрольно-
измерительные
инструменты
Лондон, 1975
Хамбли Мира
Чертежные
инструменты
Лондон, 1989
— Эссе по истории
микроскопа
Оксфорд, 1980
309

СтрунныЕ инструменты
Деревянные духовые инструменты
Медные духовые инструменты
Клавишные инструменты
ударные инструменты
Дэвид Майлз
Надпись внизу: НЕАПОЛИТАНСКАЯ МАНДОЛИНА, ок. 1777 г. (фрагмент)

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
МУЗЫКАЛЬНЫЕ
ИНСТРУМЕНТЫ
Изменения вкусов на протяжении веков повлияли на постепенное
РАЗВИТИЕ СЛОЖНОГО АНСАМблЯ МУЗЫКАЛЬНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ.
Несмотря на то что многие европейские музыкальные инструменты
можно легко узнать в современном оркестре, их происхождение и
развитие прослеживается со времен Древней Греции и Рима. После
падения Римской империи, вызвавшего политические конфликты и хаос,
единственным источником гармонии на Западе оставались учения ранних
христианских миссионеров. Однако, поскольку церковь запрещала
использование музыкальных инструментов во время богослужения, их
сохранилось мало от этого периода до 12 века.
Лишь к 13 веку относятся первые известные упоминания о
струнных инструментах в старинных текстах, таких как: цимбала,
псалтерион, старинная трехструнная скрипка и морская труба. Трехструнная
скрипка имела отношение к арабскому двухструнному инструменту под
названием "рабаб" и появилась в то же время на Западе; играли на ней
коротким аркообразным смычком. Цимбала и псалтерион напоминали
примитивные цитры.
Что касается развития деревянных духовых инструментов, то в это
время существовало два типа флейт: поперечная флейта и продольная
флейта, позже названная рикордером (род старинной флейты)
Основным язычковым музыкальным инструментом был шом (средневековый
музыкальный инструмент типа гобоя.), который во Франции называли
"шалюмо" — свирель. К этому периоду можно отнести и волынку,
которая осталась в употреблении, с некоторыми изменениями, до
сегодняшнего дня.
Даже в 13 веке Римская империя определяла развитие военных
музыкальных инструментов, особенно рога; обычно он делался из рогов
животных и, согласно римским традициям, использовался в качестве военных
фанфар. Олифант, делавшийся, как подсказывает его название, из бивней
слона, применялся в качестве большого церемониального рога.
Клавишные инструменты впервые упоминаются в начале 15 столетия,
когда появились клавесин и клавикорды. Вероятно, также были известны
спинеты без ножек и просто спинеты (род клавикордов). Шарманка
впервые упоминается в рукописях начиная с 12 века; это был главным обра-
КИФАРА (ЛИРА)
Джон Престон
Ок. 1770 г.
Донная лира, или английская
гитара, наглядно предствляет
донный период; верхняя дека у нее
сделоно из сосны с
инкрустацией, украшено розой,
выполненной из металла, боковые и
задняя поверхности — из клена.
Струны но грифе
настраиваются при помощи специального
ключо.
312

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
зом народный инструмент, на котором играли менестрели и уличные
музыканты.
К ударным инструментам относились тарелки и литавры. Появились
тамбурины, в это же время существовали длинные узкие барабаны, в
которые барабанили специальными палочками.
ПЕРИОД
РЕНЕССАНСА
В это время было произведено различие между разнообразными
семействами музыкальных инструментов. Поскольку диапазон одного
регистра у инструментов был ограниченным, развитие инструментов было
направлено на увеличение их диапазона, и постепенно появились
сопрановый для пения, альтовый, теноровый, баритональный, басовый и
контрабасовый регистры.
Наиболее широко известными струнными инструментами в период
Ренессанса были лютня, первоначально арабский инструмент, который
мавры привезли в Испанию, и оттуда он распространился по всей Европе;
гитара, также испанского происхождения, и смычковая скрипка,
первоначально средневековый инструмент менестрелей, из которого позднее
произошло семейство виол. В период расцвета Ренессанса виолы, или виолы
да гамба, как они были известны в Италии, включали большое число
инструментов, с регистрами звучания от сопрано до баса. Небольшая
смычковая скрипка не была полностью вытеснена семейством виол, но была
переделана в виолу да брачча, предшественницу современных скрипки и
виолончели.
Развитие деревянных духовых инструментов происходило
аналогичным образом: использовались рикордеры различных размеров, с
регистрами от сопранового до контрабасового; наряду с ними существовали
варианты рикордера, такие, как дудка, свирель и флажолет. Поперечные
флейты могли быть также с более высокими и низкими регистрами.
Позже в 16 веке продолжали развиваться язычковые музыкальные
инструменты, наиболее важной среди которых была двухъязычковая секция,
куда входили крошечный рожок, средневековый гобой и фагот. Фагот
позже образовал свое собственное семейство с протяженным
регистром.
В эпоху Ренессанса медные духовые инструменты, хотя они и
необязательно делались из меди до более позднего времени, впервые образовали
независимую группу инструментов. Более широко стал использоваться
корнет, который делался из рога или дерева с отверстиями для пальцев с
одной стороны. К концу 16 века появился серпент, и, как следует из его
названия, он имел форму змеи, с отверстиями для пальцев вдоль корпуса
инструмента. Sackbut, или как его позже называли, тромбон впервые
появился в начале 16 века и получил широкое признание под влиянием
производителей меди в Нюрнберге.
Клавишные инструменты развивались путем увеличения числа струн.
В случае с клавесином каждой клавише принадлежало несколько струн.
Орган усовершенствовался путем добавления второй клавиатуры, а
также сочетания регистров, обеспечивающего разнообразие звуков.
В секцию ударных инструментов входили литавры, или тимпаны, как
их позже называли; это был большой инструмент в форме вазы,
первоначально привезенный в Европу арабами в 15 веке. В это время также
играли на ксилофоне и пользовались разнообразными колокольчиками.
ПЕРИОД
БАРОККО
Начиная с середины 17 столетия, в связи с упадком Ренессанса и
появлением барокко, происходило постепенное изменение музыкальных
инструментов в связи с повышенными и более гибкими требованиями,
которые предъявляла к ним исполняемая музыка.
КИТАРРОНЕ
Мишель Ортон, Падуя
Ок. 1610г.
Но этом инструменте
представлены струны для шести двойных
регистров плюс шесть одинор-
ных босовых регистров. Но
верхней части деки выполнено
великолепное украшение в виде
трех роз.
313

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ОХОТНИЧИЙ РОЖОК
Наверху, под гирляндой,
надпись: "УЛУЧШЕННЫЙ
ВАРИАНТ ФИРМЫ МАК-
ФАРЛЕЙН, МАСТЕР КОЛЕР
ЛОНДОН".
Данный инструмент выполнен
из серебро, с позолоченной
серебряной гирляндой и 10 кло-
пономи.
На лютне продолжали играть на протяжении 17 века, и в добавление к
этому появились некоторые разновидности ее по сравнению с
первоначальным вариантом, как можно заметить из появления теорбы (род
старинной лютни 17 века) и китарроне, которые легко узнать по вытянутым
шейкам. Большое распространение получила гитара, а в начале 18 века
появилась мандолина. Хотя во всей Европе была широко распространена
виола, ближе к середине 18 века особую популярность приобретает скрипка,
особенно в Италии.
До 17 века деревянные духовые инструменты имели ограниченное
применение, поскольку число извлекаемых ими звуков не превышало
количество отверстий для пальцев, а стиль одноголосия требовал гораздо более
широкого диапазона и динамизма. Многие инструменты вышли из
употребления, другие же после усовершенствования заняли прочное место в
оркестре, например поперечная флейта, гобой и фагот. В начале 18 века
французская свирель была переделана в одноязычковый музыкальный
инструмент — кларнет — с гораздо большим диапазоном звучания.
Хотя тромбоны и трубы претерпели сравнительно малые изменения до
18 века, именно в этот период французский охотничий рог превратился в
оркестровый французский рожок.
Дальнейшее развитие клавишных инструментов вначале можно
проследить на примере клавесина, который превратился либо в генерал-бас
(басовый голос органа или клавесина), либо в сольный музыкальный
инструмент. Это привело к созданию клавесинов с двойной и даже трой-
314

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ной клавиатурой, которые позволяли большее внимание уделить
тембровой окраске звучания и динамике. В конце 18 века диапазон
клавиатуры был также увеличен для получения большей экспрессии звучания
музыки. В то же время клавикорды также претерпели изменения от
настроенного до ненастроенного музыкального инструмента, в добавление
к тому, что диапазон его был расширен до пяти октав. Орган также был
усовершенствован с помощью регистров, струн и голосов. Появились и
ножные педали.
СЕРПЕНТ
Хей, Лондон
Ок. 1825 г.
Донный инструмент имеет три
клопоно, выполнен из дерева, с
кожоными креплениями и
медными вставкоми,
декорированным рострубом и изгибом.
Типичен для серпентов, которые
применялись в военных оркестрах.
ПЕРИОД
КЛАССИЦИЗМА
С приходом в конце 18 века классицизма и в 19 веке романтизма у
музыкантов возникла необходимость достигать более высокого тонально-
гого качества и динамического звучания. В этот период у изготовителей
музыкальных инструментов появилась возможность улучшить технику их
выпуска, благодаря чему музыканты стали гораздо более оснащенными и
могли играть в нужной тональности и с необходимыми динамическими
эффектами.
Струнные инструменты разделились на две большие группы —
смычковые и щипковые. С появлением альта, виолончели и контрабаса было
завершено семейство скрипичных инструментов и сформирована
струнная группа оркестра. В начале 19 века была усовершенствована арфа
благодаря введению семи педалей, что позволило поднять высоту нот в
каждой октаве на полутон. В отличие от гитары и мандолины, получивших
особенно широкое распространение в странах своего происхождения,
Испании и Италии, в Англии же в конце 18-го — начале 19 века более
популярна была цитра или английская гитара. Существовали также
смешанные щипковые инструменты, такие, как арфа-лютня, и лира-гитара,
которые появились в Европе в конце 18 века, но в середине 19 века
вышли из употребления.
Как и струнные инструменты, деревянные духовые также выиграли
благодаря расширению инструментальной мануфактуры. В то время как
музыканты классического периода могли производить хроматические
звуки с помощью перекрещивания пальцев, добавление к инструменту
механических клавиш способствовало облегчению хроматического звучания.
В течение классического и романтического периодов были произведены
нововведения в группе деревянных духовых — флейте, гобое, фаготе и
кларнере — путем расширения их диапазона. В середине 19 века во
Франции появился новый одноязычковый инструмент — саксофон, который
приобрел наибольшую популярность во французских армейских
оркестрах и позже получил распространение в Англии и Северной Америке.
Примерно в то же время появился двухъязычковый инструмент — сарра-
софон.
Медные духовые инструменты изменились сравнительно мало до
конца 18 века, до появления клавиш у трубы, которые в середине 19 века
были заменены клапанным механизмом. Это придало исполнению на
трубе большую живость и яркость. В то же время серпент был заменен
офиклеидом, большим металлическим клавишным инструментом, который
в медном диапазоне звучал как бас. Офиклеид в свою очередь был
заменен в последней четверти 19 века тубой, которая обладала гораздо
большим количеством интонаций благодаря клапанному механизму. Рожки
также выиграли из-за применения клапанов, что улучшило их звучание и
хроматическую гибкость.
Хотя клавесин претерпел некоторые модификации до конца 18 века,
основным клавишным инструментом становится фортепьяно. Их
развитие шло от первоначальных прямоугольных инструментов с прямой
спинкой до образцов с чугунной отлитой рамой середины 19 века. Из всех
инструментов они приобрели наибольшую популярность вследствие их
тональной живости и всеохватывающего регистра.
БАССЕТ-ХОРН
И. Майрвц, Удин
Ок. 1830г.
Этот боссет-хорн в в форме
буквы Т имеет 14 прямоугольных
медных кловиш и изготовлен из
роскрошенного сомшито со
вставками из слоновой кости. В
нем три секции, центральная под
углом 120 градусов.
Сферическое отверстие рожка
расположено под прямым углом к
нижней секции. Данный оброзец
имеет переходную форму
между более ранней нижней
секцией в форме коробки и поздней
прямой моделью.
315

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
РдзнообрАзиЕ струнных инструментов свидетельствует
Об ИХ ВАЖНОСТИ ДЛЯ СОЗДАНИЯ МуЗЫКИ; ЭТА ВАЖНОСТЬ
ДО НЕКОТОРОЙ СТЕПЕНИ ЗАКЛЮЧАЕТСЯ В боЛЬШОМ ДИАПАЗОНЕ
ИХ ЗВУЧАНИЯ.
СТРУННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Едва ли можно найти струнные
инструменты, которые не подвергались бы никакой
реставрации или лишь незначительной, и при
этом находились бы в отличном состоянии.
Поэтому необходимо сказать о величине
ремонта, который может быть произведен с
инструментом. Наиболее распространенными
причинами повреждений является
растяжение, из-за которого может сломаться корпус
инструмента, и перекручивание или
излишний подъем шейки, из-за чрезмерного
натяжения струн. Декоративный узор в виде роз
на верхней деке может быть сильно
испорчен или полностью отсутствовать, и хотя это
может не отразиться на звучании
инструмента, тем не менее коллекционерам это
следует иметь в виду. В помощь коллекционерам:
некоторые струнные инструменты имеют
личную печать мастера. Эти печати ставятся
внутри корпуса инструмента, и их можно
разглядеть сквозь f-образные отверстия в
струнных инструментах и звуковое отверстие
язычковых инструментов. Иногда штамп
изготовителя ставится у основания шейки.
ВИОЛА ДА ГАМБА
Семейство виолы да гамбы ("ножного
альта" в переводе с итальянского) получило свое
название потому, что инструменты держали
во время игры между ногами. Они появились
в 16 веке в Италии, но вскоре
распространились по всей Европе, где на них продолжали
играть до конца 18 века.
Сюда входили сопрановые, теноровые и
басовые да гамбы; хотя для каждого размера
существовали варианты, которые лучше всего
подходили каждому конкретному музыканту,
выбранному оркестром.
Примерная длина корпуса у инструментов
была следующая: у сопрано 35 — 40 см (14 —
16 дюймов), у тенора 32 — 53 см (17 — 21
дюйм), у виолы-лиры 54 — 60 см (21 — 24
дюйма), у дробной виолы 62 — 67 см (25 — 27
дюймов) и у баса 68 — 71 см (27 — 29
дюймов). Хотя обычное число струн для
большинства виол шесть, можно иногда встретить и пять,
а у бас-виолы — пять, шесть или семь.
СКРИПКА
Скрипки входят в семейство виолы да брач-
ча; на них играли в Италии в середине 16 века.
В это семейство входили теноровая и басовая
скрипки, из которых позже получились альт и
виолончель, а также просто скрипка,
сопрановый инструмент семейства.
Форма скрипки оставалась сравнительно
неизменной примерно до 1800 года, когда
определенные модификации были произведены с
мостом, шейкой, колодочкой и грифом
инструмента, чтобы помочь музыкантам исполнять более
серьезную музыку и звуки большей высоты.
Альт, следующий член семейства скрипичных
инструментов, настраивается на пять нот
октавы ниже, чем скрипка, и поэтому имеет более
низкий тембр. Сравнительная длина корпуса у
скрипки и альта следующие: скрипка 33 — 36
см (13 — 15 дюймов); альт 40 — 47 см (16 — 19
дюймов).
Виолончель вначале предназначалась для
исполнения басовой партии в скрипичном
оркестре, но в начале 18 века стала сольным
инструментом. До 1700 года виолончели делались
ВИОЛА ДА ГАМБА
Иоахим Тьвлкв
Надпись "Изготовлена
■ Гамбурге в 1685 году".
На задней деке — резной
декоративный рельеф с
изображением овального медальона с
листьями аканта и цветами вокруг
женской фигуры. Она держит
смычок и стрелу и сидит в
колеснице, запряженной
оленями. Колки держатся при помощи
резной головки. (Слева)
ПОШЕТТА
(НЕБОЛЬШАЯ
СКРИПКА)
Печать мастера с надписью:
"Бончи/ Себастьяно/год/1770
во флорентийском замке"
Данная пошетта с кленовым
корпусом имеет цельную шейку и
головку. (Внизу)
**>»Е^
316

СТРУННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Амати, Андреа
Амати, Антонио
Роуз, Джон
Да Сало, Гаспаро
Амати, Иеронимус
Джироламо
Маджини, Джованни
Паоло
Амати, Николо
Штейнер Якоб
Тилке, Иоахим
Страдивари,
Антонио
Норман, Барак
Гварнери, Джузепле
Ле Жен, Франсуа
МАСТЕРА СТРУННЫХ СМЫЧКОВЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
1511—1580
род. в 1540
вторая половина
16 в.
1540-1609
1561—1630
1580-1632
1596-1684
1617—1683
1641—1719
1644—1737
1670-1740
1698—1744
1753-1789
Кремона
Кремона
Лондон
Бречча
Кремона
Бречча
Кремона
Абсам (Тироль)
Гамбург
Кремона
Лондон
Кремона
Париж
Скрипка
Скрипка
Виола да гамба
Виола да гамба, скрипка
Скрипка
Скрипка
Скрипка
Скрипка
Виола да гамба
Скрипка
Виола да гамба
Скрипка
Виола да гамба
большими, но после этого времени они
постепенно становились меньше, с длиной корпуса
около 75 см (30 дюймов).
В то время как у скрипок, альтов и
виолончелей по четыре струны, у контрабасов их от
трех до шести. Размеры контрабасов тоже
варьируются, от гигантского итальянского баса
17 века до небольших камерных басов 18 века.
У среднего оркестрового контрабаса длина
корпуса составляет около 120 см (48 дюймов).
Пошетта, или оригинальная танцевальная
скрипка, изготавливалась с середины 16 до
конца 18 века и использовалась в качестве
аккомпанемента учителями танцев во время
частных уроков. Эти инструменты были
маленькими, напоминали трубы и делались либо из
цельного полого куска древесины, либо из
отдельных склеенных фрагментов. По форме они
были похожи на миниатюрные скрипки, но с
удлиненными шейками.
СМЫЧКИ
Старинные смычки имели обычно выпуклую
форму и сужающийся конец, но когда в конце
18 века появилась необходимость в более
динамичном звуке, они постепенно стали
длиннее и приобрели вогнутую форму, с
выпуклостью ближе к концу. Та часть, за которую
держался скрипач, называлась "frog"; ее
изготавливали из слоновой кости или черного дерева,
иногда с инкрустацией жемчуга или серебра.
Выдающимися мастерами, которые
усовершенствовали форму смычка в конце 18 века, были
СКРИПКА
Антонио Страдивари
Надпись: "Антонио
Страдивари из
Кремоны, 1706 г.
Эта скрипка, иэвестнаяя
как Экс-Типолини,
принадлежала Ференцу
Листу, который подарил ее
скульптору Моркезе Ски-
пионе Тадолини.
317

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
англичанин Джон Додд и француз Франсуа
Турт.
ЛЮТНЯ, ТЕОРБА
И КИТАРРОНЕ
Несмотря на важную роль, которую играла
лютня в 15 веке, в конце 17 века она была
заменена теорбой, китарроне и другими вариантами
меньших размеров. Классическая форма лютни
в виде груши достигалась путем подгонки очень
тонких досочек ("ребер"), образующих плоскую
нижнюю деку инструмента; верхние концы этих
"ребер" присоединялись к широкой шейке, на
которой покоился украшенный гриф; головка
инструмента, на которой находятся настроечные
колки, установлена под углом 90 градусов к шейке
и грифу, создавая очень рельефные очертания.
Струны присоединены к мостику, приклеенному
к нижней деке инструмента, проходят над
звуковым отверстием, которое может закрываться
красивой резной вставкой, известной как "роза",
далее идут к деке и заканчиваются у
настроечных колков. У обычной лютни струны натянуты
таким образом, чтобы получить шесть регистров,
что обеспечивает либо одинарную, либо двойную
настройку инструмента.
У теорбы более длинные басовые струны,
шейка длиннее, чем у лютни, и разделенная
коробочка для колков, что дает возможность
перекрывать от шести до восьми основных
регистров, и шесть-семь дополнительных басовых
струн на другом.
Китарроне представляет собой увеличенный
вариант теорбы. Струны распределяются
между грифом, прикрепленным к нижней части
шейки, и одна у головки. Обычное расположение
струн составляет шесть двойных струн плюс
восемь единичных басовых струн.
ГИТАРА
Гитара ведет свое происхождение из
Испании, и в 18 веке на ней играли по всей Европе.
Она имела сводчатую заднюю часть, богато
инкрустированный гриф, прекрасно оформленную
головку и украшалась замысловатой резной
розой; в то время размеры гитары были
несколько меньше, чем у более поздних инструментов.
К 1800 году формы гитары, бывшей тогда
узкой и объемной, становятся более широкими,
с изогнутыми линиями. Резная роза исчезла,
звуковое отверстие открылось, число струн
изменились с четырех или пяти до шести. Гриф
удлинился, и форму головки также пришлось
изменить, чтобы она могла вместить
сделанные фабричным способом колки.
ЛИРА (КИФАРА)
Лиры получили распространение в Европе,
начиная с 16 века. Только в середине 18 века
АРФА-ЛЮТНЯ
Вучингер, Лондон
Ок. 1810 г.
Разрисованная и позолоченная
арфа-лютня прекрасно
сохранилась и находится в своем
оригинальном золотисто-красном
кожаном футляре, с деревянными
вставками. Можно ясно видеть
пять струн. (Вверху)
ГИТАРА
Льюис Панормо, Лондон
Ок. 1840 г.
Панормо был единственным
мастером по изготовлению гитар
в испанском стиле из
работавших в это время в Лондоне. У
данной гитары 'ребра* и
задняя дека выполнены из
розового дерева, а верхняя дека из
сосны с инкрустацией вокруг
краев звукового отверстия.
Головка сделана из сикомора, с
медными фабричными колками.
(Слева)
ЛЮТНЯ
Малер
Ок. 1740 г.
У этой шестиструнной лютни
корпус выполнен из сикомора, а гриф
иэ черного дерева. Типичная
форма груши у лютни осталась
сравнительно неизменной с 16
до конца 18 века. (Вверху)
318

СТРУННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
появилась более специфическая ее форма,
английская гитара, с плоской задней декой,
закругленными грушевидными окончаниями;
металлические струны, обычно имеет шесть
двойных струн, которые проходят от нижнего
конца корпуса над мостом к коробочке для колков
или к сделанной фабричным путем головке,
которая позволяет струнам вставляться в
верхнюю часть головки, а затем сжимаются с
помощью специального ключа для надстройки.
ЛИРА-ГИТАРА
И АРФА-ЛЮТНЯ
Эти инструменты датируются примерно от
конца 18 века примерно до 1840 года и
являются смешанной формой гитары, лиры и лютни.
Лира-гитара в основном представляет собой
шестиструнную гитару на плоском основании.
У нее есть центральный разукрашенный гриф,
по обеим сторонам которого имеются
протяженные ручки, как у лиры, соединенные в
головке при помощи поперечной перекладины.
Может быть или одно звуковое отверстие, или
два меньшего размера на каждой стороне от
струн.
Арфа-лютня отличается наличием
декоративной опоры, как у арфы, которая начинается
от корпуса инструмента и соединяется с
параллельным грифом при помощи закругленной
ручки. Струны идут вдоль всей длины
изогнутой ручки до декоративной розы внизу и
заканчиваются на широком мостике, который
может быть диагональным или прямым.
МАНДОЛИНА
В Италии в конце 18 века небольшая
лютня или мандора была превращена в
мандолину, наиболее известные инструменты делались
в Неаполе и Милане. У этих инструментов с
круглой задней декой было по четыре
двойных струны, которые подстраивались
наподобие скрипки и украшались черепаховыми
вставками на верхней деке и декоративной
инкрустацией на грифе. У более ранних
миланских мандолин имеются сделанные из кишок
струны, на которых играли пальцами, в то
время как неаполитанские мандолины имели
проволочные струны, на которых играли при
помощи плектра (небольшой тонкий кусок
металла или рога).
ЦИТРА
И ЦИМБАЛА
Известны ранние примеры цитр и цимбал
17 и 18 века; однако более распространены
южно-немецкие и австрийские инструменты 19
века.
Цитры имеют звуковую доску с плоской
задней декой и 35 металлических струн, которые
МАНДОЛИНА
Антонио Виначча, Неаполь
Ок. 1777 г.
Эта великолепная
четырехструнная мандолина, сделанная самым
знаменитым неаполитанским
мастером, имеет грушеобразную
форму нижней деки с
инкрустацией перламутра, а также
инкрустацией черепахи на верхней
деке и грифе. (Слева)
ЦИТРА
Энгледер, Монако
Ок. 1740 г.
У этого вида цитры 30 струн, из
которых четыре идут поверх
декоративных украшений. На
головке изображен типичный,
волнообразный рисунок для этого
стиля инструмента. (Внизу)
319

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
настраиваются с помощью "вырванных
булавок", наподобие фортепьяно. Однако этот
инструмент является щипковым и также имеет
декорированный гриф.
Цимбала обычно используется как
народный инструмент, особенно в Румынии и
Греции. Она отличается от цитры тем, что у нее
отсутствует деление на лады. Струны
протянуты через плоское звуковое отверстие, и в
отличие от цитры, которая является щипковым
инструментом, на цимбале играют двумя
палочками.
БАНДЖО
Самые ранние упоминания о банджо
относятся к началу 19 века в Северной Америке. В
Англию его привезли в середине того же
столетия христианские менестрели. Банджо
состоит из деревянного обруча, поверх которого
натянута пергаментная дека, удерживаемая на
месте либо металлическими гвоздиками, либо
винтами. Длинная шейка тянется от
настраивающей головки вниз, сквозь обруч к
пергаментной бумаге. Ненастроенные банджо были
популярны в начале 19 века, и лишь с введением
плектра стиля игры "fretted" грифы и
металлические струны вошли в употребление.
ШАРМАНКА
С 12 века шарманка была известна во
многих странах Европы как народный инструмент.
Во Франции в 18 веке он был
усовершенствован — форма его была либо круглой, как
задняя дека лютни, либо плоской, как у гитары.
Звук издавался путем поворачивания
колесика, укрепленного на оси, расположенной
внутри корпуса инструмента. При поворачивании
колеса за рукоятку, находящуюся рядом со зву-
ЦИМБАЛА
Италия
Ок. 1700 г.
Эта старинная цимбала имеет
верхнюю деку из сосны,
окрашенную в черный цвет и
позолоченную, с двумя резными
позолоченными розами. Основание и
ножки из резного дерева и
позолоченные. (Вверху)
АРФА
Джеймс Хэнли
Ок. 1840 г.
Эта английская двухпедальная
арфа украшена золочением, с
разрисованной звуковой
доской в неоклассическом стиле.
(Справа)
ШАРМАНКА
На ней печать "Варкен",
Париж
Ок. 1750 г.
Украшена черным деревом и
слоновой костью. (Внизу)
ковым отсеком, струны приходят в
неподвижное состояние благодаря определенному
положению клавиш, расположенных в клавишном
отсеке над корпусом инструмента. На другом
конце корпуса от вращающейся ручки
находится отсек с колками для шести струн, по три по
обе стороны от клавиш. В конце 18 века
головка обычно украшалась резными завитками или
даже мужскими или женскими головками.
АРФА
Арфа известна со времен средневековья, в
период Ренессанса была усовершенствована,
когда изменились требования к новой музыке.
320

СТРУННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Это было достигнуто изобретением двойной
арфы, которая имела ряд хроматических струн
наряду с диатоническими. В середине 17 века
появилась тройная арфа, у которой было два
внешних ряда диатонических струн и
внутренний ряд хроматических струн. К концу 17 века
арфа стновится популярным солирующим
инструментом в Англии, но еще большим
успехом пользуется в Уэльсе ив 18 и 19 годах
преобразуется в традиционную уэльскую арфу.
В это время в Баварии и Тироле
создавались экспериментальные арфы с одной
струной. Этот инструмент подстраивался при
помощи специальных скоб, прикрепленных к
шейке, которые нужно было поворачивать
вручную для поднятия высоты звука на
полтона. Эта система оказывалась
неудовлетворительной при игре быстрых пассажей,
поскольку трудно было повышать или понижать
высоту звуков, не нарушая звучания мелодии.
Эта проблема быда разрешена в начале 18 века
с помощью введения педалей: семь педалей,
расположенных полукругом вокруг основания
звуковой коробки, были связаны со струнным
механизмом с помощью нескольких рычагов
внутри опоры инструмента. Нажимая на
каждую педаль, можно было повысить звук на
полутон. Введение позже дополнительного
ряда педалей позволило сделать звуки выше
еще на полтона. В конце 18 века корпус арфы
стали украшать резьбой с греческими
мотивами, позолотой, благодаря чему ее стали
называть греческой арфой. Позже, в середине 19
века, арфа приобрела еще одну сопрановую
струну и две басовых струны, таким образом,
став несколько больше. Изменились также
декоративные украшения, и из-за резных
изображений ангелов и арок эту модель стали
называть готической арфой.
Старинные ирландские арфы имели длину
около 60 см (24 дюйма), но в 18 веке они
стали больше, с 30-50 медным струнами. На них
играли в основном народные музыканты, пока
в 18 веке традиционная игра не пришла в
упадок. Делались попытки оживить эту традицию
путем создания портативной, переносной арфы
с крючковым механизмом струн (придуманным
Джоном Иганом из Дублина в 1819 году), и
именно в этом русле продолжала развиваться
традиция ирландской народной музыки.
МАСТЕРА ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ ЩИПКОВЫХ СТРУННЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
Малер, Ло
ум. 1552
Болонья
Лютня, теорба,
китарроне
Дюффопрупсар 1514_1571 Лион
Гаспар
Лютня, теорба,
китарроне
Гартунг,
Майкл
вторая
половина
16 в.
Падуя
Лютня, теорба,
китарроне
Тиффенбрукер 1552-1б11
Венделин
Падуя
Лютня, теорба,
китарроне
Селлас,
Маттео
ок.1630
Венеция
Лютня, теорба,
китарроне
Вобоам, Рене ок.1640
Париж
Гитара
Страдивари,
Антонио
1644-1737 Кремона Гитара
Хохбрукер,
Якоб
РОД-ок. 1673 Л-ДГ Арфа
Луве, Пьер
1711-1784 Париж
Шарманка
Хинц,
Фредерик
ок.1760
Лондон
Лира
Зумпе,
Иоганнес
ок.1760
Лондон
Лира
Престон, Джон ок.1770
Виначча,
Антонио
ок.1770
Лондон
Неаполь
Лира
Мандолина
Баталья
ок.1770
Милан
Люпо
ок.1780
Орлеан
Пресблер,
Франсиско
ок.1780
Милан
Куэино,
Джордж
1733-OK.1800 Париж
Лайт, Эдвард ок. 1747-1832 Лондон
Эрар,
Себастьен
1752-1831
Париж
Надерман,
Генри
ок. 1780-1835 Париж
Панормо,
Луи
ум. ок.1850 Лондон
Пейдж,
Джозеф
ок.1800
Кадис
Цитра, цимбала
Лира-гитара,
арфа-лютня
Мандолина
Арфа
Лира-гитара,
арфа-лютня
Арфа
Арфа
Гитара
Гитара
Колетом
ок.1840
Мирекурт Шарманка
Тифенбрюннер л„1Яс0
ГООРГ ОК.1ЖН1
Мюнхен
Цитра, цимбала
Торрес,
Антонио
Эрар, Пьер
ок.1860
ок.1860
Альмерия Гитара
Париж
Арфа
321

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ПрОЙДЯ ПуТЬ ОТ СКРОМНОГО рИКОрДЕрА ДО НОВОВВЕДЕНИЯ
1 9 ВЕКА САКСОфОНА, ДЕрЕВЯННЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТруМЕНГ|
бЫАИ ПОПУЛЯРНЫМ АККОМПАНЕМЕНТОМ ДЛЯ СТруННЫХ
И ВОКАЛЬНЫХ ИСПОЛНИТЕЛЕЙ ВСЕХ ВИДОВ МуЗЫКИ.
ДЕРЕВЯННЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Деревянные духовые инструменты, подобно
струнным, страдают от поломок вследствие
растяжения, из-за этого их приходится чинить
или заменять целые секции. Как и в случае со
струнными, это не влияет на качество
звучания инструмента, но необходимо учитывать при
коллекционировании. До появления
механической настройки клапанов изготовитель обычно
ставил свое имя или торговый знак на каждой
отдельной секции. После введения
механизации имя мастера обычно ставилось на верхней
секции. Также надо принимать во внимание
возраст произведенной замены: при старении
дерева на нем в процессе употребления
образуется патина, и поэтому секции, замененные в
более поздний срок, можно узнать по другому
цвету и, возможно, по отсутствию печати
мастера.
РИКОРДЕР
Рикордер стал известен в 16 веке как
аккомпанирующий инструмент. Он состоял из
трубки с узким отверстием для воздуха или
мундштука в головке инструмента, с семью
отверстиями для пальцев на верхней части трубы
и отверстием для большого пальца на задней
части. Ранние рикордеры в эпоху Ренессанса
были выполнены из одной трубы, и поэтому их
нельзя было настраивать, и приходилось делать
трубы разных размеров, чтобы они
соответствовали высоте звучания других аккомпанирующих
инструментов. Типичные диапазоны и размеры
старинных рикордеров были следующие:
дискантовая 32 см (13 дюймов), сопрановая 42 см
(17 дюймов), теноровая 63 см (25 дюймов) и
басовая 93 см (37 дюймов).
В то время как цилиндрические отверстия в
корпусе цельного рикордера позволяли
извлекать густые, сочные тона, которые хорошо
сочетались с другими аккомпанирующими
инструментами, позже появился улучшенный
вариант рикордера, на котором можно было
исполнять солирующие партии и играть в небольших
ансамблях новой музыки эпохи барокко. В
середине 17 века парижский музыкант и мастер
по изготовлению деревянных духовых Жан От-
тетер придумал рикордер, состоящий из трех
секций. Этот трехсекционный рикордер
состоял из мундштука в головной части,
сужающейся средней секции с отверстиями для шести
пальцев и нижней секции с отверстием для
одного пальца. Головную секцию можно было
продлевать для настройки инструмента, а
нижнюю секцию — поворачивать для придания
более удобного положения указательному пальцу
музыканта, но можно было приспособить
специальный клапан для закрывания и
открывания седьмого отверстия.
Как и старинные рикордеры, все семейство
рикордеров использовалось при исполнении
музыки в стиле барокко, хотя в 18 веке наиболее
важным был сопрановый рекордер, для
которого было написано много сольной музыки.
Благодаря их популярности, от тех времен сохра-
КОМПЛЕКТ
РИКОРДЕРОВ
Слева направо: сопрановый
рикордер, Иоганн Бенедикт Гаи,
Нюренберг, самшит, около 1700
г.; рикордер, настроенный на
ноту "ля*, Хортли, Англия,
раскрашенная древесина самшита,
ок. 1750 г.; сопрановый
рикордер, Дж. Мейсон, Лондон,
самшит, ок. 1755 г.; малая трубка,
штамп: улучшенная/Лондон',
древесина кокосовой пальмы, ок.
1860 г.; аккомпанирующая
флейта, штамп 'Джеймс, Париж',
самшит с серебряными полосками,
ок. 1780 г.; высотная трубка,
штамп 'Лиддл/85 Девоншир
Сент/ Квинс Скве/Лондон',
древесина кокосовой пальмы, со
вставками из меди и слоновой
кости, ок. 1860 г.

ДЕРЕВЯННЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
НАБОР
ФЛАЖОЛЕТОВ
Слева направо: французский
флажолет, Готро, Париж,
самшит с полосками из слоновой
кости и пятью медными
клапанами, ок. 1860 г.; пара двойных
флажолетов со штампом: 'Сим-
пеон / 266 Риджент-стрит /
Оксфорд-стрит / Лондон / Патент',
самшит, с полосками из
слоновой кости и серебряными
клапанами, ок. 1830 г.; двойной
флажолет со штампом: 'Симп-
сон / 266 Риджент-стрит /
Оксфорд-стрит / Лондон /
улучшенная / Патент', самшит, с
полосками из слоновой кости и
десятью серебряными
клапанами, ок. 1835 г.
нилось много замечательных экземпляров
нарядно украшенных сопрановых рикордеров.
Начиная с середины 18 века рикордер
начал терять свою популярность. Ему на смену
пришла поперечная флейта, которая лучше
справлялась с более выразительной музыкой
классицизма.
ФЛАЖОЛЕТ
История флажолетов уходит в средние века,
но наибольшей популярностью они
пользовались во Франции с 17 -го по 19 век. Этот
инструмент представлял собой цельную трубку с
четырьмя отверстиями для пальцев и двумя
отверстиями для больших пальцев; во время
игры надо было дуть в небольшой мундштук из
обычной или слоновой кости, прикрепленный к
головке. Ранние флажолеты использовались для
имитации переклички птиц, но потом их стали
выпускать больших размеров и исполнять на
них танцевальную музыку.
Дальнейшее усовершенствование
флажолета произошло в Англии в начале 19 века с
появлением двойного и тройного флажолета.
Одиночный флажолет состоял из одного
сужающегося корпуса с шестью отверстиями для
пальцев, в то время как двойной флажолет включал
в себя две трубки, которые вставлялись в
головную секцию, и на них можно было играть
МАСТЕРА ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ НЕЯЗЫЧКОВЫХ ДЕРЕВЯННЫХ ДУХОВЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
Оттетер, Жан ок. 1648-1732 Париж
Рикордер,
флейта
5ен®р' .Иоганн 1655-1707 Нюрнберг Рикордер
кристоф
Роттенбург,
Жан
1672-1765 Брюссель Рикордер
Брессан,
Питер
ок. 1685-1731 Лондон
Рикордер,
флейта
Стейнсби9
Томас
ок. 1668-1734 Лондон
Рикордер,
флейта
СтеЙНСби, 1692-1754
Томас-младши 1ВД^ 1/0*
Лондон
Рикордер,
флейта
Гедни, Калеб ок.1769
Лондон
Флейта
Гренсер,
Август
1720-1807 Дрезден Флейта
Лот, Томас
ок. 1740-1785 Париж
Флейта
Поттер,
Ричард
1726-1806 Лондон
Флейта
Флорио,
Пьетро
ок. 1730-1795 Лондон
Флейта
2°"ePi r™« 1760-1848
Вильям Генри
Лондон
Флейта
Фричо, Луи А. 1760-1825
Лондон
и Париж
Серпент
Кванц, Иоахим 1697-1773 Потсдам Флейта
Гренсер,
Генрих
Бейнбридж,
Уильям
Лоран, Клод
Боэм,
Теобальд
Кей, Томас
Пиффо
Прауэ, Томас
Буффе, Опост
Симпсон,
Джон
Руделл,
Джордж
и Роуз, Дон
Митчел
Форвилл
Гастрик
1764-1813
ум. ок.1831
1790-1857
1794-1881
ок.1810
ок.1810
1816-1856
1820-1880
1826-1869
ок.1821-1871
ок.1830
ок. 1850
Дрезден
Лондон
Париж
Мюнхен
Лондон
Париж
Лондон
Париж
Лондон
Лондон
Париж
Лондон
Флейта
Флажолет
Флейта
Флейта
Серпент
Серпент
Флейта
Флейта
Флажолет
Флейта
Серпент
Флажолет
Лот, Луи
умер в 1890 Париж
Флейта
323

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
либо одновременно, либо независимо друг от
друга с помощью "прерывистого" клапана,
укрепленного в головной секции. Третья трубка
тройного флажолета использовалась в качестве
басового аккомпанемента для остальных двух
трубок, и она включала настраивающий
плунжер и дополнительные клапаны для
образования басовых нот.
ФЛЕЙТА
Ранние флейты в период барокко состояли
из трех секций: цилиндрической головки, в
которой помещался регулируемый пробковый
ограничитель для настройки, средняя
коническая секция с клапаном для пальцевого
отверстия "ми-бемоль". В середине 18 века средняя
секция флейты подразделяется на верхнюю и
нижнюю. Дополнительные от трех до шести
взаимозаменяемых верхних частей делались
разной длины для настройки на нужную
высоту. Дальнейшие приспособления для
настройки были сделаны с введением наклонной
плоскости в основании нижней секции, которое
можно было продлевать. На протяжении 18
века была широко распространена одноклапан-
ная флейта, и лишь в конце 1700-х годов в
корпусе инструмента появились дополнительные
клапаны.
Примерно к 1800 году у концертирующей
флейты того времени было уже восемь
клапанов. Обычно она делалась из самшита или
черного дерева, со вставками из слоновой кости
или меди между секциями и над верхней и
нижней секциями. На такой восьмиклапанной
флейте продолжали играть на протяжении 19 века,
с различными вариантами как, например
стеклянная флейта, изготовленная Клодом Лораном
из Парижа, и флейта с увеличенными
отверстиями для пальцев с целью усиления
громкости звучания, созданная Т. Прауз из Лондона.
В течение 19 века с флейтой было
проделано множество экспериментов благодаря
введению механизации. Многие успешные опыты
были произведены флейтистом и инженером из
Мюнхена Теобальдом Боэмом (1794 — 1881),
который изобрел для каждого отверстия
пальца сочетание клапанов, связанных с рычагами,
расположенными вдодь корпуса флейты.
Благодаря сочетанию более точной настройки и
аппликатуры стало гораздо легче играть
хроматическую гамму. Последняя модификация
цилиндрической флейты по системе Боэма середины
19 века мало чем отличается от современной
оркестровой флейты.
ГОБОЙ И АНГЛИЙСКИЙ РОЖОК
В конце 17 века проводились
эксперименты, главным образом в Париже, по замене шома
более современным двухъязычковым инструмен-
ФЛЕЙТЫ18ВЕКА
Слева направо: Джон Джаст
Шучорт, Лондон; Кахусак,
Лондон; Лелупь, Франция; надпись на
штампе 'Мартин / Мецлер /
Карлсруэ'
'
ГОБОИ
Слева направо: сделана В. Мил-
хаусом, Лондон, ок. 1815 г.;
Англия, ок. 1760 г.; сделана Гулдин-
гом, Лондон, ок. 1820 г.
том. Результатом явилось создание гобоя;
благодаря узким высверленным отверстиям для
пальцев и узкому язычку получался гораздо
более утонченный звук. Гобой состоял из трех
секций с отверстиями для пальцев. Две
верхние секции конической формы присоединялись
к нижней, имеющей форму колокола. Третье и
четвертое отверстия для пальцев удвоены для
получения большей полноты звучания, а на
нижних отверстиях для пальцев для нот "до" и "ми-
бемоль" установлены клапаны. Во второй
половине 18 века, особенно в Англии, стали
делать прямую верхнюю секцию гобоя, но вскоре
она была заменена верхней секцией в виде
головки лука, ввезенной из Франции и Германии.
Такая форма стала классической в Европе до
середины 19 века.
В конце 18 века у гобоя появились
дополнительные клапаны, а в начале 19 века во
Франции гобой подвергся радикальным изменениям
и приобрел более простые очетания и более
узкие отверстия для пальцев. С введением
улучшенного клапанного механизма гобой стал очень
сложным инструментом. В конце 19 века
широко использовалась механическая система под
названием "консерватория", которая легла в
основу современного гобоя.
Английский рожок, впервые появившись в
конце 18 века, имел изогнутую форму с
расширяющимся книзу отверстием. По мере
развития этого интрумента в 19 веке его корпус
постепенно выпрямился, переходя в выпуклый
колокол. В конечном итоге он претерпел те же
изменения, что и гобой, став теноровым
голосом оркестра, в отличие от гобоя-сопрано.
ФАГОТ
Появление фагота относится к концу 17
века, когда он заменил инструмент 17 века под
названием curtal. Он состоит из четырех
секций — боковой, торца, длинной
соединительной части и верхней (называемой колоколом).
При сборке боковая и длинная секции
вставляются в соответствующие отверстия в
торцовой части, а колокол — в верхний конец
длинной секции. У боковой секции
углубление достаточно большое для того, чтобы
вместить медный "крючок", на котором, в свою
очередь, крепится взаимозаменяемый двухъя-
зычковый мундштук. Высота фагота в 18 веке
равнялась 122 — 127 см (48 — 51 дюйм),
делался он обычно из клена или грушевого
дерева. Стандартный инструмент в 18 веке имел
четыре клапана, но потом было добавлено еще
два, и широко распространенными стали шее-
тиклапанные фаготы.
Во Франции в 19 веке ввели
дополнительные клапаны, и появился улучшенный
механизм, который был позже скопирован в Анг-
324

ДЕРЕВЯННЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ФАГОТЫ
Слева направо: английский,
раскрашенный тополь с шестью
медным* клапанами, около 1780 года;
мостер Дж. Астор, Лондон,
раскрашенный тополь, с 10
медными клапанами, около 1800 года.
(рис. сверху)
КЛАРНЕТ
Слева направо: кларнет в "до",
Уойтейкер & Ко, Лондон, самшит
с полосками из слоновой кости и
шестью медными клапанами,
около 1821 года; кларнет в "до",
Астор & Ко, Лондон, самшит, с
полосками из слоновой кости и 8
медными клапанами, около 1810
года; кларнет в "ми-бемоле",
печать 'Ной Фресес/ Париж,
самшит, с пятью медными
клапанами, около 1820 г.; кларнет в
'соль', печать 'Видман / Фрей-
бург, самшит с роговыми
полосками и пятью медными
клапанами, около 1840 года; кларнет в
'ля', печать "Ф. Масс/ Вена",
раскрашенная древесина
фруктового дерева с 10 медными
клапанами, около 1850 года, (рис
слрова)
лии. Фагот был также усовершенствован в
Германии и стал известен как фагот системы Хек-
кель.
Начиная с 18 века делались фаготы
различных размеров: теноровый фагот был на четыре
ступени выше стандартного, только что
описанного, а контрфагот был построен на октаву
ниже. У последнего длина корпуса составляла
около 166 см (66 дюймов), и играть на нем
можно было с помощью удлинения торцевой части,
как и на обычном четырехклапанном фаготе.
Последние модели контрфагота подверглись
изменениям во Франции, но самая
современная версия появилась в Германии в конце 19
века.
КЛАРНЕТ И БАССЕТ-ХОРН
Кларнет, по всей вероятности, происходит
от французского инструмента 17 века под
названием шалюмо, который представлял собой
цилиндрическую трубку с семью отверстиями
для пальцев, дополнительным отверстием для
большого пальца и единственным язычком,
крепящимся к мундштуку. Недостаток этого
инструмента заключался в том, что его диапазон
перекрывал всего полторы октавы. В начале 18
века мастер по изготовлению инструментов И.
К. Деннер изобрел кларнет и представил его
сначала во Франции, а потом в Англии. У этого
первого кларнета две цилиндрические секции
завершались расширенным колоколом с
тростниковым язычком, крепящимся к мундштуку.
Обычно он делался из самшита, и общая длина
корпуса составляла около 48 см (19 дюймов).
Начиная с середины 18 века у кларнета
появляется пять клапанов и до шести секций:
мундштук, короткая секция, или "бочка", верхняя
левостороння секция, нижняя правосторонняя
секция; пятая секция с отверстием для
указательного пальца и клапанов и колокол,
который принял более продолговатую форму. К
концу века был добавлен шестой клапан. Именно в
таком виде кларнет пользовался значительной
популярностью до начала 19 века, выпускались
и дополнительные модели, наприме в си-бемоле
и ми-бемоле.
В течение первой половины 19 века в
Европе появлялись варианты 8- 12- и 13- клапанных
кларнетов, но лишь с разработкой "боэмской
системы" клапанов кларнет стал инструментом
высокой технической оснащеннности.
Альтовые кларнеты в ми-бемоле и басовые
на октаву ниже стандартного "до" появились в
начале 19 века. Более ранние басовые
кларнеты имели форму фагота, но позже стали
выпускаться с прямым корпусом и выточенным
металлическим колоколом.
Бассет-хорн (альтовая разновидность
кларнета.) появился в Германии в середине 18 века
и по высоте тона напоминал альтовый кларнет.
Вначале он имел изогнутую форму, но затем
верхняя и нижняя секции образовали тупой угол.
Нижний конец нижней секции крепился к
коробочке, из которой выходил металлический
колокол. Позже появилась прямая модель, в
которой колокол был либо металлическим, либо
деревянным. Этот инструмент использовался в
основном в Германии 19 века, в оркестрах
духовых инструментов.
САКСОФОН
И СУРРАСОФОН
Из новых одноязычковых инструментов,
появившихся в 19 веке, наиболее популярным стал
саксофон. Причина этого заключалась в том,
что этот инструмент с металлическим
корпусом имел большое звуковое отверстие,
способное производить более динамичные звуки, чем
другие инструменты из группы деревянных
духовых. Сама труба выполнялась из латуни с
большими отверстиями для воздуха, полностью
закрытыми благодаря действию клапанов.
Саксофон был изобретен в середине 18 века в
Брюсселе Адольфом Саксом, который затем переехал
в Париж. В число саксофонов входили
сопрановые в си-бемоле, альтовые в ми-бемоле,
до-мелодические, теноровые в си-бемоле и
баритональные в ми-бемоле. Изредка делались также
сопрановые саксофоны.
В 1860-е годы саксофон был принят
французским армейским оркестром и позже
получил распространение в других странах мира, в

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
САКСОФОНЫ
Адольф Сакс
Все эти металлические
саксофоны были сделаны в Париже и
имеют монограмму A. S. Париж.
Слева направо: сопрановый
саксофон в си-бемоле, 1859 г.;
альтовый саксофон в
ми-бемоле, 1859 г.; теноровый
саксофон в си-бемоле, 1868 г.;
баритональный саксофон в
ми-бемоле, 1862 г.
основном в Северной Америке, где он стал
одним из наиболее популярных деревянных
духовых инструментов.
Примерно в то же время, как Адольф Сакс
работал над изобретением саксофона,
французский капельмейстер Суррас представил двухъя-
зычковый инструмент с медными трубами под
названием суррасофон, который по форме
напоминал фагот, а по диапазону был близок к
саксофону. Его успех был сравнительно
недолговечным, возможно из-за неэффективности
верхнего регистра, который звучал слишком
слабо и монотонно для военных оркестров.
СЕРПЕНТ
Серпент относится к группе изогнутых
корнетов 16 и 17 века, но настраивается примерно
на октаву ниже, чем теноровый корнет.
Возможно, появился во Франции в 17 веке и в
конце того же столетия был привезен в
Англию. Этот инструмент состоит из деревянного
корпуса в форме змеи с коническим звуковым
отверстием. Обтянут кожей и имеет шесть
отверстий для пальцев; во время игры на нем надо
дуть в полукруглый мундштук, сделанный из
слоновой кости или рога, который прикреплен
к медному крючку, вставленному в углубление
в верхней части корпуса.
Серпенты начала 18 века обычно не имели
клапанов и использовались для игры в церкви,
но в конце столетия появился инструмент с
четырьмя клапанами. На них играли до середины
19 века, когда они вышли из употребления.
Другой вид серпента с суженными
отверстиями появился в середине 19 века.
Охотничий рожок, к примеру, имел две параллельные
трубы, соединенные у основания U-образной
трубой с аналогичным отверстием. Другим
примером может служить серпент Форвей, у
которого нижняя часть деревянного корпуса,
обтянутая кожей, присоединена к верхней части,
сделанной из медной трубы. К концу 19 века эти
инструменты вышли из употребления.
МАСТЕРА-ИЗГОТОВИТЕЛИ ЯЗЫЧКОВЫХ ДЕРЕВЯННЫХ ДУХОВЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
Деннер, Якоб 1681-1735 Нюрнберг Фагот
Прудент,
Тиссье
ок. 1770
Париж
Кларнет,
бассет-хорн
Мейрхафер, А. ок.1770
Пассау
Бассет-хорн
Гренсер, Август 1720-1807 Дрезден Фагот
Портуа,
Доминик
ок. 1780
Париж
Кларнет,
бассет-хорн
Грундмани,
Якоб
1729-1800 Дрезден
Гобой,
английский
рожок, кларнет,
бассет-хорн
Каусек,
Е^старшиА V"1798 Лон«он
Кларнет,
бассет-хорн
Бауман
ок.1800
Париж
Кларнет,
бассет-хор
Трибер, Гийоме 1770-1848 Париж
Гобой,
английский
рожок
Миллхаус,
Вильям
1763-1836
Кларнет,
Ньюарк бассет-хорн и
лондонский рожок
Гренсер, Генрих 1764-1813
Гобой, английский
Дрезден рожок, кларнет,
бассет-хорн
Каусек,
Томас-младший
ок.1781-17
Кларнет,
бассет-хорн
Тарлинкс,
Корнель
Жан-Жозеф
1783-1855 Мехлин gSSSopH
Савари,
Жан-Никола
1786-1853 Париж Фагот
Альменредер,
Карл
1786-1843 Майнц Фагот
Брод, Анри
1799-1839 Париж
Гобой, английский
рожок
Геккель, Иоганн
Адам
1812-77 Висбаде Фагот
Сакс, Адольф
1814-94 Париж Саксофон
Готро, П. Л.
ок.1855
Париж Суррасофон
326

ЕДНЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ГруППА МЕДНЫХ ДУХОВЫХ ИНСТРУМЕНТОВ ИЗВЕСТНА СРАВНИТЕЛЬНО
НЕДАВНО. ТОЛЬКО С ПОЯВЛЕНИЕМ НОВЕЙШЕЙ ТЕХНОЛОГИИ
ОбрАбоТКИ МЕТАЛЛОВ СТАЛИ ВОЗМОЖНЫМИ ИНСТРУМЕНТЫ СО СТОЛЬ
ПЛАВНЫМ ЗВУЧАНИЕМ, КОТОрЫЕ МЫ СЛЫШИМ СЕГОДНЯ.
МЕДНЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Самая большая проблема, с которой
сталкиваются коллекционеры медных духовых
инструментов, заключается в том, что металл
стирается, и на его поверхности легко
образуются вмятины. Большинство медных духовых
инструментов, изготовленных до 18 века,
подвергались определенной реставрации, а те, что
сделаны позже, могут показывать следы ремонта
на раструбе трубы или на продольной ее
части. Как и в случае с деревянными духовыми,
мастера можно узнать по печати на
расширенной части или иногда по имени,
выгравированному на гирлянде.
РОЖКИ
Лишь в конце 17 века появились
закругленные металлические инструменты. Они либо
имели полукруглую форму, либо были в виде петли
и использовались или как охотничьи рожки, или
как военные горны. Именно введение
французского охотничьего рожка в конце 17 века
определило форму более позднего оркестрового рожка.
Этот инструмент делался в виде широкого круга
или в виде одного или нескольких витков
кольца, с расширяющимся колоколом внизу и
углублением для мундштука на другом.
Рожки делались с разной высотой звучания,
поскольку лишь гармоническую
последовательность нот можно было играть на каждом данном
инструменте. С помощью увеличения числа
завитков в трубе можно было понизить уровень
звучания. Это достигалось увеличением длины
трубы. После того как в начале 18 века
появились "крючки", французский рожок стал больше
оркестровым инструментом. У этого
оркестрового рожка съемный крючок вставлялся на пути
прохождения воздуха. Устанавливая крючки
разной длины, можно было повышать или понижать
звук.
В середине 18 века был представлен метод
игры под названием "ручная остановка". При этом
методе правая рука помещалась внутри
раструба трубы, и с помощью ограничения потока
воздуха различными способами можно было
смягчать или, напротив, заострять гармоническую
мелодию, таким образом, добавляя полутона к
натуральному гармоническому ряду.
РОЖОК
Изготовлен в Париже,
ок. 1790 г.
У этого натурального
оркестрового медного рожка имеется
настраивающий стержень,
сцепляющая муфта, набор крючков и
мундштук. Здесь представлен его
оригинальный футляр.
Метод игры на французском рожке
оставался сравнительно неизменным до появления в
середине 19 века клапанного механизма, при
котором прохождение воздуха в трубе
контролировалось специальным клапаном или ротационными
клапанами, которые позволяли музыкантам
исполнять хроматические ряды с большой
плавностью и четкой интонацией.
ТРУБА И ОХОТНИЧИЙ РОЖОК
В конце 18 века трубы применялись во время
различных церемоний, либо прямые, а до 17 века
S-образной формы, но позже стали делаться в
327

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ТРУБА
Робинсон, Рассел Л Ко.
Дублин. Ок. 1840 г.
Эта труба выполнена иэ
чеканного и отгравированного
серебра; на ней стоит клеймо
Дублина и 1840 г. В то время
использовалась в качестве военной
атрибутики.
виде одиночной медной петли или серебряной
трубы. Эта последняя форма трубы, впоследствии
известная как обычная труба, имела
расширяющийся раструб с дополнительным ободком,
прикрепленным к нижней секции под названием
"гирлянда", которая иногда украшалась орнаментом.
Поскольку труба все чаше начинает
применяться в военных оркестрах 18 века, увеличиваются
требования к изменению высоты звучания. Для
понижения высоты звука нужно было продлить
общую длину трубы; это достигалось путем
вставления различных длин труб друг в друга, с
мундштуком на конце петли.
В конце 18 века появилась клапанная труба.
У нее было от четырех до шести отверстий для
воздуха, прорезанных в корпусе трубы и
закрытых медными клапанами. Во время игры эти
клапаны могли открываться, позволяя менять
музыкальные интервалы и вследствие этого
гармонический ряд. Хотя клапанные трубы
продолжали выпускаться до 1840 года, в начале 19 века
в оркестрах стал популярен клапанный
охотничий рожок. Он был приспособлен из медного
охотничьего рожка с одной петлей и
настраивался либо на "до", либо на "си-бемоль". У
более ранних рожков было четыре клапана, но
позже было добавлено еще два. Получив
широкое распространение в зарубежных странах,
охотничьи рожки стали особенно популярными
в Англии и Северной Америке, где на них
играли до середины 19 века.
Как и в случае с французскими рожками,
введение клапанного механизма в середине 19
века позволило усовершенствовать трубу, а
замена обычных клапанов специальными
(пистонами) позволило добиться более точной
интонации.
ТРОМБОН
Самые ранние из известных тромбонов
делались мастерами медных духовых инструментов
в Нюрнберге, которые определили основную
форму и методику игры на этих инструментах в
течение последующих 400 лет. Тромбон
представляет собой инструмент продолговатой
формы, в виде буквы S, при игре на котором надо
растягивать наклонную часть до необходимого
положения с целью получения требуемой ноты.
Чем дольше было время растяжения, тем
дольше открывался путь потоку воздуха, понижая,
таким образом, величину тона. В 18 веке труба
по направлению к раструбу приобретает более
коническую форму, и раструб меняет свою
форму от более ранней воронки до более
отчетливого расширения.
В начале 19 века были установлены
основные размеры тромбонов: альтового в ми-бемоле,
тенорового в си-бемоле и басового в ми-бемоле.
Некоторые сопрановые инструменты настраива-
328

ЕДНЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
МАСТЕРА-ИЗГОТОВИТЕЛИ МЕДНЫХ ДУХОВЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
Кретьен
1643-1715
Гасс, Иоганн
Вильгельм
1649-1723
Хелери, Жан
Перинье,
Франсуа-Этьен
ок.1820
ок.1830
Париж
Нюрнберг
Париж
Париж
Рожки
Рожки, труба, охотничий рожок, тромбон
Эхе, Иоганн
Леонард
Винклинг, Николас
Рао
Штольцель, Генрих
Шоу, Уильям
Крусле, Франц Карл
Холлидей, Джозеф
1669-1743
ок.1740
ок.1770
1772-1844
ок.1780
1808-1886
ок.1810
Нюрнберг
Лондон
Париж
Берлин
Лондон
Эрфурт
Дублин
Труба, охотничий рожок, тромбон
Рожки
Рожки
Труба, охотничий рожок
Труба, охотничий рожок
Рожки
Труба, охотничий рожок
Труба, охотничий рожок, тромбон, офиклеид
Труба, охотничий рожок
Пейс, Чарльз
ок.1840
Лондон.
Труба, охотничий рожок
Шустер
ок.1850
Маркнейкирхен
Труба, охотничий рожок
ТРОМБОН
"Нейшаль", Нюрнберг
Ок. 1557 г.
Трубы этого тенорового
тромбона выполнены из меди, с
плоскими люнетами, показывающими
следы первоначального
гравировочного декора. Данный
инструмент является вторым из
известных старейших sackbuts, а также
единственным из сохранившихся
из нейшальской семьи мастеров
по изготовлению медных духовых
инструментов. (Вверху)
ОФИКЛЕИД
Франция
Ок. 1860 г.
Это типичный пример медного
офиклеида в си-бемоле с
девятью клапанами. В 19 в.
использовался как в обычных, так и в
военных оркестрах по всей
Европе. (Справа)
лись на октаву выше теноровых, но они были не
особенно распространены. С изобретением
клапанного механизма была произведена замена
наклонной плоскости клапанами в некоторых
европейских армейских оркестрах, где продолжают
использовать тромбон в этой форме до
настоящего времени.
ОФИКЛЕИД
Офиклеид представляет собой
усовершенствованный басовый охотничий рожок, который
был изобретен мастером Хэлери в начале 19
века. В основном имеет форму фагота, сделан
из меди, с 8 — 12 клапанами, устанавленными
на "пилястрах" корпуса, и закрывающими
отверстиями для воздуха. Медный крючок
вставлен в углубление в верхней части трубы. В этот
крючок помещен мундштук.
Офиклеид обычно настраивался в
си-бемоле, хотя некоторые альтовые инструменты
делались в ми-бемоле. Этот инструмент весьма
успешно применялся в оркестрах по всей Европе,
и на нем играли до начала 20 столетия.
329

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Исполняя солирующую пдртию во многих музыкальных
ПРОИЗВЕДЕНИЯХ, КЛАВИШНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ ОБЕСПЕЧИВАЮТ
ВЕЛИКОЛЕПНОЕ рАЗНООбрАЗИЕ ИСПОЛНЯЕМОЙ МуЗЫКИ.
КЛАВИШНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Клавишные инструменты обычно страдают
от повреждения резонаторов, возможно,
вызванного чрезмерным натяжением струн.
Многие старые инструменты подвергались
реставрации, главным образом, путем замены
прежнего механизма современными частями
так, чтобы на клавиатуре можно было в
удовлетворительной степени исполнять музыку. По
возможности отреставрированный механизм
должен всегда помещаться в оригинальном
корпусе. Многие из ранних изготовителей
оставляли свои надписи на декоративной панели,
расположенной над клавиатурой, которые в
последние годы превратились просто в табличку
с надписью.
КЛАВЕСИН
Клавесин был известен в Италии с начала
16 века и позже распространился в Бельгии и
Голландии, где в Антверпене был сосредоточен
центр по изготовлению инструментов. В
начале 17 века Франция стала центром по
усовершенствованию клавесина. Спрос на клавесины
в Англии удовлетворялся за счет
импортируемых инструментов, сделанных итальянскими и
фламандскими мастерами, и лишь в начале 18
века клавесины начали делать в Англии.
С годами клавесин претерпел значительные
изменения, начиная от инструмента с одной
клавиатурой и одной струной для каждой
клавиши до инструментов с двумя клавиатурами
и несколькими струнами для каждой клавиши,
управляемого ручными и ножными педалями.
Механизм клавесина состоит из небольшого
куска дерева под названием "джек",
основание которого покоится на дальнем конце
клавиши. Головка "Джека" удерживает плектр, и
когда музыкант нажимает пальцем на
клавишу, система рычагов заставляет "джека"
поднять струну, которая перебирается с помощью
плектра.
В 16 веке инструмента с одной
клавиатурой и четырехоктавным диапазоном хватало
для исполняемой в это время музыки, но
поскольку возникла необходимость использовать
клавесин в качестве генерал-баса для
сопровождения пения вокалистов, стали применять
ДВОЙНОЙ РУЧНОЙ
КЛАВЕСИН
*
Джакоб Киркшн, Лондон
17в1 г.
Корпус отделан великолепно
обработанным грецким орехом с
полосками и переплетениями из
грецкого ореха и самшита.
Внутренняя часть украшена
маркетри с завитками листвы, фигурами
и трофеями. Резонаторы
украшены позолоченной розой, а
опоры инструмента — гнутыми
ножками из грецкого ореха с
резьбой аканта.
двойную клавиатуру, каждая из которых
настраивалась на определенный уровень. В
середине 17 века клавесин претерпел такие
изменения, что обе клавиатуры стали
настраиваться на один и тот же уровень и звучать
либо отдельно, либо вместе для большей
громкости; объем клавиатуры был также увеличен
и достиг пяти октав.
Ранние клавикорды европейской школы
имели корпус, богато декорированный
рисунками или другим орнаментом, и стояли на
великолепных резных опорах. У английских
клавесинов, изготовленных в 18 веке, корпус был
обычно облицован изысканным грецким
орехом с медными вставками и покоился на
опорах либо дубовых, либо из красного дерева.
330

КЛАВИШНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
диапазон четыре октавы (а в более поздних
моделях четыре с половиной). Спинеты без
ножек обычно нарядно декорированы,
особенно внутренная поверхность крышки, с
великолепной инкрустацией на панелях, окружающих
клавиатуру. Инструмент стоял либо на столе,
либо на подставке.
СПИНЕТ
Спинет напоминает клавесин по перебира-
иию струн и спинет без ножек тем, что каждой
клавише соответствует одна струна. Спинет
происходит от старинных итальянских
инструментов; он появился, возможно, в середине 17
века, и играли на нем примерно до 1800 года.
Этот инструмент можно узнать по крылеобраз-
ным резонаторам, в которых струны
расположены под углом к клавиатуре. Обычно он
помещался в футляре из грецкого ореха,
прикрепленном к крышке тонкими медными винтами,
и имел подставку из дуба или красного дерева.
КЛАВИКОРДЫ
Клавикорды были известны еще в
средневековье, особенно их форма 15 века, у
которой десять струн и хроматическая
клавиатура. У клавикордов прямоугольная форма,
струны расположены параллельно клавиатуре.
Механизм у них простой: медная лопасть за-
МАСТЕРА-ИЗГОТОВИТЕЛИ КЛАВИШНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
Рукерс, Ганс
Рукерс, Ян
Рукерс, Андрис
Хичкок, Томас
Кристофори,
Бартоломео
Зильберманн,
Готтфрид
Гассе, Иоганн
Адольф
Бродвуд, Джон
и Шуди, Биркат
Киркман, Якоб
Таскин, Паскаль
Штейн, Иоганн
Андреас
Бланше, Франсуа II
Зумпе, Иоганнес
Саутвелл, Вильям
Филд, Джон
ок. 1550-1598
1578-1643'
1579-1645
ок.1700
1655-1731
1683-1753
ок.1699-1783
ок. 1702-73
1710-1792
1723-1793
1728-1792
1729-1766
ок.1770
1756-1842
1782-1837
Антверпен
Антверпен
Антверпен
Лондон
Флоренция
Саксония
Гамбург
Лондон
Лондон
Париж
Вена
Париж
Лондон
Дублин
Лондон
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
Орган
331
СПИНЕТ БЕЗ НОЖЕК
Надпись: "Джозеф Моцдини
Фесит во Флоренции 1631"
Этот спинет сделан из кипариса
и декорирован вкраплениями из
слоновой кости. Внутренняя
поверхность крышки красиво
разукрашено экзотическими птицами,
а в центре живописное панно,
изображающее Аполлона,
преследующего Дафну. Этот
инструмент демонстрировался на
выставке в Фишмонгерс-холл в
Лондоне в 1904 г.
СПИНЕТ
БЕЗ НОЖЕК
Спинет без ножек имеет то же
происхождение, что и клавесин, но отличается по
форме. В отличие от клавесина, у которого
звуковые резонаторы по форме напоминают крылья,
наподобие горизонтальной арфы, спинет без
ножек помещается в прямоугольном футляре,
и струны у него расположены под углом к
клавиатуре. Хотя струны перебираются тем же
способом, что и у клавесина, спинет без
ножек гораздо проще в употреблении, у него
каждой клавише соответствует одна струна, и

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
креплена у дальнего конца каждой клавиши.
При нажатии клавиши медная лопасть
опускается и ударяет по струне и остается в
соприкосновении с ней до отпускания клавиши,
поддерживая, таким образом, звук. Существенная
разница между клавикордами и
вышеупомянутыми клавишными инструментами
заключается в том, что по клавишам клавикордов
ударяют, а не перебирают их, как в случае с
другими инструментами.
По мере усовершенствования клавикордов
в 16 и 17 веках количество струн увеличилось
до 14 пар, а диапазон до четырех октав. В этом
виде клавикорды использовались
музыкантами по всей Европе. К 18 веке клавикорды были
преобразованы в инструмент с отдельной
парой струн для каждой клавиши, с диапазоном
в пять октав. В этом виде на клавикордах
играли до начала 19 века.
ФОРТЕПЬЯНО
Фортепьяно вначале представляло собой
клавесин, по струнам которого ударяли
молоточком, а не перебирали их плектром. При игре
на фортепьяно начала 18 века очень тяжело
было следить за образованием звука, но к
концу столетия эти инструменты стали делать с
легкими молоточками, что позволяло струне
после удара молоточком удерживать ясный и
точный звук.
В середине 18 века в Германии появилось
небольшое прямоугольное фортепьяно взамен
спинета. В Англии оно тоже пользовалось
широкой популярностью. Его можно было узнать
по прямоугольному футляру, базирующемуся
на деревянных опорах.
С 1800 годов продолжалось
усовершенствование фортепьяно, которому приходилось
справляться с возросшим натяжением струн,
что в свою очередь вызывало увеличение
давления на звуковые резонаторы. Вследствие
этого в начале 19 века появилось фортепьяно
с металлическим каркасом, которое было
усовершенствовано согласно модели Стейнвей,
сохранившейся до настоящего времени.
Замечательным наследником клавесина стал
рояль, явившись модификацией
прямоугольного фортепьяно, которое дало жизнь пианино.
В конце 18 века появились примеры звуковых
резонаторов, поставленных в вертикальное
положение под прямым углом по отношению к
клавиатуре. Эта модель и легла в основу
современного пианино.
ОРГАН
Хотя орган ведет свое начало со времен
древней Греции и Рима, именно церковный
орган конца 15 века в дальнейшем
подвергался усовершенствованиям. Крупные центры по
строительству органов существовали в
Голландии и Италии до начала 17 века. Французская
школа строительства органов появилась в
конце 17-го — начале 18 века.
Основное различие между французскими и
голландскими или немецкими органами
заключалось в конструкции педальной доски. Во
французском органе ручные клавиши
соединялись с педалями при помощи деревянных
досочек, чтобы добиться звучания труб низкой
высоты. Педальная доска управляла 10 клави-
Этот инструмент с пятьюоктавной
клавиатурой украшен вставками
из слоновой кости, облицован
черным деревом. Корпус
выполнен из сосны, раскрашен под
черепаху и украшен медным
ленточным узором Декоративная
полоска облицована королевской
сосной, а внутренняя поверхность
крышки украшена позолоченным
рисунком на китайский сюжет на
красном лакированном фоне.
(Сверху)
РОЯЛЬ
Антон Маркус Тим, Вена
Ок. 1810-1815 г.
Корпус облицован экзотическими
породами деревьев, а
окаймляющие панели и боковые стенки
украшены живописью и рисунком,
выполненным пером (защищался
слоем лака и служил для
декоративной отделки мебели). Ножки
и перекладина в виде лиры
декорированы резным черным и
позолоченным деревом (Слева)
332

КЛАВИШНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
шами, а в последующих моделях 32. Однако
эта система не позволяла исполнять быстрые
музыкальные пассажи.
У немецкого органа педальная доска имела
более тесно расположенные и удлиненные
клавиши, что позволяло звучать дополнительным
голосам, причем самые высокие голоса
исполнялись на ручной клавиатуре. У голландского
и немецкого органов также было значительно
большее разнообразие регистров, чем у
сдержанного французского органа.
Несмотря на то что органы широко
использовались в странах Европы, в Англии они
появились лишь в начале 18 века, имея в
педальной доске всего несколько нот. В
середине 19 века дальнейшее усовершенствование
привело к созданию "романтического" органа.
В этом инструменте имелись многочисленные
устройства, упрощающие игру, и он стал
основой современного органа.
ПРЯМОУГОЛЬНОЕ
ФОРТЕПЬЯНО
Надпись: "Сделал Фредерик
Бекк из Лондона 1786/
Броуд-стрит, 10, Саха"
Корпус этого пятиокгавного
прямоугольного фортелыыо выполнен
из красного дерева с
самшитовыми полосками на буковой
подставке. (Сверху)
ОРГАН
Приписывается Сэмюэлю
Грину, Лондон
Ок. 1790 г.
Корпус этого камерного органа
с семью регистрами выполнен из
красного дерева с
позолоченными ложными декоративными
трубками на дверцах (Слева)
ПИАНОЛА
В конце 19 века более широко стали
применяться механические музыкальные
инструменты, особенно с появлением
механизма с использованием
пневматического давления. С внешней
стороны к клавишному инструменту
прикреплялись педали, давая возможность
воздуху нагнетаться во внутреннюю часть
инструмента. Вначале эта внутренняя часть
состояла из ролика из перфорированной
бумаги, который вставлялся позади
клавиатуры обычного пианино. Благодаря
пневматическому действию воздух
проходил через отверстия
перфорированной бумаги, в результате чего
маленькие молоточки начинали ударять
по соответствующей ноте
клавиатуры.
ПИАНОЛА; КОНЕЦ 19 В.
333

УЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
ВОЗМОЖНО, СТАрЕЙШАЯ ГруППА МУЗЫКАЛЬНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ,
ИЗВЕСТНЫХ ЧЕЛОВЕЧЕСТВУ. Во МНОГИХ МУЗЫКАЛЬНЫХ СОЧИНЕНИЯХ
НЕПРЕРЫВНОЕ ОТбиВАНИЕ рИТМА УДАРНЫМИ ИНСТРУМЕНТАМИ
ОТМЕЧАЕТ ВрЕМЯ ДЛЯ ОСТАЛЬНЫХ МуЗЫКАНТОВ ОрКЕСТрА.
УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Хотя поверхность барабана легко повредить,
ее так же легко можно и заменить. Гораздо
сложнее обстоит дело с утратой декорации и
живописи на корпусах военных барабанов, что
затрудняет их идентификацию.
Наиболее известными из ранних европейских
ударных инструментов были литавры, которые в
15 веке применялись попарно в кавалерийских
подразделениях и в начале 18 века
аккомпанировали трубам во время оркестровых церемоний (в
то время они назывались тимпанами или
набором литавр). Эти большие барабаны
прикреплялись к железным опорам и имели 60 — 80 см
(24 — 32 дюйма) в диаметре, с проходящими
вдоль всего периметра Т-образными по форме
стягивающими болтами для настройки. Тимпаны
сравнительно мало изменились с той поры, за
исключением некоторых вариаций в размерах и
в настроечном механизме.
Малый барабан, полученный в результате
усовершенствования старинного небольшого
барабана эпохи Возрождения, использовался
часто в дуэте с дудкой в военных оркестрах. В
начале 18 века цилиндрический обруч барабана
БАСОВЫЙ БАРАБАН
Англия
Ок. 1800 г.
Этот басовый барабан сделок
из дерева. Использовался в
британской армии времен короля
Георга III. (Слева)
ТИМПАНЫ
Германия
Он 1740 г.
Эта пара медных тимпан имеет
металлические ножки и искусно
выделанные крепежные винты.
(Снизу)
334

УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
делался из дерева, но позже стала
использоваться медь. В 19 веке такие барабаны были очень
распространены во время маршировок, и на них
играли либо палочками, либо специальными
колотушками.
Басовый барабан был известен с конца 18
века, и на нем играли в военных оркестрах. Его
вешали на грудь и ударяли по нему палочками.
В ранних моделях длина обруча достигала 70
см (28 дюймов) и 80 см в диаметре (32 дюйма),
модели же начала 19 века стали более
громоздкими, с длиной обруча 53 см (21 дюйм) и
диаметром 76 см (30 дюймов). Позже в 19 веке
стали делать single-skinned оркестровые басс-
барабаны с настраивающими стягивающими
болтами.
КСИЛОФОН И ГЛОКЕНШПИЛЬ
(КОЛОКОЛЬЧИКИ)
Из прочных ударных инструментов лучше
всего известны ксилофон и колокольчики,
ведущие свое начало от 18 века. Колокольчики
делаются из полосок дерева, металла или стекла,
расположены в виде клавиатуры, и по ним
нужно ударять палочками. Ксилофон изготаволива-
ется из подогнанных друг к другу деревянных
пластин, также расположенных в виде
клавиатуры, по которым ударяют палочками или
молоточками.
КСИЛОФОН
Бассон, Лондон
Ок. 1900 г.
Данный инструмент является
ярким примером четырехоктавного
ксилофона на подставке.
(Вверху)
ГЛОКЕНШПИЛЬ
(КОЛОКОЛЬЧИКИ)
Германия
Ок. 1900 г.
Этот двухоктавный инструмент
работает на деревянных
пластинках. (Слева)
МАСТЕРА-ИЗГОТОВИТЕЛИ УДАРНЫХ ИНСТРУМЕНТОВ
КЕЙ, Томас
ВАРД, Корнелиус
ок. 1810
Лондон
барабаны
1805-70
Ливерпуль и Лондон
Барабаны
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода из печати
нашей книги могли
появиться новые работы.
Бейнс, Энтони
Музыкальные
инструменты через века
Лондон, 1973
—Вудвинд
Инструменты
и их история
Лондон, 1977
—Медные духовые
инструменты,
их история и развитие
Лондон, 1978
Беллоу, Александр
Иллюстрированная
история гитары
Нью-Йорк, 1970
Блейдс, Джеймс
Ударные инструменты
и их история
Лондон, 1984
Дей, К. Р.
Наглядный каталог
музыкальных
инструментов
на Королевской
военной выставке
1890
Лондон, 1891
Гэлпин, Кэнон
Фрэнсис У.
Руководство
по европейским
музыкальным
инструментам
Лондон, 1937
Хардинг, Розамунд
Фортепьяно,
его история
от Всемирной
выставки 1851 года
Кэмбридж, 1933
Хейс, Джеральд Р.
Виолы и другие
смычковые
инструменты
Лондон, 1930
Холлис, Хелен Райе
Фортепьяно
Лондон, 1975
Джеймс, Филип
Старинные клавишные
инструменты
Лондон, 1930
Лэнгвилл,
Линдсей Дж.
Указатель мастеров
по изготовлению
духовых
музыкальных
инструментов
Эдинбург, 1977
Ремнант, Мэри
Музыкальные
инструменты
в странах Запада
Лондон, 1981
Ренш, Рослин
Арфа
Лондон, 1969
Рассел, Реймонд
Клавесин
и клавикорды
Лондон, 1973
Самнер,
Уильям Лесли
Фортепьяно
Лондон, 1966
335

J
A 1
<
* ч
.1
'П
У
■
■
•
.
ч».
*
I
I
I
I
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Британское СЕрЕбро
Европейское СЕрЕбро
Американское СЕрЕбро
ИСКУССТВО И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ рЕМЕСЛА
В ПЕрИОД МОДЕрНА
Плтриция Байер, Джон Куп Ер, СтеФен Хелливелл,
Диана Склрисбрик, Сьюзен Вард
У f
Надпись: ИТАЛЬЯНСКИЙ СЕРЕБРЯНЫЙ КУВШИН И ЧАШКА, 1847 г. (фрагмент)

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА
И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ОбЛАДАЯ ВЫСОКОЙ ДЕНЕЖНОЙ ЦЕННОСТЬЮ, ИЗДЕЛИЯ, СОЗДАННЫЕ
ИЗ ДРАГОЦЕННЫХ МЕТАЛЛОВ И КАМНЕЙ, ЯВЛЯЮТСЯ ВМЕСТЕ С ТЕМ
И ПРОИЗВЕДЕНИЯМИ ВЫСОКОГО ХУДОЖЕСТВЕННОГО MACTEDCTBA.
Изделия из золота, серебра и драгоценных камней оказывают особое
воздействие на воображение; даже на людей, равнодушных к живописи,
мебели, фарфору или стеклу, встреча с изделиями из драгоценных металлов и
камней производит сильное впечатление.
Во все времена люди стремились во что бы то ни стало обладать золотом,
серебром и драгоценными камнями. Например, в Америке в середине 19 века,
во время "золотой лихорадки", люди бросали свои семьи, дома и работу и с
риском для жизни, преодолевая опасности и огромные трудности, стремились
завладеть маленьким клочком земли, который, как они надеялись, станет
"золотой жилой". Желание отыскать драгоценные металлы и камни, возможно,
отличается от простого стремления к накопительству и включает в себя
ощущение их более таинственной и символической ценности. Наши предки
благоговели перед ними и делали из них предметы большой религиозной
значимости. Позже они использовались как символ богатства, власти и влияния на
менее зажиточных и более слабых соперников. В наши дни золото и
драгоценные камни также считаются символами любви, и выбор кольца с бриллиантом
для помолвки является важным ритуалом в западном обществе. Кроме того,
драгоценности могут иметь дополнительную ценность, если они связаны с
именами знаменитостей: когд выставлены для продажи драгоценности бывшей
кинозвезды, аукционный зал бурлит от возбуждения, намного превышающего то,
которое заслуживают эти произведения.
Один из наиболее любопытных фактов, касающихся драгоценных
металлов и камней, состоит в том, что изделия поразительной красоты могут
создаваться из совершенно обычного на вид сырья. При плавке золотой и
серебряной руды из нее извлекаются ценные компоненты, которые в
дальнейшем подвергаются различной обработке: металлы могут отбиваться,
вытягиваться или отливаться в любые возможные формы и украшаться самыми
разнообразными способами. В самом деле, иногда кажется, что
единственным пределом применения золота или серебра в предметах искусства могут
быть лишь творческие способности мастера. Блестящие, сверкающие
драгоценные камни создаются из тусклых глыб камней благодаря
непревзойденному мастерству резчика и полировщика.
КУБОК 17 ВЕКА
Инициалы изготовителя: PH.;
Германия
Позолоченное серебро,
коралл, раковины
кораблика (моллюск);
ок. 1630 г.
Это великолепное произведение
искусства было выполнено
исключительно для выставочных целей.
Серебро этого периода
встречается в зарубежных странах
крайне редко; большая его часть
была уничтожена во время
многочисленных европейских войн.
338

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ПЕЧАТИ
На протяжении многих тысяч лет печати
использовались для обозначения
принадлежности, гарантии тайны переписки,
ратификации договора или гарантии
подлинности. Даже в наши дни аристократы и
религиозные деятели носят печати в форме
колец, а многие другие предлагают свои
"печати одобрения" — будь то на бумаге,
воске или в словесной форме. Кольца в виде
печаток, с буквами или геральдическими
символами являются современными версиями
перстней с печаткой.
Первые печати — возможно, появившиеся
из амулетных бусин, традиция которых
восходит к временам палеолита, —
использовались в 7-м тысячелетии до нашей
эры; примеры доказываются раскопками,
произведенными в Сирии и на юге Турции.
Они сделаны из обожженной глины или камня,
причем последние были наиболее популярны
при изготовлени печатей. Для ранних печатей
характерна гравировка перекрестными
штрихами, хотя вскоре появились животные и
человеческие мотивы. Вначале они
прокалывались, затем нанизывались на нитку и
в целях безопасности носились на шее. Потом
их стали носить на запястье. Прошли
тысячелетия, пока появился перстень с
печаткой.
Рисунок на печати менялся в
соответствии с культурой, религией и
предпочтительной иконографией времени и
ШТЕМПЕЛЬНАЯ
ПЕЧАТЬ И
ЦИЛИНДРИЧЕСКАЯ
ПЕЧАТЬ
Стеатит и гематит;
4-е и начало 2-го
тысячелетия до н. э.
(Справа)
КАМЕЯ ЭПОХИ
ИТАЛЬЯНСКОГО
ВОЗРОЖДЕНИЯ
Агат; 16 в. (Внизу справа,
верхний)
ИНТАЛИЯ И ТИСНЕНИЕ
Древний Рим
Стекло; 1/2 в. н.э. (Внизу
справа, нижний)
ПЕЧАТЬ И МОНЕТА
С ПОРТРЕТОМ
АЛЕКСАНДРА ВЕЛИКОГО
Сапфировая печать
и серебряная монета;
4/3 век до н.э. (Справа)
"
места, существенно отражая художественный
стиль данного периода. Печати времен
древней Греции и Рима могут считаться
важным проявлением классической
скульптуры, и некоторые из них дали
археологам ценную информацию об
исчезнувших в настоящее время
произведениях монументального искусства.
Ранние исламские печати были
эпиграфическими по своей природе: в них
проявлялся запрет на образы, свойственный
этой вере; их мотивы отражали
преобладание каллиграфических стилей.
Китайцы также применяли эпиграфические
печати, помещая их на ткани и на бумагу.
В эпоху Ренессанса в Европе начинают
пользоваться печатями, в основном в
торговых и законодательных целях, и чаще
всего геральдической формы. В 18 веке
карманная печать становится важным
декоративным элементом и символом
общественного положения, особенно в
Англии. Ее носили поверх одежды на
цепочке, которая, будучи сделана из
драгоценного металла, отражала популярные
стили в ювелирном искусстве. В эпоху
Викторианства наблюдался упадок печати с
точки зрения ее практического применения.
Однако она продолжала сохранять свою
декоративную значимость наряду со
сделанными по их подобию безделушками,
которые носили модные дамы.
МУЖСКОЙ
ГЕРАЛЬДИЧЕСКИЙ
ПЕРСТЕНЬ С ПЕЧАТКОЙ
Англия
Золото; 20 в. (Слева)
339

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
КУВШИН С КРЫШКОЙ
Адам ван Вианен, Утрехт
Позолоченное серебро,
чеканка и частично
гравировка; 1614 г.
Семья вон Вианен
систематически занималась изготовлением
произведений тонкой работы,
украшенных литьем и
гравировкой по металлу для создания
эффекта мягких, плавных линий
и осязаемости. Серебро
прекрасно поддается ковке, и
талантливые мастера умели
придать ему любую желаемую
форму, единственным ограничением
здесь служило воображение
мастера.
Месторождения золотой и серебряной руды сравнительно редки, и их
добыча часто сопряжена со значительной опасностью. Более того, в те
времена, когда еще не научились производить точные геологические изыскания
и аэрофотосъемку, их было чрезвычайно трудно обнаружить. В самом деле,
в прошлом большинство месторождений обнаруживались по чистой
случайности. В результате их ценность возрастала вследствие их редкости, и снова
лишь богачи могли позволить себе приобретать такие сокровища. Это также
означало, что лишь наиболее талантливые мастера получали возможность
работать с ними. Поэтому до середины 19 века мастерство было на
высочайшем уровне. В это время возросло количество золота, серебра и драгоценных
камней, импортируемых в Европу, благодаря улучшению способов их
добычи, и в результате этого в какой-то степени пострадало мастерство, т.к.
среднее сословие могло позволить себе лишь более дешевые копии прекрасных
образцов. К счастью, осталось ядро квалифицированных металлистов и
резчиков драгоценных камней, которые продолжали работать в традициях,
сохранившихся до сегодняшнего дня.
К сожалению, многие предметы искусства из золота и серебра не
сохранились из-за их номинальной стоимости. Некоторые были переплавлены для
финансирования ведения войн или были награблены и затем разбиты.
Другие использовались как сырье для изготовления новых, более модных вещей
или были переплавлены в качестве компенсации стоимости производства
новых изделий. Это было характерно для всей Европы, т.к. богатые
собственники совершенно не ценили сокровищ своих предков. К счастью,
сегодня мы являемся более просвещенными — хотя не так давно массивные
драгоценности эпохи Викторианства были сломаны для того, чтобы драгоценные
камни из них вставить в современные изделия. А в 1980 году многие
серебряные изделия также пропали, когда братья Хант, техасские финансовые
магнаты, пытались завладеть рынком, скупая все запасы серебра.
В этой главе исследуется сфера предметов искусства, выполненных из
драгоценных металлов и камней в Европе и в Америке и история их дизайна,
начиная с эпохи Возрождения до начала нынешнего столетия. Ни у одной
страны не было специфического национального стиля: моды
распространялись через политические и географические границы достаточно быстро, если
учесть, насколько мало люди путешествовали в те времена. Конечно, богачи,
те, кто мог позволить себе приобретать изделия из золота, серебра и
драгоценных камней, могли наслаждаться и роскошью путешествий, и многие
британские пэры проводили месяцы на континенте, расширяя свой кругозор, по
мере завершения Великого турне (по Франции, Италии, Голландии с целью
завершения образования). Они неизбежно возвращались домой с новыми
идеями и вкусами, в том числе с модой на классический декор, вдохновленный
посещениями руин Помпеи и Геркуланума.
В области декоративного искусства Франция в 17-м и начале 18 века,
несомненно, занимала наиболее влиятельное положение из всех
европейских стран. Французский двор купался в невиданной роскоши, и его
послы путешествовали с огромными количествами золота и столового
серебра, изготовленного главным образом для того чтобы произвести
ФЛАКОНЫ С ДУХАМИ
Англия
19 в.
Эти флаконы с духами
характерны для бирмингемских мастеров
по изготовлению игрушек, хотя
футляр (в центре слева)
выполнен лондонским мастером
Сэмпсоном Мордоном, больше
известным по выпуску карандашей.
Украшен очень редкой вставкой
из морских раковин (слева).
(Слева и справа).
340

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ФИЛИГРАНЬ
Филигрань — это вид декоративного
украшения, при котором тонкие нити
серебряной или золотой проволоки, иногда
перекрученные и переплетенные,
используются для создания утонченного и
замысловатого узора. (Во времена Древнего
Рима также применялась бронза.)
При изготовлении наиболее старинных из
известных филиграней провод припаивался к
подкладке металлического листа. Этот прием
был популярен в каролингский (768 — около
900 гг.) и романский (около 1000 — около
1200 гг.) периоды, особенно при
изготовлении драгоценностей и в меньшей
степени для украшения книжных переплетов,
церковных принадлежностей, которые часто
украшались драгоценными камнями,
эмалями, слоновой костью или камеями.
Начиная с конца 17 века группы
мастеров по филиграни работали в
Голландии, Германии и Скандинавских
странах, изготавливая небольшие
декоративные предметы, такие, как
шкатулки, ручки ложек и вилок и
миниатюрные предметы мебели.
В 1814 году итальянец Фортунато Пио
Кастеллани открыл небольшую мастерскую в
Риме и занимался там изготовлением
филигранных ювелирных изделий в
этрусском стиле. Они имели такой успех, что
КОМПЛЕКТ
ИЗ ОЖЕРЕЛЬЯ И ДВУХ
БРАСЛЕТОВ
Серебряная филигрань;
середина 19 а.
их стали копировать французские и
английские ювелиры. Филигранные
ювелирные изделия до сир пор пользуются
популярностью в Португалии, Италии и
Норвегии, где этот промысел сохраняется
частично благодаря туристическому бизнесу.
• •
впечатление на своих хозяев. Французская мода на роскошь и
демонстрацию сокровищ особенно распространилась в Великобритании после
того, как Чарльз 2 вернулся из своей ссылки во Франции. Молодой
монарх провел большую часть лет, формирующих характер, при
французском дворе, и поэтому неизбежно, что он и его вассалы представили
изделия, сильно декорированные в барочном стиле. Почти 20 лет в
период республики царил простой, даже обыденный вкус, одобренный
пуританами, и поэтому Великобритания была более чем готова вернуться
к роскоши. Экстравагантный стиль барокко распространился быстро
коснувшись всех слоев общества.
Вторая волна французского художественого влияния имела место в конце
17 века, когда много мастеров-гугенотов покинули Францию, путешествуя по
Европе и Америке и распространяя свои стили и знания. Их работы вскоре
приобрели популярность, и местным мастерам по драгоценным металлам и
камням приходилось быстро, адаптироваться, производя изделия во
французском вкусе.
Хотя старинные изделия из золота, серебра и драгоценных камней
сегодня, по понятным причинам, очень дороги, можно найти немало более
поздних по времени изделий по более доступным ценам. В самом деле, многие
антикварные вещи менее дороги, чем современные им копии, и, несомненно,
являются наиболее надежным вкладом. Изделия из золота и серебра никогда
не подешевеют, если только это не плохая работа и они не повреждены, но
терпеливый и умный сделает правильный выбор, приобретя большое
количество полезных и декоративных изделий по вполне разумной цене.
341

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
На протяжении веков ювелиры использовали великолепие
И бЛЕСК ДРАГОЦЕННЫХ И ПОЛУДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ И МЕТАЛЛОВ
ДЛЯ СОЗДАНИЯ ИЗЫСКАННЫХ И СОВЕРШЕННЫХ СИМВОЛОВ бОГАТСТВА
И обЩЕСТВЕННОГО ПОЛОЖЕНИЯ.
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Ювелирные изделия всегда были
неотъемлемой принадлежностью членов королевской
семьи, выделяя их среди остальной части
населения. В особенности в эпоху Ренессанса
талантливые золотых дел мастера создавали великолепные
ювелирные изделия для титулованных и прочих
привилегированных особ.
РЕНЕССАНС
Как Генрих VIII, так и Франциск I потратили
целые состояния на ювелирные изделия,
выставленные во время Показа золотых тканей в 1520
году и затем в 1532 году, когда английский и
французский монархи встретились в Кале.
Покровительство со стороны королевского
двора подняло ювелирное дело до уровня
утонченного искусства. Знаменитые художники, такие, как
Ганс Гольбейн и Джулио Романо в Италии,
нанимались для украшения ювелирных изделий так же,
как и для росписи фресок и масляной живописи.
Мастера уровня Бенвенуто Челлини (1502 — 72)
доводили традиционную технику эмали,
гравировки и литья до совершенства. Хотя единственная
подлинная из сохранившихся работ Челлини
представляет собой по существу не ювелирное изде-
ЮВЕЛ ИРНОЕ
УКРАШЕНИЕ
С ПОРТРЕТОМ ГРЕСЛИ
Золото, жемчуг, эмали;
ок. 1580 г.
На одной из сторон этого
ювелирного изделия ,
выполненного в отчетливо скульптурном
стиле Ренессанса, представлен
миниатюрный портрет сэра
Томаса Гресли работы Николаса Хил-
ларда, помещенный в медальон
с крышкой. На другой стороне
великолепная камея с
изображением негритянки в
обрамлении рогов изобилия и амуров,
стреляющих любовными
стрелами. (Вверху)
ОЖЕРЕЛЬЕ
ДЛЯ ТОРЖЕСТВЕННЫХ
СЛУЧАЕВ
Ганс Рвймвр
Золото, бриллианты,
изумруды, рубины
и жемчуг; ок. 1560 г.
Это ожерелье выполнено для
герцога Альбрехта 5 из
Баварии по рисунку Ганса Мейлиха.
Каждое соединение тончайших
завитков, украшенных
драгоценными камнями и жемчугами,
само по себе является
драгоценностью. (Слева)
лие, а украшенный драгоценными камнями
предмет — солонку, которая ныне находится в Музее
истории искусства в Вене, — она ясно показывает
его энергичный, скульптурный стиль.
Под влиянием Челлини ювелирные изделия
украшались скульптурами, моделировались в
круге, на ярком фоне вместе с эмалями и украшались
молочно-белым жемчугом; не доминируя в
композиции, драгоценные камни служили лишь
декоративными акцентами. Эти ювелирные изделия не
только отражали в себе христианские мотивы и
личные чувства художника, как обычно и было в
средние века, но несли в себе влияние
античности, являясь часто иллюстрациями из
классического искусства, мифологии и истории.
ИСКУССТВО КАМЕИ
Возродилось также древнеримское искусство
резных камей и гравировки инталий по твердому
камню (например, ониксу и сардониксу).
Проходившие обучение в Риме, Флоренции и Милане,
резчики камей отправлялись на север Альп и
основывали мастерские в Праге, Париже и
Лондоне. Они внесли современность в классические
мотивы, добавив к ним эпизоды из Библии,
изображения Христа, девы Марии и святых, а также
портреты прославленных современников. Уровень
342

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
выполнения этих работ был чрезвычайно высок,
камни гравировались знаменитыми мастерами,
такими, как Алессандро Чезати, сравнимыми с
мастерами Римской империи.
ЮВЕЛИРНЫЕ УКРАШЕНИЯ
ДЛЯ ГОЛОВЫ
В своей "Автобиографии" Челлини писал о том,
что у дворян в 1524 году существовала мода
прикалывать небольшие золотые медальоны
собственного изобретения к верхним полям шляпы. Он сам
делал подобные украшения и описывал,
насколько трудно было уместить миниатюрные фигуры в
круг и затем раскрасить их разноцветными
эмалями. Некоторые из них сохранились до настоящего
времени; обычно в них иллюстрируются сцены из
Библии или мифологии.
Женщины продевали нити жемчуга в волосы
или помещали ювелирное украшение в центре над
бровями. В середине века были в моде повязки,
украшенные драгоценными камнями,
перемежающимися с жемчугами, известные, как верхний и
нижний убор. Они обвязывались вокруг задней и
передней части головы. Затем последовала мода
на длинные, нарядно украшенные шпильки для
волос, с драгоценными камнями наверху, и
плюмажи (высокие броши, помещенные сбоку
пышной прически). На протяжении большей части
этого периода уши были покрыты волосами или
капором, поэтому серьги обычно не носили.
Немногие изображенные на портретах и упомяну-
УКРАШЕНИЕ
ДЛЯ ШЛЯПЫ
Золото и эмаль; ок. 1540 г.
Но этом украшении французской
работы Благовещение
происходит в саду у решетки. У
архангела Гавриила и девы Марии
золотые волосы, сделанные из эмали
натуралистичные лица, руки и
ноги, и одежды ярко-красного,
голубого и зеленого цветов.
Сцена напоминает картину из
пьесы, вмещенную в форму
медальона и обрамленную витым
проволочным орнаментом По бокам
выступают четыре петли для
пришивания украшения к шляпе.
тые в описях представляли собой сережки
грушевидной формы, которые привешивались к золотым
кольцам, подвескам в виде колокола и гроздям
золотистого винограда, прикрепленным к бантам.
РЫЦАРСТВО И РЕЛИГИЯ
Туго облегающие, строгие лифы платьев с
низкой линией шеи украшались ожерельями из
драгоценных камней и цепочками. Женщины носили
круглый белый жемчуг, нанизанный на нити и
пришитый к стоячим воротничкам высоко у
горловины, или на длинных нитках, спускающихся
до талии. Ожерелья делались из составленных в
сложные узоры и оправленных в золото эмалей,
украшенных драгоценными камнями в высоких
коронках (металлических ободках,
придерживающих драгоценные камни), перемежающимися со
скоплениями жемчуга.
Аналогично сложным искусством было
изготовление цепочек: они имели сложный рисунок и
разнообразную длину, начиная от цепочек под
самое горло до таких, которые оборачивались
вокруг шеи несколько раз. Как признак своего
высокого положения, Генрих VIII носил большое
золотое ожерелье, перекинутое через плечи; то, что
изображено на портрете Ганса Гольбейна, который
хранится в Национальной галерее в Риме,
украшено большими розовыми шпинелями (минерал) и
жемчугами во вставках с цветочным и лиственным
орнаментом.
Подвески, свешивающиеся с цепочки или
ожерелья, а также приколотые к ленте на рукаве, были
проявлением культурных или духовных интересов.
Крест как символ христианской веры носили
многие набожные мужчины и женщины; он мог быть
инкрустирован драгоценными камнями и увешан
жемчугами и нести в себе дополнительные
символы, такие, как орудие страстей Господних
(крестных мук) — терновый венец, лестницу, гвозди и
т.д. Драгоценными камнями украшалась
монограмма Христа, IHS. Драгоценные камни не замыкали
кольцо на спине, и, таким образом, их магические
свойства могли передаваться непосредственно
тому, кто их носит. Иногда их сила подкреплялась
заклинаниями, начертанными на камне.
Ювелиры использовали многочисленные
светские мотивы — аллегории, изображения
животных и растений — и такие символы, как
охотничий рожок, зовущий на великолепные и приятные
развлечения, и корабль, ребус для счастья.
Иногда специально заказывались подвески,
включающие в себя инициалы царственных особ: так,
Генрих VIII заказал драгоценные подвески в форме Hs
для себя и Bs для Анны Болейн.
БРАСЛЕТЫ, ПОЯСА И КОЛЬЦА
Одни браслеты представляли собой
ювелирные изделия, украшенные драгоценными камнями
и жемчугом, в то время как другие включали в
343

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
себя золотые цепочки в соединении с
застежками, украшенными эмалями и геральдическими
крестами.
Линия талии подчеркивалась
великолепными поясами. Челлини изобразил пояс в виде
свадебного подарка, украсил его фигурами
амуров, масками и орнаментом из листьев аканта.
Другие представляли собой цепи из агатовых
"орешков", которые открывались, показывая
картинку на библейский или мифологический
сюжет. На поясе привешивались различные
необходимые для удобства приспособления,
оправленные, в соответствии со вкусами
Ренессанса, в драгоценности, — зубочистки в
форме серпа, ароматические шарики,
молитвенники, веера и зеркала.
Из всех драгоценностей наибольшей
популярностью пользовались кольца. В дизайне
подчеркивались их три составные части: ободок кольца, его
архитектурные или скульптурные "плечи" и
высокое гнездо (место для центрального камня),
украшенное драгоценным камнем, поддерживаемым с
помощью плеч. После 1540 года данную оправу
стали украшать независимым, покрытым эмалью
орнаментом. Печати, необходимые для дела,
украшались выгравированным в золоте или кристалле
гербовым щитом. Были двойные кольца с
двойными ободками и гнездами, символически
говорящими о нерушимости брака. У некоторых колец были
сюрпризы: кольцо, раньше находившееся в
коллекции королевы Елизаветы I и носящее ее
украшенный бриллиантами инициал "Е", открывается
как медальон, показывая покрытый эмалью
портрет самой королевы и ее матери, Анны Болейн,
оба декорированные драгоценными камнями.
ПОСТРЕНЕССАНС
И БАРОККО
К 1600 году стало заметно изменение в стиле,
поскольку драгоценности все больше становятся
символом благосостояния, и их количество
приобретает большое значение. Первое место в
дизайне теперь принадлежит Франции, которая и
удерживает его за собой.
Упор на количестве камней, а не на декоре из
них, стал возможен благодаря предприимчивости
АРОМАТИЧЕСКИЙ ШАРИК
Германия (?)
Золото, жемчуг и эмаль;
ок. 1600 г.
Зеленые, голубые и белые эмали
клаузоне напоминают эмали но
украшенных драгоценностями
платьях, сделанных для двух
австрийских принцесс, и хранящиеся
в Музее прикладного искусства в
Вене. Ароматический шарик,
наполненный веществами для
освежения воздуха, привешивался на
длинной цепи к кольцу. Это
украшение было выполнено для
графини Девонширской, оставившей
его своей дочери Анне, графине
Эксетерской, потомки которой до
сих пор владеют им
344

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
торговцев, таких, как Восточно-Индийская
компания. Большой прогресс был сделан и в искусстве
огранки алмазов. В начале века научились
вырезать из алмаза розу с многочисленными гранями,
и с 1660 года была принята огранка алмазов.
Жемчуг пользовался настолько большим спросом, что
за первые 60 лет 17 века его цена утроилась. Во
избежание желтого оттенка бриллианты теперь
оправлялись в серебро, за исключением Испании, где
золоту отдавалось предпочтение.
Эмалями стали чаще украшать задние и
боковые части орнаментов с драгоценными камнями,
но они оставались главным видом украшений
футляров для часов и миниатюр. Новый способ,
разработанный в Париже и Блуа, позволял
раскрашивать эти поверхности разнообразными
красками, имитируя в миниатюре картины великих
мастеров барокко. Сборники эскизов показывают
предпочтение к цветочному орнаменту благодаря
классическому влиянию.
Женщины украшали жемчугом волосы, а
прическу удерживали с помощью длинных шпилек,
которые заканчивались украшениями из
драгоценных камней в виде насекомых, кораблей, завитков
каракуля и цветов. К концу 17 века, по мере того,
как прически становились выше, плюмажи с
крупными узорами, украшенные жемчугами, приклеи-
1*\
i
J
1
СКАЧУЩАЯ ЛОШАДЬ
Испания
Золото, рубины, изумруды,
жемчуг и эмаль.
Ок.1580 г.
Это украшенная эмалями
золотая подвеска, являющаяся частью
коллекции графини
Девонширской, вначале изображала
фигуру Купидона на драгоценном
седле. Иллюстрируя победу любви,
этот образ имитировал триумф
таких героев анттносги, как
Александр Великий. Как задняя, так и
передняя часть украшены
эмалями и драгоценными камнями
одинаково высокого порядка Эту
подвеску можно было носить на
цепочке вокруг шеи или приколоть
к рукаву.
ЭСКИЗ ПЛЮМАЖА
Маркус Гюитер
1Л1
Родившийся в Лейчестере
Маркус Гюитер зарабатывал себе на
жизнь, создавая эскизы
драгоценностей для богатых европейских
заказчиков. Этот цветок выполнен
для заказчика в Амстердаме,
центре торговли бриллиантами.
Усыпанный бриллиантами с огранкой
в виде розы и увешанный врио-
леттами, он мог носиться в
боковой части головы, вместе с
парадным платьем. Этот дизайн
показывает страсть к бриллиантам,
которая по контрасту с золотыми
скульптурными орнаментами эпохи
Возрождения, преобладала в
ювелирном искусстве барокко. В
это время для оправы
драгоценных камней применялось
серебро, а не золото.
345

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
vfAMKMMOWl
У
5н Л' ь^й- .
г£4
/"
•WPP
ЭСКИЗ ДЛЯ СЕРЬГИ
Маркус Гюнтер
1704 г.
Странствующий ювелир Маркус
Гюнтер создал эскиз и выполнил
эту бриллиантовую сережку с
огранкой в виде розы в Сиене.
Благодаря трем бриолеттам, этот тип
сережки называется жирандолью,
после типа подсвечника с тремя
ответвлениями. Появившись в
конце 17 в., жирандоль с тех пор не
выходит из моды. Мотив листьев
аканта типичен для этого
периода и имеет место не только в
ювелирном деле, но и изделиях
из серебра.
вались к боковой части головы. Мужские шляпы
украшались полосками из драгоценных камней,
цепочками и нитками жемчуга вокруг короны.
Благодаря петлям приподнятые поля шляпы
удерживались на голове.
ЖЕМЧУГ И БРИЛЛИАНТЫ
Несмотря на огромную популярность жемчуга
грушевидной формы в ушах, возрастала также
необходимость в драгоценных камнях, оправленных
в золото и серебро. Изящные жирандоли,
состоящие часто из высокой, в виде лука, центральной
части и трех или более капель подвески,
соперничали по красоте с жемчугами. Более простые
подвески делались из одной капли, свисающей с
пуговичного скопления, украшенного драгоценными
камнями. Мужчины предпочитали носить одну
сережку значительного размера, наподобие той,
что была на Чарльзе 1 во время его казни.
Крупные круглые белые жемчуга нанизывались
в бусы, которые перевязывались сзади лентами.
Огранка бриллиантов придала им невиданное до
той поры великолепие, и в начале 18 века
бриллиантовое ожерелье стало символом высочайшего
богатства и знатности, с камнями, украшенными
декоративной резьбой, в тяжелой серебряной оправе
(и украшенные эмалями с обратной стороны),
связанные в несколько рядов наподобие гирлянды.
Мужчины носили цепочки: это была обычная
награда за дипломатическую и официальную служ-
бу.
Большой драгоценный камень в середине
низкой линии шеи был строгим ритуалом для
знатных дам в первой половине 18 столетия. Подобно
крестам, эти камни часто прикалывались к ленте,
которая завязывалась в бант, но начиная с
середины века сам бант стали украшать различными
металлами и драгоценными камнями. В конце
столетия подобные украшения также обрамлялись
листьями аканта. Продолговатой формы и
украшенные драгоценностями "бранденбурги",
напоминающие украшения на мундирах прусских
солдат, размеры которых возрастали от шеи до
талии, пришли из версальской моды и были
приняты повсеместно. В течение всего периода
оставались популярными броши с цветочными
мотивами. Французские ювелиры стремились как можно
естественнее передать цветы и лепестки,
используя разноцветные драгоценные камни и
бриллианты и сажая на цветы бабочек и птиц.
РЕЛИГИЯ,
СМЕРТЬ И ПОЛИТИКА
Кресты носили в каждой стране и
протестанты, и католики. Религиозные принадлежности и
четки сохраняли популярность во всей
континентальной Европе, в то время как в Англии все
больше интереса проявляли к драгоценностям,
напоминавшим о смерти. Подобные кольца, медальоны
и браслеты (которые носили на бархатных
полосках, заканчивающихся сзади двумя петлями)
несли в себе смертельную символику — черепа,
перекрещенные кости, гробы, скелеты, песочные
часы, ангел, играющий на трубе, и обычно
содержали локоны волос и надпись в виде выведенной
золотом монограммы.
Все больше людей стали понимать, что броши,
пуговицы, запонки, серьги, бусы и ожерелья,
плюмажи и пряжки, гармонирующие друг с другом по
рисунку и материалам, выглядят гораздо более
элегантно, чем целая смесь орнаментов, как бы
великолепны они ни были по отдельности.
Драгоценные камни на посмертном портрете Фрэнсис
Стюарт, графини Ричмондской (ум. 1702),
скопированные с ее бриллиантов и находящиеся до сих
пор в Вестминстерском аббатстве, где она
похоронена, являются ярким тому примером.
В начале 1660-х годов в Англии появились
два нововведения в мужских драгоценностях.
Пуговица на рукаве, предшественница запонки,
стала пришиваться для закрепления манжеты на
запястье, заменив собой ленты, и появилась
пряжка на обуви.
346

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
РОКОКО И НЕОКЛАССИЦИЗМ
Высокий уровень во всех видах декоративного
искусства в 18 веке также относился и к
ювелирному искусству» которое достигло невиданной
элегантности. Находясь под покровительством
тонки^ ценителей искусства, среди которых
наибольшее влияние оказывала любовница Людовика XV,
мадам де Помпадур, парижские ювелиры
создавали образцы, достойные для подражания во всем
мире. В Германии и в Англии мастера из
гугенотов привлекали к себе наиболее богатую и
аристократическую клиентуру; французские ювелиры
также приглашались во дворы Санкт-Петербурга,
Мадрида и Копенгагена.
Заимствуя стилистические элементы вначале
из рококо, а затем из неоклассицизма, используя
усовершенствованные способы огранки и
полировки, ювелиры доводили до максимума красоту
многоцветных камней и бриллиантов. Импорт
драгоценных камней из Индии подкреплялся импортом
алмазов из Бразилии, где в 1720-е годы было
открыто месторождение алмазов. Украшения,
модные в прошлом столетии, — плюмажи, бабочки и
другие детали для украшения волос, бантов на
ПОДВЕСКА/БРОШЬ
Золото» перидот (минерал. —
Пер.), бриллианты и эмали;
около 1640 года
Это ювелирное украшение
можно было носить в виде подвески
на ленте, завязанной сзади
петлями, или как брошь, пришитую к
центру линии шеи. Перидот был
излюбленным камнем того
времени, но вышедшие из моды
грубо отшлифованные бриллианты,
должно быть, были взяты с более
раннего украшения. Цветы на
белом фоне на покрытой
эмалями обратной стороне говорят об
увлечении ботаникой, что в
конечном итоге привело к
основанию великолепных садов
Европы. (Слева)
НАБОР ЦВЕТОЧНЫХ
УКРАШЕННИЙ
Испания (?)
Золото, серебро, бриллианты,
изумруды и рубины; 1760 г.
Комплект из ожерелья и сережек
выполнен в цветочном стиле,
типичном для середины 18 в.
Сережки представляли облегченную
и более яркую интерпретацию
барочной жирандоли. Цветы и
листья в ожерелье соединяются в
гирлянды, прикрепленные к
бархатной ленте. Изумрудные листья
и рубиновые и бриллиантовые
лепестки демонстрируют
высочайший, невиданный дотоле уровень
ювелирного мастерства. (Внизу)
^ с
347

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ЦЕПОЧКА
С УКРАШЕНИЯМИ
Англия
Золото, бриллианты
и эмали; ок. 1770 г.
На декоративном поясе висят
миниатюрная коробочка или часы
с ключом, печатка и брелки.
Строгие, но элегантные диски
выполнены в неоклассическом стиле,
после 1770-х годов. Звезды из
отшлифованных бриллиантов и
королевские инициалы (GR —
Георг III) выделяются на ярком,
темно-синем эмалевом фоне,
типичном для лондонских ювелиров.
Цепочка с украшениями,
миниатюрная коробочка и в тон с ними
часы (не показаны на рисунке)
были подарены Георгом III
виконтессе Гаркуртской; она и ее муж
были большими друзьями
королевской семьи. Эта вещь до сих
пор находится в коллекции семьи
Гаркуртов.
корсажах платьев и на подвесках сережек, —
интерпретировались в более легком и игривом
варианте. Листья аканта вышли из моды, как и черные
эмали. Они сменились более легкими и
изящными линиями и завитками, а также чувством
асимметрии на попарно соединенных драгоценностях.
Поскольку обратная сторона изделий больше не
украшалась эмалями, а одежда и кожа —
серебром, начиная с 1760-х годов им на смену пришла
позолота.
Эмалями высочайшего качества украшаются
поверхности футляров для часов, брелки,
миниатюры и застежки браслетов, некоторые из
которых воспроизводят в миниатюре картины
знаменитых художников. После 1750 года вводится
дополнительная утонченная техника отделки
отгравированной машинным способом поверхности
особым рисунком, который после покрытия эмалью
сверкал, как муаровый шелк. Начиная с 1760-х
годов применялись великолепные королевские
голубые эмали для окаймления украшений и в
качестве фона для бриллиантов и монограмм на
кольцах и застежках браслетов.
СЕНТИМЕНТАЛЬНЫЕ
И МЕМОРИАЛЬНЫЕ УКРАШЕНИЯ
Сентиментальные ювелирные украшения —
броши, кольца, медальоны, застежки браслетов —
были в большой моде в то время. Многие из них
содержали миниатюрные портреты или локоны с
инициалами, окаймленные небольшими круглыми
жемчугами или синими эмалями; на некоторых
были написаны любовные послания, почти всегда
на французском языке. Начиная с 1770-х годов
фишу (кружевная косынка у шеи) закалывалась
овальной или восьмиугольной брошью с
любовными мотивами.
Продолжали появляться мемориальные
ювелирные украшения. Волосы умерших заплетались в
пышные прически, и из них делались красивые
ландшафты, плакучие ивы и погребальные урны.
Носившие траур приобретали подобные эмблемы
с наборами черных эмалей.
Во время карточных игр, в театре, на
маскарадах и балах напудренные головы сверкали от
ярких украшений в виде цветов, насекомых — мух,
мошек, бабочек и птичек, клюющих ягоды или
сидящих на веточках с оливками. В последнее
десятилетие века прически стали украшать звездами
или страусиными перьями. К полям широких
дамских шляп прикалывались памятные трофеи
любви, садоводства, войны и искусства; мужчины
предпочитали более скромные петли и пуговицы.
ДЕКОРАТИВНАЯ ОТДЕЛКА
Великолепные вечерние бриллиантовые
ожерелья делались в несколько рядов, если были
достаточно большими, а в маленьких бриллианты
собирались в сложные цветочные и ленточные гир-
348

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
лянды. Самая большая петля, которая часто
спускалась с передней части шеи, называлась
"невольничьей петлей". Драгоценные камни нанизывались
на нити, свивались в кисти или свисали
гирляндами, что в 1770-е и 1780-е годы соответствовало
моде на украшение драпировок или занавесей.
Очень важную роль играли жемчуга: их
нанизывали на нити, перекручивали их, смешивали с
бриллиантами, нашивая их на широкие стоячие
воротнички или соединяя их в сложные
композиции с бантами и гирляндами, завязывая сзади
разноцветными лентами. Эти украшения из
драгоценных камней могли укрепляться на плоских
бархатных лентах, что еще больше усиливало их
великолепие.
ПЛЮМАЖ
Ок. 1726 г.
Кисточки павлиньих перьев с
вкраплениями драгоценных
камней украшали волосы. Их
прикалывала к своему плюмажу из
перьев графиня Вартонская,
фрейлина королевы Испании. Перья,
подобно цветам и лентам, были
часто повторяющимися мотивами
в ювелирном искусстве 18 в.
Представленное здесь украшение
выглядит особенно
привлекательно благодаря контрасту синих и
белых камней.
Красивейшие броши украшали пространство
между женской шеей и линией талии. Они
напоминали огромные букеты цветов, украшались
всевозможными бантами и лентами. На меньших по
размеру украшениях весь декор делался также
уменьшенного размера. Нарядные и декоративные
пряжки, петли, кисти и пуговицы придавали
больше блеска и усиливали многоцветие рукавов, плеч
и широких юбок.
ПОЛУДРАГОЦЕННЫЕ КАМНИ
Даже богатые люди очень ценили
полудрагоценные камни, такие, как сердолик, агат, аметист,
аквамарин и гранат, блеск которых напоминал красные
рубины. Томпак и похожие сплавы служили
дешевыми заменителями золота. Из глины — белой,
цветной или матовой и подвергнутой специальной
обработке — делались нарядные бусы, плюмажи,
браслеты и серьги, а также такие необходимые
вещи, как пуговицы и пряжки для обуви, подвязки
и пояса. Наряду с жемчугом был широко
распространен самоцвет под названием кок-де-перл,
добываемый из раковин улитки, обитающей на
островах Вест-Индии, обрамленный для блеска
марказитом (минерал — Пер.)
Хотя женщины были в наибольшей степени
заинтересованы в украшениях и представляли
главных заказчиков у ювелиров 18 века,
мужчины, следящие за модой, также очень заботились
о своем положении и внешнем виде. Лишь
немногие особо привилегированные особы
украшали свою парадную одежду знаками отличия
Орденов рыцарства, но у каждого джентльмена была
сабля с ручкой, украшенной эмалями и
драгоценными камнями, прекрасные часы с
привешенной к ним печаткой; на шее он носил
миниатюрный портрет на цепочке и драгоценные кольца
на пальцах. Галстуки прикалывались
сверкающими брошами, манжеты — красивыми
пуговицами, а туфли — металлическими или
керамическими пряжками. Пуговицы украшались
драгоценными камнями, керамикой или эмалями со
спортивными, культурными или политическими
мотивами. Начиная с 1770 -х годов, по мере того
как мода принимала более обычный и
консервативный характер, пуговицы у мужчин делались
больше, становясь предметом для насмешек.
ИМПЕРИЯ
И РОМАНТИЧЕСКИЙ ПЕРИОД
С началом Французской революции в 1789 году
у лондонских ювелиров появилась возможность
проявить себя. Указания пришли от фирмы "Ран-
делл, Бридж и Ранделл", чей магазин пользовался
огромной популярностью в Лондоне (а Наполеон
пообещал его одному из своих генералов, если ему
удастся завоевать Англию). Эта процветающая
фирма пользовалась покровительством
королевской семьи, и в особенности принца-регента, буду-
349

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
щего Георга IV, тратившего огромные суммы на
драгоценности.
Оценив политическую значимость
помпезности и блеска, Наполеон заказал парадному
живописцу Жак-Луи Давиду изобрести форму
искусства, которая выразила бы тему императорского
величия. Ювелирные украшения, выполненные под
руководством Давида для коронации 1804 года,
явили собой образец для парадных
драгоценностей в течение всего 19 века. Данный имперский
стиль был созвучен с преобладающими вкусами и
символами эпохи правления Наполеона. Богатые
украшения, такие, как диадемы, гребни, серьги,
ожерелья, пояса и браслеты, с мотивами,
взятыми из классического искусства, были приняты во
всех королевских дворах Европы.
Страсть к выставлению напоказ своих богатств
продолжалась и после поражения Наполеона при
Ватерлоо, хотя с возвращением Бурбонов
наполеоновские пчелы и классические мотивы во
Франции уступили место роялистской лилии и
натуралистическим цветам, листьям и перьям.
Запасы бриллиантов и драгоценных камней
пополнялись благодаря импорту из Бразилии, куда
входили аметисты, перидоты, топазы, хризопразы
и хризобериллы. Очень популярна была бирюза:
фактически, маркиза из Лондондерри, богатая
английская наследница, была настолько привязана
к своим бирюзовым кольцам, что ее похоронили с
ними. Для этих крупных камней приходилось
делать довольно большие вставки, но зато
благодаря филигранной работе и машинной штамповке
на ней удавалось изобразить рисунки раковин,
завитков и растений. Ювелиры добивались
поразительного контраста цветов — гранаты и желтое
золото, розовые топазы и бриллианты, бирюза и
жемчуг — все они часто давались в сочетаниях с
глубоким чистым, ярко-синим, ярко-зеленым и
бирюзовым цветом эмалей. Подобное сочетание
ярких разноцветных камней, богатых эмалей и
золота вызывало в памяти ювелирные изделия
эпохи Ренессанса и называлось "a l'antique" (на
старинный манер).
РОМАНТИЗМ И СЕНТИМЕНТАЛИЗМ
Ностальгия по прошлому, усиленная огромной
популярностью романов сэра Вальтера Скотта,
оказывала влияние на ювелирное искусство и
другими путями. Влиятельный журнал "Мир моды"
заявил в 1839 году, что "формы наших украшений
теперь полностью заимствованы из средневековья".
Подобные драгоценности не являлись точными
копиями немногих подлинных сохранившихся
работ, а скорее гибридами, составленными из
архитектурных, скульптурных элементов, фрагментов
тканей, рукописей и живописи как средневековья,
так и периода Ренессанса.
Ведущим мастером во Франции был Франсуа-
Дезире Фромен Мерис (1802 — 1855), чей друг,
КОМПЛЕКТ
ИЗ БРАСЛЕТА
И ПОДВЕСКИ
Франция
Золото, бриллианты
и фанаты; ок. 1835 г.
Подобный браслет был любимым
украшением периода
романтизма, его носили от запястья до
локтя. Подвеску носили
приколотой к корсажу. (Сверху)
ЦЕПОЧКА В ВИДЕ
МУФТЫ
Англия
Золото; ок. 1830 г.
Отполированные золотые
завитки выделяются на фоне матовых
центров. Цепочку можно
разделить на воротничок и браслет.
(Справа)
БРАСЛЕТ
Англия
Золото, жемчуг, аквамарин,
рубины и эмаль; ок. 1840 г.
Большой аквамарин в центре
окружен рыцарями в броне,
стоящими в готических нишах; наверху и
внизу изображены военные
трофеи. Пристрастие к рыцарским
мотивам созвучно историческому
духу романов сэра Вальтера
Скотта, которые в то время
пользовались огромной популярностью.
(Справа)
350

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
351

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
АНЮТИНЫ ГЛАЗКИ
Англия
Аметист, топаз, хризопраз
и бриллианты; 1810 г.
Это украшение выполнено для
графини Листовельской, чье имя
написано на обратной
стороне цветка. (Слева)
КАМЕЯ В ВИДЕ
РАКОВИНЫ
Италия
Эта камея, вырезанная в Риме,
является портретом Изабеллы,
жены 4-го маркиза Эксетерско-
го; она изображена под
покрывалом, подобно императрице.
(Внизу)
поэт Виктор Гюго, называл его Бенвенуто Челли-
ни романтизма. Он пережил фигуративный стиль,
связанный с Челлини, но интерпретировал его как
высоко индивиуальный с использованим скорее
окисленного серебра, чем золота, и
изображающего свои темы подобно сценам из спектакля.
Возрождение религиозной тематики,
вдохновленное романтизмом, также выражалось в
благочестивых ювелирных украшениях: длинных
цепочках с крестами, четках и молитвенниках с
украшенными эмалями окладами, которые свисали с
цепи, висящей на поясе. Архитектор А. У. Н. Пуд-
жин (1818 — 1852), работавший в стиле
возрождения готики, спроектировал на эту тему целый
комплект для своей жены Джейн к ее свадебному
платью. Создателей украшенных золотом и
эмалями головных повязок вдохновляли те, что были
на поющих ангелах в запрестольном образе,
расписанном Яном ван Эйком для Гентского собора,
на котором была начертана декларация веры —
"Крест Христа — мой свет".
Сентиментализм продолжал вдохновлять
большую категорию ювелирных украшений в память о
дружбе, любви и свадьбе. Волосы на память
продолжали класть в медальоны, вплетать в браслеты
и цепочки, иногда в сочетании с миниатюрными
портретами, часто одного глаза. Сюда же можно
отнести драгоценности с образом вечности, змею
с хвостом во рту; слоновую кость как признак
верности; анютины глазки и незабудки — мысль.
Любовные послания часто писались на самих
камнях: "Внимание" передавалось рубином,
изумрудом, гранатом, аметистом, рубином вместе с
бриллиантом. Траур тщательно соблюдался, и
драгоценности, носимые с черной одеждой, имели
соответствующие символы: бабочки, змеи, факелы,
кресты, незабудки, бутоны роз, божественные
венцы, шифры и надписи типа "Вечная память".
МЕСТНЫЕ СПЕЦИАЛИЗАЦИИ
Те, кто путешествовал за границу, привозили
домой сувениры. Среди них были металлические
украшения, отлитые в Берлине, медальоны из
слоновой кости и кольца из Дьеппа и Швейцарии,
женевские эмали с изображением молодых
женщин в крестьянских костюмах различных
швейцарских округов. Главные города Италии имели
свою специализацию: Венеция славилась своими
стеклянными бусами и золотыми цепочками,
Генуя — серебряной филигранью, из кораллов
вырезали камеи в Ливорно и Неаполе, наиболее
излюбленным мотивами были вакхи и херувимы.
В Риме продолжало процветать резное
искусство камей, воссоздавались шедевры древней и
современной скульптуры. Также из Рима пришли
мозаичные ювелирные изделия, которые делались
по старинной технике украшения полов и стен.
Наиболее популярный мотив был заимствован из
мозаики в музее Капитолия, на которой изобра-

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
КОМПЛЕКТ
МОЗАИЧНЫХ
УКРАШЕНИЙ
Италия
Золото и стекло;
ок. 1820 г.
Гармонирующие друг с другом
ожерелье, гребень и серьги
выполнены из стекла в технике
мозаики, доведенной в это
время в Риме до совершенства. За
исключением спаниеля,
изображенного на самой большой доле
ожерелья, всюду присутствуют
мотивы птиц и бабочек, взятые
из руинных фресок Помпеи,
которые осматривают все
посещающие Рим. Другие
мозаичные рисунки изображают
пейзажи или живописные сценки из
крестьянской жизни.
МЕТАЛЛИЧЕСКИЕ
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Берлин
Ок. 1830 г.
Ожерелье, подвески, серьги и
браслет отлиты в Берлине и
сочетают неоклассические
мотивы жимолости и аканта с
готическими мотивами. Эти
драгоценности носились вместе с
траурным платьем вместо гагата
(черного минерала. — Пер.) и
черной эмали.
жены голуби, пьющие из золотой чаши. Для более
романтических вкусов были виды природы в
окрестностях Рима, оживленные идиллическими
сценами крестьянской жизни.
Не было необходимости пересекать Ла-Манш
в поисках региональных драгоценностей: из
Ирландии привозилась древесина мореного дуба, из
которого вырезались арфы и трилистники; из
Дербишира — твердый камень, инкрустированный
букетами цветов, для брошей, а из Шотландии —
дымчатые топазы (фальшивые топазы или
цитрины янтарного или коричневого оттенка).
Кроме большого количества ювелирных
изделий для женщин, ювелиры также делали
разнообразные украшения для щеголей-мужчин. Сюда
входили цепочки для часов, украшенные
драгоценностями пуговицы, запонки для манжет,
медальоны, висячие печатки и булавки для галстука.
353

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ХОТЯ МНОГИЕ ПрЕКрАСНЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ бЫЛИ ПЕРЕПЛАВЛЕНЫ
ИЗ-ЗА ИХ НОМИНАЛЬНОЙ СТОИМОСТИ, ОДНАКО ТЕ,
ЧТО СОХРАНИЛИСЬ, ДАЮТ ПРЕДСТАВЛЕНИЕ О ВЕЯНИЯХ МОДЫ
бОЛЕЕ ЧЕМ ЗА 500 ЛЕТ.
БРИТАНСКОЕ СЕРЕБРО
Развитие стилей британского серебра можно
рассматривать как эволюцию контрастов
вследствие влияния различных культур. Дизайн других
европейских стран оказывал влияние на
британскую моду; новые модели, привозимые из
путешествий богатыми заказчиками, постепенно
принимались и остальной частью общества. Изменения
в стиле регулярно происходили в изготовленном
в Лондоне серебре, и мода переходила из одной
крайности в другую, как бы совершенно отвергая
вкусы своих предшественников. Конечно, все было
не так просто. Старомодные клиенты
предпочитали испытанные временем вкусы своей юности или
могли заказывать серебряные изделия, которые
подходили к имеющейся у них коллекции. Более
того, новой моде часто требовалось много лет, пока
она из Лондона дойдет до более консервативного
рынка в провинциях. В 19 веке старый дизайн
сознательно копировался, иногда с некоторой
адаптацией к современным вкусам, но с большой
точностью.
Для многих фамильное серебро считалось
большой ценностью. В тяжелые времена серебряные
изделия могли переплавляться ради получения
денег или закладываться. К счастью, история
Великобритании развивалась относительно стабиль-
СТАРОЕ ШЕФФИЛДСКОЕ СЕРЕБЮ И СЕРЕБРО, ПОЛУЧЕННОЕ МЕТОДОМ ГАЛЬВАНОПОКРЫТИЯ
Один из наиболее успешных методов
покрытия металлических изделий тонким
слоем серебра был открыт примерно в
1743 году Томасом Булсовером (1704 —
1788) из Шеффилда. Он обнаружил, что
если слой серебра расплавить вместе со
слитком меди, оба металла могут слиться
воедино, расширяясь под давлением с
одинаковой скоростью. Таким образом,
пластинки серебра сплавлялись с медью и
подвергались обработке, после чего из
него делались различные предметы.
Вначале медь накладывалась на одну
сторону, но с 1760-х годов ее смогли
накладывать на обе стороны слитка.
Булсовер изготавливал лишь
небольшие предметы, такие, как табакерки
и пуговицы для ливрей, но другие
шеффилдские и бирмингемские мастера
по металлу быстро дали жизнь его
открытию. В середине 18 века появилось
огромное количество всевозможных вещей,
среди них такие большие, как супницы и
подносы. Большинство старинного
шеффилдского серебра не имеет печатей
и может быть датировано лишь в
сравнении с другими характерными
серебряными изделиями.
Покрытие одного металла другим
методом элетролиза впервые нашло
коммерческое применение в середине
19 века благодаря двоюродным братьям
Джорджу Ричардсу Элкингтону (1800 —
1865) и Генри Элкингтону (ок. 1810 —
1852) из Бирмингема. В этом процессе
тонкий серебряный осадок напаивался
поверх изделия и во многих случаях
снижал качество работы мастера. На
викторианских и более поздних изделиях
из серебра, полученных гальваническим
путем, часто стоят инициалы изготовителя
Изделия, созданные по дизайну д-ра
Кристофера Дрессера (1834 — 1904)
и отмеченные его точной подписью,
обладают особой ценностью благодаря
своим стилистически простым формам.
ВИКТОРИАНСКИЙ
ГРАФИН
Изготовлено методом
гальванопокрытия;
ок. 1880 г.
В период Викторианство
любили натуралистичные, орил»-
нальные изделия, обычно
созданные с большой
реалистичностью Хотя некоторые из них
изготавливались из серебра,
большинство представляли
собой гальваноклише
(пластинки меди, покрываемые
серебром методом
гальванопластики. — Пер), чтобы угодил,
новому и растущему рынку
среднего сословия.
354

БРИТАНСКОЕ СЕРЕБРО
ДОКАЗАТЕЛЬСТВО ЧИСТОТЫ
4 ШП
CBISS
□
в
п
С© ЕЕ
10
11
12
13
m
О
гп
^^в
GO
■■
О©
1 Давид Вильоме (1658 - 1741)
2 Августин Курто (1685-1751)
3 Поль де Ламери (1688-1751)
4ПольКреспен(1694- 1770)
5 Эстер Бейтмен (1709 - 1794)
6 Питер Бейтмен (1740 - 1825)
Джонатан Бейтмен (1747 — 1791)
7 Питер Бейтмен (1740 - 1825)
Энн Бейтмен (ок. 1750 - 1815)
8 Питер Бейтмен (1740 - 1825)
Энн Бейтмен (ок. 1750 - 1815)
Уильям Бейтмен (1774 - 1850)
9 Уильям Бейтмен (1774 - 1850)
10 Филип Ранделл (1743 - 1827)
11 Натаниэль Миллз (1746 - 1840)
12 Поль Сторр (1771 -1844)
13 Натаниэль Миллз II
(1811-1873)
Британское серебро обычно помечено
серией штемпелей, на которых указана
дата изготовления, заведение, где
происходило испытание и маркировка
изделия, данные о мастере и о качестве
серебра. В 1238 году применялось
серебро 925 пробы (925 частей серебра
на 1000 частей металла), хотя штамп,
показывающий наличие подлинного
серебра (925 частей серебра на 75 частей
меди — Пер.) — голова леопарда, иногда
с короной — появился лишь в 1300 году.
Начиная с 1363 года каждый мастер
должен был ставить свое имя на своих
изделиях. Для этой цели вначале
использовались символы, но в середине
18 века мастер начал ставить первые две
буквы своей фамилии. Примерно с 1720
года стали писаться его инициалы, как
и теперь. В 1463 году стали ставить дату
текущего года. Четвертая пометка, лев с
поднятой лапой, появилась начиная с
1543 года.
В 1697 году появилось серебро более
высокого качества; согласно британским
стандартам, серебро составляло 958
частей на 1000 частей металла. Старый
знак подлинности (см. выше) был
заменен отметками, изображающими
женскую фигуру, олицетворяющую
Великобританию, и голову льва в
профиль. Но серебряных дел мастера и
заказчики жаловались на излишнюю
мягкость нового сплава, и поэтому в
1720 году вновь вернулись к старому
стандарту.
В 1784 году правительство решило
брать налог на серебро в размере
6 пенсов за унцию и ввело новый знак —
голову правящего монарха в профиль.
Эта отметка сохранялась до 1890 года,
когда британские ювелиры подали
прошение Парламенту упразднить налог,
и их просьба увенчалась успехом. Голова
монарха с тех пор изображалась на
изделиях из серебра лишь время от
времени.
На протяжении 19 века много
серебряных изделий изменили свою
форму или были покрыты более поздним
декором в соответствии с современными
стилями, но сохраняя в то же время
свои старинные характерные черты.
Приходится лишь сожалеть об этом
вандализме, но подобные предметы
вполне легально продаются. Однако,
противозаконно продавать изделия, чья
первоначальная функция изменена.
Любое дополнительное серебро должно
быть опробировано и маркировано.
Во все века были в ходу подделки;
более того, подделывались также
отличительные черты изделий. Для этого
отливали форму подлинного изделия;
обычно подделки можно узнать по
небольшой зернистости, оставляемой
песком, который применяется в
процессе отливки. Копии,
воспроизводимые методом литья по
выплавляемым моделям, обнаружить
гораздо сложнее. Некоторые любители
подделок изобрели свои собственные
печати, которые были очень
убедительными. По сравнению с
подлинной печатью различия могут быть
совершенно незначительными.
Иногда подлинные печати удалялись
с небольших апробированных и
маркированных изделий и помещались
на другие, большие изделия. Подобная
практика уменьшала налог на
используемое серебро. Современные
фальшивомонетчики меняют местами и
характерные отличия предметов и
перемещают печати с поврежденных или
недорогих изделий на подделки.
1716 Стандарт
Лондон с символом
Великобритании
1736 Стандарт
подлинности
1756 Стандарт
подлинности
1776 Стандарт
подлинности
1796 Стандарт
подлинности
1816 Стандарт
подлинности
1836 Стандарт
подлинности
1856 Стандарт
подлинности
©яе
ф£3
ш
0©
ЕЗ£Э©
@@@
©Q0
1773 Стандарт
подлинности
1849 Стандарт
подлинности
ш®а
Q30QQ
Шбф-
фмцд
1824 Стандарт
подлинности
1844 Стандарт
подлинности
ХФ
бург
1780 Стандарт
подлинности
1806 Стандарт
подлинности
Q
ошз^эш

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ВИННЫЙ КУБОК
ПЕРИОДА АНГЛИЙСКОЙ
РЕСПУБЛИКИ.
Лондон
1660
Этот изящный хрупкий предмет
является редким экземпляром,
уцелевшим от этого короткого, но
бурного периода. Имея высоту
всего 6 см (2'/г дюйма), он
счастливо избежал переплавки, т.к.
весит всего две унции. Обратите
внимание на широкие
вертикальные каннелюры,
выгравированные в тонких металлических
предметах для придания силы. Будучи
чисто функциональным, кубок
имеет простые, но элегантные
формы.
но, вследствие чего сохранилось достаточное
количество изделий 17 века. Зарубежного серебра
этого периода уцелело меньше в результате
многочисленных европейских войн, когда изделия из
серебра собирали и переплавляли в слитки для
оплачивания войск. К сожалению, в
Великобритании начали собирать антикварное серебро
сравнительно недавно, начиная с середины 19 века.
До этого старинное серебро обычно
переплавлялось для получения сырья, чтобы из него делать
современные вещи.
АНГЛИЙСКАЯ РЕСПУБЛИКА
В период Английской республики (1642 —
1660) было уничтожено большое количество
семейного серебра, которое было переплавлено как
роялистами, так и сторонниками Кромвеля для
ведения Гражданской войны в Англии. Более того,
пуритане презирали выставление напоказ богатства
и не одобряли изображения Христа. Таким
образом, было уничтожено много церковного серебра,
в то время как многие "апостольские" ложки были
искажены, с них была снята и переплавлена
утонченная рельефная отделка. Немногие сделанные в
этот период серебряные предметы имели
небольшие размеры и чисто функциональный характер;
декоративных украшений было немного, обычно они
ограничивались простыми вертикальными
каннелюрами. Подобные изделия делались достаточно
прочными, поскольку мастера сильно экономили
серебро и использовали лишь тонкие пластинки, с
помощью которых создавались простые,
практичные вещи. Сохранилось очень немного столового
серебра в этом стиле, из-за его хрупкости.
БАРОККО
Во Франции и Голландии сдержанный стиль
барокко пользовался популярностью с начала 17
века. Постепенно оно становилось все более
пышным и экстравагантным, и к 1650 году изделия
были украшены сложными натуралистическими
волютами, раковинами, птицами и амурами.
После возвращения Чарльза II из французской ссылки
он представил этот стиль в Англии с показной
роскошью и великолепием. Делались разные изделия,
в том числе чудесные туалетные наборы со
шкатулками, духами, кисточками и зеркалами. Новый
легкомысленный стиль распространялся по всей
Великобритании, оказывая влияние даже на дизайн
обычных предметов.
СТИЛЬ КОРОЛЕВЫ АННЫ
Реставрация монархии привела к созданию
новой аристократии, когда многие дворяне были
вознаграждены за свою верность Чарльзу II.
Стремясь использовать свое новое благосостояние и
общественное положение, они активно
приобретали серебро. В результате в конце 17 века
Англия страдала от серьезной нехватки серебра в
слитках для производства монет. Кроме того,
широко распространилась практика срезания
краев монет, почему и был введен британский
стандарт серебра. Оно было слишком мягким для
производства из него сложных декоративных
изделий, и возобладала французская мода с
простыми и строгими линиями. Для так
называемого стиля королевы Анны, распространенного в
первой четверти 18 века, были характерны
простые, ничем не украшенные плоскости,
перемежающиеся каннелюрами или выделенными
гранями. Популярны были также монументальные
украшения в сочетании с четкими, рельефными
линиями (вырезанные и припаянные к изделиям
серебряные пластинки с лиственным
орнаментом); горизонтальные и вертикальные полоски
усиливали общую выразительность; гравировка
ограничивалась геральдическими мотивами. Этот
стиль воспроизводился на британском
стандартном серебре начиная с конца 19 века, поэтому
необходимо проявлять осторожность с
серебряными изделиями со стершейся маркировкой, т.к.
дата и инициалы мастера могут быть намеренно
стерты с целью подделки.
356

БРИТАНСКОЕ СЕРЕБРО
ВЛИЯНИЕ ГУГЕНОТОВ
В 1598 году французские протестанты,
гугеноты, согласно Нантскому эдикту, получили
религиозную свободу, дарованную им Генрихом IV.
Однако в 1685 году Людовик XIV аннулировал указ,
что вызвало большую эмиграцию из Франции.
Многие богатые и влиятельные протестанты уезжают
в Америку, Голландию и Великобританию.
Некоторые мастера-эмигранты занимались торговлей
драгоценными металлами, и их приезд в
Великобританию оказал сильное влияние на моду в
производстве серебряных изделий.
Среди мастеров-гугенотов были Августин Курто
(1685 — 1751), Поль Креспен (1694 — 1770),
Давид Вильоме (1658 — 1741) и Поль де Ламери
(1688 — 1751), последний стал самым известным
британским серебряных дел мастером. Пройдя
обучение у деревенского мастера Пьера Платеж
(1664 — 1719) в 1703 году, де Ламери в 1712 году
ТУАЛЕТНЫЙ НАБОР
ЧАРЛЬЗА II
Лондон
Скорее всего между 1675
и 1676 г.
Хотя подобные наборы
использовались только в богатых домах,
они создавались главным обро-
эом с целью произвести
впечатление на почетных гостей.
(Вверху слева)
БЛЮДО
С КАННЕЛЮРАМИ,
ПРИНАДЛЕЖАВШЕЕ
ГЕОРГУ II
Поль до Ламери, Лондон
1746
Это блюдо простой формы тпич-
но для ранних работ де Ламери
(Вверху)
ЧАЙНИКИ ДЛЯ ГОРЯЧЕГО
ШОКОЛАДА,
ПРИНАДЛЕЖАВШИЕ
КОРОЛЕВЕ АННЕ
18 в.
Чайник слева был выполнен Зе-
томЛофтхаусом в Лондоне (1712);
справа — Джозефом Уокером в
Дублине (1706)
357

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
становится свободным мастером, получает свою
первую маркировку, "LA", со звездой и большой
короной сверху и геральдической лилией внизу.
Де Ламери обосновался в Сохо, районе Лондона.
Все его изделия сделаны очень добротно, из
массивного апробированного серебра, на некоторых
из наиболее значительных выгравированы
геральдические мотивы, возможно, работы молодого
Уильяма Хогарта (1697 — 1764).
Ранние изделия де Ламери были в простом
стиле королевы Анны с плоской поверхностью,
идеальной для гравировки, перемежающейся с
широкими изогнутыми канелюрами и острыми
углами. В 1740-е годы он стал одним из главных
представителей рококо, создав шедевры,
изобилующие литыми и чеканными украшениями.
РОКОКО
В 1730-е годы многим покупателям серебра
надоели старые, избитые стили, и им захотелось
большей декоративности и фантазии. Асимметричный
стиль рококо с использованием раковин, цветов и
завитков из листьев, уже получивший популярность
во Франции, теперь был принят британскими
мастерами, которые пытались противостоять своим
соперникам-гугенотам. В работах британских
мастеров не было такого льющегося через край
изобилия, как у их иностранных соперников, они
сочетали сдержанность и силу с тонкостью и
уравновешенностью. Декор в китайском вкусе был чисто
британским, и много чайной посуды украшалось
экзотическими сценками и растительными
мотивами. Несмотря на то что продолжали отливаться
крупные, тяжелые высококачественные изделия,
мода на рококо широко распространялась на более
мелкие предметы, такие, как восхитительные
корзиночки ручной работы, декорированные цветами,
ДВЕ ЧАЙНИЦЫ
И САХАРНИЦА,
ПРИНАДЛЕЖАВШИЕ
ГЕОРГУ II
Томас Хоминг, Лондон
1752 г.
Китайский декор пользовался
популярностью в середине 18 в. На
этих изделиях фигуры китайцев
дополнены арабесками. (Вверху)
листьями и птичками, создаваемыми для среднего
сословия.
НЕОКЛАССИЦИЗМ
Полным контрастом к легкомысленному и
несдержанному рококо в 1760-е годы в моду
вошел неоклассицизм. Его популярность
росла по мере того, как зажиточные
путешественники ездили на континент и изучали недавно
ДВА КОФЕЙНИКА,
ПРИНАДЛЕЖАВШИЕ
ГЕОРГУ II
Джордж Уикс
и Поль до Ламори, Лондон
1742 г.
Оба кофейника украшены
великолепной чеканкой и
гравировкой с декором рококо. Уикс
был очень одаренным мастером,
но в настоящее время он не
пользуется такой славой, какде
Ламери.
358

БРИТАНСКОЕ СЕРЕБРО
ПОДСВЕЧНИКИ,
ПРИНАДЛЕЖАВШИЕ
ГЕОРГУ III
Джон Шофилд, Лондон
Золоченое серебро, 1791 г.
открытые классические руины. Особенно
большой известностью пользовался архитектор и
дизайнер Роберт Адам (1728 — 1792), его
рисунки копировались и воспроизводились
производителями фарфора и серебра, которые
выпускали многочисленные изделия в форме ваз,
украшенные лавровыми венками, масками и
копытами барана, патерами (круглый орнамент
в виде тарелки. — Пер.), бантами и нитями
бус. Подсвечники обычно имели форму колонн,
с капителями коринфского или дорического
ордера. Растущее соревнование с мастерами
старого шеффилдского серебра вынуждало
мастеров серебряных дел создавать более дешевые
изделия, которые изготавливались из
тончайших листочков серебра, приводимых с
помощью специальных машин к единому стандарту.
В 1780-х годах стало модно украшать его
гравировкой, выполняемой специальными
инструментами, которые создавали грани, сверкающие
в лучах света. Ювелиры пользовались этим
методом для привлечения потенциальных
заказчиков, поскольку невозможно было украшать
гравировкой старое шеффилдское серебро, не
раскрывая находящуюся под ним медь.
ДИНАСТИЯ БЕЙТМАНОВ
Эстер Бейтман (1709 — 1794) была самой
известной в Великобритании женщиной-
ювелиром. Ее работы с маркировкой "НВ"
(Hester Bateman) пользуются большим
спросом у коллекционеров, хотя вначале
они были плохого качества, со
стандартным рисунком, и выпускались из
тонких металлических завитков с
минимальным числом украшений.
Эстер унаследовала фирму от своего
мужа Джона (1707? — 1760), который
специализировался на изготовлении часов
и драгоценных цепочек. После смерти
Джона Эстер приняла на себя и даже
расширила его дело, с помощью своих
сыновей, Джона и Питера. Джон
скоропостижно умер (1730 — 1778), и
Питер (1740 — 1825) и его брат Джонатан
(1747 — 1791) приняли руководство
фирмой. Их объединенная маркировка
"РВИ над "IB", зарегистрированная в 1790
году, чрезвычайно редка, т.к. Джонатан
умер через несколько месяцев после
того, как штамп был утвержден в
|Голдсмитс-холле. Его вдова Энн (1750? —
1815) вместе со своим зятем и
присоединившимся к ним в 1800 году
(младшим сыном Энн Уильямом (1774 —
1850) становятся партнерами. К 1815 году
Уильям стал главой фирмы и выпускал
Ьсеребряные изделия до самой смерти.
Семья Бейтманов работала начиная
с позднего рококо, в период
неоклассицизма до раннего
викторианского натурализма. Большие
впечатляющие изделия работы Бейтманов
сохранились, но они делали в основном
недорогое, простое столовое серебро для
домашнего употребления среднего
сословия.
СЕРВИЗ ГЕОРГА III
Литер и Энн Бейтман
Лондон
1706, 1708, 1700 гг.
359

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
РЕГЕНТСТВО
К 1810 году заказчики устали от холодной
элегантности и непрочности серебра, им
потребовались изделия более массивные и яркие. Хотя
классицизм продолжался в первой четверти 19
века, он стал более утяжеленным по стилю,
увитым виноградными лозами, декорированным
вакханальными фризами и египетскими мотивами,
которые отливались и затем прикладывались к
неброским, но монументальным изделиям.
Теперь много слитков серебра привозилось из
Северной и Центральной Америки, и оно было
недорогим, поэтому в финансовом отношении
ювелиров ничто не сдерживало. Они давали
простор своему воображению, обеспечивая своих
клиентов высококачественными и
монументальными изделиями. К концу столетия вкусы
начинают меняться. Изделия из серебра становились
все более перегруженными украшениями, и
утонченность часто приносилась в жертву пустой
красоте.
ВИКТОРИАНСГВО
В 19 веке большие компании, в которых
работали сотни рабочих, выпускали много
недорогого столового серебра. Неизбежно страдало
качество, налажено было массовое производство
машинной прокатки и штамповки серебра. Ко-
ДЕКОРАТИВНАЯ ВАЗА
ГЕОРГА III
Томас Питгс, Лондон
1773 г.
Данное изделие выполнено в
неоклассическом стиле, в его
наиболее динамической форме. Хотя в
нем много типичных элементов —
лавровые венки, медальоны с
урнами, бусы и раковины,
мастеру удалось объединить их все для
создания очень живого и
энергичного произведения искусства.

БРИТАНСКОЕ СЕРЕБРО
ПАРА БОКАЛОВ ДЛЯ
ВИНА С ПОДСТАВКАМИ,
ПРИНАДЛЕЖАВШИХ
ГЕОРГУ III
Бенджамин Смит, Лондон
Золоченое серебро, 1807 г.
Эти великолепные произведения
искусства весят 348 унций. Их
форма типична для конца
периода неоклассицизма; подобная
форма колокола использовалась
при изготовлении бокалов и
кубков и доже супниц Огромное
количество подобных бокалов
изготавливалось как из обычного,
так и из строгого шеффилдского
серебро, но большая часть была
низкого качества. Из него
отливали декоративные вставки и
рукоятки, и даже геральдические
мотивы чаще отливались из
твердого серебра, чем подвергались
гравировке.
Самым известным серебряных дел
мастером в период Регентства был Пол
Сторр (1771 — 1844). Проучившись шесть
лет у шведа по рождению, ювелира Эндрю
Фогельберга, Сторр начал работать
вместе с Уильямом Фрисби. Их
партнерство продолжалось всего три года,
и Сторр вскоре стал старшим мастером,
создав свою первую значительную вешь,
золотую купель, заказанную герцогом
Портландским в 1797 году. Его слава
росла, и в 1799 году он получил заказ на
изготовление "Битвы за Нильский кубок"
для подарка адмиралу лорду Нельсону.
Около 1803 года серебряных дел
мастер Филип Ранделл (1743 — 1827)
обратился к Сторру с предложением
работать вместе; он уже убедил
скульптора Джона Флексмана (1755 —
1826) присоединиться к нему в качестве
дизайнера. Но Сторр отказал ему, и хотя
он работал с Ранделлом начиная
примерно с 1806 года, все же сохранял
свою торговую марку для независимой
работы. Не выдержав эксплуатации,
Сторр ушел из компании. В 1822 год
он объединил усилия с Джоном
Мортимером и открыл свой бизнес
на Нью-Бонд-стрит. В 1839 году Сторр
ПОЛ СТОРР
отошел от дел и пять лет спустя
скончался в бедности.
Работы Пола Сторра неизменно
отличаются высоким качеством, даже
незначительные его изделия прекрасны по
дизайну, имеют внушительный вид и
всегда маркированы.
ЧЕРНИЛЬНИЦА РАБОТЫ
ПОЛА СТОРРА,
1803 г.
361

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
СТОЛОВЫЕ ПРИБОРЫ
Столовые приборы 18 века вполне
доступны коллекционерам. Столовые
приборы этого периода с тонкой литой
отделкой в виде апостолов или балясин
могли быть очень дорогими; всеобщий
интерес вызывали четко выполненные
маски. Сохранялось много ложек 17
века; они служили популярными
рождественскими подарками и до сих
пор могут носить имя ребенка и его
крестного отца. Вилки встречаются
гораздо реже, т.к. они не были
представлены в британском обществе
до середины 17 века.
После реставрации монархии в 1660
году стали вводиться французские стили
столовых приборов. Вилки получили
широкое распространение, их
старомодная литая отделка была заменена
плоскими и ровными ручками. На ней
очень удобно было помещать чеканную
или отштампованную декорацию, а также
позволяло снизить стоимость приборов,
поскольку каждый прибор мог быть
выполнен из одного листа серебра. Также
легко было выпускать наборы
соответствующих друг другу предметов,
хотя в настоящее время трудно отыскать
полные комплекты. Недостаток подобного
комплекта заключался в том, что на
многих приборах были выгравированы
инициалы или гербы первых владельцев,
чтобы показать, что это полный комплект.
Ножи этого периода трудно отыскать,
т.к у многих из них ручки были сделаны
из тонкого листового серебра, с
сердцевиной, выполненной из другого
материала. При погружении в горячую
воду сердцевина расширялась, что
вызывало появление трещин в металле
Ножи с ручками из слоновой кости и
стальными лезвиями, пользовавшиеся
популярностью в 19 веке, теперь сильно
заржавели, многие ручки разбиты или
потеряли свой цвет.
Набор ложек
с 17 по 19 в
нечно, некоторые ювелиры продолжали
использовать традиционные методы, главным образом
из-за вкусов их обеспеченных и проницательных
клиентов. Популярны были репродукции с
изображением старых стилей, и в то же время в
конце 19 века с континента пришло искусство
модерна; дизайн этого криволинейного и пышного
стиля часто импонировал народным массам.
Возможно, главным стилем в период Викторианства
был натурализм, применявший формы,
связанные с изображением растений, животных и
людей, и создававший множество предметов,
малых и больших, трогательных и гротескных.
ВИКТОРИАНСКИЙ
ЧАЙНЫЙ СЕРВИЗ
Эдвард Фаррвлл, Лондон
1839 г.
В роботах Фаррелла наиболее
полно ощутимо викторианское
стремление к натурализму; его
изделия отличаются ровной
отливкой и применением чеканки,
часто включены сценки с
изображением пьяных крестьян в духе
голландского художнике Тенирсо
362

БРИТАНСКОЕ СЕРЕБРО
ВИКТОРИАНСКАЯ ВАЗА
Пол Сторр, Лондон
1838 г.
Эта монументальная ваза
высотой 83 см (33 дюйма) и весом 264
унции (I унция равна 28, 3 гром*
мо. — Пер.) была выполнена за
год до ухода Сторра из
компании. (Вверху)
"ЕВРОПЕЙСКИЙ МАГАЗИН ИГРУШЕК"
С начала 18 века Бирмингем являлся
важным центром производства изделий из
серебра и других ювелирных изделий;
особенно специализировался на
изготовлении безделушек, таких, как
"печати, пинцеты и шкатулки для
зубочисток, флаконы с духами и изделия с
филигранью, цепочки для часов, крючки,
щипцы для колки сахара и т.д."
(Бирмингемский справочник под редакцией
Скечли, 1767) Подобные недорогие
"игрушки" создавались в огромных
количествах, и на этой почве Бирмигем,
наряду с Шеффилдом, обратился к
правительству с просьбой о
предоставлении им помещений для
испытания своей продукции, которые были
им предоставлены в 1773 году. Для своей
отличительной маркировки Шеффилд
выбрал корону, Бирмингем — якорь
(очевидно, по лондонскому трактиру
"Корона и якорь", месту встреч делегатов
обоих городов).
У Бирмингема давно была
несправедливая репутация производителя
безделушек, провоцируемая ревностным
отношением лондонских мастеров к
столичному успеху. В самом деле,
прилагательное "Brummagem"
(низкопрбное, поддельное; сделанное в
Бирмингеме. — Пер.) стало синонимом с
пестрым и безвкусным, производимыми в
массовом порядке изделием плохого
качества; часто это были небольшие
безделушки типа табакерок, шкатулок для
карт и флаконов с нюхательной солью, по
которым можно было безошибочно
определить, что они из Бирмингема.
Многие из них делались в основном в
расчете на рынок среднего сословия,
часто из одного тонкого листочка серебра
с минимальным количеством несложной
гравировки или фабричного декора.
Большинство из них выполнены очень
красиво, с тщательно скрытыми местами
стыков и прочными петлями.
Популярной бирмингемской
безделушкой была шкатулка в виде
"вершины замка", изготовленная в
середине 19 века. Она вызывала в памяти
образы крупных зданий или спортивные
сооружения. Лучшие образцы подобных
шкатулок украшались горельефным
декором, второстепенные — методом
штамповки, а затем обрабатывались ручной
чеканкой.
ВИКТОРИАНСКИЕ
ПАЛОМНИЧЕСКИЕ
БУТЫЛИ
Мвссрс Каррингтон, Лондон
1893 г.
Эти великолепные
воспроизведения оригиналов середины 17 века
отличаются высочайшим
исполнением и весят 339 унций. Хотя
прототипы использовались как фляги
для вина, эти их копии
предназначались для выставки. Их
ценность увеличена благодаря более
поздним надписям,
свидетельствующим о том, что они были
преподнесены в качестве
свадебного подарка принцу Александру
Текскому в 1904 году, один
подарен его шурином Джорджем,
принцем Уэльским, а другой — его
товарищами-офицерами из 7-го
гусарского полка Ее
Королевского величества
363

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
Не испытывая недостатка в СЕрЕбре и имея покровительство
в 17 — 19 веках со стороны королевских дворов Европы,
МАСТЕРА СЕрЕбрЯНЫХ ИЗДЕЛИЙ ДОСТИГЛИ НОВЫХ ВЫСОТ КАЧЕСТВА.
ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
Начиная с 17 века европейские изделия из
серебра подверглись значительным
изменениям в отношении их масштабов и функций. В
период барокко металлу придается новая роль:
украшать интерьер. Подобные предметы обстановки
вели свое происхождение от итальянского
парадного столового серебра, в котором
распространены были большие кувшины и блюда для воды.
Серебряные фонтаны и бокалы для вина, рамы для
зеркал, столы и жардиньерки приобретают
популярность по всей Европе, в особенности благодаря
покровительству Людовика XIV и субсидируемой
им фабрики гобеленов.
В 18 веке производство серебряных
предметов обстановки пошло на убыль по мере
возрастания моды на декоративные вставки из
золоченой бронзы, большие настольные вазы и
украшения из серебра, которые ставились в
центре стола, подсвечники, нарядные супницы, вазы
для второго и другую посуду, заменившую
туалетные приборы в работах многих европейских
мастеров серебряных дел. Чай, кофе и шоколад
вошли в употребление с середины 17 века, и в
связи с эволюцией рококо появилась
замысловатая посуда для этих напитков.
В начале 19 века, после возрождения
Империи, во Франции началось распространение
имперского стиля. Несмотря на непрерывные
войны начиная с 1792 года, европейские ювелиры и
дизайнеры подражали французским формам и
декоративным украшениям. В некоторой степени
они вдохновлялись книгами с эскизами Шарля
Персье (1764 — 1838) и
Пьера-Франсуа-Леонарда Фонтена (1762 — 1853), точно так же, как на
их неоклассических предшественников
оказывали влияние рисунки Пиранези и Роберта Адама.
Снова в моду входит позолота, существенно
дополняя греческое и египетское величие,
вносимое имперским стилем. В Австрии и Германии
появился более упрощенный бидермейерский
стиль. В остальных странах Европы в течение
долгого исторического периода наблюдалось
романтическое стремление к готике и рококо.
Технологические новшества способствовали
усилению виртуозности дизайна и доступности
изделий из серебра, особенно в связи с новыми
достижениями в гальванопокрытиях. Вслед за на-
ТУАЛЕТНОЕ ЗЕРКАЛО
Франция
рельефная чеки ид
и гравировка; 1660
Это сохранившееся зеркало из
туалетного комплекта, могло быть
подвешено, равно как и стоять
на подставке. Рельефная
чеканка характерна для
цветочно-растительного орнамента
середины 17 в. Изготовлено в качестве
свадебного подарка для
Джеймса, герцога Йоркского
(впоследствии Джеймса II) и Анны Хайд в
1660 г. (Справа)
КУВШИН И БЛЮДО
Северная Италия
рельефная чеканка и
гравировка; ок. 1610 г.
Типичная парадная посуда,
предназначаемая главным образом для
демонстрации. (Отрава)
полеоновским двором, большие партии парадного
столового серебра стали принимать формы
триумфальных экранов, декоративных блюд или
зеркальных серебряных украшений для столов, в то
время как кофейники и вазы воспринимались как
памятные подарки и скульптурные приветственные
подношения. Влияние британского Движения
Искусств и Ремесел и натуралистичного японского
дизайна, а также регулярные международные
выставки способствовали возникновению
последовательной серии возрождений рококо и классики.
364

ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
КУВШИН И БЛЮДО
Христиан вам Вианен, Утрехт
Серебро, рельефная
чеканка и гравировка; 1632
Обо предмета выполнены в ори-
кулярном стиле, представленном
в мастерской ван Вианена.
ГРАВИРОВКА И ЧЕКАНКА
По своей природе маньеристское и барочное
серебро требовало от ювелира достаточно гибкой
техники. Хотя общая мода на гравировку в
качестве декора продолжалась на протяжении 17 века,
во многих центрах стали применять более тонкие
листы серебра, которые больше подходили для
рельефной чеканки и отделочной гравировки.
Главным исключением из этого правила были
новаторские работы голландского семейства ван Виане-
нов, особенно Адама и его сына Христиана,
овладевшим икусством рельефной чеканки.
Научный подход к изучению ботаники в
прошлом включал в себя знакомство с гравюрами того
времени с изображением голландских цветочных
натюрмортов, которые оказывали большое
влияние на декоративное искусство, особенно начиная
со второй четверти 17 века и примерно до 1700
года. В странах Северной Европы пользовались
популярностью серебряные изделия, украшенные
гравировкой с натуралистичными и энергичными
мотивами. Немецкие, голландские, итальянские и
испанские кружки, чашки, подносы, кубки и дру-
ГЛАВНЫЕ ЕВРОПЕЙСКИЕ СЕРЕБРЯНЫХ ДЕЛ МАСТЕРА
Ямнитцер, Венцель 1508-1585
Нюрнберг
Известный ювелир периода маньеризма, жил в Нюрнберге»
Ван Вианен, Адам 1569-ок. 1627
Утрехт
Основоположник переходного маньеристско-барочного
орикулярного стиля.
Ван Вианен, Поль 1570-ок,1613
Утрехт и Прага
Брат Адама. Наиболее изысканный мастер среди ювелиров
орикулярного стиля.
Лутма, Иоганнес
(Ян)
ок. 1584-1667
Амстердам
Находился под влиянием ван Вианенов. Известный голландский
ювелир периода барокко.
Ван Вианен,
Христиан
ок. 1600-67
Утрехт и Лондон
Сын и ученик Адама. Работал в Англии.
Да Форли,
Джованни
Джардини
ок. 1675-1722
Рим
Римский ювелир позднего барокко.
Телотт, Иоганн
Андреас
1655-1734
Аусбург
Выдающийся чеканщик периода барокко.
Жермен, Тома
1673-1748
Франция
Ювелир периода рококо, учился в Риме.
Мезоньер,
Жюст-Орель
1693-1750
Париж
Приобрел известность благодаря введению форм рококо в дизайн
для изготовления серебра и интерьеров.
Огюст,
Робер-Жозеф
1723-1805
Франция
Ювелир. Работал при дворах Людовика XVI, Екатерины Великой
и португальского двора.
I
I
Одиот,
Жан-Батист-Клод
1763-1850
Франция
Соперник Биенне, имел репутацию новатора.
Биение, Мартин
Гийоме
1764-1843
Париж
Главный ювелир Наполеона.
365

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
гая посуда украшались чеканкой с горельефными
изображениями вьющейся листвы, животных и
цветов, а также живописных метафорических
композиций. Крупномасштабные объекты, в том
числе мебель, часто покрывались тонким слоем
серебра, чтобы сэкономить на весе и цене. Чеканка,
однако, способствовала укреплению
металлического изделия благодаря постоянным ударам
молотком и регулярному обжигу.
В период долгого царствования Людовика XIV
(1643 — 1715) были внесены новые усложнения в
дизайн и технику изготовления металлических
изделий. Во Франции натуралистичное барокко
подверглось классическому влиянию и постепенно
распространилось на близлежащие страны. Эта
тенденция носила в основном архитектурное начало и
исходила от архитекторов и дизайнеров короля, в
частности, тех, кто занимался строительством и
украшением Версальского дворца. Жан ле Потр
(1618 — 1682) претворял в жизнь сотни дизайнов,
построенных либо в романском, либо в стиле
модерн, в которых суровый и аскетичный
изобразительный стиль сочетался с суровым орнаментом
аканта, спиралевидным или гротескным
орнаментом. Более фундаментальное изменение имело
место в увеличении массы металла, которая
украшалась орнаментом; орнамент отливался отдельно, а
затем накладывался методом чеканки. Подобное
явление имело место между 1670-ми и 1680-ми
годами в основных парижских центрах по
изготовлению серебра и некоторых провинциальных цент-
ПОДНОС В ОСНОВАНИИ
ТРУБЫ
Поль Верен, Лондон
фоне; 1683
Горельефные чеканные
изображения фруктов, цветов и
человеческих фигур, животных и птиц, как
на этом подносе, изготовленном
в Лондоне, с серебряными и
иными декоративными украшениями
пользовались огромной
популярностью, начиная примерно с 1650
до 1680-х годов.
pax. Все чаще применялась техника покрытия
корпуса изделия серебром, украшенным орнаментом.
Подобная техника была принята серебряных дел
мастерами соседних стран, в основном благодаря
переселению мастеров-гугенотов, которое имело
место как до, так и после отмены Нантского указа
в 1685 году.
В странах непротестантской Европы мастера
копировали французский дизайн, не оставляя моду
покрытия тонким слоем серебра. Настольные
подсвечники, изготовленные, согласно французской
моде, путем отливки основания и трех секций
самого подсвечника, могли весить в два-три раза
больше, чем эквивалентные им изделия, сделанные
путем покрытия тонким слоем серебра. При
использовании слитков серебра наиболее
распространенным декоративным украшением было
использование плоской чеканки, в добавление к
накладному орнаменту. Применялась и гравировка;
геральдические знаки, цифры и надписи легче было
наносить именно в такой технике.
ЛИТЬЕ
Отливка серебряных ручек пластичных
изделий, равно как и декоративная отделка и даже
изготовление изделий целиком из массивных и
сложных материалов, обычно делалась методом так
называемого "потерянного воска" (способ литья по
выплавляемым моделям. — Пер.) Горлышки и
ручки кувшинов, ножки подсвечников по примеру
французского серебра начиная примерно с 1675
года, отливались в песке из двух половинок,
соединявшихся вместе вдоль шва.
Другое нововведение, которое ввели
итальянцы и французы, особенно в более поздний период
французского Регентства (1715 — 1723),
заключалось в изготовлении столовых приборов в
технике двойной чеканки. Необработанные ручки и
обратные стороны ложек украшались чеканкой в
стиле раннего барокко, обычно в технике барельефа,
но при возникшей в конце 17 века более
утяжеленной моде на слитки потребовались
аналогичные изменения в размерах и декоре ложек,
ковшей, вилок и других изделий. При этом изделия
стали украшаться разнообразными
орнаментальными щитами и гербами, которые в прошлом лишь
гравировались. Ножки имели круглое сечение и
тонкую отделку контура.
В период рококо наблюдалось возрождение
рельефной чеканки и гравировки, а отливка
изделий из серебра и изготовление их из тяжелых
слитков осталось излюбленным приемом для
монументальных или слишком добротно выполненных
изделий. Оживление их орнаментом в виде
завитков и каннелюрами подчеркивало податливость и
эластичность металла. Вначале неоклассицизм не
принял горельефную чеканку и литье — особенно
во Франции, которая возглавляла первенство по
дизайну. Однако в Германии тесные связи с про-
366

ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
изводством фарфора, начиная с 1720 -х годов,
обеспечили параллельное развитие техник
изготовления серебра и фарфора, начиная с Регентства и на
протяжении всего периода неоклассицизма, и
лепщики приспосабливали свое мастерство к обоим
видам искусства.
ПРОМЫШЛЕННЫЕ МЕТОДЫ
Индустриализация многих видов ремесел во
второй половине 18 века, главным образом
благодаря принятию в производстве энергии пара,
ускорила техническую революцию в производстве
обычного и нового шеффилдского серебра,
производимого в Англии. Чеканка орнамента и
ажурная работа раньше выполнялись вручную, теперь
же появилась возможность делать их с помощью
фрикционного или винтового пресса, экономя при
этом много часов работы. На прокатных станах,
приводимых в действие паровыми двигателями,
можно было раскатывать слитки серебра,
превращая их в совершенно ровные листы и гораздо
более тонкие слитки. Неоклассицизм, совпавший с
довольно скучным периодом во французском
дизайне, пришедшим сразу же после революции,
стремился к более простому оформлению
поверхности изделий и уменьшению их веса, что
компенсировалось применением гравировки или
рельефной чеканки. Много шеффилдского серебра
вывозилось на экспорт, и оно пользовалось боль-
ДВЕКУРИТЕЛЬНИЦЫ
ДЛЯ БЛАГОВОНИЙ
Приписывается Джамбаттиста
Бучерону
Позолоченное серебро;
ок. 1780 г.
В этих курительницах
ощущается очень сильное влияние стиля
Людовика 16; они выполнены из
тяжелых литых конструкций,
крышки в качестве отделки
украшены целующимися голубями.
(Справа).
СУПНИЦА
Чеканка выполнена
Ж. Б. К. Одиотом
Позолоченное серебро;
1819год
Яркий пример имперского стиля
из сервиза Браники, с
использованием литья методом
"потерянного воска'. (Внизу)
шой популярностью. Только после того, как во
Франции после Директории наступил период
консульства с Наполеоном в качестве императора,
французские дизайнеры вновь начали оказывать
влияние на вкусы и технические приемы других
европейских стран. Главным образом это
происходило вследствие завоеваний и оккупации, но
также благодаря утверждению имперского стиля.
В техническом отношении имперский стиль
привел к возвращению строгой формы
классицизма, которая произошла в некоторой степени от
стиля Людовика XVI. Однако для него типичны
были простые поверхности, к которым
применялась иногда техника литья и чеканки. В
соответствии с героизмом данной эпохи, для большей
части крупномасштабных изделий из серебра
применялось золочение и греческий и римский орнамент;
этот стиль нашел широкое распространение,
особенно в Великобритании периода Регентства.
После падения Наполеона в течение
нескольких десятилетий французское влияние
сохранялось в Германии, Австрии и Италии. Стили и
технические приемы прошедших периодов впервые
начали появляться, начиная примерно с 1810 года,
главным образом в Великобритании, и в качестве
противовеса греческой строгости пришла мода на
рококо и серебро 17 века. В других европейских
странах эта мода на антикварный стиль появилась
в 1820-е и 1830-е годы и стала преобладающей ко
времени знаменитой выставки 1851 года в
Лондоне, где впервые было выставлено много работ
заморских серебряных дел мастеров.
ГАЛЬВАНОПОКРЫТИЕ
Техника воспроизведения методом
гальванопластики произошла от процесса гальванопокрытия
(который начал вытеснять шеффилдское серебро
начиная с 1840-х годов) и стала оказывать
значительное влияние. Этот новый метод способствовал
367

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
удешевлению процесса, но все же приобретение
этого столового серебра было осложнено для
широкой публики. Производство все большего
количества монументальных изделий привело к
образованию целой индустрии, особенно в Париже,
Берлине, Вене и других центрах. Скульпторы,
мастера по изготовлению эмалей, чеканщики и
гравировщики, а также специальные мастера, занятые
тампопечатью, украшениями методом насечки из
серебра и травления по металлу, часто
комбинировали свои усилия при создании особенно
торжественных украшений для центральной части стола
и других украшений. Поэтому стала насущной не-
обходимсть вспомнить экзотические стили и
обогнать соперников, которые редко оставляли
поверхность изделия пустой.
ФРАНЦИЯ
Франция сильно пострадала от массовой
переплавки серебра, имевшей место в периоды
политического неблагополучия. Небольшое количество
сохранившегося столового серебра ни в коей мере
не может служить путеводителем по
изумительным и великолепным заказам королевского двора,
сделанным при Генрихе IV и Людовике XIII.
Необходимо, однако, признать, что международный
маньеристский стиль, включающий в себя
элементы в итальянском и немецком вкусе, стал
преобладающим. Лишь после успеха Людовика XIV и
последующего основания фабрики гобеленов возник
чисто национальный стиль, который стал
соперником итальянскому засилью. Людовик XIV
требовал классического изящества, которое можно было
бы сравнить с великолепием Версаля, созданного
под руководством Шарля Лебрена (1619 — 1690)
и огромного числа живописцев-декораторов, чьи
гравюры пользовались большим успехом по всей
Европе.
Книги по дизайну, такие, как "Новая книга о
декоративных цветах" Никола Кошена вышла в
1645 году и способствовала утверждению
цветочно-растительного орнамента с рельефной
чеканкой и гравировкой, часто с ажурной работой.
У французских мастеров начался подъем,
продолжавшийся почти два столетия, который
нашел отражение в изделиях из серебра соседних
стран. Туалетные сервизы в этом стиле начали
выпускаться в середине 17 века, с
использованием аканта — подобный дизайн был известен как
"римский" или "французский листок". В 1680-е
годы увеличивается количество серебра в
слитках, используемого для изготовления серебряных
изделий, и листовое серебро заменяется литыми
ручками, отделкой и накладным орнаментом. К
большому сожалению, в 1689 году Людовик XIV
всю свою большую коллекцию столового
серебра отправил на расплавку для монет, и
вследствие этого были наложены ограничения на
размеры и вес серебряных и золотых изделий. Это
ДВЕ ТУАЛЕТНЫЕ
ШКАТУЛКИ
Гюбвр Горион-Дор, Монс
Серебро, рельефная
чеканка
и гравировка; 1678 — 1670
Здесь присутствуют тончайшие
декоративные украшения,
характерные для натуралистичного
барокко Северной Европы до прихода
более формального классического
барокко. (Справа)
СУПНИЦА, КРЫШКА
И ПОДСТАВКА
Г. Адне и П.-Ф. Боннестрен,
Париж
Серебро; 1734 - 1740
Почти целиком состоящая из
литья и чеканки, данная супница и
парная с нею соответствуют
дизайну рококо; мастерство, с
которым выполнена это супница,
соответствует масштабу
дарования Жюста-Ореля Мезоньера,
одного из зачинателей рококо.
(Внизу)
ремесло пошло на убыль, но больше внимания
стало уделяться орнаментам меньшего
масштаба, литью, чеканке и гравировке. Дизайны Жана
Берена (1637 — 1711), хорошо сочетавшиеся с
легковесными маньеристскими мотивами Жака
Андруэ дю Серсо в 1550-е и 1560-е годы,
получили свободное развитие при данных
обстоятельствах. Берену начал подражать Даниэль Маро
(1663 — 1752), который в 1685 году привез этот
стиль в Голландию, а впоследствии в Англию.
368

ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
СУПНИЦА
Тома Жермен, Париж
Серебро, 1735—8
Отделка и ручки этого изделия
были отлиты, а крышка
декорирована спиральной рельефной
чеканкой.
РОКОКО
Серебряных дел мастера развивали стиль Бе-
рена до 1700-х годов. Украшение тонкими
полосками металла и ромбовидным орнаментом, наряду
с медальонами, содержащими бюсты в профиль,
раковины и круглый орнамент в виде тарелок
украшали многие изделия этого периода, например
супницы для первого и второго блюда,
появившиеся в последние годы царствования Людовика XIV.
После этого несоблюдение Береном точных форм
привело к отклонению от основной вертикальной
оси изделия, ручки приобретают более
криволинейную форму. В конце 1720-х годов, после
периода Регентства, появился стиль рококо. В нем
природа утверждала первостепенную роль формы и
декорации, подсказанную итальянским дизайном и
картинами и декорациями Жана-Антуана Ватто
(1684 — 1721). Главным дизайнером этого
периода стал Жюст-Орель Мезоньер (1693 — 1750), а
наиболее известным серебряных дел мастером —
Тома Жермен (1673 — 1748)
НЕОКЛАССИЦИЗМ
Когда результаты раскопок Помпеи,
начавшихся в 1748 году, достигли Парижа, они почти
немедленно вызвали реакцию против рококо. В
1760-е годы мастер рококо Франсуа-Тома
Жермен, сын Тома, был сменен при французском
дворе Жаком Ретьером (1707 — 1784),
мастером неоклассицизма, которого, в свою очередь
сменил в должности королевского мастера его
сын, Жак-Никола (около 1745 — после 1777).
Их работы характеризовались почти барочным
применением классических форм и орнамента.
Другой большой семьей серебряных дел
мастеров были в этот период Огюсты, Робер-Жозеф
(около 1723 — 1805) и его сын Анри (активная
деятельность около 1785 — 1809). В середине
1770-х годов в моде более четкие
геометрические формы, которые приобретают большую
строгость в 1780-е годы, что было созвучно
неоклассическим эпическим живописным полотнам
художника Жак-Луи Давида (1748 — 1825)
СТИЛЬ АМПИР
В период Директории, консулата и империи
появились два замечательных французских
ювелира — Мартин-Гийоме Биение (активная
деятельность около 1798 — 1843) и Жан-Батист-
Клод Одиот (1763 — 1850). Последний в 1809
году приобрел многие модели Анри Огюста,
обеспечив таким образом продление более
раннего стиля. Все три ювелира предпочитали
позолоту и контрастное сочетание
изобразительных элементов с большими плоскими
поверхностями, оживленными чеканкой или литьем с
накладным орнаментом. Книга "Приемы
декорации", издававшаяся периодически начиная с
1801 года архитекторами-декораторами Персье
НАБОР ПОДСВЕЧНИКОВ
Жак-Никола Рвтъвр
Париж
Серебро, литье и чеканка;
1770
Подсвечники обычно отливались
из трех частей — двух
вертикальных секций и основания. Сервиз
'Орлов", для которого были
выполнены эти подсвечники,
явился одним из самых знаменитых
заказов периода
неоклассицизма и отличается почти барочным
великолепием дизайна
скульптора Э. М. Фальконе по заказу
императрицы Екатерины Великой.
(Внизу)
369

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
и Фонтеном, наряду с до сих пор модными
рисунками Пиранези и изданной в 1802 году
книгой Доминика Вивант-Денона "Путешествие по
нижнему и верхнему Египту" (вызвавшая
археологические открытия и раскопки во время
наполеоновской египетской кампании) — все
вместе сыграли свою роль в распространении
имперского стиля.
После реставрации Бурбонов в 1815 году и до
1830-х годов стиль ампир продолжал оказывать
влияние на французские вкусы. Как и повсюду в
Европе, литературный романтизм, вместе с
ностальгией по 18 веку и античности, возрождался во
многих направлениях, наиболее значительным из
которых явилось возрождение рококо. Демонстрация
ярких образцов "антикварного" столового серебра
на французских национальных выставках
способствовала популярности стиля трубадуров
(средневекового романтизма) в изобразительном и
декоративном искусстве до самого конца 19 века.
Методы гальванопокрытия и гальванопластики нашли
большое распространение как во Франции, так и в
Англии, и были представлены на международных
выставках. Известными мастерами в этой области
были Шарль, а позже Поль Кристофль и Франсуа-
Дезире Фромен-Мерис, чьи работы в техническом
отношении были гораздо выше их зарубежных
соперников. В 1870-х и 1880-х годах во
французских изделиях из серебра появилось восточное
влияние, особенно японское, наряду с дальнейшим
развитием рококо, ренессанса и классицизма.
ГОЛЛАНДИЯ
После получения независимости от Испании в
конце 16 века в Северной Голландии наблюдался
СУПНИЦА С КРЫШКОЙ
И ПОДСТАВКОЙ
Жак-Никола Рвттьвр
Париж
Серебро, литье и чеканка;
1770 г.
Это одна из 22 супниц
сервиза "Орлов". (Вверху)
ВАЗА
С ДВУМЯ РУЧКАМИ
Поль Кристофль и Аири
Буиле, Париж
Серебро, частичная
позолота; ок. 1865 г.
Будучи первоначально призовым
кубком в соревновании голубей,
эта ваза была подарена
Наполеоном III в 1867 году и в том же
году экспонировалась на
Всемирной выставке в Париже. Типична
для распространенных в
середине 19 века приемов
возвышенного и благородного искусства, в
котором гальванопластика часто
вытесняла традиционную
рельефную чеканку и гравировку.
рост благосостояния и активизации творчества,
подтвержденные Вестфальским миром в 1648 году.
Как и во Франции и в Германии, многие
голландские художественные центры могли похвастаться
сильными гильдиями ювелиров; в период барокко
наиболее значительными центрами были Утрехт
и Амстердам.
ОРИКУЛЯРНЫЙ СТИЛЬ
Семья ван Вианенов, Адам (1565 — 1627), его
брат Поль (ок. 1570 — 1613/14), который также
работал при дворе императора Рудольфа II в
Праге, и сын Адама, Христиан (ок. 1609 — 1667)
разработали натуралистичный маньеристский стиль,
нашедший отражение как в формах, так и в
орнаменте, в основу которых легли итальянские
гравюры 16 века. Этот стиль называли орикулярным (по
форме уха), или "хрящевым", мастера его
изображали главным образом морские пейзажи с малым
количеством гравировки или вообще без нее, в
основном с использованием круглой скульптурной
чеканки. Амстердамские ювелиры,
преимущественно Иоганнес (или Ян) Лутма (1587 — 1669) и То-
370

ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
мае Богарт (1597 — 1657) приняли этот стиль, но
они находились под сильным влиянием цветочно-
лиственного орнамента, в котором проявлялся
натурализм примерно до 1675 года, а затем их
творчество находилось под более формальным
французским влиянием, для которого был характерен
скорее прямолинейный, чем завивающийся акан-
тный орнамент. Как и всюду в странах Северной
Европы, на протяжении 17 века гравер
пользовался большой популярностью как декоратор
серебра.
ИНОСТРАННЫЕ ВЛИЯНИЯ
С появлением дизайнеров и ювелиров из
гугенотов при голландском дворе, в особенности Да-
ниеля Маро, приобрел популярность живописный
орнамент в виде полосок беренского типа. Кроме
того, благодаря Вильгельму III Оранскому не
прекращалось влияние со стороны Лондона. Однако
голландцев не привлекали тяжеловесность
французского и английского серебра, и в позднем
рококо наблюдается гораздо больше легкости в
рисунке. Проколка отверстий и геометрические формы
были типичны для голландского неоклассицизма,
в то время как, находясь под французским
влиянием (с 1790-х по 1815), мастера вынуждены были
идти на компромисс со строгими формами
французского стиля. В дальнейшем голландских
мастеров привлекали антикварные возрождения в
остальных странах Северной Европы.
ИТАЛИЯ
Маньеризм, происходящий из искусства Рима,
Флоренции, Венеции и Генуи, продолжал
оказывать влияние на формы и декоративное
украшение в Италии до середины 17 века. Мощные
формы и линии, характерные для архитектурного и
скульптурного дизайна, перешли и в
декоративное искусство 16 века, воспроизведенные
последователями Микеланджело и Челлини. Они были
смягчены в период барокко, в них стало меньше
пафоса и больше чувств. Венеция, декоративное
искусство которой достигло расцвета в период
повторного украшения дворца Дожей в 1580-е годы,
на рубеже веков начала отдавать пальму
первенства Генуе. Очень небольшому количеству
серебра удалось избежать переплавки, но значительное
количество парадного столового серебра, главным
образом кувшины и блюда, свидетельствуют о
великолепном мастерстве, продолжающем старые
традиции. В генуэзском серебре чувствовалось
сильное фламандское влияние, и это неудивительно,
поскольку и Рубенс, и Ван Дейк пользовались там
покровительством.
В период позднего барокко и рококо папские
заказы способствовали увеличению масштаба и
грандиозности; тонкие слитки серебра стали
использовать для изготовления алтарной посуды,
подсвечников и других принадлежностей. Един-
НАСТЕННЫЕ БРА
Доем вен Вменен, Утрехт
Серебро; 1622
Рельефная чеканка и ажурный
узор отражают характерные
качества серебра и наряду с этим
свидетелствуют о скульптурных
навыках ювелира. Созданы в
период расцвета орикулярного стиля
в предверии голландского
барокко. (Справа)
ЧАША
Антони Магнус, Девентер
Серебро; ок. 1664 г.
Это выдающийся пример
мастерства гравировщика Подобный тип
высокой чаши встречается в
основном в Голландии и Германии
в конце 16 и в 17 веке. Согласно
сюжету, на чаше изображены
сатирические фигуры по мотивам
Абрахама Босса и Жака Калло
и несколько гротескных масок.
(Справа)
371

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
степенно входили в моду, хотя и в сдержанной
форме, итальянский и французский дизайн и
украшения в итальянском и французском рококо, а
примерно с 1780 по 1830 год процветал
плодовитый стиль Людовика XVI. С середины до конца 19
века консерватизм и разнообразные возрожденные
стили соединились с национальными стилями,
которые также вели свое начало их готических и
мавританских источников. Также применялась
традиционная техника филиграни и общепринятых
иностранных влияний.
Приморское положение Португалии
обеспечило ей больше международных торговых
отношений, чем Испании. В португальском декоративном
искусстве особенно ощутимо английское и
французское влияние, в том числе в серебре, особенно
в 18 веке.
ственный ювелир, продолживший традиции
скульптурного, театрального стиля Бернини, был Джо-
ванни Джардини (1646 — ок. 1722) из Форли.
Значительным центром в то время
становится Турин, столица Савойи, откуда венецианский
стиль рококо вдохновлял французское рококо.
Отсюда французское влияние распространялось
в 18 веке, хотя много итальянского серебра
выполнялось в более международном стиле рококо.
На юге Неаполь и Катания снабжали римские
католические церкви, в основном изделиями в
смешанном стиле барокко и рококо. В период
неоклассицизма в Риме и Турине Луиджи Валадье и
Джованни Баггиста Бучерон создавали
скульптурные композиции в строгом стиле, напоминающем
Пиранези.
На итальянские вкусы оказал влияние
наполеоновский период. В Риме одним из наиболее
известных серебряных дел мастеров был Пьетро
Белли (1780 — 1828), который явился автором
дизайнов в стиле ампир с 1815 по 1830 год. Позже,
благодаря международным и национальным
выставкам, в моду вошел историзм. В Англии и других
странах приобрели известность работы мастера
чеканки и гравировки Антонио Кортелаццо, родом из
Виченцы, который также украшал свои изделия
насечкой из золота или серебра.
ИСПАНИЯ И ПОРТУГАЛИЯ
В 17 веке испанское серебро продолжало
находиться под влиянием сурового и аскетичного эр-
рерского стиля, который ведет свое начало в
архитектурной массивности дворца Эскориал,
построенного по проекту Хуана де Геррера (ок. 1530 —
1597) для Филипа II. Продолжало выпускаться
светское столовое серебро, но больше сохранилось
церковного серебра, в котором ощущается
сильное итальянское влияние.
В некоторых городах до 1750-х годов сохранял
влияние цветочно-растительный стиль. Однако по-
ДВА КОФЕЙНИКА
Генуя
и частичная гравировка;
ок.1760 г.
Спиральные канелюры типичны
для украшения кофейников и чай-
никое для горячего шоколада для
большей части европейских
стран середины 18 века (Сверху)
СУПНИЦА
НА ПОДСТАВКЕ
Неаполь
Серебро; 1770
Свободное и живое применение
орнамента рококо на фарфоре
вдохновляло серебряных дел
мастеров для достижения
аналогичных эффектов. В это время в
Европе господствовал
неоклассицизм, возникновению которого
способстовали раскопки Помпеи
и Геркуланума. Это супница
свидетельствует о том, что Неаполь
продолжал выпускать столовое
серебро в стиле чистого рококо,
(йнизу)
372

ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
ГЕРМАНИЯ
С наступлением 17 века Аугсбург стал
главным ювелирным центром Германии, обогнав в этом
Нюрнберг. Это явилось результатом
консерватизма родного города Дюрера, правительства, более
заинтересованного внутренним положением дел и
"закрытой" системой гильдий в противоположность
более космополитической природе Аугсбурга. Там
большей популярностью пользовались ренессанс-
ный стиль и более поздние итальянские моды;
аналогичным образом Реформация не изменила
значения этого города в отношении столового
серебра, которое выпускалось здесь чуть ли не в
массовом масштабе, как для церковных, так и для
светских нужд, в то время как большая часть
протестантского населения Нюрнберга находилась в
притесненном положении.
Тридцатилетняя война (1618 — 1648) привела
к значительному уменьшению как населения, так
и выпуска изделий в большинстве центров по
изготовлению ювелирных изделий в Германии. В
основном более утонченные в художественном
отношении серебряные изделия уступили место
большей яркости и зрелищности. Главной целью
становится экспорт, выставки в Лейпциге и Франк-
фурте-на-Майне — основных рынках сбыта.
Великолепные изделия, украшенные рельефной чекан-
ЧАША НА ПОДСТАВКЕ
Мартин Родригес,
Валладолид
Позолоченное серебро
и эмаль; ок. 1650 г.
Чаша украшена эмалью,
окруженной выпуклым орнаментом в
виде завитков.
ЧАША
Христоф Ямницер
серебро; ок. 1600 г.
Форма этой вазы, состоящей
из четырех четвертей, и ножка
говорят о возрождении готики.
(Внизу)
КУВШИН
Испания
Позолоченное серебро
и голубея эмаль;
ок. 1640 г.
Этот кувшин типичен для геррер-
ского стиля, распространенного
в период правления Филиппа II.
(Справа)
373

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
кой, находились под влиянием французских и
голландских гравюр и создавались в большом
количестве такими мастерами, как Иоганн Телот (ум.
1734). После 1700 года рисунки Берена внесли
некоторую официальность, хотя влияние
французского серебра с его обильно гравированными
поверхностями и литыми ручками и завершениями
было неизмеримо сильнее. С 1640-х до 1680-х
годов ручки, окантовки и литье в орикулярном стиле
также оказывали влияние на немецкое серебро.
Горельефные фризы в технике чеканки были
типичны для украшения сосудов в работах немецких
и мастеров других стран.
Наряду с такими основными центрами, как
Гамбург и Мюнхен, Дрезден и Лейпциг также
приобрели значимость в начале 18 века. Курфюрст
Саксонии нанял Иоганна Мельхиора Динглингера
(1664 — 1731), в ведении которого находились
сокровища дрезденских "зеленых подвалов"
(принадлежавшая курфюрсту коллекция драгоценных
камней, золота и сербра) и Иогана Якоба Ирмин-
гера (годы работы 1682 — около 1722), которые
создали много эскизов для раннего мейсенского
фарфора. Формы и орнаменты французского
Регентства также пользовались популярностью,
особенно на юге Германии. Новые формы столового
серебра для супа, чая и кофе имели
извивающуюся и выпуклую форму.
КУВШИН
Людвиг Спит, Брунсвик
Серебро; 1704 г.
Этот кувшин в стиле барокко ук-
рошенен рельефной чеканкой в
виде полуканнелюр, наподобие
ваэ, которыми украшали
балюстрады, выступающим ободком
наверху и полоской орнамента
на уровне 'талии*. (Вверху)
НАБОР
ДЛЯ ПУТЕШЕСТВИЯ
Аусбург
1729 -1733 г.
Это пример более
завуалированного стиля, построенного с
учетом супницы, типичной для
Регентства. (Слева)
374

ЕВРОПЕЙСКОЕ СЕРЕБРО
В конце периода рококо в немецком серебре
часто копировались легковесные мотивы
фарфорового дизайна, например, в больших декоративных
серебряных скульптурах в центре стола,
включающих беседки, шпалеры, или обширных туалетных
наборах, украшенных изображениями цветов,
фруктов и овощей. В большей части Германии рококо
постепенно шло на убыль, уступая место
возрождению классики.
Французские завоевания определили новые
формы и декоративные украшения, согласно
вкусам империи начала 19 века. Как и в Австрии,
этот стиль был упрошенным, особенно в мебели и
серебре почти до 1840-х годов, под названием би-
дермейерский стиль. Английское серебро
пользовалось популярностью и оказывало наибольшее
влияние на севере Германии, в частности в
Гамбурге. В середине столетия в серебряных
изделиях начинает господствовать историзм.
РОССИЯ
Центром ювелирного искусства в 17 века была
Москва, где в Оружейную палату входили
различные мастерские. Только после основания Санкт-
Петербурга Петром Великим в 1703 году стали
делаться попытки удовлетворять
западноевропейским вкусам. Многие немецкие мастера серебряных
дел были привлечены к русскому двору и
основали там свою собственную систему гильдий.
Москва и Новгород оставались консервативными,
продолжая выпускать такие традиционные формы, как
ковш и братина (виды сосудов для питья),
украшенные чернью по серебру (черный
металлический сплав), филигранью и эмалью. Русская
православная церковь стремилась отгородиться от
всевозможных новшеств, поэтому в ее золотых и
серебряных заказах повторялись формы, которые
оставались неизменными в течение нескольких
столетий. Иногда в них встречались элементы
барокко или рококо, но в основном это было
значительно позже. Русских клиентов привлекало
немецкое возрождение и даже готические формы;
многие из них копировались до середины 19 века.
С установкой "просвещенного" деспотизма
царей в середине — конце 18 века стало более
заметным разделение вкусов. Наводняющие
страну сокровища западноевропейского искусства
способствовали воспитанию более современных
вкусов. Екатерину Великую больше привлекало все
французское; результатом стал грандиозный
сервиз "Орлов", выполненный в 1770-е годы, триумф
барокко в духе Людовика XVI.
Несмотря на реакционный период в конце 18
века, западное влияние господствовало в России
до и после наполеоновского нашествия, особенно
после присоединения Финляндии к Российской
империи в 1815 году. Многие финские мастера
обосновались в Санкт-Петербурге, и
преуспевающий центр в Варшаве на протяжении нескольких
сотен лет также служил русским вкусам. Ювелир-
эмигрант из гугенотов Густав Фаберже
обосновался в Санкт-Петербурге и в 1842 году открыл там
своей собственный магазин. Его сын Питер Карл
Фаберже (1846 — 1920) взял в свои руки
руководство фирмой в 1870 году, превратив ее в
многоотраслевое предприятие с заказами при дворе,
многочисленными покровителями и зарубежным
признанием.
СУПНИЦА
Пвффвнхауэвн (?), Аусбург
Серебро; ок. 1730 г.
Сплошная плоская чеканка с
гравировкой украшают этот
великолепный образец использования
мейсенских мотивов в форме
супницы. Накладнные литые детали
в виде пластинок показывают
применение мейсенских мотивов при
изготовлении супницы;
изображение Весны и Осени типично для
французского регентство.
А Дж. Невалайен;
Санкт-Петербург
и эмали; ок. 1800 г.
Это пример типично русской
церемониальной посуды для питья,
которая выпускалась в
знаменитых мастерских Фаберже.
375

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
Несмотря на связь с Европейскими традициями и стилями,
АМЕРИКАНСКИЕ МАСТЕрА СЕрЕбрЯНЫХ ДЕЛ рАЭрлбОТАЛИ СВОЙ
ИНДИВИДУАЛЬНЫЙ ПОДХОД.
АМЕРИКАНСКОЕ СЕРЕБРО
В17 веке изготовление изделий из серебра
находилось под контролем компании Голдсми-
та в Лондоне, и лучшие мастера золотых и
серебряных дел назывались "голдсмитами" (в переводе —
"золотых дел мастерами". Богатые переселенцы
привезли с собой фамильное серебро, поэтому в
первоначальный период многие вышедшие из моды
изделия переплавлялись, чтобы из них создать новые,
или просто переводились в местное денежное
обращение, поскольку контроля над чеканкой монет
почти не существовало. Небольшое число
серебряных изделий до 17 века, которые доподлинно
принадлежат или приписываются работе
американских мастеров, включают кубки, чаши для
горячих напитков и суповые чашки, а также
высокие пивные кружки.
РАННИЙ ПЕРИОД
Первым мастером, основавшим собственное дело,
был Джон Мансфилд из Чарльстона, штат
Массачусетс; в 1634 году. Первые мастера, работавшие в
американских традициях, были Джон Халл (1624
— 1683) и Роберт Сандерсон (1608 — 1693). Халл
прошел обучение и совершенствовался в своем
ремесле в Массачусетсе, в возрасте 28 лет он стал
главой Массачусетского монетного двора, а вскоре
после этого — совладельцем собственного дела
вместе с Сандерсоном, который прошел обучение в
Лондоне. Сохранилась лишь одна серебряная вещь с
маркой Халла и около 40 с двойной маркой Халла и
Сандерсона, а также несколько вещей одного Сан-
дерсона (созданных им после смерти Халла). Халл
и Сандерсон сыграли важную роль в истории
американского серебра не только благодаря
собственным изделиям, но и потому, что сформировали
целое поколение талантливых мастеров, в том числе
Джеремию Даммера (1645 — 1718), первого
рожденного в Америке ювелира; Тимоти Двайта
(1654 — 1691), из работ которого сохранилось
всего две вещи; и Джона Кони (1655 — 1722),
признанного великолепным серебряных дел
мастером раннего периода.
МАРКИ АМЕРИКАНСКОГО СЕРЕБРА
В отличие от английского серебра,
американское серебро никогда не
подвергалось универсальной системе
оценки. Единственный город, где
находилось учреждение по апробированию
серебра, был Балтимор. Это учреждение
существовало с 1814 по 1830 год, где на
изделиях ставилась марка высокого
процента содержания серебра в виде
головы статуи Свободы, а рядом дата
выпуска. В остальных случаях мастера
придумывали свои собственные знаки
качества и идентификации марки серебра.
Бывали ложные марки: картуш
(орнаментальный завиток. — Пер.)
в виде звезды, голова орла или какой-то
вариант британского льва.
В середине 1800-х годов ставилась
первая и последняя буквы имени
изготовителя, а также знак, означающий
качество — например, "стандартное", "С"
или "монета" (отчеканенная вручную),
"качество" или "премия" — на обратной
стороне ложек или вдоль ободка или
подставки столовой посуды. После 1868
года этот знак качества был приведен
к стандарту "стерлинга", означающего
925/1000 частей серебра.
(j burtj KSukz
2
nudD
1 Джон Бурт (1691 — 1745)
2 Джон Кони (1655 — 1722)
3X. Белен (1684- 1755)
4Т.Двайт( 1645—1691)
5 Р. Сандерсон (1608 — 1693)
6 К. ТенЭйк(1678 — 1753)
7 С. Соумен (1685 — 1750)
8 Поль Ревер
(1735— 1818)
9 Сэмюэль Кирк
и Джон Смит (1815)
10 Вм. Гейл (1824— 1850)
с ложными
марками
11 Тиффани & Со
(1875-18 91)
12 Тиффани & Со
(1891 — 1902)
13 Балтиморская марка
(1815)
14 Знак качества стерлинга
и обозначение даты,
применяемое Доминик
&Хэфф"(1872- 1928)
IHEVERE) f-RBVEREl 8
1 REVERE) FREVEttEl
WC
Q О'0
TIFFANY&C*
MAKERS
STERUNG-SllVW
923-1000
M
11
TXFTAXXIcC*
t or ♦ uxxm 7164
923-1000
T
12
|0 О
13
,4
376

АМЕРИКАНСКОЕ СЕРЕБРО
НАИБОЛЕЕ ИЗВЕСТНЫЕ АМЕРИКАНСКИЕ МАСТЕРА ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ
СЕРЕБРЯНЫХ ИЗДЕЛИЙ РАННЕГО ПЕРИОДА
Мансфилд, Джон
1601-1674
Бостон
Первый из зарегистрированных американских мастеров
серебряных дел, около 1634 года в Бостоне.
Сандерсон, Роберт 1608-1693
Бостон
В 1640 году обосновался в Бостоне. С 1652 года партнер Джона
Халла. Изготавливал высокие пивные кружки, кубки и церковную
серебряную утварь.
Халл, Джон
1624-1683
Бостон
В 1635 году поселился в Бостоне. С 1652 года — мастер по
чеканке.
Ле Ру, Бартоломео 1663-1713
Нью-Йорк
Гугенот, обосновался в Нью-Йорке. Его сын Чарльз (1689 —1745)
и внук Бартоломео II (1717—1763) продолжили его дело.
Даммер, Джереми 1645-1718
Бостон
Высокие пивные кружки, суповые чашки и подсвечники.
Двайт, Тимоти
1654-1691
Бостон
Известен изделиями в китайском вкусе.
Ван дер Бург,
Корнелиус
1653-1699
Нью-Йорк
Первый рожденный в Нью-Йорке мастер.
Кип, Джесс
1660-1722
Нью-Йорк
Активно работал в Нью-Йорке в 1682 —1710 годах, делал высокие
пивные кружки и чаши.
Кони, Джон
1655-1722
Бостон
Один из известнейших мастеров-граверов.
Эдварде, Джон
1670-1746
Новая Англия
Прошел обучение в Лондоне, работал в Новой Англии,
после него дело унаследовали его сыновья, Томас и Сэмюэль.
Уинслоу, Эдвард
1669-1750
Бостон
Бостонский мастер, известен своими вещами
с орнаментом в стиле рококо.
Кирстед,
Корнелиус
1675-1757
Нью-Йорк и Нью-Хейвен, Делал высокие пивные кружки в голландском вкусе и чаши
Коннектикут для пунша.
Синж, семья
Филадельфия
Филипп (1676 —1739) приехал из Дублина,
его сын Филипп (1703 —1789) стал известным ювелиром.
Ричардсон, Фрэнсис 1681-1729
Филадельфия
Первый родившийся в Америке мастер серебряных дел, работал
в Филадельфии. Его сын Джозеф (1711 —1784) и внуки Джозеф II
(1752— 1831) и Натаниэль (1754—1827) также готовили там.
Болен, Хендрик
1684-1755
Ван Дейк, Питер
1684-1750
Нью-Йорк
Высокие пивные кружки.
Нью-Йорк
Мастер серебряных дел в стиле королевы Анны в тяжеловесном
голландском вкусе.
Соумен, Симон
1685-1750
Филадельфия
и Индианаполис
Учился в Лондоне, работал под влиянием голландцев.
Гислен, Сезар
ум. 1733
Париж
Французский мастер серебряных дел.
В отличие от сдержанных и утонченных
изделий штата Массачусетс, созданных под
влиянием Лондона, в серебряных изделиях,
изготовленных в Нью-Йорке, ощущались их
голландские корни, освещенные французскими
традициями мастеров-гугенотов. Нью-йоркские пивные
кружки больше и массивнее, украшены
гравировкой и рельефной чеканкой, в то время как
массачусетские демонстрируют безошибочную
английскую сдержанность. В число
нью-йоркских мастеров раннего периода входили Джесс Кип
(1660 — 1722), Ахазуер Хендрикс (годы работы
1675 — 80), Джеррит Белен (около 1654 —
1729), Кеонрает Тен Эйк, Корнелиус Кирстед
(1675 — 1757), Питер Ван Дейк (1684 — 1750)
и самый знаменитый из всех, первый рожденный
в Нью-Йорке мастер, Корнелиус Ван дер Бург
(1653 — 1699). Меньше известно о мастерах-
гугенотах, но двумя наиболее замечательными
были Бартоломео Ле Ру (1663 — 1713) и Симон
Соумен (1685— 1750).
В конце 17 века мастера серебряных изделий
обосновались в Пенсильвании, делали высокие
кружки и ложки, в которых проявлялось влияние
соответственно Нью-Йорка и Массачусетса. Но, однако,
мастера не задержались там навсегда; вскоре
первый ювелир Филадельфии, Сезар Гислен, вновь
обосновался в Аннаполисе, где стал первым
серебряных дел мастером Мариленда, в то время как Иоганн
Нис открыл первый магазин в Делавере.
377

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ОТ СТИЛЯ КОРОЛЕВЫ АННЫ
К РОКОКО
Высокая пивная кружка может в какой-то
степени служить показателем перемен, происходящих
в дизайне. В Бостоне чистые четкие линии и
гравировка уступили место грушевидным формам,
куполообразным крышкам и завершениям стиля
королевы Анны. В Нью-Йорке крышка сохранила
плоские очертания, в форме монеты, а
традиционные ручки в виде завитков приобрели еще более
усложненный вид с добавлением в качестве
украшения рельефной чеканки и штопорообразной
выступающей детали ("большого пальца"). Но
триумфальный прогресс красивых линий имел
большее значение, чем региональные отличия, и в
общем у серебряных изделий Нью-Йорка и Бостона
между 1720 и 1745 годами появилось больше
сходства, чем когда-либо прежде.
Новый стиль особенно подходил для двух
новых изделий, появившихся в этот период. После
появления в Англии чайники и кофейники в
первой четверти 18 века были представлены и за
океаном. Закругленная форма способствовала
смешиванию и варке напитков, в то же время отражая
их роскошь. Красивые, изящные линии перешли
во вполне распустившееся "С", с характерной
формой "яблока" и "пули" для чайников Бостона
и Филадельфии и более сдержанной
продолговатой "грушей" у нью-йоркских. Но различия часто
стирались, т.к. мастера обеих традиций
пробовали другие формы. Грушевидная форма,
придававшая больше мощи, переходила в характерный для
рококо стиль чиппендейл — с "двойными
животами", низкими ножками, крышкой с
декорированным завершением и ручкой-завитком из черного
дерева в виде буквы "С". Подобные формы были
популярными с 1750 по 1790 год.
ОТРАЖЕНИЕ БОГАТСТВА
Мода на рококо нашла прекрасное отражение
в чайниках и кофейниках, но характерные для него
уверенные изгибы и стилизованные листья
аканта, завершения в виде тростника и ананаса
оживляли и другие изделия, которые дополняли образ
жизни купеческого сословия, которому впервые
надоели ограничения, вызываемые британскими
законами и системой налогов, и чье декоративное
оформление предметов быта отражало их
возросшее богатство и политическую независимость.
Расточительность и изобилие, свойственные декору
рококо, присутствовали в больших серебряных
украшениях, которые ставились в центре стола,
больших серебряных вазах и супницах работы
Майера Майерса (1723 — 1795) и Даниэля
Кристиана Фуетера (годы работы 1754 — 1776) из
Нью-Йорка; Даниэля Хенчмана (1730 — 1775),
Поля Ревера-младшего (1734 — 1818) и
Бенджамина Берта (1729 — 1805) из Бостона; и Филипа
Синжа Младшего (1703 — 1789), Филипа Хал-
берта (годы работы 1750 — 1764), Джозефа
Ричардсона (1711 — 1784) и Ричарда Хамфри (годы
работы 1771 — 1796) из Филадельфии.
Выпуклые завитки, раковины и другие природные
мотивы налагались на волнообразные кривые серебра в
стиле королевы Анны. С ростом населения
появились новые центры по изготовлению серебра, вклю-
НАИБОЛЕЕ ИЗВЕСТНЫЕ АМЕРИКАНСКИЕ МАСТЕРА
ПО ИЗГОТОВЛЕНИЮ СЕРЕБРА ПОЗДНЕГО ПЕРИОДА
Хурд, Джакоб
1702-58
Бостон
Мастер с превосходной репутацией. Сын Натаниэль (1729—77) продолжил его
дело.
Ревер,
Поль-старший и
младший
1702-54
1734-1818
Бостон
Ревер-старший был мастером из гугенотов, который обосновался в Бостоне и в
1722 году изменил имя. Его сын, возможно, наиболее известный из всех
американсих мастеров серебряных дел.
Бэнкер, Адриан
1703-72
Нью-Йорк
Столовые приборы и высокие кружки для пива.
Майерс, Майер
1723-95
Нью-Йорк
Известен своими классическими работами и изделиями в стиле рококо.
Хенчман, Даниэль 1730-75
Бостон
Чайники и столовые приборы в утонченном классическом стиле.
Форбс, Уильям
1751-1840 Нью-Йорк
Мастер по изготовлению иделий в неоклассическом стиле.
Халберт, Филип
раб. 1750-64 Филадельфия Мастер в стиле рококо.
Фуэтер, Даниэль
Кристиан
раб. 1754-76 Нью-Йорк
Оказывал влияние на переход к английскому рококо
от голландскому стиля.
Хамфрис, Ричард раб. 1771-96 Филадельфия Авторы знаменитых изделий для Американского конгресса и Джорджа Вашингтона.
Бейли, Симон
раб. 1789-96 Нью-Йорк
Мастер в неоклассическом стиле
Шэнк, Джеррит
раб.1791-93 Нью-Йорк
Мастер серебряных дел в неоклассическом стиле.
Химмел, Адольф
раб. 1851-65 Новый Орлеан Сложные и изысканные серебряные изделия и столовое серебро.
Кучлер, Кристофер раб. 1852-9 Новый Орлеан Изделия в викторианском барокко.
378

ЕРИКАНСКОЕ СЕРЕБРО
ЧАЙНИК
ДжакобХурд
Серебро и дерево;
датируется 1758 г.
Дкокоб Хурд (1702 — 1758)
являлся родоначальником
семейство мастеров по изготовлению
изделий из серебра в Америке.
Сферический чайник имеет харак-
терную форму 'яблока* или
'пули*, излюбленную в Бостоне
середины 18 в. Ручка, изогнутая
в биде буквы "О,
первоначально делалась из черного дерева.
ПОЛЬ РЕВЕР-МЛАДШИЙ (1734 — 1818)
Замечательным американским мастером
по изготовлению серебряных изделий был
Поль Ревер-младший, более известный
средним американцам как патриот, герой
поэмы Лонгфелло "Полуночная прогулка".
Он перенес послание о британской
агрессии от Мистической реки в
Массачусетсе к Согласию, что послужило
началом Американской революции. Его
вклад в национальное декоративное
искусство едва ли был столь же
драматичен, но также обладал
неоценимой ценностью.
Сын Аполло Ривуара, французского
гугенота, серебряных дел мастера,
иммигрировавшего в Бостон в 1715 году,
он учился у знаменитого Джона Кони
и переделал свое имя на английский
манер — Поль Ревер. Пройдя обучение у
своего отца, Поль вначале много работал
по контракту для других известных
бостонских мастеров, в том числе
Сэмюэля Майнотта (1732 — 1803), Джона
Кобурна (1725 — 1803) и Натаниэля Хурда
(1729 — 1777), сына Джакоба Хурда,
знаменитого современника Кони.
Подобно многим своим современникам,
Ревер занимался зубоврачебной
практикой и использовал свой талант
гравера и карикатуриста в патриотических
целях. Но в 1759 году он начал выпускать
серебряные изделия для Старой Южной
церкви в Бостоне и в 1768 году создал
самое знаменитое американское изделие
из серебра — "Сыновья кубка свободы",
которое ныне хранится в Музее изящных
искусств в Бостоне.
После получения Америкой
независимости Ревер вновь занял свое
место у форпоста американского серебра,
создавая элегантные и изысканные кубки,
кружки, вазы, соусники, кувшины и
чайники в неоклассическом стиле.
СУПОВАЯ МИСОЧКА Поль Ревер-младший, 1760 - 90.
КРУЖКА
Грявирс
1750 г.
Типичная американская кружка
без крышки, известная как "кэн*,
была модным сосудом для
питья в Новой Англии середины
18 в., широко заменив собой
высокую кружку для пива, которую
к 1780 г. мастера полностью
перестали создавать. Подобные
бостонские кружки украшались
гравюрами с современными
инициалами "BSC* и ниже фамилия
'Collins* ("Коллинз*).
379

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
чая Салем, штат Массачусетс; Ланкастер, штат
Пенсильвания; Ньюпорт, Род-Айленд; Балтимор и
Аннаполис, штат Мэриленд.
ФЕДЕРАЛЬНОЕ
И ИМПЕРСКОЕ СЕРЕБРО
Когда после окончания войны за независимость
возобновилась нормальная торговля, в 1790-е годы
рококо уступило место неоклассическим мотивам,
характерным для федерального стиля. Главными
декоративными украшениями в то время были
нарезка, каннелюры и романский орнамент в виде
цепи выпуклых овалов, и это нашло прекрасное
отражение в кофейной и чайной посуде, которая
впервые вошла в моду в 1790-е годы. В Бостоне
делались блестящие чайники с прямыми,
отвесными стенками или овальной формы с каннелюрами,
шлемообразные сахарницы и масленки; в
Филадельфии очень нарядно украшался верх чайника,
вокруг отверстия; декор в виде бусин занял место
гравировки. В 1820-е и 1830-е годы очертания стиля
ампир становятся более закругленными и
извилистыми, формы чайников округляются, и более
экстравагантные формы приобретают литые и
чеканные декоративные украшения в виде цветов и
животных.
В педиод Федерации столицей изготовления
изделий из серебра стал Нью-Йорк. Среди
наиболее известных мастеров серебряных дел можно
назвать партнеров Даниэля ван Воорхиса и Джер-
рита Шенка (годы работы 1791 — 1793), Симона
Бейли (годы работы 1789 — 1796) и Уильяма Фор-
бса (1751 — 1840). В Филадельфии славились
Джозеф Ричардсон Младший (1752 — 1831), Джон и
Джеймс Блэк; а в Бостоне Ревер и Бенджамин Хурд
(1739— 1781).
СРЕДНИЙ И ПОЗДНИЙ ПЕРИОДЫ
ВИКТОРИАНСТВА
Украшенное чеканкой серебро имперского
периода было переплавлено в пышное богатство
позднего викторианства. На юге центром по
изготовлению изделий из серебра стал Новый
Орлеан, в котором в 1829 году была основана фирма
Хайд & Гудрих. Вначале они были агентами
родившегося в Германии Адольфа Гиммела (годы
работы 1851 — 1865) и Кристофера Кучлера (годы
работы 1852 — 1859), а также других мастеров
серебряных дел, выпуская в то же время
самостоятельно небольшое количество серебряных
изделий. Работы мастеров нью-орлеанской школы
отличаются одновременно легкостью, грациозностью
и декоративностью, восхищают орнаментом в виде
бус, решеток и романского орнамента в виде цепи
выпуклых овалов.
Готическое и итальянское влияние особенно
не ощущалось в центрах по изготовлению
серебра, начиная с конца 1850-х до начала 1870-х годов.
Их массивная пышность проявилась в подставках
для кувшинов для вина и нарядных сервизах с
формами, напоминающими соборы. Образцы
серебряной посуды, изготовленной фирмой Рид & Бар-
тон в Таутоне, штат Массачусетс, были
представлены на Столетней выставке в Филадельфии в 1876
году и пользовались не меньшим успехом, чем их
эквиваленты установленной пробы. Среди прочих
компаний, выпускающих декорированное столовое
серебро, были Болл, Блэк & Компани (до 1851 года
СОУСНИЦЫ
В СТИЛЕ АМПИР
Энтони Рэш
Серебро; 1808 - 1819
Мастерю имперского стиля
увлекались анималистическим
орнаментом, который ярко
проявляется в этих двух соусницах; в них,
наряду с натурализмом,
присутствует элегантность. Ручки в виде
змей, головы барана и ножки в
виде грифонов выполнены с
большим реализмом и в то же время
отличаются прекрасными
линиями, что в руках менее
талантливого мастера стало бы просто
подавляющим, мастерски
выпаленным упражнением

ЕРИКАНСКОЕ СЕРЕБРО
Болл, Томпкинс & Блэк) и Вуд & Хьюз, обе в Нью-
Йорке; и Братья Шрев из Сан-Франциско.
ПРОИСХОЖДЕНИЕ
ХУДОЖЕСТВЕННОГО
СЕРЕБРА
В 1831 году Джэбец Горэм основал Торэм &
Компани" в Провиденс, Род-Айленд. Поначалу
успехи компании были достаточно скромными, но
после того как в 1847 году во главе ее стал Джон
Горэм, она значительно расширилась. Это
совпало с открытием на Западе месторождений золота
и серебра и беспрецедентным экономическим
бумом.
В 1861 году Горэм открыл дополнительный
офис в Нью-Йорке и получил большую
известность благодаря проектированию нескольких
вещей, приобретенных Мэри Тодд Линкольн в
Белый дом. В 1878 году были приобретены еще
две торговые точки, в Сан-Франциско и Чикаго.
Одновременно росла популярность "Тиффани &
Компани" в Нью-Йорке. Основанная в 1834 году,
Тиффани развернулась в полную силу в конце
1860-х годов.
В 1870-е годы Тиффани и Горэм начали
освобождаться от европейского влияния и в поисках
вдохновения обратились к Востоку. Изменение в
позиции Тиффани произошло благодаря ее новому
президенту и новому директору Эдварду Муру,
известному востоковеду и коллекционеру. Большое
значение здесь также имела Столетняя выставка,
поскольку показанные на ней произведения
японского прикладного искусства привлекли всеобщее
внимание и привели к повальному увлечению всем
японским в 1890-е годы.
После увлечения японскими металлическими
изделиями Тиффани и Горэм начали
экспериментировать, создавая изделия из нескольких разных
металлов, например, сочетая серебро с золотом,
медью и латунью, медь с серебряной чеканкой.
Тиффани завоевала серебряную медаль на
Парижской выставке 1878 года, и с этого момента
дизайн ее вещей переходит от простого изобилия к
явной вульгарности. Переход от дизайна в
восточном вкусе к изменчивым линиям искусства
модерна был постепенным, но неизбежным. В этом
стиле делались шкатулки, чаши и вазы. Томные
серебряные кариатиды служили опорой для часов,
осветительных приборов и переливающихся чаш
и кубков; наборы столового серебра украшались
натуралистическими мотивами.
Кроме Тиффани и Горэм, серебряные изделия
в восточном стиле / стиле модерн выпускали Блэк,
Старр & Фрост (реорганизована из Болл, Блэк &
Компани в 1876 году), Уайтинг Мэньюфэкчаринг
Компани и Доминик & Хафф. Стиль модерн
пользовался наибольшей популярностью, начиная с
середины 1890-х годов до второго десятилетия 20-го
столетия.
ВАЗА
И ОХОТНИЧИЙ НОЖ
Горэм & Ко
Серебро; конец 19 в.
Обе эти экстравагантные вещи —
ваза с рельефной чеканкой и нож
с ножнами турецкого дизайна —
помечены торговым знаком горэм-
ских птичек, павлина и журавля.
КОФЕЙНИК, МОЛОЧНИК
И САХАРНИЦА
Тиффани и Ко
Медный фон с накладными
серебряными украшениями
и ястаяками; конец 19 я.
Наибольшей популярностью у
Тиффани и Горэм в 1880-е и
1890-е годы пользовалось
столовое серебро в японском
вкусе, декорированное
излюбленными побегами бамбука и
другими растительными мотивами.
381

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
ВоЛНООбрАЗНЫЕ форМЫ И ЗАМЕЧАТЕЛЬНОЕ ПРИМЕНЕНИЕ ЭМАЛЕЙ
И ПОЛУДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ ПрИДАЮТ ОТЛИЧИТЕЛЬНЫЙ ХАрАКТЕр
ЮВЕЛИРНЫМ И МЕТАЛЛИЧЕСКИМ ИЗДЕЛИЯМ КОНЦА 1 9 САМОГО
НАЧАЛА 20 ВЕКА.
ИСКУССТВО И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЕСЛА
В ПЕРИОД МОДЕРНА
Середина 19 века характеризовалась началом
проявления индивидуальности и новшеств в
ювелирном деле и изготовлении изделий из
драгоценных металлов. Многие дизайнеры и мастера в
поисках вдохновения оглядывались назад на
прежние времена и на экзотические культуры.
Подгоняя прошлое или иностранные стили к
современным методам машинного производства и
использованию новых материалов, они создали
волнующие произведения в новом стиле.
ВЕЛИКОБРИТАНИЯ
С 1860-х до начала 1900-х годов Движение
Искусств и Ремесел, главными сторонниками
которого были Джон Раскин (1819 — 1900) и Уильям
Моррис (1834 — 1896), вдохновившие мастеров
на создание серебряных (а иногда и золотых)
драгоценностей, часто украшенных цветными
эмалями и полудрагоценными камнями.
Многие замечательные изделия из
драгоценных металлов делались под покровительством
гильдий ремесел. Лучше всего была известна
ремесленная гильдия, основанная Чарльзом
Робертом Эшби (1863 — 1942) в Лондоне в 1888 году.
На эскизы Эшби в какой-то степени оказало
влияние возрождения кельтского стиля и
зарубежное искусство модерна, но он также
использовал мотивы и своих собственных наработок. Он
выпускал серебряные и позолоченные чаши,
подносы и ложки для парадных церемоний. Делал
он и драгоценности — ожерелья, пряжки для
мантий, броши и пуговицы, украшенные
павлинами, цветами, даже галеонами (старинный
корабль. — Пер.), и все это расцвечивалось
синими и зелеными эмалями или полудрагоценными
камнями.
Некоторое время с бромсгровской гильдией
прикладного искусства (основана примерно в
1890 году) были связаны Джозеф Ходел,
который украшал свои серебряные бусы, броши и
подвески изображениями листьев и фруктов, а
также полудрагоценными камнями, и Артур Гас-
кин (1862 — 1928), в ювелирных изделиях
которого содержался кабошон (неграненый
драгоценный камень. — Пер.), обшивные нити,
серебряные или золотые филигранные провода и
пучки серебряных бус и завитков. Начиная с
ЧАША НА ПОДСТАВКЕ
К. Р. Эшби,
ремесленная гильдия
Серебром
конец 19
Эта элегантная чаша с
органическими мотивами имеет
декорированную ножку, которая
покоится на основании с
шарообразными ножками. Кроме изделий из
драгоценных металлов и
драгоценностей, гильдия выпускала
мебель и печатную продукцию.
1899 года Гаскин работал вместе со своей
женой, Джорджиной Кейв Франс (1868 — 1934)
Замысловатые дизайны Генри Уилсона
(1864 — 1934) и Джона Поля Купера (1869
— 1933) знакомят с византийским
искусством и творчеством средневековых ювелиров.
Александр Фишер (1864 — 1936)
прославился своими эмалями, которые выполнял
вручную и часто накладывал слои эмали на
контрастном фоне. Его работы оказали влияние
на Феба Траквейра (1852 — 1936), его дочь
Кейт Фишер, семейство Гаскинов и Нельсон
(1859 — 1942) и Эдит Даусон (активная
деятельность 1900 — 1914). После свадьбы Дау-
382

ИСКУССТВО И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЕСЛА В ПЕРИОД МОДЕРНА
соны открыли мастерскую, выпуская
очаровательные предметы с эмалью по меди или
бронзе, эмалью по металлу, в отделениях,
разделенных металлическим проводом, и с другими
видами эмали. Еще одной известной парой были
Гарольд (1872 — 1945) и Феба Стаблер (ум. 1955),
которые комбинировали эмали и драгоценности.
Либерти. Большое количество британского
серебра и драгоценностей отмечено маркой
Артура Лейсенбай Либерти (1843 — 1917),
который выпускал разнообразные металлические
изделия, как из драгоценных, так и не из
драгоценных металлов. Воспользовшись захлестнувшей
Великобританию волной возрождения
кельтского стиля, "Либерти" давала своим серебряным и
оловянным изделиям кельтские названия,
соответственно, "уэльский" и "тюдоровский". В то
время дизайнеры Либерти не имели своего
имени, но туда входило много талантливых
британских художников и мастеров, в том числе
Бернард Казнер (1877 — 1956), Артур Гаскин и Рекс
Сильвер (1879 — 1965). С Либерти были тесно
связаны Арчибальд Нокс (1864 — 1933),
создавший около 400 эскизов; его специальностью был
кельтский (уэльский) орнамент. Другим
известным дизайнером в Либерти был шотландец по
происхождению Джесси М. Кинг (1875 — 1949),
дизайны которого, например,
пряжки,украшенные эмалями со стилизованными
изображениями роз и птиц, многим обязаны школе Глазго.
Шотландский модерн. Наиболее
известными представителями этого движения были
"четверка Глазго", куда входили Чарльз Ренни
Макинтош (1868 — 1928), его жена Маргарет Макдо-
нальд (1864 — 1933), ее сестра Фрэнсиз (1873 —
1921) и муж Фрэнсис, Джеймс Герберт Мак-Нейр
(1868 — 1955). Это движение чем-то напоминало
Движение искусств и ремесел, но мотивы
применялись сугубо индивидуальные и больше в духе
Отделения Вены (австрийского модерна). Среди
дизайнов серебра и драгоценностей "четверки"
были стилизованные птицы, листья, цветы и
сердца, а также характерное для стиля макинтош
столовое серебро продолговатой формы.
ФРАНЦИЯ
Наиболее оригинальными и прекрасно
выполненными произведениями искусства модерна
являются ювелирные изделия работы Рене Лалика
(I860 — 1945). Лалик терпеть не мог богато
декорированные, с историческим уклоном и обилием
бриллиантов ювелирные изделия, которые были в
моде в то время во Франции. Вместо этого он
стремился создать свой свежий и яркий стиль. С 1895-
го по 1910-е годы, обратившись к дизайну с
применением стекла, Лалик создавал кольца, броши,
пряжки, диадемы, футляры для часов и другие
ювелирные изделия не только с драгоценными
камнями, но также часто с использованием рога, слоно-
Арчибальд Нокс,
для Либерти и Ко.
Золото и опал; начало 20 в.
Нок, представитель возрождения
кельтского стиля, начал работать
для 'Либерти' в 1899 году. Это
элегантное ожерелье, которое
включает золотые фрагменты с
опаловой мозаикой, характерно
для этого дизайнера, который
находился под сильным влиянием
кельтского искусства его родного
острова Мэн. (Сверху)
ПОДВЕСКА
Джесси М. Кинг,
для Либерти & Ко.
Эмаль по серебру;
ок. 1902 г.
Кроме создания
драгоценностей, дизайн которых находился
под сильным влиянием Чарльза
Ренни Макинтоша и школы
Глазго, Кинг, родом из Шотландии,
был известным иллюстратором
книг. (Вверху)
ЧАЙНИК
Кристофер Дрессер
Серебро и дерево; 1881
Хотя их было немного,
металлические изделия работы д-ра
Дрессера (1834 — 1904)
отличаются простотой и
современностью. У этого чайника
оригинальная ручка, которая
эстетически приятна и практична.
(Справа)
383

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
НАГРУДНОЕ УКРАШЕНИЕ
В ВИДЕ СТРЕКОЗЫ
Рене Лалик
Бриллианты, хризопраз,
лунный камень, эмали
и золото; ок. 1898 г.
У этой наполовину женщины,
наполовину стрекозы крылья
украшены эмалями е сочетании с
витражным стеклом. Длина этих
крыльев, украшенных драгоценными
камнями, 27 см (11 дюймов).
V
X
.
вой кости, жемчуга, жадеита, бирюзы и даже
алюминия и стали. Создаваемые им изделия
простираются от натуралистичных цветов до
фантастических гибридных женщин-насекомых.
Другими известными французскими
дизайнерами периода модерна были Жорж Фуке (1862 —
1957), который работал вместе с уроженцем
Моравии, художником Альфонсом Мача (1860 —
1939); братья Поль (1851 — 1915) и Анри Вевер
(1854 — 1942), владелец Дома Вевера; Люсьен
Гейлар, работавший с необычными материалами,
например с рогом и слоновой костью; Эжен Фей-
латр (1870 — 1916), прославившийся своими
эмалями "плик-а-жур" (прозрачные пластинки, иногда
известные, как эмали с витражным стеклом) и
уроженец Германии Эдвард Колонна (1862 — 1948),
украшавший свои асимметричные произведения из
серебра и золота камнями или эмалями.
БЕЛЬГИЯ
В Бельгии были два выдающихся ювелира:
Анри Ван де Вельде (1863 — 1957) и Филипп
Волферс (1858 — 1929). Первый находился под
влиянием британского Движения искусств и
ремесел и создавал ювелирные изделия обычно из
серебра и полудрагоценных камней. Волферс, чья
семейная фирма работала для бельгийского
королевского двора, создавал ювелирные изделия в духе
Лалика. Ему нравились изображать природные
мотивы, а также женские головки и обнаженную
натуру. Он работал как с металлом, так и со
слоновой костью.
СКАНДИНАВСКИЕ СТРАНЫ
Наиболее известными мастерами серебряных
дел в Скандинавских странах на протяжении
нескольких десятилетий были Дан, Георг Йенсен
i
(1866 — 1953), открывший в Копенгагене
мастерскую в 1904 году. Изготовленные им в ранний
период творчества подвески, броши, расчески,
пряжки и браслеты, украшенные полудрагоценными
камнями, имели криволинейные формы и
выглядели очень элегантно, напоминая стилизации
декоративного искусства (арт деко). Позднее он начал
выполнять крупные изделия из серебра, в том
числе кофейники и подсвечники.
Среди датских мастеров выделялись Моргене
Баллин (1871 — 1914), чей простой стиль
оказывал влияние на Йенсена; Харальд Слотт-Меллер,
создававший богато орнаментированных,
длинноволосых обнаженных натурщиц и плывущие
корабли, и Торвальд Биндесбелл (1846 — 1908), чьи
ювелирные изделия отличались кливолинейными
формами и украшались завитками.
В Норвегии фирма Давида Андерсена,
основанная в 1876 году, выпускала красивые
серебряные светильники, чайные сервизы, вазы и другие
изделия. Многие изящные предметы в технике
сочетания эмалей с витражным стеклом
создавались Густавом Гаудернаком (1865 — 1914).
Раннее творчество Андерсена находилось под
влиянием вдохновленного викингами "стиля карабинеров",
а примерно в 1900-е годы появились более
плавные линии, характерные для модерна.
АВСТРИЯ
Искусство дизайна из драгоценных металлов
определяли в начале 20 столетия Венские
мастерские, содружество художников, архитекторов и
дизайнеров, основанное в Вене в 1903 году Йозе-
фом Хоффманом (1870 — 1956) и Коломаном
Мозером (1868 — 1918). Эти два мастера, наряду
с Карлом Отто Чешкой (1878 — 1960), Йозефом
Марией Олбрихом (1867 — 1908), Дагобертом
384

ИСКУССТВО И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЕСЛА В ПЕРИОД МОДЕРНА
БРОШЬ
Жорж Фуке
Золото, эмаль, опал, стекло,
бриллианты и жемчуг; 1904
Фуке создавал изысканные
ювелирные изделия для богатой
клиентуры. На этой броши в стиле
модерн изображена
длинноволосая женщина с живописными
крыльями. (Слева)
Печем (1887 — 1923), Отто Прутшером (1880 —
1949) и другими, выпускали ювелирные
украшения и изделия из драгоценных и полудрагоценных
металлов, иногда с криволинейными, иногда с
прямолинейными формами. Часто изделие,
выполненное из серебра и покрашенных в белый цвет
полосок металла, включало решетку из квадратов в
бесконечных геометрических конфигурациях.
Менее строго выглядели изделия из чеканного,
матового или мерцающего серебра работы Хоффма-
на, слегка декорированные слоновой костью или
полудрагоценными камнями; они могли иметь слегка
закругленную форму, украшаться каннелюрами или
геометрическим орнаментом. Увлечение Пеха
стилем рококо проявилось в нескольких его изделиях
из серебра; ювелирные украшения и другие
изделия Чешки украшались стилизованными
листьями, цветами, завитками и бусами; дизайн Мозера
тяготел к строгой геометричности.
ГЕРМАНИЯ
В конце 19-го — начале 20 века в немецком
дизайне ювелирных украшений из драгоценных
камней и металлов царил Югендштиль (немецкий
модерн). В Мюнхене Петер Беренс (1868 — 1940),
Бернард Пенкок (1872 — 1943), Ричард Римерш-
мид (1868 — 1957) и Фриц Шмоль фон Эйзенверт
(1888 — 1963) открыли в 1897 году мастерские,
где вместе с другими мастерами выпускали
металлические изделия в криволинейных формах,
легкие, изящные, с галльским размахом или в более
строгих, прямоугольных, напоминающих
австрийские. Два года спустя Петер Беренс способствовал
колонии искусства в Дармштадте, жители которой,
в том числе Патриц Хубер (1878 — 1902), Йозеф
Мария Олбрих и Эрнст Ригель (1871 — 1939),
проявляли эстетическую приверженность к худо-
ЧАЙНАЯ ПОСУДА
Йозеф Хоффшнн,
для Венских мастерских
Латунь и дерево;
ок. 1905 г.
Хотя эти изделия выполнены не
из драгоценных металлов,
криволинейный и замысловатый
рисунок придает им пышность и
элегантность. (Внизу)
КОФЕЙНИК
Йозеф Хоффшнн
и слоновая кость;
начало 20 а.
Коннелированный корпус и
ножка этого красивого чайника,
украшенного экзотическими
вкраплениями слоновой кости,
придают этому изделию Венских
мастерских особую декоративность,
возможно родственную
парижскому декоративному искусству
(арт деко). (Слева)
385

ИЗДЕЛИЯ ИЗ СЕРЕБРА, ЗОЛОТА И ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЕЙ
жественным направлениям Вены и Глазго. Теодор
Фарнер (1868 — 1928), владелец фабрики в Пфор-
цхайме, использовал многие приемы дармштадтских
художников.
ДРУГИЕ ЕВРОПЕЙСКИЕ СТРАНЫ
Во Франции примерно в 1907 — 1910 годах
Карло Бугатти (1856 — 1950), родом из Италии,
проектировал изделия из серебра, которым давал
жизнь парижанин Адриан А. Эбрар. Они сочетали
различные предметы, материалы и приемы весьма
необычным образом. Например, в один чайный и
кофейный сервиз входил длинный поднос,
украшенный с обоих концов причудливыми головами
животных, завершающимися длинными бивнями из
слоновой кости, а также кофейник, чайник,
молочник и сахарница в форме головы кабана, тоже с
бивнями из слоновой кости.
Ювелир Питер Карл Фаберже (1846 — 1920)
многие из своих вещей создал в
Санкт-Петербурге; среди них были изделия с характерным
мерцанием в стиле модерн, включая золотые табакерки
с цветочными и растительными вставками, а
также украшенные серебряными вставками изделия
из стекла, созданные нью-йоркским ювелиром Тиф-
фани и немецким стеклодувом Лоецем.
СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ
Ювелирные украшения из драгоценных камней
и металлов, создаваемые в Соединенных Штатах,
находились под влиянием британского Движения
Искусств и Ремесел, искусства модерна
зарубежных стран, японского дизайна и других стилей.
Особой популярностью пользовались две
американские фирмы. Тиффани, известный
нью-йоркский ювелир, основал свою фирму по
производству и продаже серебра в 1837 году. Там
выпускались замечательные изделия из серебра в япон-
ком, индийском и мавританском стилях, а начиная
с 1880-х годов — в стиле модерн. С 1902 года под
началом Льюиса Комфорта Тиффани (1848 —
1933), главного представителя американского
искусства модерн, компания начала создавать, в
дополнение к обычному ассортименту,
специализированные "художественные ювелирные изделия",
в большинстве из которых золото и эмали
сочетались с драгоценными камнями, иногда в
византийском или средневековом стиле.
Горэм Маньюфэкчаринг Компани была
основана в 1831 году в Провиденсе, Род-Айленд. Эта
компания являлась главным соперником
Тиффани по изготовлению столового серебра, а также
выпускала серебро методом гальванопокрытия.
В 1880-е годы там выпускались
высококачественные серебряные изделия в японском стиле, а
позже — предметы ручного труда в стиле уэльского
модерна и Движения искусств и ремесел. Все
это серебро имело марку "мартеле" (чеканное
серебро).
КУВШИН И ЧАША ребра типично для вещей Тиф-
Тиффани & Ко. Ф0"* в японском вкусе, в
которых наряду с природными моти-
Серебро, позолоченное вами присутствует сочетание раз-
серебром меда.; конец 19». личных ^^ Подобные иэ-
делия выпускались в общем рус-
Изображение черепах на этих ле повального увлечения всем
двух изделиях иэ чеканного се- японским, которое захлестнуло
Соединенные Штаты в последней
трети 19 в., вслед за открытием
Японии для Запада коммодором
Мэттью К. Перри в 1853 г.
386

ИСКУССТВО И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЕСЛА В ПЕРИОД МОДЕРНА
В числе других фирм, производящих
серебряные изделия в стиле модерн, были Братья Унгер,
Ньюарк; Бейли, Бэнкс & Биддл, Филадельфия;
Уильям Б. Керр & Ко., Ньюарк; Либолт & Ко.,
Чикаго; Шрев & Ко., Сан-Франциско; и Рид &
Бартон, Таунтон, Массачусетс.
Было также много ювелиров-индивидуалов,
изготовлявших вручную изделия из серебра и
ювелирные украшения примерно с 1890 по 1915
год; одной из наиболее известных была
бостонский мастер Элизабэт Е. Коупленд, которая
выпускала изделия из серебра, украшенные эмалями.
Чикаго. В Чикаго на рубеже веков несколько
сообществ были преданы идеалам английского
Движения искусств и ремесел. Примерно с 1893
по 1917 год в Чикаго работал Роберт Риддл Ярви
(1865 — 1940); он выставлял серебряные и
медные чаши, подсвечники, памятные подарки и
другие изделия, в местном американском стиле,
прямолинейных и иных формах. Среди других
чикагских мастеров серебряных дел были Фрэнсис
Макбет Глесснер (1848 — 1932) и Клара Барк Уэллс
(1868 — 1965), которая в 1900 году открыла
магазины Кало в Парк-Ридж, штат Иллинойс.
Произведенные там изделия из чеканного серебра часто
украшались декоративными монограммами.
На Западном побережье работал Клеменс Фрай-
дел (1872 — 1963), чьи серебряные изделия
ручной работы украшались натуралистичными
изображениями цветов и чеканкой.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться
новые работы.
Эйвери, К. Л.
Американское серебро
раннего периода
Нью-Йорк, 1920
Барзейли, Иза Белли
(перевод Маргарет
Кросланд)
Работы средневековых
ювелиров
Лондон, 1969
Беккер, Вивьен
Ювелирные изделия
искусства модерн
Лондон, 1985
—Ювелирные изделия
в античный период
и в 20 веке
Колчестер, 1987
— Легендарные
подделки. История
фантастических и
модных ювелирных
украшений
Лондон, 1988
Блэр, Клод
История серебра
Лондон, 1987
Брэдбери, Фредерик
История старого
шеффилдского
столового серебра
1983
Брюннер, Герберт
Старинная
сервировка стола
Мюнхен, 1964
Карпентер,
Чарльз Х.-младший
Горэмское серебро,
1831 -1981
1982
Клейтон, Майкл
Иллюстрированная
история английского
и американского
серебра в галерее
Кристи
Лондон, 1985
Кульм, Джон
Указатель золотых
и серебряных дел
мастеров, ювелиров
и мастеров смежных
специальностей,
1838-1914
Лондон, 1988
— Серебро в 19 веке
Лондон, 1977
Курран, Мона
Драгоценные камни
и геммы
Нью-Йорк, 1962
Дьюбин, Луа
История бус
Лондон, 1987
Глэнвилль, Филиппа
Серебро в Англии
Лондон, 1987
Гримвейд, Артур Дж.
Лондонские ювелиры,
1797-1837,
их торговые марки
и биографии
Лондон, 1982
Хеллвелл, Стивен
Коллекционирование
мелкихизделий
из серебра
Лондон, 1988
Хернмарк, Карл
Искусство европейских
мастеров серебряных
дел (2 тома)
Лондон, 1977
Хинкс, Питер
Ювелирные украшения
Лондон, 1969
Онор, Хью
Мастера золотых
и серебряных дел
Лондон, 1971
Джексон, сэр К. Дж.
Английские ювелиры
и их марки
Дувр, 1964
—Иллюстрированная
история английского
столового серебра
Лондон, 1969
Джонс, Кеннет Крисп
(предисловие)
Бирмингемские мастера
серебряных дел и их
марки, 1750-1980
1981
Мак-Клинтон,
Катарина Моррисон
Коллекционирование
американского серебра
19 века
1968
Моури, Габриэль,
Эймер, Валланс и др.
Ювелирные изделия
периода модерна
и его почитатели
(перепечатка)
Нью-Йорк, 1973
Малваг, Джейн
Мода на украшение
одежды драгоценными
Лондон, 1988
Ньюмен, Гарольд
и Джоан, Робертсон
Иллюстрированный
словарь по столовому
Лондон, 1987
Оман, Чарльз
Английское
домашнее серебро
Лондон, 1967
Пикфорд, Ян
(предисловие)
Маркиджэксонского
серебра и золота
(3-е издание,
переработанное)
Вудридж, 1989
— Серебряные
столовые приборы
Вудридж, 1983
Рейнуотер, Дороти
Энциклопедия
изготовителей
американского серебра
Западный Честер,
Пенсильвания
1986
— и X. Айвен
•—ф '; i t:
столовое
1988
Роджерс, Фрэнсис
и Элис, Берд
Пять тысяч лет
геммам и
ювелирным
изделиям
Нью-Йорк, 1947
Скарисбрик, Диана,
Джэк Огден, Рональд
Лайтблоун, Питер
Хинкс, Патриция
Байер, Вивьен Беккер
и Элен Крейвен
Мастера ювелирных
изделий, мотивы,
история, техника
изготовления
Лондон, 1989
Шродер, Тимоти
Национальная
трастинговая книга
о серебре
1988
Шварц, Марвин Д.
Путеводитель по
американскму
серебру для
коллекционеров
1975
Тейлор, Джеральд
Серебро,
Иллюстрированное
введение
Лондон, 1956
— Зарубежные
золотые и
серебряные изделия
Лондон, 1967
Вард, Энн, Джон
Черри, Шарлотта
Джер и Барбара
Картлидж
Кольцо: с
античности до 20
столетия
Лондон, 1981
Цукер, Бенджамин
Геммы и
драгоценные камни.
Путеводитель
для знатоков
Лондон, 1984
387

Керамика древнего мирл • Китайская керамика
Японская керамика •
Керамика стрлн исаамского мирА •
Европейские гончарные издеаия •
Европейский фАрфор •
Британская керамика до 1820 года •
Европейская керамика 1820 — 1 920 гг. •
Американская керамика •
Поддеаки, Фааьшивки и копии •
Давид Бэти, Се6астьян Кун,
Гордон Дан г, Лори Ланг,
Марк Ньюстед, Феаисити Никоасон,
ЛАрс Тлрп, Сьюзен Влрд,
ПитЕр Уиаьямс
На странице: ШЕДЕВРЫ ИЗ ФАРФОРА И ГРУППА СИЛЬВИИ,
ок. 1770 г. (деталь)

КЕРАМИКА
КЕРАМИКА
Дошедшие до нас из глубины веков произведения керамики
обЛАДАЮТ НЕПОСРЕДСТВЕННОСТЬЮ, КОТОрАЯ НЕСРАВНИМА СО МНОГИМИ
ДРУГИМИ ВИДАМИ АНТИКВАРИАТА. ЭТИ ИЗДЕЛИЯ, СОХРАНИВШИЕСЯ
в хорош ем состоянии до наших дней, почти точно доносят
ДО НАС ТАЛАНТ МАСТЕрА, КАК буДТО ТОЛЬКО ЧТО ВЫНУВШЕГО ИХ
ИЗ ПЕЧИ.
ГЛИНЯНАЯ ЧАША
ИЗ САМАРРЫ
Северная Месопотамия
5000 — 4500 гг. до н. э.
Во всех первобытных обществах
изготавливались аналогичные
глиняные изделия, и черный цвет
в них часто сочетается с токой
же геометрической и природной
символикой. В Месопотамии
впервые были достигнутые боль-
шие успехи в изготовлении гон-
чорных изделий.
Изделия из керамики были первыми, которые начали делать люди
первобытного общества. Поскольку основные материалы — глина и вода — и
основные приемы изготовления оставались неизменными на протяжении
тысячелетий, все античные изделия из керамики похожи по внешнему виду!
Наиболее простым способом изготовления керамических изделий было
раскатывание глины в виде колбасы вручную, а затем обматывание ее вокруг
круглого основания. Получаемые таким образом керамические изделия
различались по форме в зависимости от того, предназначались ли они для
переноски воды, хранения муки или приготовления пищи. Подсохшие изделия
прокаливались на огне при низкой температуре обжига для получения терракоты,
но из-за своей хрупкости они были очень непрочны. Но именно по
сохранившимся изделиям из терракоты мы можем получить представление о многих
ранних цивилизациях. Революция в технике изготовления изделий из
керамики наступила с появлением гончарного круга, возможно, в Египте примерно в
1500 году до н.э. Глина помещалась в центре диска, гончар вращал круг рукой
или ногой и руками придавал изделию нужную форму. Для гончарного круга,
с помощью которого получались изделия с более тонкими стенками, чем те,
что получались при простом раскатывании, требовалась и более очищенная
глина и лучший контроль за процессом обжига в печах.
Глина, обжигаемая при низкой температуре, не является
водонепроницаемой, но может стать такой, если покрыть ее глазурью (слоем прозрачного,
стекловидного материала). Ранние глазури изготавливались из
разнообразных природных материалов, включая природную глину, смешанную со
свинцом, бурой, оловом или содой со стеклом или кремнием. Для покрытия
керамических изделий глазурью на основе соли в печь для обжига помещают соль
и доводят температуру примерно до 1000 градусов; при этом соль образует
тонкое керамическое покрытие.
Важный переворот в производстве керамики произошел в Китае в 7 веке
н.э. в связи с открытием каолина (китайской глины). В смеси с "петунце"
(китайским камнем) и при температуре обжига около 1300 градусов она
становилась прочной, приобретала белый цвет и прозрачность и при
постукивании издавала музыкальный звон; так получили прочный настоящий фарфор.
КИТАЙСКОЕ БЛЮДО
С МЕДНО-КРАСНЫМ
ДЕКОРОМ
Поздний период Юань
Это великолепное блюдо
украшено остро очерченным
орнаментом, скопированным с
металлического оригинала Ближнего
Востоко; выполнено для экспорта
в Персию или другие строны
исламского миро.
390

КЕРАМИКА
ЧАША ИЗ БЕЛОГО
ПЕРСИДСКОГО
ФАЯНСА
Персия
Начало 18 в.
Подобные изделия из тонкого
фоянсо укрощались орнаментом
из крошечных отверстий, и
заполняющая отверстия
сверкающею глозурь создает сложные
замысловатые окошки.
Ранние изделия из фарфора украшались насечкой, гравировкой или
литьем, но позже техника нанесения подглазурной краски в качестве украшения
стальных, медных или кобальтовых изделий, применяемая к другим
керамическим изделиям, была применена и к фарфору. В начале 14 века
применялась лишь медно-красная и кобальтовая синяя краска, единственные два
цвета, способные выдержать высокие температуры обжига.
В 13 веке изделия из китайского фарфора изредка появлялись в Европе.
Европейцы восхищались ими, но не знали, из чего они сделаны, и пытались
подражать им, вместо подлиного фарфора на основе твердой глины создавая
мягкий искусственный материал. Первые эксперименты в этом направлении
были предприняты в Италии во времена правления Медичи в конце 16 века,
но эти попытки оказались безуспешными, и Европе приходилось
довольствоваться восточным импортом до тех пор, пока во Франции не было вновь
открыто искусство создания фарфора на основе мягкой глины в конце 17 века.
В Европе право открытия рецепта подлинного фарфора в конечном итоге
принадлежало в 1708 году немцу Иоганну Бетгеру, уроженцу Мейсена, близ
Дрездена. Весть о том, что секретной составной частью фарфора является
каолин, быстро распространилась по всей Европе. В Англии было мало
заводов, где изготавливался настоящий фарфор; в основном изготавливали
искусственную глину, содержащую различные ингредиенты, такие, как мыльный
камень, костная зола или стекло.
Но фарфор не заменил собой гончарные изделия. Их производство
обходилось дешевле и, до тех пор, пока Иошия Веджвуд не поднял их до новых
высот в во второй половине 18 века, благодаря добавлению яшмы (при
которой получались белые декоративные керамические изделия из тонкой глины),
базальтов (дававших черную неглазурованную керамику) и получению
изящной керамики кремовых тонов, они обычно создавались для менее
обеспеченных слоев населения. Гончары часто предпринимали попытки перевести
фарфоровые фигурки Челси и Мейсенской мануфактуры в керамику, достигая
весьма приятных результатов.
КРАСНОЕ
СВЕРКАЮЩЕЕ БЛЮДО
Уильям дв Морган
Ок. 1885 г.
Керамические изделия работы
Уильяма Моргона восходят к
исламским и латиноамериканс-
ко-мовритонским оригиналом, но
ни в коей мере не являются
копиями. Многие из изделий
Моргана, особенно блюдо
позднего периода, покупались на
аукционах в чистом виде.
391

КЕРАМИКА
ИСКУССТВО КЕрАМИКИ ОТКРЫВАЕТ ОКНО В МИр АНТИЧНОЙ ГрЕЦИИ.
В СЦЕНАХ, ИЗОбрАЖЕННЫХ НА ЭТИХ КЕРАМИЧЕСКИХ ИЗДЕЛИЯХ,
ИСКУСНО ОТРАЖЕНЫ ПОЧТИ ВСЕ АСПЕКТЫ ПОВСЕДНЕВНОЙ ЖИЗНИ
В ПЕРИОД АНТИЧНОСТИ.
КЕРАМИКА АНТИЧНОГО МИРА
Глиняные изделия производились в большом
количестве в античной Греции, в эллинский
и романский периоды. Они имели в основном
утилитарное назначение и использовались для
домашних целей, во время похоронных
ритуалов и в качестве призов заполнялись маслом во
время спортивных состязаний в Афинах. Их
лепили гончары, но во многих случаях, особенно
начиная с геометрического периода (примерно
9 — 8 века до н.э.) расписывались другими
мастерами. Некоторые из гончарных изделий
можно идентифицировать по сохранившимся на них
подписям, а многих великих греческих
мастеров, которые расписывали вазы в 5 и 6 веках до
килик*
Евфроний
Красно-фигурная
ок. 520 г. до н. э.
Изображенная мифологическая
сцена взята из "Илиады*
Гомера. Евфроний был одним из
самых знаменитых греческих
художников по росписи ваз. Он
работал между 520 — 500 гг. до н. ■».,
вскоре после введения красно-
фигурной техники. (Вверху)
АМФОРА
Керамика геометрического
стиля; 8 в. до н. э.
На горле этого большого
кувшина изображена группа
женских плакальщиц, а на его
корпусе — плакальщицы с 'телом,
выставленным для прощания'. Эта
тема часто встречается в
геометрическом стиле. В таких
амфорах хранили вино или масло.
(Слева)
н. э., таких, как Экзекиас, Амасис, Сосиас,
Евфроний и Берлин, можно также узнать по их
индивидуальному стилю.
Крит был главным центром по производству
гончарных изделий в периоды неолита и миной-
ской культуры (ок. 6000 — 1050 гг. до н.э.)
Произведенные в то время здесь и в других
местах Греции изделия делались вручную, имели
простую форму и редко расписывались. Затем, с
появлением на Крите гончарного круга около 2000
года до н. э., гончарные изделия приобретают
более усложненную форму. Их начинают
расписывать многоцветными красками, и в конце ми-
нойского периода (ок. 1550 — 1050 гг. до н.э.)
появилось множество изделий с использованием
природных и морских форм и мотивов.
Во время геометрического периода в
греческом искусстве человеческая фигура, раньше столь
редко изображаемая на глиняных вазах, наряду
с изображением животных и птиц, начинает
играть важную роль. Сильно стилизованные, в
коричневых и черных силуэтах, сцены изображали
похоронные процессии, неподвижно лежащих
людей, сцены битв и процессии всадников и
колесниц. Декоративные мотивы включали
многочисленные зигзаги, ромбы, диагонали, точки,
горизонтальные и вертикальные полоски.
В 7 веке до н. э. наиболее важным торговым
центром Греции становится Коринф, откуда ог-
*КИЛИК — древнегреческая плоская чашка на подставке
с двумя горизонтальными ручками. (Примеч. пер.)
392

КЕРАМИКА АНТИЧНОГО
ИРА
ромное количество небольших великолепно
выполненных ваз, главным образом для хранения
мазей, экспортировалось во все концы
греческого мира. На их декоративное оформление
оказывали влияние предметы, импортируемые в это
время с Ближнего Востока: вазы украшались
фризами с изображением экзотических птиц и
животных, сфинксов, сирен, танцоров, воинов,
соревнований наездников и колесниц. Эти
фигуры окрашивались в черный или
темно-коричневый цвет при натуральном бледном цвете глины.
Детали украшались насечкой и гравировкой, и
декорация обогащалась добавлением красной и
белой краски.
В Аттике (область вокруг Афин) в 5 и 6
веках до н. э. греческое искусство росписи ваз
достигло высочайшего уровня во всем античном
мире. В 6 веке до н. э. применялась так
называемая "чернофигурная" техника, когда силуэты
фигур прорабатывались черной краской на
светлом фоне с выполненными методами насечки или
выгравированными и окрашенными в красный и
белый цвет деталями. Позже в том же веке
появилась "краснофигурная" техника: фигуры
изображались на светлом фоне, с внутренними дета-
ГИДРИЯ*
Чернофигурная ваза;
ок. 520 — 500 гг. до н. э.
На этой сцене изображен уход
Геракла на гору Олимп в
сопровождении Афины и других фигур.
На плечевой части вазы
показана сцена боя, в внизу —
животные и сирены.
АРИБАЛЛЫ
И ПИКСИДЫ"
Коринф
625 — 500 гг. до н. э.
Эти шесть небольших сосудов
имеют длину "/, — * У4 дюйма
(80 — 120мм). Они украшены
различными орнаментами. Здесь
представлены четыре кругдые
арибаллы для мазей или масел,
а остальные два сосуда
известны как пиксиды — небольшие
круглые коробочки для
косметики. (Вверху)
лями, отмеченными кистью вместо гравировки,
а фон закрашивался черной краской. Чаще всего
изображались сцены повседневной жизни,
собраний или пиров, свадьбы, ухаживания,
спортивные состязания, битвы воинов и сюжеты из
греческой мифологии и религии.
В 4 веке до н. э. в греческих колониях в южной
Италии выпускалось много ваз по аттическим
прототипам. В эллинский и романский периоды
искусство росписи ваз приходит в упадок;
больше внимания начинают уделять рельефной
декорации.
ТИДРИЯ — сосуд для воды в Дровней Греции.
"АРИБАЛЛЫ — древнегреческие туалетные тхкуды для
ароматических масел.
ПИКСИДЫ - коробочки.
393

КЕРАМИКА
Китайцы начали изготавливать изделия из глины примерно
В НАЧАЛЕ 5-ГО ТЫСЯЧЕЛЕТИЯ ДО Н. Э. Но НАИбОЛЕЕ УТОНЧЕННЫЕ
И рАЗНООбрАЗНЫЕ ИЗДЕЛИЯ СОЗДАНЫ ИМИ ИЗ фАрфорА.
КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
Китайцы начали изготавливать прекрасные гон-
. чарные изделия начиная с периода неолита
(ок. 5000 — ок. 2000 гг. до н. э.) Некоторые из
этих наиболее ранних изделий лепились из глины
вручную, затем обжигались в специальных печах
при низких температурах и украшались
минимальным повторяющимся орнаментом в виде вмятин и
зубцов. Другие изделия были достаточно
сложными; их аккуратно отполированные стороны
окрашивались в черный и фиолетовый цвет и
украшались живым геометрическим орнаментом или
резко очерченными контурами, что достигалось
поворотом гончарного круга.
Гончарные изделия, полученные при высокой
температуре обжига (при нагревании до очень
высокой температуры), появились во время династии
Шан (ок. 1525 — ок. 1027 гг. до н. э.), наряду с
белыми гончарными изделиями. Они отличались
прекрасно вылепленными формами и украшались
сложным орнаментом под бронзу. Для
водонепроницаемости эта керамика покрывалась глазурью.
Очевидно, древние гончарные изделия
выполняли две функции — утилитарную и обрядовую.
Последние изделия, часто более впечатляющие на
вид, сделаны хуже, чем непритязательные изделия
для бытовых нужд.
ИЗДЕЛИЯ,
ПОКРЫТЫЕ СВИНЦОВОЙ ГЛАЗУРЬЮ
В период правления династии Хань (206 до н. э. —
220 н. э.) появилась сверкающая плотная
свинцовая глазурь, которая изменила внешний вид
керамических изделий. Глазурь получалась либо
цвета желтой охры (при добавлении чистого свинца)
или зеленого цвета (свинец и медь). Почти все
сохранившиеся изделия, покрытые свинцовой
глазурью, входили в минкви (оборудование
захоронения); глиняные блюда и кувшины делались для
замены дорогих бронзовых ритуальных сосудов;
из глины выполнялись модели ферм, скотных
дворов, загонов для скота, жвачные и домашние
животные, а также сторожки у ворот, сторожевые
башни, таоистские горы и дикие животные,
например носороги.
После династии Хань применение свинцовой
глазури пошло на убыль и не возобновлялось до
второй половины 6 века. Во время династии Тан
(618 — 906 гг.) для получения большего эффекта
применялись многоцветные и трехцветные свинцо-
КУВШИН
Керамика;
Восточный Чжоу
Многие формы и декоративные
украшения китайской керамики
ранних исторических периодов
сходны с аналогичными форма-
ми и украшениями изделий из
бронзы того же периода.
вые глазури. Белые, желтые, зеленые или синие
краски разбрызгивались или губкой наносились на
фигурки, участвующие в похоронных процессиях,
и другие элементы, изображенные на тонкой
белой поверхности глиняного сосуда и
свидетельствующие о высоком мастерстве мастеров северных
провинций Китая этого периода. Некоторые виды
гончарных изделий, покрытых свинцовой глазурью,
выглядели несколько проще, чем изделия для
оборудования захоронения, и вывозились на экспорт.
Раскопки в местах обжига керамики близ Луа-
на и Аньана в северном Китае показали наличие
как многоцветных, так и белых керамических
изделий. Наиболее ранние полихромные изделия,
покрытые глазурью, были выкопаны из
захоронения конца 7 века.
ФАРФОРОВЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Параллельно с развитием многоцветных
гончарных изделий с белой основой в Северном Китае
шло и развитие фарфоровой керамики,
ближайшего предка подлинного фарфора. Эти
полупрозрачные белые изделия считались слишком изящными
304

КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
для того, чтобы давать их в качестве дани
императору. На некоторых изделиях раннего периода
рисунок строился на основе изделий из серебра,
многие из которых имели форму, характерную для
Западной Азии, но многие другие изделия были
оставлены без декора и, возможно,
предназначались для домашнего использования или для
экспорта. Белые изделия простой формы,
относящиеся к 9 веку, были найдены в бухте Персидского
залива и в Самарре в Ираке, что говорит о
широком распространении экспортной торговли.
КЕРАМИКА ПЕРИОДА
ДИНАСТИИ СУН
В период династии Сун (980 — 1278 гг.)
китайские гончары выпускали керамические изделия
классической формы, характерные для периодов
Дин, Джунь, Ру и Гуань. Первые три вида изделий
создавались в Северном Китае в период династии
Северного Суна (980 — 1127 гг.).
Керамика Дин имела тонкую белую основу, со
слабым оранжевым оттенком на некоторых
образцах. Тонко слепленные, они покрывались
кремовой или глазурью цвета слоновой кости, которая
капала или стекала темно-зеленоватыми или
коричневатыми полосками. Наиболее
распространенной посудой были чаши и блюда, которые часто
обжигались вниз головой; ободок горла сосуда
оставался не покрытым глазурью, а остальная поверх-
НАДГРОБНАЯ ФИГУРА
Династия Тан
Прекрасно выполненная, очень
жизненная фигура животного
покрыта цветной свинцовой
глазурью. Хотя раньше
периодически были примеры подобного
покрытия, эта техника нашла
широкое применение в 8 веке.
(Вверху)
КЕРАМИЧЕСКОЕ
БЛЮДО ПЕРИОДА ДИН
Холей
Фарфор; династия
Северный Сун.
Это тонко вылепленное блюдо
характерно для изделий
династии Дин в начале 12 века.
Распространенной является плоская
центральная часть и широко
раздвинутые, но прямые бока.
Рисунок лотоса вырезан на всей
поверхности, игнорируя любые
ограничения, накладываемые
контурами блюда. Лотос, очевидно,
являлся наиболее популярным
декором для подобных изделий,
хотя также встречаются птицы и
рыбы. (Слева)
395

КЕРАМИКА
КИТАЙСКИЕ ПЕРИОДЫ
НЕОЛИТИЧЕСКИЙ ок.6500-1700
до н.э.
ШАН
ок. 1700-1027
до н.э.
ЗАПАДНЫЙ
ЧЖОУ
1027-771
до н.э.
восточный
ЧЖОУ
цинь
ЗАПАДНЫЙ ХАНЬ
771-221 до н.э.
221-207 до н.э.
206 до н.э. -
9 н.э.
ксинь
восточный
ХАНЬ
ТРОЕ-
ЦАРСТВИЕ
ШЕСТЬ
ДИНАСТИЙ
СЕВЕРНЫЕ
ДИНАСТИИ
СУЙ
ТАН
9-24 Н.Э.
24-220
221-280
265-589
386-581
581-618
618-906
ЛИАО
907-1125
ПЯТЬ
ДИНАСТИЙ
907-960
СЕВЕРНЫЙ
СУН
960-1126
ЮЖНЫЙ
СУН
1127-1279
дзинь
1115-1234
ЮАНЬ
1279-1368
МИН
1368-1644
цин
1644-1911
ность и основание полностью покрывались
глазурью. Поскольку ободок делался редко и способен
был расколоться, он стягивался пояском из
медного сплава или серебра. Полые керамические
изделия (вазы, бутыли) выпускались редко и
обжигались сверху вниз.
Фарфор Дин украшался резьбой или литьем.
Резьба выполнялась уверенными, плавными
штрихами, путем выдалбливания глубоких каналов,
которые при заполнении глазурью тонко
подчеркивали рисунок. Литье позволяло еще больше
усложнить рисунок, поскольку вкрапления в
керамические изделия могли быть произведены с большой
точностью. Блюда и вазы с подобными
декоративными украшениями выпускались в массовом
порядке. Украшенная литьем керамика Дин не
всегда отличается тонким художественным исполне-
ЧАШАРУ
Керамика;
начало 12 в.
Изделия Ру являются наиболее
выдающимися среди 'пяти
классических видов изделий' (Ру, Дин,
Джунь, Гуань и Ге) во время
династий Сун и Юань. Керамика
Ру встречается чрезвычайно
редко; ученые и знатоки
превозносят ее за красоту и тонкость
исполнения. (Справа)
БЛЮДО ДЖУНЬ
Северный Китай
Керамика; династия Сун
Изделия Джунь отличаются
классическими формами, которые
часто брались из лакированных
изделий или архаической
бронзы. Сероватая основа частично
или полностью покрывалась
серо-коричневой краской
(обычно хорошо видна на основании
или на ножке изделия) перед
покрытием толстым слоем глазури.
(Слева)
нием, она часто слишком перегружена , и ей
недостает необходимого контраста между рисунком
и пространством, занятым резьбой.
Керамика Джунь. Этот вид керамики
характеризуется серой основой, и серовато-коричневый
цвет "чехла" (получаемый при замешивании
глины и воды) просвечивает сквозь опаловую, бледно-
лилово-голубую глазурь, иногда с фиолетовыми
всплесками, или очень редко глазурь имеет
простой желтовато-зеленый цвет. В керамике Джунь
обычно отсутствует поверхностный декор, за
исключением периодических всплесков краски. Сюда
относятся неглубокие блюдца, выпуклые сосуды и
жардиньерки.
Керамика Ру. Похожая на Джунь и,
возможно, происшедшая из нее, имперская керамика Ру
относится к периоду династии Северного Суна. Это
темно-желтая или розовато-желтая керамика,
покрываемая ровным густым слоем
голубовато-зеленой глазури. За исключением немногочисленных
лепных рисунков на некоторых изделиях, на
большей части керамики Ру отсутствуют декоративные
украшения. Изделия красивой формы отличаются
простотой и включают овальные ванночки для
мытья кистей, вазы для нарциссов и бутыли в фор-
396

КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
ме пузыря с высоким изящным горлом и носиком.
Глазурь покрывает всю поверхность посуды, за
исключением маленького местечка под названием
"кунжутное семечко".
Керамика Ру изготавливалась всего на
протяжении нескольких лет в начале 12 века, выпуск ее
прекратился с падением династии Северный Сун в
1127 году.
КЕРАМИКА ЮЭ
Создаваемая при довольно высокой
температуре обжига (1200 градусов), эта керамика известна
под разными названиями — прото-Юэ,
доисторическая Юэ или ранние зеленые керамические
изделия, появившиеся в старом царстве Юэ в период
Восточной династии Хань (24 — 220 гг.). У этой
керамики зеленовато-белая основа, которая покрыта
тонкой, прозрачной глазурью цвета от оливково-
зеленого до коричневато-зеленого. Не покрытые
глазурью участки часто выглядят красноватыми из-
за присутствия железа. Ободок ножки на многих
изделиях Юэ расширен и скошен наружу, а
основание имеет вогнутую форму.
В ранней керамике Юэ ощущается влияние
южной неолитической культуры во впечатляющем
декоре, а в формах влияние технологии
изготовления изделий из бронзы.
Керамика раннего периода копировала
аналогичные изделия из бронзы, и в ее декоре
применялись различные мотивы, например рисунок в
виде тонких решеток, хвоста кометы, побегов
фасоли, обычных кружков и перекрученной
веревки. Возможно, в конце периода Хань или в
начале Шести династий (265 — 589) керамика
Юэ перестала носить чисто функциональное или
ритуальное значение и стала достойна украшать
стол ученого, например, в виде светильников,
кружек для воды и других принадлежностей. Они
часто имели форму стилизованных баранов, львов,
медведей, жаб и других животных. Также
делались кувшины с "куриной головой" и сосуды,
напоминающие бронзовые, декорированные
мотивами рулетки или с выгравированными природными
мотивами. Иногда на изделиях разбрызгивались
капли железа.
Очень мало известно о керамике Юэ в период
между Шестью династиями и концом династии Тан.
Есть некоторое количество изделий, взятых из
захоронений, которые могут быть датированы и
помогут воссоздать пробел. Керамика конца
династии Тан имеет органичную, пузыреобразную или
яйцевидную форму. По покатой поверхности
корпуса спускаются короткие, едва заметные
углубления, почти не нарушающие контуры; в ручках
обычно прорезаны желобки, образующие тонкий,
изящный мостик между покатой частью и
расширенным горлом.
В 9 и 10 веках формы сосудов оставались
короткими и приземистыми, но каждая секция стала
четко выделяться желобками или острыми углами.
Сами желобки и углубления стали длиннее, а
ручки делались преувеличенных размеров. Бока часто
стали делать с ребристой поверхностью и
украшали резьбой или насечкой с растительными
мотивами. Перекрывающие друг друга листья скрывали
нижнюю часть изделия. Некоторые изделия
украшались насечкой в технике "кошачьего царапания",
что впоследствии было заменено изящным орна-
КОРОБОЧКА
С КРЫШКОЙ
Юэйао
Конец династии Тан
Крышка украшена лепным
рельефным изображением летящей
утки в окружении цветов и
стеблей лотоса.
397

КЕРАМИКА
КОРОБОЧКА
С КРЫШКОЙ
Яо-чжоу
Декоративная резьба
в виде вьющихся пионов;
Династия Северный Сун
Подобно современному ей
фарфору Дин, керамика "северного*
селадона украшалась либо
резьбой, либо с начала 12 в. —
литьем. Прозрачная и пузырящаяся
оливково-эеленая глазурь
наложена тонким слоем, позволяя
белой керамической основе
просвечивать с краев и но
приподнятых участках рисунка. Не
покрытые глазурью участки, такие,
как ободок у ножки, после
обжига приобретают коричневатый
оттенок ржавчины, очень
напоминая при этом другую
разновидность северной керамики —
Джунь.
ментом в виде завитков, лент, птиц и цветочных
мотивов.
В начальный период династии Сун (980 — 1278)
обожженная в печах керамике Юэ преподносилась
в качестве даров императору. Она также в
большом количестве вывозилась в Индию и страны
Ближнего Востока.
КЕРАМИКА ЦВЕТА МОРСКОЙ ВОЛНЫ
(СЕЛАДОН)
Так сравнительно недавно стали называть
керамику, покрытую зеленой глазурью, которая
изготавливалась в Северном и Южном Китае. Свое
название она, возможно, получила по имени
литературного персонажа Селадона, носившего
зеленую ленту, в сценической версии популярного в
17 веке романа французского писателя Оноре ДУф-
ре "Ластрэ".
Разообразную керамику селадон изготавливали
на месте современной провинции Шаанкси
примерно с 10 по 13 век. Она могла быть простой, ничем
не украшенной или декорированной резьбой или
литьем. Самой лучшей считается керамика,
украшенная резьбой и изготовленная в 11-м — начале 12
века. Керамика, декорированная литьем, более
позднего периода и выглядит перегруженной,
отличается монотонным рисунком, обычно цветочного
характера, но встречаются также рыбы и птицы.
Основу керамики Яо-чжоу составляет серовато-белая
глина, которая в результате обжига приобретала на
открытых местах коричневато-медовый цвет.
ВАЗА
Лон-гуань
Династия Южный Сун
Форма этой вазы напоминает
архаические ритуальные сосуды из
жадеита — кон. Широкие
трещины были воссозданы
изобретательным гончаром и придают
изделию более древний вид. В этот
период появляется еще
несколько древних форм, особенно
ритуальных предметов из бронзы
династии Чжоу. (Справа).
398

КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
ЮЖНЫЙ СЕЛАДОН
Керамика "южного" селадона отличалась
более тонкой обработкой, чем "северного" селадона,
и изготавливалась при дворе Южного Суна в Ли-
нане (позднее Ханчжоу), в провинции Чжэй-Ян,
между 1127 и 1278 годами. Керамика Гуань
представляла собой темную основу фарфорового
керамического изделия, покрытого очень толстым
слоем голубовото- или зеленовато-серой глазури,
обычно с небольшими серо-коричневыми или
черноватыми, специально нанесенными волосными
трещинами. Чаши, кубки, бутыли, курильницы делались
без декора, основное значение имели форма и
глазурь. Чаши и блюда часто по форме напоминают
цветок, бутылки и кувшины, сферической или
овальной формы.
Селадон лон-гуань, производимый с 10 века в
Южном Чжэй-Яне, часто путают с керамикой
Гуань, т. к. их форма, а иногда и глазурь очень
похожи. Селадон Лон-гуань имеет белую фарфоровую
основу, которая оксидируется в ярко-красный цвет
из-за присутствия в глине железа. Белая основа
видна более четко там, где тонкая глазурь, как на
приподнятой ребристой поверхности или кромке.
Лучшие керамические изделия Лон-гуань покрыты
густой, непрозрачной голубовато-зеленой глазурью,
за исключением изделий периодов Юань и начала
Мин (1280 — 1465), на которых глазурь гораздо
более теплого желтовато-зеленого цвета.
Из керамики Лон-гуань больше всего
сохранилось блюд и чаш, но есть также и бутыли, вазы,
курильницы и похоронные урны. Ранние изделия
часто украшены резьбой с мотивами вьющейся
листвы и неподвижными листьями, но в 12 веке
КУВШИН СЕЛАДОН
Лон-гуань
Династия Юань
Массивно слепленные, со
сложным перегруженным декором,
изделия Юань кажутся на вид
более барочными, чем их
южные предшественники Сун.
Форма кувшина кажется
неподходящей к декоративному
оформлению. Полоски орнамента,
состоящего из отдельных
неподвижных листьев, завитки листвы и
другие мотивы "разбивают'
боковую поверхность сосуда.
Красноватый цвет, полученный
в результате окисления на не
покрытых глазурью участках,
вызван присутствием
кислорода в керамической основе Лон-
гуань. (Внизу)
ВАЗА ЦИН-БАЙ
Канкси
Фарфор; 11 — 12 в.
Прекрасный образец раннего
фарфора ин-гин
(туманно-голубого); гончар за вдохновением
обращается к цветочным и
растительным формам Глазурь
распределена равномерно, а в
трещинах более густо и интенсивно.
(Слева)
декор отсутствовал, за исключением лепестков
лотоса, вырезанных на внешней поверхности чаш
и ваз.
К концу династии Сун и в начале Юань
керамика Лон-гуань увеличивается в размерах и
усложняется, и больше внимания уделяется
рельефу и отлитым деталям украшений. Изображение
вьющейся листвы перемежалось с рельефными
вставками птиц и животных. На некоторых
изделиях рельефным декором покрывались свободные
от глазури участки, которые после обжига в печи
приобретали ярко-оранжевый цвет.
Китайская экономика в некоторой степени
зависела от доходов за счет экспорта керамики, и
селадон Лон-гуань можно встретить в местах
захоронений на Филиппинах и в Индонезии, а также в
расположенных к западу от Китая Турции и
Египте. Некоторые из наиболее ранних керамических
изделий, которые нашли отражение в письменных
источниках средневековой Европы, были,
вероятно, селадон Лон-гуань.
В 15 веке у Лон-гуань начался долгий период
упадка, который достиг кульминации в топорно
слепленных, плохо украшенных и покрытых
водянистой глазурью керамических изделиях конца
династии Мин (1522 — 1644).
КЕРАМИКА ЦИН-БАЙ
Будучи южным двойником керамики Дин,
производимой в Северном Китае, Цин-бай
производилась в большом количестве мест в провинциях
Фуджиан, Гуандон и Джианкси, начиная с
династии Сун и до кульминации династии Мин. Это был
тонкий фарфор с белой основой, покрытый
полупрозрачной зеленоватой или голубоватой глазурью.
Керамика Цин-бай выпускалась в огромных
количествах и не только для внутреннего рынка,
но также экспортировалась в страны
Юго-Восточной Азии, Индию, страны Ближнего Востока и
Африки. Керамика Цин-бай, очевидно датируется
12 веком. Она была извлечена из земли в Фустате
(Старый Каир), и, возможно, именно таким путем
эти необычные изделия попали в Европу в виде
подарков от богатого купца или монарха.
399

КЕРАМИКА
кладной декор современной керамики, например
Цин-бай или Лон-гуань селадон. В период
династии Юань (1279 — 1368) наибольшее внимание
уделялось декору, и рисунок казался
перегруженным и не всегда согласованным. Многие полые
сосуды этого периода имели в добавление к
главной теме (обычно животная или растительная
тематика) до девяти полосок орнамента:
раскрашенный воротник (мотив листа в виде подвески
напоминает игральные карты), классический
завиток, изображения лотоса, квадратный завиток
(очень похожий на греческий рисунок ключа),
волнообразный рисунок и несколько видов вьющейся
листвы и цветов, например пиона, хризантемы и
лотоса. Человеческая фигура очень редко
встречается на фарфоре Юань. Блюда часто больше
перегружены декором, чем полые вазы, но в них редко
бывает больше 3 — 4 слоев декора. Основные
центры по изготовлению фарфора с подглазурным
декором были в Джиндечжене в профинции Джиан-
КУВШИН ДЛЯ ВИНА
Фарфор; династия Юань
Сочетание прдглозурных красок
медно-красной и синей
кобальтовой является величайшей
редкостью. (Слева)
БЛЮДО СИНЕЕ
С БЕЛЫМ
Фарфор; династия Юань
В центральном медальоне с
лепестками лотоса заключены
буддистские эмблемы, что было
распространено на фарфоре 14
века. (Внизу)
Китайский фарфор был редок и высоко
ценился в средневековой Европе. Очень немногие
изделия, упомянутые в письменных источниках,
украшались золотом или вставками из позолоченного
серебра и драгоценными камнями. Возможно,
наиболее знаменитым примером является ваза Цин-
бай Гэньера-Фонтилля, которую король Венгрии
Людовик Великий подарил Чарльзу III из Дураццо
в Италии в 1381 году. Различные формы керамики
Цин-бай включают блюда, чаши, коробочки с
крышками, курильницы, урны для праха. Они
украшались резьбой или, с конца периода Зон, отлитым
или накладным декором. Тематика была в
основном растительная, с причудливыми птицами или
животными. Вазы и другие полые сосуды часто
делались состоящими из отдельных долей,
наподобие овощей или тыквы. Вазы и бутыли периода
династии Юань одновременно с резьбой
украшались и накладным декором, рисунок которого
совершенно не зависел от контуров. Чаши и блюда
обжигались вниз головой на ободке горла,
оставляя узкие не покрытые глазурью поля.
ФАРФОР
С ПОДГЛАЗУРНЫМ ДЕКОРОМ
Наиболее ранний фарфор с подглазурной
краской, датирующийся с середины 14 века, обычно
повторял формы и рисунок резьбы, литья или на-
400

КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
кси, в Южном Китае. Декорация часто усиливает
впечатление полноты и сложности; в ней есть
порядок, но глаз немного путается в нем.
Изображения лотоса окрашены в голубой цвет на белом фоне;
буддистские мотивы и символическая
растительность обычно окружают основание сосуда или
обратную сторону блюда. Другой распространенный
окаймляющий рисунок состоит из извивающихся
волн. Этот волнообразный мотив продолжается в
15 веке, но, однако, теряет свою силу, приобретая
обычные, жесткие очертания. До начала 15 века
распространена кайма в виде колючек или скобок.
В начале династии Минь из-за нехватки
кобальта, необходимого для синей краски, пришлось
интенсивно использовать для его замены медно-
красный цвет. Гончарам Джиндечженя редко
удавалось добиться хорошего цвета, и в результате
у них получался скучный серовато-розовый цвет.
Декоративная живопись была ненамного лучше,
чем прежде. В числе популярных декоративных
элементов Юаня и начала династии Мин был
фриз с классическими завитками на ножке
изделия, а около наиболее узкой части шеи
располагался двухсекционный прямоугольный пояс с
завитками. Керамика Джиндечжень этого периода
покрыта воскообразной густой голубоватой или
зеленоватой глазурью, которая стекает
неровными полосками и в тонких местах имеет слегка
желтоватый оттенок.
ФАРФОР ЙОНГЛ,
КСУАНЬ ДЕ И ШЕН-ХУА
Среди наиболее ценной китайской керамики,
наряду с пятью видами классической керамики в
период династии Сун, можно назвать фарфор 15
века в период правления Йонгл (1403 — 1423),
Ксуань-де (1425 — 1436) и Шен-хуа (1465 — 1487).
В начале 15 века белой-голубой фарфор
раскрашивался серовато-синей кобальтовой краской,
содержащей случайные, более темные примеси, в
результате чего получался эффект "накопления и
нагромождения краски", характерный почти для
всего фарфора этого периода. Гончары династии
Цин старались подделать этот недостаток, но
результат выходил слишком механическим.
В то время как в 14 веке главная тематика
живописного декора занимала сравнительно мало
места, сосредоточенное между многочисленными
полосками менее существенного декора, в
керамике 15 века главная тема занимает первостепенное
значение, а вспомогательные лишь поддерживают
ее и подчеркивают изменившиеся контуры сосуда.
В качестве декоративных мотивов изображались
вьющиеся растения, птицы и животные и очень
редко люди. Среди полых сосудов 15 века
изготавливались фляги, имеющие форму плоского диска,
бутыли грушевидной формы с узким горлом
наподобие трубы, гуани, чаши в форме лотоса и блюда
с простым декором и углубленным центром.
С начала 15 века на фарфоре стали делать
насечки шести видов (или, реже, четырех видов) с
царственными знаками отличий, начали покрывать
ВАЗА ДЛЯ УКРАШЕНИЯ
БАЛЮСТРАДЫ
Фарфор;
ок. 1403 - 1424
Подглазурная синяя краска
этого времени часто выглядит
сероватой по тону и слегка
затуманенной под густой пузырящейся
глазурью. Благодаря тонкой
работе живописца можно свести к
минимуму эти дефекты краски.
(Слева)
БЛЮДО БЕЛОЕ
С СИНИМ
Фарфор; начало 15 в.
Заостренный или волнистый
орнамент продолжает традицию
14 в., но расположение
декора и его уравновешенность
характерны для начала 15 в.
Симметричное расположение
синего декора на фоне белого
фарфора отличается
совершенством.
401

КЕРАМИКА
изделия прочной имперской желтой глазурью, а
также яркой серо-красной эмалью поверх глазури.
Шен-хуа считается наиболее утонченным
фарфором династии Мин. Как на бело-голубом, так и
на многоцветном фарфоре декор выглядит скучным
по сравнению с керамикой начала 15 века.
Меньше разнообразия в растительных стилизованных
мотивах, особенно в листьях и головках цветов. В
царствование Шен-хуа сокращается число
"дворцовых чаш" и изысканных дукай (фарфора с
контрастным сочетанием цветов). Первые отличались
тонкой гончарной работой и намеренно
расписывались волнистыми мотивами вместо вьющейся
листвы; цветы расписывались мягкой
серовато-синей кобальтовой краской с малым содержанием
черных примесей или вообще без них.
Фарфоровые изделия дукай неизменно меньших размеров,
расписывались сочетанием подглазурной синей
контурной краски и надглазурных желтых, серо-
красных, фиолетово-коричневых, зеленых и черных
эмалей.
ФАРФОР ЧЖЕН-ДЕ
Фарфор периода Чжен-де (1506 — 1521)
включает в себя два вида бело-голубого фарфора. В
первую группу входят главным образом блюдца,
большие кувшины для вина и чаши, расписанные
драконами, опутанными завитками лотоса с
заостренными цветами и небольшими волнистыми
листьями. Для второй группы характерны арабские или
персидские надписи в окружении растительного
орнамента. В большинстве своем эта керамика
предназначалась для украшения стола ученого —
это были подставки для кистей, коробочки для
ручек, патроны для ламп. Густая глазурь имела обычно
голубоватый или сероватый цвет.
ФАРФОР ДЖИА-ДЖИН
Значительное увеличение экспортной
торговли в начале 16 века явилось в некоторой степени
причиной общего ухудшения качества китайского
фарфора. Однако было изготовлено некоторое
количество прекрасных изделий. Например, импера-
БЕЛАЯ С СИНИМ
«ДВОРЦОВАЯ ЧАША"
Фарфор, ок. 1465 — 1487
По сравнению с более
впечатляющим и массивным фарфором
начала 15 в., изделия
царствования Шен-хуа (1465 - 1487)
отличаются большей
утонченностью. Обтекаемые формы
начала 15 в. заменили более
отточенные линии, благодаря более
тоному слою глазури. (Вверху)
КУВШИН
Фарфор; ок. 1465-1487
Рисунок расписан красками в
утонченной, несколько вялой
манере, характерной для того
времени, подглаэурная синяя
краска использовала в качестве
контурной и контрастирует с над-
глазурной желтой, серо-красной,
фиолетовой и зеленой. (Справа)
торский фарфор Джиа-джин (1522 — 1566)
отличается красотой и энергичностью исполнения, хотя
ему и недостает утонченности и изящества линий
15 века. Главными символами религии даоизма
являются многие популярные сюжеты, такие, как
журавль, олень, сосна и гриб лин-чжи, связанные
с даоизмом. Эта тематика в какой-то степени
присутствовала в керамике до конца династии Мин.
Недаоистские сюжеты, например играющие дети
или собрания важных сановников или ученых,
также изображались на керамике Джиа-джин.
Вечный дракон теперь приобрел вид сороконожки и
превратился в почти забавное существо. Обычно
характерен обильный многоцветный декор. В 16
веке синий цвет использовался не только как
контурная краска, но и тонким слоем наносился сверху.
Фарфор Джиа-джин имел белую основу,
покрывался прозрачной голубоватой глазурью и блестящей
лиловато-синей подглазурной краской, которая
струилась по рисунку и затушевывала его.
Некоторые вывозящиеся на экспорт изделия
украшались европейскими, в основном
иберийскими мотивами, с надписями на португальском
языке, и не отличались хорошим качеством.
ФАРФОР КРААК
В царствование Лон-цин (1567 — 1572) и
Ван-ли (1573 — 1619) продолжались традиции,
установленные во время Джиа-джин. В 1570-е
годы появился новый тип фарфора,
украшенного повторяющимися, обычно прямоугольными
панелями, каждая из которых заключала
определенный мотив. Эта керамика получила
название краак; это слово голландского
происхождения, и, вероятно, изделия из фарфора были
названы так потому, что перевозившие их
португальские корабли назывались карраками. Этот
фарфор был продан на аукционе в Голландии, и
среди покупателей, заплативших наиболее
высокую цену, были французский король Генрих
IV и английский Джеймс I. Вскоре возникла мода
на считавшийся до той поры исключительной
редкостью фарфор. Недавно созданная
Ост-Индская компания быстро осознала коммерческую
ценность краакского фарфора и начала вывозить
его за границу в большом количестве.
402

КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
Во многих ранних изделиях керо-
мики Мин, наподобие этой чаши,
ощущается влияние стран
исламского мира, в формах,
заимствованных из металлических и
стеклянных изделий, хотя надписи
встречаются чрезвычайно редко.
(Вверху)
ШКАТУЛКА
ДЛЯ РУЧЕК
С КРЫШКОЙ
Фарфор;
ок. 1573 - 1620
В 16-м — начале 17 в. были
популярны шкатулки различной
формы — круглые, шестиугольные,
продолговатые. Подглаэурный
синий кобальт сочетался с нод-
глозурными эмалями, как в этом
примере, известном, как вукай.
(Справа).
403

КЕРАМИКА
БЛЮДО
ИЗ ФАРФОРА
КРААК
Фарфор; ок. 1600 — 1650
Разбивка декоративного бор*
дюра на отдельные секции
типична для большей части из*
делий позднего экспорта Мин.
Особенно характерны листья
и цветы подсолнечника.
(Слева)
ВАЗА
В ФОРМЕ РУКАВА
Джин-де-чжень
Фарфор; ок. 1640 г.
Форма этой вазы известна как
'катящийся вагон*. (Крайняя
слева внизу)
ВАЗА СИНЯЯ
С БЕЛЫМ
Фарфор;
ок. 1662-1722
Тонкий изгиб линий по
направлению к основаниию изменил
более раннюю форму
'катящегося вагона*. (Внизу в центре)
ВАЗА
ДЛЯ УКРАШЕНИЯ
БАЛЮСТРАДЫ
Фарфор;
ок. 1662 - 1722
Живописное изображение
ландшафта и горы соответствует
стилю периода Канкси (1662 —
1722). (Внизу)

КИТАЙСКАЯ КЕРАМИКА
"ПЕРЕХОДНЫЙ" ФАРФОР
Постепенно голландцы вторглись в
португальскую монополию торговли на Дальнем Востоке и
основали сеть укрепленных торговых поселений на
протяжении всего пути. После 1624 года
голландцы начали вывозить из Китая новый, высоко
утонченный тип фарфора. Отличающийся массивными
формами и тонким живописным декором, этот
"переходный" фарфор (созданный в конце династии
Мин и в начале Цин) перевозился на кораблях в
западные страны.
"Переходный" фарфор был неизменно полым
внутри, в то время как краак мог быть либо
плоским, либо полым. Появилось большое количество
новых форм, некоторые брали за основу
европейские изделия из металла и стекла или керамики.
Сюда входили цилиндрические горшки для
кистей, высокие цилиндрические вазы с суженным
горлом, овальной формы кувшины с короткой
крышкой наподобие барабана, чаши, кубки,
горшки для горчицы и цилиндрические высокие
пивные кружки. Многие расписывались красками на
сюжеты известных романов или легенд; многие
из рисунков имели неформальный и
натуралистичный сюжет, действие происходило в саду, сре-
ВАЗА ДЛЯ
УКРАШЕНИЯ
БАЛЮСТРАДЫ
Фарфор; конец 17 в. (7)
Декоративное оформление
этой вазы выдержано в
'зеленой палитре красок' (в
зеленых тонах). (Справа)
КРУГЛАЯ ФЛЯГА
Фарфор;
около 1723 — 1735
В царствование Канкси
(1662 - 1722) появилась
'розовая палитра' , заменившая
собой более живую и
рельефную 'зеленую палитру'. (Внизу)
ди плантации бананов или сосен. Для этих сю-
жетно-тематических картин было характерно
использование небольших мазков в форме серпиков
для изображения травы.
ФАРФОР
ДЛЯ ЯПОНСКОГО РЫНКА
Китайские гончары также поставляли свои
изделия на японский рынок. Они делились на две
категории: Шон-дзуи и Ко-зомет-зуке. Изделия
Шон-дзуи отличались большей утонченностью и
украшались в более строгой, академичной
манере, с интенсивным использованием ромбов
(повторяющиеся ромбы или квадраты). Фарфор Ко-
зомет-зуке сделан как бы небрежно, на нем
изображены фигуры отшельников или бессмертных
богов даоизма, озерный край с озерами, которых
немного, но они очень заманчивы. Большая часть
этого фарфора украшена подглазурной синей
краской, а некоторые еще усилены надглазурны-
ми эмалями.
405

КЕРАМИКА
ФАРФОР ЦИН
Начало династии Цин было отмечено
введением новшеств и возрождением старых традиций;
наряду с появлением совершенно новых
одноцветных глазурей и декоративных приемов были
возрождены старые, давно забытые типы фарфора.
Среди новых одноцветных глазурей были:
цвета персика, полученный из медной краски розовый
тон, покрытый пятнами "зеленого мха"; цвета
лунного света, бледная серовато-лилово-голубая;
цвета ржавчины, блестящей крапчатой бронзы; цвета
чайной пыли, матовый сочный оливково-зеленый
цвет; цвета яйца малиновки, бирюза с фиолетовой
примесью и многие другие. В числе
ретроспективных видов фарфора были копии классических
изделий, созданных в периоды династий Сун, Юань
и Мин; медно-красный и белый с синим фарфор
начала 15 века и утонченный фарфор доу-кай
царствования Шен-хуа.
После ухода Тан Ин, главного директора печей
по обжигу фарфора в Джицдечжене, начался
непрерывный упадок качества фарфора: все больше
усложнялся рисунок и все меньше внимания
уделялось отделке и проработке деталей. (Но,
несмотря на это, некоторое количество ценных изделий
из фарфора было произведено в конце 18 века и
на протяжении 19 века). Многие изделия
выполнялись в традиционной манере.
Кроме того, на экспортном рынке конкуренция
с европейскими фарфоровыми мануфактурами и
керамикой Статфордшира также приводила к
снижению качества. Фарфоровые изделия стиля кантон
перегружены повторяющимися сценами фигур
мандаринов на совершенно несовместимом зеленом и
розовом растительном фоне.
ВАЗА
В ФОРМЕ БУТЫЛИ
Фарфор; начало 18 в.
(Вверху)
ЧАША ДЛЯ ПУНША
Фарфор; ок. 1800 г.
Здесь изображено здание
компании Айенмонгерс (по
торговле скобяными изделиями) в
Лондоне. (Внизу)
И РОЗОВАЯ ПАЛИТРЫ
В начальные годы династии Цин (1644 —
1912) гражданские беспорядки прервали выпуск
фарфора, и лишь около 1680 года была
возобновлена экспортная торговля. Тем временем
недавно основанная фарфоровая индустрия в
Японии, благодаря голландской Ост-Индской
компании, восполнила недостаток в снабжении
фарфором. Вначале голландцам хотелось, чтобы
Япония выпускала бело-синий фарфор, наподобие
китайского, но позже местный "парчовый" фарфор
Имари и красивые, более сдержанные изделия
из фарфора типа Какиэмон приобрели
популярность и начали соперничать с китайскими. В
ответ на это появился великолепный фарфор в
зеленых тонах в царствование императора Канкси
(1662 — 1722) ("зеленая палитра"). Почти
чистая белая основа этого фарфора покрывалась
серо-красной, фиолетово-синей и желтой
краской с изображением цветов, птиц, мифических
животных, различных фигур или драгоценных
предметов, а сверху — тонкой прозрачной над-
глазурной зеленой эмалью. В период Канкси
многие подобные изделия украшались декором в
виде лепестков и листьев, часто заключающим в
себе различную тематику.
К концу периода Канкси появилась "розовая
палитра". Это был совершенно новый состав
красок, пастельные тона достигались благодаря
смешиванию с белым цветом и доминированию
розовой. Эта более легкая и несколько фривольная
цветовая гамма хорошо подходила к новым рисункам,
которые были меньше по масштабу и носили
более интимный характер.
406

ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
Традиции японской керамики, представляющей собой
НЕПОВТОРИМЫЙ СПЛАВ АСКЕТИЗМА И ТЕХНИЧЕСКОГО СОВЕРШЕНСТВА,
служили источником вдохновения не только для гончлрных
РЕМЕСЕЛ ДРУГИХ ВОСТОЧНЫХ ЦИВИЛИЗАЦИЙ, НО И ДЛЯ СОЗДАТЕЛЕЙ
СОВРЕМЕННОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КЕрАМИКИ.
ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
Протяженность эпохи развития гончарных ре
месел в Японии очень велика, она
насчитывает ни много ни мало 8 000 лет доисторического
и исторического времени. Изделия раннего
периода, хотя им нельзя отказать в своеобразии,
зачастую выдают влияние китайских и корейских
технологий. Последующее распространение
буддизма и его смешение с синтоизмом - местной
религией - создали довольно оригинальную шкалу
художественных ценностей, предпочитая
спонтанное вдохновение тщательно продуманному
стремлению к совершенной симметрии. В двенадцатом
веке означенная тенденция еще больше усилилась
из-за введения чайной церемонии буддийскими
монахами, которые проповедовали смирение и
единение с природой. Эти традиции сохранились
даже в экспортируемых на Запад изделиях
семнадцатого и начала восемнадцатого века, затем,
после небольшого периода упадка, вновь
расцвели в конце девятнадцатого века.
ИЗДЕЛИЯ РАННЕГО ПЕРИОДА
На первых производимых на территории
Японии глиняных сосудах орнамент делался при
помощи метода нанесения рельефного узора. Наи-
ЯПОНСКИЕ ПЕРИОДЫ
Йомон
| Йайои
Тумулус (Кофан)
! Асука
Нара
! Хейан
Камакура
Муромачи
i Монояма
Эдо
Мейджи
до 200 г. до н.э.
200 г. до н.э. - 250 г. н.э.
250 - 552 гг. н.э.
552 - 710
710 - 794
794-1185
1185- 1392
1392 - 1568
1568 - 1615
1615 - 1868
1868 - 1912
более популярным способом украшения типичных
сосудов культуры Йомон - японского неолита
(4 500 лет до н.э. - 3 век до н.э.) - было, как и в
Европе, наложение шнура или ткани на мягкую
фарфоровую глину. Такой орнамент мог целиком
покрывать поверхность изделия, придавая ему
дополнительную прочность. Однако встречаются и
лишь частично украшенные таким образом
сосуды, орнамент на которых состоит из закрученных
ГЛИНЯНЫЙ КУВШИН
Середина периода Йомон
ок. 3 000 - 2 000 гг.
до н.э.
Способ нанесения орнамента
на изделиях периода Йомон,
общий при доисторическом
изготовлении гончарных изделий во
всем мире, дает возможность
предположить, что
первоначально сосуды были плетеными.
407

КЕРАМИКА
в противоположные стороны спиралей на
некотором расстоянии друг от друга. Нередко такой узор
помещается в рельефно выделенные границы,
особенно у горлышка сосуда. Глина обычно сырая и
комковатая, противореча своим составом
изящности орнамента, и не покрыта глазурью. К концу
этого периода кувшины часто окрашивались в
красный цвет.
Из всех керамических цивилизаций мира
шнуровые узоры культуры Йомон являются наиболее
сложными и совершенными.
Период Йайои, названный так по местности,
где была сделана первая находка изделия этого
типа, охватывает время с третьего века до н.э. по
третий век н.э., примерно совпадая с эпохой
правления династии Хан в Китае. Изделия стали
производиться уже на гончарном круге. Типичными
являются бутыли с узким горлышком, сосуды в
форме сумки и вазы из материала,
напоминающего китайскую, покрытую зеленой глазурью глину,
имитирующую металл. Однако в отличие от
своих китайских современников японские мастера все
еще не пользовались глазурью. Количество
геометрических узоров увеличилось, но они
располагались горизонтальными поясами. Возможно, это
вызвано использованием гончарного круга при их
нанесении.
В период Тумулус (пятый - седьмой века н.э.)
на погребальных курганах типичной формы
"замочной скважины" часто устанавливали
керамические надмогильные камни. Они представляли
собой цилиндрические основания, расставленные
по окружности на вершине кургана. Позже на них
стали помещать скульптурные изображения
животных и людей, и эта особенность служит
признаком изделий типа Ханива. Типичные
статуэтки имеют 0,6 - 0,9 метра (2-3 фута) в высоту,
полые, их черты лица упрощены, а на местах глаз
и рта проделаны отверстия.
На рынок попадает очень мало
доисторических изделий. Иногда появляются экземпляры типа
Ханива, но все они в той или иной степени
подверглись реставрации.
КОРЕЙСКИЕ ГОНЧАРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Период Тумулус принес беспокойство местным
гончарам Японии. Прибывающие мастера из
близлежащей Кореи начали производство посуды из
серой кремнистой глины, которую окунали в
селадон (серо-зеленую глазурь) или покрывали им.
Такие изделия получили название Сю.
Характерной особенностью типа являются круглые
пузатые сосуды с плоским основанием, что позволяло
нагревать их над огнем.
Позже, во время периода Нара (710 - 784),
влияние китайской династии Тан (618 - 906)
достигло высшей точки: наряду с пузатыми
сосудами Сю и Шираши (высококачественная
глазурованная посуда из китайского селадона и фарфо-
ПОКРЫТЫЙ
ГЛАЗУРЬЮ
ГЛИНЯНЫЙ КУВШИН
Сето, 14 в. н.э.
Ярко выражением овальная
форма свидетельствует о влиянии
династий Тан и Сун из Китая, в
то время как хорошо заметный
резной орнамент является
местным (Вверху)
ПОСМЕРТНАЯ
ГЛИНЯНАЯ СТАТУЭТКА
Период Ханива
в в. н.э.
Как и в Китае времен династии
Тан, в Японии глина
использовалась в качестве материала для
скульптур в честь умерших, хотя
и в более формальном и
стилизованном варианте. (Слева)
БЛЮДО
Расписная посуда Шино;
10-17 ва.
Квадратное бладо украшено
узором из рыбацких сетей. (Внизу)
ft
408

ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
pa) на изделиях появляется свинцовая глазурь,
окрашенная путем добавления ограниченного
числа оксидов металла в цвета, заимствованные из
китайского санкаи (три цвета). Эффект часто
усиливался при помощи добавления к глине воска в
качестве изолирующего материала; корпус
сохранял свой естественный соломенный цвет, а
цветные ручейки концентрировались на гранях.
Во время периода Нара буддизм, пользуясь
поддержкой правителей, стал главной религией и
поэтому сделался наиболее важным элементом,
влияющим на образы и содержание японских
искусств и ремесел.
Сопротивление влиянию Китая. С
середины последующего периода Хейан (794 - 1185) -
названного так по новой столице, которая
переместилась сюда из Нары, китайское влияние
пошло на убыль. Вместо этого стали развиваться
национальные методы и ростки привнесенных
извне, успевших прочно укорениться способов.
Продолжение традиций Сю и Шираши можно
проследить в изделиях Якишимето, производство
которых началось в конце двенадцатого века.
Мастерские Сето стали главными производителями
высококачественной посуды - как правило,
всевозможных покрытых коричневой глазурью бутыле-
образных сосудов и кувшинов с расписными или
гравированными узорами на цветочные темы.
Центры гончарного производства Сето, Бид-
зэн (художественные изделия из кремнистой
глины, не покрытые глазурью), Эчидзэн, Тамба, То-
конаме, Шигураку и Ига составляют "Шесть
Старых Печей", которые, как полагают, были
основаны в различное время между поздним периодом
Хейан и периодом Муромачи (1338 - 1568). Если
сознавать, что каждый из перечисленных центров
состоял на самом деле из сотен настоящих
гончарных горнов или даже больше, то станет
понятным, как трудно произвести классификацию и
хронологию такого огромного объема продукции.
ДУХОВНОСТЬ И ГЛИНА
В основном гончарные традиции Японии до
начала семнадцатого века представляют
фундаментальное отличие от продуманного совершенства
китайской одноцветной глазури династии Сун (960 -
1279). Вазы выполнены с видимой
небрежностью, и глазурь (если вообще присутствует)
нанесена кое-как. В то время, как китайские мастера
керамики после династии Тан демонстрируют в
своем искусстве все возрастающее изящество и
симметрию форм, японские гончары
возвращаются к непосредственности периода Йомон.
Причины этого заложены в идеологических
мировоззрениях, господствовавших в Японии. Туземная
религия синтоизм слилась с привнесенным
буддизмом, породив устойчивую смесь любования
природой и отвлеченности от мирской суеты.
Искусство японских мастеров керамики своеобразным
образом передает в глине и глазури философские
взгляды общества тех времен.
Чайная посуда. Для западного образа
мышления словосочетание "культивирование
непосредственности" может показаться лишенным
смысла. Конечно, не подлежит сомнению, что
европейское общество после эпохи Ренессанса
вполне способно создавать асимметричные пиалы и
вазы, соответствующие японской чайной
церемонии. Но так же ясно, что к столь
"несовершенным" объектам вовсе не будут относиться
настолько трепетно, чтобы склеивать разбитую пиалу
драгоценным золотым лаком. А японцы делают
*Ь#
«SP?
БЛЮДО
Конец 16 в.
Посуда Орибе, покрытая
зеленой глазурью.
Соединение совершенно
противоположных стилей остается
излюбленной японской техникой.
ЧАША ДЛЯ ЧАЯ
Посуда Раку из обожженной
глины, покрыта черной
глазурью; 17 зек.
Лучшие экземпляры посуды Шино,
Орибе и Раку, скорее, можно
назвать произведениями
искусства, чем просто изделиями:
геометрический орнамент неожиданно
резко прерывается совершенно
не сочетающейся с ним глазурью,
или же узор может быть сам по
себе почти незаметным,
стилизованным и занимающим лишь
незначительную часть поверхности.
Подобные произведения оказали
сильное влияние на европейскую
художественную керамику 20 в.
409

КЕРАМИКА
это и даже дают предметам чайного сервиза
имена. Они считают, что посредством фарфоровой
посуды осуществляется связь между
поколениями, а из разбитого предмета улетучивается сила,
передаваемая нам нашими предками.
В такое вот общество пришла Ча-но-ю
(горячая вода для чая), или чайная церемония,
которая с шестнадцатого века играла главную роль в
японской культуре. Особые "мастера чая", в
совершенстве изучившие все тонкости его
приготовления, наблюдают за выбором посуды,
сервировкой, следят за подбором соответствующих
картин и цветов. Вполне естественно, что такое
отношение к ритуалу отразилось на производстве
предназначенной для него посуды.
ЧЕРНАЯ ГЛАЗУРЬ
Предположительно Шино и Орибе -
названия определенных стилей производства изделий
из кремнистой глины - появились по именам двух
древнейших "мастеров чая", которых звали Шино
Сошин (конец пятнадцатого века) и Фурита
Орибе (1544 - 1615). Посуда этих стилей, как и
большинство чайных сервизов, поступала из
провинции Мино, где были сильны традиции Сето. Чаши
для чая часто покрывались черной глазурью и
назывались теммоку - по имени китайской области
Тьень My, где зародился этот способ. Такая
краска оттеняла пену чая, взбитого до сочного темно-
зеленого цвета. Посуда стиля Раку, созданного
Чодзиро (1516 - 1592) во время периода Моно-
яма (1568 - 1614), производилась из
обожженной влажной зернистой глины, покрытой
прозрачной глазурью, как правило, черного, но иногда и
красного или желтого оттенка. Напоминающие
узоры на парче геометрические орнаменты
весело спорят с формой изделия. Впервые
использование росписи становится важным элементом при
изготовлении посуды; простые и
непосредственные каллиграфические узоры подчеркивали
изысканность чайной церемонии. Наиболее
знаменитым мастером стиля Раку считается Хон Ами Коцу
(1558- 1637).
Каллиграфическую роспись можно увидеть
также и на посуде Каратсу. Она проходила
поочередный обжиг в нескольких сообщающихся горнах
(в каждом последующем температура несколько
повышалась). Этот способ был придуман
выходцами из Кореи в середине шестнадцатого века.
С завоеванием японцами Кореи период Моно-
яма подошел к концу. В результате победоносной
войны в страну в качестве пленных или
заложников привезли многих корейских мастеров,
которые давно работали с фарфором - материалом,
неизвестным в Японии в то время. Осев в Киушу,
где до них раньше уже обосновались многие
выходцы из Кореи, они начали разрабатывать
месторождения фарфоровой глины, хотя ее качество
предположительно уступало китайской.
Считается, что первые японские изделия из фарфора были
произведены в гончарных мастерских Катаратсу
примерно в 1620 году.
ИЗДЕЛИЯ НА ЭКСПОРТ
Фарфор появился в Японии во время пика
популярности чайной церемонии, что явилось
благоприятным условием для развития новых
технологий.
Первая японская фарфоровая посуда, в
основном производимая для удовлетворения
потребностей внутреннего рынка, получила название Шоки-
Имаре (раннее Имаре). Она изготовлялась
несколькими мастерскими в области Арита. Помимо
изготовления косометсуке (простой бело-синей
посуды), делались предметы из селадона, в основном в
мастерских Маруо. Также можно отметить
посуду, покрытую тонким слоем цвета коричневатой
ржавчины, часто в комбинации с кобальтово-сини-
ми узорами под этим слоем. Хотя к этому времени
история производства китайцами бело-синей
посуды насчитывала не менее 300 лет, похоже, их
изделия периода Тианки (1621 - 1627) испытывали
влияние непринужденного стиля молодых
японских мастерских. Однако здесь нужно добавить, что
большая часть китайской посуды такого типа была
как раз предназначена для экспорта в Японию.
БЛЮДО. АРИТА.
Синяя роспись
на фарфоре, покрытая
затем глазурью;
конец 17 в.
Но китайских экспортных
изделиях также можно найти узоры
из персимонов и гранатов, за
исключением монограммы VOC,
которая означает голландскую
Ост-Индскую компанию. В
период, когда фарфоровая
индустрия Китая восстановилась,
становится трудно понять, где
впервые был придуман тот или
иной узор: в Китае, Японии или
даже в Европе.
410

ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
КИТАЙСКИЙ
ИЛИ РАННИЙ ЯПОНСКИЙ
ФАРФОР
Японская посуда из Ариты в стиле
кракле сильно отличается от
китайской этого же типа. Последняя
обычно легче; ободок и основание
более острые на ощупь, по краям
глазурь покрыта легкими трещинками.
Ободок украшен лиственным
орнаментом. К обратной стороне
могут быть приклеены песчинки в тех
местах, где остались желобковые
следы инструмента, обрабатывавшего
углубление в основании.
Напротив, японские изделия
выглядят менее шершавыми и
хрупкими на ощупь. Ободок оставлен
ровным, и по краю глазурь не
удаляется во время обжига; на
обратной поверхности основания
можно найти характерные следы того,
что во время обжига предмет
помещался на небольшую подставку.
К тому же синий кобальт темнее, чем
на китайской посуде. Это различие
могло быть вызвано разницей в
содержании примесей железа,
которое дает желтовато-коричневую
составляющую. Синий цвет обычно
темен почти до черноты и всплывает
на поверхность покрывающей
изделие глазури. А сама глазурь,
полная миллионами взвешенных
пузырьков (что ясно видно в лупу),
преломляет свет, скрывая истинные
контуры узора.
Посуда Арита. В 1641 году голландская Ост-
Индская компания сумела монополизировать
японо-европейские торговые отношения, в которых
до тех пор ведущую роль играли португальцы. Они
ввозили в Европу значительные количества
китайского фарфора, а доля японского была
сравнительно невелика. Вскоре после основания
голландской торговой миссии в гавани Нагасаки, на
острове Дешима, падение династии Мин в Китае
вызвало резкий спад производства фарфоровых
изделий в этой стране. Это явилось мощным
толчком для развития японских мастерских: вместо
китайцев заказы голландцев стали получать они.
Причем объемы оказались настолько велики, что
все мастерские области Арита вынуждены были
объединиться.
Термин "Арита" в настоящее время
употребляется на западе для обозначения исключительно
расписанной синим под слоем глазури посуды из
Ариты. Бело-голубая посуда, похожая на столь
популярный в Европе китайский фарфор,
сделалась, естественно, основным объектом торговли.
Так что неудивительно, что голландцы
заказывали повторение уже знакомых европейцам
китайских узоров. Среди них есть аритские вариации
китайского стиля кракле: блюда с центром в
форме звезды, на котором изображен пейзаж с
птицами и животными, обрамленный по направлению
лучей панелями с повторяющимися цветочными
мотивами различных оттенков синего цвета.
Эмаль. Эмали появились на японском
фарфоре еще до начала его экспорта. Однако расцвет
этой техники во второй половине века начался
все-таки благодаря торговле с иностранцами.
Среди эмалированных изделий были копии
китайской посуды кракле. Однако японцы использовали
несколько отличную гамму цветов (китайцы
предпочитали полупрозрачную зеленую глазурь на
желтом, пурпурном и красном). Японцы же
применяли великолепный кобальтово-синий цвет, но
не могли получить приемлемый желтый, который
поэтому практически не использовался до конца
века.
К этому времени уже появилось разделение
на собственно гончаров и художников: хотя при
некоторых мастерских состояли собственные
отделения декораторов, возникли также не
зависимые предприятия, которые скупали не
разрисованную полностью или частично посуду и
украшали ее. Поэтому трудно классифицировать
изделие только по типу узора.
БЛЮДО. АРИТА.
Синяя роспись на
фарфоре, покрытая затем
глазурью; конец 17-го -
начало 18 в.
Украшенное пейзажем в
центре и панелями по бордюру, это
блюдо представляет собой
уникальное произведение
искусства. Кажется, что в расстоянии
между сырыми низменностями и
горами на заднем плане
заключена неопределенность
космоса, подчеркиваемая туманами
посередине. Стиль близок к
росписи периода Кангзи, а
бордюрные панели (предположительно
созданные другим мастером)
выполнены в более
консервативной, почти европейской
манере, принятой примерно
пятьюдесятью годами ранее.
411

КЕРАМИКА
ПАРА ОРЛОВ. АРИТА.
Конец 17 в.
Подобные фигуры были в моде
среди европейской знати. В 1731
г. в Майсене были изготовлены
копии для 'японского дворца
Августа Сильного. (Справа)
СТИЛЬ КРАКЛЕ.
АРИТА. БЛЮДО.
Конец 17 в.
Расписанное поверх глазури
эмалью в стиле Какиэмон, это
блюдо повторяет дизайн ранних
китайских блюд кракле,
расписанных синим под слоем
глазури. (Внизу)
412

ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
ВАЗЫ. ИМАРИ
Расписано синим под
глазурью, эмалями и
позолотой; конец 17-го -
начало 18-го в.
Гарнитуры типа этого,
состоящего из пяти предметов, часто
украшали каминные полки
европейцев или буфеты.
h
ДВЕ ГРУППЫ БОРЦОВ
Ок. 1680 г.
Созданные по одинаковым
формам борцы установлены в
различные позы. Эти две группы
были сделаны в одной
мастерской, но раскрашены разными
стилями: одна 8 Какиэмон,
другая - в Имари. (Вверху и слева)
стили
Какиэмон получил свое название по
фамилии семьи известных гончаров, часть изделий
которых расписывалась палитрой из бирюзовой,
синей, красной, желтой, черной и золотой
красок. Именно так стали называть все предметы,
расписанные вышеперечисленными цветами
независимо от мастерской, где они были
произведены.
В Нагаваре была открыта мастерская с
изделиями характерной формы, которые были
окрашены исключительно в палитре Какиэмон, что
послужило основанием счесть эту мастерскую
принадлежащей основателям стиля. Кроме того, там
обнаружилось большое количество изделий из
знаменитого негошида (молочно-белого) -
материала из высококачественного фарфора и глазурь,
идентичная по составу с использовавшейся в
произведениях Какиэмон. Однако были также чаши
и блюда традиционного стиля Арита, тщательно
расписанные синим под слоем глазури и часто
покрытые по ободку ржаво-коричневым цветом.
Имари. Этот стиль более распространен, чем
Какиэмон, и получил свое название от порта, из
которого экспортировались оба типа изделий.
Главное отличие в основном заключено в цвете: под
слоем глазури делалась роспись синим, красным
и позолотой. Иногда допускаются другие
эмалевые краски, особенно черная, зеленая, желтая и
кабачковая. Временами можно увидеть глянцевое
розовое покрытие, которое, вероятно, получали
из золота. Эти цвета появляются на изделиях,
вышедших из тех же мастерских, что и
выкрашенные в стиле Какиэмон. Без сомнения, они суще-
413

КЕРАМИКА
ЭМАЛИРОВАННОЕ
БЛЮДО КУТАН И
Вероятно, конец 17 в.
Это блюдо кожется
парадоксальным. Впечатление при
первом взгляде — абстракция и
асимметрия. Круглые формы
маскируют более сложный и
сбалансированный замысел.
Повторяющиеся зигзагообразные
узоры на каждом веере создают
впечатление постоянного
колебания в выборе между
абстракцией и реальностью. Такие
остроумные зрительные загадки
вообще характерны для
японского стиля: наполовину скрытые
или перекрывающие друг друга
объекты и узоры часто
встречались доже в последних изделиях
Имари. Однако к концу 19 в.
это техника деградировала,
когда ее стали применять в
массовом производстве.
ствовали в один и тот же период и расписывались
(возможно, независимой художественной
мастерской) в разные цвета.
Кутани. Характерные цвета Имари
считаются взятыми из более раннего стиля, который
датируется второй половиной семнадцатого века, хотя
тогда он не экспортировался в Европу.
Изделия этого типа раскрашены в совсем
другой палитре, состоящей из темно-красного,
мутно-желтого и кабачкового. Ранее эту категорию
считали изготовлявшейся в мастерских Кутани в
Хоншу, поэтому иногда называют Ко-Кутани
(старое Кутани); теперь же пришли к выводу, что она
относится к стилю Арита. Изделия этого типа
смотрятся более тяжеловесными: вся поверхность
традиционных блюд покрыта мутной зеленой,
желтой, кабачковой и черной эмалью. Зеленому
цвету обычно отдается предпочтение, так что отсюда
появилось еще одно название Ао-Кутани (зеленое
Кутани). Но какая часть изделий из второй
группы относится к семнадцатому веку, определить
сложно; большинство появилось в девятнадцатом
веке и относится к поздним красно-золотым
изделиям Kara.
Набешима. С расцветом экспорта в начале
восемнадцатого века (который, однако,
практически сошел на нет к середине столетия) появилась
новая группа изделий, производимых для
правителей Хидзэна в качестве дани сегуну, — Набешима.
В то время как в фарфоровых изделиях Имари
и Какиэмон синий цвет иногда используется для
создания ярко выраженного "размывающего"
эффекта в основном узоре или в орнаменте обода,
на лучших произведениях Набешима применялась
китайская техника доукаи (контрастных цветов).
Так что синий цвет под глазурью используется
как раз для выделения контуров узора,
выполненного яркими эмалями. Типичными являются
блюда на несколько большем, чем обычно, основании,
украшенные гребешковым (из вертикальных
параллельных линий) бордюром. Эти изделия
считаются наиболее сложными и художественными из
произведенных в Японии.
Лучшие произведения Набешима относятся к
первой половине восемнадцатого века. Стиль
продолжал существовать и в девятнадцатом веке, но
в тот период они становятся более чопорными и
расписаны не столь тщательно.
РАСШИРЕНИЕ РЫНКА
За сотню лет изоляции Японии примерно с 1750
года до повторного открытия влиянию европейцев
в 1860-х годах, Арита, Имари и другие стили
продолжали существовать, хотя практически
остановились в своем развитии. Судя по всему, лишь в
конце периода Эдо (1614 - 1868) фарфоровые
мастерские Хирадо в Микавачи - основанные,
скорее всего, в середине семнадцатого века -
достигли пика в производстве своей продукции. Это
изделия из высококачественного, прозрачно-белого
фарфора, расписанные синим под слоем глазури с
типичными узорами из "прыгающих мальчиков".
Оживление экспорта. Период Мейдзи
(1868 - 1912) стал свидетелем выполнения
программы прогрессивных реформ, и Япония стала
представлять свою продукцию на международных
выставках. И вновь, с середины девятнадцатого
века, восточная культура стала активно
распространять свое влияние на запад. В связи с этим в
Японии в больших масштабах началось
производство на экспорт изделий Имари самого
различного качества. Они предназначались для
удовлетворения потребностей класса буржуазии,
гораздо более многочисленного, чем покупатели
предыдущего дореволюционного, доиндустриального
периода - аристократы. Для большинства
массово производимых изделий характерно
использование трафарета при нанесении синего узора под
слой глазури - техника, гораздо более
примитивная по сравнению с переносом рисунка на
более ранних фарфоровых изделиях и английской
керамике начиная с 1760 года.
Макудзу Кодзан и Фукагава. К 1900 году
некоторая часть фарфоровых изделий,
предназначенных как для экспорта, так и для продажи
внутри страны, вновь демонстрирует техническое
совершенство. В основе эклектичных стилей Макудзу
Кодзана лежит возвращение к филигранной
синей росписи под слоем глазури конца
семнадцатого века, обогащенное опытом новых
экспериментов с дополнительными пигментами и формами.
В мастерской Фукагавы также умело
наносились различные цвета под слой глазури, часто в
соединении с традиционными и новыми узорами.
В 1909 году при участии немецких экспертов по
414

ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
БЛЮДО. НАБЕШИМА
(АРИТА)
Роспись синим цветом под
слоем глазури и эмалью;
конец 17-го - начало 18 в.
Техника росписи фарфора с
пигментом под слоем глазури (в
данном случае кобальтово-си-
ним) завершается нанесением
сверху эмали, что создает
эффект объемного изображения.
Хотя общая толщина
последовательных слоев эмали, глазури,
кобальта непосредственно но
фарфоре составляет не
больше 1 -2 мм, этого достаточно для
видимой разницы в
преломлении и отражении света. На
отреставрированных изделиях
Набешима типа этого,
расписанного цветами гречихи, эффект
превосходит все ожидания.
Создается иллюзия трех измерений
в области 'поляны*.
БЛЮДО. НАБЕШИМА
(АРИТА)
Конец 17-го - начало 18 в.
(другая сторона блюда
вверху).
Золотой лак, склеивающий
разбитый предмет служит
указателем на ценность, которую
посуда представляла для своего
обладателя.

КЕРАМИКА
ВАЗА.
Макудзу Кодзан
Фарфор; 1900 г.
Воза является шедевром
создания иллюзии трех измерений;
однако это не единственная
особенность ваз Макудзу Кодзана,
само по себе техническое
исполнение росписи выше всяких
похвал
фарфору мастерская Фукагавы освоила
производство изделий Хирадо.
Кутани. В основном красно-золотые,
импортируемые европейцами и американцами в
последней четверти 19 века, изделия Кутани в
большинстве своем производились в мастерских Kara
на острове Хонсю. Материал варьируется от
грубой глины до тончайшего "с яичную скорлупу"
фарфора с несколькими промежуточными
состояниями. Это дает основание считать вероятным
наличие нескольких художественных мастерских
за пределами Каги, занимавшихся изготовлением
предметов стиля Кутани.
МАССОВОЕ ПРОИЗВОДСТВО
Судя по большому числу чайных сервизов из
тончайшего фарфора Кутани, имеющемуся во
многих домах, становится очевидно, что эти изделия
стали в Европе обычной вещью к 1920 году.
Иногда роспись (особенно выполненная в серых
тонах, незаметно переходящих в розовый, желтый
и другие эмали) очень высокого качества, но
обычно это не так.
Норитакэ. В конце 19-го и начале 20 века
компания Фарфор Норитакэ в массовых
количествах выпускала тонкие фарфоровые и другие
изделия в чисто европейском стиле. Часто это
были классической формы вазы, расписанные
альпийскими пейзажами или даже видами
египетского заката. Палитра обычно не отличается от
той, которая применялась Королевской Ворчес-
терской фабрикой.
Сатсума. Столь же обильным было
производство известных керамических изделий Сатсума.
Вначале этот термин относился лишь к
изделиям, которые производились только в области
Сатсума, но затем стал также обозначать керамику
из мастерских Киото, Бидзэна и др. Основной
особенностью является материал: желтоватая
хрупкая керамика, покрытая прозрачной, цвета
слоновой кости глазурью с крошечными
волосяными трещинками. Узор наносился эмалями
слоями различной толщины, зачастую усиливался или
выделялся позолотой. Роспись на изделиях
массового производства обычно крупна и отрывочна.
Зато на художественных изделиях роспись
представляет совершенство миниатюры, столь
характерное для прикладных искусств Японии времен
Мейдзи. Лучшими, наверное, следует признать
работы Йабу Мейдзана (ок.1900 года). Часто
встречающиеся художественные изделия Кинкод-
зана (ок.1900 года) различаются по качеству, так
как были предназначены для различных рынков.
Панели нередко покрыты кобальтово-синей
основой, на которую нанесен тщательно
выполненный серебряный или золотой узор.
Некоторые специалисты считают, что
производство Сатсума началось еще в семнадцатом веке,
однако пока что для доказательства этой
гипотезы не хватает данных. Все, что можно
утверждать наверняка - это то, что, возможно, группа
керамики Сатсума - группа Густой Синей
Эмали, которая сочетала трепетный синий с
рельефной позолотой, - предшествует известной в
конце 19 века экспортируемой керамике. В 1990 году
сосуд Сатсума в не очень хорошем состоянии был
продан на аукционе Сотби, и это изделие
датировалось 1806 годом. Так что логично считать
началом производства группы Густой Синей Эмали
первые годы девятнадцатого века.
Качество изделий Сатсума падало с течением
20 века: высококачественная позолота уступила
место зеркальной; на первое место выдвинулся
матово-черный цвет; контуры наносились
различными цветами уже при покрытии глазурью;
ручную роспись заменил механический перенос
изображения; и к 1920 году палитра пополнилась
кричащим оранжевым цветом.
416

ЯПОНСКАЯ КЕРАМИКА
ВАЗЫ
Мастерские Йобу Мейдзана
и Тавара Косеки.
Керамика; ок.1900 г.
Лучшие произведения
соломенного цвета Сатсума
демонстрируют совершенство
миниатюры
ВАЗА С ПЕЙЗАЖЕМ
Макудзу Кодзан
Ок.1900 г.
Захватывающая панорама
объемного пространства;
огромная Фудзияма кажется гораздо
дальше, чем лес на переднем
плане, который занимает
широкую центральную часть возы.
Точный контроль за нанесением
геометрических слоев синего цвета
под глазурь перекликается с
изделиями Ариты конца 17 в.
417

КЕРАМИКА
Большинство своих стилей производства керамики исламский
МИр ЗАИМСТВОВАЛ у КИТАЯ ИЛИ В РЕЗУЛЬТАТЕ ВОЙН, ИЛИ бЛАГОДАрЯ
ТОРГОВЛЕ, ОСУЩЕСТВЛЯВШЕЙСЯ ПО "ШЕЛКОВОМУ Пути".
КЕРАМИКА ИСЛАМСКОГО МИРА
На развитие мусульманских гончарных
ремесел с 7 по 9 век наибольшее влияние оказала
торговля с Китаем. Вторым по важности фактором
было неудавшееся завоевание Трансоксиании (Т-
ransoxiania) примерно в 750 году, в результате
которого многочисленным китайским пленным
пришлось делиться своим искусством с местными
ремесленниками.
Доступные мусульманским гончарам способы
изготовления неглазурованной посуды из розовой
глины или даже просто из кожи были далеки от
совершенства. К девятому веку гончары
Месопотамии покрывали изделия белой смесью из глины
и воды (слип) или же тонким слоем оксида олова.
Возможно, примерно в это же время возник
способ получения глянцевой поверхности
(тонкого слоя металла); эта технология путешествовала
по исламскому миру, пока не достигла Южной
Испании в 14 веке. Глянцевая посуда из Малаги, а
позже из Валенсии, вывозилась в Европу и
частично послужила причиной превращения гончарного
ремесла в искусство.
БЛЮДО
Месопотамия
9 в.
Образец ранней мусульманской
керамики. Блюдо покрыто
прозрачной глазурью и
напоминает о традициях гончарного
ремесла с времен римского
господства в восточном
Средиземноморье, особенно в Египте.
Возможно, этот способ был
привезен в Месопотамию
египетскими мастерами. Типичным для этой
ранней группы является
сделанный по шаблону
мелкорельефный узор с отдельными
украшениями 'под металл'. Можно
заметить следы глянца - новой
технологии, почти наверняка
заимствованной из производства
стекла.
418

КЕРАМИКА ИСЛАМСКОГО
ИРА
Лучшие из ранних исламских керамических
изделий производились в Нишапуре и Самарканде
в Персии. Они были раскрашены коричневым,
зеленым, желтым и розовым под слоем прозрачной
глазури. Узор был в основном геометрическим, с
замкнутыми поясами или областями штриховки или
гравировки. Другим типом орнамента являются
стилизованные пальмовые листья, животные и
изредка человеческие фигуры. Некоторые
экземпляры украшены коричневато-черными избранными
куфическими надписями на кремово-белой основе.
Большинство сохранившейся посуды - блюда и
чаши, процесс изготовления которых испытал
сильное влияние искусства мастеров Тан. Также о
китайском влиянии свидетельствует и форма -
высокие "плечи" кувшинов в сочетании с плоскими
основаниями и куполообразными крышками.
К 10—11 веку исламские ремесленники
научились изготавливать более совершенный белый
материал, смешивая глину с кремнеземом.
Благодаря этому появились рельефные узоры, часто на
китайские мотивы. Кроме того, использовалась
новая бирюзовая и пурпурно-кобальтовая глазурь.
После 13 века в Кашане, в Персии, глянцевые
узоры на изделиях достигли невероятной
сложности: человеческие фигуры смешивались с
каллиграфическими надписями и арабесками,
пересекались с лентами и узорами из листьев. В Сирии в то
же самое время мастера керамики сочетали
медный глянец и кобальтовые глазури, нанося узоры
из листьев на гравированную основу. Также во
времена сельджуков производились изделия Ми-
наи. расписанные кроваво-красным, марганцевым
и черным, и обычно украшенные позолотой.
ЧАША.
СЛИП
Восточная Персия.
10 в. (Вверху)
КЕРАМИЧЕСКИЙ
КУВШИН
Сирия.
14 в. (Вверху)
ЧАША
МИНАИ
Персия.
12 в. (Внизу)
419

Наряду с покрытыми одноцветной синей или
зеленой глазурью рельефными формами эпохи
сельджуков существуют изделия, расписанные синим
под слоем глазури и покрытые глянцем, статуэтки
животных или людей, занимающихся
повседневной деятельностью, покрытые глянцем или
бирюзовой глазурью, а также изразцы с
мелкорельефным орнаментом из фигурок животных и людей.
В Персии периода ильханов (монгольских
правителей) в 13 - 14 веках появились сложные
изделия Ладжвардина (Lajvardina), дизайн некоторых из
них возник, возможно, под влиянием дамасских
традиций работы по металлу или же был подражанием
современному китайскому стилю - например, чаши,
украшенные двумя или четырьмя рыбами. В 16 и 17
веках, во время эпохи сефевидов, на продукцию
мастерских Кермана и Мешхеда оказал сильное
влияние экспорт фарфора из Китая, где завершался
период правления династии Мин. Изделия из
Мешхеда часто расписывались синим под слоем глазури, и
контур узора обводился черным для контрастности.
Другим "заимствованием" были гравированные или
мелкорельефные узоры из листьев, обычно
заключенные в бордюр. Этот способ основывался на еле
уловимой так называемой "тайной" технике,
образцы которой встречаются на изделиях из китайского
фарфора "переходного" периода. Посуда
сине-белого цвета была наиболее распространенной, однако
персидские мастера керамики также применяли шал-
фейно-зеленый и кроваво-красный в сочетании с
медно-глянцевыми глазурями.
ТУРЕЦКАЯ КЕРАМИКА
Турецкая керамика считается одной из самых
совершенных из ранних мусульманских гончарных
изделий. Изразцы, применявшиеся для отделки стен
в мечетях и мавзолеях, составляли основную долю
в производстве керамических изделий, особенно в
Изнике. Изготовление прочих изделий имело
второстепенное значение, хотя декоративная посуда
экспортировалась не только в другие районы
Малой Азии, но также в Россию, северную Европу и
Италию.
Изделия из Изника. Двумя главными
центрами производства керамических изделий были Из-
ник и Кютахья. Мастерские в Изнике не только
специализировались на производстве изразцов, но
также выпускали другую разнообразную
продукцию, включая лампы для мечетей; чаши и тазы с
широким основанием; кувшины и кружки
луковицеобразной формы с прямыми и широкими
горлышками; элегантные грушевидные фляги и бутыли с
высокими, узкими горлышками с выпуклостью
посередине; пеналы; подсвечники по венецианским
металлическим формам; цилиндрические кружки,
напоминающие формой европейские и балканские
прошитые кожаные емкости, луковицеобразные с
орнаментом; глубокие блюда с неровными краями
в китайском стиле; ровные чаши; блюдца; а также
ГЛЯНЦЕВАЯ
ФИГУРКА КОШКИ
Персия
12-13 в.
Фигурки людей и животных
редко встречаются среди изделий
исламской керамики. Однако за
этот период было создано
значительное число таких статуэток.
(Слева)
9
плоские, круглые подносы, похожие на подобные
турецкие же изделия из металла.
Наиболее ранние изделия, датируемые
примерно 1530 годом или раньше и включающие так
называемую продукцию Золотого Рога, расписаны
синим кобальтом под слоем глазури, иногда с
фрагментами густой бирюзы, со скрученными узорами
из листьев, которые напоминают концентрические
или спирально уложенные нити бус. Другие типы
ранних узоров включают в себя широкое
использование лиственных мотивов, области сплошного
кобальта и много иностранных элементов, таких,
как сильно стилизованные цветы лотоса,
закрученные листья в китайском стиле, бесконечные
узелки и квадратные завитки, напоминающие
греческий орнамент, однако все же, скорее всего, опять
заимствованный из Китая.
К середине шестнадцатого века палитра цветов
включала в себя марганцевый, оливковый, черный
ЧАША.
ЛАДЖВАРДИНА
Персия.
Начало 14 в.
Изделия Ладжвардина
являются наиболее вычурными среди
персидской керамики. Названы
так по материалу -
темно-синей ляпис-лазури (ладжвардину),
которая служила фоном Узор
в высшей степени сложный, на
основе стилизованных листьев
или на природные темы. Синий
фон закрашен красным, белым
или золотым (Вверху)
420

КЕРАМИКА ИСЛАМСКОГО
ИРА
и яркий томатно-красный, который получали из
железной руды (этот пигмент выделяется на
поверхности изделия, так что его легко определить на
ощупь). Узоры в этот период создаются в основном
на растительные темы, с крупными цветками и
листьями на большей части украшаемой поверхности.
Наиболее популярными являлись тюльпаны,
гвоздики, розы, гиацинты и тяжеловесные гортензии,
которые, наверное, должны были изображать
гранаты; а также широко используются яркие листья с
пилообразными краями. Излюбленным бордюром,
особенно на блюдах с неровными краями, служит
спиральный узор. Он несколько более примитивен,
чем послуживший основой для него волнистый
орнамент, часто встречающийся на китайском сине-
белом фарфоре 14-го и начала 15 века.
В конце 16 века изделия из Изника были очень
яркими, расписанными однородным бирюзовым
фоном с разграниченными или без них полосами из
повторяющихся или накладывающихся друг на
друга изображений. Наряду с излюбленными
цветочными узорами появляются странные животные,
почти наверняка видоизмененные: феникс, заяц, олень
КУВШИН. ИЗНИК
Турция.
16 в.
Застывший волнистый лиственный
орнамент, возможно, навеян
китайскими влияниями. (Вверху)
БУТЫЛОЧНАЯ ВАЗА.
ИЗНИК
Турция.
16 в.
Очертания вазы повторяют
форму современных металлических
изделий, которую копировали
китайские мастера в период
правления династии Мин. (Слева)
и килин (kylin) - сказочный зверь, заимствованные
из обширного экспорта китайских фарфоровых
изделий в конце периода правления династии Мин.
Керамические изделия из Изника имеют
гранулированный белый корпус, который со временем
становится коричневым в местах, не покрытых
глазурью. Эта глазурь, цвет которой варьируется от
холодного белого до зеленоватого или
голубоватого, нанесена неравномерно, иногда полосами.
Изделия из Кютахьи. Они очень похожи на
керамику из Изника, но в основном выглядят
несколько грубее, примитивнее. Почти вся
производимая продукция является посудой - кувшины,
фляги, ступы и блюда, многие из них
заимствовали форму от оттоманских металлических изделий
или от образцов европейской керамики.
421

КЕРАМИКА
При ВЗГЛЯДЕ С ДОСТИГНУТЫХ К 1 820 ГОДУ ВЫСОТ НА бОЛЕЕ, ЧЕМ
ВОСЬМИ ВЕКОВОЕ РАЗВИТИЕ ТЕХНОЛОГИЙ ПРОИЗВОДСТВА КЕРАМИКИ,
ВПЕЧАТЛЯЮЩЕЕ ИСКУССТВО И ПрИСПОСОблЯЕМОСТЬ ЕВРОПЕЙСКИХ
МАСТЕРОВ ПОРАЖАЕТ ВООбрАЖЕНИЕ.
ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРАМИКА
Процесс изготовления прозрачной глазури
путем добавления в глину оксида свинца перед
обжигом был известен в Европе еще во времена
Римской империи. В Италии с пористостью
глины боролись путем применения цветной
свинцовой глазури. Примерно к 1000 году становится
очевидным влияние Византии и мусульманского
мира с появлением сграффито -
процарапыванием узора в верхнем слое слипа (глины и воды),
чтобы обнажить цвет фона под ним. В эпоху
Ренессанса эта техника получила повсеместное
распространение. Яркие абстрактные лиственные
мотивы были особенностью 15 века, став более
естественными и эпизодическими в 16 веке.
Во Франции глазурованные изразцы
производились уже в 12 веке, а к 14 веку технология их
изготовления распространилась довольно широко.
В 16 веке производство покрытой прозрачной
глазурью керамики достигло своего пика, и качество
изделий обычно очень высокое. Бернар Палисси
(ок. 1500 - 1590) создает выдающиеся
произведения из крапчатых, цветных глазурей и свободных
узоров из фигур, листьев и маленьких животных.
ШНЕЛЛЕ
Сигбург
Кремнистая глина и олово;
датировано 1572 г.
Типичные Шнелле украшены
вертикальными полосами
рельефных узоров, состоящих из
отдельных картинок. На этом
экземпляре изображен царь
Давид, Иешуо, троянец Гектор и
сцены из истории сотворения
мира. (Справа)
ОВАЛЬНОЕ БЛЮДО
Школа Палисси.
Рельефная, покрытая
прозрачной глазурью
керамика; 17 в.
Образы животных и растений,
взятые из жизни, использованы
для придания натуральности
узору. (Внизу)
422

ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРАМИКА
В Северной Европе прозрачная глазурь
применялась с 900 года, особенно на печных
изразцах.
ИЗДЕЛИЯ ИЗ КРЕМНИСТОЙ ГЛИНЫ
Кремнистая глина вошла в употребление в
Германии к концу 14 века. Изделия из нее гораздо
тяжелее обычной керамики, так как она состоит
из обожженных измельченных камней и глины,
непроницаемой для жидкостей. Хотя материал не
нуждается в глазуровке, его иногда покрывали
соленой глазурью (получавшейся при помещении
обычной соли в гончарный горн).
Некоторые ранние изделия из кремнистой
глины были произведены в Сигбурге и отличаются
элегантной формой и характерным светлым цве-
том. Сигбургские Иакобаканне, появившиеся в
начале 15 века - это изящные кувшины с узором
из горизонтальных линий. К следующему веку они
превратились в Шнелле - высокие, элегантные
покрытые оловом кружки.
Кельн был важным центром производства в
течение 16 века и известен своими Бартманнс-
крюг (беллармин - луковицеобразный кувшин,
украшенный бородатым лицом). В конце
столетия характерные изделия, выделяющиеся своей
некоторой неуклюжестью, с узким основанием и
горлышком, выпускались в Ререне. Переселенцы
из Сигбурга в Вестфалию применяли кремнистую
глину начиная примерно с 1590 года, используя
преимущественно сигбургские и реренские
рельефы, хотя и в комбинации с характерной синей
глазурью. В начале 16 века высококачественные
синие изделия из кремнистой глины
производились также в Бове во Франции.
КЕРАМИКА С ОЛОВЯННОЙ
ГЛАЗУРЬЮ
Керамика с непрозрачной, белой глазурью,
получаемой путем добавления оксида олова, была
известна еще в 8 веке, когда технология ее
производства попала из Китая к мусульманам. К началу 13
века она производилась в Малаге на юге Испании.
Ранние изделия испано-мавританского
периода глазурования оловом керамики имеют
схематический или геометрический орнамент
мусульманского происхождения. В 14 веке важным
центром промышленности стала Валенсия, и узоры
стали включать в себя европейские романский и
готический стили. Керамические изделия в
больших количествах экспортировались в области от
Мальорки (отсюда термин "майолика") до
Италии, где они послужили стимулом к развитию
местных мастерских. Вторая фаза развития
производства керамики с оловянной глазурью
начинается со второй половины 16 века, когда, по
иронии судьбы, именно итальянская майолика стала
оказывать влияние на этот фигурный, красочный
и живой стиль.
КУВШИН
(БАРТМАННСКРЮГ)
Кельн
Глазурованная
кремнистая глина и олово;
начало 16 в.
Беллармин, или бартманнскрюг,
был покрыт соленой глазурью
коричневых оттенков.
Изображение бородатой маски
восходит, наверное, к традициям
римской керамики.
КУВШИН
(БАУЭРНТАНЦКРЮГ)
Рврвн.
Глазурованная кремнистая
глина и олово; датирован
1597 г.
Название Бауэртанцкрюг
произошло от бордюра с
фигурками танцующих крестьян.
(Вверху)
КУВШИН
Рврвн.
Глазурованная кремнистая
глина и олово; датирован
1606 г.
На этом геральдическом
кувшине изображены гербы
Габсбурга и шести из семи курфюрсте:
Пфальца, Саксонии, Бранден-
бурга, Трира, Кельна и Майн-
ца. (Справа)
423

КЕРАМИКА
Италия. Самая ранняя итальянская
керамика, глазурованная оловом, датируется 11-12
веком и ярко раскрашена в примитивном стиле. В
начале 15 столетия наблюдается заметный подъем
в технологии создания узоров, главным образом в
Тоскане, хотя, как правило, украшение остается
вторичным по отношению к форме. Типичными
для этого периода являются сосуды с двумя
ручками со стилизованным орнаментом из дубовых
листьев, изготовляемые во Флоренции.
Конец 15 века ознаменовался рядом
нововведений в Италии, например, более теплой
палитрой и смешиванием цветов, а также появлением
альбарелло - цилиндрического сосуда с
сужением. На рубеже веков становится очевидным
влияние Ренессанса, которое привнесло
использование архитектурного пейзажа в качестве фона для
классических, религиозных и исторических сцен.
Эти сюжетные изображения известны под
названием стиля историато и впервые появились
в начале 16 века в Фаэнце (отсюда появился
термин "фаянс"). Расцвет стиля историато
пришелся примерно на 1530-е годы с появлением
роскошных изделий Никола да Урбино и Франческо
Ксанто Авелли. Последний не только
старательно подписывал свои работы, но зачастую включал
в них фрагмент текста с пояснением
изображенного сюжета.
КУВШИН
Флоренция
Глазурованная оловом
керамика; ок.1440 г.
Форма кувшина итальянская, но
узор на нем из стилизованных
дубовых листьев восходит к
испано-мавританской традиции.
На раннем этапе узоры
считались вторичными по отношению
к форме сосуда. (Справа)
I
ЧАША
С ШИРОКИМ
ОБОДОМ
Урбино
Глазурованная оловом
керамика; ок.1520 г.
Прекрасный образец стиля
историато (сюжетного) Никола да
Урбино. Женщина клевещет на
несправедливо обвиненного
заключенного. К началу 16 века
украшение стало играть
главенствующую над формой роль.
(Внизу)
*♦••
К середине 16 века стиль историато начал
приходить в упадок. Цвета и узоры стали более
строгими, началось использование серебра и
более плотной, белой глазури. Новый стиль (ком-
пендиарио) возник в Фаэнце около 1540 года, и
ему подражали по всей Европе. Лучшие
произведения в стиле живописи до конца 18 века
создавались в мастерской в Кастелли. Изделия
отшлифованы, окрашены в сероватые цвета и покрыты
спиральными узорами.
Делфтские изделия. Первые эмигранты из
Италии обосновались в Нидерландах в 1508 году,
и в течение нескольких лет они наладили
производство глазурованной оловом посуды в
Антверпене. Вначале лишь две крупные мастерские
изготавливали изразцы и посуду, украшенные в
итальянском стиле. Впоследствии эта технология
была освоена и в других голландских городах,
включая Делфт в 1584 году, и применялась даже
в Англии.
В начале 17 века в Амстердам прибыли два
корабля с грузом китайского сине-белого
фарфора. Поэтому в Северной Европе название
"Делфтские изделия" ассоциируется с сине-белой
керамикой. В первой половине века производство в
основном имитировало китайский фарфор, лишь
изразцы и небольшая часть посуды сохранили
итальянское влияние, особенно в Харлеме и
Роттердаме.
Расцвет производства в Делфте пришелся на
период между 1660 и 1730 годами. Мастерская Грек
"A" (Greek "А"), чьи ранние изделия расписаны
чистым глубоким синим цветом и сильно
напоминают китайские, занимала лидирующее положение.
Ближе к концу века узоры стали выполняться
старательнее, и начали появляться европейские
мотивы. Когда мастерскую возглавил Адриан Кокс,
начался выпуск больших, тщательно отделанных
ваз и сосудов, копий китайских изделий Кангси
(1662 - 1722) и декоративных фарфоровых
тарелок с пейзажами, выгравированными
голландскими мастерами. Важной технологической особенно-
424

ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРАМИКА
стью делфтских изделий является треккинг -
выделение контуров узора марганцем под глазурью
для усиления контрастности.
Мастерская Рооса в Делфте выпускает серию
сине-белых тарелок с библейскими персонажами
в бордюрах из облаков и херувимов. Синий цвет
настолько темен, что кажется практически
черным, листовой узор тщательно выписан.
Комплекты ваз для украшения буфетов изготавливались в
переходном китайском стиле Мин-Цин середины
17 века.
Фаянс. Глазурованная оловом керамика
производилась в Германии с начала 16 века,
особенно для создания печных изразцов. Период
нововведений начался с поселением голландских
религиозных эмигрантов в Ганновере, которые
основали мастерскую по производству фаянса в
1661 году. Вначале там выпускались копии дель-
фтских изделий китайского стиля, но вскоре
продукция стала отражать европейские влияния.
Узор Фегелесдекор, состоящий из
разбросанных цветов, маленьких точек и птиц
применялся для украшения Энгхальскрюг,
луковицеобразных кувшинов с узким горлышком. Этот стиль
использовался и другими германскими
мастерскими Нюремберга и Анзбаха. Еще одна крупная
мастерская была основана во Франкфурте в 1666
году; она производила несколько более
декоративные изделия как в китайском Ванли (1573 -
1620), так и в европейском стиле. В 18 веке
производство фаянса широко распространилось
в Германии.
Во Франции фаянс был известен еще в 14
веке, но лишь с прибытием итальянских
эмигрантов в начале 16 столетия началось его
промышленное производство. В 1512 году в Лионе
было организовано изготовление изделий в
итальянском стиле, украшенных росписями на
библейские сюжеты, основой для которых
служили местные гравюры. С 1520 года подобная
керамика итальянского стиля производилась
также в Руане. К 1540-м годам полосатый стиль
(переплетающиеся ленты) дворца в Фонтенбло
тоже оказывал влияние.
Руанские изделия можно отличить по их
тяжеловесным формам, холодным, мрачным крас-
ТЮЛЬПАНОВАЯ ВАЗА.
Голландский Делфт,
возможно, мастерская Грек
'Ая.
Глазурованная оловом
керамика; ок.1690 г.
К 1690-м гг. мастерская Грек "А'
под управлением Адриана
Кокса производила изделия в
европейском стиле барокко,
расписанные сине-белым под
влиянием китайской продукции. Вазы
и сосуды высотой более трех
футов были сделаны для дворца
Вильяма и Мэри в
Хэмптон-Корте. Этот экземпляр состоит из
трех секций, которые, будучи
соединены вместе, образуют одну
фигуру высотой 160 см (64
дюйма)
425

КЕРАМИКА
кам и незатейливым мотивам с выделяющимися
контурами. Вторая фаза развития руанского
производства начинается с конца 17 века: дизайн берет
за основу серебряные формы, и изделия
украшаются в пышно-чопорном стиле позднего барокко.
Самая крупная мастерская по производству
фаянса принадлежала семье Ханнонд в
Страсбурге Первые изделия в 1720-х годах напоминали
руанские, но сильно изменились уже к 1740-м
годам. Прибытие германских художников по
фарфору в 1748—1749 годах привело к внедрению
цветов petit feu - красок, которые наносились на
изделие после первичного обжига, а последующие
обжиги проводились при значительно менее
высоких температурах. Эта технология позволяла
пользоваться гораздо более широкой цветовой
гаммой в отличие от ограниченной
первоначальной палитры (цвета grand feu), на которую
накладывала серьезное ограничение температура
обжига. Дойче Блюмен (немецкая техника
нанесения узора из цветов на фарфор, славящаяся
своей тщательностью) возникла именно в этот
период. Однако к 1770 году узоры из цветов
наносились в французском стиле. Страсбург также
пользуется известностью за узоры в китайском
стиле, тщательно выписанные фигуры и суповые
миски в формах животных.
БЛЮДО
Страсбург.
Фаянс; 1750 - 1751 гг.
Это расписное блюдо является
частью сервиза,
изготовленного для кельнского курфюрста
Клеменса Августа. Техника
росписи цветами в красках petit feu
заимствована из производства
фарфора. (Справа)
БЛЮДО
Руан, мастерская Бвртина
Фаянс; ок.1740 г.
Цвета, форма и узор на этом
блюде типичны для ярко
выраженного периода Барокко в
производстве руанского
фаянса до конца ) 7 века.
Считается, что этот дизайн был
разработан в мастерской Гилибауда.
(Внизу).
426

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
Секрет производства флрфорл тщательно охрлнялся
КИТАЙЦАМИ, НО ПОПУЛЯРНОСТЬ ВОСТОЧНОГО фАрфорА В ЕврОПЕ
НЕИЗбЕЖНО ПРИВОДИЛА К ПОПЫТКАМ ПОДРАЖАНИЯ ЕМу,
В РЕЗУЛЬТАТЕ ЧЕГО ПОЯВИЛИСЬ ИЗДЕЛИЯ, ПОЛНЫЕ ИЗЫСКАННОСТИ
И ОЧАРОВАНИЯ.
ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
Открытие морских торговых путей на
Дальний Восток в 16 веке привело к появлению
моды на фарфор в Европе и стимулировало
многочисленные попытки организовать собственное
производство. Во Флоренции проводились опыты по
изготовлению натурального мягкого фарфора с
добавлением порошкового стекла вместо каолина
(китайской глины) и полевых шпатов (китайских камней),
которые применялись при производстве
настоящего твердого фарфора. У мягкого фарфора более
пористая структура, и, из-за его хрупкости во время
обжига, изделия приходится делать более
массивными и не такими вычурными, какими могли быть
предметы из твердого фарфора.
В конце 17 века во Франции проводились
успешные опыты по изготовлению фарфора, и в 1673
году в Руане была основана фабрика. Сейчас
сохранилось лишь ничтожное число изготовленных на
ней предметов, к тому же их порой очень трудно
отличить от схожих изделий мастерской Сен-Клу.
СЕН-КЛУ
Считается, что производство фарфора началось
в Сен-Клу в 90-х годах семнадцатого века.
Создававшиеся там изделия имели кремовый цвет и были
покрыты "влажной" глазурью, которая
скапливалась в пустотах и смягчала контуры рельефа.
(Напротив, украшения на твердом фарфоре имеют
резкие и четкие очертания).
Для изделий из Сен-Клу характерны простые
формы и солидная толщина стенок. Самые первые
украшения почти всегда выполнялись на черниль-
но-синем фоне переплетающимся орнаментом,
кружевным узором или разновидностью висячего
орнамента под глазурью. Часто применялись
рельефные или выгравированные украшения,
имитирующие серебро. Также использовались узоры из
отформованных или наложенных цветов и листьев.
ШАНТИЛЬИ
Мастерская в Шантильи была основана в 1725
году. В первые 10-15 лет для достижения
большей белизны поверхности в фарфор добавлялся
оксид олова. Таким образом, поверхность сильно
напоминала опаловую глазурь и была похожа на
глазурованную оловом керамику. Изготовлялись
очень простые формы, имитирующие японский
"SEAU" (ВЕДРО)
Шантильи
Мягкий фарфор;
ок.1745 г.
Стремление подражать
восточному фарфору явно
просматривается на примере этого
простого ведра. (Справа).
САХАРНИЦА
С КРЫШКОЙ
Сен-Клу
Мягкий фарфор;
2-я четверть 18-го в.
Отформованный орнамент из
гриота и дикой вишни
заимствован из тем китайского
фарфора. (Внизу).
427

КЕРАМИКА
стиль 17 века Какиэмон, и предметы часто
оправлялись в серебро.
В 1740 году фабрика в основном отказалась от
стиля Какиэмон в пользу более сложной росписи
цветами. Фарфор 1750-х годов имеет намного
более кремовый оттенок.
МЁННЕСИ
Последней из возникших во Франции фабрик
по производству мягкого фарфора была Менне-
си, в 1748 году. Ей покровительствовал герцог де
Виллеруа, поэтому на ее изделиях стоит штамп
DV. Фабрика вначале подражала изделиям Шан-
тильи и особенно Сен-Клу, хотя к 1750 году
большим влиянием стал пользоваться чисто
французский стиль Венсенн-Севр. Для изделий Мен-
неси характерны мейсенская цветовая гамма и
свободная роспись цветами. Из-за королевского
запрета на использование золота детали
выделялись розовым и иногда синим. Чаши со
спиральным ридингом (рельефным орнаментом из
выпуклых параллельных линий) были
отличительной особенностью фабрики. Первоначальное
производство изделий в китайском стиле в сере-
ЧАША С КРЫШКОЙ
И БЛЮДО
Ввнсвнн
Мягкий фарфор
с украшениями
из отформованных,
эмалированных
и позолоченных узоров;
ок.1750 г.
Суповые миски такого типа
использовались для накрывания на
стол в будуаре и никогда - во
время официального обеда. Ручка
крышки в виде рыбы, раковины
и гриба указывают на то, что
емкость предназначалась для
рыбного супа, который
подавали по пятницам и в праздники.
Четкая роспись в пастельных
тонах и искусное формование
типичны для фабричных изделий в
стиле рококо в то время.
Руан
ФРАНЦУЗСКИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ КЕРАМИКИ ДО 1820 ГОДА
1520-е-ок.1800
Фаянс. Изделия в итальянском стиле в 1520-е. К концу 17 века серебряные формы
украшались в стиле барокко.
Невер
588-
Фаянс. Ранние изделия в итальянском стиле, позже - смешение европейских стилей и
форм.
Страсбург
1721 - 1781
Фаянс. Стиль рококо с красивой росписью цветами в палитре petit-feu с конца 1740-х
годов.
Руан
673 - ок. 1700
Редчайший мягкий фарфор. Сходство с Сен-Клу.
Сен-Клу
1690-е-1766
Мягкий фарфор. Толстые стенки, простые изделия, напоминающие формой европейскую
серебряную или китайскую посуду.
Шантильи
1725-ок.1800
»
Мягкий фарфор. Вначале для "обеления" глазури применялся оксид олова. Примерно до
1740 года изделия подражали японскому стилю Какиэмон, который затем сменился
европейскими цветами.
Меннеси
1734- 1806
Мягкий фарфор. Ранние изделия подражают Сен-Клу; к 1750 году - влияние
Венсенна-Севр. Китайские и европейские фигуры.
428

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
дине века было прекращено и начался выпуск
предметов в стиле Рококо.
ВЕНСЕНН-СЕВР
Фарфоровая фабрика в Севре начинала свое су-
шествование скромной мастерской в королевском
замке Венсенн в 1740 году. Она была основана
королевским чиновником Орри де Фулви (1703 - 1751)
с четкой целью повысить как качество, так и
количество французских фарфоровых изделий. Лучшие
мастера, Жан-Клод Дюплесси (ок.1695 - 1744) и
Жан-Жак Бакелье (1724 - 1806) приехали в
Венсенн в 1748-м и примерно в 1750 году
соответственно. Дюплесси, мастер по бронзе и ювелир, был
назначен первым художественным директором и
отвечал за дизайн моделей. Бакелье, художник, с 1751
года также был удостоен должности директора и
отвечал за роспись изделий.
После смерти де Фулви в 1751 году
последовал период политических и финансовых
затруднений. Хотя продажа фарфора возрастала,
мастерская работала в убыток. Расширение производства
заставило ее переехать на новое место, в Севр, на
юго-западе Парижа, где работа началась в 1756
году. Тем не менее финансовые трудности
продолжались, и в 1759 году Людовик XV выкупил
фабрику, которая с тех пор оставалась королевской
собственностью до революции.
Роспись и формование в Венсенне.
Поскольку на изделиях не стоят штампы, мы не
можем определить точное место их изготовления до
1745 года. К концу 1740-х годов столовая и чайная
посуда, вазы, цветочные горшки и туалетные
принадлежности выпускались в Венсенне, хотя дизайн
оставался мейсенским. Хотя затруднительно
отличить ранние венсеннские изделия от предметов,
производимых другими французскими фабриками,
их нельзя спутать с мейсенским твердым
фарфором - благодаря большей четкости и
аккуратности росписи цветами в мейсенском стиле.
Примерно к 1750 году Дюплесси обогатил
производство в Венсенне многими новыми формами и
рельефными узорами, основанными на природных
мотивах рококо, а также на формах серебряных
кувшинов.
Статуэтки и позолота в Венсенне. К концу
1740-х годов выпускались разнообразные
статуэтки. Венсенн не мог конкурировать с изящно
расписанными мейсенскими фигурами, так как состав
материала делал трудным нанесение глазури. Чтобы
компенсировать этот недостаток, Бакелье применил
бисквитный (неглазурованный) фарфор; первые
изделия - фигурки детей, животных и сидящих
людей - появились в 1751 году. Художник-декоратор
Франсуа Буше (1703 - 1777) является автором
многих из них.
В 1748 году в Венсенне был открыт секрет
золочения фарфора, и с 1749 года позолота
применялась на наиболее дорогих изделиях. Она часто
накладывалась слоями и тщательно обрабатывалась,
чтобы придать изделию дополнительный шик.
Позолота включала в себя применение cailloute
(разноцветной глины), vermicule (ходы червя) и mouches
d'or (золотые точки).
Цвета фона в Венсенне-Севре.
Значительное развитие производства Венсенна-Севра
начинается с 1752 года, когда стал применяться
первый фоновый цвет - синий под слоем глазури
(называемый также bleu lapis из-за сходства с ляпис-
лазурью). Комбинация темно-синего фона и
ограниченных золотой каймой светлых участков с
золотыми или расписными птицами внутри
является характерной для позднего Венсенна. В 1763
году bleu lapis был заменен на bleu nouveau
(синий поверх слоя глазури), который имел
меньшую мутность.
В течение 1750-х годов палитра пополнилась
розовым, бирюзовым, зеленым и желтым фонами
поверх слоя глазури. Наилучший эффект
достигался при украшении таким способом кувшинов, а
также декоративных и цветочных ваз.
Роспись эмалью в Севре. К середине 1750-х
годов интерес сместился в сторону пышных форм
рококо с тщательной росписью эмалями.
Экзотические птицы, цветы, китайские мотивы, дети и
херувимы (вновь благодаря Буше) встречаются
наиболее часто.
ЛЕДА И ЛЕБЕДЬ
Севр
Мягкий бисквитный
фарфор; ок.1765 г.
В период 1760-х — 1770-х годов
но фабрике производились
разнообразные статуэтки и группы.
Неглоэурованные обожженные
фарфоровые фигурки
подражали свободно стоящим
мраморным скульптурам, хотя, в отличие
от них, они получались путем
последовательного укрупнения
рельефа. Сюжеты из мифологии
всегда пользовались популярностью,
и эта модель была сделана Эть-
еном-Морисом Фальконе по
эскизу Франсуа Буше. Фальконе
был директором скульптурной
мастерской на фабрике в
Севре с 1557 по 1566 г.
429

КЕРАМИКА
Практика заполнения всего пространства в
стиле миниатюр была общепринятой в конце 1750-х
годов. Особенно популярными стали голландские
буколические мотивы 17 века, сюжеты которых
были заимствованы из гравюр Тенье и
пасторальных произведений Буше, а также сцены из
военной и рыбацкой жизни.
Неоклассицизм в Севре. В конце 1750-х
годов в декоративные схемы рококо стали
включаться новомодные неоклассические узоры —
греческий ключ (орнамент в виде лабиринта) и Витруви-
анские завитки (повторяющиеся завитки в форме
морской волны). С 1763 года на возрастающие
потребности в изделиях авангардного
неоклассического стиля фабрика ответила выпуском нового
скульптурного фарфора с синим фоном и
тщательной позолотой. Проявлением этого же течения в
1770-х и 1780-х годах можно считать оправку
синих ваз в золото и бронзу. Примером более
деликатного вкуса Людовика XVI могут служить
устанавливавшиеся в буфеты фарфоровые блюда с
цветочными узорами.
В 1780-е годы превалирующий стиль
неоклассицизма все более утончался под влиянием
археологических находок в Геркулануме, в Италии.
Именно древность послужила источником вдохновения
для создания двух новых сервизов для королевы
Марии Антуанетты: сервиза, украшенного
"арабесками", автором которого является архитектор Луи
ле Массой (ок. 1782) и молочного сервиза в
Рамбулье, спроектированного Жаном-Жаком Лагрене
(1739- 1821) в 1788 году.
Твердый фарфор в Севре. Твердый фарфор
производился в Севре примерно с 1769 года.
Изготавливать его оказалось намного проще, чем
мягкий, который был очень чувствителен к
колебаниям температуры в горне. Однако мастерам
фабрики не удавалось нанести на него фоновые цвета,
которые ранее принесли ей известность. Изделия
1770-х годов — обычно белого цвета с тщательной
позолотой и узорами из эмалей. К 1780-м годам
были все же изобретены фоновые краски, которые
можно было наносить на изделия из твердого
фарфора, однако из-за трудоемкости этого процесса
производство мягкого фарфора продолжалось до
1804 года. Продукция Севра из твердого фарфора
имела изображение короны поверх
пересекающихся L монограммы Людовика XV.
Маркировка Венсенн-Севра. В 1753 году,
когда Людовик XV завладел четвертой частью
фабрики в Венсенне, он официально пожаловал ей
разрешение называться королевской фабрикой и
маркировать свои изделия пересекающимися L из
королевской монограммы (хотя уже несколько лет
этот штамп использовался неофициально). С 1753
года между L ставились буквенные даты.
Начавшись с А в 1753 году, эти буквы продолжались до
конца алфавита (за исключением W) в 1777 году.
КРУЖКА С КРЫШКОЙ
Венсвнн
Мягкий фарфор с фоном
bleu lapis, украшенный
эмалями и позолотой;
1753 г.
Такая роспись типична для
позднего Венсенна. Рисунок
выполнен Капелле. Скорее
всего, кружка предназначалась для
горячих молочных напитков.
(Слева).
ВАЗА
Севр
Мягкий фарфор
с росписью эмалями
и позолотой;
ок.1760 г.
Эта ваза, принадлежавшая
некогда мадам де Помпадур,
выполнена очень остроумно. Вер
хняя секция служила для
практических целей, а в отверстиях
внизу помещались настоящие
или фарфоровые цветы на
металлических стеблях. Рисунок в
китайском стиле выполнен
Шарлем-Николо Додином.
(Внизу).
430

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
Затем с 1778 года началась двухбуквенная
маркировка, которая в июле 1793 закончилась на qq, и
потом буквы RF (республика Франция) и название Севр
заменило все предыдущие обозначения до 1800 года.
Клейма обычно наносились на слой глазури на
основании предмета. Штампы художников и
позолотчиков в форме символа или буквы также часто
наносились выше или ниже пересекающихся L.
Многие удалось расшифровать благодаря архивам
фабрики. Однако отсутствие маркировки вовсе не
исключает возможность принадлежности изделия
к венсеннской продукции: на многих изделиях
штампы не ставились.
Резные символы или буквы также встречаются
под слоем глазури на основаниях изделий из
Севра. Так подписывались формовщики, гончары или
модельеры. В отличие от рисованных штампов,
резные подделать невозможно, так что они служат
надежным доказательством подлинности
фарфорового изделия. Однако они не могут с такой же
определенностью свидетельствовать о росписи, так
как значительная часть продукции Севра позднее
была перекрашена.
Другой отличительной чертой всех блюдечек,
мелких чаш, тарелок и подносов, выпущенных на
фабрике Венсенн-Севра после 1752 года, является
наличие небольшого отверстия на ободке
подставки. Оно позволяло подвешивать предмет на
металлическом крючке во время обжига эмали.
МЕЙСЕН
По повелению курфюрста Саксонии Августа
Сильного эксперименты по производству
настоящего твердого фарфора проводились в Германии в
конце 17-го века графом Эренфредом Вальтером
фон Чирнгаузеном (1651 - 1708) и алхимиком Й.
Ф. Бетгером (1682 - 1719); и фарфор был
успешно получен к 1708 - 1709 году.
В 1710 году Август основал фабрику по
производству керамики в Мейсене, неподалеку от
Дрездена. Изделия, выпущенные в первые годы работы
фабрики, отличаются необычайной твердостью и
темным, красновато-коричневым цветом
материала, получившего название Бетгерская керамика.
Она выпускалась только до 1717—1718 года и
пользуется большим спросом среди
коллекционеров. Основная масса продукции подражала
китайским оригиналам (частично стилю Йиксинг) и
европейским стеклянным и серебряным изделиям
барокко (наиболее известным создателем моделей
из серебра и керамики был Й. Ирмингер).
Ранний мейсенский фарфор (называемый бет-
герским) был кремового цвета или, скорее, цвета
темной слоновой кости и покрыт толстым слоем
глазури. Формы либо повторяли изделия из
керамики, либо копировали китайские оригиналы.
Большая часть изделий не украшалась.
В 1720-е и в начале 1730-х годов в Мейсене
стали играть главную роль художники, из которых
надо выделить Й. Г. Герольдта. Он ввел в
употребление новую палитру ярких красок, включая
красный, багровый, бирюзовый и желтовато-зеленый.
Еще он пользуется известностью за свой
особенный, "китайский" стиль - воображаемые сюжеты
на китайские темы на щитах или пластинах,
обычно заключенных в тщательно выписанные
орнаментальные завитки в стиле барокко или же в
лиственные или переплетающиеся орнаменты. Они часто
были розовато-коричневого цвета, который имеет
небольшой блеск и иногда называется Бетгерской
майоликой.
Мейсенские изделия легко отличить по
белому, стеклистому корпусу (неглазурованные
участки имеют меловую структуру), а раскрашены они
ТАРЕЛКА
Севр
Твёрдый фарфор,
расписанный
эмалями; 1784 г.
Эта тарелка является частью
сервиза с арабесками,
заказанного Людовиком XVI для Марии
Антуанетты и созданного Луи ле
Массоном. Этот авангардный
узор основан но раскопанных
фресках Помпеи. Сервиз был
завершен в 1787 г., однако
Мария Антуанетта так его и не
получила.
ЧАЙНИК
Мвйсвн
Бетгерская обливная
керамика и серебро;
1710-1712 г.
Этот чрезвычайно редкий
экземпляр украшен Muschelschliff,
срезанными и тщательно
полированными вогнутыми гранями.
Мастерство огранки и полировки
драгоценных камней было развито
лучше других ремесел в
Саксонии с конца 16 в. Особого
расцвета по распоряжению Августа
Сильного оно достигло при Бет-
гере в 1710г. (Внизу).
431

КЕРАМИКА
бывают в серый, молочно-бирюзовый, очень
чистый желтый; контуры росписи резко очерчены.
Излюбленным мотивом узора была сильно
стилизованная, яркого цвета линейная роспись
цветами (заимствованная из восточных источников),
известная под именем indianische blumen
(индийские цветы). Цветной фон появился в 1726-1727
году, ас 1721 года проводились опыты с синим
цветом под слоем глазури.
В 1730-е годы вкусы в выборе орнамента
сместились в сторону европейских узоров, и в начале
этого десятилетия индийские цветы уступили
место более естественным европейским (deutsche
blumen). В 1740-е годы усилилась тенденция брать
за основу французские источники (Ватто, Греузе и
Патер), продолжая линию естественности (особенно
в росписи цветами, которая стала более
непринужденной к 1750-м годам - как manierblumen) и
введя батальные сюжеты.
В 1756 году Мейсен был занят прусскими
войсками в ходе Семилетней войны, и, хотя фабрика
возобновила производство в 1763 году, она уже
никогда не смогла вернуть себе былую славу. В
конце 18 века изделия украшались в
неоклассическом стиле, скопированном с продукции Севра.
Модельеры. После главенствующей роли
художников в Мейсене в 1720-е годы на передний
план в последующем десятилетии выдвинулись
модельеры. Наибольшей известностью из них
пользовался Иоганн Иоахим Кендлер (1706 - 1775).
Он начинал с реалистичных фигурок животных, и
к 1735 году уже создавал сервизы и статуэтки.
Лебединый сервиз из 1000 предметов, самый
известный и значительный сервиз 18 века, является
одним из его шедевров; он изготовлен при участии
И. Ф. Эберлейна. За свою жизнь Кендлер сделал
более 900 моделей. Наверное, одной из лучших
является его серия статуэток commedia dell'arte
(итальянская комедия). Сделанные им в 1730-е годы
статуэтки раскрашены в яркие цвета и служат
прекрасным примером стиля барокко. В конце 1740-х
годов в его работах стали появляться витые
позолоченные основания в стиле рококо, например, как
в знаменитой "кринолиновой" группе -
статуэтках дам в огромных юбках. Кендлер с трудом шел
на уступки стилям рококо и неоклассицизма,
однако его модели с 1750-х годов демонстрируют
гораздо более спокойную цветовую гамму, а в начале
1770-х годов у статуэток появляются плоские
основания. Среди остальных мейсенских модельеров
большой известностью пользуется Ф. Е. Мейер
(1723 - 1785) за свои забавных пропорций
статуэтки, изображающие восточных музыкантов и
пышных путти.
ДЮ ПАКУЭР И ВЕНА
Фабрика по производству фарфора в Вене была
основана Клодом дю Пакуэром и выпустила
первую продукцию в 1719 году.
СТАТУЭТКА
Мейсен
Твердый фарфор;
ок. 1740 г.
Автором этого великолепного
Арлекина является И. И.
Кендлер. Яркие краски и ощущение
сдержанности и равновесия
служат примером стиля барокко,
ярким представителем
которого можно назвать Кендлера.
(Слева).
ЧАЙНЫЙ
И КОФЕЙНЫЙ СЕРВИЗ
Мейсен
Твердый фарфор;
1723-1724.
Каждый предмет расписан
китайскими сценами в манере
Й. Г. Герольдта. У него был
целый альбом эскизов подобных
сцен, которым пользовались
подражавшие ему художники
фабрики. Золотые картуши типичны
для раннего Мейсена. (Внизу).
432

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
Продукция фабрики имеет особый дымчатый
оттенок фона, отличающийся от кремово-белого
цвета раннего Мейсена. Первые изделия обычно
брали за основу серебряные формы барокко,
зачастую намного более утрированные и необычные,
чем мейсенские. Орнамент главным образом
включал в себя лиственные мотивы, переплетающиеся
узоры, решетки и красновато-коричневые или
красные одноцветные рисунки. Перейдя в собственность
государства в 1744 году, фабрика через три года
начала выпускать разнообразные статуэтки.
Примерно с 1765 года декоративные стили
заимствовались из Севра, а с 1784 года изделия
производились в неоклассическом стиле.
ЧАША С КРЫШКОЙ
ДюПакуэр
Твердый фарфор;
ок. 1725 г.
Линейный стиль одноцветного
черного узора, называемый
Шварцлот (Schwarzlot), типичен
для фабрики дю Пакуэра.
Однако здесь к нему добавлена
позолота. Угловатые ручки,
форма которых заимствована с
металлических изделий, также
являются характерным признаком
фабрики.
Сигбург
Ререн
СЕВЕРОЕВРОПЕЙСКИЕ ФАБРИКИ ДО 1820 ГОДА
начало 15-го века - 1630-е
Элегантные белые изделия, например, Шнелле, с четкими рельефными узорами.
1 б век - 1630-е
Изделия с коричневой или синей глазурью; кувшины с отформованными фризовыми
украшениями.
Кёльн
Франкфурт
Мейсеи
Вена
16 век
1662-1772
Изделия с глазурью различных оттенков коричневого; луковицеобразные кувшины с
рельефной маской бородатого мужчины (Бартманнскрюг).
Фаянс, подражавший вначале китайскому бело-синему; позже европейские мотивы.
1710-1763
1763 - 1774 (академический
период)
Бётгерская керамика и твердый фарфор, узоры в китайском стиле, роспись цветами
(индийскими и европейскими), морские сцены, сюжеты Ватто, статуэтки и группы.
Посуда и статуэтки в стиле рококо и неоклассицизма.
1774 - 1814 (период Марколини) Большей частью посуда в стиле неоклассицизма и небольшое число статуэток.
1719-1744
(период дю Пакуэра)
1744 - 1864 (государственный
период)
Твердый фарфор, утрированное барокко при подражании формам и украшениям
серебряных изделий.
Производство разнообразных статуэток, посуды во французском стиле Рококо и в
неоклассическом стиле.
Хёхст
1746-1796
Твердый фарфор. Сентиментальные группы статуэток в стиле Рококо по работам
таких художников, как, например, Буше.
Нимфенберг
1747-
Твердый фарфор. Статуэтки Ф. А. Бустелли в стиле Рококо, тщательная роспись
цветами.
Фёрстенберг 1753 -
Твердый фарфор. Статуэтки шахтёров и персонажей из Итальянской Комедии,
изделия расписаны цветами, птицами и пейзажами.
Людвигсбург 1759 - 1824
Твердый фарфор. Незатейливые, очаровательные статуэтки, изделия в стиле Рококо,
расписанные цветами.
Берлин
1751 - 1757 (период Фегели) Твердый фарфор. Статуэтки, часто белые.
1761 - 1763(период
Готцковски);
1763 - (государственный
период)
Великолепные обеденные сервизы, тщательная роспись цветами и пейзажами в
неоклассическом стиле.
Фулда
1764-1789
Твёрдый фарфор. Посуда рококо с украшениями, подражающими мейсенским.
Цюрих
1763 - 1790
Мягкий фарфор 1763 - 1765. Твердый фарфор с 1765-го и далее. Наивные статуэтки
в стиле Рококо, изделия с фигурами на фоне ландшафтов и качественной росписью
цветами.
Ньон
ок. 1780- 1813
Твердый фарфор. Изделия в современном французском стиле.
433

КЕРАМИКА
ХЁХСТ
Серьезное производство в германском городе
Хехсте началось в начале 1750-х годов. Ранние
изделия имели сероватый, пористый корпус,
покрывались белой, почти опаловой глазурью и
имели тенденцию быть несколько
тяжеловесными. Примерно к 1753 году выпускались модели с
полыми основаниями; использовались витые
орнаменты и цвета рококо. Наиболее
значительными работами этого периода являются серии
статуэток commedia dell'arte, чьим автором, скорее
всего, является Симон Фейльнер.
К началу 1760-х годов стали доминировать
французские вкусы, что проявилось в некоторой
сентиментальности произведений - в основном
в работах Лаурентиуса Руссингера, главного
модельера между 1762 - 1767 годами, и его
последователя, Иоганна Петера Мельхиора.
НИМФБНБЕРГ
Другая германская фабрика, начавшая выпуск
фарфоровой продукции в 1740-е годы,
принадлежала баварскому принцу Максимилиану II
Иосифу и располагалась в Нимфенберге. Ее ранние
произведения не могли похвастать высоким
качеством, однако к середине 1750-х годов ее ярко
расписанные изделия иногда выдерживали
конкуренцию с лучшими экземплярами Мейсена.
Однако главную славу фабрике принесло
производство статуэток, большей частью выпушенных
в период между 1754 годом и смертью Франца
Антона Бустелли (1705 - 1763), который был
выразителем вкусов Рококо середины 18 века.
Его статуэтки отличаются преувеличенно
изящными позами и застыли в грациозных
движениях. Наибольшей известностью пользуется серия
из шестнадцати статуэток commedia dell'arte.
Краски на его ранних работах более яркие, чем
на последующих.
ФЁРСТЕНБЕРГ
Фабрика в Ферстенберге начала производство
фарфора в 1753 году. Однако ранние изделия с
сероватым корпусом и покрытые желтоватой,
иногда с черными пятнами глазурью не имели
успеха. Однако, несмотря на это, по крайней мере
две заслуживающих внимания серии статуэток
были созданы прибывшим из Хехста в 1753 году
Симоном Фейлнером: commedia dell'arte (1754)
и шахтеры (1757). После 1770 года качество
фарфора и глазури улучшилось, и в середине
1770-х годов были выпущены меньшие версии
ранних статуэток. Позже фабрика прославилась
своими бисквитными (неглазурованными)
изделиями.
ФРАНКЕНТАЛЬ
В 1754 году Людовик XV издал указ,
запрещающий другим фабрикам конкурировать с его
ГРУППА СТАТУЭТОК
Цюрих
Твердый фарфор;
ок. 1770 года.
Влюбленная пара
представляет лето в этой редкой
аллегорической группе. Такие наивные
модели и неяркие цвета
типичны для цюрихской фабрики.
(Слева)
ГРУППА СТАТУЭТОК
Франкенталь
Твердый фарфор;
ок. 1770 г.
Эта группа является одной из
двух версий *Хорошей матери'
модели К. Г. Люка и
основывается на гравюрах с работы
Жана-Батиста Греуза, La Mere
de Famille (Мать семейства).
(Центр)
ГРУППА СТАТУЭТОК
Хёхст
Твердый фарфор;
ок. 1770 г.
Эта редкая пара Амиты и
Сильвии впервые была создана в
1760 - 1765 годах Лаурентиу-
сом Руссингером и передело-
на И. П. Мельхиором в 1770 г.
(Внизу)
434

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
ХАУСМАЛЕРЫ
Важный вклад в производство
фарфоровых изделий в Германии
18-го века внесли хаусмалеры,
независимые художники, которые скупали
нераскрашенную продукцию фарфоровых
фабрик и расписывали её в собственной
мастерской, а затем продавали.
Это ремесло процветало особенно
в первой половине 18 века, когда
искусство хаусмалеров успешно
соперничало и иногда превосходило
мастерство фабричных художников.
Семья Сеутер из Аугсбурга украшало
изделия характерными позолоченными
сценами в китайском стиле. Несколько
хаусмалеров работало в Бейреуте, из них
выделялся И. Ф. Метч (ум. 1766), который
рисовал пейзажи и картинки
в китайской манере, зачастую чёрным
цветом, в стиле Шварцпот.
Самым знаменитым из хаусмалеров
был Игнац Баттенгрубер из Бреслау,
который расписывал первые мейсенские
изделия между 1720 и 1730 годом, затем
венский фарфор в стиле Барокко,
используя широкую гамму красок
и нанося роспись с мастерством, которое
успешно соперничает с работами любой
фабрики. С 1740-х по 1770-е годы
Ф. Ф. Майер управлял мастерской
в Пресснице, которая украшала изделия
характерными пейзажами и сюжетами
из мифологии в обрамлении из изящных
растительных бордюров.
Венсеннской, производящей фарфор. Это
вынудило Шарля-Франсуа Ханнонга перевезти свое
производство из Страсбурга во Франкенталь в
Германии.
Фабрика пользуется известностью благодаря
своим статуэткам, но также за производство
превосходных сервизов. Ее фарфор имеет кремовый,
нежно-белый цвет, глазурь иногда желтоватая,
однако качество продукции падает начиная с 1774
года. Зачастую сложные группы статуэток
иллюстрируют вкусы рококо того времени.
Лучшим модельером был К. Г. Люк (ум. 1775),
который примерно с 1756 по 1775 год
изготовлял группы статуэток охотников, китайцев и
будничные сцены. Изделия также раскрашивались в
стиле рококо примерно до 1770 года, когда
лидерство захватил стиль Севра.
ЛЮДВИГСБУРГ
Одной из последних крупных германских
фабрик, начавших производство фарфора, была
основанная герцогом Вюртембергским в Людвиге-
бурге в 1759 году. Ее дымчато-серый, иногда
неравномерно глазурованный фарфор не
отличался высоким качеством, однако ценился за
прекрасные модели трогательных, даже наивных
статуэток в стиле рококо. Примерно до 1770 года
использовались пастельные тона, а после этой
даты они начали становиться ярче.
ФЕГБЛИ И БЕРЛИН
Производство фарфора в Берлине было
начато в 1751 году, когда Фридрих Великий
пожаловал монополию на это Вильгельму Карлу Феге-
ли. Фабрика работала всего лишь шесть лет,
поэтому фарфор Фегели, который отличается
хорошим белым корпусом изделий и тонким
слоем глазури, весьма редок. Производились
разнообразные статуэтки купцов, крестьян и птиц;
часто они не раскрашивались. Посуда
расписывалась несколькими цветами, позолотой
хорошего качества, и изредка использовался синий фон
под слоем глазури.
С 1761 по 1763 год фабрика под управлением
Иоганна Эрнста Готцковски выпускала слегка
сероватый, крапчатый фарфор со штампом G.
Сохранившиеся изделия зачастую
раскрашивались в более поздний период. В 1763 управление
фабрикой перешло в руки государства, и
остаток века выпускались превосходные обеденные
сервизы. Материал был исключительной
белизны (но после 1771 года встречается слегка
голубоватый оттенок), умело расписан немецкими
СТАТУЭТКА
МУЗЫКАНТА
Людвигсбург
Твердый фарфор;
ок. 1765 г.
Этот музыкант является частью
серии из семи моделей вюртем-
бергского придворного
скульптора Кристиана Вильгельма Бей-
ера (1725 - 1806) и считается
одной из лучших его работ.
Мягкие пастельные цвета,
нанесенные Д К. Соусенгофером (ок.
1727 - 1802) и несколько
наивные формы характерны для
статуэток рококо, выпускавшихся
людвигсбургской фабрикой в
1760-е гг.
435

КЕРАМИКА
цветами (deutche Blumen), пейзажами и
рисунками.
С середины 1760-х годов большое влияние
оказывала фабрика Севра, а после 1780 года в
моду вошел античный стиль. Статуэтки
создавались в основном Ф. Е. Мейером, но качество было
хуже, чем во время его работы в Мейсене.
ФУЛДА
С 1764 по 1789 год в Фулде работала
фарфоровая фабрика, производя главным образом
посуду в стиле рококо и статуэтки. Стиль
украшения изделий копировался с Мейсена. Лучшие
статуэтки, созданные в первые десять лет Вен-
целем Неу, напоминают производимые фабрикой
в Хехсте. Наибольшей известностью на
сегодняшний день пользуются статуэтки придворного
оркестра Фулды и серия Г. Л. Бартолеме Cris de
Paris.
ФАБРИКИ ТЮРИНГИИ
В начале 1760-х годов в Тюрингии несколько
фабрик начали производство фарфора. Для их
изделий обычно характерен сероватый, иногда
грубовато обработанный фарфор и
провинциальный стиль украшений, скопированный в
основном с продукции Мейсена. Изделия фабрики
Клостер-Вейлсдорф отличаются прекрасным
белым материалом; самыми известными являются
статуэтки commedia dell'arte 1760-х годов,
создание которых приписывают Венцелю Неу.
ЦЮРИХ И НЬОН
Фабрика была основана поблизости от
Цюриха в 1763 году. Вначале она производила
мягкий фарфор, но к 1765 году перешла на выпуск
твердого. Изделия имеют особый мутноватый
зеленовато-серый оттенок и покрыты толстым
слоем пенистой глазури. Они украшены в
типичном стиле рококо 1760-х годов. Наиболее
распространенным является "плавающий" пейзаж;
однако исключительная виртуозность росписи
естественными цветами является характерной
особенностью фабрики. Выпускалось большое
разнообразие очаровательных, как правило
маленьких простых статуэток, которые пользуются
большим спросом среди коллекционеров.
Изделия, производимые в швейцарском городе Ньоне
примерно с 1780 года, отличаются от цюрихских
более белым материалом и украшены в
современном французском стиле
ГОЛЛАНДСКИЙ ФАРФОР
В 1757 году начала работать фабрика в Веес-
пе и с 1759 года производила твердый фарфор в
ЧАЙНЫЙ
И КОФЕЙНЫЙ СЕРВИЗ
Фегвли (Берлин)
Твердый фарфор;
1751 - 1757.
Очень редкий экземпляр серей*
за, каждый предмет которого
украшен отформованным узором
из цветочных стеблей. (Вверху)
Антверпен
НИДЕРЛАНДСКИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ КЕРАМИКИ ДО 1820 ГОДА
6 век
Покрытая оловянной глазурью керамика о украшениями в итальянском стиле.
Делфт
начало 17 в.
и далее
Дельфтская керамика» подражавшая вначале китайским сине-белым изделиям конца периода
правления династии Мин» затем включение европейских форм и мотивов; к началу 18 века
использование эмалевых красок.
Веесп
1757 - 1771
Твердый фарфор.
Оуде Лоосдрехт 1771 - 1782
Тщательная роспись цветами» характерные одноцветные коричневые узоры.
Амстель
1782 - 1820
Гаага
1776 - 1790
Твердый фарфор в стиле фабрики Турнаи.
436

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
СЕРВИЗ
НА ОДНУ ПЕРСОНУ
Берлин
Твердый фарфор;
ох. 1764 г.
Но каждом предмете
изображено пара влюбленных, наверное,
по эскизом Ватто - наиболее
частому поставщику сюжетов для
фабрики (Внизу)
современном французском стиле. В 1771 году
фабрика переехала в Оуде Лоосдрехт, а в начале
1780-х — в Амстель.
Сцены из сельской жизни были излюбленным
сюжетом для украшений, иногда в
отличительной коричневой палитре, а также на фабрике
делалась искусная роспись цветами.
В 1776 году фабрика была основана в Гааге.
Сперва там расписывался фарфор Турнаи, затем
началось собственное производство изделий в
этом же стиле вплоть до закрытия в 1790 году.
ФАБРИКИ В СКАНДИНАВИИ
Дания. С 1759 года Луи Фурнье, ранее
работавший в Венсенне и в Шантильи, стал
выпускать мягкий фарфор во французском стиле в
Копенгагене. В основном на фабрике
производилась посуда, как правило, расписанная узорами
из цветов и позднее из фруктов. Позолота
использовалась ограниченно.
В 1775 году Ф. X. Мюллер, выписав
мастеров из Мейсена, Берлина и Ферстенберга,
открыл в Копенгагене фабрику по производству
твердого фарфора. В 1779 году она перешла в
собственность короля. Ранние изделия имеют
серовато-синий оттенок и на них нанесен синий
фон под слоем глазури. Силуэты голов и
исторические сюжеты пользовались популярностью в
1780-е годы. Применялась также роспись
цветами, лучший образец которой - сервиз Flora
Danica (Флора Даника - датские цветы) был
начат в 1789 году.
Швеция. Фабрика по выпуску изделий из
мягкого фарфора была основана в Мариебурге в
1759 году, однако лишь с назначением Пьера
Бертхевина из Меннеси на должность
управляющего в 1776 году объемы производства стали
значительными. Изделия очень напоминают фарфор
из Меннеси своим кремовым цветом и стилем
росписи цветами. Наиболее часто встречающейся была
спирально-гофрированная форма чаш матового
цвета. Твердый фарфор производился в течение
короткого периода — с 1777 по 1782 год - вплоть
до закрытия фабрики.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ФАРФОР
Великий герцог Франческо I де Медичи
пользуется славой первого успешного
изготовителя фарфора в Европе. Его экспериментальная
фабрика работала во Флоренции примерно с 1575
по 1587 год, и в наши дни известно 64 ее
изделия. Формы этих различно украшенных
предметов из мягкого фарфора заимствованы из форм
современных им керамических и металлических
изделий. Характерный синий цвет под слоем
глазури, иногда выделенный по контуру марганцем,
применялся при украшении предметов,
созданных по ближневосточным образцам. Толстый -слой
пенистой глазури придает синему цвету мягкий,
размывчатый вид.
Венеция. Франческо Вецци и К. К. Хангер из
Мейсена руководили первой венецианской
фабрикой с 1720 по 1727 год. Как и ранние мейсен-
ские изделия, продукция фабрики была иногда
кремово-белого цвета, иногда сероватой, и
материал был очень тонок. Большей частью фабрика
производила посуду - включая особые
восьмигранные чайники - с рельефным узором, заим-
Копенгаген
СКАНДИНАВСКИЕ ИЗГОТОВИТЕЛИ КЕРАМИКИ ДО 1820 ГОДА
1759 - 1765
Мягкая посуда во французском стиле.
Копенгаген
1775 - 1779
1779-
(Королевский
Копенгаген).
Твердый фарфор. Ранние изделия подражают германскому стилю, поздние - неоклассицизму.
Качественная роспись цветами.
Тщательная роспись цветами, характерные одноцветные коричневые узоры.
Мариеберг
1759 - 1777
1777 - 1782
Мягкий фарфор.
Твердый фарфор. Ранние изделия похожи на Меннеси.
437

КЕРАМИКА
ствованным от серебряных изделий в стиле
барокко. Роспись варьировалась от цветов до
рисунков и была ярких красных, желтых и
зеленых цветов.
Гораздо более крупная фабрика, основанная
в Венеции Дж. Коцци, производила твердый
серый фарфор.
Украшения вначале основывались на
немецком фарфоре рококо, а позже включали в себя
неоклассические элементы. Расписные изделия
украшались узорами из цветов, рисунками и
ландшафтами. Статуэтки, многие из которых не
раскрашивались, изображали commedia dell'arte,
крестьян и мифологических персонажей.
Доккиа. Маркиз Карло Джиннори в 1735
году основал фабрику в Доккии, около
Флоренции. Она начала продажу своей продукции
населению в 1746 году. Примерно до 1770 года
обмазанный глазурью фарфор был серым и грубым.
Затем для придания большей белизны к глазури
стали добавлять оксид олова. Наиболее часто
встречаются скульптурные изделия стиля барокко
1740-х годов, раскрашенные яркими красками.
Телесные цвета наносились пунктиром в особой
манере. Среди раскрашенных изделий есть
статуэтки, пейзажи и стилизованные в китайском
стиле бойцовые петухи. Статуэтки изображали
commedia dell'arte, крестьян и классических
персонажей.
Каподимонте. Самая известная из
итальянских фабрик, основанная Неаполитанским
королем Карлом IV в 1743 году в Каподимонте,
производила привлекательный полупрозрачный
мягкий фарфор. Главным модельером был Джу-
зеппе Грицци (ум. 1770), который изготавливал
великолепные статуэтки на современные ему
сюжеты и commedia delParte, а также создал
замечательные фарфоровые комнаты в
китайском стиле во дворцах Портици вблизи Неаполя
(1757—1759) и Аранхуэс на юге Мадрида, в
Испании (1763—1765). В 1759 году Карл IV
унаследовал корону Испании от своего отца и
перевел фабрику в Буэн Ретиро около Мадрида.
Испанский фарфор желтее по сравнению с
итальянским и напоминает кремовый фарфор.
В 1771 году Фердинанд IV возобновил
производство фарфора в Неаполе, и фабрика
изготавливала посуду и статуэтки в модном тогда стиле
неоклассицизма.
ПАРА СТАТУЭТОК
Доккиа
Твердый фарфор;
ок. 1760 г.
Эти удивительные черные с
золотом статуэтки изображают
Скарамуша и Рагонду из
commedia dell'arte. (Слева)
ГРУППА СТАТУЭТОК
Каподимонте
Мягкий фарфор;
ок. 1750 г.
Эта группа, созданная Джузеп-
ле Грицци, называется 'Ловцы
кроликов". (Слева вверху)
438

ЕВРОПЕЙСКИЙ ФАРФОР
ИТАЛЬЯНСКИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ ФАРФОРА.
Медичи
(Флоренция)
1575-1587
Чрезвычайно редкий мягкий фарфор. Узоры синим цветом под слоем глазури.
Вецци
(Венеция)
1720-1727
Твердый фарфор. Посуда, украшенная в стиле, подражающем серебряным изделиям барокко.
Коцци
(Венеция)
1764-1812
Твердый фарфор. Изделия рококо, подражающие немецкому фарфору, позднее - в
Неоклассическом стиле.
Доюсиа
1746-
Твердый фарфор. Посуда в стиле барокко, яркие краски. Статуэтки персонажей из
итальянской комедии; классические и современные тогда сюжеты.
Каподимонте 1743 - 1759 (Сицилия)
1759-1803 (Испания)
Мягкий фарфор. Статуэтки персонажей итальянской комедии и современные тогда сюжеты
Фарфоровые комнаты в китайском стиле во дворцах Портици и Аранхуэс.
Неаполь
1771 - 1806
Мягкий фарфор. Изделия и статуэтки в неоклассическом стиле.
КЛЕЙМА НА ФАРФОРЕ
Практика постоянной маркировки
керамических изделий знаком фабрики
началась в Европе с Мейсена в начале 1720-
х годов. Подражая китайцам, мейсенские
мастера ставили клейма обычно на
внутреннюю сторону основания или
подставки изделия. Они наносились как
поверх, так и под слой глазури,
гравировались или выдавливались в глине.
Клейма не считались обязательными
большую часть 18 века, и сами по себе
м
10
M.O.L.
4 Л1
II
12
13
8
значки фабрик не могут являться
достоверным указанием на дату и
происхождение изделия. Маркировалась
далеко не вся продукция, а многие знаки,
такие, как, например, скрещенные мечи
мейсенской фабрики, часто и нередко
весьма умело подделывались. Кроме клейма
фабрики на изделие могли наноситься
цифры или буквы - знаки модельеров,
художников и позолотчиков. Реже
встречаются даты и подписи мастеров.
15
16
17
18
19
20
21
31
J
+
И
22
f
23
24
\Х/
25
26
27
28
29
^
о<
2
s'c.
т
ю£
p.V.
1. Коцци
2. Неаполь
3. Флоренция (Медичи)
4. Каподимонте
5. Доккиа
6. Мариеберг
7. Копенгаген (1760-1766)
8. Копенгаген (1775-1801)
9. Гаага
10. Оуде Лоосдрехт
11. Веесп
12. Мейсен (1723-1763)
13. Мейсен (1763-1774)
14. Мейсен (1774- 1814)
15. Нимфенберг
16. Людвигсбург
17. Хёхст (1750)
18. Хёхст (1765-1774)
19. Фёрстенберг
20. Фулда (1765-1780)
21. Фулда (1781-1789)
22. Франкенталь
23. Фегели (Берлин)
24. Берлин
25. Вена
26. Ньон
27. Цюрих
28. Сен-Клу
29. Шантильи
30. Меннеси
30
439

КЕРАМИКА
В 1 8 ВЕКЕ В ПРОИЗВОДСТВЕ брИТАНСКОЙ КЕрАМИКИ НАСТУПИЛ
период творческого развития, когда хитроумныЕ мастера
НАЧАЛИ ИЗГОТАВЛИВАТЬ ПОСУДУ, КОТОРАЯ ПОЛЬЗОВАЛАСЬ
НЕИЗМЕННЫМ СПРОСОМ.
БРИТАНСКАЯ КЕРАМИКА ДО 1820 ГОДА
Из первых неуклюжих изделий британских
гончаров производство керамики
превратилось в настоящее искусство, вполне способное
конкурировать с произведениями мастеров
континентальной Европы и Востока. На ранней
стадии британские гончары изготавливали лишь
незатейливую посуду для повседневных нужд. В
период средневековья (с десятого по
пятнадцатый век) применялась обычная, грубо
обработанная глина. Гончарные мастерские возводились
прямо на месторождениях глины. Для
компенсации пористой структуры материала и для
декоративных целей применялась прозрачная или
полупрозрачная глазурь.
С течением времени британский вкус
становился более утонченным. Прикладное искусство
подстраивалось под сменяющие друг друга
европейские стили - барокко (конец 16 - начало 18
века), рококо (ок. 1720 - 60), Неоклассицизм
(ок. 1765 - 1804) и ампир (1804 - ок. 1825) -
так что гончарам пришлось совершенствовать
свое мастерство и деловую хватку. В конце 16
века фламандские иммигранты стали применять
оловянную (опалово-белую) глазурь, а к началу
следующего века изделия из отличного
китайского твердого фарфора (каолинового фарфора,
обжигаемого при температуре 1300 - 1400
градусов С) попали, наконец, в Британию. Твердый
фарфор сразу стал пользоваться огромным
спросом. Прочная, обожженная при высокой
температуре (1200 - 1400 град. С) немецкая керамика
наводнила страну, и к концу 17 века стали
выдаваться патенты на ее производство.
Вначале в Британии производили красивый
опаловый мягкий фарфор (имитация фарфора,
обжигаемого при температуре ок. 1100 град. С);
затем последовали бесчисленные эксперименты с
формулой фарфора, пока в 1768 году Вильям Кук-
ворси (1705 - 1780) не открыл в конце концов
секрет получения полупрозрачного твердого фар-
ГРУППА КУВШИНОВ
Ноттингем
Частично глазурованная
керамика; 13 - 15 вв.
Раскопанные во время
строительных работ в Ноттингеме, эти
кувшины географически и
стилистически относятся к данной
местности. Это типичные
примеры незатейливых гончарных
сосудов, производимых в период
средневековья.
440

БРИТАНСКАЯ КЕРАМИКА ДО 1820 ГОДА
БРИТАНСКИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ КЕРАМИКИ
Тофт, семья
17 век
Стаффордшир
Предметы домашнего обихода из мягкой белой трубочной глины, украшенные
обливной керамикой.
Элерс, Джон и
дэвид
Лондон
1690 - 1698 СтаААоолшио Красная керамика, демонстрирующая высокое мастерство.
Малкин,
Самюэль
Веджвуд,
Джошуа
начало
18 века
Стаффордшир
Изделия с выдавленными деталями, покрытыми цветной обливной глазурью.
Вилдон, Томас 1719 - 1795 Стаффордшир Экспериментировал с глиной и глазурями.
1730 - 1795 Стаффордшир
Проводил эксперименты по улучшению глины, чтобы получить материал высшего
качества. Один из типов изделий носит название Веджвуд; выпускались также
многочисленные предметы из керамики и глазурованный фаянс кремового цвета
(веджвудский фаянс).
Вуд, семья
1730-е -
1840-е годы
Бёрслем
Керамические декоративные статуэтки и пивные кружки.
Пратт, семья
1730-е - Стаффордшир
1830-е годы
Керамика с характерной глазурью и ярким фоном под ней.
фора. Боун Чайна (твердый английский фарфор с
приместью костной золы) стали производить в Боу
в 1749 году, и Джошуа Споуд II (1754 - 1827)
стандартизировал его формулу.
Тем временем предприниматели вроде
Джошуа Веджвуда (1730 - 1795) проводили
эксперименты по улучшению состава глины и
производили легкий материал, который можно было
обработать до качества, сравнимого с фарфором
и покрытой оловянной глазурью керамикой. К
началу 19 века производство последней в
Британии прекратилось.
СРЕДНИЕ ВЕКА
Керамические сосуды, изготавливавшиеся в
Британии в тот период, отличаются
незатейливой простотой и практичностью форм.
Степенью мастерства они даже уступают изделиям
времен римской оккупации.
Средневековые формы оказали влияние на
декоративную керамику конца 19-го - начала 20
века. Современные мастера черпали вдохновение
в их безыскусной простоте. Тем не менее
средневековые ремесленники иногда
демонстрировали, на что они в действительности были
способны, производя чарующие - и теперь дорогие -
кувшины с рельефами ручной работы в виде
рыцарей и зверей, а также кувшины для умывания
в формах животных.
С начала 13-го до конца 16 века
красно-коричневая керамическая плитка использовалась
для выкладки полов в важных зданиях. Рисунок
штамповались механически, причем материал
должен был быть достаточно прочным, чтобы не
ломаться и в то же время мягким, чтобы узор
выдавился. Часто углубления заполнялись белой
КУВШИН
Ковентри
Керамика, покрытая
полупрозрачной глазурью;
13-14ва.
Найденный во время раскопок
в Ковентри, этот сосуд служит
примером технологии
наложенного глиняного
орнамента, которая чаще
всего встречается на изделиях
из Лондона и центральных
графств. Желтовато-
коричневый или даже
песчаного цвета корпус
покрыт медно-зеленой
полупрозрачной глазурью,
и поверхность украшена
стилизованными ветками
ручной работы с похожими
на кнопки то ли почками,
то ли шишечками. Основание
приплюснуто большим
пальцем по всей окружности,
что делает его похожим на
корочку пирога. Украшенное
таким образом дно часто
встречается на средневековых
кувшинах, так как оно
преследовало и практическую
цель - сделать сосуд более
устойчивым на плоских
поверхностях, так как
основания почти всегда
получались несколько
выпуклыми.
441

КЕРАМИКА
полужидкой глиной. Покрытый затем
полупрозрачной глазурью, узор приобретал теплый
желтый цвет на темном фоне.
Такие плитки поступают в продажу в очень
небольших количествах, часто поодиночке;
обычно они в плохом состоянии, рисунок
практически неразличим. Иногда на продажу
выставляются лишь слегка изношенные, в хорошем
состоянии плитки, но по очень высокой цене.
17 ВЕК
В начале 16 века итальянская майолика
(глазурованная оловом керамика) распространилась
по Европе. Мастера-гончары с энтузиазмом
приветствовали ее появление, так как опалово-бе-
лая глазурь предоставляла идеальную
поверхность для росписи яркими красками. Через
Антверпен во Фландрии производство
глазурованной оловом керамики было перенесено в
Британию в середине 16 века, когда два сына Гвидо да
Савино (ум. 1541), итальянского мастера,
работавшего в Антверпене, переехали в Англию
вместе с Якобом Янсеном (ум. 1593) и основали там
мастерскую. К началу 17 века производство
достигло значительных масштабов, особенно в
Лондоне, но также в Бристоле и соседнем с ним
Брислинтоне.
Называемые в Британии дельфтской
керамикой (по голландскому городу Делфту),
глазурованные оловом изделия предназначались для
богатых землевладельцев и зажиточных горожан.
Наряду с производством разнообразных
практических вещей гончары изготавливали ярко
раскрашенные плоские блюда с изображениями
знаков королевского достоинства, фруктов, цветов
и религиозных сюжетов нравоучительного
содержания. Часто ободки таких блюд украшались
синими черточками различного типа.
Обливная керамика. Наряду с развитием
глазурованной оловом керамики
совершенствовались и обливные изделия, производство
которых началось еще в средние века. Они
производились в основном во Вротэме в Кенте, а также
в Стаффордшире. Вротэмские мастера обычно
пользовались красной глиной для изготовления
сосудов, которые затем украшались
отформованным орнаментом из белой глины, часто с
указанием инициалов мастера и заказчика. Наконец,
после нанесения полупрозрачной свинцовой
глазури, на обожженном сосуде проступали'яркие
краски желтых оттенков на шоколадно-коричне-
вом фоне.
В Стаффордшире искусство изготовления
обливной керамики достигло расцвета во второй
половине 17 века. Мастера этого ремесла,
такие, как Вильям Тейлор, Ральф Симпсон (1651 -
ок. 1724), Джон Райт и семья Тофт, особенно
Томас и Ральф (род. 1638), изготавливали
затейливые плоские чаши, сосуды для поссета (ство-
ПЛОСКОЕ
БЛЮДО
Лондон
Глазурованная оловом
керамика; ок. 1662 г.
В центре изображен Карл II и
Катерина Браганца со всеми
регалиями вскоре после их
свадьбы. Она держит патриотическую
розу, а вокруг пары
расположены различные военные трофеи.
Ободок тщательно разрисован
гротескными животными в
итальянском стиле. (Справа)
ПЛОСКОЕ
БЛЮДО
Стаффордшир
Обливная керамика;
ок. 1675 г.
Этот непосредственный рисунок
изображает Карла II в
официальной горностаевой мантии
внутри типичного шпалерного
бордюра. Обливные контуры
выделены капельной расцветкой. Имя
мастера написано снизу. (Внизу)
роженного вином или элем молока) и
керамические чаши с двумя или более ручками,
украшенные знаками королевского достоинства,
птицами и животными. Грубая, пористая глина
покрывалась мягкой белой трубчатой глиной и
поливной глазурью или ангобом (обливная
глазурь, которая придает основанию цвет фона) и
высушивалась. На подготовленной таким
образом поверхности делались рисунки оранжевой
или белой обливной глазурью, и капельки белой
тщательно наносились на контуры. Полные име-
442

БРИТАНСКАЯ КЕРАМИКА ДО 1820 ГОДА
на художников часто выписывались на ободках
плоских чаш.
Хотя мастера обливной керамики
изготавливали красивые предметы для особых случаев -
коронаций, свадеб и рождений, в основном они
жили за счет производства чисто практических
предметов - кружек, чашек и копилок. Поэтому
неудивительно, что до нас дошло очень мало
таких изделий: если сломанную дорогую вещь
могли хранить из сентиментальных побуждений, то
повседневная посуда ценилась гораздо меньше.
В конце концов обливная посуда
значительно упростилась. К началу 18 века плоские блюда
обычно украшались не ручным, а штампованным
рельефом, который получался при нанесении
обливной глазури на выгравированный узор.
Видным представителем этого метода был
Самюэль Малкин (1710 - 1735).
ИЗДЕЛИЯ 18 ВЕКА
Первые китайские чайники стали появляться
в Британии спустя тысячу лет после введения
чайной церемонии в Китае в период правления
династии Тан (ок. 700 г. н.э.). В конце 1680-х
годов два голландских серебряных дел мастера,
Джон и Дэвид Элерс обосновались в Англии и в
течение двух лет изготавливали красную
обливную керамическую посуду в китайском стиле,
сначала в Фулхэме, затем в Стаффордшире. За
этот короткий срок они смогли, тщательно
обрабатывая глину, создать изысканные и
совершенные изделия, редкие уцелевшие до наших дней
экземпляры которых, попадающие иногда в
продажу, высоко ценятся коллекционерами.
Некоторый застой в производстве чайной
посуды в начале 18 века связан с сокращением
популярности чаепития. Однако во второй
половине столетия потребность в чае вновь
возросла, и производство чайной (и кофейной) посуды
немедленно оживилось.
Применение новых материалов и технологий
в изготовлении керамики привело к появлению
прочной, легкой и модной посуды, способной
удовлетворить вкусы "высшего" общества. Но к
1750 году мастерам гончарного ремесла пришлось
выдерживать конкуренцию с ввозимым из-за
границы фарфором. Эта борьба за обладание
наиболее прогрессивными технологиями с тех пор не
прекращалась, и в конце концов Британия
вышла победительницей в период индустриальной
революции.
Стаффордшир имел в своем распоряжении,
помимо местных месторождений глины и угля,
передовых мастеров: Томаса Вилдона (1719 -
1795), Вильяма Грейтбача (1735 - 1813) и
семьи Вуд и Веджвуд. Появившийся около 1740
года алебастр дал возможность изготавливать в
массовых количествах штампованные и
обливные изделия из форм. Оба процесса зависели от
поглощения воды из жидкой глины и требовали
наличия пористых форм, для изготовления
которых алебастр идеально подходил.
Керамическая посуда на севере стала более
разнообразной за счет появления кремовой
керамики (отличная свинцовая глазурь на прочном,
светлом корпусе, обычно содержащем
мелкозернистый песчаник); глиняной посуды и обливных
гончарных изделий; агатовой керамики (два или
более цвета, смешивающихся так же, как в
агате); черной керамики (называемой теперь
обычно Джекфилдской по имени фабрики в
Шропшире); черепаховой керамики (пестрящей марган-
цево-коричневым и другими цветами); белой и
коричневой керамики; и, примерно с 1770 года,
перламутровой керамики (синевато-белой
разновидностью кремовой).
Стаффордшир также славится своей
обливной керамикой, покрытой соленой глазурью.
Тонкий слой глазури получается благодаря
внесению обычной соли в печь во время обжига.
КОФЕЙНИК,
УКРАШЕННЫЙ
РЕЛЬЕФНЫМИ
ЛИСТЬЯМИ ЦВЕТНОЙ
КАПУСТЫ
Стаффордшир
Кремовый фарфор
с полупрозрачной зелёной
свинцовой глазурью;
ок. 1765 - 1770.
Чайная и кофейная посуда в
форме овощей и фруктов была
популярным новшеством в 18 в.
и производилась несколькими
стаффордширсхими мастерами.
Кремовая посуда была прочной
и легкой, так что всерьез
конкурировала с фарфором.
443

КЕРАМИКА
Во многих отношениях вычурность и
изящество этих изделий скорее подошли бы фарфору,
а не глине. Ноттингем и Дербишир также
пользуются известностью за умелое применение соли
во время обжига, что придает красивый глянец
их замечательным коричневым обливным
изделиям.
СЕМЬИ ВУД И ПРАТТ
Для коллекционеров керамики имя Ральф Вуд
означает мастера-резчика, автора великолепных
декоративных статуэток и пивных кружек
(традиционных английских пивных кружек в виде
пьяницы в треуголке). В действительности было
три гончара по имени Ральф Вуд - отец (1715 -
1772). сын (1748 - 1795) и внук (1775 - 1801).
Многие статуэтки на самом деле созданы
братом Ральфа Вуда II Джоном (1746 - 97) или
другими мастерами.
Ярко раскрашенная, рельефно отформованная
кремовая и перламутровая керамика начала 1780-х
годов обычно называется праттовской по имени
стаффордширской семьи гончаров,
выразительные штампы которых найдены на двух из
дошедших до нас изделий того времени. Легко
отличимые по ограниченной гамме
высокотемпературных металло-оксидных красок и часто
запоминающиеся по дизайну, праттовские изделия
производились на севере Англии, в Шотландии и в
Бови Трейси в Девоне.
Установление подлинности.
Происхождение керамики 18 века постоянно уточняется и
пересматривается. В начале века клейма
производителей редки, так что установление принад-
№Щ
^Л
■■ щ
^^^\^ ь ^^И
' ^^ШЖ
• ^ *л
п
ПАРА ЛЕБЕДЕЙ
Стаффордшир
Обливная керамика,
солёная глазурь; середина
18 в.
Эти статуэтки свидетельствуют о
сильном влиянии мейсенской
фарфоровой фабрики на
английских мастеров керамики в ) 8 веке.
(Вверху)
ПАРА БЕЛОК
Стаффордшир
Кремовая керамика;
конец 18 в.
При изготовлении этих статуэток
брались за основу иллюстрации
из 'Развлечения для дам*,
настольной книги декоратора, в которой
были собраны гравюры
различных современных тогда
художников. (Вверху слева)
МЕДВЕДИ-КУВШИНЫ
Вероятно, Ноттингем
Коричневая обливная
керамика, солёная глазурь;
середина 18 в.
Эти статуэтки изображают
традиционный 'спорт* - травлю
медведей. Каждый зверь покрыт
комковатой глиной, имитирующей
мех. (Слева)
444

БРИТАНСКАЯ КЕРА
ИКА ДО 1820 ГОДА
СТАТУЭТКА ДАМЫ
Стаффордшир
Кремовая керамика;
середина 18 в.
Вертикальный шов, ясно видимый
по всей длине этой очарователь*
мой наивной отформованной
статуэтки, показывает, где передняя
и задняя части склеивались
вместе Автором статуэтки
предположительно является Томас Вил-
дон, однако многочисленные
стаффордширские мастера
широко пользовались этим
недорогим способом производства.
(Справа)
"МОРЯК РОДНИ".
ПИВНАЯ КРУЖКА
В ВИДЕ ПЬЯНОГО
СКРИПАЧА
Стаффордшир
Кремовая керамика;
конец 18 в.
Это редкая разновидность
примитивно смоделированных пивных
кружек приписывается Джону
Астбери и датируется ранними
1740-ми г Однако дата
указывает на то, что группа была
изготовлена гораздо позднее в 18
в В нее также входят кружки с
портретами и подписями *Удачи
лорду Родни*. Все они, скорее
всего, изготовлены после
знаменитой победы адмирала над
французским флотом в 1782 г.
Тоби Филлпот* (и
соответствующие кувшины для эля)
увековечили эксцентричного, не
умеющего остановиться британского
пьяницу 18 в (Справа с краю)
ДЖОШУА ВЕДЖВУД (1730 - 1795)
Джошуа Веджвуд по праву считается
основной фигурой в производстве
британской керамики. Он родился в
Бёрслеме, в Стаффордшире, и в возрасте
девяти лет стал подмастерьем гончара.
Вскоре после овладения профессией, в
1754 году, он был взят в компаньоны
Томасом Вилдоном, и с 1769 по 1780 год
вел дела с торговцем текстилем Томасом
Бентли (1730 - 80), которого, как и
Веджвуда, вдохновляло ожившее
классическое греческое и римское
искусство. Веджвуд постоянно стремился
к совершенству и поэтому все время
контролировал труд своих рабочих.
Одним из его полезных нововведений
было издание подробного каталога
продукции его мастерской.
Сегодня термин "Веджвуд" относится
почти исключительно к твердой,
мелкозернистой обливной керамике. Хотя
она составляла основную часть
выпускаемой им продукции, Веджвуд
также усовершенствовал глазурованный
фаянс кремового цвета, названный им
королевским (после получения
покровительства королевы в 1765 году),
разнообразную керамику (подражая
декоративным камням), перламутровую
керамику, черные базальты (имитируя
монолитную базальтовую скалу),
тростниковую керамику (соломенного
цвета) и все виды разноцветной и
одноцветной керамики.
Не довольствуясь местными
художниками и ремесленниками, Веджвуд
выписал талантливых мастеров из-за
границы, таких, как скульптора Джона
Флексмана (1755 - 1826) и Джона Бэкона
(1740 - 1799) и художника Джорджа
Стаббса (1724 - 1806). Он удостоился
королевского покровительства за то, что
взялся за работу, которую другие его
коллеги считали либо слишком трудной,
либо нерентабельной. Он также гордился
тем, что ставил четкие клейма на свою
продукцию, которую не стыдно было
представить в любой части света.
445

КЕРАМИКА
лежности к этому периоду должно считаться
предположительным, пока оно не
подтверждено неоспоримым доказательством или хотя бы
внушающей доверие традицией. Считавшаяся
ранее допустимой классификация "Вилдон",
"Ральф Вуд" и многие другие теперь спорны.
На сегодняшний день имена используются
скорее в общем, чем в узком смысле. Например,
некоторые "Вилдонские" изделия вполне могут
быть работами Вильяма Грейтбача,
плодовитого мастера, который в настоящее время
приковывает к себе осуждающее внимание ученых и
коллекционеров.
ФАРФОР 18 ВЕКА
В 18 веке в Британии открылось много
фабрик по производству мягкого фарфора.
Фарфоровая фабрика в Челси работала по крайней мере
с 1750 года, как видно по изделиям,
маркированным этой датой. Производство в Боу тоже
активно развивалось с 1747 года, сохранилось
несколько чернильниц, датированных периодом 1750 -
1752 годов. Наиболее ранним изделием из
британского фарфора считается бракованная чаша
(неправильный обжиг), найденная на
неудачливой фабрике Помона Воркс в Ньюкасле, которая
датируется 1746 годом. В том же графстве к 1751
году начал производство Лонгтон Холл. Первые
успешные попытки изготовления фарфора в Бри-
ЧЕРНИЛЬНИЦА
Боу
Мягкий фарфор с костным
пеплом; 1750 г.
Сделанная в ознаменование
открытия и для рекламы нового
здания фабрики Боу в 1750 г., эта
чернильница украшена рисунком
"полосатой изгороди" в
японском стиле Какиэмон.
Неравномерные коричневые пятнышки в
основании изделия
свидетельствуют о трудностях, с
которыми сталкивались первые
изготовители британского фарфора
при контроле за процессом
обжига.
КУВШИН "КОЗЁЛ
И ПЧЕЛА"
Челси
Мягкий "стеклистый"
фарфор;
ок. 1745 - 1750 г.
Пример фарфора Челси, на
который оказывали влияние
формы современных ему
серебряных сосудов, этот кувшин имеет
выгравированное треугольное
клеймо на основании. (Вверху)
столе были предприняты в конце 1740-х годов.
Кувшины для молока из Дерби упоминаются в
документе 1750 года.
Открытия, сделанные в последнее время,
ставят традиционную классификацию под вопрос.
Например, сейчас точно известно, что две
категории изделий, ранее приписывавшиеся
ливерпульской фабрике, были сделаны на 200 миль
южнее. Предметы, раньше относимые к
ливерпульским мастерским Вильяма Болла
(производство ок. 1755 - 1769) и Вильяма Рейда (произ-
446

БРИТАНСКАЯ КЕРАМИКА ДО 1820 ГОДА
БРИТАНСКИЕ ИЗГОТОВИТЕЛИ ФАРФОРА
Кукворси,
Вильям
1705 - 1780
Плимут
и Бристоль
Первым изготовил твердый фарфор.
Фабрика ок 1745-
по производству 17gg
фарфора в Челси
Лондон; Начато
производство
мягкого фарфора
в Челси.
Декоративные
изделия.
Работал примерно в 1670 г. Консольные и напольные часы
Фабрика в Боу
ок. 1747-
конец 1770-х
Лондон
Изделия из мягкого фарфора с костным пеплом, копирующие китайский импорт.
Фабрика
воксхоллского
китайского
фарфора
1751 - 1764
Лондон;
Пожалована
лицензия на
мыльный камень.
Работал в 1689 г. Карманные и маятниковые часы в форме храма ("церковные")
Ворчестерский
фарфор
с 1751 до
наших дней
Ворчестер
Вначале эксперименты с изделиями из твердого фарфора, затем производство в
основном предметов домашнего обихода и декоративных изделий высокого
качества.
Дерби
окМ?50
1848
Дерби
Изделия из мягкого фарфора высокого качества.
Лонгтон Холл
ок. 1751
1760
Стаффордшир
Мягкий стеклистый фарфор.
** •
Лоустофтский
фарфор
ок. 1757
ок. 1800
Лоустофт
Сувениры, домашняя посуда, имитация китайского стиля,
Коли
ок. 1772
1799
Шропшир
Мягкий стеатитовый фарфор.
водство ок. 1755 - 1761) были выпущены Вакс-
холлом и Лаймхаусом в Лондоне. Такие
уточнения обычно меняют стоимость изделий.
Лондон. Фабрика Челси, расположенная
близко от набережной Темзы, управлялась в
первые годы своего существования серебряных дел
мастером гугенотом Николасом Спраймонтом
(1716 - 1771), и стиль ранних изделий
повторяет серебряные предметы. Стремясь
конкурировать с лучшими образцами из Франции и
Германии, фабрика Челси производила фарфор
"предназначенный скорее для декоративных, чем
для практических целей". В 1769 году фабрику
купил Джеймс Кокс, а в 1770 году перепродал
ее Вильяму Дусбери (1725 - 1786), владельцу
фарфоровой фабрики в Дерби. Она была
закрыта в 1784 году.
БОТАНИЧЕСКАЯ
ТАРЕЛКА
Челси
Мягкий "стеклистый"
фарфор; ок.1752 - 1755
года.
Этот свободный стиль росписи
носит название *Ганс Слоун*
ботанический, в честь
попечителя Естественного сада Челси,
который был неподалеку от
мастерской. Рисунки заимствованы с
современных тогда гравюр (а
возможно, с натуры) и относятся к
периоду 'клейма красного
якоря* мастерской. Беспорядочно
размещенные насекомые часто
скрывают небольшие дефекты
фарфора.
447

КЕРАМИКА
Первым управляющим фабрики в Боу был
Томас Фрай (1710 - 1762), резчик
меццо-тинто. Названная вначале Нью Кантон, фабрика
решила подражать китайским изделиям, чтобы
соктратить их импорт. Затем, как и Челси, она
стала успешно конкурировать с европейскими
производителями фарфора, и ее продукция
находила сбыт даже в США. Именно в Боу
впервые стали добавлять костную золу в глину, так
что фабрика является пионером сегодняшней
британской фарфоровой индустрии. Фабрика
продолжала существовать и в конце 1770-х
годов.
Воксхоллская фарфоровая фабрика работала
с 1751 по 1764 год, после того, как лицензии на
использование мыльного камня - стеатита
(минерал, применявшийся при изготовлении
мягкого фарфора) была дана Николасу Криспу и
Джону Сандерсу (ум. 1758). Фабрика
гарантировала, что "главным свойством фарфора" было то,
что он "выдерживал самые горячие напитки без
опасности расколоться". Джон Бэкон, будущий
скульптор, стал работать у Николаса Криспа в
1755 году, будучи "нанятым главным образом для
изготовления пастухов, пастушек и подобных
небольших декоративных изделий". В 1763 году
Крисп обанкротился. Позднее он открыл
мастерскую по производству фарфора в Бови Трейси в
Девоне, однако это предприятие не имело
успеха.
Объем продукции стоявшей на берегу Темзы
фабрики в Лаймхаузе сократился к 1745 - 1748
году, и ее история до сих пор не совсем ясна.
Центральные графства Великобритании.
В конце 1740-х годов Бенджамин Лунд
использовал мыльный камень для производства фарфора
в Бристоле. В 1751 году фабрика рекламировала
свои изделия, имитирующие "заграничный
фарфор". В следующем году она вошла в состав Вор-
честерской Фарфоровой Компании, основанной
в 1751 году д-ром Джоном Воллом (1708 - 1776)
и еще четырнадцатью его партнерами.
Ворчестерские изделия оставались в чем-то
экспериментальными до 1755 года, но затем до
1760 года на них появляется красивая роспись.
КРУЖКА
Боу
Мягкий фарфор с костной
золой; ок. 1750 г.
Изготавливать местный
сине-белый фарфор было намного
дешевле, чем эмалированные
изделия, так как он не требовал
дополнительного обжига. На этой
кружке выполнен узор в
типичном для 18 е. китайском стиле
(Вверху)
ЧАША
Ворчвствр
Мягкий стеатитный
фарфор, ок. 1752 - 1754 г.
Рисунок эмалями заимствован из
китайской familla verte (зеленой
семьи), но несколько
европеизирован. Мыльный камень был
характерной особенностью
материала ворчестерского фарфора.
(Слева)
448

После этой даты Ворчестер ориентируется на
выпуск высококачественной продукции.
Томас Флайт, лондонский представитель
фирмы, выкупил фабрику в 1783 году, а в 1792
году Мартин Барр стал его компаньоном.
В 1840 году фабрика объединилась с
ранее конкурирующей с ней другой ворчестер-
ской фабрикой, основанной Робертом Чем-
берленом. Последовавшие новые
объединения привели в конце концов к созданию Вор-
честерской Королевской Фарфоровой
компании. Томас Тернер, некогда работавший на
ворчестерской фабрике, основал собственное
фарфоровое производство в Коли, в
Шропшире, в 1772 году. Неудивительно, что его
изделия очень сильно напоминают ворчестер-
ские - некоторые даже специально
посылались в Ворчестер для того, чтобы их там
расписывали.
В 1799 году компанию приобрела Коалпор-
тская фабрика, но производство фарфора там
продолжалось до 1814 года, когда обе фирмы
слились в одну.
Дерби. Вероятно, фабрика в Дерби была
основана около 1750 года еще одним гугенотом-
эмигрантом Эндрю Планше (1727 - 1805) и
местным банкиром Джоном Хитом. Первоначально
они выпускали статуэтки, соревнуясь с Челси
КОРЗИНКА
С ОТВЕРСТИЯМИ
Ворчестер
Мягкий стеатитный
фарфор; ок.1756 г.
ПАРА
ЧАШЕК
ДЛЯ
ШОКОЛАДА
ворчестер
Стеатитиый фарфор;
Состав ворчесгерасого фарфо- ок- 1804 " 1813 ""
ра был очень удачен с коммер- ——~~-——-"~—
ческой точки зрения.
вали на большем
разнообразии продукции ворчестерской
фабрики. Эти чашки -
прекрасный пример украшений в стиле
ампир.
Семьи Флайт и Барр настаи-
449

КЕРАМИКА
и Европой, и называли себя "вторым Дрезденом"
(немецкий город, знаменитый своим изящным
фарфором). В 1756 году Вильям Дусбери стал
их компаньоном, и фабрика стала расти. С 1764
по 1769 год в производстве фарфора применялся
мыльный камень.
С 1770 по 1784 год под руководством
Дусбери проводились опыты с новой формулой
фарфора и изготовлением высококачественных
декоративных предметов. Старая фабрика Ноттингем
Роуд закрылась в 1848 году.
Лонгтон Холл. Фабрика Лонгтон Холл в
Стаффордшире просуществовала всего десятилетие,
с 1750 года, под управлением (с 1751 года) Ви-
ВАЗА
Лонгтон Холл
Мягкий стеклистый
фарфор; ок. 1755 г.
Это пример проявления
технического совершенства в
праздничном стиле рококо.
Инкрустированный орнамент может
сочетаться с другими образцами изделий
Лонгтон Холла.
льяма Литтлера (род. 1724). Как и Дерби,
фабрика вначале специализировалась на статуэтках,
но под руководством Литтлера стали
производиться многие практические изделия.
Создавались также изысканные украшения в стиле
рококо на стеклистом корпусе непредсказуемой
формы.
Лоустофт. В Лоустофте в Суффолке
работала процветающая фабрика примерно с 1757 по
1800 год, производя сувениры для туристов и
изделия для местного населения. Считается, что
один из компаньонов фабрики, Роберт Браун,
получил работу в Боу и выведал там все секреты
производства. Сходство первых изделий из
Лоустофта и продукции Боу говорит в пользу этой
гипотезы. Фабрика в основном выпускала
повседневную незатейливую посуду, но иногда делались
также и декоративные статуэтки.
Ливерпуль. Только в первой половине 18
века Ливерпуль начал становиться главным
центром производства керамики. Примерно из 20
гончарных фабрик города около половины, как
считается, какое-то время занимались
производством фарфора. К 1760 году производство в
Ливерпуле уже пошло на спад, не выдержав
конкуренции с Веджвудской кремовой керамикой,
которая поступала в порт по системе недавно
построенных каналов.
Кроме Вильяма Болла и Вильяма Рейда, среди
известных ливерпульских изготовителей фарфора
можно назвать Ричарда Чафферса (прим. 1732 -
1765), Филиппа Кристиана (прим. 1765 - 1776).
Самюэля Гилбоди (прим. 1754 - 1761), семью Пен-
нингтон (прим. 1769 - 1799) и Томаса Вулфа (прим.
1795- 1800).
Твердый фарфор. В 1750-х годах Вильям
Кукворси, плимутский фармацевт, открыл в
Корнуолле два ингредиента твердого фарфора
(настоящего, прекрасного китайского типа) -
каолин и полевой шпат. В 1768 году он основал в
Плимуте небольшую фабрику, которая
выпускала настоящий фарфор. Через два года
Кукворси перевел производство в Бристоль, где
Ричард Чемпион (1743 - 91) стал
управляющим и выкупил фабрику в 1773 году. В 1781
году Чемпион переехал в Тунстолл в
Стаффордшире, чтобы основать новую фабрику, Стаффорд-
ширскую компанию, однако через год его
интерес к керамике пропал. Компания переехала из
Тунстолла в Шелтон, где под названием Нью-
Холл продолжала производство примерно до
1830 года.
НАЧАЛО 19 ВЕКА
Период Регентства (1811 - 1820) отмечен
массовым производством качественного фарфора
такими фабриками, как Коалпорт, Споуд, Рокин-
гем, Свонси и Ворчестер, причем последняя
производила выдающиеся декоративные шедевры.
450

ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРАМИКА 1820- 1920 ГОДОВ
Покровительство мондрхов фдбрикдм по производству
керамики в основном прекратилось к последним годам
18 века. Однако среднее сословие оказалось достаточно
многочисленно, чтобы создать спрос на качественные изделия
ИЗ фАрфорА И КЕРАМИКИ.
ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРАМИКА 1820
1920
К1820 году промышленная революция
превратила производство фарфора из изящного
искусства, доступного лишь знатным вельможам и
богатым купцам, в прагматичный бизнес.
(Некоторые из наиболее крупных континентальных
фабрик, однако, все еще пользовались королевским
покровительством). На континенте
изготавливали твердый фарфор вполне приемлемого качества,
в Англии - фарфор с костным пеплом, а белая
керамика производилась в промышленных
масштабах. На фабриках шел процесс механизации и
разделения труда, центры производства
перемешались из городов в богатые сырьем провинции,
такие, как Лимож (каолин) и Стаффордшир
(уголь). Поэтому к 1830 году, когда повсюду
наблюдался экономический подъем после
наполеоновских войн, фарфоровые фабрики были готовы
удовлетворить спрос быстро растущего среднего
класса на изделия по приемлемым ценам.
АМПИР
Стиль ампир (ок. 1800 - 1830), французское
развитие неоклассицизма, заимствовал многие
мотивы из последнего, однако в основном был более
изящным: чаши стали шире, приобрели фигурные
основания и ручки в виде кариатид; вазы формой
напоминали египетские или этрусские, часто с
экзотическими украшениями и большими,
затейливо расписанными красками поверхностями.
Стоимость производства изделий в стиле
Ампир была высока, и к 1800 году даже огромная
фабрика в Севре отказалась от изготовления не
окупающих себя предметов роскоши. В тот год
Александр Брогнарт был назначен новым
директором Севра, и, чтобы снизить затраты, он
отказался от производства дорогих и хрупких изделий
из мягкого фарфора в пользу твердого. Твердый
фарфор использовался для изготовления как
дорогой посуды, которую заказывали в первой
половине века Людовик XVIII, Карл X и
Луи-Филипп, так и для обычных изделий на продажу.
В Германии Королевская фарфоровая
фабрика (КФФ) в Берлине пользовалась
августейшим покровительством вплоть до 19 века, и
королевские декоративные вазы в стиле ампир
производились до 1870-х годов, когда
большинство других фабрик переключились на воспро-
БЕРЛИН. ВАЗА
Твердый фарфор;
1840-1850
Как показывает ее название -
французская ваза - это,
наверное, не точная копия античного
образца, а изделие,
дополненное усовершенствованиями
французского стиля.
451

КЕРАМИКА
изведение других, использовавшихся ранее,
стилей.
В России Императорская фарфоровая
фабрика в Санкт-Петербурге была еще теснее связана
со двором, и при Николае I (1825 - 1855)
считалось престижно заказывать изделия в стиле
ампир.
Королевская Венская Фабрика производила
прекрасный фарфор в стиле Ампир, но, несмотря
на свои попытки выйти на массовый рынок
(фабрика даже ввела печать рисунка и блестящую
позолоту в 1853 году), она вынуждена была
закрыться в 1866 году.
АНГЛИЙСКИЙ АМПИР
Английским вариантом был стиль эпохи
Регентства (английский ампир). Однако английский
фарфор заметно уступал континентальному в
количестве, так как в Англии не было Королевской
фабрики. Лучшие изделия производили Флайт и
Барр в Ворчестере, но Дерби, Нантгарв, Свонси и
Ливерпуль тоже изготавливали заслуживающие
внимания предметы. К концу 18 века в
производстве большей части английского фарфора
наметился спад, потому что мягкий фарфор слишком
часто лопался во время обжига и поэтому был
относительно дорогим. Однако примерно к 1794
году стал производиться фарфор с добавлением
костной золы. Эта английская альтернатива
твердому фарфору - который давно применялся на
континенте - удовлетворяла требованиям
легкости и дешевизны обработки, обладала
прочностью и полупрозрачностью, имела прекрасную
белую поверхность, на которую просто было
нанести рисунок. Но при всем при этом на
усовершенствование фарфора с костной золой ушло много
времени; к концу 18 века лишь небольшое число
фабрик экспериментировали с фарфором, а в
Стаффордшире, центре гончарных ремесел,
производство кремовой и перламутровой керамики
продолжало играть главенствующую роль.
Керамика. Между 1800 и 1845 годом все еще
важное значение имела улучшенная кремовая
керамика Джошуа Споуда; а также глянцевые
изделия (с тонким металлическим покрытием),
особенно с медным глянцем, производимые в
основном в Сандерленде, Ньюкасле-на-Тайне,
Бристоле, Ливерпуле и Йоркшире. Фарфор из бурого
железняка, содержащий побочный продукт
плавления железа и отличимый по прочной белой
структуре, был наиболее популярен в то время.
Портретные стаффордширские статуэтки и
декоративные скульптурки животных для каминных
полок делались в течение 19 века в традициях
века прошедшего.
После 1810 года фарфоровые фабрики
выпускали многочисленные сине-белые керамические
изделия; допускались и другие цвета. Изделия
украшались американскими и английскими город-
ПАРА
СТАФФОРДШИРСКИХ
ЖЕЛЕЗНЯКОВЫХ ВАЗ
Белая керамика;
ок. 1830 г.
Железняк - это твердая белая
керамика, обязанная своим
открытием Чарльзу Дж. Мейсону,
который запатентовал ее в 1813
году. С этим материалом
работали Дейвенпорт, Т. и Дж. Эш-
ворт, Мей и Риджвей. Слоуд
называл этот материал 'каменным
фарфором", и различные другие
изделия продавались под
торговыми марками Патентованный
Каменный фарфор,
Перламутровый Каменный фарфор,
Императорский железняк, Королевский
железняк и Истинный железняк.
скими и сельскими пейзажами. Большая часть
продукции таких производителей, как Споуд,
Риджвей, Веджвуд, Адаме и Пратт (последний
специализировался на многокрасочной печати),
предназначалась для экспорта.
НЕОРОКОКО
Англия была первой страной, которая
приветствовала возрождение стиля рококо. Фарфор с
костной золой, который легко обжигался в печах и
легко поддавался лепке, был идеальным
материалом для этого прихотливого стиля с его витыми
асимметричными мотивами, часто с рельефом,
позолотой и наложенными цветами. Таким образом
получались изделия, выглядевшие шикарно и
дорого, удовлетворяющие желаниям среднего класса
показать свою значительность. Для массового
потребителя выпускались несколько менее вычурные
чайные сервизы и декоративные предметы, а Ро-
кингем в Йоркшире, Коулпорт в Шропшире и пять
стаффордширских производителей: Минтон, Коуп-
ленд и Гарретт, Риджвей, Дэниэл и Дейвпорт
изготавливали дорогие предметы с большими
расписными поверхностями и искусной лепкой.
Оживший стиль рококо практически не
использовался в Севре, но в нем работали другие
французские производители фарфора, особенно Жак-
Пети из Фонтенбло, основавший фабрику в 1834
году. Она выпускала изделия, имитирующие про-
452

ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРАМИКА 1820- 1920 ГОДОВ
изведения фарфоровых фабрик 18 века и часто
комбинировала элементы нескольких различных
эпох.
После 1830 года Лимож стал главным
центром производства фарфора во Франции; его
грамотно управляемые фабрики применяли новейшие
технологии и поэтому были в состоянии
подстраиваться под постоянные смены вкуса,
характерные для 19 столетия.
НЕМЕЦКИЙ ФАРФОР 1830 - 1880
Реорганизация и модернизация немецкой
фарфоровой фабрики - Мейсена - в 1814 году
остановила намечавшийся спад производства, и к 1840 году
фабрика выпускала большие количества
качественного фарфора для представителей среднего и
высшего сословия. Фарфоровые изделия с
просвечивающими рисунками выпускались массовым способом
между 1830 и 1850 годами. На них изображались
религиозные сюжеты и жанровые сцены с
голландских, французских и итальянских картин. С конца
1840-х годов Мейсен вновь ввел в употребление
многие модели 18 века, особенно статуэтки рококо
и неоклассицизма. С середины 1860-х годов
выпускались неоренессансные вазы с ручками в виде змей,
с 1862 года изделия в стиле Лиможа, в основном
скопированные с образцов Королевской Ворчестер-
ской фабрики, демонстрировавшихся на
Лондонской выставке 1862 года.
Десятки небольших фабрик в Богемии (Шлаг-
генвальд. Пиркенхаммер), в Тюрингии (Ситцен-
дорф, Гота, Фолькштедт) выпускали изделия в
старых стилях. Их качество, как, по-видимому, и
цена, уступало мейсенским,.
Берлин. Этот центр производства фарфора вел
значительно менее гибкую политику, чем Мейсен,
поэтому всегда отставал от него. В тот период в
Берлине все еще производили в небольших
количествах изделия в стиле неоклассицизма и в 1860-
х годах продолжали опыты с неоренессансом и
итальянской майоликой, которые к тому времени
уже выходили из моды. Известность берлинскому
фарфору того периода принесли многочисленные
декоративные тарелки, которые расписывали
художественные мастерские в Центральной Европе.
Немецкий торговец Генрих Букер перечисляет в
своем каталоге Парижской выставки 1867 года 11
различных расписных декоративных тарелок с
изображениями Сикстинской Мадонны Рафаэля, La
Vierge Мурильо и Les Fils de Rubens Рубенса.
АНГЛИЙСКИЙ ФАРФОР 1830 - 1880
На Большой выставке 1851 года крупнейший
производитель английской керамики того
времени. Минтон, представил не только
многочисленные повторения ваз Севра, камины, плитки и
изделия в мейсенском стиле, но также майолику и
статуэтки из паросского бисквита.
Майолика была богато расписана эмалями кера-
"ШНЕЕБАЛЛЕН".
ЧАЙНИК
С ПОДСТАВКОЙ
Мейсен
Твердый фарфор;
ок. 1870 - 1880 г.
Этот чайник, вся поверхность
которого покрыта майскими
цветами, типичен для вычурных
интерпретаций мейсенских изделий
середины 18 в. В Англии ваза
'Снежок* была скопирована в
Челси в 18 в. и позднее Споу-
дом в 19 в.. (Вверху).
БЮСТ ЮНОНЫ
Коупленд
Матово-белый фарфор;
ок. 1851 г.
Этот бюст был скопирован
скульптором В. Теодом с оригинала в
Национальном музее в Риме и
демонстрировался на Большой
выставке в Лондоне в 1851 г.
(Справа)
453

4
ЯШ
ВАЗА PETE-SUR-PETE.
(ПАСТА НА ПАСТЕ)
Минтон
Крашеный паросский
бисквит; ок.1878 г.
Это ваза, представленная на
Парижской выставке 1878 г.,
была украшена Луи М. Е. Со-
лоном и вылеплена Альбертом
Эрнестом Карье де Беллюзом.
Она входила в коллекцию
Томаса Гуда и Ко. до 1989 г..
(Слева)
ВАЗА С ГОЛОВАМИ
СЛОНОВ
Минтон
Фарфор с костной золой;
ок. 1889 г.
одна из самых удачных копий,
выпущенных производителями
фарфора 19 в. (Вверху)
"МАЙОЛИКОВАЯ"
ЖАРДИНЬЕРКА
И ПОДСТАВКА
Минтон
Керамика; ок. 1882 г.
Это изящное изделие
спроектировано художником и
скульптором Альбертом Эрнестом Карье
де Беллюзом, который переехал
в Англию в 1848 г. и стал
работать модельером (лепщиком) у
Минтона. (Справа)
Эта ваза, одна из двух версии,
скопированных с оригиналов Сев*
ре/ была спроектирована Жан-
Клодом Дюплесси (1694 - 1774)
и впервые сделана в 1757 г. Это
микой с отформованным рельефом и использовалась
для изготовления ваз, домашней посуды,
жардиньерок, садовых декоративных изделий и
архитектурных деталей. Паросский бисквит был еще более
замечательным новшеством; не пористый,
напоминающий мрамор материал значительно улучшил
возможности бисквита (неглазурованного фарфора) 18 века,
который прежде легко щербился и пачкался.
Ко времени Большой выставки более 20
фабрик могли похвастать изваяниями и статуэтками

ЕВРОПЕЙСКАЯ КЕРА
ИКА 1820- 1920 ГОДОВ
из паросского бисквита, созданными ведущими
скульпторами того времени.
Среди других значительных изделий этого
периода можно назвать копии керамики 16 века,
покрытой свинцовой глазурью, называемой обычно
керамикой Генриха II, инкрустированной
разноцветной глиной на желтовато-коричневом фоне. Эта
керамика и расписные обеденные и десертные
сервизы продавались солидными лондонскими
фирмами Морлок и Ко., Филипс и Ко., Томас Гуд.
Pete-sur-pete. Наиболее важным
достижением викторианской керамики была pete-sur-
pete (паста на пасте) - способ нанесения
рельефного дизайна слоями фарфоровой глины и
воды. Различная толщина слоев создавала
эффект тени. Технология впервые была
применена в Севре в начале 1850-х годов и позже
исследовалась с коммерческой точки зрения
художником Минтона Л. М. Е. Солоном,
который примерно с 1870 по 1890 год украшал вазы
из паросского бисквита цветной и
глазурованной pete-sur-pete.
РЕАКЦИЯ ПРОТИВ
ИНДУСТРИАЛИЗАЦИИ
В первые две трети 19 века были сделаны
значительные усовершенствования в процессе
производства керамики, но фабричные изделия все
сильнее критиковались за недостаток
художественных новшеств и примитивный дизайн.
Английский критик, искусствовед, историк и социолог
Джон Раскин (1819 - 1900) отстаивал
возвращение к индивидуальной деятельности, и Движение
искусства и ремесел и Эстетическое движение
искали пути для улучшения дизайна.
Проектировщик и писатель Вильям Моррис (1834 - 1896)
пытался воплотить эти идеи повышения качества
в своих мастерских.
Во Франции протесты против
индустриализации ощутимо выражались даже раньше.
Мастера художественной керамики появились уже в
1840-е годы. Теодор Дек (1823 - 1891), который
работал в Париже, может считаться первым из
них. Он черпал вдохновение в основном из
ближневосточных и персидских дизайнов. Многие
последовали его примеру и экспериментировали с
разнообразными восточными формами, узорами
и высокотемпературными глазурями. В Англии
на работы французских мастеров откликнулись
В. Хаусон Тейлор (1876 - 1935) в своей Раскин-
ской Керамике около Бирмингема и Бернард Мур
(1850 - 1917) в Стаффордшире.
Английские мастера художественной
керамики. В Англии Дултонская фабрика в
Ламбете производила первые действительно
художественные изделия в конце 1860-х
годов. Вильям Морган (1839 - 1917), мастер,
наиболее горячо разделявший идеи Вильяма
Морриса, изготавливал предметы из глянце-
455

КЕРАМИКА
ВАЗА
ЭрнстШаплв
Твёрдый фарфор;
1885-1904 г.
В 1887 году Шопле поселился в
Шуоэи-Ле-Рой. Тогда его
вдохновила восточная глазурь
цвета бычьей крови, и он
усовершенствовал эту и другие
технологии. (Слева)
ВАЗА С КРЫШКОЙ
Вильям дв Морган
Керамика; ок. 1890 г.
Ваза расписана ярким
цветочным и лиственным узором,
навеянным персидской керамикой
из Иэника. (Вверху)
вой керамики и яркие персидские узоры с
1870-х годов.
Из остальных производителей следует
выделить Керамику Барума в Девоне, Кенсингтон Гор
Студию Минтона и Керамику Делла Робиа в Бир-
кенхеде.
Кристофер Дрессер (1834 - 1904), один из
лидеров Эстетического движения в области
керамики, разрабатывал дизайны для нескольких
мастерских севера Англии и для Минтона.
456
ВЛИЯНИЕ ЯПОНИИ
Влияние Японии играло важную роль не
только для мастеров в индивидуальных студиях, но
также и для дизайнеров крупных фабрик,
которые контролировали большой объем продукции.
Японские изделия, включая предметы,
украшенные перегородчатой эмалью, слоновой костью и
бронзой, экспонировались на Парижской
выставке 1862 года. Сочетание простых форм, скупых
узоров и асимметрично расположенных деталей
производили глубокое впечатление на тех, кто
любовался ими.
С 1885 года Королевская Копенгагенская
фарфоровая фабрика выпускала необычную посуду в
японском стиле, спроектированную архитектором
Арнольдом Крогом (1856 - 1931), который
пользовался нежно-голубой и серой глазурью. Француз
Феликс Бракемонд (1833 - 1914) изготавливал,
возможно, лучшую европейскую керамику в
японском стиле. Черпая вдохновение из альбома
эскизов японского художника Кацушики Хокасау, он
сделал серию резных деревянных изображений,
которые были затем скопированы на
керамический сервиз, выпущенний в 1866 году Ф. Е. Руссо.
Бракемонд также разрабатывал дизайны для Дека
и Севра, спроектировал цветы и вьющиеся ленты
на Сервизе Модерн, серии тарелок, которые были
предвестниками этого стиля.
СТИЛИ МОДЕРН И APT ДЕКО
Стиль модерн боролся против возвращения к
прошлому и в то же время искал способ стереть
разницу между так называемыми изящными и
прикладным искусством. Этот сложный стиль,
основанный на природных формах, в основном имел
континентальные корни, хотя стаффордширский
мастер Вильям Муркрофт (1872 - 1946)
изготовил несколько превосходных дизайнов с трубчатой
поливной глазурью, известных под названием
Флоренская керамика, между 1898 и 1906 годами. Если
не считать Севра, лучшим представителем стиля
модерн в керамике является Розенбургская
фабрика в Гааге, которая в 1899 году ввела в
употребление уникальный прекрасный тончайший фарфор.
Стиль модерн продолжал существовать в
начале 20 века, но после Международной выставки в
Париже в 1900 году он стал вырождаться, так как
производители все больше ориентировались на
массовые вкусы. На смену модерну пришел арт деко -
группа стилей, которые достигли расцвета во время
Парижской выставки в 1925 году. Если модерн
делал ставку на орнамент, который подчеркивал
форму, арт деко придавал главное значение
незавершенным или прерывистым узорам, которые,
наоборот, как бы опровергали форму. Вдохновение арт
деко черпал из различных источников, включая
кубизм, архитектуру, искусство примитивных племен,
египтян и промышленных дизайнов.
В 1908 году в Праге группа архитекторов, на

ЕВРОПЕ
ВАЗА "ДЕ МОНФОР"
Севр
Фарфор; ок. 1908 г.
Эта воза - прекрасный
экземпляр стиля модерн. Она
украшена типичным лиственным узором.

КЕРАМИКА
которых оказал сильное влияние Вейнер Веркстат-
те, организовала ремесленную мастерскую,
известную как общество "Артель". Среди мастеров
керамики, входивших в нее, следует отметить Вла-
тислава Хофмана (род. 1884), Павла Янека (род
1882). Спроектированные Артелью статуэтки в
стиле Ар деко выпускались лидирующими
фабриками, например, мейсенской и берлинской.
Кроме них керамику в стиле арт деко
изготавливали фабрики: Доккиа в Италии,
Королевская Копенагенская в Дании, Розенталь в
Баварии, а также Веджвуд, Сюзи Купер, Муркрофт,
Карлтонская керамика, Кларис Клифф и Дуль-
тон в Англии.
КЕРАМИКА БРИТАНСКИХ
МАСТЕРСКИХ
Британские модели разрабатывались в
направлении, отличающемся от континентальных
тенденций, в основном из-за влияния Бернарда Лича
(1887 - 1979). После обучения в Японии в 1920
году он вместе с японским мастером Шойи Хама-
до й основал мастерскую керамики в Сент-Айвз, в
Корнуолле. Лич выделил основное из того, что
называлось студийными течениями. Мастер
должен был отвечать за каждую стадию
производства: от добывания глины до последнего обжига.
Лич также полагал, что идеальный мастер
должен добиваться объективного совершенства
формы и глазури, а не выражать свои личные при-
ВАЗА
Реяв Бутхауд
Керамика; ок. 1025 г.
Работа Бутхауда
характеризуется простыми массивными
формами и четко выделенными
контурами. (Вверху)
"РЫБНАЯ"
БУТЫЛОЧНАЯ ВАЗА
Бернард Лич
Керамика; ок. 1030 г.
Воэо сочетает в себе китайскую
форму с непринужденным
рисунком (Слева)
страстия. В Сент-Айвз, где Лич и Хамада
проводили эксперименты с керамикой в японском
стиле, у первого было много известных впоследствии
учеников, включая Майкла Кардью (1901 - 1983).
Других британских мастеров керамики
окрылило развитие преподавания в местных
художественных колледжах. Если не считать Лича,
двумя самыми знаменитыми представителями
британской керамики 20 века являются Люси Рай (род.
1902) и Ганс Коупер (1920-1981), которые
выдвинулись из среды работавших в художественных
мастерских энтузиастов. Говоря о достижениях
британской керамики 20 века, мы имеем в виду
не фабричное производство, которое принесло
мало нового по сравнению с предыдущим веком,
а труд одиночных мастеров в художественных
студиях.
458

ЕРИКАНСКАЯ КЕРАМИКА
Конкуренция с бритднскими гончарами ускорим развитие
АМЕРИКАНСКОЙ КЕрАМИЧЕСКОЙ ПРОМЫШЛЕННОСТИ.
И ОТВЕТ АМЕРИКАНЦЕВ В 1 9 ВЕКЕ бЫА ВПОЛНЕ ДОСТОЙНЫМ.
АМЕРИКАНСКАЯ КЕРАМИКА
Для вновь прибывших в 17 веке мастеров
керамики американские колонии были
прежде всего землями, богатыми натуральными
ресурсами. Однако некоторые обстоятельства
наложили ограничение на развитие их ремесла. И
гончары, и их потенциальные покупатели были
разбросаны по небольшим сельским поселениям,
а не жили в крупных городах; возможности
обмена опытом и обучения у умелых мастеров были
минимальны.
Кроме того, английское правительство
препятствовало всем попыткам колонии создать
собственное производство, и эта политика, по
крайней мере в области керамики, оказалась
особенно эффективна. Спрос на повседневную посуду
удовлетворяли местные гончары, но денежные
клиенты обращались за предметами роскоши в
Англию.
Несмотря на ограниченные возможности для
гончаров в первые 200 лет колонизации, среди
приезжих были умелые мастера.
Засвидетельствовано прибытие гончаров в Новую Англию в 1635
году, несколько голландских мастеров трудились
в Нью-Амстердаме (теперь Нью-Йорк) к 1660 году.
Развитие гончарного ремесла в колониях
отражают географические названия: Гончарный ручей,
Глиняный город, Гончарный город, город
Кувшинов и в четырех штатах есть город Каолин.
ГОНЧАРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Первая американская посуда изготавливалась
из обожженной при низкой температуре глины и
называлась красной керамикой. Этот
появлявшийся при обжиге сочный коричнево-красный цвет
придавал изделию содержавшийся в глине оксид
железа. Предметы из красной керамики
предназначались для повседневных нужд, и гончары в
больших количествах выпускали кухонные,
молочные принадлежности и столовую посуду.
Простейшим украшением являлась поливная
глазурь. Получаемая путем разжижения глины с
минеральным красителем (часто на основе
свинца) и наносимая на подготовленное для обжига
изделие, она выступала либо разноцветными
пятнами, либо при умелом нанесении образовывала
слова или имена. Появившаяся позднее техника
ангоба (способ нанесения узора на керамику пу-
БЛЮДО ИЛИ БОЛЬШАЯ
ТАРЕЛКА
Кремовая обливная
керамика с ангобом;
1818 г.
Такая разукрашенная сельская
посуда была популярна в
Пенсильвании.
тем процарапывания слоя цветной глазури до
глины под ней) был особенностью изделий
пенсильванских немцев примерно с 1760-го по 1830-е годы.
Обливные гончарные изделия. Первое
подписанное и датированное американское
обливное гончарное изделие (менее яркого цвета, чем
обычная керамика, от серовато-белого до
коричневого) было изготовлено Джозефом Тайксоном
из Нью-Джерси в 1772 году, хотя есть
свидетельства того, что подобные изделия выпускались и
раньше.
КОФЕЙНИК
Глазурованная керамика;
ок. 1825 г.
Народные изделия типа этого
делались на всем восточном
побережье и Среднем Западе с
самых первых дней колонизации. Для
их изготовления не требовалось
сложного оборудования, и
украшения носят рудиментарный
характер.
459

КЕРАМИКА
Семья Корселиус (позднее Кролиус)
основала первый зарегистрированный гончарный горн
на Гончарном холме на острове Манхеттен. С
1730 по 1870 год 15 членов семьи, хотя под
разными фамилиями и в разных мастерских,
продолжали заниматься этим ремеслом. В 1730-е
годы разбросанные центры гончарного дела
стали возникать вдоль богатого месторождения
глины, которое тянулось от Саут-Амбой в Нью
Джерси на северо-восток к Статен-Айленд и Лонг Ай-
ленд в Нью-Йорке. Многие мелкие
производители красной керамики также стали выпускать
обливную.
Документы дают основание предполагать, что
в ранний период изготавливались
художественные изделия из обливной керамики, но
большинство из них предназначалось для практических
целей - кувшины, горшки, бидоны, свистки,
декоративные статуэтки и копилки. Украшались они
обычно просто - от руки рисовались птицы,
животные, инициалы и даты кобальтово-синим
или коричневым. Никаких изменений
практически не происходило вплоть до 1850 года, когда
ручную роспись заменила более дешевая
трафаретная.
ПОДЪЕМ
ПРОИЗВОДСТВА
КОММЕРЧЕСКИХ ИЗДЕЛИЙ
Применение свинцовой глазури на керамике
вызвало боязнь отравления свинцом, что в
конце 18 века заставило многих производителей
красной керамики переключиться на
изготовление обливной. Кроме того, наложенное
американским правительством в 1807 году эмбарго на
ввоз британских товаров резко стимулировало
местное производство. Небольшие мастерские от
Каролины до Огайо были завалены заказами. К
1840-м годам производство керамических
изделий достигло таких масштабов, что его можно
считать промышленным.
Кремовая керамика. В 1770-е годы бывший
служащий английского предпринимателя Джошуа
Веджвуда, Джон Барлэм, добился успеха,
имитируя веджвудскую легкую и прочную керамику
(веджвудский фаянс) и организовал фабричное
производство в Чарльстоне, штат Южная
Каролина. Этого оказалось достаточно, чтобы
вдохновить на аналогичные попытки мастеров в
Филадельфии, Питтсбурге и Нью-Йорке. После
признания независимости Америки Питтсбург стал
столицей кремовой керамики Соединенных Штатов.
Другие центры производства выросли в
Луисвилле, Кентукки и Индиане в 1830-е годы.
ДОМИНИРОВАНИЕ БРИТАНИИ
И ОТВЕТ АМЕРИКИ
Британские производители не поставляли
металл восставшим колонистам, но это не меша-
АНГЛО-АМЕРИКАНСКАЯ
ТАРЕЛКА
ИЗ КРЕМОВОЙ
КЕРАМИКИ
Фрегат с развевающимся
звёздно-полосатым
флагом, переводная печать
коричневым; ок. 1800 г.
Подобные изделия -
выпускаемые в Ливерпуле и
Стаффордшире - пользовались
исключительной популярностью среди
американских поселенцев до, во
время и после войны за
независимость. Американские мастера
преуспели в изготовлении
стеклянных изделий, но ничего не
могли противопоставить
превосходству британских гончаров.
ло им выпускать на продажу бюсты Вашингтона
и Франклина, а также тарелки и кувшины с
американскими девизами и пейзажами. Между
войной за независимость и войной 1812 года
обыкновенная сине-белая стаффордширская кремовая
керамика с переводным рисунком пользовалась
в Америке необыкновенной популярностью.
Декоративная керамика, украшенная
торжествующей республиканской символикой, продолжала
изготавливаться исключительно для экспорта в
Америку. После войны 1812 года и отмены
эмбарго британские фабрики стали выпускать еще
более разнообразную продукцию, чтобы
удовлетворить спрос.
Американцам потребовалось много лет,
чтобы наладить собственное производство. Вызов
англичан был принят Американской гончарной
компанией Дэвида Гендерсона в Джерси-Сити,
штат Нью-Джерси, основанной в 1833 году. Она
выпускала тарелки с печатными цветными
узорами, кувшины и чаши с сюжетами на
исторические темы или с портретами исторических лиц.
Множество мелких, забытых сегодня мастерских
обжигали непримечательную посуду с цветочным
460

АМЕРИКАНСКАЯ КЕРАМИКА
ГОРШОК
Соленая обливная глазурь
и ручная роспись.
Ок. 1850-59 г.
Известные под названием Вер-
лингтонской керамики, такие
раскрашенные синим горшки, миски
и бидоны изготавливались в
Новой Англии, Нью-Йорке и Огайо
в 19 в. (Справа).
DEDHAM
POTTERY
КЛЕЙМО ДЕДХЕМСКОИ
ФАБРИКИ,
использовалось
в 1929 - 1943 гг.
ЧАШИ ДЛЯ ПОДАЧИ
ЙА СТОЛ
Двдхвмская фабрика
Сине-белая керамика;
начало 20 в.
Дедхемскоя фабрика приобрела
известность в основном
благодаря орнаментам из цветов и
животных. Четкие пояса узоров
напоминают работы Уолтера
Крейна и Кейт Гринэвей. (Внизу)
орнаментом и переводной печатью в 19 веке, но
популярность этой керамики упала со сменой
моды в 1860-е годы.
БЕННИНГТОН И МАЙОЛИКА
Беннингтонская керамика, впервые
изготовленная в Беннингтоне, штат Вермонт,
представляет из себя эмалированную и глазурованную
посуду, статуэтки и другие изделия из
материала с примесью мелкозернистого песчаника. Они
являются частью широко распространенной
народной продукции, большинство из которой
относится к тому же типу. Другой разновидностью
является Рокингемская керамика, так как при ее
изготовлении брали за основу крапчатую
коричневую глазурь, которая применялась на
одноименной английской фабрике с 18 века. В
действительности большая часть столь ценимой в наши
дни Беннингтонской керамики производилась
вовсе не в Беннингтоне, а в мастерских на реке
Огайо, Питтсбурге или Балтиморе.
Первая мастерская в Беннингтоне была
открыта капитаном Джоном Нортоном в 1793 году,
но лишь в 1843 году она начала производство
эмалированной и глазурованной посуды из
материала с примесью мелкозернистого песчаника, с
которой обычно ее связывают. Наряду с
выпуском обычной, покрытой коричневой глазурью
утвари, мастерская изготавливала причудливые
статуэтки животных - пуделей, львов, оленей и
коров, а также сосуды, покрытые глазурями
разных цветов. Типичными также являются
характерные кувшины с ручками в виде собак и
нанесенные печатным способом сцены охоты.
Несколько лучших предметов было изготовлено в
период между 1851 годом (за два года до
переименования фабрики в Керамическую фабрику
Соединенных Штатов) и ее закрытием в 1858 году.
Большая выставка в Лондоне в 1851 году
положила начало моде в Британии на майолику,
современную модификацию свинцовой глазури
после старой оловянной. В течение двух лет
американские мастера наладили выпуск
собственной майолики: Эдвин Беннет в Балтиморе и Карр
и Моррисон в Нью-Йорке (до 1855 г.). К 1880-м
годам майолика производилась на всем
восточном побережье, начиная с Гэмпширской
Фабрики Джеймса Тафта в Кине, в Нью-Гэмпшире, до
наиболее известных предприятий Гриффина,
Смита и Хилла из Фениксвилля, штат
Пенсильвания, чья "Этрусская майолика" в формах
цветов, овощей и раковин производилась до 1892
года.
ОТ ЧЕЛСИ ДО РУКВУДА
Признаком нового веяния в изготовлении
американской керамики в противовес
подражательным копиям и возрастающему массовому
производству послужила продукция фабрики
художественной керамики Робертсона (основанной
в 1866 году) в Челси, штат Массачусетс. К 1880
годам среди выпускаемой ею продукции была
серая керамика, красный бисквит (неглазурован-
ный фарфор) и восточные глазури, включая
темно-красную "бычью кровь". К 1890-м годам
фабрика приобрела известность благодаря блюдам с
искусным украшением в стиле "кракле"
(керамика с упорядоченными крошечными
трещинками в глазури). Блюда имели опоясывающий
орнамент с названиями "Кролик", "Ирис",
"Индейка", "Виноград" и "Лебедь". В 1895 году
фабрику в Челси переименовали в Дедхемскую
Керамику, и основную массу ее продукции стала
составлять сине-белая посуда.
461

КЕРАМИКА
ОСНОВНЫЕ АМЕРИКАНСКИЕ ИЗГОТОВИТЕЛИ КЕРАМИКИ.
Тайксон,
Джозеф
прим. 1720
1730-е
Нью-Джерси
Первый документально засвидетельствованный изготовитель обливных
гончарных изделий.
Дюше, Андре 1710 - 78
Саванна Джорджия ПвРвый документально засвидетельствованный изготовитель фарфора в США,
ок. 1728 г.
Корселиус
(Кролиус),
семья
Ост, Готтфрид/
Брат
—* «тол * о™ и~.—_~.. м^ й*м Пятнадцать членов семьи на протяжении трёх поколений производят обливные
прим. 1730-1870 Манхеттен, Нью Иорк гончарНЫв изделия.
лтсс -«too Бетабара и Салем,
прим. 1756 - 1788 Северн^ Каролина
Изготовитель Моравской керамики с чёрной глазурью.
Бонин, Джордж прим. 1770 -1772
Саутворк,
Филадельфия,
ПА(Пенсильвания)
вместе с Джорджем Моррисом основал первую в США фарфоровую
компанию.
Бартлэм, Джон прим. 1771 -1775
Чарльстон, ЮК
(Южная Каролина)
Предприниматель, основавший первую в США фабрику по производству
кремовой керамики.
Нортон, Джон
прим.
1793- 1840-е
Беннингтон, штат
Вермонт
Основал первую в США фабрику по производству американского "Рокингема".
Белл, семья
прим. 1820- 1880
Питер Белл из Хагерстауна, штат Мэриленд, Самюэль Белл из Страсбурга,
штат Вирджиния и Соломон Белл из Вейнсборо, ПА. Производители изделий
Шенандоа - красной и обливной керамики.
Таккер, Вильям
Эллис
прим. 1825 - 1832 Филадельфия, ПА
Производитель американского фарфора в коммерческих масштабах.
Хемпхилл,
Джозеф
Александр
1770-1842
Филадельфия ПА
Партнёр Вильяма Эллиса Таккера в 1831 - 1838 гг. В фарфоровой компании
Таккер и Хемпхилл (впоследствии Производство Американского Фарфора Ко.).
Беннет, Джеймс ок. 1834 г.
Восточный
Ливерпуль, Огайо
Основал фабрику по производству обливной керамики.
Гендерсон,
Дэвид
прим.
1833-1840-е
Нью Джерси
Основатель Нью-Джерсийской Фарфоровой и Керамической Компании,
последняя впоследствии стала Производством Американской Керамики Ко.,
Нью-Джерси.
Беннет Эдвин прим* Балтимор, штат
ьеннет, одвин , 846 . 1890.в Мэриленд
Брат Джеймса. Основатель фабрики в Балтиморе, штат Мэриленд.
Картлидж,
Чарльз
* о а о i осе ГрИНПОИНТ, ШТаТ
прим. 1848-1856 к;нне|стикут
Основатель фабрики по производству бисквитного фарфора под своим
именем.
Боч, Вильям прим. 1850 - 1861
Гринпоинт, штат
Коннектикут
Основатель фабрики по производству фарфора с костной золой под своим
именем.
Ноулз, Исаак В. !Jg£_ 1880_е
Восточный
Ливерпуль, штат
Огайо
Вместе с Исааком Гарви основал в 1854 г. компанию, впоследствии
называвшуюся Ноулз, Тейлор и Ноулз в 1870 г.
Николе
(Стоурер), 1849- 1932
Мария Лонгворт
Цинциннати, штат
Огайо
Поклонница художественной керамики, которая основала Руквудскую фабрику
в 1880 г.
ВАЗА В ФОРМЕ
КУВШИНА
Таккер и Хемпхилл
Рунная роспись
на фарфоре;
ок. 1833 г.
Филадельфийская кампания
Таккер и Хемпхилл была
основана Вильямом Эллисом
Таккером и Александром
Хемпхиллом в 1831 г.;
после смерти Таккера в 1832
г в дело вошел Джозеф
Хемпхилл, отец Александра.
Вдохновение для создания
росписи типа этой
черпалось из творчества
художников Севре.
*
\
Наиболее заметная инициатива в создании
художественной керамики принадлежит, тем не
менее, Марии Лонгворт Николе (1849 - 1932),
известной покровительнице искусств. В 1880 году
она основала фабрику в Цинциннати, штат Огайо,
и назвала ее Руквуд в честь своего фамильного
поместья. В Руквуде в основном производились
художественные изделия - вазы, чаши и
тарелки. "Стандартный Руквуд" раннего периода -
рисунки разноцветной глиной, смешанной с
водой под слоем глазури на темном фоне -
развился в более экспериментальные стили: "тигровый
глаз" - золотые пятнышки и авантюриновая
глазурь - появились в середине 1880-х годов;
восточные формы с цветочными мотивами на
различных фонах под названиями Ирис, Морская
462

АМЕРИКАНСКАЯ КЕРАМИКА
зелень и Небесно-голубой; матовые глазури,
которые ввел в употребление дизайнер Артус ван
Бриггл в 1896 году; и прозрачные глазури после
1904 года.
В наши дни особенно ценятся изделия с
подписями Laura L. Fry, Van Briggle, Clara Chapman
Newton, Kuitaro Shirayamadani и главного
художника Albert R. Valentein.
Другие известные фабрики. Огайо стал
Меккой искусства керамики, а Цинциннати сре-
доточением его. Помимо Руквудской фабрики
между 1879 и 1889 годами там были открыты
Эйвонская Керамика, Художественная
Керамика Цинциннати, фабрика Марии Луизы Маклаф-
лин. Художественная Керамика Мэтта Моргана
и Керамика Уитли. Как всегда бывает среди
ремесленников, текучесть кадров была высока.
Мастера уходили с фабрик, чтобы основать
собственные предприятия или работать на других.
Лаура Фрай уехала из Руквуда и основала Лон-
худскую Керамику в Стеубенсвилле, штат Огайо;
в 1879 году это предприятие объединилось с
Керамикой Самюэля Веллера в Зейнсвилле, штат
Огайо, и стало называться "Фабрика Лоувелса".
Сочетание руквудских мотивов и
переливающегося глянца производства объединения Лонху-
да/Лоувелса высоко ценится коллекционерами.
В Зейнсвилле были еще две фирмы - Керамика
Дж. В. Оуэнса, основанная Вильямом Лонгом из
Лонхудской Керамики и производившая
Утопическую керамику (на руквудской основе), и Ро-
узвилльская Художественная Керамика,
известная своими сериями Розан и Розан Ройял (ок.
1900).
ФАРФОР
На развитие производства фарфора в
колониальной Америки протекционистская политика
Британии оказала еще более сильное влияние, чем
на изготовление керамики. Импорт китайского
фарфора через Британию был вполне приемлем,
и сине-белые и многоцветные изделия в
соответствующих геральдических и юбилейных наборах
очень ценились богатыми американцами.
Для производства настоящего твердого
фарфора необходима была фарфоровая глина. В 1738
году впервые в Америке ее обнаружил Андре
Дюше (1710 - 1778), сын гончара, который
наткнулся на обширное месторождение,
протянувшееся от Виргинии через Джорджию. После
нескольких неудачных попыток наладить
производство он, похоже, отказался от этой идеи. К 1743
году его место занял Самюэль Боуэн, который
был удостоен золотой медали от Английского
общества содействия искусству, производству и
торговле. Тем не менее до нас не дошло ничего
из его работ.
В поисках самых первых фарфоровых
изделий, если только они еще существуют, можно
попытать счастья среди продукции фабрики
Джорджа Бонина и Джорджа Энтони Морриса в Саут-
варке, Филадельфия, основанной в 1770 году. Она
успешно работала в течение двух лет, и на
сегодняшний день сохранилось всего около 20 сине-
белых изделий.
УСТАНОВЛЕННАЯ ТРАДИЦИЯ
Более серьезных достижений добилась
филадельфийская компания Вильяма Эллиса Таккера
с 1800 по 1828 год. Позже в дело вошел
компаньон Джон Гульм, затем Александр Хемпхилл.
После смерти Таккера в 1832 году Хемпхилл
продлил лицензию до 1838 года. Наиболее
знаменитой продукцией компании являются
отличные белые кувшины с позолотой и цветочным
орнаментом.
Хотя известная больше за свою керамику,
беннингтонская фабрика Нортон и Фентон
также выпускала паросский (неглазурованный
мелкозернистый бисквитный) фарфор с 1843 года и
сине-белую и позолоченную посуду с 1853 года.
В тот же период в Гринпоинте (теперь Бруклин,
Нью-Йорк) работало две менее крупных
компании: Чарльз Картлидж и Ко. (1848 - 1856), в
основном производящая паросский фарфор, и
Объединенные фарфоровые фабрики (основана
в 1862 г.) Томаса Смита.
"Лотосная" керамика Ноулза, Тейлора и Но-
улза, выпускавшаяся в периоде 1891 по 1898 г.
привнесла эстетику Движения Британских
искусств и ремесел в производство Беллика
(тонкого яркого паросского фарфора), который стал
очень модным после американской выставки в
честь столетия дня независимости в 1876 году в
Филадельфии.
ВАЗА
Руквудасая фабрика
Янтарная керамика
с прозрачной глазурью
и украшенная камеями;
ок. 1890 г.
Руквудские изделия можно узнать
по буквам RP (1880 - 86). С 1886
по 1890 каждый год добавлялся
маленький язычок пламени, а с
1900 года его заменили римские
цифры, начиная с I.
463

КЕРАМИКА
Мошенническое искусство подделок и 6олее честные попытки
ВОССОЗДАТЬ ШЕДЕВр ЗАЧАСТуЮ ДОВОЛЬНО ТРУДНО РАСПОЗНАТЬ ТЕМ,
кто уже мнит се6я совершившим великое открытие.
ПОДДЕЛКИ, ФАЛЬШИВКИ И КОПИИ
Большое количество подделок древних
изделий - сущий бич коллекционеров
керамики. Многие из них являются честными копиями,
сделанными без попытки ввести в заблуждение
и часто современные оригиналу, например, чел-
сийские копии мейсенских статуэток. Некоторые
копии, однако, являются поддельными,
специально предназначенными для того, чтобы заставить
покупателя считать, будто он приобретает
подлинник. Среди подделок встречаются и
частичные фальсификации - это подлинные изделия,
тем или иным способом измененные.
Со времен династии Тан (618 - 906)
китайцы оглядывались на более ранние изделия
в поисках достойных подражания шедевров.
Об обмане не было речи - китайцы очень
ДВЕ ДЕЛЬФТСКИХ
БУТЫЛИ ДЛЯ ВИНА
Подделка 1930-х г. (слева)
и оригинал (справа), 184 мм
(7'/4 дюйма). (Внизу)
ДВА ЧАЙНИКА
Подлинное йонгшенгское
изделие, 175 мм (67/8 дюйма), (слева)
и французская имитация
(справа), сделанная ок. 1880 г., 108
мм (4'/4 дюйма). (Внизу)
I
^t&T
f
любили историю, и, воссоздавая изделия из
прошлых эпох, они верили, что
устанавливают связь с ними. В соответствии с этими
убеждениями они ставили на свои копии клейма
подлинников.
Какой бы похожей копия ни была, состав
материала, форма, глазурь, цвет или узор
выдадут ее отличие от оригинала. Невозможно в
точности воссоздать все составные части и процесс,
которыми пользовался автор настоящего
изделия: прошлые месторождения глины
выработаны, печь не такая, глазури стандартизованы,
формулы утеряны. И, что самое важное, на
имитатора бессознательно влияют стили его
собственного времени и более древние, неизвестные тому
мастеру, которого он копирует. От этого почти
невозможно абстрагироваться, и еле заметные
их элементы неизбежно проявятся в формах или
узорах.
Определение подлинности изделия
включает в себя все вышеперечисленные критерии.
Марки подделывались с того самого дня, как в
Мейсене в первый раз поставили клеймо из двух
скрещенных мечей около 1724 года. Этот штамп
стал символом качества, и многие английские
фабрики (Ворчестер, Дерби, Лоустофт, Лонгтон
Холл) в середине 18 века помещали его на свои
изделия.
Самыми многочисленными и
труднораспознаваемыми для любителя копии делались в
Париже Эмилем Самсоном во второй половине 19
века. Большинство из них, особенно копии мей-
сенской продукции, очень похожи на
оригиналы. Однако твердый фарфор английских копий,
которые должны были бы быть из мягкого
фарфора, выдает их происхождение. В
большинстве случаев Самсон ставил штамп с номером,
или свою собственную марку, или и то и
другое. Иногда их стирают, чтобы сделать
сходство более полным.
Среди наиболее известных современных
фальсификаций надо сказать о старых тарелках, в
большинстве своем мейсенских, китайских или
японских, с которых стерли роспись и заменили
другой, напоминающей узоры на наиболее
ценной посуде. Такие изделия очень трудно
отличить от подлинников.
464

ПОДДЕЛКИ, ФАЛЬШИВКИ И КОПИИ
ДВЕ ВЫСОКИЕ
ПИВНЫЕ КРУЖКИ
ИЗ ИЗНИКА
Слева - копия Флорентина Ул-
лиса Кантагалли, сделанная ок.
1880 г., с собственным
клеймом, удлиненным для
большего сходства, 220 мм (95/в
дюйма) Справа - подлинник 16
века, 210 мм (8'/4 дюйма). Кан-
тагалли специализировался на
копировании итальянских
майоликовых, персидских и
турецких изделий.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться
новые работы.
Адаме, Лен и Ивонн.
Мейсенские
портретные статуэтки.
Лондон, 1987.
Эттербёри, Пол.
История фарфора.
1982.
Барбер, Эдвин и Этли.
Гончарные изделия и
фарфор Соединённых
Штатов и клейма
американских
мастеров.
(объединенное издание)
Нью-Йорк, 1976.
Бетти, Дэвид.
Энциклопедия
фарфора Сотби.
Лондон, 1990.
Чарльстон, Р. Дж.
Керамика мира.
Лондон, 1968.
Чуон, Ким и Г. Ст. Г.
М. Гомперц.
Искусство
корейской
керамики.
Лондон, 1961.
Кушон, Дж. П.
и В. Б. Хани.
Справочник
по клеймам
на керамике
и фарфоре.
(исправленное
издание).
Лондон, 1965.
Даймонд, М. С.
Справочник по
мусульманскому
искусству.
(Глава X).
Нью-Йорк, 1958.
Дрей, Рудольф Е.
Фармацевтические
сосуды.
Лондон, 1978.
Фей-Хал л, Антуанетта
и Барбара Мундт.
Европейский
фарфор 19 века.
Лондон, 1983.
Фротингем,
Элис Вильсон.
Испанская
майолика.
Нью-Йорк, 1951.
Гарнер, Ф. Н.
Английские
дельфтские
изделия.
Лондон, 1948.
Годден, Г. А.
Энциклопедия
производителей
британского
фарфора.
Лондон, 1988.
Хани, В. Б.
Старинный
английский фарфор.
Лондон, 1977.
Говард, д. И Дж.
Эйерс.
Фарфор для Запада.
(Китай - Западу).
Лондон и Нью-Йорк,
1978.
Дженинс, Р. С.
Поздний китайский
фарфор.
Лондон, 1951.
— Японский
фарфор.
Лондон, 1965.
Курц, О.
Подделки -
справочник для
коллекционеров.
Лондон, 1948.
Лич, Бернард.
Книга мастеров
гончарного ремесла.
Лондон, 1977.
Левин, Илейне.
История
американской
керамики с 1607
до наших дней.
Нью-яЙорк, 1981.
Ливерани, Дж.
Пять веков
итальянской
майолики.
Лондон, 1960.
Ллюэллин, Джуитт.
Искусство керамики
Великобритании.
Лондон, 1985
(репринтное издание
1883 г.).
Медли, Маргарет.
Искусство
китайского гончара.
Оксфорд, 1981.
Миллер, Р. А.
Японская керамика.
Рутланд, 1960.
Севидж, Джордж.
Немецкий фарфор
18 века.
Лондон, 1958.
— Французский
фарфор 17 и 18 вв.
Лондон, 1960.
Спарго, Джон.
Азбука
беннингтонских
керамических
изделий.
Беннигтон, Вермонт,
1948.
Коллекция Уоллеса.
Каталог керамики,
гончарных изделий,
майолики, фаянса
и (обливных)
глиняных изделий.
Лондон, 1976.
Уоткинс, Лура
Вудсайд.
Первые гончары
Новой Англии и их
изделия.
Кембридж,
Массачусетс, 1950.
465

-.£\*
Происхождение стекла
Стекло в классическом мирЕ
Стекло в эпоху Возрождения
и бАрокко
18 ВЕК
Великая эпоха граненого стекла
19 век
ПЕррлн Вуд
На странице: РИМСКОЕ МОЗАИЧНОЕ СТЕКЛО,
25 г. до н.э. - 25 г. н.э. (Фрагмент).
/

СТЕКЛО
СТЕКЛО
На злрЕ своей истории стекло было редким и дорогим
МАТЕРИАЛОМ, И ОЧЕНЬ НЕбОЛЬШОЕ КОЛИЧЕСТВО ДРЕВНИХ ИЗДЕЛИЙ
ДОШЛО ДО НАШИХ ДНЕЙ. Но ЭТО ХруПКОЕ ПрОШЛОЕ ЗАЛОЖИЛО ОСНОВУ
ДЛЯ ПОЯВЛЕНИЯ ОГРОМНОГО рАЗНООбрАЗИЯ ПРОДУКЦИИ МЕНЕЕ
ДАЛЕКОГО ВрЕМЕНИ, В КОТОрОЙ СОЕДИНИЛИСЬ КрАСОТА
И ПРАКТИЧНОСТЬ.
ЛАМПА
Египет
Конец 14 в.
К ) 4 веку Сирия славилась
своими эмалированными изделиями,
особенно лампами для мечетей.
Искусство нанесения эмали
переняли венецианские мастера,
возможно, в результате
оживленной торговли со Средним
Востоком. (Вверху).
Стекло очаровало человека с давних времен. В районах вулканической
активности природное стекло - обсидиан - использовалось еще в
доисторические времена для изготовления различных орудий. Сделанное
человеческими руками стекло впервые появилось в Месопотамии (теперь Ирак) в
третьем тысячелетии до н.э. Его состав был прост: кремнезем (песок)
расплавлялся в печи вместе с щелочными флюксирующими реактивами или
солями (сода или поташ), которые понижали температуру плавления смеси (соду
получали путем сжигания водорослей, поташ - из пепла лиственных
деревьев). Определенные химические добавки, например оксиды металлов, влияли
на цвет и прозрачность стекла: железо придавало зеленый оттенок, кобальт -
синий, никель или марганец - фиолетовый, а подбирая комбинацию взаимо-
компенсирующихся оттенков, получали бесценное "хрустальное" чистое стекло.
В расплавленном состоянии стекло обрабатывалось различными орудиями,
многие из которых остались неизменными со времен Римской империи.
Как только процесс выдувки стекла открыли на Ближнем Востоке около
50 года до н.э., стало возможно производить разнообразную стеклянную
домашнюю утварь в больших количествах и по низкой цене, так как сырье
было легкодоступно.
ЧАША
восточное
Средиземноморье
или Италия
100 год до н.э. - 100 год
н.э.
Прекрасный образец
роскошной посуды темного цвета того
времени. Должно быть, чаша
была сначала отлита, а затем
отполирована для придания
глубины цвету.
468

СТЕКЛО
Центры по изготовлению стекла имели тенденцию возникать в лесистых
областях, которые обеспечивали производство топливом, сырьем для
постройки тигельных печей, и, как правило, поблизости от реки, которая
снабжала мастеров чистым песком и служила в качестве торгового пути. В
основном тесно связанные родством кланы мастеров-стеклодувов надолго
оседали в лесах Богемии и Силезии, Лорейна, Спессарта и в Стаурбридже, в
Англии.
К началу эпохи Ренессанса для успешной работы стелкодувная
мастерская должна была располагать значительным персоналом, объединяющим свои
усилия. Мастер руководил процессом в целом и координировал труд
рабочих, среди которых были формовщик, печник, кузнец (изготовлявший и
чинивший специальные инструменты), клерк (ведущий финансовые
ведомости) и непосредственно стеклодувы: бригадир с несколькими помощниками,
собирателями, прислужниками, декораторами и отделочниками.
Производство стекла, начавшееся с первых робких шагов, с течением
времени постепенно развивалось, в некоторые периоды на него смотрели
как на обычную вещь, в другие относились с почтением, как к редкому и
дорогому материалу, имеющему высокую финансовую и даже
мистическую ценность. Мастерство постоянно совершенствовалось и
приспосабливалось к текущим потребностям, возникали все новые области
применения стекла. Помимо обычного использования в качестве материала для
сосудов для питья и хранения продуктов, стекло теперь широко
применяется в архитектуре. Не менее важна его роль в науке и технике, где оно
используется при изготовлении разнообразных приборов или их деталей,
например, барометров и линз, в химических опытах, медицине, стеклово-
локонной оптике, связи и освещении.
КАНДЕЛЯБР
Англия
Ок.1770 г.
Англичане первыми научились
делать граненые стеклянные
висячие украшения, чтобы
усилить отражение света свечей.
(Вверху)
КУВШИН
Джозеф Лок
Янтарное стекло и золото;
1883 г.
К концу 19 е. производители
стекла в Европе и Америке
значительно расширили
возможности создания эффектов, которые
придавали стеклу различные
химические добавки.
469

СТЕКЛО
Первыми изделиями из стекла были вовсе не тривиальные
ОКОННЫЕ СТЕКЛА ИЛИ ПОСуДЛ, К КОТОрОЙ МНОГИЕ ИЗ НАС
привыкли относиться 6ез особого почтения, а предметы
роскоши. Их редкость свидетельствует о том, что они
считались вещами огромной ценности.
ПРОИСХОЖДЕНИЕ СТЕКЛА
Последние археологические данные
указывают на Месопотамиюкак на родину стекла.
Его производство, похоже, развилось из
применения стекловидных глазурей при изготовлении
ювелирных и керамических изделий. Первыми
сделанными из твердого стекла предметами были
бусины, которые играли важную роль не только в
качестве украшений, но и как денежный эквивалент в
торговле. Одним из первых способов,
применявшихся при изготовлении форм стеклянных
сосудов, было использование литейной шишки.
Стекло, расплавленное в тигле, обматывали вокруг
"шишки" из песка, грязи и соломы, обернутых
вокруг железного стержня. Процесс несколько
напоминал наматывание нитки на катушку. Маленькие
флаконы для ценного содержимого и духов часто
делались из стекла темно-зеленого или синего
цвета, которое затем украшалось белыми или
желтыми стеклянными же нитями, образующими
зигзагообразный узор. Другим важным методом,
развившимся в то время, было литье по формам.
Применялись как открытые, так и составные формы из
СУРЬМОВАЯ БУТЫЛЬ
Египет
Ок. 1500 - 1310 г. до н.э.
Эта бутыль в форме пальмовой
колонны была изготовлена по
технологии шишечного литья и
затем украшена наложением
белых и желтых нитей,
вдавленных в стекло и создавших
зигзагообразный узор. (Вверху)
КУВШИН
и алабастрон
(продолговатый
сосуд для
благовоний)
Восточное Средиземноморье
400 - 300 гг. до н.э.
Эти предметы были сделаны в
Египте по способу, который был
известен еще 1500 лет назад.
(Слева)
двух частей, куда помещалось расплавленное или
измельченное стекло. Затем оно нагревалось до
плавления; использовался также способ литья по
выплавляемым восковым моделям. Формы
применяли еще при производстве "мозаичного" стекла,
состоящего из крошечных поперечных сечений
выведенных и составляющих узор стеклянных полос,
которые сплавляли вместе и полировали после
охлаждения. Изделия вырезались из твердых блоков
стекла с включениями более прочных материалов,
например кварца или хрусталя.
ЕГИПЕТ
Во время правления египетского фараона Тут-
моса III (1505-1430 г. до н.э.) секрет
изготовления стекла был привезен из Месопотамии в Фивы,
столицу Нового царства, и в другие города.
Большое количество небольших изделий из стекла,
включая сосуды и флаконы для духов, было
обнаружено во время раскопок на берегах Нила.
Стеклянные изделия использовались также для
украшения гробниц фараонов. Наиболее известные
экземпляры были найдены в захоронении Тутанхамона.
СТЕКЛО БРОНЗОВОГО
И ЖЕЛЕЗНОГО ВЕКОВ
Около 1200 года до н.э. цивилизации
бронзового века пришли в упадок, а вместе с ними и
центры изготовления стекла на Крите, Кипре, в
Анатолии, Сирии, Палестине и на Пелопоннесе.
Производство стекла оживилось лишь во время
Железного века (1100 г. до н.э.) с возрождением
культуры и торговли. Со временем возвысились
новые народы, включая фригийцев в Анатолии,
финикийцев у Леванта, ассирийцев на берегах
Тигра и Евфрата и греков в регионе Эгейского моря.
Возродилась технология шишечного литья, и
сосуды повторяли формой изделия греческой
керамики. Изготавливалась также посуда, обычно
бледно-зеленых оттенков, но иногда она делалась
разноцветной или вообще бесцветной. Эта
технология была особенно популярна в Персии с 7 по 4
век до н.э., когда мелкие чаши украшались
глубоко вырезанными желобками, скопированными с
металлических изделий. Благодаря активности
финикийцев производство стекла
распространилось на запад, в бассейн Средиземного моря.
470

СТЕКЛО В КЛАССИЧЕСКО
ИРЕ
Несмотря на хрупкость, до нас дошло большое количество
ИЗДЕЛИЙ ИЗ СТЕКЛА, СДЕЛАННЫХ ДРЕВНИМИ фЕКАМИ И рИМЛЯНАМИ,
ЧТО ПОМОГАЕТ ПОЛУЧИТЬ бОАЕЕ ЯСНОЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЕ об ИХ
УТОНЧЕННОМ СУЩЕСТВЕ.
СТЕКЛО В КЛАССИЧЕСКОМ МИРЕ
Усиление Македонии и завоевательные
походы Александра Великого потрясли
восточное Средиземноморье. Распад империи
Александра после его смерти (323 г. до н.э.) привел к
возникновению эллинских центров на Среднем
Востоке. Наиболее важным и долговечным из них
было государство Птолемея со столицей
Александрией, где процветала торговля предметами
роскоши, включая стекло, что привлекало туда
мастеров из Месопотамии, Сирии и других мест.
Технология огранки, покрытия эмалью и
украшения стекла, например, помещая золотую
пластинку между двумя слоями стекла,
усовершенствовалась там и вновь была передана в Италию, где
доминирующее положение после этрусков
заняли римляне. Скорее всего в Леванте, примерно в
50-е годы до н.э., была открыта наиболее
революционная технология производства стекла -
выдувание. Шарик расплавленного стекла собирался
на конце полой железной трубки, которая
позволяла мастеру выдуть в стекле полость любого
размера и формы и быстро и дешево повторить
процесс.
РАННИЙ ЛАТИНСКИЙ МИР
Во второй половине второго столетия до н.э.
средиземноморский регион впервые за свою
историю попал под контроль одной власти, был
объединен общим языком, торговыми и
культурными связями. Благодаря открытию выдувания
стекла именно в этот период, его производство
достигло больших высот в этой точке своей
истории. Вплоть до возвышения Венеции в 15 и 16
веках не наблюдалось подобного расцвета новых
технологий и форм, столь изящных и
прекрасных шедевров из стекла и такого огромного
количества обычной стеклянной посуды для
повседневных целей. Стало популярным стекло ярких
цветов. Выплавкой в формах и мозаичным
методом пользовались в основном для создания
художественных изделий, а выдувание применялось
для изготовления более практичных вещей.
В течение первых трех веков н.э.
производство стекла по довольно-таки типовым
технологиям и стилям распространилось во все уголки
Римской имеперии: в Галлию, Германию и на
Иберийский полуостров. Им занимались в основ-
"БУТЕРБРОДНЫЙ"
СТЕКЛЯННЫЙ
МЕДАЛЬОН
Рим
Травленая золотая
пластинка между двумя
слоями стекла.
Латинская надпись означает:
"Анатолиусу с благодарностью'.
(Слева)
КЛЕТКА ЛИКУРГА.
ЧАШКА
Рим.
4 в. н.э.
Изображен царь Ликург,
которого одолели менады. (Внизу)
471

СТЕКЛО
ГРУППА СОСУДОВ
Сидон
Вторая половина 1 в. н.э.
Эти маленькие отформованные
раздувом сосуды
предназначались, вероятно, для хранения
масел, мазей и духов. Подобные
изделия, которые находят во всем
Средиземноморье, были,
очевидно, изготовлены в Сирии.
ном сирийские (или находившиеся под
влиянием сирийцев) мастера.
Выдувание в формах усовершенствовалось в
первом столетии н.э., и до наших дней дошло
большое количество маленьких сосудов и
флаконов, сделанных этим способом. Некоторые из них
украшены масками или головами Януса,
надписями, именами, виноградом или раковинами. В
то же время, скорее всего, в Александрии,
возникла технология нанесения сначала слоистого,
затем рельефного узора на стекло. Мозаикой
выкладывались сверхизящные фрески и полы:
тысячи крошечных разноцветных кубиков
нарезались из прочных стеклянных блоков, и из них
составляли узоры или целые сцены. К моменту
извержения Везувия в 72 году н.э., который
засыпал пеплом Помпеи и Геркуланум, во многих
домах были оконные стекла, отлитые,
полированные и вставленные в деревянные или
металлические рамы.
ПОЗДНЕЙШИЕ ДОСТИЖЕНИЯ
РИМЛЯН
С конца второго века нашей эры
разноцветное стекло утратило популярность, и нормой для
роскоши стало стекло бесцветное. Его обычно
гранили, гравировали или украшали
наложенными витыми нитями, наверное, по сирийской моде,
472

СТЕКЛО В КЛАССИЧЕСКО
ИРЕ
оказавшей сильное влияние на Кельн и прирейн-
ские земли.
В четвертом веке произошли значительные
политические изменения, когда империя
распалась на восточную и западную части и
христианство стало официальной религией. Появились
новые формы, например кубки на подставках и
висячие лампы. "Бутербродному" стеклу
посчастливилось выжить, но теперь в медальонах
изображались библейские мотивы.
Разделение Римской империи привело к
ослаблению связей между центрами производства
стекла на востоке и западе, что послужило
причиной возникновения различных стилей и тра-
ЧАША "КЛЕТКА"
Рим - Сирия
Ок. 300 г. н.э.
В форме таких 'клеток'
изготавливались висячие лампы. Их
внешняя часть вырезалась из
прочного блока стекла. Эти изделия
являются наиболее ценными из
дошедших до нас экземпляров
древних мастеров производства
стекла. (Слева)
ПОРТЛЕНДСКАЯ ВАЗА
Рим
1 в. н.э.
Прекрасный пример того, что
римляне считали роскошью, это
самое знаменитое из уцелевших
изделий с рельефным
украшением Слои стекла сплавлялись
вместе, а потом вырезался рисунок.
(Внизу)
диций. В землях рейнского бассейна некоторое
время продолжалось изготовление прозрачных
стеклянных изделий, украшенных
разноцветными нитями или крапинками, но заметно
постоянное падение качества. Произошла
значительная перемена стиля в сторону того, что в
настоящее время называется франкским стеклом в
Галлии и Германии. Формы стали более
тевтонскими по восприятию, менее изящными и
утонченными, уменьшилось их разнообразие;
стекло стало содержать больше примесей. Однако
римские традиции, хотя и ослабились, выжили
в Темные века. Они заняли свое место в числе
других ремесел, при поддержке и поощрении
церкви, Карла Великого и его наследников,
которые правили средневековыми Францией,
Бургундией и Германскими землями Священной
Римской Империи. К северу от Альп содовое
стекло практически исчезло после 100 года н.э.,
вытесненное поташевым или вальдглассом
(лесным стеклом), в то время как мастера
Средиземноморья продолжали использовать содовое
стекло, сырье для производства которого легко
было получить.
473

СТЕКЛО
Мода на эффектную, изысканную посуду, которую принесла
эпоха Возрождения, продолжалась в ПЕриод Бдрокко, когда
искусство изготовления аЕклА еще ширЕ рАспроарлнилось
во все центры Западной Европы.
СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
Предпосылки к лидирующему положению
ции в производстве стекла следует искать в
средних веках. Раскопки Торселло представили
доказательство существования производства
стекла начиная с шестого - седьмого века. К 11 и 12
векам выпускалась мозаика, бутыли для вина и
масла, чашки и стеклянные гири. В 13 веке п-
роизошел всплеск в изготовлении стеклянных бус
(которые делались из разноцветных шариков),
использовавшихся в качестве денежного
эквивалента в торговле. К концу 14 века начался экспорт
венецианского стекла, о чем свидетельствует
грамота Ричарда II, дающая право венецианским
купцам продавать свои товары, включая стекло, на
темзенской пристани. Через свои торговые
связи венецианские мастера испытывали влияние
Византии и Сирии.
Процветание и могущество Венеции
зиждилось на торговле и мощном флоте, чтобы эту
торговлю защищать и развивать. Расположенная
посередине между Византией, Средним Востоком
и западным Средиземноморьем, она укрепляла
отношения как с усиливающимися центрами
Европы и Византией, так и с рынком в конце
Великого Шелкового пути. В действительности
резкий рост производства стекла в Венеции был
логичным ответом на потерю рынков в Эгейском
море и Леванте, которые попали под все
усиливающееся влияние турок. Венеции пришлось
обратиться к Западу в поисках новых торговых
партнеров и союзников. В 13 и 14 веках
стеклянная промышленность была поделена на
секторы, производящие бусы, плоское стекло
(оконное), бутыли и линзы. В 1292 году производство
стекла было перенесено на острова Мурано,
примерно в 5 километрах (3 милях) от центра
города. Это было вызвано частично
предосторожностью против возможного пожара, но в большей
степени стремлением превратить сообщество
производителей стекла (число которых к концу
16 века составляло около 3000 человек) в
закрытую тайную организацию.
К концу 15 века Венеция выпускала очень
богатую и изысканную парадную стеклянную
посуду. На формы кубков с крышками, чаш на
подставках и дорожных фляг, которые чаще
всего имели богатый, сочный оттенок синего и
зеленого, все еще оказывали влияние готические
металлические изделия. Украшения же
отражали рост европейского влияния и интерес к
поиску корней европейской культуры в
классической античности, позднее проявившийся в
Ренессансе. Свадебная посуда, например,
расписывалась эмалями. На ней изображались портреты
ЭМАЛИРОВАННЫЙ
БОКАЛ
Возможно, Сирия
14 в.
Украшенный латинской надписью
и германской геральдикой, этот
бокал предназначался для
франкского заказчика.
474

СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
пары в виде классических бюстов или в
современных тогда платьях в форме камей или
медальонов.
Мастеров вдохновляли работы таких
художников, как Мантенья, Джентиле да Фабриано и
Карпаччио, и они использовали фрагменты из их
произведений в своей собственной
интерпретации классической мифологии и аллегории.
Важным декоративным элементом были полосы из
точек, завитков и лиственного орнамента, часто
заключавшие в себя основной рисунок.
В то же время венецианцы
экспериментировали со стеклом, имитирующим другие
материалы, такие, как фарфор и полудрагоценные
камни. Сохранилась небольшая часть посуды латит-
то из опалово-белого стекла, отражающая
интерес к китайскому фарфору, а также кальчедо-
нио, чей цвет темного мрамора имитирует
халцедон и другие материалы, высоко ценимые при
дворах, среди которых Ренессанс был в моде.
Среди вызывающих интерес минералов был
горный хрусталь, природный кварц, который, если
верить алхимикам, обладал магическими
свойствами. Прозрачностью хрусталя, особенно
ограненного и отполированного, всегда
восхищались. Поэтому венецианские мастера добивались
тех же качеств от стекла, добавляя известь к
содово-кремниевому составу для получения кри-
сталло, прозрачной, более бесцветной, чем
производившаяся до сих пор, и похожей на
хрусталь стеклянной массы. Будучи относительно
прочным, этот материал мог выдуваться до очень
небольшой толщины, а низкая точка замерзания
позволяла легко придавать изделию самые
разнообразные формы с помощью щипцов и прочих
инструментов. В начале 16 века нигде в Европе
больше не производили стекло такого типа, и
поэтому при европейских дворах спрос на
великолепное венецианское стекло был огромен.
Так как кристалло вытеснил другие виды
стекла, декораторам пришлось приспособиться к
новому материалу. Покрытие эмалью свелось в
основном к декоративным бордюрам из
разноцветных точек на позолоте. К стеклу приклеивалась
золотая пластинка и процарапывалась иглой для
создания узоров и надписей. Применялась
также гравировка алмазной гранью, техника,
которой в совершенстве владел Виченцо ди Анджело
далль Галль ок. 1549 года. Гравировка
сочеталась с позолотой и наплавливанием стекла.
Мотивы узоров были в основном лиственными,
например, завитки листьев аканта, гротескными и
иногда геральдическими.
МАНЬЕРИЗМ
Когда Высокий Ренессанс уступил место
более утонченному и утрированному стилю,
известному в искусстве как Маньеризм, это нашло
отражение в изделиях Мурано. Картины того
ЭМАЛИРОВАННАЯ
ДОРОЖНАЯ ФЛЯГА
Венеция
Ок. 1500 г.
Ранние венецианские
эмалированные изделия часто были
сочных синих или зеленых цветов. В
живой росписи проявляются
мотивы Ренессанса(Слева)
ХАЛЦЕДОНОВАЯ ЧАША
Венеция
Ок. 1500 г.
Венецианцы экспериментировали
со стеклом, имитирующим
полудрагоценные камни и горный
хрусталь. (Внизу)
475

СТЕКЛО
времени свидетельствуют, что производилась
простая, но элегантная посуда кристалле
Однако мастера недолго сдерживали свою
изобретательность. Даже самые обыденные чаши и
лампы украшались разноцветными нитями, часто
оканчивающимися причудливыми головами птиц
или змей. Ножки кубков выдувались формовкой
в образе лиц сатиров, чаши украшались самыми
прихотливыми отформованными узорами, или же
сам корпус мог быть выполнен в виде каркаса из
белых переплетенных стеклянных стержней,
сплавленных вместе (vetro a filigrana). Эта
технология, которая не выходила из моды более 200
лет, впервые упоминается в Мурано в 1527 году,
когда братья Серена завладели монополией на
производство "стекла из полос, навитых на
литейную шишку". С тех пор на чашках, бокалах,
кубках, подносах и вазах появились различные
виды филиграни - кружева, крестики, спирали и
т.д. Другим новым видом стекла было так
называемое "ледяное стекло" - кракель. Причуда в
типичном для маньеризма стиле, кракель
означал помещение кусочка кристалло в холодную
воду для искажения поверхности.
ВЛИЯНИЕ ВЕНЕЦИИ
Несмотря на усилия венецианских властей
удержать монополию на производство стекла в
своих руках, спрос на стеклянные изделия был
настолько велик, что венецианские мастера,
прельщенные баснословными выгодами,
сбегали ко дворам европейских королей, которые
готовы были платить любые деньги за их услуги.
С 1490 года власти Венеции стали угрожать
мастерам-стеклодувам, раскрывающим секреты
иностранцам, суровым наказанием и
штрафовали тех, кто после работы за границей
возвращался на родину. Однако их усилия не привели
к сколько-нибудь заметному результату.
Стекольная мастерская, основанная Вольфгангом
Витлом в Галле, в Тироле 1534 году была
первой, успешно изготовлявшей Facon de Venice
за пределами Италии. В 1570 году эрцгерцог
Фердинанд II, регент Тироля, основал
стеклодувную мастерскую в Инсбруке под
собственным покровительством и управлением. Он
убедил сеньорию прислать ему бригаду
стеклодувов, прося избрать "обладающих наибольшей
фантазией", и даже пытался лично выдувать
стекло. Типичные изделия, производившиеся
тогда в Тироле, сохранились в замке Амбраз и в
Кунстисторическом музее в Вене. Стекло
обычно отличалось от венецианского серым
оттенком массы и несколько более тяжеловесными
формами. Наибольшей популярностью
пользовались кубки с крышками на высоких ножках с
гравированным алмазом узором, часто
заключавшем в центре геральдику, например
двуглавого орла Священной Римской империи.
КУБОК С КРЫШКОЙ,
УКРАШЕННЫЙ
ГРАВИРОВКОЙ
И ПОЗОЛОТОЙ
Придворная стеклодувная
мастерская, Инсбрук
Ок. 1575 г.
Венецианцы, работавшие у
эрцгерцога Фердинанда, создавали
характерные гравированные и
раскрашенные изделия из
сероватого стекла.
FACON DE VENICE,
КУБОК
Антверпен
Конец 16 в.
Ножка с отформованными вьщу-
вом и наложенными москами была
особенно популярна среди
мастеров, работавших в
Нидерландах в венецианском стиле.
476

СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
ФИЛИГРАННАЯ
ТАРЕЛКА
Венеция
Конец 16 в.
Кроме форм, основанных на венецианских
прототипах, появляются немецкие формы -
высокие, цилиндрические штанген и хампен.
В Германии были основаны и другие
стеклодувные мастерские, производящие венецианское
стекло, но все они продержались недолго.
Необходимые компоненты для изготовления Facon de
Venice были дороги и трудны в получении, а
мастера редко оседали на одном месте.
Мюнхен, Вена, Кассель и Дессау могли похвастать
тем. что некоторое время в них работала
стеклодувная мастерская с рабочими-итальянцами.
Нет причин сомневаться в том, что стекло в
венецианском стиле значительно повлияло на
производство местного лесного стекла, привело
к большему изяществу изделий и включению
некоторых венецианских элементов, особенно
росписи эмалями.
ФРАНЦИЯ
Главным торговым соперником Венеции в
Средиземноморье считалась Генуя,
город-государство. Одной из ее колоний был Алтаре,
производство стекла в который было завезено из
Сирии, а затем в 15 веке подверглось влиянию
Мурано.
Так как не идентифицировано ни одного
изделия из Алтаре, можно допустить, что местная
продукция мало отличалась от венецианской.
Генуэзкие власти обладали более
прогрессивными взглядами на вопрос монополии. Они не
препятствовали своим мастерам уезжать за
границу, при условии, чтобы те не выдавали секретов
своего искусства.
Хотя венецианцы изготавливали
эмалированные изделия в Лионе со второго десятилетия
16 века, лишь унаследование герцогства Невер-
ского Гонзагом, маркизом Монферратским (где
был расположен Алтаре) привело к появлению
важного центра по изготовлению стекла в
венецианском стиле во Франции. Из Невера
мастера разъезжались в Париж, Нант, Руан и
Орлеан. В течение столетия миграция итальянцев
привела к образованию влиятельной гильдии
мастеров-стеклодувов, хорошо разбирающихся
в технологии производства стекла. Они
продолжали делать простые формы стаканов и
бутылей в венецианском стиле в 17 веке, но также
Венецианцы изготавливали
роскошные изделия в стиле vetro а
filigrana. Нити опалово-белого
стекла и вкрапления воздушных
пузырьков создавали эффект
"сетки", как называли его германцы.
477

СТЕКЛО
достигли больших высот в изготовлении
плоского стекла.
НИДЕРЛАНДЫ
С самого начала итальянских стеклодувов
привлекали Нидерланды, которые имели
развитые связи с Италией и использовались ею в
качестве плацдарма для торговли с Европой. В 1506
году Энгельбердт Колинье, уроженец Южных
Нидерландов, получил разрешение открыть
стеклодувную мастерскую с итальянскими рабочими в
Бовельце, около Монса; с 1541 года венецианцы
работали в Антверпене, который в течение
следующих ста лет оставался важнейшим центром
стекольного производства в Нидерландах. Там
изготавливалась стеклянная посуда в
венецианском стиле такого качества, что зачастую
трудно определить ее истинное происхождение. Кра-
кель и филигрань пользовались огромной
популярностью, так же как и совершённые по
пропорциям кубки с отформованными выдувом
львиными головами на ножках и чаши, часто
украшенные наплавленными львиными головами и
гравировкой алмазной гранью. Сохранилось много
изделий из Нидерландов, оправленных в
серебро, золото или другие металлы. Наряду с
обычными предметами изготавливались и более рос-
V
т
кошные, удовлетворяющие вкусам позднего
маньеризма и раннего барокко, которые требовали
щегольства и фантазии. Стеклодувные
мастерские в Монсе, Намюре и Льеже, который занял
место Антверпена как центра производства
стекла после Тридцатилетней войны, изготавливали
нефы, изящные орнаментальные вазы,
устанавливаемые в центре обеденного стола в форме
причудливых кораблей, а также кубки с ножкой
в форме змеи, которые пользовались большим
спросом в 17 веке.
АНГЛИЯ
Документы свидетельствуют, что в 1549 году
восемь итальянских стеклодувов прибыли в
Англию из Антверпена. "Парр Пот", высокая пивная
кружка с полосками латтимо и английской
серебряно-золотой оправой может быть примером их
работы. Изделия из венецианского стекла
упоминаются в инвентарной описи "Совершенного
Дворца" Генриха VIII, где они считались чуть ли не
символами королевского статуса. Даже в
Шотландии во время пира в честь дожа Венеции эрл Мо-
рэй приказал поставить на стол хрустальные
бокалы. Скатерть соскользнула со стола, посуда
разбилась, и бокалы тут же были заменены еще
более дорогими и лучшими экземплярами.
II
ГРУППА КУБКОВ FACON
DE VENICE НА НОЖКАХ
В ФОРМЕ ЗМЕЙ
Нидерланды
Середина 17 в.
Эти кубки олицетворяют верх
роскоши и фантазии, которой
обладали 'венецианские' мастера.
Многие из них были сделаны в
стеклодувной мастерской в Бе-
вольце, входящем сейчас в
состав территории Бельгии.
f v.
478

СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
Англия оказалась в большой выгоде из-за
переселения в нее мастеров из числа еретиков и
протестантов, притеснявшихся в середине 16
века на континенте, особенно во Франции и
Нидерландах. Многие мастера переправлялись
через Ла-Манш в поисках стабильности и
возможности спокойно заниматься своим
ремеслом. Изготовители плоского стекла из
Нормандии и Лорейна оседали в Суссексе и Сюррей
Вилд. В 1567 году Жан Карре, уроженец Арра-
са (ум. 1572) подал заявку на получение
патента на производство стекла a la Facon de
Venice. Он построил две мастерские в Олфол-
де, которые выпускали оконное стекло и
простую утварь из лесного стекла, и
стеклодувную мастерскую Братства Крестоносцев в
Лондоне, где работали мастера из Нидерландов и
Венеции под руководством Джакопо Верцели-
ни (1522 - 1616). Десять бокалов,
изготовленных, как считается, Карре, являются
стандартными Facon de Venice и выполнены в стиле,
характерном для Северо-Западной Европы;
помимо надписей на английском языке,
выдающих их происхождение, они отличаются
стеклянной массой сероватого оттенка, формы
несколько простоваты, больших пропорций,
подвергнуты не очень сложной обработке.
Орнамент — лиственного типа, похожий на
делавшиеся в Гуле или Антверпене. В 1592 году Вер-
целини отстранился от дел и передал
управление мастерской своему сыну. Таким образом,
производство стекла было поставлено на
прочную основу, что сказывалось еще в 17 веке.
ИСПАНИЯ
В 16 и 17 веках испанское стекло выдает связь
с Венецией и мусульманское влияние, что
заметно на всех ремеслах и искусствах этой
страны. Вначале был общепринятым характерный
стиль, который позволяет легко отличить
испанское стекло от любого другого. Король
Фердинанд и его супруга Изабелла были увлеченными
собирателями венецианского стекла, и это
навело их на мысль создать собственное
производство. Действительно, считалось, что к началу 16
века Барселона успешно конкурировала с
Венецией. Небольшое число особым образом
эмалированных изделий середины 16 века сохранилось
до наших дней. Формы часто своеобразны, так
же, как и роспись эмалями. Узкие, уплощенные
бутыли смутно напоминают дорожные фляги, но
выдают мусульманские мотивы. Орнамент
всегда лиственный, с тщательно выписанными, но
упрощенными фрагментами из человеческих тел,
птиц, кипарисов и стилизованных листьев в
основном светло-зеленого, желтого и белого
цвета,. В 17 веке каталонское производство начало
соединять венецианские технологии типа
филиграни с каталонскими формами - порроном и кан-
тиром, сосуды для вина и альморраткса,
многочисленные горлышки которых предназначались
для окропления розовой водой. Горлышки и
рукоятки часто украшались искусной работой
щипчиками, наплавливанием и кольцами, наверное,
под венецианским влиянием, но в чем-то больше
напоминающие традиционные сирийские узоры.
Другие центры производства стекла, особенно в
Южной Испании, похоже, не пытались
изготавливать хрусталь в венецианском стиле и
занимались в основном выпуском зеленоватых изделий
местных форм.
КУБОК
FACON DE VENICE
Джакопо Вврцвлини, Лондон
1586 г.
В то время Верцелини был
единственным человеком в Англии,
обладавший Королевским
патентом на производство стекла. На
кубке надпись по-английски 'In
God is my trust" - 'В Господа
верую'.
479

СТЕКЛО
ГЕРМАНИЯ
И ЦЕНТРАЛЬНАЯ ЕВРОПА
Венецианское стекло сосредоточивалось в
основном в городских центрах. Однако со
средневековых времен обширные пространства лесов
Центральной Европы и Скандинавии такие, как
Франкония, Фихтельгебирге и Райсенгебирге (на
границе Богемии и Силезии), Лорейн, Тюрингия,
Шпессарт и долины Мааса и Самбры,
способствовали возникновению центров по производству
стекла в этих районах с легкодоступными
природными ресурсами.
Так как использование стекла в домашнем
хозяйстве достигло очень больших размеров,
феодалы, особенно в Богемии, помогали таким
мастерам-стеклодувам, как Пресслеры и Шуреры,
основывать стеклодувные мастерские на их
земле. Соглашение обычно предусматривало
передачу определенного процента от прибыли и части
продукции землевладельцу. Вскоре местные
стеклянные изделия самых различных форм стали
производиться тысячами. Они варьировались от
массовых ремеров, изготовлявшихся в бассейне
Рейна и Шпессарте, до претенциозных ангстеров
17 века. Цвет некоторых изделий, вначале
бесспорно обусловленный лишь наличием
неотделимых примесей, к 17 веку стал желательным
атрибутом.
ЭМАЛЬ
Ярким элементом украшения стекла,
который немцы заимствовали у венецианцев во
второй половине 16 века и с энтузиазмом
использовали в 18 веке, было использование эмали для
росписи стекла. Первые относящиеся к
Германии стеклянные изделия с немецкой
геральдикой изготавливались в Мурано для тевтонских
заказчиков. К концу века ситуация изменилась.
Сохранился целый ряд расширяющихся к краю
кубков на высоких ножках, которые могли быть
сделаны как в Венеции, так и в стеклодувных
мастерских по другую сторону Альп - в Халле,
Мюнхене или Праге, в которых итальянскими
мастерами-иммигрантами изготавливались
стеклянные изделия в венецианском стиле. Другим
типом предметов с геральдической росписью
последней четверти 16-го - первой четверти 17 века
был штанген - высокий, цилиндрический бокал
с вывернутой и загнутой ножкой. Многие из
гербов принадлежат знатным семьям из
Нюрнберга - могущественного независимого города,
имевшего торговые связи с Италией. Другая группа
штанген раскрашивалась, наверное, в Богемии
низкотемпературным обжигом эмалированных
аллегорических фигур Славы и Правосудия с
гравюр.
В этих примерах произошел синтез
венецианского и германского стилей: форма по
происхождению немецкая, а украшение, часто гравировка
ЛЕСНОЕ СТЕКЛО.
КРАУЦТРАНК
Германия
Конец 15 т.
Это примитивное зеленое
стекло (цвет получен путем
добавления определенного количество
примесей) уходит корнями в
древнюю традицию изготовления
стекла в лесных районах
французских и германских земель.
480

СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
ФОРМЫ НЕМЕЦКИХ СТЕКЛЯННЫХ ИЗДЕЛИЙ
Производство разнообразных изделий,
главным образом бокалов различных
форм и сосудов зеленых оттенков,
обусловленных примесями в песке или
пепле, уходит корнями в средневековье.
Из готических майгеляйн, низких овальных
бокалов со скривленными боками и
нуппенбехер (маленьких и широких
бокалов, стороны с наплавленными
шариками или оттисками), развились
ремеры, характерные бокалы с
бочкообразной чашей на цилиндрической
ножке, украшенной рельефными ягодами
малины и высоким витым основанием.
Более примитивны по форме
дауменгласы с вмятинами, за которые
надо было держать бокал, и небьющиеся
бокалы, особая группа изумрудного цвета
и такой же тяжеловесной формы с
большими рельефными ягодами малины и
стихотворением, выгравированным
алмазной гранью по ободку с
напоминанием пьющему: "Выпей меня,
поставь и наполни снова". Другой
разновидностью были пассгласы -
высокие цилиндрические бокалы, и
штанген, с наплавленными,
выгравированными или эмалированными
кольцами. Пьющие по очереди должны
были отпивать строго от кольца к кольцу;
тот, кто "промахивался", должен был пить
до тех пор, пока не попадет точно на
какое-нибудь кольцо. В 17 веке некоторые
из этих бокалов усложнились, добавились
такие элементы, как вдавленная формовка
и наплавление. Появились также бокалы-
шутки ангстеры (емкости со многими
горлышками, развившиеся, вероятно, из
куттрольфов), сосуды фаллической формы
и в виде животных.
1. Майгеляйн.
2. Нуппенбехер
3. Ремер.
4. Дауменглас.
5. Пассглас.
6. Штанген.
7. Кугтрольф.
481

СТЕКЛО
в сочетании с эмалями, указывает на
Венецию.
Другая большая группа, главным образом
хумпен, была украшена германским
национальным символом - двуглавым орлом, гербом
Священной Римской империи. В соответствии
с резьбой по дереву 16 века, птица
изображена с распростертыми крыльями, на которых
нарисованы линии гербов. Они дают
представление обо всей иерархии империи - от
курфюрстов в верхнем ряду до мелких феодалов.
Самый ранний из известных представителей
этого типа больших хумпен датирован 1572 годом,
а подобные изделия продолжали
изготавливаться и в 18 веке, хотя и стали меньшими по
форме. Были также "курфюрстовские" хумпен, на
которых курфюрстов представляли ряды
всадников; хумпен и бокалы для гильдий, часто
заказывавшиеся членами гильдий и их друзьями;
так называемые ягдхумпен со сценами охоты
на оленя, медведя или вепря; и обручальные
изделия с именами, датами и гербами обеих
семей.
Разновидностью эмалированных сосудов для
питья во Франконии были оксенкопф (бычья
голова) хумпен, названные так по волшебной
горе Оксенкопф в Фихтельгебирге,
символически изображаемой с головой быка, лесами,
дичью, а иногда с часовней на вершине,
опоясанной цепью с висячим замком, которая
символизировала минеральные богатства,
содержавшиеся в ней.
Искусство росписи эмалями продолжало
существовать в германских землях, особенно в
Богемии, еще долго в течение 18 века, но
скатилось на уровень народного промысла. Уцелевшие
изделия - это тысячи маленьких шестигранных
фляжек из прозрачного или цветного стекла,
расписанные ограниченной цветовой гаммой
сельскими и лиственными орнаментами.
Тонкий слой эмали. Более сложной
работой, выделившейся из организованных в гильдии
мастерских, расписывающих изделия эмалями,
было искусство нанесения тончайшего слоя
эмали - иногда разноцветного, иногда
одноцветного: черного или сепиевого, называемого в
Германии шварцлот. Эта техника практиковалась ха-
усмалерами, которые достигали с ее помощью
большего живописного эффекта.
Одним из первых и лучших представителей
ЭМАЛИРОВАННЫЙ
ХУМПЕН
Германия
Датирован 1651 г.
Этот большой цилиндрический
бокал предназначался, по всей
видимости, для пива или вина. Он
украшен двуглавым орлом
Священной Римской империи и
гербами входящих в нее земель на
крыльях. (Крайний слева)
ЭМАЛИРОВАННЫЙ
ХУМПЕН
Франкония
Датирован 1699 г.
Популярным мотивом,
использовавшимся художниками
Франконии в 17 и 18 веке была гора
Оксенкопф (Бычья голова),
особенно плодородный район,
предположительно богатый залежами
руд металлов. (Слева)
482

СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
этой техники был Иоганн Шейфер (1621 - 1670),
который работал в Нюрнберге. Как правило,
художников вдохновляли гравюры, особенно
классических пейзажей, геральдики и предметных
сцен. Эти традиции продолжались и в первой
половине 18 века в Богемии.
РАЗВИТИЕ ИСКУССТВА
ГРАВИРОВКИ
Венецианцы изобрели гравирование гранью
алмаза на стекле в 16 веке, и, хотя в основе
украшения лежали венецианские корни,
разнообразие узоров и орнаментов непрерывно
пополнялось.
В результате интереса к
коллекционированию древностей, минералов и других объектов,
гравирование стало развиваться в новом
направлении. Император Рудольф II (правил с 1576 по
1612) перенес свою столицу из Вены в Прагу и
привлек к своему двору наиболее умелых
мастеров по обработке горного хрусталя, агатов,
гелиотропов и дымчатых топазов. Они либо
врезали их в камеи (с рельефным узором), либо
вырезали из прочных материалов предметы и
сосуды, которые затем искусно вставлялись в
оправу из благородных металлов и украшались
драгоценными камнями и эмалями.
Искусные мастера Рудольфа изобрели также
ЭМАЛИРОВАННЫЙ
ШВАРЦЛОТОМ БОКАЛ
Иоганн Швйпвр. Нюрнберг
Ок. 1660 г.
Шейнер, возможно, был
наиболее ярким представителем
школы художников, которые
использовали эту технологию черной или
сепиевой тонкой эмали но
фарфоре и стекле. Цыганская
кавалькада фисована с гравюры Жака
Каллота.
483

СТЕКЛО
к<го
п
{
КУБОК С ПОРТРЕТОМ
Нюрнберг, гравировка
Германа Швингера
ок. 1680 г.
Портрет Пауля Альбрехта
Рейтера, нюрнбергского вельможи,
выполнен в типичном стиле
барокко - с длинным париком,
кружевами и в доспехах. Швингер
преуспел в изготовлении изящных
каллиграфических надписей,
которые видны на заднем плане
этого изделия. (Справа).
ЧАСТИЧНО
РАСКРАШЕННЫЙ
КУБОК С КРЫШКОЙ
Нюрнберг
Изготовители стекла в Нюрнберге
специализировались на
производстве эффектных кубков с
элементами фиолетового, зеленого и
синего. (Слева)
ДОЩЕЧКА ЛЕХМАНА
Каспер Лехман, Прага
Гравировка на стекле;
1620 г.
Простая сценка на этой
дощечке вполне может иметь тайный
политический смысл, связанный с
запутанной историей Централы
ной Европы в 17 в. В год
изготовления этой дощечки Габсбург
подавил восстание своих
богемских подданных. Лее
традиционно символизирует стойкость и
возмездие, так что дощечка вполне
могла быть посвящена недавней
победе Габсбурга.
хитроумный механизм для верчения колеса
камнерезчика с помощью педали, которую крутил
человек или, позднее, вода.
Каспар Лехман (ок.1570 - 1622) был одним
из умелых мастеров при дворе императора
Рудольфа. Считается, что именно он применил
технологию гравировки камней с помощью
шлифовального круга к стеклу, однако вполне может быть, что
кто-то из его современников, например Захариас
Пельтцер (прим. 1576 - 1596) был его учителем
при дворе герцога Вильгельма V Баварского.
В 1609 году Лехману был пожалован
патент на гравирование стекла, что дает
основания считать именно его изобретателем этой тех-
484

СТЕКЛО В ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ И БАРОККО
УСОВЕРШЕНСТВОВАНИЯ В ТЕХНОЛОГИИ ПРОИЗВОДСТВА СТЕКЛА
Технология изготовления стеклянных
изделий сделала большой шаг вперед,
так как гравированные с помощью круга
украшения пользовались
популярностью. Ренессанс послужил
стимулом для открытий как в области
географии, так и наук. Галилей,
например, усилил увеличение
телескопов с помощью граненых линз,
Декарт и Ньютон изучали свойства
световых лучей при прохождении через
линзы. Производство более тяжелого
прозрачного стекла получило все
увеличивающееся значение для
совершенствующихся научных и морских
приборов (повышенная прочность
стекла была также необходима для
противодействия давлению
гравировального круга). В 1612 году
Антонио Нери (1576 - 1614) издал свой
знаменитый труд L'Arte Vetraria о
производстве стекла, в который были
включены формулы состава и секреты
изготовления хрустального и цветного
стекла. В 1662 году Кристофер Меррит
перевел книгу на английский язык, а в
1679 стеклодув и химик Иоган Кюнкель
(1630 - 1703) перевел ее на немецкий.
Работая на великого курфюрста
Бранденбургского (ум. 1688), Кюнкель
заявил о своем открытии формулы
рубиново-красного стекла, или
гольдрубингласа. В Богемии в 1670-е и
1680-е годы такие мастера, как Ле
Вассер д'Оссимонт и Мюллер,
изготовили еще более тяжелое
"горнохрустальное" стекло, добавляя
мел в поташ. В Англии Джордж
Равенскрофт, живший одно время в
Венеции, изобрел другой, но
улучшенный вид стекла типа тяжелого
хрусталя, используя оксид свинца.
В то же время во Франции Людовик XIV
начал грандиозные строительные проекты в
Версале и других местах. Для отделки
дворцов он и его министр Кольбер избрали
политику стимулирования местных мастеров
художественных ремесел, включая
стеклодувов. В 1688 году Бернар Перро (в
действительности Перротто, ум. в 1709 г.),
уроженец Алтаре, живший в Орлеане,
получил патент от Академии наук на
изготовление плоского стекла новым
методом - литьем. Это имело большое
значение для создания интерьеров барокко:
теперь стало возможным делать большие
оконные рамы и настенные зеркала, в
которых эффектно отражались канделябры с
новыми стеклянными мерцающими
шариками. Фабрика по производству
плоского стекла способом литья была
основана под королевским
покровительством в Сент-Гобейне в лесу Ла
Фераш.
СТЕКЛОДУВНАЯ
МАСТЕРСКАЯ
18 ВЕКА.
Гравюра из Энциклопедии
Дидро.
нологии. До нас дошло лишь одно изделие,
подписанное его именем: бокал с подставкой,
украшенный аллегориями, который сейчас
находится в Пражском музее. Документально
засвидетельствовано, что его учеником был Георг
Шванхардт (1601 - 1667), который
распространил эту технологию по возвращении в
Нюрнберг, где обучил ей двух своих сыновей,
Георга (1625 - 1676) и Генриха (1640 - 1693).
Таким образом в Нюрнберге появился
новый совершенный стиль гравировки, который
использовался до второй четверти следующего
века. Работы нюрнбергских граверов можно в
основном увидеть на небольших овальных
бокалах с крышками, установленных на полые
основания, и на высоких кубках с крышками и
овальными чашами, ножка которых состояла
из полых шишечек и ободков.
В то время гравировали большей частью
геральдику, портреты императора и видных
нюрнбергских сановников, а также аллегорические,
библейские и мифологические сцены. Гравер
Иоганн (Ганс) Вольфганг Шмидт (1676 - 1710)
специализировался на батальных сценах. К
концу 17 века гравировка при помощи
шлифовального круга вытеснила почти все другие стили
украшения стекла и использовалась во всей
Европе.
485

СТЕКЛО
РдбОТАВШИЕ В 1 8 ВЕКЕ СТЕКЛОДУВЫ ЗНАЧИТЕЛЬНО уЛуЧШИЛИ
КАЧЕСТВО СВОИХ ИЗДЕЛИЙ. ВОЗНИКЛИ НОВЫЕ ЦЕНТрЫ
ПРОИЗВОДСТВА СТЕКЛА, А СТАрЫЕ НАЧАЛИ КЛОНИТЬСЯ К уПАДКу.
18-Й ВЕК
Корни процветания и увеличения производства
стекла до промышленных масштабов можно
отыскать во второй половине предыдущего
столетия. Прекращение религиозных войн в
Европе, исследования способов изготовления более
прозрачного и прочного типа стекла и появление
во Франции плоского стекла привело к
возникновению новых центров стекольной
промышленности в начале 17 века.
АНГЛИЯ
На сегодняшний день знание английского
стекла 17 века неполно, поскольку сохранилось
слишком мало изделий того времени, подлинность
которых не вызывает сомнений. Можно
предположить, что итальянцы и голландцы продолжали
там работать, но в типичном стиле facon de
Venice, который был широко распространен в
Нидерландах, что делает практически невозможным
различать изделия этих двух стран. Выпускались
в основном бокалы в форме воронки на простых
полых ножках, часто с шарообразными
выступами, широкой подставкой и ободком снизу для
дополнительной прочности.
Существуют свидетельства того, что
большая часть английского стекла заказывалась
непосредственно в Венеции, и это дает основание
предположить, что качество местной продукции
было значительно хуже. В 1674 году Компания
продавцов стекла, городская гильдия,
контролировавшая торговлю стеклом, поручила
Джорджу Равенскрофту (1632 - 1683) провести ис-
ЧАША С ГЕРАЛЬДИКОЙ
Савойская стеклодувная
мастерская, Джордж
Раввнскрофт
Ок. 1674 г.
'Криззлироеание* изделия дает
основание предположить, что эта
чаша с гербом семейства Бутлер
Баггинс сделана в период, когда
Равенкрофт все еще
экспериментировал со свинцовым стеклом
(Внизу слева).
ГРУППА БОКАЛОВ
НА ВИТЫХ НОЖКАХ
Англия
Ок.1760 г.
в середине 18 . английские
мастера добились успеха в создании
различных ножек, украшенных
белой и разноцветной эмалью и
воздушными нитями. Все мотивы
гравировки отражают симпатии к
сторонником Якова II.
следования в области возможности получения
лучшего, более прочного и прозрачного
местного стекла. Он добился успеха, добавив оксид
свинца в стеклянную массу. Получилось
прозрачное, с сильной способностью к
преломлению хорошее стекло, которое позволило
применять для изготовления изделий более простые
формы и способы обработки благодаря
превосходному качеству материала.
Из девяти зарегистрированных изделий Ра-
венскрофта с его печатью-оттиском, который он
помещал на свои работы с разрешения
Компании продавцов стекла после 1677 года - многие
выдают влияние Венеции через Нидерланды в
использовании витых и "выщипанных" ножек,
цепочек и "застывших алмазных волн", в форме
сделанных щипчиками ребер. К концу 17 века
появился новый тип сосудов для питья - балюс-
теры. Сделанные из нового, более тяжелого
стекла с высокими преломляющими качествами и
отвечающие более непритязательным,
сдержанным вкусам в искусстве в период правления
королевы Анны, эти бокалы, некоторые из
которых достигали в высоту 30 см (12 дюймов),
часто выглядели очень просто. Они состояли из
глубокой овальной чаши на ножке в форме прямой
или обратной балясины. Подставка была
широкой, обычно с опоясывающим ободком.
Мода на эти тяжелые балюстеры
продолжалась только примерно с 1690-х годов по 1720-е.
К этому времени бокалы уменьшились, ножки
стали легче, рельефные выступы стали вклю-
486

18-Й ВЕК
КУБКИ
С ГРАВИРОВКОЙ
Голландия
Ок.1750 г.
В Нидерландах была очень
популярна гравировка, особенно
алмазной гранью и
гравировальным кругом Эти два кубка
прекрасных пропорций, долгое
время называвшиеся 'Ньюкосласими'
легкими бапюстерами, теперь
считаются изготовленными в
Голландии. Они украшены сценой,
иллюстрирующей 'Дружбу' и
гербами Соединенных Провинций.
чать в себя воздушные пузырьки и чаще
изготавливались в виде "пуговиц" или колец. Этот
тип элегантных бокалов стал известен под
именем "Ньюкаслские балюстеры", хотя нет
доказательств, что их производство началось
именно в том городе.
На большом их числе выгравированы
голландские мотивы, например гербы Соединенных
Провинций и Дома Оранских, что может
указывать на их экспорт в Нидерланды. Однако
гораздо более вероятно, что многие были
изготовлены на континенте (в книге с узорами 18 века из
стеклодувной мастерской в Намюре найдены
образцы гравюр, которые до тех пор назывались
английским), и что эти и некоторые другие типы
"английских" бокалов выпускались
одновременно на обоих берегах Северного моря.
В 1745 году был введен первый из серии
налогов на стекло, который зависел от веса
изделия. В ответ на это мастера стали выпускать
более легкую продукцию. Эта мера совпала по
времени с началом периода рококо - стиля
самого по себе более изящного и легкого. Изделия
из стекла стали меньше по размеру и весу: чаши
имели форму трубы и устанавливались на
тонкую ножку с полостью или напоминали очень
легкий балюстер.
Вероятно, к середине века английские
мастера стали включать в ножки воздушные, а затем
опалово-белые и цветные нити, основываясь на
венецианской технологии, но использовавшейся
теперь в стиле рококо. Сохранилось
относительно большое число таких бокалов, что дает
широкую панораму изобретательности мастеров с
1750-х по 1780-е годы и разновидностей и
комбинаций использовавшихся нитей. Большинство
из таких нитей маленькие, вероятно,
предназначенные для поддержки рюмок для ликеров и
укрепления бокалов для вина. Нередко сосуды для
питья изготавливались целыми наборами,
указывая на то, что единство стиля на обеденном или
праздничном столе было желательным.
487

СТЕКЛО
Искусство гравировки стекла в Англии
никогда не достигало сравнимого с
континентальным уровня. Сохранилось значительное
количество изделий этого типа, но качество
большинства из них могло удовлетворить только
небогатого заказчика.
Как и повсеместно, изделия стали часто
украшать гербами, девизами популярных деятелей,
простыми цветами и птицами. Отдельной
группой стоят изделия с гравировкой, отражающей
симпатии к сторонникам Якова II (якобитам) или
к противоборствующей ганноверской династии.
Их изготовление началось с момента восстания
1745 года, и символика включает в себя якобит-
скую розу, портреты Веселого (Bonny) принца
Чарли, группу бокалов "Аминь" и так
называемые "тайные" якобитские эмблемы.
Во второй половине века в моду вошло
также цветное стекло. В таких центрах, как
Бристоль, Лондон и южный Стаффордшир,
производились ярко-синие, изумрудно-зеленые и опало-
во-белые изделия. Особенно популярны были
наборы графинов на металлических или
кожаных подставках, на многие из которых золотом
наносилось название предполагаемого
содержимого. Графины с пробкой из притертого стекла
стали широко использоваться за столом
примерно с 1760-х годов. (До этого ликер перед подачей
на стол обычно переливался в особую бутылку
из "черной" винной).
В Англии того времени существовали
помимо гравировки и другие способы украшения
стеклянных изделий - позолота и роспись эмалями.
Семья Бейлби в Ньюкасле-на-Тайне
возглавляла мастерскую по росписи эмалями в 1760-е -
1770-е годы. Лучшие работы этой мастерской
отличаются высоким качеством. Кроме
большого числа бокалов для вина, расписанных
фруктовыми ветвями из опалово-белой эмали вокруг
позолоченного ободка, она так же
изготавливала настоящие шедевры с гербами из
разноцветной эмали.
НИДЕРЛАНДЫ
В Антверпене, одном из крупнейших
торговых центров Европы в 16 и 17 веках, также
процветало производство стекла, основанное и
много лет возглавляемое итальянцами. Когда
могущество этого великого города стало клониться к
закату после Тридцатилетней войны (1648),
центром стекольной индустрии Нидерландов стал
Льеж. До самого конца 17 века стекло в стране
производилось в стиле Facon de Venise, включая
некоторые элементы нюрнбергских и богемских
форм и украшений.
Что касается Священной Римской империи,
большой популярностью там пользовалась
гравировка; в 16 и 17 веках в Соединенных
Провинциях проживала группа граверов-любителей, та-
БУТЫЛОЧКА
Англия
Ок.1780 г.
Наборы темно-синих, зеленых и
реже аметистовых графинов,
полоскательниц и бутылочек (таких,
как эта) стали популярны в
Англии к концу 18 в. Их ставили на
подставки и золотом
надписывали предполагаемое содержимое.
(Вверху)
ДЛИННЫЙ ВЫТЯНУТЫЙ
БОКАЛ,
ГРАВИРОВАННЫЙ
АЛМАЗОМ
Монограммист "М"
Нидерланды.
Датирован 1657 г.
Ребенок, изображенный здесь, -
принц Вильгельм III Оранский,
позже ставший королем Англии
Вильгельмом III. Гравировка
сделана с современного тогда
рисунка, королевские гербы на
обратной стороне.
ких, как Анна Ремер (1583-651) и ее сестра
Мария Тессельшейд (1597-1646), торговец
материей Биллем ван Хеемскерк (1613-1692). Они
были непревзойденными каллиграфами,
используя грань алмаза для нанесения надписей и
поучений на кубки и бутылки, которые, без
сомнения, являлись подарками в ограниченном кругу
их друзей.
Традицию продолжил Франц Гринвуд (1680 -
1763) из Роттердама, который усовершенствовал
искусство штриховой гравировки, технику
насечки поверхности стекла таким образом, чтобы
образовывались области с большей или меньшей
концентрацией точек. Это создавало неуловимый
эффект, видимый только при смотрении в стекло на
488

18-Й ВЕК
ЧАША С КРЫШКОЙ
ДЛЯ СЛАДОСТЕЙ
Богемия
Ок.1730 г.
Многоугольный контур этой кон-
фектскале типичен для
стеклянных изделий немецкого барокко
того периода. Кубки и крышки
сочетающихся форм и
выгравированных узоров должны были
также присутствовать на столе.
Синий цвет является необычным
свет. Он специализировался в использовании
картин предыдущего века в качестве сюжетов. В свою
очередь, его работы оказали влияние на ряд
любителей-граверов, таких, как Эрт Шуман (1710 -
1792), Якоб ван ден Блийк и студию Дэвида Вул-
фа (1732 - 1798). Вольф и его коллеги изготовили
большую группу изделий с выгравированными
сентиментальными сюжетами рококо, например, с пут-
ти, играющими детьми, а также с геральдикой и
пейзажами.
Гравирование при помощи круга применялось
в Нидерландах со второй половины 17 века и
оставалось популярным в течение последующих
ста лет или около того - как можно
предположить по большому числу уцелевших
голландских стеклянных гравированных изделий. На них
изображалась геральдика, дары, аллегории,
пейзажи, виды домов и бесконечные тосты за
"Торговлю", "Любовь", Сельское хозяйство", "новую
мать", "Мореплавание", "Дом Оранских" с
соответствующими надписями. Наиболее знаменитым
гравером, чье имя дошло до нас, является Якоб
Санг, представитель большой семьи граверов по
стеклу, выходцев из Тюрингии.
БОГЕМИЯ И ГЕРМАНИЯ
Появление тяжелого хрустального стекла в
Богемии и Потсдаме совпало по времени с
изобретениями в Англии. Возможности нового
материала в качестве сырья для выразительности
489

СТЕКЛО
барокко особенно ярко использовались в трех
центрах в Германии на рубеже веков. Курфюрст
Бранденбургский направил Мартина Винтера
(ум. 1702) в стеклодувную мастерскую в
Потсдаме, в то время, как его брат Фридрих (ум.
1712) работал на графа Шаффготча в Силезии,
а Кристоф Лабхардт (ум. 1695) и его ученик
Франц Гонделах (1663 - 1726) — на ландграфа
Кессельского. Во всех трех местах станки и
шлифовальные круги приводились в действие силой
воды, что способствовало изготовлению
нескольких наиболее прекрасных изделий скульптурного
искусства барокко. Гонделах особенно преуспел
в вырезании кубков и ваз из прочных блоков
стекла в манере хохсшнитт (создание
горельефов). Однако эта традиция не закрепилась и
вскоре сошла на нет, за исключением
Потсдама, где Готфрид Спиллер (ок. 1663 - 1728)
продолжал работать в манере хохсшнитт еще в 1720-
е годы.
В конце 17 века большое количество
стеклодувных мастерских было основано на
землях местной знати. Производство стеклянных
изделий приняло настолько массовый характер,
что управляющие мастерских в поисках
рынков сбыта были буквально вынуждены
устанавливать торговые связи практически со всей
Европой и даже с Америкой. Эта
феноменальная торговля продолжалась вплоть до 19 века.
За границей устраивались специальные
склады, с которых странствующие граверы
развозили продукцию дальше на телегах мелкими
партиями. Часть изделий экспортировалась уже
в готовом виде, с росписью и гравировкой.
Некоторые изделия были украшены только
частично, и на них продавец мог гравировать
отдельные дополнительные мотивы по желанию
конкретного заказчика.
В первой половине 18 века наибольшую
популярность завоевал покал (большой немецкий
кубок). Это были массивные изделия с
вместительной чашей, поддерживающейся ножками
разнообразных форм, которые повторялись в
крышке. Ножка опиралась на широкое плоское
основание. Типичная ножка богемского типа
состояла из поддерживающей выпуклости и балюстер-
ного ствола, обвитого по спирали красными или
золотыми нитями. Основание чаши или ножки
всегда огранено плоскостями, кругами или
желобками. Гравированный при помощи круга узор
на таких кубках обычно среднего качества,
мотивы ограничены переплетающимся или
лиственным орнаментом и гротескными изображениями
в соединении с обычными геральдическими
девизами и мифологическими или библейскими
сценами, часто с нравоучительными надписями.
Эти кубки были предназначены для
торжественных и официальных случаев в роли пускаемых
вкруговую чаш.
СИНЯЯ ПИВНАЯ
КРУЖКА
Германия
17 в.
Это изделие благородной
формы отражает любовь
провинциальных немцев к чистым
краскам и наплавленным
украшениям. Отсюда появились
шишечки на корпусе, называемые
'прунт*. (Вверху)
КУБОК В МАНЕРЕ
ХОХСШНИТТ
Силвзия
Ок.1700г.
Этот кубок выражает в стекле
интерес барокко к пышным
формам, которые создавались из
горного хрусталя. Резьба
выполнена в Петерсдорфской
мастерской Фридриха Винтера при
помощи приводимого в действие
водой шлифовального круга.
Изделие предназначалось для
покровителя мастерской графа
Шаффготча.
490

18-Й ВЕК
ПРИДВОРНЫЙ ГРАВЕР
Некоторые наиболее крупные стеклодувные
мастерские играли в то время ту же роль, что и
мастерские 16 века, управлявшиеся
итальянцами. Они производили лучшие, самые модные
изделия для многих очень и не очень знатных
вельмож Германии. Почти при каждой мастерской
состояли хофдласшнайдеры, некоторая часть
изделий которых может быть идентифицирована по
уцелевшим подписанным экземплярам.
В граничащей с Богемией Силезии (теперь
являющейся частью Польши) в Вармбрунне и
окрестностях делалась самая сложная
гравировка 18 века в 1740-е и 1750-е годы, когда влияние
рококо сказалось в придании большего
изящества украшениям. Часто высокому качеству
гравировки мешали "ужасные полости" на
поверхности чаши, ножке или крышке. Они
маскировались изобилием полированной матовой
гравировки, которая иногда дополнялась позолотой.
Одним из передовых представителей этой школы
был Кристиан Готтфрид Шнайдер (1710 - 1773).
ВЕНЕЦИЯ
На протяжении 18 века Венеция постепенно
клонилась к упадку. Не обладая более
могуществом на морях, город терял свою былую славу
и торговые связи, пока, наконец, не попал под
власть Австрии в 1797 году в результате
наполеоновских войн. Представление о том, какие
изделия производились в Мурано в начале 18 века,
можно получить, изучив набор предметов из
стекла, подаренных королю Дании и Норвегии
Фредерику IV по случаю его визита в Венецию в
1709 году. Большинство из этих изделий
хранится в замке Розенборг в Копенгагене. Многие из
них украшены филигранью и опалово-белыми
нитями, присутствует также посуда из
переливчатого стекла. Есть бокалы из кристалло в
формах, которые восходят к 16 веку. Некоторые из
них гравированы в богемском стиле.
В Мурано был достигнут высокий стандарт
украшения стекла. Мастерская в Аль Гезу, при-
ГРАВИРОВАННЫЙ
КУБОК
Силвзия
Ок. 1760 г.
Гравировка выполнена одним иэ
лучших силезских мастеров того
времени Кристианом Готтфридом
Шнайдером иэ Вармбрунна. Она
отражает более легкие и
изящные аспекты рококо. (Вверху)
ГЕРАЛЬДИЧЕСКИЙ
КУБОК С КРЫШКОЙ
Готтфрид Слиллер, Погодам
Ок. 1695 г.
Это прекрасный пример
монументального стиля, поклонником
которого был Спиллер,
родственник Винтеров. На кубке
вырезаны гербы бранденбургского
курфюрста Фридриха III. (Справа)
ЭМАЛИРОВАННАЯ
"ДРОЖАЩАЯ" ЧАШКА
И БЛЮДЦЕ
Венеция
Первая половина 18 в.
Белое стекло (лоттимо), кажется,
было особенно популярно
среди некоторых мастерских
Мурано, таких, как Миотти в Аль Гезу.
(Слева)
надлежавшая семье Миотти, выпустила серию
видов Венеции в виде одноцветных гравюр на
опалово-белом стекле для туристов. Однако к
концу века в Мурано производилась лишь
небольшая часть того количества изделий, которые
выпускались в период расцвета.
491

СТЕКЛО
Великолепный эффект грлнЕного стекла послужил причиной
СОЗДАНИЯ ПРЕКРАСНЫХ ОРНАМЕНТОВ НА об ЕДЕ ИНОЙ ПОСУДЕ ЗНАТИ
В 1 8 ВЕКЕ. С ТЕХ ПОр ГрАНЕНОЕ СТЕКЛО НИКОГДА НЕ ВЫХОДИЛО
ИЗ МОДЫ.
ВЕЛИКАЯ ЭПОХА ГРАНЕНОГО СТЕКЛА
Любопытно, что прошло почти целое столетие
прежде, чем обнаружилось, что тяжелое
прозрачное английское стекло было подходящим
материалом для огранки. Первые грани были в
форме мелких сечений и зарубок. Возможно,
решающую роль в развитии этого искусства сыграло
изобретение люстр и специальных комнат для еды
(первых столовых). Богемские мастера, например,
использовали стекло в качестве подвесок на
металлических люстрах, а венецианцы изготавливали
люстры целиком из стекла, выдувая, формуя и
обрабатывая его. Но именно англичане первыми ста-
Г РАНЕНАЯ
СТЕКЛЯННАЯ
КОНФЕТНИЦА
Англия
Ок. 1785 г.
Это вазочка, называвшаяся
"верхней', должна была стоять на
вершине пирамиды из подносов
уменьшающегося размера. В
1780-е годы гранение в Англии
сводилось к плоским призмам и
граням.
ли делать из граненого стекла люстры,
подсвечники и канделябры из выдувавшихся или отлитых по
отдельности секций, которые гранились и
дополнялись цепями граненых же бусин и висячих
украшений. Возрастающая популярность во второй
половине 18 века отдельной столовой комнаты, в
которой стоял длинный обеденный стол красного
дерева, увеличила спрос на большие столовые
сервизы. Чтобы удовлетворить потребности
покупателей, продавцы и огранщики стекла, такие, как
Блейдз и Акерман в Лондоне, открыли
специальные магазины, в которых выставлялась и
рекламировалась наиболее модная посуда из граненого
стекла. Роберт Адам, Джеймс Вайят и другие мастера
распространяли влияние неоклассического стиля,
который с 1760-х годов до середины 19 века
доминировал в искусстве.
ИРЛАНДИЯ
Возрастающее в результате введения
свободной торговли в 1780 году благосостояние
натолкнуло английских мастеров изготовления стекла
на мысль обосноваться в Ирландии. В Корк-сити,
Вотерфорде и Дублине возникли стеклодувные
мастерские. Они специализировались на
производстве граненых изделий и выпускали также
огромное количество предметов из стекла для
повседневных нужд, которое экспортировалось в
Америку и Вест-Индию. Характерным примером
ирландских стеклянных изделий могут служить
графины, выдувавшиеся в "ребристую" форму,
иногда название мастерской наносилось вокруг
основания. Большие чаши для фруктов в форме каноэ
с мелкими гранями и отформованными
основаниями также пользовались популярностью.
НЕОКЛАССИЦИЗМ В БОГЕМИИ
Влияние неоклассицизма на Европу скоро
сказалось на германских землях, где к 1770-м годам
популярность покалов в стиле барокко пошла на
убыль. Спрос на гравировку тоже снизился,
сменившись модой на англо-ирландскую огранку,
часто сочетаемую с позолотой. Хорошим примером
такого "гибрида" конца 18 века могут послужить
работы Иоганна Менцеля из Вармбрунна в Силе-
зии. Он изготовил серию неоклассических кубков
с глубокими чашами и резными ножками, оканчи-
492

ВЕЛИКАЯ ЭПОХА ГРАНЕНОГО СТЕКЛА
ГРАФИН С БОКАЛАМИ.
НАБОР
Англия
Ок. 1810 г.
Искусно граненный столовый
сервиз, будучи сам по себе
новшеством, был заказан
принцем-регентом и, вероятно, поставлен
одной из фирм - розничных
продавцов стекла, например Блейдз.
вающимися квадратным основанием. Их
дополняли сочетающиеся по стилю низкие крышки.
Чаши украшались овалами цвишенгольд с
силуэтами на фоне черной или золотой фольги.
Украшение дополнялось огранкой и гравировкой.
Большое количество обычной посуды
современного тогда английского стиля изготавливалось
в Богемии. Противовесом массовому производству
служили работы таких мастеров, как Иоганн
Милднер. Этот студийный художник трудился в
Гутенбрунне в Нижней Австрии в конце века,
создавая самые изысканные бокалы и графины в
стиле цвишенгольд из всех когда-либо сделанных.
Он специализировался на портретах, гербах и
прихотливых монограммах. Ободки и основания
его изделий украшались бордюрами из золотых и
красных листьев. Эти бокалы предназначались не
для повседневного использования и
предшествовали установившейся в первой четверти 19 века
моде на фарфоровые и стеклянные "кабинетные"
изделия, которые отделывались особенно
тщательно и играли представительскую роль.
ПРЕСС-ПАПЬЕ
Пресс-папье впервые появились
в Венеции в 1840-е годы. Технология их
изготовления совершенствовалась на
французских фабриках в Баккара, Клиши
и Сент-Луисе до 1848 года. Сначала
французские пресс-папье делались
в стиле миллефиори. Фон составляли
небольшие полосы из разноцветных
овалов, подобранных в узоры. Иногда
ставилась дата. Все это заключалось
в форму шара из прозрачного хрусталя
(создававшего эффект увеличительного
стекла). Вскоре узоры стали пополняться
фруктами и искусно сделанными цветами
на изгибающемся стебле, которые
смотрелись особенно красиво в свете
лампы. Наиболее популярными были
анютины глазки, ломоносы и георгины.
Пресс-папье делались лишь в течение
периода в 15 лет.
ФРАНЦУЗСКИЕ ПРЕСС-ПАПЬЕ; 19 ш.
493

СТЕКЛО
Внедрение промышленных технологий в производство стекла
в 19 веке не помешало обновлЕнной трлдиции рлботы
МАСТЕРОВ-ОДИНОЧЕК И НЕ СНИЗИЛО ВЫСОКИЙ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ
УРОВЕНЬ.
19-Й ВЕК
Влияние неоклассицизма распространялось
все дальше после первой четверти 19 века.
Однако с течением времени в производстве
стекла усилилась тенденция к повышенной
сложности и вычурности изделий, что в 20 веке
привело к полному разделению "художественных" и
повседневных, обычных изделий. Несмотря на
размах промышленной революции, технология
производства стекла не претерпела
существенных изменений за этот период. Техника
формовочного пресса была изобретена в Соединенных
Штатах в 1820-х годах, и при гранении стекла
применялись паровые машины. Еще важнее было
возрастание интереса к химическому составу
стекла и к повышению эффективности плавки.
Формально говоря, это была эра
усиливающегося эклектизма с рядом стилистических
новшеств; но с точки зрения художественности до
появления стиля модерн в конце 19 века не
возникло практически ничего нового.
ГРАНЕНОЕ СТЕКЛО
Граненое стекло продолжало оставаться
популярным и в 19 веке. Англо-ирландским
стилям с готовностью подражали и развивали их
во Франции (Сент-Луис и Баккара), Бельгии (Во-
неш и Вал-Сент-Ламберт), Богемии, России и
Соединенных Штатах (Новая Английская
компания, Бостон). Во всех этих центрах трудились
английские и ирландские мастера, обучая
местных рабочих. В соответствии с
неоклассицизмом в качестве декоративных элементов
композиции использовались сильфиды.
Изготавливались опалово-белые керамические медальоны с
рельефными камейными украшениями, чаще
всего с бюстами современных тогда монархов
или политических деятелей. Французы
особенно преуспели в изготовлении больших ваз,
сочетавших богатую резьбу, сильфид и искусно
оправленных в позолоченную бронзу.
Императорская стекольная фабрика в
Санкт-Петербурге специализировалась на изготовлении
уникальных изделий из стекла, включая даже мебель.
Стили огранки менялись в течение десятилетий
от призм и зарубок в 1820-е годы до широких
граней в 1830-е и 1840-е, пока не достигли
наивысшего расцвета формы рельефных алмазов и
ПОДНОС
ИЗ ПРЕССОВАННОГО
СТЕКЛА
Новая Англия
Ок. 1840 г.
Метод прессования стекла был
изобретен в Соединенных
Штатах в 1820 г., как способ
создания большого числа граненых
украшений на изделии. (Справа)
БОКАЛ С СИЛУЭТОМ
Иоганн Сигизмунд Мвнцвль,
Вармбрунн
Ок. 1800 г.
В этом кубке соединены
отличительные особенности
неоклассицизма в его простой форме и
классическом силуэте. (Справа)
494

19-Й ВЕК
ПЛАСТИНА
С ГРАВИРОВАННЫМ
ПОРТРЕТОМ
Доминик Бийманн
Ок. 1820 г.
Этот классический портрет,
исполненный в манере античного
медальона, был выгравирован
одним иэ лучших богемских
мастеров 19 в.; летние месяцы во
Франценсбаде он проводил,
делая гравюрные портреты
приезжающих на этот курорт.
других сильно ограненных украшении во время
Большой выставки в 1851 году.
УКРАШЕНИЕ СТЕКЛА
В АВСТРИИ И БОГЕМИИ
Не замыкаясь исключительно на гранении
своих изделий, центры стекольной
промышленности в германских землях продолжали
гравировальные традиции прошлого, внося в них
различные изменения. Покалы с крышкой долгое
время оставались немодными, и в
пост-наполеоновском мире - опасаясь революционных сил -
правящие круги были замкнутыми и
сверхконсервативными. Назрела потребность в
сентиментальных, идеализированных "бидермейерских"
добродетелях - любви к семейному очагу и
сельской жизни. Более женственная мода на
фарфоровую "кабинетную" посуду повлияла и на
стекло. Возникли гравировальные мастерские,
особенно в Северной Богемии. Граверы
украшали небольшие бокалы и кубки местного
производства сценами из мифологии, охоты и
аллегориями, хотя и в гораздо более простой
манере, чем их предшественники в 18 веке.
С восстановлением мира и спокойствия в
Европе вновь стали повсеместно популярны
путешествия; граверы предлагали посетителям
многочисленных центральноевропейских
курортов бокалы с местными видами, украшенные
монограммами и датами.
Многие из них были повторяющимися и
ничем не примечательными, однако
некоторые работы, особенно Доминика Биймана
*•» ... #. /•/»
Три стакана для вина
Богемия
Ок. 1830- 1840 гг.
Эти стаканы отражают
стремление к поиску новых эффектов
для украшения стеклянных
изделий, часто заключавшееся в
попытке имитации
полудрагоценных камней и поиску
непривычных цветов.
495

СТЕКЛО
(1800 - 1857), были совершенно особенными.
Будучи жителем Праги, он в течение многих
лет проводил летние месяцы во Франценбаде,
гравируя на бокалах и пластинах портреты и
сцены с исключительным мастерством.
Многие из этих "курортных" изделий Биймана
1830-х и 1840-х годов украшены красной или
янтарной краской или накладкой, через
которую гравировалось изображение. Это
отражало возрастающий интерес богемских мастеров
к разноцветному стеклу.
В 1820-е годы разновидность черного или кир-
пично-красного стекла, называемого гиалит, была
получена в стеклодувных мастерских при дворе
графа Георга фон Букуой; это означало
возобновление интереса к имитации текстуры камня
в стекле. Фридрих Игерманн (1777-1864) в Блот-
тендорфе экспериментировал с воздействием
кислот на стекло, пытаясь получить вид мраморной
поверхности. Другие центры в Богемии
специализировались на раскрашенном пастельными
красками и опалиновом стекле, возможно, под
влиянием французских мастеров в 1830-е годы,
производивших маленькие парфюмерные и
большие сосуды нежных опалиновых цветов, часто
вправлявшиеся в позолоченную бронзу в
мастерских Пале-Рояля.
Богемцы также экспериментировали с
внешними покрытиями. На бесцветную или
зеленую основу они наплавляли слои цветного
стекла, иногда доводя их количество до четы-
рех-пяти. Затем сквозь них прорезались
различные узоры; в зависимости от глубины
надреза менялся цвет. Эта техника применялась
при изготовлении пресс-папье во Франции в
1850-е годы, затем в форме "камейных"
изделий вернулась в Англию и другие страны в
1880-е годы.
В то же время возникали студии
художников, многие из которых ранее расписывали
фарфор. Они в основном украшали бокалы
прозрачными эмалями. Эту технику довел до
совершенства Самюэль Мон (1762-1815) в Дрездене и
его сын, Готтлоб Мон (1789-1825), который в
1811 году переехал в Вену. Эти кабинетные
изделия с милыми топографическими пейзажами
окрестностей Вены и берегов Рейна и с
сентиментальными аллегориями Любви и Веры
предназначались в основном для тех, кто приезжал
на Венский конгресс 1815 года. Другим
значительным представителем этого направления был
Антон Котгассер (1769-1851).
В эпоху развития связей влияние цветного
богемского стекла быстро распространилось на
Германию, Францию и Великобританию до
такой степени, что часто бывает трудно отличить
изделия разных стран. Образованность и
культурный уровень мастеров росли благодаря
возникновению художественных школ, основанию
БОКАЛ, РАСПИСАННЫЙ
ПРОЗРАЧНОЙ ЭМАЛЬЮ
Самюэль Мон
Ок. 1812 г.
Самюэль Мон из Саксонии
довел до совершенства искусство
росписи стекла прозрачной
эмалью; он и его сын создавали
самые лучшие работы в этом
стиле, в основном украшая
небольшие бокалы пейзажами (как этот),
которые продавали туристам,
путешествовавшим по Европе
после наполеоновских войн.
музеев, изданию специальных книг по
искусству и проведению выставок.
ВОЗВРАЩЕНИЕ КЛАССИКИ
Примерно к середине века, когда в других
странах признали превосходство богемской
школы гравирования, интерес к граненому стеклу
стал угасать. Многие из богемских мастеров
уезжали за границу подобно их венецианским
предшественникам. Август Боэм (1812 - 1890)
из Мейстерсдорфа переехал в Стаурбридж и
позже в Соединенные Штаты, оказав своим
мастерством влияние на местные стили.
Несколько богемских мастеров поселились в
Лондоне и продавали свои изделия таким фир-
МЭМ, КЭК Копленд и Добсон-Пирс. Они
специализировались на классических мотивах Ренессанса
496

19-Й ВЕК
с сильно полированными инталиями на
свободных областях классических форм, которые
создавали такие стеклодувы, как Томас Уэбб и
Сыновья в Стаурбридже и Кармелиты в Лондоне.
В 1850-е годы были выданы патенты на
новую технологию - кислотное травление. Она
заключалась в покрытии стекла защитным
слоем и нанесении изображения острым
инструментом сквозь него. Затем стекло погружалось в
раствор плавиковой кислоты, которая
воздействовала на процарапанное изображение,
оставляя стекло под защитным слоем нетронутым.
Благодаря этому могли достигаться различные
непривычные эффекты, зависящие от
концентрации кислоты и времени, которое изделие в
ней находилось. Будучи задуманной как
быстрая и дешевая альтернатива гравировке на
шлифовальном круге, эта процедура могла
превратиться в не менее дорогостоящую и длитель-
ПАРА
ЭМАЛИРОВАННЫХ
ОПАЛОВО-БЕЛЫХ ВАЗ
Возможно, Франция
Ок. 1850 г.
Изделия такого типа
изготавливались во Франции, Англии и
Богемии. Качество украшения было
различным, здесь оно очень
высокого уровня. (Вверху)
ЭМАЛИРОВАННЫЙ
ФЛАКОН ДЛЯ ДУХОВ
Англия
Ок. 1770 г.
Олалово-белое стекло искусно
огранено и расписано. (Слева)
ную при применении таким замечательным
мастером, как Джон Нортвуд и его бригада
травильщиков в Вордсли неподалеку от Стаурбрид-
жа. Так что первоначальное намерение было
реализовано лишь с изобретением травильных
станков и пантографов (чертежных машин),
которые могли наносить геометрические фигуры
на стекло.
КАМЕЙНОЕ СТЕКЛО
Кроме классических мотивов на прозрачном
стекле, Джон Нортвуд предпринял усилия для
возрождения забытого искусства древних:
каменного стекла, среди лучших экземпляров
которого называют Портлендскую вазу в
Британском музее, амфору из темно-синего
полупрозрачного стекла, окруженного слоем опалово-
497

СТЕКЛО
ОЖИВЛЕНИЕ НА МАТЕРИКЕ
В Германии и Центральной Европе
возрождение старых стилей происходило несколько по-
разному. К 1860-м годам в моде был
неоренессанс, и он сохранял свое влияние до конца века.
Одним из наиболее горячих приверженцев
этого стиля был Людвиг Лобмейр (1829 - 1917),
который не только открыл розничный магазин в
Вене, но и установил собственные торговые
связи с Адольфов и Штайншенау в Южной
Богемии. Гравировка на изделиях Лобмейра всегда
высшего качества, создавали ли ее такие
мастера, как Карл Питч, исполнивший большое
количество больших классических сцен, или это было
воспроизведением стиля барокко на кубках с
крышками 18 века.
С образованием Германского государства в
1870 году произошел рост национального
самосознания, что привело к возрождению и
подражанию ранним немецким художественным
формам. Например, Rheinische Glashutten AG
неподалеку от Кельна создавала изделия, беря за
основу средневековые прототипы вальдглас,
такие, как ремер, крауцтранк и хумпен.
В нескольких центрах в то время
выпускалось большое количество копий с
эмалированного стекла 17 века - иногда они выполнялись
настолько искусно, что сегодня затруднительно
отличить их от оригинала.
белого, в котором вырезаны классические
фигуры. Когда технические трудности выдувания
двухслойного сосуда, который не лопался бы при
медленном охлаждении в специальной печи,
были преодолены на фабрике Ред Хаус в Стаур-
бридже, Нортвуд смог создать дубликат вазы
между 1873 и 1876 годами.
Другие фабрики спешно повторяли опыты
Нортвуда, так как они пользовались большой
популярностью. К 1880-м годам три фирмы Ста-
урбриджа - Томас Уэбб и Сыновья;
Ричардсон; Стивене и Вильяме имели мастерские, где
производились большие объемы каменного
стекла до 1890-х годов, когда спрос уменьшился.
Мастеров Уэбба возглавлял Джордж Вудолл
(1850 - 1925), наиболее талантливый из
учеников Нортвуда. Он продолжал работу
Нортона и других передовых мастеров с
классическими сценами, многие из которых подписаны
им. Как и Эмиль Галле в Нанси, во Франции,
он изготавливал множество "коммерческих"
камейных изделий - вазы, сосуды и флаконы
для духов. В большинстве случаев они
украшались цветочным двухцветным орнаментом.
Более изящные изделия, например
"драгоценные камеи" Уэбба, в которых насчитывалось
до пяти слоев, часто украшались восточными
мотивами, и на орнамент сильное влияние
оказали работы Оуэна Джонса.
ГРУППА
КАМЕЙНЫХ ИЗДЕЛИЙ
Стаурбридж
Ок. 1880 - 1890 гг.
Камейное стекло Стаурбриджа,
в отличие от более сложных
многослойных изделий французских
фабрик-конкурентов, в основном
украшено простым белым
рельефом на темном фоне. Иногда
цветным делался и внешний слой,
как на желтой вазе с розовым
виноградом (вторая справа).
498

19-Й ВЕК
ВОЗРОЖДЕНИЕ
ВЕНЕЦИИ
Производство стекла не прекратилось с
исчезновением Венецианской республики в конце
18 века, но переживало заметный упадок.
Время от времени в работе мастеров
прослеживаются искры былого вдохновения, например при
возвращении искусства миллефиори Пьетро Би-
галья и в работах братьев Франчини в 1840-е
годы.
Тем не менее, в 1859-1860 году Антонио
Сальвиати (1816-1900) при британском
финансировании основал в Мурано мастерскую,
которая специализировалась на воспроизведении
технологий мастеров 15-16 веков, принесших
КУБОК ЛАТТИЧИНО
Кармелиты
Ок. 1880 г.
Техника латтичино вернулась
в Британию в 19 в. (Вверху)
ТРИ "ВОЗРОЖДЕННЫХ
ИСТОРИЧЕСКИХ»
КУБКА
Германия
Ок. 1890 г.
Раннее богемское стекло
вдохновляло многих европейских
мастеров 19 в. (Вверху справа)
Венеции ее славу. На международной
выставке в Лондоне в 1862 году и в Париже в 1867
году стекло Сальвиати было удостоено
лестных отзывов и послужило причиной возросшей
популярности неовенецианского стиля. Другие
мастерские Мурано, вдохновленные примером
Сальвиати, начали производство мозаичных
изделий в манере 1 века н.э., а также
изготавливали филигрань, светильники, кубки на
змеевидных ножках и кальчедонио. Элегантность
форм особенно притягивала английских
мастеров, например Гарри Пауэлла (1853 - 1922)
из Кармелитов.
ВЛИЯНИЕ
ВОСТОКА
Под давлением Соединенных Штатов и
Европы с 1850-х годов стала развиваться
торговля с Японией и Китаем, и Запад впервые
соприкоснулся со всем многообразием восточных
изящных и прикладных искусств. Они
заказывались крупными национальными музеями,
представлялись на международных выставках
с 1862 года и описывались в специальных
изданиях. Украшение стекла (как роспись
эмалями, так и гравировка) обогатилось восточными
мотивами: черносливом, сосной, хризантемой,
карпом и драконом.
В 1870 году был изобретен новый стиль
"горного хрусталя". В начале 18 века братья
499

СТЕКЛО
Винтер в Германии основывались в своих
экспериментах с "резным" стеклом на изделиях
из горного хрусталя итальянского и
богемского маньеризма 16 и 17 веков. Современный
стиль резьбы по стеклу для придания ему
сходства с горным хрусталем основывается на
восточных опытах резьбы по кварцу, жадеиту и
другим твердым камням. Изделия из горного
хрусталя на Парижской выставке 1878 года
были представлены фабриками Баккара, Пан-
тин и другими. В Англии же стиль
совершенствовали нанятые фирмами Уэбб и Стивенс-
Вильямс богемские граверы Най, Фрицше и
Келлер в мастерских в Стаурбридже. В
наиболее впечатляющих шедеврах, например в
знаменитом Гранулированном Кувшине,
эффект достигался за счет сверхглубокой
резьбы, часто с завихрением и обилием
рельефных фрагментов. Вся поверхность тщательно
полирована для получения подобия
"водянистости" горного хрусталя. Более
"коммерческие" изделия из горного хрусталя, часто
входившие в состав больших столовых сервизов,
создавали несколько более скромный эффект
своими гравированными и отполированными
восточными узорами. С 1890-х годов спрос на
изделия из горного хрусталя пошел на спад,
хотя фирмой Уэбба продолжали выпускаться
сервизы до 1920-х годов.
КУВШИН
ИЗ ТОРНОГО
ХРУСТАЛЯ"
Сгаурбридж
1886 г.
ЛАМПА
В ВИДЕ
ГРИБОВ
Эмиль Галле
Ок. 1900 г.
^^^^^^^^^^^
Ножки и шляпки сделаны из
трехслойного гравированного
стекла. (Вверху)
Этот изящный кувшин был гра- Эта настольная лампа
иллюстрирован Вильямом Фрицше. рирует три стадии роста три-
(Слева) ба. Она установлена на искус
но изготовленную подставку.
500

19-Й ВЕК
ГАЛЛЕ И ТИФФАНИ
Подводя итог краткой истории производства
стекла, необходимо еще упомянуть Эмиля Галле
(1846 - 1904) во Франции и Луи Комфорта Тиф-
фани (1848 - 1933) в Америке. Идя различными
путями, два этих мастера использовали все
разнообразие новых художественных технологий,
разработанных в 19 веке специально для того,
чтобы вывести производство стекла из
застойного повторения ранее известных стилей. Их
движение получило название "Модерн".
Отцу Галле в Нанси, старинном центре
производства стекла в Лорейне, принадлежала
фабрика по производству стекла и фаянса. Галле
вырос страстным поклонником природы, что
наложило отпечаток на всю его работу. Наиболь-
ЛАМПА "СТРЕКОЗА"
Мастерские Тиффани
Ок. 1900 г.
Эта великолепная лампа
установлена на основание из
бронзовых "черепаховых"
переливающихся стеклянных пластинок и
крошечных мозаик.
501

СТЕКЛО
ДВЕ ВАЗЫ
Луис Комфорт Тиффани
Начало 20 в.
Ваза из стекла Фавриль (слева)
отражает так называемую технику
пресс-папье, тогда как правую с
грубоватой пестрой
поверхностью Тиффани назвал 'кипрской".
шую известность принесло ему создание
необычных ваз и парфюмерных сосудов с помощью
технологий камеи и инкрустации. Здесь
заметно влияние китайского оправленного стекла
Чьен Лунг.
Собственные работы Галле в этой области
отличались большой сложностью, основываясь
на смене цветов различных слоев стекла,
резьбе инкрустированных фрагментов и узорах
естественных форм, но зачастую стилизованных
до уровня абстракции. В то же время его
фабрика в больших количествах выпускала более
обыденные изделия и повторяющуюся
коммерческую продукцию.
Кроме мастерской Даума, находившейся
также в Нанси, заметным представителем
модерна был Луи Комфорт Тиффани из
нью-йоркской ювелирной фирмы, основанной в 1837 году.
Он готовился стать художником и особенно
интересовался прикладным искусством. В 1879
году он основал собственную компанию,
которая пользовалась известностью за дизайн
интерьеров с особым упором на элементы из
цветного стекла, витражи и люстры в стиле модерн.
К концу века, совместно с Артуром Нэшем из
Стаурбриджа, Тиффани сосредоточился на
совершенствовании переливчатого стекла. Он
изготовил знаменитую серию сделанных вручную
502

19-Й ВЕК
стеклянных художественных ваз, называемых
"Фавриль".
Этим пользующимся успехом сериям
подражали многие имитаторы, среди них германская
фирма Лоец.
ЛАЛИК
Наиболее знаменитым из всех дизайнеров
стекла этого века, несомненно, является Рене
Лалик. Он начинал свой путь как дизайнер
брильянтов в ювелирной промышленности и
экспериментировал с различными материалами, пока
не соприкоснулся со стеклом. В 1902 году он
основал небольшую мастерскую, которая
изготавливала изделия методом литья по
выплавляемым восковым моделям. Вскоре он стал
проектировать флаконы для духов, а после Первой
мировой войны создавал дизайны освещения из
стекла и другие декоративные элементы для
роскошных океанских лайнеров и крупных
городских учреждений. Он изготавливал множество
разнообразных предметов обычно методом
литья или формовым. Материалом часто служило
переливчатое стекло с голубоватым оттенком.
Хотя Лалик прекратил работу в начале Второй
мировой войны, его мастерство в создании
сложных стилизованных дизайнов редко кому
удается превзойти.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Следующий список
материалов для
дальнейшего чтения
предлагает достаточно
большой объем
литературы. Приводится
список литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться новые
работы.
Арвас, В.
Стекло - от модерна
до ар деко. _
Лондон и Нью-Йорк,
1977.
Бетти, Дэвид и Саймон
Коттл.
Краткая
энциклопедия стекла
Сотби.
Лондон и Нью Йорк,
1991.
Байер, Патришиа и
Марк Уоллер.
Искусство Рене
Лалика.
Лондон, 1988.
Чарльстон, Роберт Дж.
Английское стекло.
Музей Виктории и
Альберта, Лондон,
1968.
- Стеклянные
шедевры: мировая
история из
Корнингского музея
стекла.
Нью-Йорк, 1980.
Гранулированный
музей стекла.
Обзор производства
стекла с Древнего
Египта до наших
дней.
Чикаго, 1977.
- и музей
Прикладного
Искусства, Прага.
Стекло Чехословакии,
1350 - 1980.
Нью-Йорк, 1981.
Драхотова, Ольга и Г.
Урбанек.
Европейское стекло.
Прага, 1982.
Холлистер, Пол.
Энциклопедия
стеклянных
пресс-папье.
Нью-Йорк, 1969.
Хамфрис, Л. Г.
Стекло и его
изготовление.
Лондон, 1973.
Кемпфер, Ф. и К.
Бейер.
Стекло - мировая
история.
Лондон, 1966.
Клейн, Ден.
История
современного
стекла.
Лондон, 1984.
- и Вард Ллойд.
История стекла.
Лондон, 1984.
Коч, Роберт.
Луи К. Тиффани,
бунт в стекле.
Нью-Йорк, 1964.
- Художественное
стекло Луи
Тиффани.
Нью-Йорк, 1977.
Латтимор, К. Р.
Английское
отформованное
прессом стекло
19 века.
Лондон, 1979.
Маккин, Хью Ф.
Пропавшие
сокровища Луи
Комфорта Тиффани.
Гарден Сити, Нью-
Йорк, 1980.
Маккирин, Джордж С.
и Хелен.
Американское
стекло.
Нью Йорк, 1948.
- Два столетия
американского
выдувного стекла.
Гарден Сити, Нью
Йорк, 1950.
Мейдиган, Мери
Джин.
Штеубенгское
стекло:
американская
традиция
в хрустале.
Нью-Йорк, 1982.
Марсильяк, Феликс.
Р. Лалик, catalogue
raisonne de I'oeuvre
de verre.
Париж, 1989.
Мариачер, Джованни.
Стекло
от античности
до Ренессанса.
Лондон, 1977, 1988.
Маршалл, Джо.
Стекло.
Библиографический
указатель.
Лондон, 1990.
Мелман, Фелис.
Фейманский
путеводитель
по стеклу.
Лондон, 1982.
Моррис, Барбара.
Викторианское
столовое стекло
и украшения.
Лондон, 1978.
Неувирт, Вальтрауд.
Das Glas des
Jugendstills.
Мюнхен, 1973.
Ньюмен, Гарольд.
Иллюстрированная
история стекла.
Лондон, 1981.
Филипс, П.
Энциклопедия
стекла.
Лондон, 1981.
Полак, Ада.
Современное
стекло.
Лондон, 1962.
- Стекло, его
производители и
общество.
Лондон и Нью-Йорк,
1975.
Реви, Альберт
Кристиан.
Американское
стекло стиля
модерн, его
происхождение
и развитие.
Камден, Нью-Джерси,
1968.
- Американское
стекло стиля
модерн.
Камден, Нью-Джерси,
1968.
Спиллман, Джейн
Шей дел.
Производство
стекла: первая
промышленность
Америки.
Корнинг, Нью-Йорк,
1976.
- Американское
и европейское
прессованное
стекло
в Корнингском
музее стекла.^
Корнинг, Нью Йорк,
1976.
- и Сюзан К. Франц.
Шедевры
американского
стекла.
Нью-Йорк, 1990.
Тори, В. А.
История английского
и ирландского
стекла.
Лондон, 1929.
Утт, Мари Луи и
Гленн, а также
Патришиа Байер.
Парфюмерные
флаконы Лалика.
Нью-Йорк, 1990 и
Лондон, 1991.
Воуз, Рут Херст.
Стекло.
Лондон, 1980.
Вейкфилд, Хью.
Британское стекло
19 века.
Лондон, 1961.
Вормус, В.
Эмиль Галле: мечты
в стекле.
Корнинг, Нью-Йорк,
1984.
Воррен, Фелпс.
Ирландское стекло.
Лондон, 1972.
Вей с, Густав (перевод
Джанет Селигмен).
Книга о стекле.
Лондон и Нью-Йорк,
1971.
Виллз, Джеффри.
Викторианское
стекло.
Лондон, 1976.
Вильсон, Кеннет М.
Стекло и
производство
стекла в Новой
Англии.
Нью-Йорк, 1972.
Цервик, Хлое.
Краткая история
стекла.
Корнинг, Нью-Йорк,
1980.
503

Древние монеты
Римские и византийские монеты
Средневековье и Возрождение
Современные монеты
Восточные монеты
Медали
тт$>
РичАрд Фалькин Ер
На странице: ПОДБОРКА ЕВРОПЕЙСКИХ МОНЕТ
с 4 в. до н.э. по 17 в. н.э.
X
О

МОНЕТЫ И
ЕДАЛИ
МОНЕТЫ
МЕДАЛИ
Вне зависимости от своего могущества или слАбости, государства
И ПРАВИТЕЛИ ВСЕГДА ИСПОЛЬЗОВАЛИ МОНЕТЫ, ЧТОбы ПОДНЯТЬ СВОЙ
ПрЕСТИЖ ПЕрЕД ВАССАЛАМИ, ЖИТЕЛЯМИ ИЛИ СОСЕДЯМИ. ЛИШЬ ИЗрЕДКА
СРЕДСТВА ТрАТИЛИСЬ НА СОЗДАНИЕ ТАКИХ МОНЕТ, КОТОрЫЕ МОГЛИ быТЬ
ПРИРАВНЕНЫ К ПРОИЗВЕДЕНИЯМИ ИСКУССТВА.
РИМСКИЙ АУРЕУС
Золото.
161 - 169 г. до н.э.
Изображены аверс и реверс
монеты. На аверсе - бюст
императора Люциусо Веруса.
(Внизу в центре)
МУСУЛЬМАНСКИЙ
ДИНАР
Золото. Начало 8 и.
Чтобы не преступить
налагаемый на мусульман запрет
рисовать изображения, вступивший
в сипу в 696 г., на этой монете
выбиты только буквы. (Внизу)
Монеты и медали были в ходу практически в каждом сколько-нибудь
развитом обществе в течение 2 500 лет, охватывая период и
территорию шире, чем любой другой вид антиквариата. Когда они в хорошем
состоянии, мы видим их такими же, какими видели их представители того
общества, в котором они были в ходу. Вид монет может многое рассказать
о государствах и их правителях. Кроме того, анализ их состава и мест
нахождения способен дать информацию о союзах, переселениях,
экономике, военной и политической истории, которая без этого могла бы не дойти
до нас.
С 3 века до нашей эры монеты широко использовались в Китае,
бассейне Средиземного моря и на Ближнем Востоке даже самыми бедными
слоями населения и выпускались в больших количествах. Классические и
средневековые серебряные и золотые монеты, дошедшие до нас, были когда-то
потеряны или зарыты в качестве клада в расчете на последующее
использование в более благоприятный период. Медные монеты также терялись
или, не имея высокой себестоимости, попросту выбрасывались, если
выходили из обращения, поэтому к радости коллекционеров сохранилось
большое их число.
По сравнению с другими предметами антиквариата монеты обычно
имеют преимущество в глазах коллекционера: на них написано, что они из
себя представляют и где они были сделаны. Хотя надпись может быть и на
СОЛ ИД
Золото. 5 в.
Эта монета, имеющая
историческое значение, находится в
Эшмолинском музее в
Оксфорде. Ее нашли в Кронделлском
кладе (Хемпшир). После
оставления римлянами их британской
провинции чеканка на монете
была перебита.
506

МОНЕТЫ И
ЕДАЛИ
незнакомом языке, но ее, как правило, удается перевести и таким образом
расшифровать происхождение монеты.
Если предполагаемого коллекционера пугают трудности распознавания
непонятной на вид монеты, то надо принять к сведению, что в
действительности надписи на них никогда не бывают загадочными. Напротив, все
чеканившие монеты правители стремились к максимальной ясности надписей,
чтобы они не вызывали у людей недоумения или недоверия. Кстати, такое
же требование к деньгам сохраняется и в наши дни.
Медаль - ближайший родственник монеты. Медалями награждали за
спортивные успехи, доблесть на поле брани, они служили знаками
уважения одним правителем другого или себя самого. Медали чеканились также в
честь особых событий, например, победы английского флота над испанской
армадой. Если монеты отражают экономическую историю общества, медали
укажут коллекционеру, какие события или свершения прошедшие
поколения считали важными.
СКУДО ПАПЫ
ИННОКЕНТИЯ XII
(1691-1700)
Золото. 1694
Монета Папской области
отражает современные тогда стили
архитектуры и ювелирного
искусства. Это характерно для
итальянских монет начиная с эпохи
Возрождения. (Внизу и внизу
слева)
ОРДЕН ПОДВЯЗКИ
Английский орден Подвязки был
учрежден в 1349 г. Он носился
но светло-голубой ленте
наискось через грудь. (Вверху)
РЫЦАРСКИЕ ЗНАКИ ОТЛИЧИЯ
Ордена рыцарей появились в средние
века в результате попыток церкви и
монархов ввести стандарты поведения и
образа жизни рыцарей.
Со временем многие ордена исчезли
вместе с учредившими их правителями,
пав жертвой предпочитаемых
современным миром республиканских
форм правления. Уцелевшие, например
некоторые британские ордена,
сохранились в среде узкого круга людей,
оказывавших монархам особые услуги - и
немалую, хотя и неофициальную роль
сыграл здесь фактор наследственности.
Самым древним из сохранившихся
орденов является орден Подвязки,
учрежденный английским королем
Эдуардом III. Точная дата основания
неизвестна; записи об этом ордене ранее
1416 г. не сохранились. Однако мантии с
девизом ордена упоминаются среди
гардеробов в сентябре 1347-го и январе
1349 г., а также в распоряжении о
приготовлениях к богослужению в
Виндзоре, датированном августом 1348 г.
На континенте наиболее престижным и
желанным орденом является орден
Золотого Руна. В 1430 г. его учредил
Филипп Добрый, герцог Бургундии.
Со временем формы рыцарских
орденов стали многочисленными и
разнообразными, но всех их объединяет
то, что удостоенные их надевали
специальные драгоценные знаки отличия
по особым случаям. Сами знаки
сохранялись, но практически все ленты, на
которых они носились, не дошли до наших
дней. Информацию о том, как они
выглядели и каким способом носились,
можно почерпнуть из портретов того
времени, на которых кавалеры орденов
гордо выставляют их напоказ.
ОРДЕН
ЗОЛОТОГО РУНА
507

О Н ЕТ Ы И
ЕДАЛИ
Некоторые высказывания из Библии и древняя клинопись на
ГЛИНЯНЫХ ТАблИЧКАХ СВИДЕТЕЛЬСТВУЕТ, ЧТО ДЕНЬГИ ОКАЗЫВАЛИ
ВЛИЯНИЕ НА РАЗВИТИЕ СОЦИАЛЬНЫХ СИСТЕМ И НА ИЗОбрЕТЕНИЕ
ПИСЬМЕННОСТИ.
ДРЕВНИЕ МОНЕТЫ
СЛИТОК
И ПЕРВАЯ МОНЕТА
Эфес, ок. 630 г. до н.э.
Столетия металл учавствовал в
торговле в виде слитков (Внизу
слева). В Эфесе [на территории
современной Турции) впервые
использовались слитки электрона,
которые были фиксированного
веса и с одинаковой печатью.
(Внизу справа).
Анализ кладов монет имеет большое
значение для нумизматики, науки о монетах и
медалях. Современные методы статистического
анализа достигли очень сложного уровня. Чем
больше по объему найденный клад, тем более точные
выводы можно сделать.
Существуют три основных типа кладов:
военный, личные сбережения и колодцы либо
источники, куда бросали монеты, загадывая
желание. В первом случае большинство монет будут
иметь примерно одинаковую дату, а их
состояние будет тем хуже, чем дольше времени они
находились в обращении. Среди них будет
также процент случайных, иногда даже
иностранных, монет с более широким разбросом дат
выпуска. Такой клад, как правило, очень велик и,
вероятно, мог быть собственностью отступающей
армии или свергнутого правительства.
Личные сбережения, конечно, гораздо
меньше по объему. Если разброс дат невелик, это
может означать, что клад состоит из какой-либо
разовой выплаты, например, уволенному
солдату или чиновнику. Но если разброс дат велик -
скажем, занимает период смены поколения -
это может свидетельствовать о том, что клад
накапливался медленно. В этом случае будет
видна тенденция собирать полновесные монеты
одного достоинства, новые или в хорошем
состоянии.
Типичные характеристики монет, бросаемых
в колодец или источник "на счастье" - это
низкое достоинство и широкий разброс дат и мест
изготовления. Такие клады часто указывают на
близость религиозной святыни. К подобному типу
относятся и клады в фундаменте при
строительстве важного здания или клады в королевских
погребениях. Они обычно представляют большую
ценность и состоят из новых монет. В этом
случае они помогают довольно точно определить дату
строительства или погребения.
Единичная найденная монета скорее всего,
была случайно потеряна. Типичными местами
таких потерь являются броды.
ИЗОБРЕТЕНИЕ
ЧЕКАНКИ МОНЕТ
Почти за две тысячи лет до появления монет
в 7 веке до н.э. торговля осуществлялась при
помощи слитков. Долгое время они были
медными (особенно на Кипре) и свинцовыми, но из-за
своей тяжести и подверженности коррозии были
заменены серебряными. Самое древнее
упоминание о взвешиваемом серебре найдено на
шумерской клинописной табличке примерно 21 века до
н.э.
Первая валюта возникла, когда по
молчаливому соглашению на слитки ставилась печать, в
некоторой степени гарантируя их качество,
примерно так же, как сегодня используется клеймо
на изделиях из драгоценных металлов. И когда
такая печать (личная или какой-либо
организации), гарантирующая вес и чистоту металла,
наносится на слиток, размер которого удобен для
торговли, он становится монетой.
Греческий историк Геродот, писавший в
конце 5 века до н.э., сообщает, что жившие на
северо-западе современной Турции лидийцы
считались первыми людьми, использовавшими
золотые и серебряные монеты и открывшими
розничную торговлю. В 1904 - 5 годах британские
археологи, ведя раскопки в центральном
фундаменте Эфесского храма Артемиды (Дианы), в
котором лидийский царь Крез спрятал
сокровища в середине 6 века до н.э., нашли сосуд с 19
монетами из электрона (сплава золота с
серебром).
Кроме них было найдено еще 93 монеты из
электрона того культурно-исторического
периода. Строго говоря, девять из них не являются
508

ДРЕВНИЕ МОНЕТЫ
монетами: это небольшие слитки, местами
обработанные различными орудиями. Однако все со-
ответсвуют стандартным весам, кратным
двенадцатой части главной весовой единицы.
Считается, что монеты этого клада, которые датируются
последними десятилетиями 7 века до н.э.
свидетельствуют о месте и времени возникновения
первых монет.
Природное золото с большим содержанием
серебра содержалось в песке реки Пактолос, на
которой была расположена столица Лидийского
царства - Сарды. Похоже, этот материал
употреблялся в качестве общепринятого (по крайней
мере, в раннем периоде чеканки монет), вне
зависимости от процентного соотношения золота
и серебра.
Первая торговля. Для купца преимущество
использование монет заключалось в
значительном облегчении расчета по сделке, так как
платежное средство было аккуратно разделено на
части определенного веса и чистоты. Однако
имелись и недостатки. С самого начала
Государство стремилось всеми средствами овладеть
монополией на чеканку монеты. Это позволяло
извлекать выгоду, объявляя стоимость монеты
выше, чем стоимость необработанного слитка. В
то же время можно было собирать налоги в
слитках или даже в новых монетах, принимая их по
стоимости металла. В последнем случае
Государство могло использовать монеты в качестве
платежного средства, не беря на себя расходы
по переделке слитков в монеты. Считается, что
вначале слитки и монеты были в обращении
независимо друг от друга, но послольку
правительство не могло не участвовать в торговых
сделках, оно привлекало монеты.
В конце концов, вероятно, в результате
законодательных актов монеты полностью отняли у
слитков роль валюты. Сперва монеты имели
только местное хождение. Ведь для того, чтобы
получить признание, монеты должны были нести
на себе печать знакомого, вызывающего доверие
человека или организации.
Считается, что около 700 года до н.э. купцы
чеканили собственные монеты: слишком они
многочисленны и разнообразны. Некоторые
дошли до наших дней лишь в единственном
экземпляре или в лучшем случае в нескольких. Затем
появились монеты из электрона. В Эфесском
кладе они, кроме разного вида, имеют еще и
различный вес, что можно объяснить
существованием отличающихся стандартов в соседних
городах.
СТАНДАРТИЗАЦИЯ И ЕЕ СМЫСЛ
После смерти Александра Великого в 323
году Греция, Египет и Азия от восточного
Средиземноморья до реки Инд относились к
эллинскому сообществу. Это послужило толчком к
стандартизации денег, что, в свою очередь,
привело к бурному развитию международной
торговли, так как теперь уменьшилась
необходимость обменивать деньги на местные вдали от
родной страны. Эти ранние греческие монеты
чеканились не централизованно и отличались
друг от друга, но в основном их вид,
фиксированный вес и чистота были одинаковы. В
добавление к основным изображениям на них выби-
ЭЛЛИНСКАЯ МОНЕТА
Серебро. 4/3 века до н.э.
После смерти Александра
Великого (323 г. до н.э.) искусство
чеканки монет, особенно с
портретами, переживало подъем.
Тогда выпускались самые
разнообразные монеты, многие из
которых не уступают произведениям
искусства того времени. (Внизу
слева).
АФИНСКАЯ
ТЕТРАДРАХМА
Серебро. Ок. 440 г. до н.э.
Эти 'совы* были настолько
популярными и заслуживающими
доверия средствами платежа, что
оставались в повсеместном
обращении до покорения Афин
римлянами в 88 году до н.э. Их
копировали, хоть зачастую и
неискусно, даже в Аравии. (Внизу).
509

МОНЕТЫ И
ЕДАЛИ
вались второстепенные, указывающие рудник и
чиновника, управляющего им.
После смерти Александра огромную империю
тотчас растащили на куски его полководцы.
Каждое новое государство теперь чеканило
собственные тетрадрахмы с идеализированными
портретами своих новых властителей. (Серебряная
драхма по-прежнему оставалась основной денежной
единицей). Другим результатом завоеваний
Александра было то, что после поражения
персидского царя Дария III огромное количество чистого
золота, ранее хранившегося в персидской
сокровищнице, было вывезено в Средиземноморье.
Впоследствии из этого золота чеканили свои
монеты кельтские племена до Британских
островов на северо-западе.
Самые первые монеты делались не для
удобства простых людей, а для торговцев и,
возможно, главных жрецов в храмах. Последние
пытались играть роль будущих банков, предлагая свои
услуги для хранения и контроля за денежными
средствами. Вскоре после изобретения монет
серебряная драхма равнялась стоимости одной
не слишком упитанной овцы. В конце 5 века до
н.э. такая монета составляла дневной заработок
архитектора одного из самых замечательных
зданий Акрополя, Эрехтеума. Это напоминает нам
о том, что нельзя сравнивать заработки и цены
разных веков.
Нам предстоит окинуть взглядом
города-государства на юге Италии, основанные
греческими колонистами большей частью в 8 и 7 веках до
н.э., чтобы познакомиться с монетами для
широких слоев населения. Существовали бронзовые
жетоны, практически не имевшие
себестоимости, так что их хождение зависело лишь от
доверия населения чеканившему их правительству.
Каждый город имел денежные знаки
собственного образца, так что было важно, чтобы они были
узнаваемы и пользовались доверием. Такими были
монеты, использовавшиеся как удобное средство
для небольших повседневных сделок.
Однако развитие чеканки монеты давало
возможность и фальшивомонетчикам
демонстрировать свое мастерство. Соответственно золотые и
серебряные монеты вскоре стали различаться по
включению надписей или символов, которые
указывали, кто несет ответственность за их
чеканку. Исследователи благодарны этому
обстоятельству, потому что внимательное изучение этих
обозначений иногда дает им возможность
определить порядок, в каком чеканились монеты в
данном городе. В то время монеты чеканились
не постоянно, а только по мере необходимости,
возможно, раз в десятилетие. Время от времени
встречаются древнегреческие монеты с
нацарапанной надписью, возможно, сделанной в момент
передачи их в залог.
ГРЕЧЕСКИЕ МОНЕТЫ
Серебро
Это редкая подборка некоторых
из наиболее замечательных
монет древнегреческого мира.
Идеализированные портреты и
эмблемы на каждой принадлежат
каждая своему особому городу-
государству. Ранние монеты
имели тенденцию быть в обращении
поблизости от места чеканки, но
позже произошел сдвиг в
сторону меньшего разнообразия - но
каждый выпуск какого-либо
образца отличался небольшой
особенностью в дизайне реверса.
(Справа).
ТЕТРАДРАХМА
Серебро. 4 век до н.э. (?)
Это одна из наиболее
распространенных монет древнего мира,
впервые выпущенная
Александром Великим (336 - 323 гг. до
н.э.). Он приказал изобразить
себя в виде Геракла в шкуре
Немейского льва. Эти монеты
чеканились в различных местах
от Греции до реки Инд. На
многих выбивалось имя Александра
после его смерти. (Слева).
510

ДРЕВНИЕ МОНЕТЫ
511

МОНЕТЫ И
ЕДАЛИ
Империи, властвовавшие в северном Средиземноморье
ОКОЛО 1 200 ЛЕТ, УСТАНОВИЛИ ТРАДИЦИЮ ЧЕКАНКИ МОНЕТ,
ПОДЧЕРКИВАЮЩИХ МОЩЬ ГОСУДАРСТВА И ЕГО РЕЛИГИОЗНУЮ
поддержку.
РИМСКИЕ И ВИЗАНТИЙСКИЕ МОНЕТЫ
СЕСТЕРЦИЙ
Бронза. 117 - 138 гг. н.э.
Реалистичный портрет римского
императора Адриана но этой
монете резко контрастирует с
более идеализированными
изображениями Эллинского мира.
(Внизу)
В конце 4 века до н.э. в центре Итальянского
полуострова началась чеканка монет. В
первое время бронзовые монеты служили
эквивалентом веса, но так как бронза -
относительно хрупкий материал, они стали выступать в
более удобной роли знаков. Поначалу грубо
обрезанные слитки металла, постепенно
превратились в прямоугольные бруски с
изображениями, очевидно означающими те вещи,
эквивалентом стоимости которых они являлись:
амфоры, коровы, щита и т.д. (В этом проявляется
сходство с независимо от них изобретенными
китайскими монетами.) Но даже такие бруски
были неудобными и служили недолго.
Римляне изготовили серию больших
бронзовых монет, основываясь на двенадцатерич-
ной системе (каждая единица делилась на
двенадцать частей). Этот порядок не совпадал с
десятичной системой, принятой во всем
остальном мире. Поэтому римлянам и их союзникам
пришлось отказаться от этой особенности в
период ранней империи.
В предыдущие столетия греки
колонизировали Сицилию и южную Италию, поэтому
неудивительно, что монеты греческих провинций
(но далеко не провинциальные по стилю)
послужили прототипами римских.
Примерно в 212 году до н.э. ввели динарии,
название которых, сокращенное до d.,
использовалось для обозначения пенни в принятой до
1971 года денежной системе Соединенного
Королевства. В валютах стран Среднего Востока
до сих пор сохранилось это название - динар.
После введения этой денежной единицы
римские монеты стали чеканиться из серебра, а не
из бронзы. Динарий был равен десяти
бронзовым ассам, и в первое время на нем ставили
цифру X.
Впоследствии, во время войны с
Ганнибалом в 209 году до н.э., из золотых запасов Рима
пришлось чеканить золотые монеты, ауреи. Так
появились триметаллические монеты, в
которых соотношение золото: серебро: бронза было
примерно равно 1 : 9 : 120.
ТРАДИЦИИ,
ОКАЗАВШИЕ ВЛИЯНИЕ
В Риме за чеканку монет отвечал комитет
из трех чиновников. Производство велось не
постоянно, а в период войн или масштабных
общественных работ. Изображения были
многочисленны и разнообразны, и в основном
увековечивали семьи чиновников, отвечавших за
их выпуск: изображали подвиги их предков или
эпизоды римской истории.
С распространением влияния Рима его
монеты стали иметь хождение и за границами
империи. Из Истории Рима Тацита, написанной в
конце 1 века н.э., мы узнаем, что серебряными
римскими монетами с готовностью
пользовались кельтские племена на границах империи,
и - насколько он мог судить -
цивилизованный мир.
Однако у кельтов не было оснований
доверять римскому правительству, и примерно с
512

РИМСКИЕ И ВИЗАНТИЙСКИЕ МОНЕТЫ
АУРЕУС
Золото. 117 - 138 гг. н.э.
Этот оуреус являлся стандорт-
ной римской золотой монетой
первых трех столетий Империи,
пока не был заменен солидом.
(Вверху)
200 года до н.э. они стали делать зарубки на
ребре металлического диска. Затем стали
чеканить собственные монеты, чтобы быть
уверенными, что они сделаны не из бронзы,
покрытой лишь слоем серебра. Эти монеты,
называемые серрати (из-за своих зазубренных
граней). При их изготовлении впервые было
применено гурчение, обычное на современных монетах.
Таким образом предотвращалась практика, р-
аспространенная в средние века, - обрезка
краев золотых и серебряных монет для
последующей сплавки обрезков в слиток и передачи
монеты дальше в обращение по
теоретической стоимости.
В начале 1 века до н.э., отмеченном
борьбой между консулом Марием и полководцем
Суллой, тип надписей на монетах изменился.
Они выбивались в новом стиле,
сохранившемся и в средние века. Во время своего
правления с 83 по 79 год до н.э., став первым в
длинной череде властвовавших над Римом
диктаторов, Сулла чеканил монеты со своим именем,
впервые установив такую традицию. Юлий
Цезарь сделал еще один шаг в этом
направлении, начав чеканить монеты не только со
своим именем, но и с портретом незадолго до
своей гибели в 44 году до н.э.
ЛИКИ ИМПЕРИИ
После периода войн, начавшихся со
смертью Цезаря, его приемный сын Октавиан стал
правителем в 29 году до н.э. Через два года он
был провозглашен первым римским
императором и принял титул Августа. Теперь римские
владения простирались вдоль всего
Средиземноморья от Испании на западе до Малой Азии
на востоке. При такой обширной территории
монеты пришлось чеканить и за пределами
Рима, а с дальнейшим расширением границ и
на совсем далеком расстоянии от центра.
Соотношение между золотыми и
серебряными монетами теперь равнялось 1:25, и
чеканка обоих типов была прерогативой
императора. С 24 года до н.э., когда Август понял
нужду простых людей в мелких деньгах для
повседневного обращения, возродились
бронзовые монеты. Их чеканка была передана в
ведение сената, что подтверждается буквами
S(enatus) C(onsulto).
Изменения изображений. В
последующие три столетия монет производится все
больше, а их размеры становятся все меньше, так
как ими пользуются повсеместно. Кроме
этого, портреты императоров на монетах гораздо
более идеализированы, чем портреты 12
первых цезарей. Их изображения утрачивают
индивидуальность, упор делается в большей
степени на соответствующие императорскому
званию одежду, знаки и регалии.
КЕЛЬТСКИЕ МОНЕТЫ
Балканские кельты чеканили собственную
монету в 3 в. до н.э., и с них брали
пример кельты на всей остальной
территории Европы вплоть до Британских
островов. Первые изображения
подражают статирам Филиппа
Македонского (ум. 337 г. до н.э.), отца
Александра Великого. Обычно
повторение изображения на протяжении
многих лет ведет к его деградации, но
кельты, основываясь на своем
специфическом творчестве, ухитрились
обогатить его своим собственным
прекрасным стилем.
513

МОНЕТЫ И
ЕДАЛИ
Лицо стало практически лишь атрибутом
духовного и символического аспекта власти, ее
недосягаемости и превосходства. Этот переход
от реализма к идеализации наиболее ярко
выражен в устремленном вперед взгляде лика
Константина Великого (285 - 337), увенчанного
короной. Этот портрет, как сообщает
греческий историк того времени Евсевий, создан в
подражание монетам Александра Великого,
которые чеканились почти семь столетий
раньше, - сходство, несомненно, преследовало
политические цели.
На реверсе монет постоянно присутствуют
изображения богов, а надписи отражают
политические ситуации того времени. Например, в
тревожные времена появляется надпись SALUS
REPUBLICAE (безопасность государства),
после устранения угрозы - FEL(icitae) TEMP(us)
REP(aratio) , что можно перевести как "Вновь
наступили счастливые дни". Таким образом
реверс использовался для иллюстрации планов
и достижений правительства.
К концу 3 века политические отношения
между римскими императорами и зависимыми
вождями европейских племен стали очень
деликатными, так что мирное соглашение могло
отражаться в выбитой на монете надписи,
например, CONCORDIA AUG(usti) (Мир между
правителями). Визит вождя или правителя в
город знаменовался надписью ADVENTUS
ПОЗДНИЕ
РИМСКИЕ МОНЕТЫ
Золото и бронза. 4 век
После принятия Христианства в
качестве официальной религии
империи изображения на
римских монетах приняли более
абстрактный характер. Портреты на
этих монетах иллюстрируют
отход от реализма раннего
периода империи и первые признаки
перехода к византийасому стилю.
Эти монеты представляют эпоху
постоянно снижающегося веса и
уровня художественного
мастерства, характеризуя общий упадок
Римской империи.
CAESAR (или AUGUSTUS). Таким образом
велась своеобразная достоверная летопись
политических стремлений и достижений. К этому
времени на реверсе монеты, обычно под
надписью, выбивалось сокращенное название
выпустившего ее монетного двора.
ВИЗАНТИЙСКИЕ
МОНЕТЫ
Хаос в политической ситуации начала 4
века прекратился, когда Константин Великий
в 324 году стал правителем всей Римской
империи. Константин перенес столицу
государства из Рима в маленький город на
Босфоре, Византиум, и переименовал его в
Константинополь.
В течение столетия императоры на монетах
изображались в воинских доспехах; это были
времена, когда орды варваров накатывались на
границы империи. Портреты на монетах
показывают императора-воина, сначала в профиль,
затем в полный рост - в шлеме, доспехах, с
копьем и щитом, на котором изображен
всадник, пронзающий копьем замершего в ужасе
пешего варвара. Этот прототип Георгия и
дракона использовался в 18 веке гравером Бене-
детто Пиструччи на соверенах и кронах
Британского короля Георга III.
Вообще-то можно утверждать, что
государства стремились изображать на монетах спо-
514

РИМСКИЕ И ВИЗАНТИЙСКИЕ МОНЕТЫ
солид
Золото. 4 век
Констонтин I (306-337), по
мнению историка Евсевия,
сознательно подражая Александру
Великому, представляет себя в
более абстрактном стиле, как
хорошо видно но этой монете.
(Справа).
СОЛИД
Золото. 5 в.
Постоянные столкновения с вар-
ворами служили поводом для
изображения императора в
облике воина. Феодосии II (408 _
450), действительно один из
наиболее талантливых полководцев,
показан на этой монете в
шлеме и с копьем (Справа)
койные традиционные мотивы, внушающие
людям доверие. Например, дизайн реверса на
полукронах Елизаветы II многое заимствовал
из монет ее тезки, правившей ранее).
Обратная сторона византийских монет
стала исключительно христианской по
содержанию. Даже традиционные языческие
персонификации городов и богини победы Виктории
вытеснялись христианской символикой. Ко
времени правления Анастасия (491 - 518)
христианские эмблемы стали еще более ярко
выражены: стоящий ангел поддерживал большой
крест. В течение полувека это изображение
трансформировалось в ангела, держащего жезл
с двумя первыми греческими буквами имени
Христа - Хи и Ро, а также шар с крестом
наверху. Окончательным вариантом этого образа
стал простой крест на подножках.
ВЛИЯНИЕ
ИСЛАМА
Раннее распространение мусульманства
сказалось на первых изображениях на
византийских монетах. Даже после признания
христианства официальной религией Константином
главенствующее положение Спасителя
принималось в достаточной степени условно. С самого
начала отношения между мусульманами и
христианами были вполне дружественными. В 691
году Юстиниан II отправил несколько колонн
для строительства мечети в Мекке; через 16
лет тот же император послал калифу 100 000
солидов (византийских монет), сто рабочих и
40 партий тессеры (мозаичных кубиков),
вывезенных из разрушенных церквей. Несмотря на
эти очевидные свидетельства дружбы,
христианство надо было популяризировать, и,
поскольку территория хождения солидов была
достаточна велика, они представляли идеальное
средство для этой цели. Соответственно между 692
и 695 годом на солидах выбивали латинскую
515

МОНЕТЫ И
ЕДАЛИ
ВИЗАНТИЙСКИЙ
СОЛ ИД
Золото. 9 в.
Во время споров об
иконоборчестве в 8 и 9 веках
изображение императора стало более
схематичным. (Вверху)
ВИЗАНТИЙСКАЯ
НОМИЗМА
Золото. 11 в.
После разрешения вызванных
иконоборчеством
художественных проблем изображения на
византийских монетах стали
чеканиться в стиле икон
Православной церкви. (Внизу)
надпись Christus Rex Regnum (Христос, Царь
Царей), и впервые в искусстве стала
изображаться голова Христа с бородой и в терновом
венце. Такая монета не вызывала протеста у
мусульман, поскольку запрет на изображение
человека был издан только в 696 году.
Истоки традиции изображения изможденного
лика Христа не вполне ясны. Возможно, они
восходят к плащанице (кусок материи с ликом
Христа), по свидетельствам, выставленной над
воротами города Эдессы (современная Урфа в
Турции). В конце правления Юстиниана II, после
его изгнания и реставрации, его монеты стали
отражать предыдущий, общепринятый, по
крайней мере, с 4 века, образ Христа - молодого и
чисто выбритого.
Иконоборчество. С первой четверти 8 века
на стиль византийских монет влияло еще одно
религиозное течение - иконоборчество,
оказывавшее противодействие созданию рисунка.
Сохранилось изображение императора -
правителя и полководца, а также крест на реверсе.
Однако образы стали гораздо более
стилизованными: крест никак не украшался, а портрет
императора стал менее рельефным и более о-
бобщенным. Эта тенденция хорошо заметна на
монетах Феофила (829 - 842). Он был
последним императором, формально считавшимся
иконоборцем, но, несмотря на это, стилизация
изображений имела место и после него. Лишь
постепенно, на протяжении двух веков, они
приобретали более реалистичные черты. К началу
11 века стиль несколько приблизился к манере
рисования икон. Действительно, эти поздние
монеты показывают нам, как должны были
выглядеть иконы того времени.
В тот период большинство монет стали
чеканить в форме чаши. Такая форма позволяла
делать их гораздо более тонкими при том же
диаметре. Уменьшение диаметра сразу
бросалось бы в глаза и роняло бы престиж
государства.
Упадок монет византийской чеканки.
Последние 200 лет Византийской империи - с
середины 13-го до середины 15 века -
ознаменовались продолжающимся ухудшением
качества изображения на монетах. В 1453 году, к
моменту крушения империи, ее возможности
чеканить монету иссякли.
В Византийской империи серебряные
монеты чеканились лишь от случая к случаю в
отличие от мусульманских стран, где серебро
было основным материалом для денег.
Бронзовые монеты выпускались в огромных
количествах; на них выбивался портрет
императора, а на реверсе - сложная система букв,
обозначавших номинал, монетный двор, часто
дату и имя ответственного за чеканку
чиновника.
Н
516

СРЕДНЕВЕКОВЬЕ И ВОЗРОЖДЕНИЕ
вся тысячелетняя история чеканки монет в европе после
крушения римской империи - это история постепенного
возвращения к стандартам, уаановленным в древнем
Средиземноморье.
СРЕДНЕВЕКОВЬЕ И ВОЗРОЖДЕНИЕ
Перемещение столицы поздней Римской
империи на Восток сильно сказалось на
политической стабильности и культуре Запада:
наконец германским племенам был открыт путь в
пределы империи. Монеты стали примитивнее, и все
меньшее число чеканилось из золота из-за
острой его нехватки. С течением времени чеканка
монет все сильнее приходила в упадок.
В первое время вожди переселявшихся
племен формально признавали власть
императора в далеком Константинополе. Изображения на
их монетах неуклюже воспроизводят голову
императора и снабжены зачастую полуграмотной
надписью с его именем (иногда даже
несуществующего или давно умершего). Впоследствии на
монетах стали выбивать имя местного
правителя.
В Британии после ухода римских легионов в
начале 5 века местным населением чеканились
неуклюжие маленькие копии римских бронзовых
монет. Однако несколько раз выпускались партии
монет из относительно чистого золота, которые,
вероятно, находились в обращении очень
недолго. Большинство сохранившихся экземпляров
найдено в Кронделлском (Хемпшир) кладе,
закопанном в 5 веке и теперь находящемся в Эшмо-
линском музее в Оксфорде. Некоторые из этих
редких золотых монет состояли в ограниченном
обращении в начале 7 века, что показала
находка в Саттон Ху (Суффолк), и хранятся в
Британском музее.
Южнее Альп на монетах выбивались имена
завоевателей, они были сделаны более искусно,
и золотых монет было больше. Самый юг,
Сицилия и Северная Африка, по крайней мере
номинально, оставались под контролем Византии. Эта
ситуация отражена на монетах, которые могут
показаться несколько провинциальными по
стилю.
К началу 9 века франкская империя Карла
Великого простиралась, если считать по
монетным дворам, от Британии до Рейна и на юг за
Рим до Беневента. К этому времени на Западе
монеты чеканились почти исключительно из
серебра; лишь время от времени выпускались
небольшие партии золотых солидов. Серебряные
денье Каролингов чеканились в очень больших
ИМИТАЦИЯ СОЛ ИДА
Золото. 5 в.
Монета подражает солидам
римского императора Лициния (прав.
308 - 324). Она была найдена в
Британии, в Восточной Англии, и
иллюстрирует, как пришедшая на
смену римлянам власть
придерживалась традиционных форм
ДЕНЬЕ (ПЕННИ)
Серебро. Конец 9 и.
Нехватка золота в Западной
Европе в Темное время" повлияла
на чеканку монет. В империи
Карла Великого (коронован
Папой в рождество 800 г.) был в
обращении серебряный денье,
который в течение семи веков
оставался традиционной монетой.
(Вверху)
количествах, за их весом и чистотой тщательно
следили.
В 864 году Питрский эдикт утвердил денье
стандартной валютой на всей территории
империи. Не прошло и века, как многие крупные
сеньоры стали вносить в монеты некоторые
особенности, часто без разрешения императора.
Вскоре королевскую монополию потеснили и
священнослужители, добившиеся права чеканить
собственные деньги, так что денье теперь имел
множество разнообразных форм. Тем не менее
он оставался главной валютой Европы почти
пятьсот последующих лет.
С развитием международной торговли вновь
стали появляться золотые монеты. В 1284 году в
Венеции были выпущены первые золотые
дукаты. Этот эксперимент оказался успешным. Беря
пример с Венеции, золотые монеты стали
чеканить в различных небольших государствах,
герцогствах и городах Италии и Средиземноморья.
Они оставались в обращении, с различными
изменениями весовых стандартов, до конца 18 века.
Венецианский дукат широко использовался в
качестве международной валюты в Леванте, а
местные подражания ему делались даже в таких
дальних странах, как Индия.
ПЕРВЫЙ ЭКЮ
На территориях севернее Альп возвращение
золотой монеты спустя почти тысячелетие
проходило не столь заметно. В Англии Генрих III
выпустил золотой пенни в 1272 году
(сохранилось семь или восемь из них), во Франции
Людовик IX чеканил похожую монету с королевским
гербом (сохранилось восемь). Эти последние и
были первыми экю, название которых
происходит от слова эскучеон - геральдического
названия щита. Однако при отсутствии оживленной
торговли в золотых монетах не было особой
нужды. Эдуард III выпустил недолго ходившие в
обращении золотые монеты,, которые вновь
появились в 1344 году.
Примерно в 1290 году Филипп IV
Французский (1268 - 1314) стал чеканить серию
прекрасных золотых монет. С точки зрения политики
французских королей, золотые монеты были
средством для усиления и распространения могуще-
517

О Н Е Т Ы И
ЕДАЛИ
ства их династии. Изображения на монетах
отражают архитектуру готических соборов,
строившихся в то время.
Английские монетные дворы сначала в
Лондоне и Кале, не желая отставать, с 1351 года
стали чеканить золотой нобль.
На Западе золотой флорин стал именоваться
гульденом. На сегодняшний день эта традиция
отражена в сокращенном названии
нидерландского гульдена - F1.
Что касается серебряных монет, то в больших
количествах продолжали чеканиться пенни, или
денье, и их многочисленные разновидности. Одной
из них был грош (четыре пенни), который
появился в период правления Людовика IX (1214 - 1270)
и Эдуарда I в 1279 году. Однако эта монета не
стала популярной, и большинство
сохранившихся экземпляров, наверное, использовались в
качестве талисманов, так как на многих из них
сохранились следы позолоты или попытки вставить
в оправу.
КОРОЛЕВСКИЕ ЛИКИ
Со времен поздней Римской империи на
монетах не выбивались портреты государей.
Однако с развитием искусства живописи в эпоху
Возрождения в Италии в 15 веке стали появляться
новые монеты с изображениями. Первые монеты
с портретом правителя были отчеканены в
Венеции дожем Никколо Троном в 1472 году. Однако
это новшество оказалось непопулярным, так как
в городе были сильны республиканские традиции,
как и в древнем Риме, когда Юлий Цезарь
вызвал в народе возмущение таким же поступком.
Все же тщеславие государей оказалось сильнее,
и эта практика стала быстро распространяться в
Италии, где такие монеты стали называться
"тестоны" ("теста" по-итальянски означает "голова").
На севере первая монета с портретом короля
появилась в 1485 году в Шотландии - на ней
был изображен Джеймс III. В Англии лик короля
Генриха VII (1485 - 1509) был увековечен в
последние годы его правления на формах,
предназначенных для чеканки первых шиллингов.
Государства с сильными республиканскими
настроениями чаще чеканили монету с изображением
своего святого-покровителя.
Открытие Америки в конце 15 века потрясло
денежную систему Европы, так как огромное
количество вывезенного оттуда золота влилось в
экономику. Однако влияние этого золота могло
быть и сильнее, если бы в Европе в то же время
не произошло резкое увеличение добычи
серебра. В 1498 году правитель Тироля Сигизмунд
испытывал нехватку золота, зато в его стране
были серебряные рудники. Поэтому он стал
чеканить серебряную монету того же достоинства,
что и гульден (средневековая немецкая золотая
монета). Естественно, что из-за меньшей стоимо-
ПАВИЛЬОН
(СТАРИННАЯ
ФРАНЦУЗСКАЯ
ЗОЛОТАЯ МОНЕТА)
Золото. Конец 14 в.
Название этой монеты
обусловлено изображением
английского короля Эдуарда III в шатре
(павильоне). Она была
выпущена его сыном Эдуардом Черным
принцем в Бордо. (Слева)
ЭКЮ
Золото. 15 в.
Французские короли чеканили
серии великолепных золотых
монет в готическом стиле для
поднятия своего престижа. Эту
выпустил король Карл VII (1422 -
1461). (Справа)
ГРОШ (4 ДЕНЬЕ)
Серебро. Ок.1498 г.
Первым реалистичным портретом
на серебряном гроше было
изображение английского короля
Генриха VII. С этого момента по
сегодняшний день продолжается
традиция выбивать портреты
властителей на британских и
английских монетах.
сти серебра по сравнению с золотом такая
монета по размеру была больше. Таким образом
появились первые кроны. В Германии серебряные
монеты стали называть талерами: с 1.519 года в
богемском городе Йохимсталь (в его
окрестностях были серебряные рудники) открылся
монетный двор, чеканивший такие деньги. Их
называли йохимсталерами, затем просто талерами.
Именно отсюда образовалось слово "доллар".
Остаток 16 века и последующие столетия
прошли в многочисленных, часто безуспешных
попытках унифицировать золотые и серебряные монеты
разных европейских государств. Это привело к
постоянной смене стандартов изображений и веса.
518

СОВРЕМЕННЫЕ
О Н ЕТ
Применение специальных станков в процессе чеканки дало
возможность создавать подлинные шедевры. качество
современных монет достигло такого уровня, который с лихвой
КОМПЕНСИРУЕТ ПОТЕРЮ ИНДИВИДУАЛЬНОСТИ.
СОВРЕМЕННЫЕ МОНЕТЫ
До 16 века процесс чеканки монет шел
практически вручную, хотя монетные дворы
находили некоторые способы, облегчавшие в
случае необходимости массовое производство.
(Обычно чем сильнее была нужда в деньгах, тем
поспешнее шла их чеканка, что сказывалось на
качестве). Применение станков вызвало
значительные видоизменения монет, которые стали
больше походить на современные.
Первые американские монеты выпускались в
Массачусетсе примерно с 1650 года и делались
по принципу "осадных" монет, так как на них
небрежно выдавливалось N Е (New England -
Новая Англия). Однако их было слишком легко
подделать, и в 1652 году их заменили шиллинги
с изображением дуба, сосны или ивы и
надписью: IN MASSACHUSETS (В Массачусетсе)
вместе с датой. Такие монеты чеканились в
течение тридцати лет по мере необходимости, но
дата оставалась прежней - 1652 год. Больший
номинал имели мексиканские песо,
чеканившиеся из мексиканского серебра.
Вскоре владельцы американских плантаций
отказались признавать монополию короля на
чеканку монеты и стали заказывать собственные
деньги в Лондонском монетном дворе и
вывозить их в Америку. Беспечный король Карл II,
очевидно, не придавал этому значения.
В 1670 году Французская
Восточно-Индийская компания получила право поставлять в
колонии деньги, отчеканенные в Париже.
В 18 веке на франко-американских монетах
ЭКЮ
Серебро. 1087
ТАЛЕРЫ
Серебро. 17 и 18
В 17 и 18 вв. во многих
государствах Европы чеканилось
огромное разнообразие монет.
Коллекционеры могут собрать целые
галереи портретов забытых ныне
правителей; любители пейзажей
могут насладиться видами
городов тех стран, где были сильны
республиканские настроения.
Деньги того времени были
орудием пропаганды. Монеты из
представленной здесь
подборки имеют на удивление схожие
веса и размеры. Они имели
хождение по всей Европе и, в
конце концов, добирались до
Америки вместе с колонистами.
Доллар США заимствовал свое
название от европейского
талера. (Слева)
Было отчеканено лишь несколько
экю (European Currency Units -
Европейские Валютных Единиц), так
как в нюс не было особой
практической пользы. (Внизу)
ггщттге *■*
519

О Н Е Т Ы И
ЕДАЛИ
выбивалась надпись COLONIES FRANCAISES
(Французские колонии), и они также
чеканились в Париже. Из-за опасности
кораблекрушений и пиратства, а также потому, что почти всю
выгоду от выпуска получал изготовитель,
ввозимые в колонии монеты были в основном
медными.
В 1791 году в пост-революционной Франции
был объявлен конкурс на создание новой
монеты. Судивший конкурс художник Жак-Луи
Давид отдал предпочтение Августину Дюпре. Хотя
изображение было революционным, монета
сохранила прежний вес.
В тот период Франция и Америка стали
переходить на десятичную систему, которой
вскоре стали придерживаться большинство стран
Европы. Только Англия до 1971 года отказывалась
ее принять. Повсеместное распространение этой
системы привело к созданию Латинского
Денежного Союза - соглашения, которого твердо
придерживались до придания ему официального
статуса в 1868 году. Главным его итогом было то,
что соотношение 15,5 : 1 между золотом и се-
ОСАДНЫЕ МОНЕТЫ
Во время Тридцатилетней войны в
Европе (1618 - 1648) и Гражданской
войны в Англии (1642 - 1649) возник
особый тип монет: осадные. Попавшие
в осаду должны были выплачивать
жалованье войскам, но запасы золота и
серебра были ограничены. В результате
у населения забиралась золотая и
серебряная посуда, и, в случае
отсутствия необходимого
оборудования, просто делилась на
слитки примерно равного веса с
выбитым клеймом. В Англии, когда
Карл I размещался в Оксфорде,
колледжи таким способом лишились
большей части своей посуды.
ребром было принято во Франции в 1803 году и
затем в Бельгии, Италии и Швейцарии; чистота
этих монет была равна 900/1000; вес и
номинал одинаковы. В результате существует
некоторое сходство если не по дизайну, то по
составу между американскими и европейскими
монетами 19 века.
Первая мировая война сильно повлияла на
валюты многих стран. Чеканка золотых монет
резко прекратилась. Латинский Денежный Союз
был в конце концов упразднен в 1926 году.
МОНЕТЫ США
1976 г.
Эти монеты были выпущены в
ознаменование двухсотлетия
независимости. (Вверху, слева
направо)
БРИТАНСКИЙ
СОВЕРЕН
Золото. 19 в.
(Внизу).
520

ВОСТОЧНЫЕ
О Н Е Т Ы
В АЗИИ СУЩЕСТВОВАЛИ РАЗЛИЧНЫЕ СИСТЕМЫ ЧЕКАНКИ МОНЕТ.
На Среднем Востоке и в Индии были заметны влияния
СРЕДИЗЕМНОМОРСКИХ ТОрГОВЫХ ПАРТНЕРОВ. КИТАЙ ЖЕ ПОШЕЛ
своим собственным, хотя и похожим, путЕМ.
ВОСТОЧНЫЕ МОНЕТЫ
Первые монеты Ближнего Востока отличались
высоким качеством, но с течением времени
становились все примитивнее. Копии афинских
сов (тетрадрахм) имели хождение в Азии, но
лишались своего своеобразия в кельтских
переделках, распространенных на Западе.
Воцарение династии Сасанидов, правивших
Персией с 226 по 641 год н.э., принесло
перемены в монеты Дальнего Востока. В основном
это были серебряные монеты, довольно
большие по размеру. На них искусно изображалась
голова правителей, смену которых можно
проследить по изменяющимся коронам; на
реверсе выбивался жертвенник Зороастра и фигуры
двух священнослужителей. Однако в целом их
качество падало, так как провинции
воспроизводили их, неуклонно ухудшая состав
металла. В конце концов монеты, которые
теоретически считались серебряными, стали
бронзовыми. Эти монеты - вместе с династией
Сасанидов - прекратили существование в
результате всепобеждающего шествия ислама с
середины 7 века.
МУСУЛЬМАНСКИЕ МОНЕТЫ
По стабильности дизайна мусульманские
монеты уступают разве что китайским. В 7 веке
полководцы Магомета, не располагая
собственными монетами, чеканили подражания денег
своих новых подданных в византийском стиле,
исключая христианскую символику.
В 696 году, через 77 лет после смерти
Магомета, был наложен запрет на рисование
изображений. Это немедленно сказалось на
монетах, которые выбивались теперь с надписью
"бисмилла" - исламским подтверждением веры.
За редкими исключениями эта традиция
продолжалась примерно 1200 лет. На монетах
также указывалась дата выпуска, название
монетного двора, часто имена местного правителя,
ответственного за выпуск, и калифа, которому
он подчинялся. В этом отношении
мусульманские монеты выступают в роли точных
летописцев многовековой политической и военной
истории земель, протянувшихся от Испании до
Тихого океана.
Часто неинтересные на первый взгляд мед-
ПАРФЯНСКАЯ ДРАХМА
Серебро. 2 в. н.э.
(Справа)
ДИРХЕМ САСАНИДОВ
Серебро. 4 век н.э.
Парфянцы владели
территориями современных Ирака и Ирана
примерно с 225 г. до н.э. до 226
г. н.э., когда их покорили
правители из династии Сасанидов. И
парфянцы, и их победители
чеканили серебряные монеты с
портретами своих государей.
(Внизу)
521

О Н Е Т Ы И
ЕДАЛИ
МУСУЛЬМАНСКИЙ
ДИРХЕМ
Серебро. Начало 8 а.
Со времен Магомета в
середине 7 в до наших дней
чеканилось много мусульманских монет.
На них выбита не только дата
выпуска, но также и имя
правившего тогда властителя. (Вверху)
ные монетки могут иметь большое
историческое значение, так как были выпущены
местными властями и сообщают информацию, которая
нигде больше не зафиксирована.
Вес золотых монет - по крайней мере, в
период средневековья - сильно варьировался. Это
дает основание предполагать, что сделки с их
помощью совершались скорее по весу, чем по
фиксированному номиналу монеты. Если не
считать нескольких внутренних и внешних
областей восточного мира, серебро для монет было
довольно высокой чистоты. Медные же и
прочие монеты в течение всего периода имели
символическое значение.
КИТАЙСКИЕ МОНЕТЫ
С самого начала китайские деньги можно было
считать таковыми чисто символически, как,
впрочем, и практически все современные монеты.
Примерно с 12 века до н.э. вещи, животные
и украшения использовались в качестве денег.
В этом отношении Запад шел впереди, так как
такие объекты, в отличие от слитков,
невозможно было легко измерить и определить их
стоимость без споров. Кроме того, они не могли
иметь широкое хождение и не давали
возможности торговаться. Раковины каури служили
сдачей. К концу 6 века до н.э. династия Цзю,
правившая Китаем с конца 11 века до н.э., ста-
МУСУЛЬМАНСКИЙ
ДИНАР
Золото. 12 в.
Лев - редкий пример
употребления рисунка Монета
относится ко времени крестовых
походов, когда западноевропейская
культура, принесенная
крестоносцами на Средний Восток,
оказывала влияние на
Исламский мир. Большое количество
мусульманских монет снабжает
историков данными о, кажется,
никогда не прекращавшихся
столкновениях и конфликтах,
которые являются отличительной
чертой истории Среднего
Востока. (В центре слева)
МОНЕТЫ МОГОЛСКОГО
ИМПЕРАТОРА АКБАРА
(1542- 1605)
Золото
Империя Великих Моголов в
Северной Индии ввела
мусульманские законы на своей территории.
Монеты отражают исламские
традиции. (Две монеты слева)

ВОСТОЧНЫЕ МОНЕТЫ
ла выпускать маленькие бронзовые имитации
подковы с надписями в качестве валюты, затем
их сменили символические ножи и раковины
каури.
В 3 веке до н.э. систему жетонов-знаков
заменили монеты, которые имели вид бронзовых
дисков с надписями и квадратным отверстием
посередине. Эта модель стала основой для
китайских и вообще всех дальневосточных монет,
пока они не начали подражать западным
образцам спустя примерно 2000 лет. Так что этот тип
монет существовал дольше, чем любой другой.
ИНДИЙСКИЕ МОНЕТЫ
Разнообразие монет не-мусульманской
Индии так же велико, как и народов, населяющих
ее. Изображения на них отражают искусство и
архитектуру определеных времен и территорий.
Монеты Кушана и Гупты большей частью
основывались на римских золотых ауреях, но
изображения на них выбивались в индусском стиле.
В первое время их качество было очень высоко,
затем стало падать. Характерные надписи
позволяют различать эти схожие монеты, хотя при
определении времени царствия того или иного
правителя получаются иногда противоречивые
данные.
Выпускались местные имитации
централизованно чеканившихся монет, всегда более
примитивные по стилю и не вносящие никакого
эстетического своеобразия, в отличие от,
например, кельтских монет. Металл обычно тоже
терял некоторую степень чистоты. Можно сделать
вывод, что такие монеты были скорее
символическими.
В Южной Индии местные разновидности
монет тоже брали за основу центральную валюту.
Чтобы не отказываться от золота и
удовлетворить потребность в мелкой монете для
повседневной жизни, чеканились золотые монеты
размером с булавочную головку. Хотя, похоже,
существовала двенадцатеричная мера весовых
стандартов, южные индийские монеты
различались по цвету. На этой территории также
применялось серебро. Много больших бронзовых
монет выпускалось для повседневных мелких
сделок. С некоторой долей вероятности можно
предположить, что их использовали в качестве
тейла - восточной меры веса. Их плохое
состояние дает основания считать, что они
находились в обращении на протяжении нескольких
столетий.
Начиная с 17 века британская и
голландская Ост-Индские компании навязывали Индии
европейские монеты на многих языках. Они, в
свою очередь, были в конце концов вытеснены
британскими деньгами, которые имели
хождение по стране вплоть до признания ее
независимости в 1947 году.
КИТАЙСКИЕ МОНЕТЫ
Бронза. 3 в. до н.э. (вверху)
и 13 в. н.э.
Сначала китайские монеты
иллюстрировали принципы
пиктографического письма - они
делались в виде конкретных
предметов. Но вскоре стало
очевидно, что форма круга с
отверстием посередине более удобна.
Для своих монет китайцы
практически не использовали
драгоценные металлы.
МОНЕТА ГУПТЫ
Золото. 5 в. н.э.
(Слева)
ИНДИЙСКИЕ МОНЕТЫ
Золото. 12 в. (внизу слева)
и 18 в. (внизу).

О Н Е Т Ы И
ЕДАЛИ
Памятные "монеты" всегда чеканились по особым случаям.
Как прдвило, эти медали делались тщательнее, чем обычныЕ
МОНЕТЫ. КрОМЕ ТОГО, ОНИ МЕНЬШЕ ПОДВЕРГАЛИСЬ ИЗНОСу
И ПОрЧЕ, НЕ будучи ПРЕДНАЗНАЧЕННЫМИ ДЛЯ ПОВСЕДНЕВНОГО
ИСПОЛЬЗОВАНИЯ.
МЕДАЛИ
Первые экземпляры медалей появились в
античной Греции. Исключительно высокий
стандарт дизайна и исполнения некоторых
монет высокой стоимости, выпущенных греческим
городом Сиракузы в Сицилии, показывает, что
они имели знаменательную функцию. Вначале
события связывались со спортивными
достижениями, и монеты давались в качестве призов -
то есть играли роль спортивных наград.
Соседний город Метапонт дает нам первое
определенное свидетельство, датированное примерно
450 годом до н.э. Рассматриваемая монета
снабжена надписью "приз Ахелоя", то есть она была
дана в качестве награды на играх, устроенных в
честь речного бога Ахелоя. Подверждает эту
гипотезу то обстоятельство, что подобные
греческие и римские монеты высокого номинала
сохранились, как правило, в хорошем состоянии.
Это свидетельствует о том, что к ним
относились бережно, а не использовали в качестве
обычного платежного средства.
Римляне выпускали медали сначала из
бронзы, и эти экземпляры являлись просто более
тщательно сделанными обычными монетами.
Дизайн очень редких, дошедших до нас поздних
римских медалей свидетельствует, что они
предназначались в качестве подарков тем, кого
правитель хотел отметить своей милостью. Эта
практика стала популярна в начале 16 века, вскоре
после возрождения медалей в эпоху Ренессанса.
Они использовались в качестве знака
благоволения, подобно надписанным фотографиям
президентов в наши дни. Такую роль медали
продолжали играть как раз до изобретения фотографии.
Многие медали относительно недавнего
времени дошли до нас практически в новом
состоянии. Места их находок указывают на то, что
их вручали вождям варваров, угрожавших
границам Римской империи, дабы польстить их
тщеславию. Примерно с такими же целями
Георг III и Людовик XVI посылали медали вождям
племен американских индейцев. Римские
медали встречаются даже на территории
Афганистана, но обнаруженные в такой дали находки
бывают обычно в очень плохом состоянии. Это
значит, что они являлись скорее трофеями, чем
почетными подарками.
МЕДАЛЬ
Писанвлло
1438 г.
Портрет византийского
императора Иоанна VIII Палеолога был
выбит на этой монете во время
его визита в Италию в 1438 г.
(Вверху)
МЕДАЛЬ
Альбрехт Дюрер
1521 г.
Эта серебряная медаль с
красивым портретом предназначалась
в дар императору Священной
Римской империи Карлу V от
сановников города Нюрнберга.
(Справа)
524

ЕДАЛИ
МЕДАЛЬ
Бвнввнуго Челлини
1534 г.
Многие из выдающихся
художников эпохи Возрождения
занимались созданием медалей. Папа
Клемент VII заказал Челлини вот
эту, с изображением Моисея на
скале. В его руке посох, и он
совершает чудо - открывает
источник воды во время Исхода.
О том, что эти древние медали являлись
символами достоинства, говорит тот факт, что
поздние имитации - грубые, хотя и в
своеобразном стиле - делались германскими племенами
и викингами.
В 1438 году византийский император Иоанн
VIII Палеолог отправился в Феррару искать
поддержки у христианского Запада против
мусульман. Его экзотическое облачение
вдохновило художника Антонио Писано, больше
известного как Писанелло, который создал
реалистичную портретную медаль императора,
первую из великолепных медалей итальянского
Ренессанса.
Такие медали быстро стали популярны: к
1530 году насчитывалось около 1200 разных
типов. И из каждого вида сохранилось не менее
тридцати. Их выплавляли из восковых форм, и
тот же способ применялся для изготовления
позднейших копий с существующих образцов.
Поэтому невозможно определить, какие из
сохранившихся медалей являются подлинниками.
Однако известно, что формы для последующих
копий были на I процент меньше оригинала, так
что измерение имеет особую важность для
изучения этих медалей. В отсутствие твердых
доказательств коллекционеру придется
удовольствоваться подтверждением качества
материала и степенью художественности изображения.
Очень скоро медали стали изготавливать
методом штамповки. Редчайшие золотые и
серебряные медали, чеканившиеся в 1455 году
французами в честь изгнания англичан с
территорий, которые они считали своими, сделаны
именно таким способом. Эти медали,
представлявшие из себя монеты большего номинала, ничего
общего не имеют с искусством Возрождения, а
служат иллюстрацией готического стиля.
Первые германские медали выплавлялись с
каменных моделей, вырезанных Лукасом Кра-
нахом в 1508 году.
В 1521 году портретная медаль молодого им-

ОНЕТЫ И МЕДАЛИ
МЕДАЛЬ
Италия
17 век
Она была выпущена в честь
Франческо Реди,
итальянского физика,
естествоиспытателя и
поэта. (Вверху)
МЕДАЛЬ
Франция
18 век
Сохранился подлинный оловянный
футляр для этой медали с
портретом Марии Антуанетты. (Слева)
ператора Карла была спроектирована
Альбрехтом Дюрером и отчеканена в Нюрнберге с
формы, созданной Гансом Краафтом. Для обеих
этих больших медалей грубый контур,
называемый бланком, был отлит с изображением,
которое затем дополнялось наложением штампа.
Существуют отлитые копии этих медалей,
которые обычно считаются относительно
поздними изделиями. Однако может оказаться, что
эти копии изготавливались в одно время с
подлинником или сами являются оригиналами,
только не улучшенными наложением штампа.
Диски для чеканки медалей обычно
воспроизводили соответствующие выступы и
углубления подлинника.
К счастью, существует сделанное
итальянским скульптором 16 века Бенвенуто Челлини
очень подробное описание ранней чеканки
монет. Оно приводится как в его автобиографии,
так и в его трактате о ювелирном деле. Одна из
первых итальянских медалей была изготовлена
именно Бенвенуто Челлини с целью произвести
впечатление на Папу Клемента VII в 1532 году.
Его святейшество согласился, что даже
древние не могли похвастать подобными монетами.
В германских землях выпускались медали с
портретными изображениями многочисленных
вельмож с искусно сделанными
геральдическими реверсами. Французы с их
централизованной монархией предпочитали медали,
превозносящие короля и имевшие аллегорические
сюжеты на реверсе. Но нигде медали не были столь
популярны, как в Италии, где они являлись,
скорее формой миниатюрной скульптуры.
Существует неясность в том, что
представляли из себя первые английские медали. Тем не
менее несколько портретных медалей Генриха
VIII 16 века, датируемых началом его
правления, основанные на приписываемых Гансу
Шварцу германских моделях, имеют большие
основания считаться таковыми. Но более вероятно, что
первой является медаль, провозглашающая
Генриха главой Английской церкви (1545 г.).
Медаль архиепископа Шевеза с
изображением святого Андрея, отлитая в Нидерландах,
является первой в Шотландии. Первой,
сделанной местным мастером, считается медаль
герцога Олбени Джона Стюарта, отчеканенная из
золота в Крауфурд Мур (Эйршир). Она
датируется 1524 годом.
Голландские медали, как и испанские,
первоначально изготавливали итальянские
мастера, нанимавшиеся вельможами того времени.
Никколо Спинелли работал при дворе Карла
Смелого, герцога Бургундии, и в 1468 году в
Нидерландах. В 1472 году Джованни Кандида
среди прочих сделал медали с изображениями
императора Максимилиана и Марии
Бургундской. Первым из известных голландских
создателей медалей был Квентин Метсис.
Возможно, именно он сделал медаль архиепископа
Шевеза и, наверное, голландского ученого
Эразма в 1519 году.
МЕДАЛИ ЗА ДОБЛЕСТЬ
И СЛУЖБУ
Награда за воинский героизм и долгую
службу известны с римских времен, когда они
обычно делались в форме головы горгоны Медузы
(возможно, в подражание щиту Персея) и изго-

ЕДАЛИ
ЗОЛОТОЙ КРЕСТ
УЧАСТНИКА ВОЙНЫ
НА ПОЛУОСТРОВЕ
(1808 - 1814 ГГ.
В ИСПАНИИ)
Британия
19 в.
Генералы, служившие под
началом герцога Веллингтона во
время войны на полуострове,
получили эту медаль за свою службу.
(Слева)
МЕДАЛИ ВВС
ВЕЛИКОБРИТАНИИ
20в.
Крайняя слева медаль вручалась
за доблесть в воздухе во время
Второй мировой войны. Другие
либо давались за службу на
различных фронтах, либо вручались
в ознаменование коронации
королевы. (Внизу)
тавливались из агата. Их находят на всей
территории римской империи, особенно в бассейне
Рейна.
Несколько экземпляров из агата Уитби было
найдено в северной Англии. Все они
свидетельствуют о том, что были вручены неофициально.
Военные награды стали напоминать
современные в период Тридцатилетней войны (1618 -
1648) и Гражданской войны в Англии (1642 -
1649). Процесс, однако, мог начаться раньше, в
Англии предыдущего столетия, когда чеканились
медали в честь победы над испанской армадой.
С того времени они приняли традиционную на
сегодняшней день форму, часто дополняясь
кольцом для подвешивания на ленту.
В Тридцатилетней войне важную роль
играли наемники. Предполагается, что медали
соответствующей формы и различной ценности
служили средством поддержания верности и
сплоченности в их отрядах, в противном случае
разобщенных и ненадежных.
Только во время наполеоновских войн
порядок выпуска и ношения медалей был строго
систематизирован военным протоколом.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Следующий список
материалов для
дальнейшего чтения
предлагает
достаточно большой объем
литературы. Сюда
включены как
специальные труды, так и
предназначенные для
широкого круга
читателей. Хотя мы
постарались привес-
ти даты новейших
издании каждой
книги, после
публикации данной могли,
естественно,
появиться более
свежие.
Американское
общество
нумизматов.
Медные монеты
Америки,
1783 - 1857.
Нью-Йорк, 1985.
- Серебряные
монеты Америки,
1794 - 1891.
Нью-Йорк, 1987.
Бредли, X. В.
Справочник монет
Британских
островов.
Лондон, 1984.
Брин, Уолтер.
Полная
энциклопедия монет
Британии и колоний.
Нью-Йорк, 1988.
Брум, Майкл.
Справочник
мусульманских
монет.
Лондон, 1985.
Карсон, Р. А. Г.
Древние,
средневековые
и современные
монеты.
Лондон, 1962.
Крессвелл, 0. Д.
Китайские деньги.
1971.
Крибб, Дж., Б. Кук
и И. Каррадис.
Атлас монет.
Лондон, 1990.
Доти, Ричард Г.
Энциклопедический
словарь
нумизматики.
Лондон, 1982.
Дайер, Грехом П.
Королевский
монетный двор,
иллюстрированная
история.
Лондон, 1986.
Хаксби, Джеймс.
Чеканные
изображения.
Оттава, 1984.
Джонс, Джон
Мелвилл.
Словарь
древнеримских
монет.
Лондон, 1990.
Лайнкар, Говард.
Книга монет
наблюдателя.
1977.
Мак-Дональд, Грег.
Австралийские
монеты и банкноты.
1985.
Рум, Адриан.
Словарь названий
монет.
Лондон, 1984.
Сиби, Петер.
Монеты Шотландии,
Ирландии
и островов.
Лондон, 1984.
Виттинг, П. Д.
Византийские
монеты.
Лондон, 1963.
527

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
ОРУЖИЕ
ДОСПЕХИ
Человеческая изобрнтАТЕльность и mactedctbo подверглись самому
СЕРЬЕЗНОМУ ИСПЫТАНИЮ В ИЗОбрЕТЕНИИ И СОВЕРШЕНСТВОВАНИИ
ОРУЖИЯ И ДОСПЕХОВ, ГДЕ ЖИЗНЬ ИХ обЛАДАТЕЛЯ ПОЛНОСТЬЮ ЗАВИСЕЛА
от надежности, точности и мощи оружия.
щит
Индия - Персия
Сталь и бронза. Ок. 1820 г.
Гравированный солнечными
мотивами по всей поверхности,
этот щит иллюстрирует типичную
для Индийского полуострова
форму.
Оружие иногда называют скульптурой из стали. Действительно,
совершенство форм нагрудника, шлема или латной перчатки вызывает у
зрителя в первую очередь впечатление изящности и красоты. До 17 века
каждую деталь доспехов изготавливал умелый мастер. Оружейники славились
своим умением прикрыть все тело таким образом, чтобы обладатель лат не
чувствовал себя стесненным в движениях и был защищен от ударов
колющего и рубящего оружия. Форма человеческого тела и движения, которые
оно способно выполнять, таковы, что для достижения этой цели мастер
должен был изощрять свое искусство до предела. Одним из лучших примеров
такого умения служит пеший боевой доспех Генриха VIII, который
полностью закрывает все тело, но не стесняет движений. Оружейники не забывали
еще и об украшении своих изделий, и в 16 веке, например, создавались
стальные копии перчаток модного в то время фасона.
Для коллекционеров, интересующихся подлинным мастерством, доспехи
имеют необычайную притягательность; а тем, в ком есть хоть искра
романтизма, доспехи напомнят не только о войнах, но и об очаровании рыцарей,
выступавших на турнирах. Для тех, кто больше заинтересован во вложении
денег, доспехи в хорошем состоянии представляют область антиквариата,
ПАРАДНЫЙ КИНЖАЛ
ЛЮФТВАФФЕ
Германия
Ок. 1940 г.
Эта Вторая Модель с
аксельбантом носилась офицерами
Третьего рейха. (Внизу)
530

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
ЭФЕС РАПИРЫ
Испания
Ок.1620 г.
Такое оружие предназначалось
в основном для нанесения
колющих, а не рубленых ран. Пру-
гья гарды изогнуты таким
образом, чтобы защитить руку
фехтовальщика. Верхняя часть
лезвия затуплена, чтобы пальцы
могли плотно охватить ее.
Массивное навершие на витой
рукояти помогает сбалансировать
длинный клинок. Другие рапиры
могли иметь гарды в виде чаши.
Оба типа рапир дополнялись
кинжалами для левой руки,
обычно украшенными в том же
стиле, что и рапира. В 16 и 17 вв. в
Европе существовали
многочисленные школы фехтования. В
18 в рапира укоротилась и
стало легче, превратившись в
декоративное парадное оружие.
(Вверху)
которая пользуется практически неизменным спросом на протяжении
долгого времени.
Война - непривлекательное занятие» но обаяние парадной стороны
(например, формы и амуниции) привлекает многих людей в ряды
коллекционеров этих вещей. Эта область является одной из немногих, в которой
предоставляется возможность не очень богатым коллекционерам приобретать
большое количество предметов по приемлемым ценам. Кроме формы, под
термином "военное снаряжение" понимаются шлемы (каски), значки, пояса и многое
другое, медали (которые могут стоить дорого), флаги, фотографии,
документы и другие печатные материалы, почтовые марки и т.д. Военное
снаряжение также подходит коллекционеру, который желает заниматься строго
ограниченной областью: официальные документы могут подтвердить личность
награжденного медалью, установить обладателя формы или автора письма.
Оружие может показаться менее привлекательной областью
коллекционирования, так как слишком очевидна его связь с болью, ранами и смертью.
Однако собиратели антикварного оружия в меньшей степени видят его в этом
свете; для них оружие - в первую очередь изделия искусных мастеров. К тому
же в 17 и 18 веках мечи, шпаги и сабли были в большей степени частью
костюма, чем оружием. Драгоценные металлы и прекрасная гравировка,
чеканка и травление превращали некоторые шпаги в произведения искусства. То же
справедливо и для спортивных ружей, так как зачастую их владельцы были
людьми, желающими похвастать своим богатством и положением в обществе.
Поэтому они заказывали самым знаменитым мастерам изготовление в первую
очередь красивых изделий. Приклад мог быть инкрустирован слоновой костью,
рогом, декоративными породами дерева и благородными металлами;
металлические части покрывались позолотой или сложной, даже гротескной
гравировкой. Для коллекционера, интересующегося механическими редкостями, многие
модификации огнестрельного оружия, предназначенные для большей дальности
или быстроты стрельбы, покажутся притягательными и наверняка
представляющими интерес. Оружие высокого качества дорого, но существует много его
типов, например, штыки, которые относительно дешевы.
В последние несколько лет был опубликован ряд книг, представляющих
несомненную ценность как для начинающего, так и для опытного
коллекционера и стоящие пристального изучения. Для тех, кто склонен к
необычному и зачастую красивому, оружие, доспехи и военное снаряжение
представляют увлекательную область коллекционирования.
пистонный
РЕВОЛЬВЕР В ЯЩИКЕ.
КАРМАННАЯ МОДЕЛЬ
Кольт
Ок.1853 г.
Оружие стреляло маленькой
пулей калибра 0,31 дюйма и
выпускалось с различной длиной
ствола На барабане
выгравирована сцена нападения на
дилижанс. Американец Самюэль
Кольт посетил Большую
выставку 1853 г. в Лондоне и
впоследствии открыл в этом городе
фабрику, где был сделан этот
револьвер. На нем проставлено
клеймо о соответствии
английским стандартам. Ящик в
английском стиле содержит форму для
пуль, пороховницу и коробку с
пистонами. В верхнем углу
отделение для пуль или бумажных
патронов. Часто утверждается,
что револьвер изобрел Кольт,
хотя такое оружие было
известно еще в 1830-е гг., задолго до
получения им патента. Однако
основным вкладом Кольта в
торговлю оружием была
организация фабричного производства.
Он также был опытным
продюсером своей продукции и дарил
экземпляры многим политическим
деятелям.
531

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
Военные доспехи, которые носили солдаты в течение
СТОЛЕТИЙ, ДАЮТ ЯрКОЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЕ О НЕуДОбсТВЕ И ОПАСНОСТИ
ВОЕННОГО СНАРЯЖЕНИЯ ПООШЛОГО.
ДОСПЕХИ
Определенные формы доспехов восходят к
древнему миру египтян, греков и римлян.
Однако сохранившиеся в подходящем для
коллекционера состоянии экземпляры почти
всегда сделаны раньше 16 века. Редчайшие
древние образцы, например греческие шлемы, очень
дороги.
Кольчуги - защитные рубахи из
переплетенных круглых металлических звеньев - были
известны еще со времен Римской империи. Но
уцелевшие европейские изделия, большей час-
ДОСПЕХИ
16 и 17 п.
Верхняя деталь доспехов
предназначался для защиты бедра,
рядом с ней пластина,
закрывавшая локоть. Внизу -
комбинированный фрагмент для защиты
левого бедра и колена.
тью хранящиеся в музеях, редко древнее 15
века. Кольчуга была эффективной и гибкой
защитой, но с ростом мастерства оружейников
стало появляться оружие, способное ее
пробить. Возникла, в свою очередь, необходимость
улучшить защиту. С этой целью участки
кольчужных колец стали комбинировать со
стальными пластинами. К концу 14 века они стали
закрывать все тело.
Основной защитой телу служила кираса.
Нагрудная и наспинная пластины соединялись
с боков кожаными ремнями, крючками,
хомутиками или замками. К нижней части кирасы
прикреплялись пластины для защиты паха и
бедер. Ноги закрывались тщательно
подогнанными подвижными пластинами на петлях. Верх
стопы защищался небольшими
перекрывающимися полосками стали. Руки закрывались
подобным образом. Уязвимые места, такие, как
внутренняя часть локтя, подмышки и колени,
снабжались дополнительной защитой из
кольчужных звеньев и хитроумно изогнутых
пластин. На руки надевались кожаные перчатки, к
которым крепились сочлененные пластины, не
стеснявшие свободных движений пальцев.
Голову защищал шлем, форма которого сильно
менялась на протяжении веков.
Доспехи носило большое количество
воинов с 10 по 17 век, но появление
огнестрельного оружия в 14 веке постепенно свело на
нет их пользу. Ружье пришло на смену луку в
качестве основного стрелкового оружия, и пуля
из обыкновенного мушкета могла пробить
почти любые латы. Можно было, конечно,
изготавливать доспехи из более толстых и
прочных пластин, но в этом случае они были бы
слишком тяжелы и огранчивали бы движения
и маневренность воинов. К середине 18 века
доспехи в основном исчезли с европейских
полей сражений. Лишь некоторые рода
кавалерии, например французские кирасиры, не
отказались от соответствующей их названию
части доспехов.
В 19 веке доспехи вернулись. Теперь их
надевали для торжественных церемоний, однако
использовали и в практических целях во время
Гражданской войны в Америке (1861 - 1865).

ДОСПЕХИ
Дальнейшее возрождение продолжилось во
время Первой мировой войны, когда немцы
снаряжали свои самые уязвимые подразделения
тяжелой нательной броней и усиленными
касками. Вообще каски получили широкое
распространение в ту войну, так как слишком велико
было число ранений в голову.
ПОЛНЫЕ
ЛАТЫ
Большинство людей вряд ли смогут найти
достаточно места для выставления манекена в
полном доспехе.
Кроме того, относительная редкость лат
означает их высокую стоимость. Такая же
ситуация была и в прошлом веке, поэтому для
удовлетворения спроса было изготовлено много
копий различных типов лат. Некоторые из них
вряд ли удовлетворят коллекционера (их
материал слишком тонок и гнется), но встречаются
и такие, которые трудно отличить от
оригиналов. По внутренней поверхности металла
можно определить примерный возраст изделий.
Викторианские и современные копии имеют
гладкую поверхность, а подлинники -грубую,
неровную от ударов молота. Однако это правило
работает не всегда. Некоторые современные
мастера специально делают неровную
поверхность. Что касается внешней поверхности, то
она имеет тенденцию со временем
покрываться царапинами и небольшими вмятинами,
придающими ей не слишком парадный вид. Иногда
металл начинает слегка слоиться. Наличие
какого-либо из этих признаков обычно служит
КИРАСА
Франция
Середина 19 в.
подтверждением некоторого возраста металла.
Среди мастеров, пытавшихся обмануть
коллекционеров, создавая точные копии
старинных доспехов, был Эрнст Шмидт. Он работал в
Мюнхене в начале 20 века. Помимо него
иногда встречаются беспринципные продавцы и
коллекционеры, которые якобы "реставрировали"
находившиеся у них изделия. Так что при
пошлем ПИКИНЕРА
Англия
Ок. 1630 г.
Большинство армий 17 в.
состояли из отрядов мушкетеров и пи-
кинеров, чья цель была защищать
стрелков во время перезарядки
мушкетов. Пикинеры носили
кирасы или пластинчатые
доспехи, а также шлемы такого типа.
Сзади на шлеме было
приспособление для крепления
плюмажа. Пояс заклепок вокруг
головы служил для крепления
мягкого подшлемника. Шлемы
офицеров часто украшались чеканкой.
(Слева)
Использовавшаяся кавалеристом
Второй Империи, эта кираса, как
и большая часть формы и
амуниции, мало отличается от
употреблявшихся наполеоновскими
солдатами. (Слева)
ПОЛНЫЕ ЛАТЫ
19 в.
К 19 столетию сохранившиеся
доспехи были малочисленны и
дороги, однако на них был спрос
со стороны романтически
настроенных богачей. Поэтому было
изготовлено большое количество
копий - эти доспехи сделаны в
стиле 16 в. - и они различаются
по качеству. Некоторые,
выполненные в германских оружейных
мастерских, просто превосходны.
(Внизу)
533

ДОСПЕХИ
или иной разновидностью забрала. Один из
типов, популярный среди всадников во время
Тридцатилетней войны (1618 - 1648) и
английской Гражданской войны (1642 - 1660),
состоял из цельной основной части, защиты для
шеи, двух нащечников и козырька, к которому
иногда прикреплялась съемная защита из трех
металлических полос для лица.
У простых пехотинцев шлемы были проще,
обычно состояли только из одной части с полями.
Много таких шлемов, называемых морионами или
кабассетами, сохранилось до наших дней.
Один способ для определения возраста
шлема - заглянуть внутрь него: если главная часть
состоит из двух секций, сплющенных молотом
или соединенных вместе заклепками, то он,
скорее всего, сделан в 17-м, а не в 16 веке. Среди
коллекционеров доспехов шлемы пользуются
популярностью. До сих пор продолжают
находить шлемы 17 века, так что их стоимость
относительно невысока; то же можно сказать и
про каски обеих мировых войн.
ПЕРЧАТКА
16-17*.
На этом типичном экземпляре рука
и кисть хорошо защищены, а
искусно соединенные пластины,
закрывающие пальцы, обеспечивают
максимум подвижности.
ШЛЕМ ВСАДНИКА
Он 1630 г.
Основная часть выполнена из
одного куска металла. Шея
защищена тремя находящими друг на
друга пластинами. Поздние
версии сделаны обычно хуже.
Основная часть состоит из двух секций,
а шея защищена только одной
пластиной, имитирующей
соединение нескольких. Регулируемая
стрелка защищает лицо от
отбельных ударов. На другой
разновидности таких шлемов лицо
защищали три соединеннее
перекладины, прикреплявшиеся к
козырьку и державшиеся на осях
с боков. (Oteea)
535

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
ШЛЕМ
Индия - Персия
Металл, кольчуга и золото.
Конец 18 века.
Лицо защищено регулируемой
стрелкой; две детали спереди
должны держать высокий плюмаж.
(Вверху)
ЩИТ
Индия
Шкура животного,
Ок. 1800 г.
Разрисованный золотистым
бордюром, этот щит необычен
участком шерсти, оставленным в
качестве дополнительного
украшения. (Справа)
В большинство перчаток входят: манжета,
часто из двух скрепленных секций, фигурная
пластина с перекрывающимися полосами на
костяшках пальцев для защиты тыльной стороны
ладони и серия маленьких квадратных
пластинок для защиты пальцев. В 17 веке, когда
большинство доспехов вышло из употребления,
левое предплечье и рука кавалериста, которая
держала поводья, была защищена уздечной
перчаткой, манжета которой доходила до локтя.
Некоторые перчатки изготавливались из
бычьей кожи со стальными накладками,
прикрепленными к основной перчатке. Бычья кожа
использовалась и в 17 веке для защиты тела.
ВОСТОЧНЫЕ
СТИЛИ
В восточных армиях доспехи оставались
намного дольше, чем в западных. Индийские
солдаты продолжали носить их еще в нашем веке.
Воины Турции, Персии и Индии носили в
основном похожие доспехи, комбинируя
кольчугу и пластины. Индо-персидский стиль
предусматривал защиту для тела из четырех пластин
поверх кольчужной рубахи. Стальные
пластины защищали также руки, на ноги иногда
одевались кольчужные штаны, а голову защищал
куполообразный шлем. К нему часто
прикреплялась кольчужная бармица для защиты шеи,
а лицо защищала регулируемая стрелка. Такие
доспехи еще делались в 19 веке, однако
качество более поздних экземпляров обычно ниже.
Особый вид доспехов был у японцев, и он
пользуется большой популярностью среди
коллекционеров. Японские оружейники широко
пользовались небольшими полированными
пластинками, соединяя их вместе для создания
больших гибких и прочных участков. Однако
некоторые оружейники изготавливали доспехи с
включением элементов европейского стиля -
больших пластин. Шлемы состояли из цельной
главной части и скрепленных полированных
полос для защиты шеи и часто украшались
гребнем. Вообще, у японских доспехов нет единого
стиля, и их цена сильно варьируется.
Доспехи - это специализированная область,
и многие обычные продавцы не обладают
достаточными знаниями, чтобы определить
стоимость того или иного доспеха. Лучше всего
приобретать предметы на аукционах, где
продаются занесенные в каталоги изделия под
надзором специалистов. Существуют также копии
очень хорошего качества, которые тоже
поступают в продажу, так что перед покупкой
коллекционеру надо как следует изучить
соответствующий справочник.
536

ХОЛОДНОЕ ОРУЖИЕ
От щегольских офицерских клинков до незатейливых штыков
ПЕХОТИНЦЕВ, ХОЛОДНОЕ ОруЖИЕ 6ЫЛО ЧАСТЬЮ ЖИЗНИ ВОИНОВ
КАК В ЛАГЕРЯХ, ТАК И НА ПОЛЯХ СрАЖЕНИЙ.
ХОЛОДНОЕ ОРУЖИЕ
Сохранилось несколько очень древних мечей,
топоров и кинжалов, которые, принимая во
внимание их возраст, не являются дорогими.
Количество бронзового оружия этого типа,
вывозившегося с Ближнего востока, в последнее
время сократилось, что привело к повышению цен.
Железо, вытеснившее бронзу, улучшило
режущие возможности оружия, но сократило срок
его жизни. Поэтому большинство
сохранившихся мечей, изготовленных до 15 века, дошли до
нас в плохом состоянии, проржавевшими.
Более поздние мечи встречаются довольно часто,
и их качество обычно вполне приемлемо.
Одними из самых впечатляющих являются
двуручные мечи 16 века. Длина большинства
из них достигает 2 метров (6 футов),
некоторые имеют волнистый или вычурный клинок.
Другие большие боевые мечи того периода
назывались бастардами или полутораручными
мечами из-за длины эфеса. Он был достаточно
велик, чтобы позволить хват обеими руками для
особенно сильного удара. Подобный длинный
эфес был и у мечей палачей, которые
отличались еще широким тупоконечным лезвием, на
котором часто гравировались благочестивые
высказывания о справедливости, грехе и
наказании.
РАПИРЫ
В конце 16-го - начале 17 века все большее
распространение получали рапиры. Их длинный,
очень узкий клинок предназначался в первую
РУКОЯТЬ
ДВУРУЧНОГО МЕЧА
Германия
Ок.1580 г.
Большие мечи служили как
оружием, так и знаком достоинства.
(Вверху)
МЕЧИ
14*.
Старинные мечи типа этих редки
и дороги. (Внизу)
ЭФЕС
ПАППЕНГЕЙМЕРСКОЙ
ШПАГИ
Германия
Ок. 1630 г.
Гарда представляет собой
комбинацию типичных
переплетенных полос и двух чашек с
отверстиями между ними.
Название произошло от имени
генерала кавалерии, сражавшегося
во время Тридцатилетней войны.
Клинок такого оружия обычно
предназначался как для колющих,
так и для рубящих ударов.

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
очередь для колющих ударов. Защищавшая руку
гарда могла быть различных типов.
Наиболее распространенная делалась из
переплетающихся стальных полос и
крестообразной перекладины. Позднее в 17 веке появились
гарды в форме чаши вместо переплетающихся
полос. Эти "чаши" часто украшались
затейливым узором из маленьких отверстий.
Рапиры считались оружием высших классов.
Обыкновенные солдаты были вооружены
тесаками с прямыми клинками и упрощенными
гардами. Во время английской Гражданской войны
рапира с эфесом получила широкое
распространение; сегодня она называется "похоронной"
(mortuary) из-за гравированного на гарде бюста
казненного короля Карла I.
МАЛЫЕ КЛИНКИ
С возрастанием роли огнестрельного оружия
холодное теряло свое значение. Длинную
рапиру заменил облегченный и укороченный клинок,
который был, скорее, деталью одежды, чем
оружием. Такие шпаги были популярны с конца 17-го по
конец 18 века. Они обычно имели прямой
обоюдоострый клинок. Лезвие на некоторых,
называвшихся "колишермард", было широким у
рукояти, затем резко сужалось до обычной
ширины. Эфесы обычно искусно изготавливались
из железа, бронзы, серебра и иногда из золота.
Обычно именно рукоять помогает датировать
оружие: в большинстве случаев чем меньше две
изогнутые ручки прямо над чашкой гарды, тем
современнее шпага. Некоторые шпаги,
называемые "траурными", имеют вороненую рукоять
и предназначались для официального ношения
на похоронах.
Шпаги перестали считаться частью костюма
примерно в 1770-е годы, но продолжали
оставаться символом статуса. Упрощенные формы
предназначались для ношения на
дипломатических, придворных и официальных церемониях.
Эфесы таких шпаг обычно очень массивны,
лезвия украшены гравировкой и отличаются
прочностью. Американские организации, например
Рыцари Колумба, похоже, ввели новую моду на
подобные изделия, особенно в конце 19 века.
Многие фирмы, например, компания "Эймс
Сордз", изготавливают мечи с
крестообразными рукоятями и искусно украшенными
клинками, часто с именем владельца.
УСТАВНЫЕ
ВОЕННЫЕ ШПАГИ
Армейские шпаги стандартизированного типа
стали появляться в 17 веке, за исключением
Британии, где существовало большое
разнообразие клинков до 1796 года. Только тогда в
устав было введено положение, что пехотный
офицер должен иметь оружие с прямым лезвием,
РУКОЯТЬ
МАЛОЙ ШПАГИ
Англия
Серебро. 1765 г.
Рапира с 17 в. сильно
уменьшилась в размере и к 18 столетию
превратилась в малую шпагу.
Она была легкой и
декоративной, и, хотя еще могла служить в
качестве оружия, больше была
частью мужского парадного
костюма. Многие имели эфесы из
серебра, что может помочь при
определении возраста шпаги, ток
как на серебре должно стоять
клеймо и идентифицирующая год
буква. У этой шпаги лезвие типа
"колишемард" - очень широкое
у рукояти и резко сужающееся
примерно с трети расстояния до
острия. Цель тахой модификации
была в усилении удара без
большого увеличения веса. Шпаги
перестали быть частью костюма
дворянина примерно с 1780-х гг.
простым эфесом с шарообразным
набалдашником и чашеобразной гардой с поперечной
перекладиной.
В 19 веке произошло много изменений в
образцах шпаг, и коллекционеру доставит
удовольствие разобраться в них. Большинство
военных клинков не являются дорогими, если
только они не относятся к подарочному типу -
т. е. не были подписаны и вручены в качестве
награды увольняющемуся или совершившему
подвиг офицеру.
Британский пехотинец лишился шпаги в
середине 18 века. Офицеры же сохранили это
оружие до конца 19 столетия, после чего шпага
превратилась просто в символ звания.
538

ХОЛОДНОЕ ОРУЖИЕ
Кавалерия, которая продолжала испытывать,
в отличие от пехоты, необходимость в
холодном оружии, долго не могла сделать выбор
между рубящим и прямым колющим клинком. В
конце концов этот вопрос был решен в
Британии в пользу последнего. Но это произошло лишь
в 1908 году, когда кавалерия стала уже
утрачивать свое значение.
МОРСКИЕ КЛИНКИ
Они предлагают меньшее разнообразие
коллекционеру, и, следовательно, менее
популярны, чем оружие сухопутных офицеров. Боевые
клинки моряков - абордажные сабли - обычно
прочны, незатейливы и редко украшены.
Небольшие кинжалы, которые носила морские
офицеры, называются кортиками гардемаринов и
более привлекательны. У них короткое прямое или
изогнутое лезвие, рукоять зачастую из
слоновой кости, а ножны из черной кожи. Уставные
сабли офицеров практически не отличаются от
клинков их сухопутных коллег, если не считать
якоря, обвитого цепью на эфесе или лезвии.
Исключением являются, правда, ллойдовские
сабли. Компания Ллойда вручала их за храбрость
британским морским офицерам во время
Наполеоновских войн. Сабли, которые
подразделяются на 30-, 50- и 100-гинеевые модели, имеют
широкое, кривое лезвие, украшенное
воронением и позолотой. На большинстве клинков
выгравирована надпись с описанием подвига, за
который они вручались в комплекте с
деревянными ножнами и перевязью. Такие сабли очень
редки и дороги.
КИНЖАЛЫ И НОЖИ
Кинжалы бронзового века не являются
редкостью. Однако, как и в случае с мечами, до
наших дней дошло мало железных кинжалов,
бывших частью повседневной одежды до 16 века.
Чаще всего в поле зрения торговцев
антиквариатом попадают кинжалы, более-менее
напоминающие формой миниатюрный меч с прямым,
ОФИЦЕРСКАЯ ШПАГА
Пруссия
Конец 10 века
Изогнутый эфес характерен для
этих шпаг. На рукояти имеется
петля, которая надевалась на
кисть и не давала выронить
оружие во время схватки. Ножны
сделаны из металла (Слева)
ВОЕННЫЕ САБЛИ
Франция
Начало 10 века
Слева направо: боевая сабля
конного гвардейца-гренадера,
ок. 1800 г.; сабля высшего
офицера, возможно
императорского гвардейца, ок. 1805 г.; сабля
полевого офицера, ок. 1800 г;
сабля высшего офицера, ок.
1820 г. (Вверху)
539

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
остроконечным лезвием и перекладиной, часто
с кольцом с одной стороны для защиты кисти. В
одном из стилей фехтования кинжал был
предназначен для левой руки в паре с рапирой в
правой. В Испании был популярен кинжал с
кривой треугольной гардой, и нередко рапира и
парный к ней кинжал изготавливались и
украшались в одном стиле.
В эпоху колониализма в 19 веке участники
многочисленных экспедиций и охотники на
крупных животных почувствовали необходимость в
больших универсальных ножах. Наверное,
лучшая модель названа в честь американца,
полковника Джеймса Боуи (ум. 1836). Эти ножи
стали выпускаться в 1830-е годы. По иронии
судьбы эти тяжелые ножи с односторонней
заточкой, ставшие символом Дикого Запада,
производились в основном в Шеффилде, в Англии.
Следующий этап оживления производства
ножей и кинжалов начался в Первую мировую
войну, когда стали изготавливаться траншейные ножи
для рукопашной схватки. Подобное оружие
выпускалось и во Вторую мировую войну для
десантников и других элитных родов войск. Лучшими
считаются боевые ножи Фейрбейрна Сайкса.
В Германии в период Третьего Рейха
активизировалось производство холодного оружия.
Вдохновленные мастерами изготовления ножей
из Солингена - давнего немецкого центра
изготовления клинков, лидеры нацистов ввели
разнообразные парадные кинжалы и сабли для
вооруженных сил и партийных чинов. После
Второй мировой войны коллекционеры сильно
заинтересовались этим оружием, значительный
рынок которого продолжает существовать в наши
дни. Некоторые, принадлежавшие офицерам СС,
стоят очень дорого, и даже обычные армейские
ножи ценятся не меньше, чем на 100 лет более
древняя шпага или сабля.
ШТЫКИ
Появившиеся в 17 веке штыки были
предназначены для превращения мушкета при
необходимости в короткое копье. Ранние типы - вставные -
имели конусообразную деревянную рукоять,
которая просто вставлялась в дуло мушкета.
Поскольку такой способ не позволял одновременно
стрелять, стали появляться другие модели.
Возникли надевающиеся штыки - к ним
прикреплялась трубка, надевающаяся на ствол
ВСТАВНЫЕ ШТЫКИ
Англия
Ок. 1600 г.
На клинках обеих штыков
проставлено клеймо изготовителя; на
левом - дата 1688 и имя
'ANDREW RUDSBY'. Штыки этого
типа были первыми, которые
использовались солдатами.
Деревянная рукоять вставлялась в дуло
мушкета, превращая его в
короткое копье. В таком
положении нельзя было ни зарядить
мушкет, ни выстрелить из него. Во
второй половине века другие
модели решили эту проблему, и с
тех пор штыки стали частью
вооружения большинства войск.
(Справа)
КИНЖАЛЫ
Германия
Ок. 1040 г.
Слева образец кинжала с аксель-
бантом немецкого офицера
Красного Креста; в центре
кинжал рядового или сержанта
Особого Резервного корпуса
(Technical Emergency Corps.),
созданного в 1938 г.; справа - кинжал
офицера СС модели 1936 г. с
двойной целью для ношения. Эти
парадные кинжалы Третьего
Рейха игнорировались сразу после
Второй мировой войны, однако
несколько лет спустя стали
объектом пристального внимания
коллекционеров. Больше всего
ценятся кинжалы офицеров СС.
Существуют многочисленные
копии, некоторые из которых
трудно отличить от оригиналов.
(Слева)
540

ХОЛОДНОЕ ОРУЖИЕ
541

ОГНЕСТРЕЛЬНОЕ ОРУЖИЕ
Огнестрельное оружие - это тот вид, который, похоже,
ЗНАКОМ бОАЬШИНСТВу ЛЮДЕЙ. ЭТА КАТЕГОРИЯ ВКЛЮЧАЕТ В СЕбя
САМЫЕ рАЗНООбрАЗНЫЕ МОДЕЛИ, обЪЕДИНЕННЫЕ ОДНОЙ
отличительной особЕнностью - способностью стрелять
при помощи порохл.
ОГНЕСТРЕЛЬНОЕ ОРУЖИЕ
Антикварное огнестрельное оружие
пользуется, наверное, наибольшей популярностью у
коллекционеров, но с ним связаны некоторые
проблемы. В большинстве стран антикварное
огнестрельное оружие не находится под жестким
контролем, но, к несчастью, термин "антикварное"
слишком нечеток, и коллекционеру лучше
позаботиться о том, чтобы получить
консультацию по этому вопросу. Обычно трудности появ-
ляются, если оружие не древнее середины 19
века. Упрощенно говоря, если к изделию
подходят металлические патроны центрального боя,
то может потребоваться лицензия или
соответствующий сертификат. В сомнительных
случаях коллекционеры должны навести справки у
продавца, устроителей аукциона или в местном
отделении полиции, хотя и там могут не
располагать необходимой информацией по этому
вопросу, так что стоит обратиться в специальные
организации или журналы за компетентным
советом.
ФИТИЛЬНЫЕ РУЖЬЯ
Порох был известен китайцам еще в 11 веке,
но до 14 века в Европе не появлялись
огнестрельные ружья.
Наиболее распространенным считался
фитильный мушкет — длинный, тяжелый и
громоздкий. Специальным механизмом горящий
шнур - фитиль - вдавливался в емкость с
порохом сбоку от ствола. Вспыхнув, порох через
маленькое отверстие в боку ствола поджигал
РУЖЬЕ С КОЛЕСНЫМ
ЗАМКОМ
(ПРЕДОХРАНИТЕЛЕМ)
Германия
Ок. 1680 г.
Колесо установлено внутри
гравированной замковой пластины.
Курок отрегулирован таким
образом, что для выстрела
достаточно лишь легкого нажатия.
(Вверху)
ФИТИЛЬНЫЙ МУШКЕТ,
ПЕРЕДЕЛАННЫЕ
В КРЕМНЕВОЕ РУЖЬЕ
Ок. 1620 г.
Форма приклада и инкрустация
перламутром типична для фитиль-
ных мушкетов начала 17 в.
Однако вместо этой устаревшей
системы был поставлен
кремневый замок, существенно
улучшивший характеристики оружия за
небольшую стоимость. (Слева)
основной заряд, находившийся внутри, сила
взрыва которого и выталкивала пулю.
На Востоке фитильные ружья продолжали
использоваться до начала нашего века, но в
Европе вышли из употребления к концу 17
столетия. Они были очень чувствительны к погоде и
зависели от наличия огня под рукой.
РУЖЬЯ
С ПРЕДОХРАНИТЕЛЕМ
В конце 17 века оружейники придумали
гораздо более эффективную систему запала:
порох поджигался искрами, возникавшими от
трения пирита - распространенного минерала —
о шершавую поверхность стального колесика.
Пирит крепился на подвижном приспособлении,
которое могло отвести его от колеса, чтобы
предотвратить случайный выстрел. Этот новый
механизм, который позволил оружейникам
изготавливать меньшие, портативные ружья -
пистолеты, оставался в употреблении до начала
18 века.
Большинство таких пистолетов, ружей и
винтовок украшались инкрустацией, гравировкой и
543

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
резьбой, так что их высокое качество делает
их слишком дорогими для составления
коллекций.
Стоимость изготовления таких ружей, даже
относительно простых военных образцов,
означало невозможность вооружения ими всей
армии, так что лишь гвардейцы и некоторые
кавалерийские подразделения могли похвастать
обладанием ими.
КРЕМНЕВЫЕ
РУЖЬЯ
Сложность изготовления ружей с
предохранителем заставила оружейников искать более
простые и дешевые способы поджигания
пороха. Результатом их усилий в начале 17 века было
кремневое ружье. В этой системе искры
возникали от трения между обработанным куском
кремня и вертикальной стальной пластиной,
расположенной над полкой и соединенной с ее
крышкой. Кремень удерживался в изогнутом
металлическом приспособлении - ударном
механизме, а все устройство, замок, устанавливалось
сбоку деревянного приклада. На полку
помешалось небольшое количество пороха, и стальная
пластина закрывалась, удерживая его на месте.
Ударный механизм с кремнем устанавливался в
вертикальное положение, при этом курок не мог
его зацепить и произвести выстрел. Для
стрельбы он оттягивался еще дальше назад. Теперь
при срабатывании спускового механизма он
возвращался в исходное положение, бил кремнем
по стальной пластине, вызывая искры и толкая
ее таким образом, что они попадали на порох.
С некоторыми усовершенствованиями
кремневые ружья оставались популярными в
течение последующих двух столетий, и даже сейчас
ими пользуются в некоторых районах земного
шара. Помимо применения в ружьях и
пистолетах, этот механизм устанавливался также на
некоторые пушки.
Наиболее часто из антикварного оружия
коллекционируют кремневые пистолеты самых
различных размеров, состояния и цены. Наиболее
дешевыми являются карманные пистолеты
конца 18-го - начала 19 веков. В некоторых из них,
называемых коробковозамковыми, кремневый
механизм установлен в центре наверху.
Популярны были также двуствольные пистолеты;
некоторые из них имели два независимых замка;
механизм других был устроен таким образом,
что они стреляли по очереди.
Лучшим типом кремневых пистолетов были
дуэльные. Они обычно изготавливались
парами, укладывались в деревянный ящик в
комплекте с пороховницей, формой для литья пуль
и приспособлениями для чистки. Обычно
торговая марка изготовителя наносилась на
внутреннюю поверхность крышки, что очень
полезно для определения даты. Такие наборы
делались большей частью с конца 18 века до
1840-х годов. Комплекты от известных
лондонских производителей, как Вогдон, Нок, Ман-
тон и Эгг, ценятся очень высоко и стоят
соответственно.
Выпускались также пистолеты со штыками,
прикрепленными на пружинах к стволу. Они
устанавливались и на многие короткоствольные
КОРОБКОВОЗАМКОВЫЙ
КРЕМНЕВЫЙ
КАРМАННЫЙ
ПИСТОЛЕТ
Валлис
Конец 18 в.
Ударный механизм с кремнем
установлен в центре наверху, а
не на обычном месте сбоку; эта
особенность и послужила
причиной такого названия оружия,
так как замок лохож на
коробку. Подвижный предохранитель
укреплен за ударным
механизмом и позволял без риска
произвести выстрел носить
заряженное оружие. Чтобы зарядить
пистолет такого типа, надо было
открутить дуло, насыпать порох
в казенную часть, положить
сверху пулю и затем завернуть
дуло обратно. Коробковозамко-
вый кремневый карманный
пистолет был очень популярен во
второй половине 18 в. и в начо-
ле 19 в. (Внизу)
544

ОГНЕСТРЕЛЬНОЕ ОРУЖИЕ
ружья с раструбом, которые стреляли очередью
из нескольких шариков и пользовались
популярностью у охранников почтовых карет и для
защиты частных домов.
Кремневый механизм устанавливался на
знаменитые мушкеты британской армии, Браун
Бесс, которые служили англичанам во всех
уголках мира с 1720-х по 1840-е годы. Кремневый
механизм устанавливался также на бейкерские
винтовки, поступившие на вооружение
британской армии в только что созданный
Винтовочный Корпус в начале 19 века.
Кремневые ружья улучшались и
совершенствовались, но все же имели ограниченные
возможности, так что продолжались попытки
улучшить способ воспламенения пороха.
Совокупное время стрельбы - оттягивание ударного
механизма, его срабатывание, воспламенение
вспомогательного, а затем основного порохового
заряда - создавало значительную задержку
между желанием выстрелить и действием. Такой
затяжной выстрел делал трудным прицеливание
по движущейся мишени.
КРЕМНЕВАЯ ВИНТОВКА
Пенсильвания
Начало 19 в.
На замке гравировка: 'Роджерс
и братья, Филадельфия*. Эти
длинноствольные,
мелкокалиберные ружья славились своей
меткостью. Бронзовая накладка на
прикладе закрывала небольшую
полость, в которой могли
храниться оболочки пуль. (Слева)
ПАРА ПИСТОННЫХ
ПИСТОЛЕТОВ
Гастинн Рене, Париж
Ок. 1850 г.
Обычно пистолеты,
изготавливавшиеся на континенте, украшались
сильнее, чем британские или
американские. Эти пистолеты
предназначались либо для
стрельбы по мишеням, либо для дуэлей.
В последнем случае их должен
был дополнять ящичек с
принадлежностями. (Внизу)
545

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
ПИСТОННЫЙ
КАПСЮЛЬ
Проблему затяжного выстрела решил
шотландский пастор Александер Форсит, заменив
фульминатом (соль гремучей кислоты)
вспомогательный заряд. Фульминат помещался на
отверстие, сообщавшееся с основным зарядом, и
по нему ударял специальный молоточек,
составлявший весь ударный механизм. Фульминат
взрывался от удара, и искра поджигала
основной заряд гораздо быстрее, чем старая система.
Возникали проблемы из-за сложности
обращения с фульминатом, но и они были решены в
1820-е годы с изобретением пистона, небольшой
медной гильзы с фульминатом внутри. Пистон
устанавливался на вершину металлического
патрубка, который соединялся с отверстием к
основному заряду. Молоток ударял пистон с
фульминатом о патрубок, происходила детонация, и
искра через патрубок воспламеняла основной
заряд.
Появление этого способа упростило
производство, снизило цены и позволило таким
промышленным центрам, как Бирмингем в Англии
и Льеж в Бельгии, выпускать большие
количества дешевых карманных пистолетов, которые
теперь являются самыми недорогими из всего
антикварного огнестрельного оружия.
Большинство кремневых ружей
переделывались в пистонные, но они не пользуются
популярностью среди коллекционеров. Иногда
торговцы, еобиратели и реставраторы вновь
заменяют замок на кремневый, но это не повышает
стоимость таких ружей, и большинство
торговцев и ведущих аукционов укажут покупателю
на это обстоятельство.
РЕВОЛЬВЕРЫ
Пистоны также упростили производство
многозарядного оружия. Многоствольные
револьверы, распространенные с 1840-х годов,
включали в себя массивный цилиндр с шестью
просверленными в нем камерами, каждая со своим
патрубком и пистоном. Нажатие на спусковой
крючок вращало барабан, устанавливая каждую
камеру в одну линию с молоточком, который,
ударяя по пистону, производил выстрел.
В 1830-е годы американец Самюэль Кольт
(1814 - 1862) сделал одноствольный револьвер.
Частые утверждения, что Кольт изобрел
револьвер, ошибочны, так как похожие версии
оружия использовалось с 16 века. Кольт завоевал
револьверный рынок, но его визит в Англию в
1851 году подтолкнул британских оружейников
к созданию собственных пистонных
револьверов, и вскоре Адаме, Трантер, Вебли и другие
британские производители оружия составили
Кольту конкуренцию. Как и дуэльные
пистолеты, многие револьверы продавались в ящичках
с различными аксессуарами.
ОРУЖИЕ,
ЗАРЯЖАЮЩЕЕСЯ
С КАЗЕННОЙ ЧАСТИ
Ограничивающей характеристикой
огнестрельного оружия было время, которое
требовалось на выстрел и перезарядку. Большинство
старинных ружей и пистолетов заряжалось с
дула. Даже в случае револьвера порох и пулю
КРЕМНЕВОЕ РУЖЬЕ
Вильсон. Лондон
Ок. 1800 г.
Стиль и украшение этого оружия
дает основание предположить,
что оно предназначалось для
экспорта. (Вверху)
ОГНЕСТРЕЛЬНОЕ
ОРУЖИЕ
Америка
19 в.
Сверху вниз: 0,31 пистонный
револьвер Уитни; длинная
пистонная винтовка В. Голчера; 0,36
пистонный револьвер
Ремингтона. (Внизу)
546

ОГНЕСТРЕЛЬНОЕ ОРУЖИЕ
ДУЭЛЬНЫЕ
ПИСТОННЫЕ
ПИСТОЛЕТЫ В ЯЩИКЕ
Томас Брушед
Ок. 1820 г.
Эти пистолеты имеют рукоятки как
у пилы с изогнутой рамкой
вокруг курка для более плотного
захвата Замки снабжены
подвижными предохранителями. Как и
большинство оружия данного типа, эти
пистолеты просты и
обеспечивают быструю и точную стрельбу.
В ящике есть пороховница,
форма для пуль, ключ для патрубка и
аксессуары. (Вверху)
пистонный
РЕВОЛЬВЕР В ЯЩИКЕ.
МОРСКАЯ МОДЕЛЬ
Кольт
Ок. 1855 г.
На обратной стороне крышки
инструкция по уходу и
обращению с револьвером. В угловом
отделении несколько бумажных
патронов с пороховыми
зарядами и пулями. Этот револьвер
изготовлен в Лондоне на фабрике
Пимлико и относится к очень
популярной модели. Это
шестизарядное оружие, стреляющее
пулей диаметром 0,36 дюйма. Этот
экземпляр большей частью
сохранил первоначальный цвет и
представляет из себя желанное
приобретение. Так как в ящике
содержатся все аксессуары, он
является ценным экземпляром для
коллекционера. (Справа)

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
надо было положить в барабан и поставить в
патрубок пистон.
Бумажные патроны, содержащие порох и
пулю, мало ускоряли процесс. Производители
ружей постоянно экспериментировали, пытаясь
решить эту проблему. Идеальным решением
было бы помещение заряда прямо в камеру.
Однако трудность состояла в герметизации ее
таким образом, чтобы газ, образовывавшийся во
время взрыва, не выходил ни в какие щели и не
уменьшал давление на пулю, толкавшее ее к
выходу из ствола.
Ответом была бронзовая гильза,
усовершенствованная к середине 19 века. Пистон
помещался в центре основания бронзовой гильзы, в
которой находился порох и пуля. Патрон
просто вставлялся в камеру. Когда по пистону
ударял ударный механизм, происходила детонация,
воспламенявшая основной заряд и не
нарушавшая герметичности камеры. Так появилось
современное огнестрельное оружие, и в 1850-е
годы Смит и Вессон выпустили первые
коммерческие револьверы, заряжавшиеся с казенной
части. Другие, например Оливер Винчестер
(1810 - 1880), последовали их примеру и стали
изготавливать оружие этого типа.
МЕРЫ ПРЕДОСТОРОЖНОСТИ
Каждый коллекционер должен
соблюдать две меры предосторожности.
Порох сохраняет взрывчатую силу в
течение долгого времени, так что
полезно убедиться в том, что оружие
разряжено. В случае заряжающегося с
дула оружия надо вставить в ствол
карандаш или деревянную палочку и
измерить глубину. Затем выньте палочку
и приложите к дулу с внешней стороны.
Если две этих длины совпадают, то
можно считать, что оружие разряжено.
Если внутренняя длина меньше на дюйм
или около того, то, возможно, порох там
еще остался.
Другую предосторожность
необходимо соблюдать при обращении с
огнестрельным оружием. Каждый желающий
убедиться в рабочем состоянии
кремневого или пистонного оружия должен
предпринять следующие шаги. Крепко
возьмите и отведите назад ударный
механизм. Пока вы держите захват, курок
нажимать нельзя. Если устройство
работает, ударный механизм будет
стремиться занять первоначальное
положение. Позвольте ему вернуться
обратно, но медленно, так как иначе от
удара может сломаться патрубок или сам
ударный механизм. Такие поломки
можно исправить, но ценность предмета
снизится, так как он уже не будет
пребывать в первоначальном состоянии.
ТРЕТЬЯ МОДЕЛЬ
ДРАГУНСКОГО
РЕВОЛЬВЕРА
С КОБУРОЙ
Кольт
Ок. 1853/4 г.
Это оружие принадлежало
капитану армии США Френсису Т.
Брайану, который служил на
границе. Тяжелый револьвер
стрелял пулями калибра 0,44
дюйма. На барабане гравирована
сцена сражения с индейцами. Все
револьверы Кольта были не со-
мовзводными - ударный
механизм отводился назад, прежде
чем вновь нажимали курок. Он
мог делать шесть выстрелов.
Чтобы зарядить револьвер, надо
было насыпать порох в каждую
камеру барабана, затолкнуть
туда пули с помощью
специального рычага, укрепленного под
стволом, и поместить пистон на
патрубок.
548

ВОЕННОЕ СНАРЯЖЕНИЕ
Вместе с оружием и доспехами солдату было НЕобходимо
обмуНДИрОВАНИЕ И ПрОЧЕЕ СНАРЯЖЕНИЕ. КОЛИЧЕСТВО АМуНИЦИИ
РЕЗКО ВЫРОСЛО ПОСЛЕ ВВЕДЕНИЯ ОбяЗАТЕЛЬНОЙ униформы.
ВОЕННОЕ СНАРЯЖЕНИЕ
Обычно амуниция имеет меньшую стоимость,
чем оружие и доспехи. Конечно,
встречаются дорогие предметы, например ранние
головные уборы и редкие медали, однако в основном
военное снаряжение - это самая подходящая
область для коллекционера с ограниченными
средствами.
ЗНАЧКИ,
ЭМБЛЕМЫ, ФОРМА
До 17 века британские и большинство
европейских армий различались главным образом
цветом шарфа или ветками, укреплявшимися на
головных уборах. Затем появилась идея о
создании униформы, и к 18 веку большинство
стран ввели для своих армий одежду особого
стиля. Различие между полками создавалось
благодаря значкам или дополнительным цветам
на шапках или шинелях.
Британские шинели были традиционно
красного цвета, разница между полками
устанавливалась цветом манжет и лацканов.
Затем подразделения стали отличаться по
наборам значков. Сначала значки рисовались
прямо на форме, но позже изготавливались из
металла отдельно. Размер значка уменьшался
с течением времени, так что современные
гораздо меньше тех, которые были приняты в
начале 18 века.
Значки очень популярны среди
коллекционеров военного снаряжения и отличаются
большим многообразием: каждый полк имел свой
собственный стиль и различия для каждого
меньшего подразделения. Цена значков
варьируется от небольшой до довольно высокой для
редких экземпляров. Опубликован ряд
солидных книг по этому вопросу, и их значение
трудно переоценить для начинающих и опытных
коллекционеров. Популярность значков в
последние годы привела к производству
первоклассных копий (рестрайков), часто наиболее
ценных значков. Так что становится чрезвычайно
трудно отличить современные подделки от
подлинников.
В британской армии до середины 18 века на
вооружении были кроме штыков еще и шпаги,
которые затем вышли из употребления. Оружие
носили в ножнах, подвешенных на поясе.
Сначала ремень опоясывал талию, но со второй
половины 18 века он стал носиться через плечо и
закреплялся на груди большой металлической
пластиной. Будучи сначала обычным
металлическим овалом, эта пластина, теперь очень
популярная среди коллекционеров, постепенно все
больше украшалась до 1855 года, когда была
упразднена в большинстве полков.
Коллекционирование формы не особенно
популярно из-за трудности демонстрации. Манекены
ЭМБЛЕМА
НА ПОРТУПЕЕ
Шотландская легкая пешая
милиция
10 в.
Упраздненные в британской
армии в 1855 г., эти эмблемы
сохранялись в шотландских
подразделениях. На этом экземпляре
отсутствует боевая награде Эссея.
Это указывает на то, что
эмблему носил офицер милиции.
549

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
ШЛЕМ
Норфолкская добровольческая
кавалерия
Кожа. Начало 20 а.
Образованная в 1901 году, Нор*
фолкская Добровольческая
кавалерия состояла иэ четырех
эскадронов, король Эдуард был
почетным полковником. Он стал
шефом полка в 1905 г., когда
подразделение переименовали
в Королевский Личный Полк
Имперской Добровольческой
кавалерии.
550

ВОЕННОЕ СНАРЯЖЕНИЕ
дороги и занимают много места; а красивая
форма, свободно болтающаяся на них, теряет
значительную часть своей торжественности.
Большинство доступных мундиров
относятся ко второй половине 19 века и обычно
предлагаются по умеренным ценам.
Сухопутная форма обычно пользуется
большей популярностью, чем морская, которая не
вызывает особого интереса. Мундиры
дипломатов, несмотря на их роскошь, тоже не
пользуются спросом. Такие аксессуары, как ремни,
кобуры и вещмешки коллекционируются сами
по себе.
Мундиры Третьего Рейха. Как и в
отношении оружия, наблюдается повышение
интереса к форме Третьего Рейха. К несчастью,
создавалось очень много копий в качестве
реквизита для бесчисленных кино- и телефильмов,
снимавшихся о Второй мировой войне. Эти
копии тоже попадали в продажу. Они бывают
сделаны настолько качественно, что зачастую
трудно отличить их от подлинников. Поэтому
коллекционеру надо быть очень внимательным
и разборчивым. Кстати, этот совет относится
ко всем предметам, относящимся к Третьему
Рейху.
ГОЛОВНЫЕ
УБОРЫ
Стиль воинских головных уборов сильно
менялся с течением времени, и каждый из них
влиял на вид кокарды. В начале 19 века в большей
••...
>
'
. -' F"
А I
части британских войск был принят кивер -
высокая цилиндрическая шапка с небольшим на-
вершием и большой бронзовой пластиной
спереди. Позже вверху стали делать расширение,
но к середине века форма цилиндра вернулась.
Следующим стилем были низкие кивера с
небольшим навершием, так что размер кокарды
пришлось уменьшать.
В 1873 году были приняты остроконечные
каски по типу прусских с новыми, большими
кокардами. Каски являются одним из наиболее
популярных предметов среди коллекционеров.
Сделанные из кожи или металла, они
вдохновили другие армии выработать похожий стиль, так
как прусские войска одерживали победу за по-
КИВЕР ДРУГОГО ТИПА
Двенадцатый Королевский
Уланский полк (Принца
Уэльского)
На кокарде изображена
корона королевы, указывая на то, что
кивер древнее 1902 г. (Внизу)
ОФИЦЕРСКИЙ КИВЕР
Шотландская легкая пехота
Ок. 1890 г.
Кивер был упразднен в
большинстве подразделений
британской армии в 1879 г., но
сохранялся в этом подразделении.
(Слева)
551

ОРУЖИЕ И ДОСПЕХИ
НАБОР АРМЕЙСКИХ
КОКАРД
Британия
Такие значки представляют для
коллекционера интересную и
недорогую область. (Вверху)
ПУРПУРНАЯ МЕДАЛЬ
В ФОРМЕ СЕРДЦА
Америка
20 в.
Дизайн медали основан на
знаке воинской заслуги Джорджа
Вашингтона, появившегося во
время революционной войны
в 1782 г. Восстановленная в
1932 г., с 1942 года эта медаль
давалась только раненым в бою.
На ее давнее происхождение
указывает профиль Вашингтона;
на щите изображен его герб.
(Справа)
бедой. Искусно сделанные парадные головные
уборы с укрепленными орлами с
распростертыми крыльями носились телохранителями
германского императора; в похожих головных уборах
ходили телохранители российского царя.
Каски были упразднены в британской
армии в пользу разнообразных небольших
круглых шапок с плоским донышком для
кавалерии и фуражек для пехоты. Однако головной
убор старого стиля входил в комплект
парадной формы до 20 века. В конце концов
британская и большинство других армий
остановили свой выбор на беретах. Значки снова
стали маленькими.
МЕДАЛИ
Со времен Древнего Египта правители
награждали верные войска различными знаками
отличия, а с 17 века стало обычным
награждение медалью в честь войны, сражения или
подвига. Коллекционирование медалей очень
популярно в большинстве стран, но в
Британии и Америке, наверное, больше, чем где-либо
еще.

ВОЕННОЕ СНАРЯЖЕНИЕ
В Британии регулярный выпуск военных
медалей начался со сражения под Ватерлоо.
После Наполеоновских войн британские
войска принимали участие в боевых действиях во
всем мире, поэтому коллекционеру медалей этой
страны есть из чего выбирать. Кроме наград за
военные кампании, существуют медали за
храбрость, долгую службу, примерную дисциплину
и даже за трезвость. Американские медали
менее разнообразны, но пользуются такой же
популярностью, особенно редкие ранние награды
за храбрость.
На стоимость медали влияют многие
факторы - редкость, состояние, ранг награжденного
и подразделение, в котором он служил.
Существуют фальсификации, на которых названия
подразделений или имена изменены, однако они
встречаются нечасто, и если медаль
приобретается у пользующегося хорошей репутацией
продавца, то риск ошибиться очень невелик.
РАЗНОЕ
Война всегда вызывала огромное внимание
со стороны штатских. Ей посвящались
бесчисленные количества гравюр, картин, книг и
других печатных материалов. Гравюры доступны
начиная с деревянных 16 века до современных
цветных плакатов. В прошлом веке на нотах
популярных военных песен и музыки на военные
темы часто изображались сцены из сражений и
герои, и эти ноты являются небольшой, но
популярной среди коллекционеров областью.
Британские табачные компании быстро
учуяли популярность военной темы, и до
середины этого века в каждую пачку сигарет обычно
вкладывалась карточка с изображением армий
мира, формы, значков, оружия и прочих
предметов. Ранние сигаретные карточки редки и
дороги, но более поздние можно приобрести
по невысоким ценам. Цена карточек резко
падает, если они наклеиваются в альбом, так что
их всегда следует содержать в чистом
состоянии и отдельно.
Инструкции по обращению с оружием и
памфлеты на военные темы издавались с 16 века.
Ранние публикации, хотя их активно собирают,
стоят не особенно высоко, а многие
экземпляры конца 19 века встречаются совсем уж часто
и стоят дешево.
Военное снаряжение, наверное, одна из
последних областей коллекционирования, которая
лелеет надежду на чудесную находку среди
откровенного барахла, и ни комиссионный
магазин, ни благотворительную распродажу, ни
уличный рынок, ни распродажу старой домашней
утвари не стоит обделять вниманием. Любая
такая находка вряд ли принесет солидное
состояние, но вполне может порадовать удачливого
коллекционера.
ЛИТОГРАФИЯ
Л. Прврг и Ко., Бостон,
1885 г.
С середины 19 веко каждую войну
или кампанию сопровождал
выпуск большого объема печатной
продукции: песни,
патриотические иллюстрации и сувениры. Этот
экземпляр выпущен в честь
генерала (позднее президента)
Улисса С Гранта, одного из героев
Севера в американской
Гражданской войне (1861 - 1865).
Изображена его жизнь с периода
учебы в Вест-Пойнте до его
окончательной победы у Алпоматтокса,
где он принял капитуляцию войск
Конфедерации.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Следующий список
материалов для
дальнейшего чтения
предлагает достаточно
большой объем
литературы. Сюда
включены как
специальные труды, так
и предназначенные для
широкого круга
читателей. Хотя мы
постарались привести
даты новейших изданий
каждой книги, после
публикации данной
могли, естественно,
появиться более свежие.
Анголия Дж.
Клинки Германии.
1900 - 1945.
Сан-Хосе,
Калифорния. 1988.
Беарс, Р.
Спортивное оружие
мира.
Нью-Йорк, 1975.
Блекмор X.
Британское
армейское
огнестрельное
оружие.
Лонжон, 1961.
Блейр К.
Европейские
доспехи.
Лондон, 1979.
—Европейское
и американское
оружие
ок. 1100 - 1850.
Лондон, 1983.
Блейр К.
и Тарасюк Л.
Полная
энциклопедия
оружия.
Лондон, 1979.
Эзель Е.
Легкое
огнестрельное
оружие мира.
Харрисбург,
Пенсильвания, 1981.
Фуллер Р.
и Грегори Р.
Японские армейские
клинки.
Нью-Йорк, 1986.
Гренксей С.
Оружие и доспехи.
Нью-Йорк, 1968.
Киплинг А. и Кинг X.
Кокарды британской
армии. (2 тома).
Лондон, 1972 и 1978.
Мьятт Ф.
Современное малое
оружие.
Лондон, 1978.
Неуманн Г.
Клинки и лезвия
Американской
революции.
Ньютон Эббот, 1973.
Норман А. В.
Рапира и кинжал.
Лондон, 1980.
Раусон П.
Индийский меч.
Лондон, 1968.
Робинсон X.
Восточные доспехи.
Лондон, 1967.
ШШ ^0 ^^
Робсон Б.
Клинки
британской
армии.
Лондон, 1975.
Стоун Г. С.
Глоссарий
конструкции
и использования
оружия и доспехов.
Нью-Йорк, 1961.
Тейлерсон А.
и Чемберлен В.
Револьверы
Адамса.
Лондон, 1976.
Вилкинсон Ф.
Походное
обмундирование.
Лондон, 1970.
—Собирая
военный
антиквариат.
Лондон, 1978.
—Холодное
оружие.
Лондон, 1970.

J,
i
jnfr
Кукольныe домики
•
ИгруШЕЧНЫЕ МЕДВЕДИ
И ДРУГАЯ МЯГКАЯ ИГруШКА
•
Деревянные игрушки на колесиках
Игры, головоломки
И КНИЖНЫЕ НОВИНКИ
Солдати ки
Жестяные игрушки
Отлитые металлические игрушки
ИгруШЕЧНЫЕ ПОЕЗДА
Джулия ХАрри
ПитЕр Джонсо
КЕрри Тейлор
На странице: ИГРУШЕЧНЫЙ ПОЕЗД С ВАГОНАМИ

ИГРУШКИ
ИГРУШКИ
Мастерство и совершенство дизайна, характерное для многих
игрушек прошлого, большей частью не встречается среди
современных изделий массового производства. однако сегодня
идея считать игрушку произведением искусства находит гораздо
бОЛЕЕ ШИРОКОЕ ПРИЗНАНИЕ И ПОДДЕрЖКу.
ИГРУШЕЧНЫЕ САНИ
Луц
Конец 19 в.
Яркие основные цвета и
комбинация гипсовых фигурок с
жестяными санями характерны для
старинных немецких игрушек.
Фигурки, отличавшиеся
хрупкостью, редко можно встретить
в таком хорошем состоянии,
как эти.
Коллекционирование игрушек, кукол и игр - направление относительно
новое, получившее распространение в основном после 1960-х годов. В
первое время торговцы антиквариатом не воспринимали это увлечение
всерьез, но теперь оно считается полноправной частью коллекционирования.
Издано много книг об игрушках, международные аукционы открыли
специальные секции по продаже медвежат, кукол, жестяных игрушек, поездов,
солдатиков и игр. Некоторые изделия продаются за цену, вполне сравнимую
с объектами из более традиционных областей антиквариата.
Поздняя Викторианская эпоха была золотым веком для игрушек. Богатые
семьи баловали своих детей поездами, хрупкими фарфоровыми куклами,
одетыми по последней французской моде, и прочими дорогими и искусно сделанными
игрушками. Даже дешевые игрушки из штампованной и раскрашенной жести
демонстрируют очарование и качество, к сожалению, утерянное во многих
современных изделиях. Однако поскольку игрушки предназначались для
активных детских игр, трудно найти старинные в хорошем состоянии.

ИГРУШКИ
Состояние игрушки играет основную роль для коллекционера.
Изношенность металла на миниатюрных игрушках (Динки), тоненькая
трещинка на лице фарфоровой куклы, облупившаяся краска на оловянном
солдатике, ржавчина на старинной модели военного корабля, потертости
и заплатки на медвежонке значительно снижают стоимость изделия. Но
реставрация повреждений должна предприниматься лишь в крайнем
случае и только опытным специалистом. Было испорчено огромное число
игрушек, которые их владельцы пытались починить, заменяя
первоначальные платья кукол нейлоновыми или перекрашивая свои
миниатюрные игрушки Динки, чтобы сделать их ярче. Игрушке лучше оставаться
слегка подпорченной, но полностью сохраняющей свой первоначальный
вид, чем быть переделанной на новый лад, после чего она не может
считаться старинной.
^ к
—^^ *- ^й
)^^^^Ш ^^^
W
ЖЕСТЯНОЙ
ФАЭТОН
Луи
Конец 19 в.
Превосходное качество
раскраски и тщательно
скопированные детали, например фонарь
со свечой и рисованные
розовые гирлянды на подножке,
позволяют предположить, что
изделие было изготовлено Луцем
для продажи во Франции. На
фаэтоне сохранился штамп
розничного торговца 'Passage de
ГОрега" Большое число
сохранившихся французских экипажей
свидетельствует, что этот тип
игрушки был особенно
популярен во Франции. Размер
данного изделия необычно велик;
наверное, оно дополнялось
гипсовыми лошадьми и, возможно,
пассажирами.
Часть привлекательности и очарования старинных игрушек в том, что
они нередко отражают в миниатюре времена, в которые они делались.
Куклы, например, точно фиксируют изменения в моде, макияже и прическах с
18 века (когда они стали выпускаться на коммерческой основе) до наших
дней. Интересно сравнить куклу начала 18 века с ее большой, покрытой
гипсовой грунтовкой головой, холодными черными глазами, маленьким
нарисованным ртом, худым, угловатым деревянным телом и в великолепном
парчовом платье с французской куклой-ребенком конца 19 века. Она
сделана из бисквита (неглазурованного фарфора), с персиково-кремовой кожей,
реалистичными глазами, округлыми пропорциями и одета в темно-красный
вельвет; за два века идеалы красоты резко изменились.
Жестяные и литые под давлением игрушки нередко иллюстрируют
технические достижения своего времени не только формой, но и конструкцией:
пар и электричество, например, хотя и представляли некоторый риск, но
часто применялись в действующих моделях поездов, волшебных фонарях и
движущихся игрушках около 1900 года.
Промышленная революция вызвала массовое производство игрушек и
кукол, так как новые технологии позволили фабрикам быстро и эффективно
выпускать изделия. К 20 веку исчезли мастера-надомники, изготавливавшие
отдельные части изделия; их заменили цеха, где игрушки изготавливались,
собирались и упаковывались под одной крышей.
В последнее время, когда стоимость старинных игрушек выросла выше
возможностей среднего коллекционера, некоторые собиратели обратили свое
внимание на лучшие игрушки века нынешнего. Особой популярностью
стали пользоваться игрушки 1960-х годов, имеющие отношение к космосу и
телевидению. Рост популярности современных игрушек не прекращается, а
их разнообразие бесконечно.
ЯПОНСКИЕ
ПЕХОТИНЦЫ
Британия
Олово; пустотелая
отливка. 1930-е гг.
Группа из одного из сотен
наборов солдат иностранных
армий, выпускавшихся фирмой.

ИГРУШКИ
Милое личико детской куклы, изготовленное вручную,
СОПРОВОЖДАЛО НАС С 1 7 ВЕКА. БОЛЕЕ СОВРЕМЕННЫЕ
коммерческие изделия имеют свое собственное очарование.
КУКЛЫ
Известно, что куклы существовали в Древ
нем Египте и Греции, но они
изготавливались скорее в качестве культовых предметов, а не
для детской забавы. Собиратели антиквариата
стремятся заполучить такие экземпляры, однако
большинство коллекционеров интересуются лишь
куклами-игрушками 17-го и последующих веков.
За последние 20 лет коллекционирование
кукол стало очень популярно, и если проследить
за динамикой цен, они представляют собой
выгодную область для вложения денег.
ДЕРЕВЯННЫЕ КУКЛЫ
Сохранилось очень мало деревянных кукол,
сделанных раньше 17 века. Возможно,
наиболее симпатичными были куклы, известные под
именем "королева Анна" в период ок. 1700 -
1800 годов. Их нельзя отнести к определенному
изготовителю, хоть и считается, что
большинство из них были сделаны в Англии. Более
старые из них вырезаны и раскрашены более
тщательно, чем последующие. Голова и туловище
обычно вытачивались на станке, а лучшие
экземпляры имеют шарнирное соединение,
искусно вырезанные конечности и даже грудь. Парик
из льна или даже настоящих волос наклеивался
на покрытую гипсом голову. Некоторые
экземпляры имеют локти и ноги из кожи с
растопыренными пальцами.
Глаза делались черными или карими и
широко расставленными. У более поздних кукол они
голубые и близко посаженные. Редко на лицах
некоторых кукол встречаются нарисованные
мушки (модные в 18 веке). Брови делались
стежками или черточками, носом служил вырезанный
из дерева треугольник, на щеках рисовался крас-
КУКЛА-РАЗНОСЧИЦА
Германия
Покрытое гипсом дерево
и рисованные черты лица,
1830 г. (Вверху)
ДЕРЕВЯННАЯ КУКЛА
Ок. 1740 г. (Внизу)
ный румянец. Лучшие деревянные куклы имеют
круглые бедра и тонкую талию.
Куклы Греднерталь. К 19 веку появился
гораздо более основательный тип деревянных
кукол. Куклы периода Регентства относятся к
немецкому типу Греднерталь. У них покрытая
гипсом голова, нарисованные черные волосы в
стиле той эпохи и нарисованное лицо. Тело
вырезалось из дерева, в бедрах и локтях были
соединения, ступни были в виде колодок. У
лучших экземпляров было еще соединение на талии
или шее на шарнире. Костюм обычно делался во
французском стиле ампир, но на поздних
вариантах встречаются более широкие юбки с
низкой талией.
К середине века мастерство изготовления
кукол снизилось, и они становятся похожими на
кегли. Развитие типа Греднерталь привело к
появлению "пенни вуден" с простой шарообразной
головой и "вуден топ" (все еще
выпускающемуся), с характерным неуклюжим телом,
ложкообразной головой и чаще резными, чем
нарисованными чертами лица. "Голландские" куклы типа
Греднерталь на самом деле изготавливались в
Германии, но получили такое название, так как
импортировались в Англию через Амстердам.
Американские производители. К
середине 19 века деревянные куклы особого
неевропейского стиля массово выпускались в
Соединенных Штатах. Джо Эллис из Спрингфилда, штат
Вермонт, производство которого не прекращалось
до 1879 года, изготавливал куклы с полностью
сочлененным телом. Одним из наиболее
известных производителей Америки была
филадельфийская компания Шунхат, которая выпускала
кукол с пружинными соединениями, запатентовав
ГЛАВНЫЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ ДЕРЕВЯННЫХ КУКОЛ
Эллис, Джо
ок. 1869-73
Спрингфилд
Целиком деревянные куклы с полностью сочлененными телами,
Мейсон и Тейлор, ж ^ggi
фирма
Спрингфилд
Целиком деревянные куклы.
Шунхат, А.
ок. 1872-1930 США
Куклы с пружинным соединением.

КУКЛЫ
ФРАНЦУЗСКИЕ ИЗГОТОВИТЕЛИ КУКОЛ С ГОЛОВАМИ ИЗ БИСКВИТНОГО ФАРФОРА
Барроис, Е.
Бру, Джейне, фирма
Данель, фирма
Гаултиер, Франсуа
Мейсон Хурет
Жульен, Младший
Мейсон Жумо
Марк, А.
Рабери и Дельфи
Ромер, мадам
Шмитт и Филе
SFBJ (Французское
общество по производству
кукол бебе и Jouets)
Штейнер, Жюль
ок. 1844-77
ок.1866 - 99
ок.1889 -1895
ок. 1860 - 75
ок. 1850 -
ок. 1875 - 1904
ок. 1842 -
ок. 1910-16
ок. 1856-99
ок. 1857-80
ок. 1851 - 1891
ок. 1899-
ок. 1855-1908
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Париж
Парижане с головой и плечами из бисквитного фарфора.
Бисквитные парижане и бебе.
Соответственно высокое качество бебе с головами из бисквита.
Парижане и бебе. Фирма продолжала работу до 1899 г.
Куклы с головами и плечами из бисквита или фарфора.
Бебе с головами из бисквита.
Парижане из бисквита и бебе с головами из бисквита.
Скульптор. Его куклы - большая редкость.
Бебе.
Парижане с головами из бисквита или фарфора.
Бебе.
Бебе и особые куклы.
Бебе и механические куклы.
этот тип около 1909 года. Они раскрашивались КУКЛА БЕБЕ
эмалью и имели резную голову, иногда с мохеро- Лвон КазишР *у
Бисквитный фарфор и
ВЫМИ ВОЛОСами. из пресс-папье. 1880 г
КУКЛЫ С ГОЛОВАМИ ИЗ БИСКВИТА
Примерно с I860 по 1880 годы во Франции
появились так называемые парижане, или пюпи,
куклы с бисквитной (обожженная, но не
глазурованная керамика) головой. Делавшиеся
обычно в комплекте с целым ящичком "приданого"
для детей богатых родителей, эти куклы
являются наиболее очаровательными и
коллекционируемыми из всех типов. Большинство имеет
шею на шарнире и туловище из выделанной
козловой кожи. На пробковой макушке обычно
парик из настоящих волос или из мохера,
стеклянные глаза имеют цвет от бледно-голубого до
карего. Губы бледно-розовые, двух оттенков.
Уши иногда в виде отверстий, а у некоторых
кукол обозначена грудь. Как и на всех других
типах французских кукол, номер формы или
инициалы изготовителя обычно наносились на
затылок или на туловище; однако существует
несколько парижан хорошего качества без каких-
либо обозначений.
Среди выпускавших парижан производителей
кукол были: мадам Хурет, мадам Ромер, Леона
Казимира Бру, Жумо, Террен, Верр Филе,
Симон, Метайер, Ф. Гаултиер, Гито и Феникс. С
тех пор создавались многочисленные дубликаты,
так что установить подлинность непросто.
Бебе. Разновидностью парижан были бебе,
прекрасные куклы, изображавшие
идеализированных девочек в возрасте от восьми до двенадцати
лет. Бисквит лучших экземпляров бебе бледного
оттенка, брови часто густые и ярко выделены,
большие глаза сделаны из выдувного стекла, в
отформованных или наклеенных ушах отверстия.
Большей популярностью пользуются куклы с
закрытым ртом. Крепкое туловище делалось либо
целиком из дерева, либо с включением других
материалов, особенно в более поздних моделях,
тело которых примерно с 1904 года делалось из
пяти частей.
Производители (все парижане),
изготавливавшие соответственно бебе высокого качества:
фирма Жумо, 1850 - 1900; Леон Казимир Бру, 1860 -
1900; Жюль Никола Штейнер, 1860 - 1910;
А. Марк, 1910 - 1916. Среди других известных
парижских фирм были Рабери и Дельфи, 1856 - 1900;
Шмитт и Филе, 185V — 1891; Флейшман и Блодель,
1873 - 1900; Жульен, 1827 - 1904; Пинтель и Год-
шо, 1887 - 1900; Данель и Си, 1889 - 1895.
Бебе многих из этих фирм были снабжены
механизмами, позволявшими им говорить и слать
воздушный поцелуй. Помимо стандартных кукол
559

ИГРУШКИ
НЕМЕЦКИЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ КУКОЛ С ГОЛОВОЙ ИЗ БИСКВИТА.
Альт, Бек
и Готшальк
с 1854 г.
Тюрингия
Дети и особенные куклы.
Дрессель, Куно
и Отто
осн. 1730
Соннеберг
Бисквитные головы разных изготовителей. Составные куклы,
Флейшман
Блодель
ок. 1873
ок. 1890
Бавария
Париж
Бебе с головой из бисквита.
Хеубах, фирма ок. 1820 - 1949 Тюрингия
Особенные куклы с головами из бисквита.
(Его путают с фирмой Эрнста Хеубаха, Коппельсдорф).
Каммер
и Рейнхардт
ок. 1870 - 1940 Вальтерсгаузен
Головы изготавливали большей частью Саймон и Халбиг. Дети
и особенные куклы с деревянными и составными телами и шарнирными
соединениями.
Кестнер, Й. Д. ок. 1800 - 1940 Вальтерсгаузен
Дети и особенные куклы.
Клинг, фирма
с 1836 г.
Тюрингия
Куклы с головами из бисквита или фарфора.
Марсель, Арманд 1880 - 1940
Коппельсдорф
Очень большой объем продукции. Дети и особенные куклы с головами
из бисквита.
Саймон и Холбиг ок. 1869 - 1930 Тюрингия
Дети и особенные куклы.
производителями были придуманы другие
разновидности: Бру-бебе la Teteur и Жумо-бебе
фонограф; последняя включала в себя фонограф Ли-
оре и записи лепета и пения.
К концу века конкуренция со стороны
Германии заставила многие ведущие парижские
фирмы организовать синдикат SFBJ (Общество
французских производителей бебе и Jouets). Он был
упразднен в 1920-е годы.
КУКЛА, ОДЕТАЯ
ДАМОЙ
Франсуа Гаултивр
Голова и плечи из бисквита
на толе из кожи козленка.
1870 г.
Большое количество
сохранившихся кукол в костюмах
представляют отдельное направление для
коллекционирования. Эта
прекрасного качества кукла одета в
платье провинциальной
французской женщины и сделана из
черного фетра. (Слева)
"ТРИСТИ" ЖУМО
Эмиль Жумо
Голова из бисквита. 1880
В Соединенных Штатах эта
редкая кукла называется
"Длиннолицая Жумо' из-за
мечтательного выражения своего лица. На
голове проставлен только
номер. Щеки очень полные. Лицо
наиболее редких экземпляров
этого типа в форме сердечка.
(Справа)
С начала века качество бебе в основном
падало. (Для справки, наиболее часто
встречающиеся формовые номера этих кукол более
низкого качества 60 и 301.) Однако примерно с 1909
года и во Франции, и в Германии стала
выпускаться имевшая успех серия особенных кукол,
смоделированных с настоящих детей.
Особенные куклы SFBJ изготовлены как в виде
мальчиков, так и девочек с телами, соответствую-
560

КУКЛЫ
щими разным стадиям детских возрастов. Одна
из редчайших имела три сменные головы с
различными выражениями лица. (Формовые номера
кукол SFBJ большей частью в районе 200.)
Немецкие куклы. К концу 19 века
производство немецких кукол в Тюрингии и Баварии
обогнало французское. Ранние германские
модели копировали французские, но туловища были
массивнее.
Среди лучших изготовителей был Арманд
Марсель, русский эмигрант (1880 - 1940),
выпускавший наибольшие объемы продукции.
Формы 370 (голова и плечи, сделанные из одной
части) и 390 (отдельная голова, вставлявшаяся в
отверстие между плеч) встречаются наиболее
часто. (У французских кукол маркировка
проставлена на затылке или на теле.) Марсель
выпускал также большое разнообразие особенных
кукол и детей, которые теперь пользуются
популярностью у коллекционеров.
Другая немецкая фирма, Каммер и Рейнхардт
(1870 - 1940), выпускала не только
стандартных кукол, но и с 1909 года ряд особенных
(головы изготавливались Саймоном и Холбигом,
1869 - 1930). На сегодняшний день они
являются наиболее желанным приобретением из-за
реалистичности своих моделей. Часто
называвшиеся по имени ребенка, с которого они делались,
они имели деревянное или составное тело
(ребенка соответствующего возраста) с
шарнирными соединениями. Формовые номера
варьируются от 100-х (знаменитый Кайзер Беби) до 120-х.
Й. Д. Кестнер (1800 - 1940), выпускал
разнообразных кукол. Коллекционеры охотятся за
особенными куклами этого производителя
(формовые номера 200-е).
Среди других известных изготовителей
можно назвать Гербрудера Хеубаха (1820 - 1940),
который выпускал много необычных кукол и не-
КУКЛА "МОРИЦ"
Й. Д. Кестер
Голова из бисквита
с отформованными
волосами. 1010
Мориц - известный персонаж
немецкого фольклора. (Вверху)
ОСОБЕННАЯ КУКЛА
Каммер и Рейнхардт
Голова из бисквита. 1010
У этой куклы резные углубленные
вогнутые глаза. Нарисованные
зрачки создают иллюзию
глубины и реализма. (Слева)
КУКЛА ЛЕНЧИ
Италия
Отформованный фетр.
1030-е гг.
Матерчатые куклы фирмы Ленчи
до недавнего времени
пользовались популярностью, образуя
отдельное направление
коллекционирования. Здесь показана
кукла большого размера Pooipo-
странены фальсификации,
подделки и копии, так что
разборчивому коллекционеру следует
покупать только не вызывающие
сомнения экземпляры.
большое количество новых фигур - "снежных
детей" (встречаются копии); Куно и Отто Дрес-
сель (осн. 1730); Генрих Хандверк (1876 - 1930);
Макс Хандверк (с 1900 до наших дней); Шунау
и Гоффмейстер (ок. 1901 - 1963). Фриц Бартен-
штейн выпускал новых кукол с двумя или тремя
лицами для одной головы (как альтернативу трем
сменным головам), так же, как и Карл Бергнер,
(1880 - 1910), изготовивший куклу с тремя
сменными лицами - Красной Шапочки, Бабушки и
Волка.
КУКЛЫ ИЗ ДРУГИХ МАТЕРИАЛОВ
Для изготовления голов с плечами в 19 веке
использовался также и глазурованный фарфор.
Экземпляры лучшего качества датируются
начиная с первой половины века, и выпускались они
такими фабриками, как Мейсенская, КРМ
(Королевская фарфоровая фабрика), Дрессель и Ки-
стер. (Их, однако, трудно различить.) Куклы
делались из качественного розового фарфора с
нарисованными голубыми (иногда карими) глазами
и розовыми губами, иногда с шеей на шарнире.
Обычно волосы были черными, иногда
светлыми, редко других оттенков. Примерно с 1845 года
голова и нередко обувь покрывались глянцем.
Тело было из набитой опилками кожи, дерева
или материи. К концу века качество стало
падать. Прически и лицо стали упрощаться.
Головы из паросского бисквита. Голова
и плечи некоторых кукол делались из
некрашеного белого бисквита, получившего название
паросского из-за сходства с одноименным
фарфором.
561

ИГРУШКИ
Пьеротти, семья
Монтанари
Грейнер, Людвиг
Мич, Герберт
Чейз, Марта
Дженкс
Адаме, Е. и А.
Пек, Люси
Штейф, фирма
Хорсман и Ко.
Круз, Кэт
Ленчи
(Е. и Е. Скавини)
ок. 1779 -
ок. 1849-
ок. 1858 -
ок. 1865 -
с 1889 г.
ок. 1891 -
ок. 1891 -
ок. 1894 г
с 1909 г.
с 1910 г.
с 1920 г.
1930
1880
1874
1917
1910
1930
•
ПРОИЗВОДИТЕЛИ ПРОЧИХ КУКОЛ
Лондон
Лондон
Филадельфия
Лондон
Род-Айленд
Нью Йорк
Лондон
Гинген-ам-Бренц
Нью Йорк
Бад Козен
Турин
Восковые куклы с настоящими светлыми волосами и стройным телом.
Реалистичные восковые куклы.
Куклы из папье-маше.
Куклы, отлитые из воска. Поставщик кукол для королевской семьи.
Тряпичные куклы.
Колумбийские тряпичные куклы.
Куклы, отлитые из воска.
Особенные куклы из фетра, плюша и вельвета.
Тряпичные куклы.
Матерчатые особенные "художественные" куклы.
Особенные куклы из фетра.
Такие головы обычно прикреплялись на
набивное матерчатое тело. Расцвет производства
паросских кукол пришелся на 1855 - 1885-е
годы. Большинство из них выпускалось в
Германии, однако их изготавливали и
французские фабрики, и среди них Севр. У таких кукол
обычно простые отформованные волосы,
нарисованные глаза и неподвижная шея; но редко
встречаются экземпляры с изысканно
украшенной головой, стеклянными глазами и шеей на
шарнире.
Восковые куклы. Лучшие куклы этого
типа, который произошел из Италии и имеет
те же корни, что и скульптура,
изготавливались в Британии в 19 веке. Примерно с 1850-х
годов лондонская семья Пьеротти (1770 -
1930), изготавливала куклы с характерным
легким поворотом головы, настоящими светлыми
волосами и стройным телом, на котором
обычно ставился штамп продавца.
Куклы, выпускавшиеся компанией
Монтанари (1849 - 1880), отличаются мягкими
цветами воска, короткой шеей с завитками
густых, настоящих темных волос и с
фиолетовыми глазами. В наши дни они встречаются
редко.
Вощеные головы из папье-маше. Самые
ранние куклы с головами из папье-маше,
окунаемыми в воск, стали делаться в основном в
Германии начиная с 18 века. Их называли еще
куклами с разрезанной головой, так как волосы
вставлялись в прорезь на макушке; ранние
экземпляры 19 века имеют характерные для причесок того
периода букли. Глаза из синей или черной эмали
и без зрачков иногда делались подвижными. Го-
562
КУКЛА "АВТОМАТА"
(МЕХАНИЧЕСКАЯ)
Густав Вичи
Голова и плечи из
бисквита, шея на шарнире.
1870 г.
Куклы типа 'автомота' ценятся
наиболее высоко. Они были
предназначены в качестве забавы
скорее для взрослых, а не для
детей. Эта дама с мандолиной
сохранила свое платье в прекрос-
ном состоянии, механизм тоже в
полном порядке.
лова с плечами прикреплялась к набитому
опилками телу с кожаными руками.
С течением времени качество таких кукол
ухудшилось. Однако "тыквоголовые" куклы с большим
круглым лицом и отформованными светлыми
волосами часто украшались цветным плюмажем или
лентой. Если они в хорошем состоянии, то
пользуются популярностью у коллекционеров.
Головы из папье-маше. В тот же период
немецкие производители делали куклам головы
и из невощеного папье-маше. В Британии такие
куклы достигли пика популярности в период
Регентства, когда для них были характерны
искусные прически. Наиболее редкими являются
экземпляры с рыжими волосами и стеклянными
глазами, а также бидермейерские куклы
(названные так по неофициальному стилю, принятому
тогда в германской мебели и прикладном
искусстве) с лысиной на макушке.
Модели "модистка" (1800 - 1840),
считается, имеют германское происхождение. У них
искусно отформованные волосы, и коллекционеры
особенно охотно собирают их. Сделанные в Сон-
неберге куклы из папье-маше имеют
отличительные зубы из бамбука и тело из козловой кожи.
Для изделий Мотчмана (ок. 1850 - 1870)
характерны "плавающие" соединения, заимствованные
у японских кукол. Среди других известных
немецких производителей можно выделить Куно и
Отто Дресселя и Адольфа Флейшмана.
Наиболее заметным американским изготовителем был
родившийся в Германии Л. Грейнер.
К концу 19 века папье-маше для кукольных
голов сменилось смесью из опилок с клеем,
которая обычно была худшего качества.

КУКОЛЬНЫЕ ДОМИКИ
КукольныЕ домики очень ценились и были источником
рлдости для взрослых
И ДЕТЕЙ С 1 6 ВЕКА ДО НАШИХ ДНЕЙ.
КУКОЛЬНЫЕ ДОМИКИ
Миниатюрные домики для детской игры не
появлялись примерно до 1800 года, когда
впервые возник термин "кукольный домик". До
этого периода они предназначались больше для
взрослых, чем для детей, и назывались детскими
или кабинетными домиками. Датировать оба типа
довольно затруднительно, так как архитектурные
стили многих из них не соответствуют времени
их изготовления.
Миниатюрные обитатели детских домиков
изготавливались из дерева или воска и
одевались в стиле, современном стилю самого
домика. Сохранилось несколько прекрасных
голландских детских домиков 17 века: Петронелла Ду-
ноис, Петронелла Оортман и Петронелла дел-
ла Корт; также до нас дошел и великолепный
домик 18 века. Они щедро укомплектованы
домашними принадлежностями того периода.
Однако такие полностью обставленные детские
домики чрезвычайно редки, и, как большинство
других, эти голландские экземпляры
находятся теперь в музеях.
Самый ранний из сохранившихся немецких
детских домиков, называемый Докенхаузер, был
сделан около 1611 года для дочери Альбрехта
Баварского. Сейчас он хранится в Германском
музее в Нюрнберге.
Принадлежности из кукольных домиков 19
века являются наиболее часто собираемыми (хотя
некоторые модели начала 20 века также ценятся
высоко). Длинные, низкие архитектурные линии
детских домиков 17 и 18 века прослеживаются в
ранних моделях 19 столетия, однако окна
изменились: вместо двенадцати остается два или
четыре в соответствии с архитектурным стилем
времени.
ГЕРМАНИЯ
И ФРАНЦИЯ
Германия преуспела в изготовлении
кукольных домиков и экспортировала их во многие
страны. Немецкие фирмы выпускали модели
магазинов, кухонь (нюрнбергский тип, названный так
по торговому центру, отличался обилием
посуды) и наборы столовых и комнат с тремя
стенками. В первой половине века выпускались даже
модельные салоны с наборами платьев.
hiiia
ДЕТСКИЙ ГАРДЕРОБ
Эдмунд Джой
Дерево. 1700 г.
Это чрезвычайно редкое изделие
раннего периода Вильгельма и
Мери. Гардероб сделан в
форме дома в англо-голландском
стиле. Внутри различные секции
из ящиков и полок.
Особый интерес для коллекционеров
представляют домики фирмы Кристиана Хакера
(основана в 1870 году), которая украшала
игрушечные домики и мебель по литографической
технологии.
Французские производители в основном
выпускали наборы комнат, а не полные дома. Как
немцы и голландцы, они тоже выпускали
нюрнбергские кухни. Двумя специфическими
французскими типами кукольных домиков были Де-
вилль с литографической внешней частью и
мраморным фундаментом, а также домики с
мансардной крышей, которую можно было
открыть и обнаружить дополнительное
пространство под ней.
563

ИГРУШКИ
ПРОИЗВОДИТЕЛИ КУХОННЫХ ДОМИКОВ
И МИНИАТЮРНОЙ МЕБЕЛИ
Бестельмейер, Г. X.
ок. 1793 - 1854 Нюрнберг
Продавец кукольных кухонь, магазинов, домиков, игрушек и т.д.
Хакер, С.
ок. 1875 - 20 в. Нюрнберг
Кукольные дома, магазины и т.д. Литографическая технология
для украшения домиков и мебели.
Рок и Грейнер
1837-1889
Биберах ан дер Рисе
Жестяная мебель, комнатные принадлежности. (Приобретена
Марклин.)
Шнеегас
ок. 1830 - 1900 Вальтерсгаузен-у-Готы Прекрасная мебель под красное дерево, также в стиле
t9W «««'"Hw-ygnyiwiB Регентства, модерна; называется "мебель Вальтергаузен".
Мейсон Хурет
ок. 1849 - 1920 Париж
Прекрасная деревянная и металлическая мебель.
Банневилль и Аулейнер 19 - начало 20 в. Париж
Миниатюрная мебель "тиффани" и металлическая.
Эйвери, В. и Сыновья 19 и 20 в.
Реддич
Раскрашенная и позолоченная металлическая мебель.
Моррель
ок. 1820 - 1900 Лондон
Прекрасные миниатюры из слоновой кости, серебра, фарфора и
дерева.
Лайнз, Г. и Дж. Лтд
1858 - 1919
Лондон
Кукольные домики и мебель. Для их работы характерны
архитектурные лепные украшения. (Лайнз Бразерс, Лондон, ок.
1919 - 1970; Кукольные Домики и Мебель Трианг примерно после
1927 г.).
Альтоф, Бергман и Ко. ок. 1867 - 1900 Нью-Йорк
Прекрасные жестяные кукольные домики, мебель и
принадлежности.
Оусиус, М.
прим. после
1860 г.
Париж
Выпиленная лобзиком мебель и комнатные обстановки.
Дол-Той Продактс
прим. после
1940 г.
Стемфорд
(Великобритания)
Мебель.
Сильбер и Флеминг
ок. 1850 - 1907 Лондон
Кукольные домики.
Блис, Р.
Производственная
компания
1832 —
Род-Айленд
Литографические дома и мебель.
Конверс, Мортон Е.
ок. 1878 г.
Массачусетс
Литографические деревянные кукольные домики и здания.
Производственная
компания Дауста
ок. 1875 г.
Чикаго
Металлическая мебель, дома, обстановка комнат. Ок. 1920 г.
"Тутси Той".
Френсис, Филд
и Мак-Лохлин
ок. 1838 г.
ок. 1855 г.
Филадельфия
Нью Йорк
Хорошая мебель, металлические домики и оловянные игрушки.
Литографические складные домики.
Стивене и Браун, фирма ок. 1868 г.
Коннектикут
Жестяная и литая железная мебель и обстановка комнат.
Тайни Той
ок. 1920 г.
Род-Айленд
Хорошие кукольные домики и мебель. (Фирму иногда путают с
-Тутси Той".)
БРИТАНИЯ
И СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ
К 1850-м годам литография стала основной
технологией, применявшейся при создании внешнего
вида британских кукольных домиков. Популярным
дизайном был тип городских домов среднего
достатка и виллы современного тогда архитектурного
стиля. Выпускались также дома-конструкторы.
Некоторые из наиболее часто
встречающихся и хорошо сделанных домиков были выпущены
фирмой Г. и Дж. Лайнз (1858 - 1919)
(впоследствии Лайнз Бразерс, потом Трианг). Типичные
экземпляры их работы включают в себя лепные
украшения. Датирование их затруднительно, так
как ранние стили воспроизводились на
протяжении многих лет. Среди других производителей
564

КУКОЛЬНЫЕ ДОМИКИ
были Сильбер и Флеминг (ок. 1850 - 1907), и
Дж. Силлет, основавший производство в 1850 году.
Складные домики и комнаты изготавливались в
начале 20 века Л. Дж. Слокумом, основавшим
фабрику в 1912 году. В 1911 году Е. Винтл выпустил
домик в виде коробок с крышками.
Сохранилось крайне небольшое количество
американских домиков первой четверти 19 века.
Производство развивалось медленно, и большая
часть домиков была выпущена после 1870 года.
Одним из наиболее известных производителей
был Тауэр Шоп, основанный в 1830 году и
позже ставший компанией Тауэр Той.
Особый интерес для коллекционеров
представляют дома фирмы Р. Блиса, начавшего
производство в 1832 году. Первые домики из дерева
и бумаги выпускались с 1889 года; для создания
изящных украшений использовали литографию.
Таким же способом делал домики Мортон Е.
Кон вере. Они имели гораздо более простой вид
и сельское германское очарование. Кукольные
домики Мак-Лохлина примерно с 1855 года
славятся своей яркой и живой литографией;
интересные складные модели выпускались примерно
с 1875 - 86 годов.
Пользуются спросом деревянные кукольные
домики с литографически созданными фасадами
и набором крашеной мебели, которые выпускала
компания Шунхата в 1917 году.
МИНИАТЮРНАЯ МЕБЕЛЬ
Лучшая миниатюрная мебель производилась
в 17 и 18 веках. Излюбленным материалом было
серебро, но использовались также фарфор,
дерево, стекло и даже золото. В нюрнбергских
кухнях в основном использовался сплав олова со
свинцом. Прекрасную миниатюрную мебель в
стиле модерн делали также из папье-маше,
разноцветной соломы и дерева. Известным
французским производителем миниатюрной мебели были
Банневилль и Аулейнер, которые делали
металлические предметы, включая тип «тиффани»
(имитация золота).
В Германии простая крашеная мебель
изготавливалась в области Беркхтесгаден. Ранние
изделия придерживаются классической традиции;
со временем качество ухудшается.
МЕБЕЛЬ ДЛЯ
КУКОЛЬНОГО ДОМИКА
Вальтврсгауэвн, Германия
Дерево с имитацией
красного дерева и
украшение "ВоиПе". 1860 г.
Наборы мебели типа этого
"Дункан Файф' пользуются большим
спросом. Особенно редкими
предметами являются пианино и
столик для игр. (Вверху)
ДЕТСКАЯ
ЖЕСТЯНАЯ ПЛИТА
Различные германские
изготовители
Жоотъ; посуде, покрытая
медью. 1800 г.
Жестяные плиты, при условии, что
они в хорошем состоянии,
всегда стоящее приобретение для
коллекционера. Дизайн этого
экземпляра относительно прост;
можно найти гораздо более
декоративные изделия.
Мебель из дерева и бумаги с литографией
была также очень популярна в конце 19 века.
Самый распространенный дизайн изображал
детей, алфавит или представлял стиль готического
Возрождения. Среди производителей были
Швейцер - с конца 18 века до наших дней, который
также выпускал металлическую мебель; Рок и
Грейнер (осн. 1837), которые тоже делали
металлические миниатюры; Марклин, основавший
производство в 1840 году. В Германии
выпускалась и керамическая миниатюрная мебель. К 19
веку ее производили фирмы К. Б. Каспер и Эн-
гер Сон, а также мейсенская фабрика в
традиционном стиле "луковичного узора".
Британия. Обстановка в старинных
британских детских и кабинетных домиках прекрасного
качества; большей частью она, особенно
серебряные предметы, экспортировалась из
Нидерландов. В 1790 году Томас Жак изготавливал
миниатюрную мебель из твердого дерева и тунбридж-
ские изделия (предметы с цветной деревянной
инкрустацией). В 19 веке в больших количествах
выпускалась миниатюрная мебель из бронзы,
олова и сплава олова со свинцом.
В 1920-е годы Лайнз Бразерс выпустили в
продажу кукольную "мебель по эпохам",
предлагая гарнитуры в стилях Тюдоров, королевы Анны,
Регентства и Викторианском.
Соединенные Штаты. Примерно с 1781 года
Р. Бойль выпускал миниатюрную мебель из
сплава олова со свинцом. В 19 веке среди
производителей уже были такие компании по производству
игрушек, как Филадельфийская, основанная в 1858
году; Эллис Бриттон, выпускавший литые из
железа миниатюрные предметы; Тауэрская Гильдия,
делавшая деревянную мебель; Р. Блис, который
использовал литографию для украшения. Среди
производителей 20 века стоит упомянуть Дауст
Бразерс, выпускавшие серии "Тутси Той"; Пер-
лейнс и Верной, делавшие "Тайни Той".

ИГРУШКИ
ИгруШЕЧНЫЕ МЕДВЕЖАТА ПОЛуЧИЛИ ПРИЗНАНИЕ ВО ВСЕМ МИрЕ. По
их примЕру появился целый ряд других мягких игрушЕк,
КАЖДЫЙ ВИД КОТОРЫХ СТРЕМИЛСЯ ЗАВОЕВАТЬ ПОПуЛЯрНОСТЬ.
ИГРУШЕЧНЫЕ МЕДВЕЖАТА И МЯГКИЕ ИГРУШКИ
Коммерческий выпуск мягких игрушек
начался в конце 19 века. Однако медвежата - самые
популярные из них - стали делаться лишь в
начале нашего столетия. До сих пор нельзя установить
с определенностью, кто же первым изготовил
игрушечного медвежонка. В США мультфильм
Клиффорда Берримана о Теодоре (Тедди) Рузвельте,
отказавшемся застрелить медведя во время охоты,
вдохновил Морриса Митчома из Нью-Йорка
сделать первого американского медвежонка примерно
в 1902 году. В Германии в это же время Маргарет
Штейф также выпустила медвежонка в виде
мягкой игрушки.
Разные производители создавали каждый свой
вариант медвежат, но все равно определение
места и времени изготовления медвежат обычно
крайне затруднительно.
НЕМЕЦКИЕ МЕДВЕЖАТА
До появления традиционных медвежат
немецкая фирма Маргарет Штейф уже выпускала
джутовых медведей на колесиках и "танцующих"
медведей (неподвижных, стоящих на задних лапах, с
передними, прикрепленными к перекладине за
головой). Ричард Штейф, сын Маргарет, изготовил
чертежи для первых медвежат. У ранних
экземпляров была треугольная голова, широко
расставленные круглые уши, глаза-пуговицы,
выделяющийся пришитый нос, рот и "когти", шарнирные
соединения, длинные передние лапы и
конусообразные задние с продолговатыми плоскими ступнями.
Внутри мохеровой плюшевой оболочки были
опилки и зачастую издающий рычание механизм.
С 1904 года каждый медвежонок Штейфов
имел в левом ухе металлическую пластинку, вид,
размер и цвет которой менялся с течением
времени. Самые ранние были маленькими, делались
из сплава свинца и олова и не имели
обозначений. Позже на них стали писать название фирмы
заглавными латинскими буквами. Затем буквы
выводились особым шрифтом на хромовых
пластинках, потом на бронзовых, потом, перед
Второй мировой войной, на серых. Однако в целях
экономии оставшиеся пластинки иногда
использовались позднейшими производителями. Это
сильно затрудняет датировку современному
коллекционеру.
Под пластинкой Штейфов находился ярлык. Его
цвет менялся от белого до 1926 года до красного
(1926 - 1934), желтого (1934 - 1950),
бело-желтого или черно-белого ( с 1950). На ярлыке
закодирован размер, поза, материал и другая информация
о медвежонке. Хотя медвежата Штейфов в
основном имели оттенки золотистого и бежевого цветов,
иногда встречаются экземпляры из черного,
белого, светло-коричневого, абрикосового, красного,
розового, серебряного, дымчато-серого,
темно-коричневого и двухцветного материала. Сам мохер мог
быть длинноворсовым, курчавым или коротким
плюшем. С 1920 года наряду с пуговичными
выпускаются и стеклянные глаза.
Медвежата фирмы Штейф считаются
наилучшими, и производство существует до сих пор.
Медвежат изготавливали также и Гебрудер Бинг
(1865 - 1932) из Нюрнберга. Наибольшей
популярностью пользуются модели, способные лазить,
ходить или кувыркаться.
Медвежата делались из белого, темно-золотис-
МЕДВЕЖОНОК
Штейф
Черный мохеровый плюш
и пуговичные глаза. 1912 г.
Черный был одним из наиболее
редких цветов,
использовавшихся германской фирмой.
Экземпляры этого типа с пуговичными
глазами на кружках из красного
фетра имеют номер только 494.
566

ИГРУШЕЧНЫЕ МЕДВЕЖАТА И МЯГКИЕ ИГРУШКИ
того или коричневого мохера, имели шарнирные
соединения и были набиты стружками. Они
снабжались металлическим ярлыком с буквами GBN
до 1919 года и BW (Bing Werke) после этой даты.
Замочная скважина в механических медвежатах
маркировалась аналогичным образом.
Гебрудер Герман KG с 1907 года до
сегодняшнего дня выпускали медвежат, которые были
похожи на продукцию как Штейфов, так и Бингов.
Ранние экземпляры золотистого, коричневого,
бежевого оттенка или двухцветные встречаются редко.
Шрейер и Ко. (1912 - 1936) из Нюрнберга
ввели несколько интересных новшеств - подставки
для помады, коробочки для пудры и флаконы для
духов в форме медвежат. Такие изделия с
ярлыком Шуко выпускались разных цветов, включая
сиреневый, алый и золотой. Фирма выпускала
также механические модели, включая медвежат "Да/
Нет" в 1920 году, ходящих и кувыркающихся
медведей. Наиболее редкими являются "Катающиеся
медведи" и одетые в форму служащих гостиниц.
На ключиках к ним стоит марка "Шуко".
БРИТАНСКИЕ И АМЕРИКАНСКИЕ
МЕДВЕДИ
Британские медведи недавно получили
заслуженное признание. Чед Велли, фирма, основанная
в 1823 году, выпускала игрушечных медвежат 13
размеров и б разновидностей с 1920 года.
Наиболее редкими являются модели ярких цветов. На
ранних экземплярах присутствует жестяная
пластинка с надписью "Chad Velley Hygienic Toys",
укрепленная на туловище, и шерстяной ярлык с
черной (позже красной) надписью "Hygienic Toys
Made In England By Chad Valley Co. Ltd",
пришитый к ступне. На медведях после 1938 года ставил-
Чед Велли
Гебрудер Бинг
Штейф, фирма
Идеал Той
и Новелти Ко
Гебрудер Герман
KG
Шуко (Шрейер
и Ко)
Меррисот
Чилтерн Тойэ
Фарнел, Дж. К.
ПРОИЗВОДИТЕЛИ МЕДВЕЖАТ И МЯГКОЙ ИГРУШКИ
с 1823 г.
1865 - 1923
с конца 19 в.
с 1903 г.
с 1907 г.
1912-1936
прим. с 1930 г.
прим. с 1930-х г.
20 в.
Бирмингем
Нюрнберг
Гинген-ам-Бренц
Нью Йорк
Соннеберг
Нюрнберг
Айронбридж
Медвежата 13 размеров и 6 разновидностей. Королевская Гарантия
примерно с 1823 г.
Редкие механические и стандартные медвежата.
Прекрасные плюшевые мишки. Механические и миниатюрные
разновидности.
Медведи без маркировки. Ранние изделия можно спутать с продукцией
Штейф.
Медвежата, зачастую из двойного плюша.
Механические, миниатюрные и Да/Нет медвежата.
Медвежата.
Медвежата с вельветовыми ступнями.
Медвежата.
ся знак Королевской Гарантии, и современные
экземпляры маркируются надписью "By appointment
Toy makers to HM Queen Elizabeth the Queen
Mother".
Игрушки Меррисота включали в себя
разнообразных симпатичных медвежат с 1930 года до
наших дней. Ранние делались из мохерового плюша,
с шарнирными соединениями и стеклянными
глазами. К одному из ушей крепилась металлическая
пластинка с надписью "Hygienic Merrythought Toys
МЕДВЕЖОНОК
Германия
Курчавый мохеровый плюш.
1920.
Идентификация медвежат может
быть затруднительно, если на них
нет ярлыков и происхождение
многих из них установить не
удается. Этот медвежонок имеет
довольно необычный рыжий цвет.
567

ИГРУШКИ
Made In England"c изображением вилочки
(грудной кости птицы). (Именно это означает
по-английски слово "Merrythought". - Прим. пер.)
Изделия после 1950 года имеют марку
"Merrythought, Ironbridge, Shrops. Made In England".
Первые медвежата фирмы "Детские Книжки в
Коленкоровых Обложках" - Динз Per Букс -
пользуются большой популярностью у
коллекционеров. Основанная в 1903 году компания
выпускала золотистых плюшевых мишек, набитых ватой
или опилками. К ступням пришивался ярлык.
Компания Чилтерн Тойз также выпускала прекрасных
мишек в 1930-е годы. У них стеклянные глаза,
круглая, уплощенная голова и нос.
В Соединенных Штатах среди производителей
мягкой игрушки выделялась нью-йоркская
компания Идеал Той и Новелти, основанная в 1903 году.
Первые изделия из мохера не имели маркировки,
но их можно отличить по большим круглым ушам
и шарнирным соединениям.
ГЕРМАНСКИЕ И ИТАЛЬЯНСКИЕ
МЯГКИЕ ИГРУШКИ
В Германии фирма Штейф начала
производство мягких игрушек из фетра в 1893 году. Также
выпускались разнообразные модели из других
материалов. Шрейер тоже изготавливал разные
мягкие игрушки, представляющие интерес для
коллекционеров. Самыми ранними были заводные
игрушки - собачки, обезьяны, кролики и, в 1935
году, Микки Маус. На каждой игрушке имеется
ярлычок со знаком Шуко.
Гебругер Бинг выпускали игрушки из плюша,
вельвета и фетра. С 1920 года изготавливались
разнообразные тряпичные куклы с рисованными
лицами. Среди прочих известных германских
производителей мягкой игрушки можно назвать
основанные в 1900 году две фирмы - Линдлер и Сыновья и
Баттон и Лоунинг. Последняя выпускала Струввел-
питера (Лохматого Питера), персонажа детских
сказок, с копной ярко-рыжих волос.
ФОРМЫ МИШЕК
Первоначальная форма мишек
претерпела существенные изменения с
1903 года, и, наверное, можно сказать,
что для каждого десятилетия характерна
своя особая форма. Первые медвежата
отличались в основном длинными лапами,
выразительным носом, заметным горбом
на спине и маленькими, широко
расставленными ушами. К 1920-м годам
лапы, особенно передние, стали гораздо
короче. Туловище в основном сохранило
прежние пропорции. Ступни
уменьшились, хотя фирма Штейф
продолжала делать их удлиненными.
К 1930-м годам появились мишки с
более округлой головой и с менее
выдающимся носом, большими ушами,
которые были не так широко
расставлены, как у предыдущих моделей.
В 1940-е и 1950-е годы появились более
округлые и не так похожие на настоящих
медведи. Лапы упростились, голова стала
непропорционально большой по
отношению к телу, нос уменьшился.
Контур лап еще менее стал
конусообразным, горб на спине исчез
практически на всех моделях.
1900-е
1930-е
После 1945
568

ИГРУШЕЧНЫЕ
ЕДВЕЖАТА И
ЯГКИЕ ИГРУШКИ
Итальянская фирма Ленчи, основанная в 1920
году, выпускала фетровых кукол в национальных
платьях, пьеро, арлекинов, длинноногих дам и
другие модели. Маркировка делалась на ступне,
и еще имелся ярлык или пластинка на
туловище. Существует большое количество копий этих
кукол.
АМЕРИКАНСКИЕ И БРИТАНСКИЕ
МЯГКИЕ ИГРУШКИ
В Соединенных Штатах фирма Арт Фабрик
Миллз (1899 - 1910) выпускала особенных кукол:
Топси-Турви и Бастер Браун в 1904 году; Дядю
Билли и Новобрачных в 1907 году; разнообразных
животных (мягкую игрушку) с 1908 года. На всех
ставилась маркировка "Art Fabric Mills".
Фабрика Арнольд Принт (1876 - 1919),
выпускала тряпичных кукол с литографическими
чертами лица и другие мягкие игрушки с 1892 года.
Примерно в этом же году производились наборы
Брауни (домовых), 12 фигур, напечатанных на ярде
материи. Полные наборы редки. Эти игрушки
маркированы надписью "Arnold Print Works, North
Adams, Massachusets".
Среди других американских производителей
мягкой игрушки были: Идеал Той и Новелти Ко.;
Альберт Брукнер (осн. в 1901), который выпускал
куклу Топси-Турви; Миссис Бичер, которая
изготавливала Миссионерских Тряпичных Малышек из
ДВА МИШКИ
Штвйф, Германия
Мохеровый плюш.
Ок. 1010 г.
Медвежата из золотого плюша
фирмы Штейф имеют высокую
стоимость лишь в том случае, если
они в хорошем состоянии и
являются ранними моделями.
Золотистые и бежевые мишки
встречаются наиболее часто.
шелковой трикотажной ткани с 1893 по 1910 год;
Колумбийские Куклы (осн. 1891), выпускавшие
тряпичных кукол с маркировкой "Columbian Dolls
Emma E. Adams, Oswego Center, New York" до
1900 года.
В Британии разнообразные мягкие игрушки
выпускались фирмой Чед Велли. Среди моделей были
Пингвин Бобби, Гротескный Кот; с конца 1920-х
годов Питер Пен, куклы Бамбина, куклы Мабель
Люси Аттвелл, Бонзо, Кролик Бастер и Негры.
Очень мало игрушек Чед Велли датированы ранее
1920 года. До 1936 года Динз Per Букс выпускала
цветные тряпичные куклы, которые пользуются
огромным спросом у коллекционеров. Среди них
Мистер Пак, куклы-уродцы и персонажи "Алисы в
стране чудес". С 1912 года выпускались
перчаточные куклы и погремушки в виде Полишинеля
(Панча). В 1930 появились клоуны, Пляшущие Негры
и Дикки Блоб, эльф из чернильницы. Очень
ценятся коллекционерами куклы Мики и Минни Маус,
выпускавшиеся в 1933 году.
С 1930 года Меррисот Тойз выпускали
большое разнообразие мягких игрушек. Наиболее
часто коллекционируют "персонажных" кукол в
костюмах из фетра, которые имеют матерчатый или
бумажный ярлык. Кукла-уродец Меррисота,
изображающая персонажа детских сказок Флоренса
Аптона, была одной из наиболее популярных
игрушек.
569

ИГРУШКИ
Лошадки-качалки, игрушечные экипажи, ковчеги Ноя -
пожалуй, эти игрушки вызывают самое сильное чувство
ноалльгии. Они напоминают об уютных детских
И О ТОМ ВОЗРАСТЕ, КОГДА ВСЕ КАЗАЛОСЬ ПрОСТЫМ.
РЕЗНЫЕ ДЕРЕВЯННЫЕ И МЕХАНИЧЕСКИЕ ИГРУШКИ
Некоторые из ранних сохранившихся игрушек
сделаны из дерева. Со средних веков
лидером их изготовления была Германия.
Производство было сосредоточено в Нюрнберге, Сонне-
берге и их окрестностях.
ЛОШАДКИ-КАЧАЛКИ, ПАЛОЧКИ
С ЛОШАДИНОЙ ГОЛОВОЙ,
ЛОШАДКИ-ВЕЛОСИПЕДЫ
Лошадка-качалка, вырезанная из дерева
скачущая лошадь, установленная на два изогнутых
полоза, появилась в 1650-е годы. В
девятнадцатом веке она стала очень популярна, благодаря
превосходным экземплярам, которые
изготавливали В. Грейфер в Германии и Эрст Швейцерих
Спиелваренфабрик в Швейцарии.
Популярная с 16 века лошадиная голова на
палочке, к которой крепилось два колесика,
также вырезалась из дерева. К перечисленным
типам не относятся некоторые деревянные
лошадки, сделанные после 1870-х годов и
установленные на деревянные козлы и безопасные
"коньки", на которых игрушка лишь слегка
подрагивает, а не качается. Сохранилось много серых в
яблоках лошадок, изготовленных после
примерно 1900-х годов. Среди них "Бронко" четырех
размеров, выпушенных в 1913 году фирмой Га-
маджес в Лондоне.
ДЕРЕВЯННАЯ
ЛОШАДКА НА КОЛЕСАХ
Германия
Резное раскрашенное
дерево. Конец 19 в.
Небольшие железные колеса
типичны для немецких изделий того
периода. Лошадка сделана на
совесть, однако ей нужны новая
сбруя, грива и хвост.
Многочисленные реставрационные
работы снизят ее ценность для
коллекционеров.
Лошадки-велосипеды, ставшие популярными
в середине 19 века, представляли собой
вырезанную из дерева лошадь, установленную на три
колеса. Спереди делалась двойная ручка, низ
иногда украшался металлом. Ранние
экземпляры отличаются стройным телом и деревянными
колесами. Известно, что патент на них был
выдан Дункли в Лондоне около 1880 года.
Коллекционеру следует быть внимательным, так как
существует большое число современных копий.
Британские и американские
производители. Примерно с 1895 года в Британии Г. и Дж.
Лайнз выпускали лошадок-качалок с эмблемой
чертополоха. Модели, изготовленные до 1919 года,
имеют маркировку "G. and J. Lines", а после 1919 -
"Triang". Стар Мэньюфэкчаринг Ко выпускала
лошадок-качалок после 1900 года, а с 1919 года стала
изготавливать лошадиные головы на палочке.

РЕЗНЫЕ ДЕРЕВЯННЫЕ И МЕХАНИЧЕСКИЕ ИГРУШКИ
Чед Велли
Блис, Р.
Конверс, Мортои Е.
Эрст Швейцерих
Спилваренфабрик
Лайнз, Дж. и Г.
Линдлер, Луи.
ГЛАВНЫЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ ДЕРЕВЯННЫХ ИГРУШЕК.
с 1823 г.
ок. 1832 г.
ок. 1878 г.
конец 19-го и
20 в.
ок.1895 —
ок. 1900 г.
Бирмингем
Род-Айленд
Массачусетс
Швейцария
Лондон
Германия
Ноевы ковчеги.
Игрушечные конюшни.
Лошадки-качалки, целиком деревянные или обтянутые кожей.
Лошадки-качалки.
Лошадки-качалки с маркировкой "Чертополох".
Лошадки-качалки.
ливались на деревянную платформу, оклеенную
литографиями.
Примерно в 1903 году в США Шунхат начал
выпуск деревянных фигурок Цирка Шалтая
Болтая; в наборах до 1913 года было по 26 фигурок,
а впоследствии их число достигло 33.
НОЕВЫ КОВЧЕГИ
Первые Ноевы ковчеги выпускались в
Германии в Ерцебирге, Обераммергау, Соннеберге и
Берхтесгадене. Самые первые из них
устанавливались на корпус лодки, более поздние имели
плоское основание. Ковчеги делались самых разных
размеров и часто раскрашивались. Основной
формой был прямоугольник с открывающийся
крышей или с откидывающейся стенкой. Примерно с
1900 года литографическим способом стали
раскрашивать не только ковчеги, но и животных.
С начала века ковчеги в Британии
изготавливал Чед Велли.
571
В 19 веке в США Б. Крендел выпускал
покрытых кожей лошадок-качалок и деревянных
лошадок на колесах без покрытия; Мортон Е. Конверс
производил лошадок-качалок тоже двух типов.
Среди других американских изготовителей
выделялись А. Кристиан из Нью-Йорка и Е. В. Бушнел.
ИГРУШКИ НА КОЛЕСИКАХ
Начиная с 18 века выпускались
разнообразные игрушки на колесиках. Они делались как из
дерева, так и из папье-маше. Лучшие
выпускались в Германии, где центр производства был
сосредоточен в Тюрингии. Колесные игрушки
были разных типов - лошадки, повозки и
экипажи, лодки, поезда и животные. Некоторые из
последних, такие, как французские бульдоги из
папье-маше периода 1870-х годов, делались с
мембраной. Она издавала звук, когда игрушку
тянули на веревочке. В 19 веке были очень
популярны клоуны с головой из бисквита. Они устанав-
КОВЧЕГ НОЯ
Эрцвбирг, Германия
Раскрашенное дерево.
1850
Такие ковчеги пользуются
большой популярностью, и этот
экземпляр имеет все характерные
особенности немецкой работы. На
крыше ковчега нарисован голубь,
но может встречаться и
отдельно вырезанная птица. Сотни
экзотических животных были
вырезаны из сечений чурбачков.

ИГРУШКИ
В 1 8 ВЕКЕ ДЛЯ ИЗГОТОВЛЕНИЯ ИГруШЕК — ТОЧНЕЕ, НАСТОЛЬНЫХ
ИГр - ВПЕРВЫЕ СТАЛ ПРИМЕНЯТЬСЯ ПЕЧАТНЫЙ СТАНОК. Из ПЕрВЫХ
скромных попыток выросло рлзнообрАзиЕ ярких, недорогих
комнатных игр.
ИГРЫ, ГОЛОВОЛОМКИ И КНИЖНЫЕ НОВИНКИ
Печатные настольные игры появились в 18
веке как побочный продукт издательской
деятельности. Самые первые делались только из
бумаги; позже их стали наклеивать на
матерчатую основу и, в конце концов, на картон для
большей прочности. На играх часто ставился знак
изготовителя и дата. К концу 19 века делались
игры в основном с нравоучительным сюжетом и
часто на социальные, географические и
политические темы. Маркировка ставилась на очень
немногих, так что установление даты и места их
изготовления более затруднительно.
Британские производители: Джон Харрис,
примерно с 1802 года производство перешло в
собственность £. Ньюбари; Вильям Спунер,
выпускавший литографические игры примерно с
1831 года; Дж. Валлис, начавший производство
игр на основе карт примерно с 1794 года; Дж.
Бете, производство которого перешло к А. Н.
Майерс примерно в 1875 году.
В Соединенных Штатах хорошо известные
Паркер Бразерс, производство которых
существует до сих пор, начали выпускать настольные игры
с 1883 года. В. и Б. Айвз изготавливали игры
примерно с 1843 года; Селчау и Рихтер
примерно с 1864 года.
В середине 19 века начался выпуск
развивающих игральных карт для детей. К 1870 году их
сменили развлекательные карты. Одним из
лидеров в этой области был С. В. Фолкнер и Сын,
ок. 1890- 1900.
КУКОЛЬНЫЕ ТЕАТРЫ
Первые кукольные театры появились в
начале 19 века. Раньше всех, насколько известно, их
выпуском занялся Й. Ф. Шрайбер из Эсслингена
в 1800 году. Нюрнбергский торговец игрушками
Г. X. Бестельмейер (1793 - 1825), продавал
театры теней и театры с перчаточными куклами.
Несколько позже в этом же веке Пеллерин
выпускал кукольные театры во Франции под
названиями L'Opera и Theatre Francais.
Примерно до 1810 года в Британии не было
кукольных театров. Наверное, первым их
изготовителем стал Вильям Вест (1783 - 1854).
Около 1811 года он выпустил 12 наборов
персонажей вместе с реквизитом, которые продавались
за "один пенни - черно-белые, два пенни -
цветные". Примерно в 1812 году Дж. К. Грин тоже
выпустил кукольных персонажей и сцену. С
1830-х годов кукольные театры переживали
период упадка, но к концу века их производство
ненадолго оживилось. Бенджамин Поллок
(фирма работает до сих пор) в 1876 году завладел
предприятием Джона Редингтона, основанным
около 1850 года. Еще надо назвать В. Уэбба (осн.
в 1847) и Мартина Скелта (1835).
С последней четверти 19 века в США
кукольные театры изготавливали Скотт и Ко., Дж. X.
Сингер.
В начале 18 века британский картограф Дж.
Спилбери изобрел составную
картинку-головоломку (предшественник современных). Эта
картинка, разрезанная на квадратики с
фрагментами, была сделана на религиозную,
географическую или этическую тему. Однако впоследствии
они стали выпускаться литографическим
способом, главным образом на развлекательные или
исторические сюжеты. Производители составных
головоломок выпускали также деревянные
кубики с фрагментами разных картинок на каждой
КУКОЛЬНЫЙ ТЕАТР
Германия
Бумага
с хромолитографическим
рисунком на дереве.
1850 - 1860.
Кукольные театры - прекрасный
объект для коллекционирования
и интересное добавление к
большинству интерьеров.
Наибольшую ценность представляют
выпушенные в 19 в. или раньше.
Конечно, качество бумаги
играет решающую роль.

ИГРЫ
Гаррис, Джон
Никербокер Ко
Айвз, В. и С. Б.
Бредли, Мильтон
Пикок, Вильям
Так, Рафаэль
и Сыновья
Ньюбери, Е*
Паркер Бразерс
, головоломки
И КНИЖНЫЕ НОВИНКИ
ГЛАВНЫЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ ИГР, ГОЛОВОЛОМОК
и книжных новинок
Ок. 1746 -
Ок. 1850
Ок. 1843
С 1860
Ок. 1850
Ок. 1870
Осн. 1883
1856
Лондон
Нью-Йорк
Массачусетс
Массачусетс
Лондон
Лондон
Лондон
Массачусетс
Настольные игры, составные головоломки плоские и из кубиков.
Составные головоломки, плоские и кубики.
Настольные игры.
Настольные игры; составные головоломки, плоские и из кубиков.
Составные головоломки, плоские и из кубиков.
Составные головоломки, плоские и из кубиков.
Настольные игры. Составные головоломки, плоские и из кубиков.
Настольные игры.
грани. Наверное, они сначала появились в
Германии около 1800 года. Начиная примерно с 1850
года картинки на кубиках делались
литографическим способом.
Американские производители головоломок, как
плоских, так и на кубиках: Мильтон Бредли, осн.
в 1860 г. (позднее в этом веке фирма перешла к
Мак-Лохлин Бразерс); С. Л. Хилл, примерно с
1858 года; Никербокер Ко., примерно с 1850 года.
Британские фирмы: Дж. Валлис, примерно с 1775
года; В. Пикок, примерно с 1850 года; Рафаэль
Тук и Сыновья, с 1870 года до нашего времени.
Новинки того времени - книги-раскладушки для
детей - пользуются большим спросом среди
коллекционеров. Самые первые экземпляры были
изданы лондонской фирмой Сейер. По этой модели
намного позже С. и Дж. Фуллер в 1860 году издали в
Лондоне "Историю малышки Фанни". Среди более
поздних издателей была фирма Дин и Сыновья.
В конце 19 века в Германии Дж. Ф. Шрайбер
издавал книги с "полосками" - книжки с
картинками, персонажи которых "оживлялись",
двигаясь с помощью прикрепленных к ним полосок,
I «■ли»
\
ХтЛ ТаЬв?
«Г ШЛ bw «44 I
ЛшЛ *r orb*. -Ok Ami щ*. 1 ««
"Arm Л tkr <т» )*•*! ы *»
1
Ое
tV"» i ТЫ* «? А* «Ып j» «j»t— *mi *• Р*»\
W* ami «**>«
ЛИТОГРАФИЧЕСКАЯ
НАСТОЛЬНАЯ ИГРА
Англия
Ок. 1900 г. (Вверху)
КНИГА С "ПОЛОСКАМИ"
Англия
Конец 19 в. (Слева)
вставлявшихся в страницы. Нистер выпускал
книжки-раскладушки и книжки в форме кота,
домика и др.; они представляют большой интерес
для коллекционеров. Также очень ценятся
немецкие "говорящие картинки" и "музыкальные"
книжки, в которые устанавливались механизмы,
подражавшие голосам животных или игравшие
мелодии, когда тянули за струну.
573

ИГРУШКИ
ЯрКИЕ И ЗАЧАСТУЮ у МЕЛО СМОДЕЛИрО ВАННЫЕ ИГруШЕЧНЫЕ
СОЛДАТИКИ МОГуТ ПробуДИТЬ ВОСПОМИНАНИЯ О ДЕТСТВЕ
И НАПОМНЯТ О бЛЕСКЕ ВОЕННОГО ПАрАДА.
СОЛДАТИКИ
Для коллекционеров солдатиков старина
означает 18 век, хотя раскрашенные
деревянные фигурки воинов находили еще в
египетских захоронениях, в 2300 годах до н.э.
Возможно, их предназначением была защита
покойника. Теперь их можно увидеть лишь в музеях.
Известно также, что Жорж Кассель и
серебряных дел мастер Мерлин из Ненси и Парижа
сделали для Людовика XIV французского
миниатюрную армию из серебра. Этот набор до нас
не дошел, но даже, объявись он сейчас, то
скорее какой-нибудь музей украсил бы им зал с
выставкой серебряных изделий того времени,
чем коллекционер солдатиков включил бы их в
свою коллекцию. Лишь в относительно
недавнее время игрушечные солдатики - особенно
выпушенные с коммерческой целью,
составляющие основную массу материала для
коллекций, - стали производиться в больших
количествах. Четко различаются несколько типов
солдатиков. Плоские (флетс, цинфигурен) -
термин, обозначающий "маленьких оловянных
солдатиков". Они действительно плоские, сделан-
ФРИДРИХ ВЕЛИКИЙ
Вероятно, Алоиз Очел
из Кивля, Германия, по работе
Готфрида Гильберта из
Нюрнберга
Начало 20 в.
Завоеватель 'Старый Фриц'
сидит на прекрасном сером
скакуне, раскрашенном несколькими
художниками в конце 18 в. Позу
успешно скопировал Гильберт,
'отец оловянных солдатиков'.
Формы нескольких размеров
плоские, обозначенные фактически
лишь в двух измерениях. Фигурка
стала моделью для многих
последующих немецких изготовителей
плоских солдатиков. Размер
данного экземпляра 30 мм -
стандартный нюрнбергский масштаб,
популяризованный Эрнстом Хай-
нрихсеном в середине 19 в.
Победы Фридриха Великого
стимулировали коммерческое
производство оловянных солдатиков
сильнее, чем другие
исторические события второй половины
18 в.; его фигурку можно найти
во многое небольшие наборах для
отдельных сражений.
ные лишь в двух измерениях. Появились в
качестве побочного продукта оловянно-свинцовой
промышленности в Южной Германии
("оловянные" солдатики в действительности сделаны из
сплава олова с цинком). Они по сей день в
больших количествах выпускаются
специализированными фирмами, ориентированными на
коллекционеров. Солиды - круглые, из сплавов
свинца, производившиеся в Германии и Франции,
были наиболее популярны с середины 19 века
до 1930-х годов. Более легкие, сделанные
способом пустотелой отливки модели первой
английской фабрикой игрушечных солдатиков
Вильяма Бритэна, занимали лидирующее
положение на рынке солдатиков с 1893 до начала 1960-
х годов. Замечательны "оживленные" фигурки,
сделанные из композита (похожего на замазку
материала) в Германии между 1904 годом и
Второй мировой войной. Они маркировались "Е-
lastolin" и "Lined" и продавались в комплектах
с моделями военной техники.
Интересными являются подразделения
плоских солдатиков Франции и Австрии; солиды из
Дании и Швеции; английские подражания и
копии Вильяма Бритэна; бельгийские и
голландские попытки создать собственные варианты.
АМЕРИКАНСКИЙ РАЗМАХ
Американские коллекционеры в заметной
степени лишились домашнего источника
оловянных солдатиков, если не считать ряда тяжелых
литых, выпушенных в первой половине этого
века. Несмотря на всю небрежность дизайна,
они тем не менее не лишены очарования
"магазина игрушек". Поскольку они находятся в
самом низу шкалы стоимостей этого
специфичного рынка, то называются дешевыми. Однако
редкость заявляет свои права даже в этой области,
и специализирующиеся на таких солдатиках
коллекционеры заплатят большие деньги за
единичную фигурку 1930-х или 40-х годов.
Лидирующие европейские фирмы активно стремились на
молодой американский рынок начиная с конца
19 века.
Корни современного всплеска интереса к
коллекционированию солдатиков можно найти в
середине 1960-х годов. В то время здоровье и ог-
574

СОЛДАТИКИ
раничения, накладываемые рынком, в конце
концов исключили свинцовых солдатиков из
индустрии игрушек, которая переключилась на
использование пластмасс и литья металлов под
давлением. В результате солдатики из простого
свинца, вытесненного теперь из производства,
сейчас ценятся на вес золота.
ОЛОВЯННЫЕ
СОЛДАТИКИ
Иоганн Готфрид Гильберт (1732 - 1801),
мастер сплавов олова со свинцом, почитается
"отцом оловянных солдатиков". Он родился в
Кобурге, в Центральной Германии. Четыре года
он обучался там основному ремеслу -
изготовлению кухонной посуды под руководством
своего "отца" в кузнечном деле - мастера Андреа-
са. В 1750 году он переехал примерно на 60
миль южнее, в Нюрнберг, где завершил свою
учебу и стал самостоятельным жестянщиком.
1760 год для Европы был четвертым годом
Семилетней войны. Однако в окрестностях
Нюрнберга, соседствующего с Фертом и Аугс-
бургом в 80 милях к югу, оловянные шахты
процветали, несмотря на войну. Жестянщики,
материал которым они поставляли, были
озабочены изготовлением новых изделий для лучшего
сбыта продукции. Раскрылись коммерческие
возможности плоских оловянных фигурок,
которые они традиционно делали для забавы
своим детишкам из отходов, остававшихся после
выплавки посуды. И эти возможности первым
заметил Гильберт.
Однако в первое время его изделия были
посвящены мирной тематике: театру, сельскому
хозяйству, охоте и науке. Люди и животные
вырезались на сланцевых формах по современным
тогда рисункам. К быстро развивающемуся делу
Гильберта присоединились его младший брат и
сын. Вдохновленный победами прусских
легионов Фридриха Великого, Гильберт начал выпуск
одной из наиболее успешных своих серий - 40
типов воинов Фридриха и подразделения его
врагов: французских, русских и турецких солдат.
ИЗГОТОВИТЕЛИ СОЛДАТИКОВ
Генрихсен, Эрнст Ок. 1839 - 1888
Нюрнберг
Плоские солдатики. Популяризировал 30-мм фигурки, размер
которых стал называться "нюрнбергский масштаб". (Наследники
продолжали производство в первой половине 20 века.)
Люкотт
Ок 1830-х гг.
Париж
Объемные фигурки высочайшего качества. В 1838 году
производство перешло к Куперли, Блондель и Гербо. Солдатики
выпускались под маркой Mignot: последний продолжал работу до
нашего времени.
Хейд, Джордж,
фирма
Очел, Алоиз
Ок. 1870-1945
Дрезден
"Солидные" фигурки разных размеров и поз. Фабрика и архив
уничтожены бомбардировкой во время войны.
Бритэн, фирма
Джохилко (Джон
Хилл и Ко.)
Эластолин
Линеол
Фирмы Манойла
и Барклая
Прим. с 1893
Первая половина
20 в.
Первая половина
20 в.
Первая половина
20 в.
Первая половина
20 в.
Лондон
Лондон
Южная Германия .
Берлин
Нью-Йорк. Нью-Джерси
Механические игрушки с 1840-х годов, затем фигурки солдатиков
методом пустотелой отливки с 1893 года. Фирма обязана успехом
Вильяму Бритэну-младшему (1860 - 1933).
Успешное применение пустотелой отливки.
Большие фигурки из композита.
Большие фигурки из композита.
Главные американские изготовители "дешевых" солдатиков.
Ок. 1920-х-
1930 гг.
Киль
Самый крупный в мире производитель плоских солдатиков.
Прекрасные изделия в 1920 - 1930 годы.
Гильберт, Иоганн
Готфрид
Ок. 1770 - 1801
Нюрнберг
Отец оловянных солдатиков. Плоские солдатики. Формы
унаследованы сначала Сталем из Нюрнберга, затем Херингом из
Ферта в 19-м - начале 20 века. Продукция последователей
уступает мастеру в качестве.

Эти фигурки делались в масштабе от 50 до 60
мм. (Масштаб оловянных солдатиков всегда
определяется по высоте в миллиметрах пешей
фигурки без головного убора.) Одно
выдающееся произведение Гильберта высотой 150 мм -
наверное, специальный заказ примерно в 1777
году - это плоская фигурка Фридриха верхом
на любимом коне, портрет, который постоянно
копировался другими производителями
солдатиков этого типа.
Гильберт пережил своего брата и сына.
После его смерти в 1801 году предприятие,
включая уникальные формы, было куплено дилером
Иоганном Людвигом Сталем. Он не лучшим
образом использовал торговую марку Гильберта в
последующие 17 лет. В конце концов Сталь
продал предприятие Артуру Херингу, жестянщику
из Ферта. Его фирма выпускала качественные,
но невыразительные фигурки до 20 века,
потеряв где-то формы Гильберта.
До нас дошло немного сделанных
Гильбертом фигурок, однако его пример стимулировал
рост производства плоских солдатиков - не
только в Нюрнберге, но и в Ферте, Аугсбурге,
Саксонии на северо-западе и, еще дальше, в
Ганновере, Брунсвике, Вюрцбурге и Хильдесгейме.
Сохранились многие из выпущенных там фигурок.
ТЕХНОЛОГИИ
И СТАНДАРТИЗАЦИЯ
Формы для оловянных солдатиков
традиционно делались из двух небольших блоков тю-
рингского сланца. Прилегающие поверхности
каждого тщательно полировались, чтобы обе
части можно было бы плотно прижать вместе,
когда в них наливался расплавленный металл.
Резчик, зачастую очень искусный художник,
делал в каждом блоке по половине
изображения солдатика. Когда блоки соединяли вместе,
металл заливался через коническое отверстие
вверху, полностью заполняя форму.
Практически сразу формы разжимались, и лишний металл
удаляли с изделия.
Чистое олово стоит дорого; кроме того, оно
слишком ломкое, чтобы выжить в детских
войнах. Поэтому производители солдатиков
использовали сплав из двух частей свинца и трех час-
а
тей олова с висмутом и сурьмой в качестве
реактивов для управления различными
реакциями. Некоторые изготовители нанимали
искусных художников для росписи своих изделий;
другие отсылали дистрибьюторам свою
продукцию нераскрашенной, в овальных или круглых
коробках со шплинтом. Третьим вариантом было
частичное раскрашивание: у гусара, например,
были покрашены форма, амуниция и открытые
участки тела, а лошадь оставалась серебристой.
Заметными производителями солдатиков в 19
веке были: Лоренц, Шрадин, Готтсчалк, Аммон,
ИГРУШКИ
Альгейер, Швайгер, Хаффнер и многие другие
(некоторые из них развили свое производство
до выпуска полуобъемных и объемных
солдатиков). Идентификация производителя часто
затруднительна из-за сбивающей с толку практики
торговли того времени: коробки часто
маркировались дистрибьютором просто районом их
изготовления или его собственным именем.
Некоторые изготовители ставили свои инициалы, но
они постоянно менялись. Кроме того, их
клейма можно спутать с подписью резчика. Так что
коллекционеру ничего не остается, как
довериться старинным каталогам и положиться на свой
опыт.
Важным лицом в истории плоских
солдатиков является Эрнст Хейнрихсен (1806 - 1888),
который стандартизировал размер игрушечных
армий, что позволило детям смешивать
различные наборы без ущерба для реалистичности.
Этот предприниматель из Нюрнберга,
организовавший производство в 1839 году, добился
значительного успеха, выпуская фигурки размером
30 мм. Пример процветающего бизнесмена и
частичное сотрудничество с ним заставило
производителей во многих областях Германии
привести размер своих солдатиков в соответствие
с его. Во второй половине 19 века он получил
название "нюрнбергский масштаб". Выпуская
солдатиков в основном этого размера, Алоиз
Очель из Киля стал одним из наиболее
известных предпринимателей 20 века и крупнейшим
производителем оловянных фигурок в 1920-е и
30-е годы. Изделия Очеля упаковывались в
картонные коробки с маркировкой Kilia (прекрасно
раскрашенные) и Oki (хуже раскрашенные).
СОЛИДНЫЕ
СОЛДАТИКИ
На производство "солидных" солдатиков
уходило больше металла, чем на выпуск плоских;
толщина некоторых из последних была меньше
1,5 мм. Поэтому с коммерческой точки зрения
было очевидным использование сплавов,
отличных от нюрнбергского с его высоким
содержанием дорогого олова. Необходимыми
качествами обладал сплав свинца и сурьмы, так что
появились свинцовые солдатики.
Некоторые германские изготовители
солдатиков, среди них Аммон, Альгейер, Хаффнер и
Генрихсен, получили в результате
удовлетворительный "гибрид", получивший название
полуобъемной фигуры. Сверху он казался
овальным, имея максимальную толщину 5 мм
(высота была примерно 45 мм). Такие фигурки, еще
в нашем веке выпускавшиеся некоторыми
второстепенными немецкими фабриками, не
отличались реалистичностью. Их не слишком
ценили во Франции и вообще не признавали в
Британии.
576

СОЛДАТИКИ
Французам принадлежит пальма первенства
в создании первого успешного коммерческого
экземпляра объемной "солидной" фигурки. Это
достижение парижской компании Люкотт,
которая начала работать со свинцом, наверное, во
время Французской революции в 1879 году.
В начале 19 века Люкотт перешла в
собственность другой компании, CBG (Куперли,
Блонде ль и Гербо). В свою очередь, та в 1838 году
стала называться Мигнот. Под этим "знаменем"
выпускались лучшие во Франции игрушечные
солдатики. Архивы с точными сведениями о
владельцах и организации производственного
процесса, к несчастью, обрывочны. Однако люкот-
ты и мигноты 19 века (как коллекционеры
называют соответствующих 54-мм солдатиков),
ценятся высоко. Пожалуй, другие солдатики не
сравнятся с ними в стоимости, а наибольшей
популярностью из них пользуются прекрасные
модели наполеоновских армий. В 19 веке
Соединенные Штаты (где память о Лафайете,
французском герое американской войны за
независимость, живет вечно) с одобрением приняли
французских игрушечных солдатиков. Авраам
Линкольн играл в мигнотов со своим сыном
Тедом.
Так же как Люкотты и Мигноты лидировали
по популярности во Франции, компания
Джорджа Хейда доминировала среди немецких
производителей объемных солдатиков. Считается,
что компания Хейда начала работу незадолго
до 1872 года, когда был выпущен ее первый
каталог. Больше ничего определенного не
известно, так как фабрика, архивы, формы и сведения
о Хейде погибли в феврале 1945 года, когда
авиация союзников бомбила Дрезден. В этом
городе делались самые образные в мире
солдатики. Широко экспортируемая продукция Хейда
отличалась пренебрежением к историчности:
британские конные гвардейцы на гнедых, а не
на вороных конях; американские индейцы со
щитами зулусов. Но несмотря на это, ни один
изготовитель не выпускал фигурки в столь разно-
ПАРАДНЫЙ ЭКИПАЖ
НАПОЛЕОНА
Мигнот, Париж
54 мм, полностью
объемные фигурки.
Начало 20 а.
Экипаж являет собой пример
искусно смоделированного
парадного 'реализма' в
пространственной форме. Этот вид
игрушек стал теснить 'плоских' с
середины 1У в.
3-й ПОЛК DES
VOLTIGEURS DE LIQNE
Мигнот, Париж
54 мм, полностью объемная
фигура. Современный
изготовитель.
Знаменосец воплощает славу
эпохи Наполеона, периода,
привлекающего к себе внимание
французских производителей
солдатиков. Эта 'кабинетная'
фигурка, выпущенная в 1970-е гг, была
одной из серии сделанных по
старым формам солдатиков.
Наборы мигнотов-лехотинцев из 12
фигур традиционно включают в
себя офицера, знамена и часто
трубача.
образных позах. Солдатики не только
маршируют, стреляют, атакуют или стоят на страже; они
располагаются на привале с чашками кофе и
бутылками шнапса, сматывают проволоку,
изучают карты, кормят лошадей, драят палубу,
взбираются на вышки и лежат ранеными. Если
солдатик стреляет, то в дуле ружья виден металли-
577

ИГРУШКИ
КИВАЮЩИЕ
ГОЛОВАМИ
ПОРТРЕТНЫЕ ФИГУРКИ
Хвйд. Дрезден
90 мм, полный объем.
Ок. 1914 г.
Три фигурки изображают троих
представителей мировой
политики того времени: короля Георга
V (слева), Кайзера и его сына
'Маленького Вилли'. Фигурки
кивают головами, если постучать
по полу. (В самом верху)
БРИТАНСКАЯ
КАВАЛЕРИЯ
НА ВЕРБЛЮДАХ
Хвйд. Дрезден
65 мм. Начало 20 а.
Это один из наборов,
выпускавшихся лидирующей германской
фабрикой производства
объемных фигурок с видами на
британский рынок. (Вверху)
ческий язычок пламени и дымок - этот фокус
Хейд заимствовал у производителей Цинфигу-
рен.
Были выпущены огромные количества
солдатиков Хейда. Они представляли войска
многих государств и выпускались в самых
разнообразных масштабах от 43 до 120 мм. Для
современного коллекционера они представляют
обширную и богатую область в рамках
специализации на одной фабрике.
ПУСТОТЕЛОЕ ЛИТЬЕ
Ни один тип солдатиков не пользуется
такой популярностью у коллекционеров на
обеих берегах Атлантики, как свинцовые,
объемные модели Вильяма Бритэна из Лондона. Его
фирма была основана примерно в 1845 году и
процветает и по сей день под названием Бри-
тэнз Лимитед. При Вильяме Бритэне Старшем
(1826 - 1906) первая продукция компании
состояла из оригинальных механических игрушек:
шотландец в кильте, подносящий к губам
бутылку виски, или кули, везущий рикшу.
Свинцовые солдатики стали основой
коммерческого успеха компании в последнем десятилетии
19 века благодаря революционному
нововведению - фигуркам, сделанным по способу
пустотелой отливки. Внедрение этого метода
приписывается Вильяму Бритэну Младшему (1860 -
1933), старшему из пяти сыновей основателя
компании, принимавших участие в
производстве.
Вильям Бритэн Младший наливал свой
расплавленный металл (свинец с 12,5 % примесью
сурьмы, которая играла роль придающего
прочность элемента) в формы точно так же, как и
его конкуренты на континенте. Однако в конце
операции он придавал форме быстрое
вращательное движение, выплескивая значительную часть
металла через имевшееся в каждой форме
отверстие (как правило, в области головы).
Оставшийся свинец распределялся по стенкам
формы, оставляя пустоту внутри. Такие
"пустотелые" фигурки принесли семье успех: на их
изготовление уходило значительно меньше
металла, чем тратили французы и немцы на своих
объемных солдатиков; пустотелые отличались
дешевизной и большей легкостью, важной для
перевозок.
Вильям Бритэн начал производство
пустотелых фигурок в 1893 году с конных
лейб-гвардейцев. Это был Набор №1, с которого начался
каталог в тысячи военных и гражданских
типов фигурок, выпущенных за последующие 70
лет, когда фирма стала мировым лидером в
производстве солдатиков.
Коллекционеры насчитывают два "золотых"
периода в производстве компании: годы войны
1914 года, модели которой получили название
"Древние британцы (бритэнз)", и 1930-е годы,
когда особенно выросло разнообразие новых
наборов. В основном солдатики делались в
масштабе 54 мм, хотя есть и несколько исключений -
масштабы 45, 47 и 70 мм. Другие британские
фирмы (среди которых выделяется Джохилко -
Джон Хилл и Ко.) пошли по пути пустотелой
отливки вслед за этой компанией с той или иной
степенью успеха.
Компания Бритэнз постепенно прекратила
производство свинцовых моделей в 1960-е годы.
Однако рынка солдатиков она не покинула -
кроме разнообразных других игрушек в наши
дни выпускаются различные солдатики из
нетоксичных металлов.
КОМПОЗИТ
Коллекционеры солдатиков из композита,
прекрасно смоделированных фигурок, как
правило, масштаба 70 мм, с уважением относятся
к продукции фирм Эластолин и Линеол. Эти два
названия указывают на материал, который
используется в изготовлении фигурок. Солдатики
этого популярного в Германии типа
традиционно делались из опилок и клея, смешанных с
каолином и льняным маслом. В эту похожую на
578

СОЛДАТИКИ
ГОРНАЯ
АРТИЛЛЕРИЙСКАЯ
БАТАРЕЯ НА МУЛАХ
Вильям Бритэн
54 мм, пустотелая отливка.
1930-е гг.
Это один из наиболее удачных
британских наборов. Пушка,
собранная из трех составных
частей, стреляет спичками или
металлическими шариками.
(Вверху).
КОМПОЗИТ И ЖЕСТЬ
Германия
Ок. 1930 -40 гг.
Заводной грузовик с
прожектором и прицел сделаны фирмой
Хауссер. Изготовитель
солдатиков - Эластолин, а взрыва -
Линеоль, конкурирующая фирма.
(Внизу).
ОРКЕСТРАНТ
ВЕРМАХТА
Эластолин
70 мм, композит.
Ок. 1939 г.
Эта фигурка армии Третьего
Рейха - часть набора
музыкантов - несет типичный штандарт
с колокольчиком. Она
иллюстрирует совершенство
моделирования, достигнутое
немецкими производителями того
периода Материалом служило смесь
опилок, клея, каолина и
льняного масла. Гитлер
поддерживал изготовителей таких
игрушек по крайней мере два года
после начала войны. (Справа).
замазку массу вставлялся проволочный каркас,
и изделие слегка нагревалось в бронзовой
форме до затвердевания. После остывания фигурка
раскрашивалась.
Название Эластолин было выбрано за
хорошие качества этого материала фирмой
Хауссер. Ее основали братья Отто и Макс Гауссеры
в Людвигсбурге, неподалеку от Штутгарта, в
Южной Германии в 1904 году.
Фирма возобновила выпуск игрушечных
фигурок в послевоенной Западной Германии.
Период наибольшего успеха фирмы Линеол,
расположенной у Берлина, пришелся на 1930-е
годы. Обе фирмы преуспели в изготовлении
моделей солдат третьего рейха, техники и
артиллерии; а также портретных фигурок
германских и мировых лидеров.
Попытки повторения германского
композита предпринимались в Бельгии, Нидерландах,
Дании, Австрии и Италии.
579

ИГРУШКИ
Жестяные игрушки появились в результате Индустриальной
Революции. Выпускавшиеся в больших количествах, они
стоили недорого. У людей с невысоким доходом появилась
возможность покупать игрушки.
ЖЕСТЯНЫЕ ИГРУШКИ
Секрет привлекательности жестяных игрушек
для коллекционеров в том, что они
отражают многие технические, социальные и
экономические достижения конца 19 и 20 века.
Например, период 1895 - 1914 годов - когда
массовое производство позволило индустрии
жестяных игрушек развиться до высокого уровня -
был также временем революции в транспорте,
и жестяные игрушки отражают это в
миниатюре. Транспортные средства меняются от
экипажей, запряженных лошадьми, до автомобилей,
автобусов, трамваев, первых аэропланов и
далее — до подводных лодок, канонерок,
бронепоездов и танков.
ДО 1918 ГОДА
Примерно до 1880-х годов производство
жестяных игрушек было скорее кустарным. У себя
дома рабочие собирали и завершали изделия по
сдельным расценкам. С распространением
фабричной системы каждая стадия производства,
от прессовки до сборки, раскрашивания и
упаковки, происходила под одной крышей. Это по-
ЭКСПРЕСС-ФУРГОН
Апьтхоф Бергман
Ок. 1800 г.
В этой игрушке воплощены
некоторые лучшие черты
американских игрушек - яркие,
контрастные цвета, трафаретная роспись
и табличка, наивные, но
галопирующие правосторонние
лошади, которые живо напоминают об
американских флюгерах. Среди
жестяных игрушек Айвэа часто
были мальчики с гипсовыми
головами, но обычно они
выпускались на заводных велосипедах.
зволило улучшить качество и контроль за
продукцией.
Для изготовления жестяных игрушек тонкий
лист стали покрывался оловом; этот лист затем
выдавливался и вырезался в желаемых формах.
Затем детали собирались в целое с помощью
пайки или заклепок. Дизайн и конструкция
первых игрушек были весьма наивными и
причудливыми. Они раскрашивались либо от руки, либо
по трафарету. Игрушки особенно высокого
качества искусные мастера украшали ручной
росписью или эмалью.
В конце 19 века производились опыты с
другими формами нанесения рисунка: прямая
печать (использование двух непоглощающих
поверхностей, недостаток этого метода
заключался в том, что краска наносилась не совсем
точно), печатание переводных изображений
(перенос рисунка на промежуточный объект, что было
хлопотно и долго) и наиболее приемлемый
способ - офсетная литография (нанесение
рисунка на резиновый ролик, который прокатывался
по жести).
€
s^FXI'HKSS
*\'Т
I
580

ЖЕСТЯНЫЕ ИГРУШКИ
Однако, кажется, производители игрушек не
спешили использовать преимущество
литографии, так как, несмотря на доступность этого
способа, с конца 19 века примерно до 1908 года
игрушки раскрашивались либо от руки, либо
лишь с частичным применением литографии.
Соединенные Штаты. Некоторые из
первых и наиболее привлекательных жестяных
игрушек выпускались в США. Основываясь на
народной американской традиции, производители
изготавливали обручи, колесные пароходы,
паровозы и экипажи. В 1830-е годы производство
жестяных игрушек начал Френсис Филд.
Период основного развития этой индустрии
пришелся на 1860-е годы, когда были основаны фирмы
Альтоф Бергман, Гуль и Стаффорд, Джеймс Фол-
лоуз, Эдвард Айвз, Стивене и Браун и другие.
Игрушки этих компаний встречаются редко, и
коллекционеры дорого их ценят.
Франция. В 1880-е годы во Франции были
основаны фирмы Ф. Мартина, Радигуета и Г.
Дессина. Часто можно встретить экипажи,
запряженные лошадьми, простые, покрашенные
краскораспылителем карусели и чертовы
колеса, сделанные в конце 19 века. К несчастью, на
них нет торговых марок. Новинки Ф. Мартина -
заводные фигурки с утяжеленным низом -
изображали парижан (уличных музыкантов и
торговцев), и их все еще относительно легко
можно найти.
Германия. Людвиг Луц был одним из
первых главных изготовителей жестяных игрушек
в Германии. Примерно в 1846 году он основал
фирму в Эллвангене-на-Ягсте. В 1883 году сын
Людвига, Август, продолжил семейную
традицию и начал выпускать ярко эмалированные
корабли и поезда. Изделия Луца позже
выходили на рынок под марками двух гигантов
производства игрушек, Бинга и Марклина. В 1891 году
все производство объединилось под именем
Марклина. Ранние немецкие игрушки Луца и
других изготовителей, например Гесса,
основавшего фирму примерно в 1826 году, редко имеют
товарный знак. (Наверное, на них наклеивались
бумажные ярлыки, которые за столько лет,
конечно, исчезли.) Они встречаются очень редко.
Однако именно отсутствие маркировки на
игрушках дает знающему коллекционеру
возможность приобретать их на распродажах, где они
могут время от времени появляться. Эти
первые игрушки, иногда с деревянными деталями,
обычно изображали запряженные лошадьми эки-
ЗАВОДНОЙ
локомотив
Джеймс Фаллоуэ и Сын
Конец 10*.
Решетка спереди типична для
американских локомотивов.
Написанное по трафарету
патриотическое имя - коммерческий ход
(Слева)
РЕЧНОЙ ПАРОХОД
Марклин
Ок. 1909 г.
Пароход имеет несколько при-
влекательньк особенностей: ярко
раскрашенный от руки корпус,
прекрасно сделанный
позолоченный пояс до самого носа,
аккуратно вырезанные сводчатые
окна под капитанским мостиком
и красивое название. (Слева)
ЗАВОДНОЙ ЛИМУЗИН
Бинт
Ок. 1904 г.
Игрушка демонстрирует
изящество и элегантность эдвардиан-
ских автомобилей. Роспись
обведена от руки позолотой.
Рулевое колесо работает на
самом деле, а шины сделаны из
цельной резины.

ИГРУШКИ
ЧЕРТОВО КОЛЕСО
Марклин
Ок. 1898 г.
В кассе в центре установлен
музыкальный механизм. Основное
колесо из штампованной и
скрученной жести включает в себя
панели с цветным стеклом
пажи, сани, простые поезда или колесные
пароходы. Они ярко раскрашены в основные цвета,
часто в контрасте с черным, и везут хорошо
смоделированных, раскрашенных от руки
пассажиров с головами из композита или фарфора.
В 1890-е годы наблюдается быстрое
расширение рынка германских игрушек. К концу века
немецкие изделия можно было встретить в
магазинах игрушек по всей Европе и США. В
период между 1895 и 1945 годом производство
игрушек ни в одной стране мира не могло
соперничать с германским по количеству и качеству
продукции. Популярность немецких игрушек
объяснялась не только их качеством, но и
нацеленностью на конкретные рынки. Например,
компания Бинг изготавливала канонерку Бранден-
бург. Та же самая модель для британского
рынка называлась HMS Ужасный, а для
американского - Нью-Йорк. Немцы также быстро
реагировали на возникновение новых изобретений.
Если в городе появлялся новый тип автобуса,
его игрушечная модель выпускалась уже через
несколько недель.
Лучшими из немецких производителей
жестяных игрушек были Гебрудер Бинг и Марклин.
Фирма Гебрудер Бинг, основанная в
Нюрнберге братьями Игнацем и Адольфом Бинг в 1865
году, выпускала огромное количество игрушек.
До 1923 года они маркировались буквами GBW
различных шрифтов; затем BW (Bing Werke).
Компания прекратила деятельность в 1923 году,
в период мировой депрессии - печального
времени для многих производств.
В 1859 Теодор Вильгельм и его жена
Каролина основали в Геппингене фирму Марклин.
ПАРОВОЗ
СО СПИРТОВОЙ
ГОРЕЛКОЙ И ВАГОНЫ
Марклин
Ок. 1905 г.
'Царский поезд" был
преподнесен в дар царю Николаю II.
582

ЖЕСТЯНЫЕ ИГРУШКИ
Сначала они выпускали жестяных кукол,
кухонную посуду и спиртовые горелки (неизменно
популярные и хорошо продававшиеся в 1910-е
годы).
Однако период процветания наступил для
предприятия тогда, когда его унаследовали
сыновья в 1888 году. Они внедрили новейшие
технологические усовершенствования и методы
массового производства. Их ранняя маркировка
состоит из букв GM (Gebruder Marklin) разных
стилей, поздняя - "Marklin" со значком
мчащегося велосипеда. В наше время фирма все еще
работает, успешно пережив две мировые войны
и послевоенный спрос на пластмассовые
игрушки. Она с гордостью называет себя первым
производителем игрушечных поездов в мире.
Прочие изготовители жестяных игрушек:
Лехман (чьи новинки особенно ценятся),
основавший фирму в 1875 году; Шуннер, 1875; Гун-
терман, 1877; Каретте, 1886.
1918-1839
После Первой мировой войны многие из
основанных ранее фирм возобновили производство. В
первое время жестяные игрушки повторяли
предвоенные дизайны - например, эмалированные
вручную автомобили со скошенными стеклянными
окошками и твердыми резиновыми шинами. Однако от
них вскоре отказались. По экономическим
причинам производителям приходилось применять более
дешевую прессовку, заводные механизмы и
литографию более низкого качества. Причудливые,
более стилизованные модели в сочетании с новыми
яркими красками и хитроумными механизмами
привели к появлению очаровательных, легких
игрушек. Исключение, однако, составляли жестяные
пароходы, производство которых продолжалось
старым образом - с паяным жестяным корпусом,
единственно возможным способом сделать его
непроницаемым для воды.
Большой популярностью стали
пользоваться наборы конструкторов. Лучшие делались
Меккано в Англии; выпускавшиеся фирмой Мар-
клин тоже неплохи.
В 1920-е годы стали изготавливаться
игрушечные инструменты и орудия: фирма швейных
машин Зингера практично рассудила, что
ребенок, играющий с хорошо сделанной
миниатюрной работающей копией, захочет, став
взрослым, приобрести настоящую швейную машину
той же компании. За эту идею особенно
ухватились французы. Андре Ситроен стал выпускать
игрушечные машинки, которые были
фактически уменьшенными копиями настоящих
автомобилей. Потом две другие французские фирмы
быстро разглядели коммерческий потенциал
таких моделей. JEP (Jouets en Paris) стал
выпускать модели престижных автомобилей -
"роллс-ройс" и "хиспано-суизи". CIJ (Compagnie
СИТРОЕН Св
КАБРИОЛЕТ
Ситроен
Ок, 1929 г.
Точное копирование стиля и
внимание к мелким деталям делает
эту модель больше чем просто
игрушкой.
МИККИ МАУС
Дистлвр
Ок. 1930 г.
Industrielle des Jouets) создала одну из
наиболее популярных гоночных машин - Р2 "альфа-
ромео" с кожаным кожухом на ремешках,
радиатором из тончайшей проволоки, жалюзи на
капоте и подвеской. Эти машины - чаще всего
583

ИГРУШКИ
алого, иногда белого, серебристого или синего
цвета - нравятся не только коллекционерам
игрушек, но и автолюбителям, которых
привлекает точное копирование деталей.
Кинематограф также оказал большое
влияние на производство игрушек в 1930-е годы.
Персонажи мультфильмов - Микки Маус и кот
Феликс были сделаны из жести германскими
производителями. В 1934 году в Соединенных
Штатах Луи Маркс сделал первый игрушечный
космический корабль, копирующий ракету Бака
Роджерса, героя фильма "25 век". До появления
продукции Маркса (разнообразных
юмористических новинок) и Кингсбари, известного
своими моделями гоночных автомобилей, Америка
всегда импортировала, а не экспортировала
жестяные игрушки.
РОБОТ НА ШАССИ
Таийо
1960 г.
Эта ифушка на батарейках
может похвастаться
поворачивающимися глазами, искрами,
выдвижными шасси, шагающим
/механизмом и ужасным шумом
Как раз то, что нужно, чтобы
покорить сердце ребенка 1960-х
годов! Ценность робота для
коллекционера увеличивается еще и
потому, что сохранилась его
первоначальная упаковка.
Рок и Грейнер
Луц, Людвиг
Бергман, Альтоф
Джордж В. Брауи
и Ко.
Лайнз Браэерс
Марклин
Эдвард Айвз
Гебрудер Бинг
Мартин, Фернанд
Гебрудер
Флейшман
Чед Белли
Бассет-Лоук
Jouets en Paris
Хорнби
Лайонел
ГЛАВНЫЕ ПРОИЗВОДИТЕЛИ МЕТАЛЛИЧЕСКИХ ИГРУШЕК
1813-1913
Ок. 1846-91
Осн. 1856
Осн. 1856
Осн. 1858
Осн. 1859
1860-е - 1920-е
Ок. 1863 - 1932
1878-1912
Осн. 1887
Осн. 1897
Осн. 1899
1899 - 1965
1901 - 1964
Осн. 1901
Биберах-на-Риссе
Эллванген-на-Ягсте
Нью-Йорк
Коннектикут
Лондон
Гелпинген
Коннектикут
•
Нюрнберг
Париж
Нюрнберг
Бирмингем, Англия
Нортгемптон
Париж
Ливерпуль
США
Заводные поезда прекрасного качества.
Сохранившиеся изделия редки и ценятся коллекционерами.
Напольные поезда, игрушки с колокольчиками на колесах, корабли,
запряженные лошадьми экипажи.
В 1868 году объединился с Дж. и Е. Стефенс, образовав Стефенс и
Браун Клокворк Тойз (Заводные Игрушки); обручи, велосипеды,
колесные пароходы.
Треугольные поезда, мини-автомобили, точные отлитые игрушки.
Прекрасные жестяные поезда, машины и канонерки.
Фигурки из жести и железа с головами из композита.
Производитель жестяных игрушек»
Заводные и механические игрушки-новинки.
Жестяные лодки и корабли.
Большие жестяные лимузины 1930-х годов.
Производитель игрушечных поездов.
Хорошие, большие, отлично сделанные машины.
Производитель поездов Меккано, Хорнби, гоночных яхт, игрушек
Динки.
Игрушечные поезда.
584

ОТЛИТЫЕ ИГРУШКИ
Современный мир шлгнул в игровую комнлту
В 20 ВЕКЕ, НАЧАВ ВЫПУСКАТЬ ОТЛИТЫЕ МОДЕЛИ.
ОТЛИТЫЕ ИГРУШКИ
Такие игрушки изготавливаются заливанием
расплавленного металла (обычно свинцового
сплава) в формы под давлением. Это недорогой
и быстрый способ производства, идеальный для
выпуска дешевых изделий для массового
потребителя.
Отлитые игрушки впервые стали делать в
начале 20 века. Их выпускали два
производителя: американская фирма Дауст Мануфакчуринг
Ко., которая в 1914 году создала набор машинок
"Тутси Той", и французская компания Симон и
Риволе, выпустившая серию запряженных
лошадьми экипажей (теперь редкость). Однако
крупнейшим в мире производителем литых игрушек
стала Британия, а имя "Динки" - лидера в этой
индустрии - стало обозначать литые игрушки
вообще.
ДИНКИ
Динки было просто одной из наиболее
удачных направлений, разработанных ливерпульским
предпринимателем Фрэнком Хорнби. В 1901 году
он начал производство конструкционных
игрушек и зарегистрировал название "Меккано" в
1907 году. Его "О" масштаба наборы поездов
Хорнби 1920-х и 30-х годов были очень популярны.
Выпуск аксессуаров для них дал толчок к
развитию игрушек Динки. "Миниатюрные модели", как
их сначала называли, включали в себя первое
время железнодорожный персонал, пассажиров,
сигнальные устройства, животных и т.д.; Их
масштаб был 1/48 и 1/43.
Первой серией Динки была 22 и состояла из
грузовика, платформы для перевозки, трактора,
танка и двух спортивных машин. Эти первые
машины были сделаны в основном из
свинцового сплава, в отличие от более позднего Цамака -
сплава из алюминия и цинка. К несчастью,
первые модели были слишком хрупкими, что делает
их редкими и поэтому ценными. Предвоенные
машины имеют колеса со смещенной осью
(наклоненные друг к другу вверху) и гладкие (часто
белые) резиновые шины. К ним приделаны
жестяные радиаторы и массивные сплавные рамы.
Эти особенности позволяют различать
предвоенные модели от аналогичных, выпущенных
после войны.
В военное время лишь Динки в небольших
количествах выпускались и поступали в продажу
к Рождеству. После 1945 года наряду со старыми
появились и новые линии. В 1947 году была
сделана новая Динки "Супертой" масштаба 1/36.
Среди наиболее популярных моделей -
грузовики Гай и Фоден с рекламными плакатами на
бортах. В 1961 году компания перешла к Лайнз Бра-
зерс (Трианг), но Динки продолжали
выпускаться до 1979 года.
КОРГИ
И ЛЕСНИ
В 1956 году фирма Корги Тойз начала
выпуск машин с фарами из разноцветного стекла,
вынимающимися пассажирами,
открывающимися дверцами и тщательно скопированными
двигателями под капотами. Позже стали
выпускаться модели, отражающие влияние кино и
телевидения. Они назывались Читти Читти Бэнг Бэнг,
Джеймс Бонд, Капитан Скарлет, Тандерберд и
Бэтман. Эта компания производит игрушки и по
сей день.
Лесни был еще одним гигантом этой
индустрии. Знаменитые Матчбокс Тойз и прошлые
модели делались в масштабе 1 /25 и 1/30.
Финансовые проблемы заставили компанию свернуть
производство в 1987 году.
Одними из наиболее тщательно сделанных и
дорогих из отлитых машинок были "Точные
копии" (Спот он), которые были созданы Трианг в
1959 году в качестве противовеса Динки и
Корги. Они изготавливались до 1967 года.
ПОДАРОЧНЫЙ НАБОР
АЭРОПЛАНОВ
№ 60
Динки. Ок. 1935 - 41 гг.
Это довольно большая редкость.
Многие из таких ранних игрушек
Динки страдают от усталости
металла. (Вверху)
МАШИНКИ
Динки
В отличие от изделий 1930-х гг.
эти яркие послевоенные
машинки все еше относительно легко
достать.
585

ИГРУШКИ
ПО ДЕТСКИМ КОМНАТАМ ПРОШЛОГО РАЗЪЕЗЖАЛИ ЖЕСТЯНЫЕ
ЗАВОДНЫЕ ИЛИ ПАрОВЫЕ ИГруШЕЧНЫЕ ПОЕЗДА, КОГОрЫЕ
ВЫЗЫВАЛИ В ПОДРОСТКАХ ВОЛНУЮЩИЕ МЕЧТЫ О ЛрофЕССИИ
МАШИНИСТА.
ИГРУШЕЧНЫЕ ПОЕЗДА
В 19 веке железная дорога открыла
пустовавшие до нее пути и объединила огромную
территорию Соединенных Штатов. Поэтому
неудивительно, что некоторые из первых
игрушечных поездов были американскими. В 1856 году в
Форествилле, штат Коннектикут, Джордж
Браун стал выпускать яркие поезда с трафаретным
рисунком и простым заводным механизмом. В то
время поезда ездили по полу без рельсов.
Считается, что рельсы первым сделал Иссмайер из
Нюрнберга - в 1866 году, когда создал первую
кольцевую дорогу.
С течением времени в игрушечных поездах
в качестве движущей силы стал использоваться
пар, и эти оставляющие лужи и беспорядок
игрушки стали популярны в детских комнатах. В
Британии производители научных приборов,
например Ньютон, выпускали красивые и
совершенные модели почти полностью из бронзы. На
них устанавливались спиртовые горелки,
которые нагревали воду в котлах и превращали ее в
пар, который толкал цилиндры.
В тот период еще не была
стандартизирована ширина колеи, и размеры поездов были
самыми разными. Это означало, что паровоз
одной компании мог не подойти к вагонам другой.
Возникали проблемы экспорта.
К 1900 году германские производители
прочно обосновались на рынке игрушечных поездов.
Тремя лидерами были Гебрудер Бннг, Каретте
и, наверное, самый известный из «их - Марк-
лин. Именно он стандартизировал масштабы
своих поездов (данные по рельсам Мархлина,
представленным на Лейпцигской ярмархе 1891 года):
масштаб 0: 32 мм (11/4 дюйма), 1:45 мм (13/4
дюйма), 2: 51 мм (2 дюйма). Единственным
оставшимся расхождением был масштаб 3: 64 мм
(21/2 дюйма) для всех производителей, за
исключением Марклина, который пользовался
масштабом 75 мм (3 дюйма).
Американская компания Айвз приняла
масштаб 0, французские изготовители, наиболее
значительным из которых были Радигует и JEP
(Jouets en Pahs), приняли масштабы 0 и 1.
Наиболее популярными масштабами в 1900-е
годы были 2 и 3.
Просто удивительно, что огромные поезда
этих масштабов предназначались для домашней
игры. Однако следует помнить, что эти
игрушки предназначались для детей богатых семей, в
в§вт""ЧИМ1Н*^- с
В4^ ^UFsSMic
ЖЕСТЯНОЙ
ИГРУШЕЧНЫЙ ПОЕЗД
Германия
Ок. 1835 г.
Локомотив 2-2-2 с
соответствующим тендером и дополненный
настоящими гипсовыми
пассажирами в костюмах 1830-х гг. Этот
один из первых коммерческих
наборов сделан, возможно, Лу-
цем. (Вверху слева)
ПАРОВОЙ ЛОКОМОТИВ
И ТЕНДЕР (МАСШТАБ 3)
Маркпин
Ок. 1909 г.
Нарисованные заклепки часто
можно увидеть на ранних марк-
линских локомотивах больших
размеров. (Слева)
586

ИГРУШЕЧНЫЕ ПОЕЗДА
чьих домах должны были быть большие
помещения. Постепенно игрушечные поезда
становились меньше и дешевле, так как
производители старались сделать их доступными для более
широкого круга покупателей.
В начале 20 века появились первые
электрические модели. Они были большими,
неопрятными и потенциально опасными: в
домах еще не было электричества, так что для
длительной работы игрушки нужны были
большие аккумуляторы, создававшие риск
поражения током.
В Британии два поклонника железных
дорог - В. Дж. Бассет-Лоук и Гарри Франклин
выпускали недорогие, качественные модели
поездов, чтобы удовлетворить растущий спрос на
них как со стороны детей, так и взрослых. В
1900 году Бассет-Лоук и его главный дизайнер
Генри Гринли побывали на Парижской
выставке. На обоих произвела впечатление
продукция Каретта, Марклина и Бинга. Бассет-Лоук
и Бинг подписали соглашение, по которому
Бинг обязался производить поезда по дизайну
Гринли, для Британии. Таким образом родились
первые коммерческие британские модели
поездов. К 1902 году они появились в магазинах
и имели большой успех. Год спустя Бассет-Лоук
начал выпуск собственных поездов на фабрике
в Нортгамптоне. Первым был локомотив и
тендер. Леди Озера, масштаба 1. Этот поезд
назывался также 2-2-2 (два колеса спереди, два в
середине, два сзади).
Первая мировая война послужила причиной
спада в производстве игрушечных поездов
повсюду. Индустрия вновь оживилась в 1920-е
годы, появились новые имена. Наиболее
значительным был Хорнби, которые сделал очень
простой заводной локомотив 0-4-0, тендер и
открытый вагон. Вначале они соединялись
вместе болтом, как и другие конструкционные
игрушки Хорнби, затем более традиционной
спайкой. В 1927 году Хорнби выпустил первый
электрический набор. К середине 1930-х годов
появились знаменитые 20-вольтовые наборы с
большими фарами, вставленными в трубу
спереди.
В Соединенных Штатах основанная в 1901
году компания Лайонел выпускала очень
реалистичные, мощные поезда в собственном
масштабе - 21/8 дюйма (54 мм), который дерзко
называли "стандартным масштабом". Другим
американским конкурентам пришлось принять
этот размер, так как их поезда, сделанные по
европейским меркам, вдруг оказались
нестандартными. Хотя масштаб 0 все еще
использовался, стандартный был намного популярнее.
Немецкие изготовители, которые занимали
главенствующее положение в Соединенных Штатах до
1910 года, стали терять свои позиции, так как
их поезда не соответствовали принятому в
Америке масштабу. Фирма Лайонел работала с
огромным успехом вплоть до паники на Уолл-Стрит
в 1929 году, когда она остановила производство.
1920-е годы принесли также изменения в
популярности европейских масштабов. В начале
десятилетия лидировал 0, 1 клонился к упадку,
2 и 3 практически исчезли. Однако в 1930-е годы
0 масштаб стал вытесняться новым, 00. Он был
настолько маленьким, что вся железная дорога
могла уместиться в одной небольшой комнате.
В 1922 году этот масштаб был поставлен на
коммерческую основу фирмой Бинг по
специальному заказу Бассет-Лоука, который так описывал
свою точку зрения на это нововведение:
"Когда строители настойчиво стремились
строить все более компактные дома с
меньшими комнатами, я предвидел потребность в еще
меньшем, чем 0, масштабе. Я привез из
Германии модель железной дороги вполовину
меньшего размера, с шириной колеи 5/8 дюйма.
Это было неказистое жестяное изделие, но его
появление в Британии заложило важный
краеугольный камень в истории моделей железных
дорог".
К 1935 году Бассет-Лоук создал новую
железную дорогу (Твин-трейн рейлвей, или
Трикс-трейн рейлвей), на которой по одним и
тем же путям ездило два электрических
поезда, но с разными скоростями. Первоначально
она делалась в Нюрнберге, но после явного
успеха производство было организовано в
Нортгамптоне. В 1938 году в пику конкуренту
Хорнби выпустил собственную дорогу с двумя
поездами, знаменитую Дубло с различными
аксессуарами.
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться новые
работы.
Бартоломью, Чарльз
Механические
игрушки
Лондон, 1979
Коулман, Дороти
Энциклопедия
коллекционера
кукол
Нью-Йорк, 1968
Энциклопедия
коллекционера
кукольных домиков,
кукол и миниатюр.
Лондон, 1983
Джонсон, Питер
Игрушечные армии
Лондон и Нью-Йорк
Оупи, Джеймс
Британские
солдатики 1893 - 1932
Лондон и Нью-Йорк
Спиайт, Джордж.
Представление
для детей:
История кукольного
театра
1946
587

C-BI
7
гдЧ!
■5S
ЛЬг
щ В*гф
^\>l ^-ЗЩи gTT .a. ^fr^Rf-*
,*f\
4*
>
/■
Vw
,v
>m*
„i&J* £*■*.*, 5*P^
д ы ц..ц и
СМпл ie la
'^
,ict^
»rni
.1 I,
,7 j.Vmf.-n'-*
«0
апГЛ'"'11
■ft»*1
хл*1
lit*
4
L V
X
«8*3*
..Г*- ;ib
hc<
LnO
**г*9^
^
(WC
тми
PERUANA

[^<
ijfl
у
I
I
I
Книги и рукописи
Древние клрты
Джонатан Попер
Кен Свифт
'Jw,
/л.-
i
•ь
ча/
'in:
/»£-*n
I
^4
На странице: ORBIS TERRARUM TYPIS, Петрус Планциус, 1594 год.
MJTCtlgUf.

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
книги
)
РУКОПИСИ
КАРТЫ
РАЗНООбрАЗИЕ РУКОПИСЕЙ, КНИГ И ЮфТ ЗАКЛЮЧАЕТ В СЕбЕ АбсОЛЮТНО
ВСЕ ОТ РАЗВЛЕКАТЕЛЬНЫХ ПрОИЗВЕДЕНИЙ-ОДНОДНЕВОК ДО
СЕРЬЕЗНОЙ ЛИТЕрАТурЫ, РЕЛИГИОЗНЫХ И НАуЧНЫХ ИЗДАНИЙ.
АРТУР РЕКХЕМ
Сон в летнюю ночь
1908 г.
В начале 20 в. Рекхем стал
известен за свое превосходное
оформление красочных книг для
детей. Его гоблины и феи
усиливали волшебную атмосферу
текста. (Вверху)
В этой главе мы попытаемся рассказать, наверное, о самой обширной
категории антикварных предметов: о книгах и картах, созданных
вручную или при помощи техники. Это большой объем материала. Успех
книгопечатания, первого современного примера применения технологии
массового производства, послужил причиной сохранения огромного количества
оставленных без внимания экземпляров. Долговечность ранних изданий и
произошедшие с 15 века культурные и религиозные изменения означают, что
многие произведения раннего книгопечатания все еще существуют, однако
не попали в коллекции, так как их качество и значение оценены
недостаточно высоко.
Стоимость вычерченных до 19 века карт вполне сравнима с ценой других
ВИЛЯЕМ ЯНСЗООН
БЛАУ
Новая карта Америки
1618 г.
Возрастающее морское
могущество Голландии в начале 17 в.
требовало создания точных
морских карт. В результате в
Нидерландах появилось целое
поколение картографов, которые
чертили превосходные атласы
Земли. Новейшие открытия тут
же заносились в затейливые и
раскрашенные от руки
напечатанные карты, чье высочайшее
качество с тех пор не было
превзойдено. (Слева)
590

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
ИЛЛЮСТРИРОВАННЫЕ
КНИГИ ДЛЯ ДЕТЕЙ
Мабвль Люси Аттвелл,
Лум Войн и В. Ф. Томас.
(Оформители)
Книжки с кортинками и комиксы
для детей в хорошем состоянии
найти очень непросто. Чаще
всего их юные обладатели
обращались со своими книжными
сокровищами весьма
непочтительно.
антикварных объектов того же периода. Однако лишь меньшинство
рукописей или книг содержат иллюстрации, так что первые издания основной
литературы и научных текстов стоят примерно столько же.
РЕДКИЕ
КАЧЕСТВА
Как бы редко ни встречались объекты в избранной области,
коллекционер ограничивает свои приобретения еще сильнее: отдельный автор,
художник, переплетчик, издатель, тематика или любая комбинация из
перечисленных условий. Некоторые коллекционеры предпочитают первые тиражи, в то
время как другие собирают первые издания.
Вообще издание, строго говоря, это все копии книг одного
определенного образца, напечатанные в любое время; тираж состоит из всех
экземпляров данного издания, которые были напечатаны за один раз (т.е. шрифт или
матрицы не удалялись со станка). Это может показаться слишком
придирчивым делением, но существует множество примеров, когда ошибка
выявлялась в самом начале процесса печатания и исправлялась на месте. Если
затем все печатные листы использовались для выпуска книг, то, значит, в
некоторых экземплярах находился текст с ошибками, а в некоторых -
исправленный. Ирония заключается в том, что ярый коллекционер первых
изданий предпочтет более раннее, с ошибками, исправленному варианту;
это предпочтение отразится на цене.
Коммерческим изданиям этого типа иногда предшествуют подарочные
или нумерованные издания, в которых может быть больше иллюстраций или
подписи их автора, либо они печатаются на лучшей бумаге или
переплетаются дорогими материалами.
Обычно пробный тираж первой книги автора, когда издатель еще не
уверен в необходимости издания большого объема, труднее всего найти.
Иногда цензура, пожар, наводнение или бомбежка уничтожают книги,
находящиеся на складе и еще не успевшие поступить в продажу. Тогда книга,
которая была предназначена для широкого круга читателей, может стать
редкостью. Высоко ценятся книги с исправленными от руки ошибками или
подарочными надписями от автора, особенно к известному лицу.
МЛАДШАЯ СЕСТРА
ПРИРОДЫ, ЛИЛИАН
БЕЛЛ
Стоун и Кимболл
1895 г.
Переплет разработал
американский типограф Брюс
Роджерс. Он считал, что
массовое производство матерчатых
или бумажных обложек
помогало раскрыть красоту
напечатанных вручную книг частных
типографий.
591

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
КНИГИ И РУКОПИСИ ИМЕЮТ МНОГО ПРИВЛЕКАТЕЛЬНЫХ
ОСОбЕННОСТЕЙ. ЭТО ЦВЕТНЫЕ ИЛЛЮСТРАЦИИ НА рАСКрАШЕННЫХ
Вручную ВКЛАДЫШАХ ИЛИ СО ВКуСОМ ПОДОбрАННЫЙ ВИД РЯДА
КОЖАНЫХ ПЕРЕПЛЕТОВ.
КНИГИ И РУКОПИСИ
Античный мир может похвастать огромными
библиотеками и развитой торговлей
книгами. Однако и то, и другое пришло в упадок в
последние годы существования Римской
империи. Сохранением небольшого числа книг
классического мира мы обязаны христианским
монастырям Европы. Св. Бенедикт установил
правило для монахов основанного им в 531 году в
Монте Кассино в Италии ордена: каждый монах
часть дня должен был проводить в скрипториу-
ме, переписывая и украшая древние тексты. С
увеличением количества монастырей в Европе
распространялась и традиция переписывания
книг.
В конце концов вся Западная Европа
оказалась под властью варваров. Лишь монахи
Ирландии и Византийской империи продолжали
поддерживать огонь в очаге науки. В 7 и 8
веках они сделали несколько из наиболее
прекрасных когда-либо существовавших книг. В
монастыре Ионы был написан, скорее всего в 8 веке,
изумительный шедевр кельтской школы, Книга
Келлз (The Book of Kelts), все еще
сохранившаяся в библиотеки Тринити колледж в Дублине.
В монастыре на острове Линдисфарн было
написано другое сокровище - Евангелие Линдис-
фарна (ок. 700). Эта книга хранится теперь в
Британском музее в Лондоне.
С проникновением христианства на юг
Англии главными средневековыми центрами
переписывания книг стали монастыри в Винчестере,
Сент-Олбенс, Кентербери, Дареме, Питерборо,
Гластонбери и Бери Сент Эдмунде. Там
большей частью делались копии литургий и
музыкальных произведений для внутренних нужд, но
также писались часословы (наставления для
молитв в одиночестве) для мирян, в
особенности для дам. Предназначавшиеся для богатых
покровителей экземпляры украшались
иллюстрациями и часто дополнялись календарем с
рисунками каждого месяца на сюжеты из
средневековой жизни. Лучшие из них, например Бед-
фордский часослов (хранящийся теперь в
Британском музее), сделанный примерно в 1423 году
во Франции для Бедфордского герцога Джона,
дошли до нас в хорошем состоянии. Однако
существуют и более потрепанные экземпляры, сви-
—
oonpTi mil и •
gggg^]l (-KIU. UHlpMlttUlUUSIUI 1
1*иш w титтш
pel*. X**' *<*»
fm\* h «riWrf
pill* -* I !
p«» « :> muiJbu. hy
fmi9 .::г.1ЩГ'
И1 " l ШИШ
1
КНИГА КЕЛЛЗ
Иона
Вт.
Полу-унциальный шрифт Книги
Келлз демонстрирует хорошо
заметные клинообразные
верхушки буке, характерные для
ирландской традиции. Встречающиеся
по всей книге сложные
переплетающиеся узоры включают в себя
фигуры людей и животных. Они
являются ярким примером
кельтского орнамента. (Ошва).
ЧАСОСЛОВ
БЕНТИВОЛИО
Италия
Ок. 1500 г.
В манускриптах и первых
печатных книгах не было отдельных
титульных страниц. Начало текста
отмечалось словом Intipi!
(означавшим 'начало здесь*) перед
титулом На этом примере
часослова можно прочитать титул: Of-
fidum Beotae Vrginb Mariae
(Церковные службы святой девы
Марии).
592

КНИГИ И РУКОПИСИ
Амербах, Иоганн
Бладо, Антонио
Кекстон, Вильям
Фробен, Иоганн
Гарамонд, Клод
*
Эстейн, семья
(Латинск. Стефанус)
Генри
Роберт
Генри II
Гутенберг, Иоганн
Йенсон, Николас
Кобергер, Антон
Манутиус, Альдуо
Шеффер, Питер
Швейнгейм
и Паннарц
Тори, Жоффруа
ГЛАВНЫЕ ЕВРОПЕЙСКИЕ ПЕЧАТНИКИ 1450 - 1550
1443-1513
Ок. 1515 - 67
1422 - 1492
1460 - 1527
1480-1561
1460 - 1520
1503 - 1559
1528 - 1598
Ок. 1436 - 1462
Ум. 1480
1445-1513
1450-1515
Ум. 1501
Ок.1465 —
1480 - 1533
Базель
Рим
Вестминстер
Базель
Париж
Париж
Майнц
Венеция
Нюрнберг
Венеция
•
Майнц
Субиако
Париж
<
Научные издания.
Печатник.
Первый английский книгопечатник.
Печатник Эразма.
Изобретатель шрифтов.
Научные издания
Изобретатель книгопечатания.
Французский печатник и изобретатель шрифтов.
Напечатал "Нюрнбергскую хронику".
Первый печатник классических книг карманного формата.
Напечатал 42-Строчную Библию.
Первыеитальянские книгопечатники.
Влиятельный французский типограф и дизайнер.
детельствующие об активном их использовании.
Большинство этих книг писалось на
пергаменте, который выделывали из шкур овец, коз
и телят.
Специальные помещения для переписки
рукописей обустраивались также в
университетских городах для снабжения студентов
текстами. Профессиональные переписчики открывали
книжные лавки на прилегающих к крупным
храмам участках.
Переход от рукописей к печатным книгам
совершался в течение длительного периода.
После изобретения печатного станка напечатанные
книги все еще переписывались от руки,
особенно в том случае, если требовалась только
какая-то часть текста. Кроме того, рукописные
издания некоторых жанров - например поэзии -
продолжали выпускаться в Западной Европе до
17 века.
ПЕРВЫЕ ПЕЧАТНЫЕ КНИГИ
Изобретение подвижной литеры, метода
массового производства отдельных металлических
букв, которые можно было комбинировать в
любой последовательности и использовать
многократно, произвел революцию в книжном деле в.
середине 1400-х годов. Создание этого способа
приписывается Иоганну Гутенбергу (ок. 1399 —
1468), который начал книгопечатание в Майн-
це в 1439 году. Сохранилась очень небольшая
часть изданий Гутенберга. Единственная полная
книга, выпущенная бесспорно им, - это
36-строчная Библия (1457). Тем не менее техническое
мастерство Гутенберга осталось
непревзойденным, и его Библия считается одной из
красивейших из всех когда-либо напечатанных книг.
Книги печатались еще до Гутенберга, с
деревянных матриц. У этого способа было два
преимущества: появлялась возможность
редактировать и исправлять текст; резко увеличивалась
скорость, когда надо было изготовить большое
количество копий.
В 1455 году соглашение между Гутенбергом
и финансировавшим его адвокатом Иоганном
Фустом потеряло силу. Большинство станков и
шрифтов Гутенберга перешло к приемному сыну
Фуста, Питеру Шофферу из Гернсхайма. Он
основал конкурирующее книгопечатное
предприятие и выпустил 42 строчную Библию (ок. 1456).
Она печаталась как минимум на четырех стан-
593

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
fcu* и mantoС uofy 3 fete
^to foj>ffic ф cfc&nfc g ф matj? fen;**
Qtnb? pflifrr mardjaun* fort anb? a;a(ingafc
4E*C GmC fc ataaug^fe of fotrtw) afc
^e (oufc wfk (еф tbjfc anb? f*j*
(Лабе ntoirfaSBje antytBrf fttfo a ppe
^Ju( gorf lfrrn) tBas # a& it *f)oug(jfo mt
J$w 09 §k cfotme a Ittatmogf #хЪ* £
^Qjtnb? 6Gm6 ganger та» £ tBi(? ф *fl
Af—\^« oug§* 3USoo( fc tSa« of fctftmoitf §
^ I>e coob? Up a wfiincp a* fc »$*§
Qttaggar anb? a Ita fcttgjmge fab? £
(JKoafe ()%* тебе Snfct ^ie arnj atttt^
*££ £* f»w« fa*fc таъ $ie ffcSfe af бгсш;
Qtnty cfttojmfj; fc tBas a gooty fcfoflk
^uf manp a teaugtyfc tfy tj 5: fa*fc ttaCe
Jfa 8utfcu£ tSarb^gfc ф фартау (Гсер
Of (Onfctcncc fooG fy no G«p
0Ц fuf man? afofcjto m tfai (onb?
J* fftugfc anb? 1}лЪ* ф $фх fanb?
q*5u* of #& ctaft 6> «GtytBeC §ts f j*e
Jfy* ffrcmg$ anb? §is tatmgtts fym) ftp»
•t^t $ae nop fucfc fxon> §uf nt fo Catfog*
Jok ttyfc 5: 1Ба* tfcu$ £ tBm fuf of (owgc
Jjarty 5c tJB^e anbptBaat 6> Sn&tftffe
"tout) mang a fcmpcfj fji* &*b? faf § <jua6*
ДЖЕФФРИ ЧОСЕР:
КЕНТЕРБЕРИЙСКИЕ
РАССКАЗЫ
Вильям Кекстон
1478 г.
Кекстон использовал
нестандартный шрифт. Буквы имеют
конический верх и низ. Это первый
напечатанный в Англии текст.
Красные прописные буквы
добавлялись от руки.
ках. Многие экземпляры выпускались на
пергаменте. После Библии Фуст и Шоффер в 1457
году напечатали Псалтырь на красном и черном
пергаменте с красивыми прописными буквами
красного или синего цвета.
Это было важным техническим достижением:
до этого момента - и много лет после него - цве-
та в напечатанные книги добавлялись от руки.
Это была также первая печатная книга с
колофоном (выходными сведениями) -
приложением с информацией о том, где и когда была
напечатана книга.
Книги, вышедшие до 1501 года, называются
"инкунабулы" (буквально "книги в пеленках").
Такие издания трудно отличить от рукописей,
так как первые шрифты и способы размещения
текста не отличались от принятых в рукописях.
Однако некоторые книгопечатники имели
собственные торговые марки. К 1463 году
собственный знак имели Фуст и Шоффер, к 1501 году -
венецианский печатник Альдус Манутиус. Лишь
после 1500 года в книги обычно стали включать
титульный лист с названием, именем автора,
местом и датой выхода издания.
Печатные станки вскоре появились во всех
важных финансовых центрах. К 1480 году они
были более чем в ПО городах. После захвата
Майнца в 1462 году Италия, в особенности
Венеция, стала новым центром книгопечатания. К
1500 году в городе насчитывалось более 150
станков. Первым английским печатником был
Вильям Кекстон (ок. 1422 - ок. 1491).
Научившись этому ремеслу в Кельне, он издал там
первую книгу на английском языке, Recuell of the
History of Troye (1474). В 1476 году он
построил печатный станок в Вестминстере и в
следующем году выпустил первую напечатанную в
Англии книгу - Dictes and Sayengis of the
Philosophers.
Бумага. Понятно, что пергамент был
слишком дорогим материалом для все
увеличивающегося количества выпускавшихся на печатных
станках книг. Производство бумаги,
неизвестной в Европе до 12 века, в 15 веке резко
возросло. Этот материал стал намного дешевле, что
привело к мысли использовать его для
печатания книг. В 1400-е годы только 1/5 книг
печаталась на бумаге. К 1500-м годам они
составляли уже половину всех изданий. В Англии
производство бумаги началось только в конце 15
века, но еще в течение нескольких сотен лет
после этого страна зависела от поставок с
континента.
ПОЯВЛЕНИЕ ИЗДАТЕЛЬСКОГО ДЕЛА
Если не считать нескольких незначительных
усовершенствований, с середины 16 до конца
18 века в книгопечатании не наблюдалось
технического прогресса. Однако этот период
ознаменовался усложнением организации книжного
дела: составитель шрифта, печатник, редактор,
издатель и продавец стали отдельными
профессиями. Центральной фигурой стал издатель, и
начали появляться профессиональные авторы.
В Англии значительно изменилось
содержание книг. В первые годы печатания издавались
в основном тексты на религиозные темы,
однако к середине 17 века количественный перевес
был уже на стороне исторических, научных и
художественных книг. Расширился круг
деловой продукции: реклама, проспекты, списки
товаров и книжные каталоги, книжные обозрения,
публикации отдельными выпусками и книжные
аукционы появились именно в тот период.
594

КНИГИ И РУКОПИСИ
^. f
EVJATHAN,
ТОМАС ХОББС:
ЛЕВИАФАН
Лондон.
1651 г.
о к.
The Matter, Form, and Power
О \ А
COMMON-WEAT TH
ECCLESIASTICAL
A S D
CIVIL.
Гравюра на фронтисписе
иллюстрирует отношения между
церковью и государством: слева -
преходящая мощь замков,
оружия и войны. Справа - духовная
сила церкви, представленная
храмом, здравым смыслом и
обсуждением. Вверху государство
изображено составленным из
людей, которые держат эмблемы и
церкви, и светской власти. В 16
и 17 вв. эти эмблемы были очень
популярны, и печатались целые
книги, посвященные им.
By Thomas H obbes of Malmcsbury.
Mlltlt
mm
ж
LONDON,
Filmed for Andiiw Ciiooif, «с the Often Dr*m
In Su 7W# Owcb-yirJ. i 6
Баскервилль, Джон
Бодони,
Джамбатиста
Каслон, Вильям
Дидо, семья.
Франсуа
Франсуа-Амброз
Фирмин
Эльзевиер, семья.
Луи
Бонавентура
Абрахам
Исаак
Даниель
Фурнье, семья
Жан Пьер Старший
Пьер Симон
Младший
Ибарра, Иоаким
Плантин, Кристофер
ГЛАВНЫЕ ПЕЧАТНИКИ ЕВРОПЫ 1550 - 1800
1707 - 1775
1740-1813
1692 - 1766
1689 - 1758
1730 - 1804
1764-1836
ум. 1617
1583 - 1652
1592-1652
1596 - 1651
1626 - 1680
1706 - 1783
1712 - 1768
1725 - 1785
Ок. 1520 - 1589
Бирмингем
Парма
Лондон
Париж
Лейден
Париж
•
Мадрид
Антверпен
Печатник и изобретатель шрифтов.
Печатник и изобретатель шрифтов.
Первый английский разработчик шрифта.
Печатник и изобретатель шрифтов.
Научные издания.
•
Разработчики шрифтов.
Печатник.
Печатник.

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
PUBLII VIRGILII
MAR О N IS
BUCOLICA
GEORGICA
Е Г
АЕ N Е I S.
BIRM1KGHAM1AE:
Typis JOHANNIS BASKERVILLE.
MDCCLVI I.
ВЕРГИЛИЙ: ЭНЕИДА
Джон Баскврвилль
1757 г.
Баскервилль экспериментировал
с новыми материалами и
стилями как в области шрифтов, так и
при верстке, издавая первые
неоклассические книги. Он
отказался от орнамента, всецело
полагаясь на выразительность букв. В
разработанных им шрифтах
виден гораздо более сильный
контраст между жирными и тонкими
линиями, чем на более ранних.
В Нидерландах лидировали печатные
фирмы Плантин и Эльзевиер. В период расцвета
голландской торговли в 16 и 17 веках их книги
расходились по всему миру. Фирма Плантин
специализировалась на Библиях, а Эльзевиер
получила известность благодаря карманным
изданиям греческих и латинских классиков. Первый
американский печатный станок был построен в
1639 году в Кембридже, штат Массачусетс.
Наиболее ранней дошедшей до нас книгой была
The Bay Psalm Book (Лавровая (?) книга
псалмов) (1640). В Австралии книгопечатание
началось в Сиднее в 1795 году, в Южной Африке -
в Кейптауне в 1784 году.
В период с 1550 по 1800 год создавались
огромные частные коллекции книг, которые
теперь составляют ядро европейских
национальных библиотек. Французская Национальная
библиотека образовалась из собрания книг
Карла, Итальянская Медицео-Лауренциана
вобрала в себя коллекции Козимо и Лоренцо де
Медичи, Прусская Государственная библиотека
выросла из книг Фридриха Вильгельма, великого
курфюрста. В Англии коллекции Британского
музея (теперь Британской библиотеки) началась
с собрания сэра Роберта Коттона (1571 - 1631).
Бодлинская библиотека в Оксфорде была
основана сэром Томасом Бодли (1545 - 1613).
МАССОВЫЕ ИЗДАНИЯ
В начал 19 века весь процесс
книгопечатания, от набора букв до переплетных работ, стал
механизирован. Увеличилось производство. В
Англии в период 1802 - 1827 годов количество
ежегодно выпускаемых книг оставалось
стабильным, около 850. К 1835 году их число
увеличилось до 2530, а к 1880 году достигло 9000.
Новые художественные издания печатались в
"тройном" формате: три книги в наборе по цене
31 шиллинг 6 пенсов. Эта цена была слишком
высока для многих людей, и спрос на
литературу частично удовлетворяли новые платные
библиотеки, такие, как Муди, основанная в 1842
году, частично различные однотипные серии
репринтных изданий, выпускавшиеся с 1830 года и
стоившие в пять раз меньше "тройных". С
течением времени репринтные издания стали
дешеветь еще сильнее: "желтые обложки",
появившиеся в 1853 году (названные так за цветные
глянцевые бумажные обложки обычно с
желтым фоном) продавались всего за 1 шиллинг 6
пенсов штука.
Увеличение количества издаваемых книг и
приемлемые доходы населения вместе с
повышенным спросом со стороны пассажиров
железных дорог привели к появлению различных
серий дешевых, непретенциозных книг: "Констебль
Мисцеллани" (1827 - 1835), "Семейная
Библиотека" Мюррея (1829 - 1834), романы Кол-
берна и Бентли (1831 - 1854) и
"Железнодорожные издания" В. X. Смита, которые
продавались на железнодорожных станциях с 1848
года.
На континенте то же направление в сторону
дешевых репринтных изданий представлял лейп-
цигский печатник Кристиан Бернард Таухниц
(1816 - 1895). В 1837 году он начал выпуск
малоформатных книг с бумажными обложками
на английском языке. К 1935 году продукция
компании насчитывала более 5000 разных
наименований. Несмотря на то что, строго говоря,
это были пиратские издания, Таухниц заслужил
признательность английских авторов и
издателей за добровольное перечисление авторских
гонораров и обязательство не продавать книги в
Англии и в границах Британской империи. Тем
не менее, с типографской точки зрения, его кни-
596

Кобден-Сандерсон,
Т.Дж,
Двиггенс, Вильям
Эддисон
Гилл, Эрик
Гуди, Фредерик
Ван Кримпен, Ян
Мардерштейг, Ганс
(Джованни)
Морисон, Стенли
Моррис, Вильям
Роджерс, Брюс
Чичолд, Ян
Алдайк, Даниель
Беркли
Уокер, Эмери
Тори, Жоффруа
КНИГИ И
РУКОПИСИ
ГЛАВНЫЕ ПЕЧАТНИКИ,
1840 - 1922
1880-1956
1882 — 1940
1865 — 1947
1892 — 1958
1892 — 1977
1889 — 1967
1834 — 1896
1870 — 1957
родился в 1902
1860 — 1941
1851 —1933
1480 - 1533
Лондон
Гинхэм, штат
Массачусетс
Дичлинг
Чикаго и Нью-Йорк
Гарлем
Верона
Лондон
Лондон
Бостон и Нью-Йорк
Базель
Бостон, штат Масачусетс
Лондон
•
Париж
, НАЧИНАЯ С 19 ВЕКА
Соучредитель Давз Пресс
Печатник
Резчик по камню, изобретатель шрифтов, гравер по дереву
Печатник и изобретатель шрифтов
Изобретатель шрифтов и печатник
Печатник
Историк шрифтов и печатник
Изобретатель шрифтов и основатель Келмскотт Пресс
Изобретатель шрифтов и печатник
Изобретатель шрифтов и печатник
Историк шрифтов и основатель Мерримаунт Пресс
Печатник и сооучредитель Давз Пресс
влиятельный французский типограф и дизайнер
КОЛУМБИЙСКИЙ
ПЕЧАТНЫЙ СТАНОК
Джордж Клаймвр
1821 г.
Первые печатные станки делались
из дерева и за один раз могли
отпечатать лишь небольшой
участок текста. Появившиеся в
начале 19 века железные станки
могли печатать большие
участки, однако они не имели
упругости дерева и нуждались в
противовесе, который облегчал
поднятие матрицы для оператора.
Противовес колумбийского
печатного станка - сделанного в
Соединенных Штатах - выполнен в виде
американского орла.
ги были скучноватыми. В противовес им
основанная в 1912 году фирма Инсель-Бюхерей,
продававшая свои книги по цене 6 пенсов за
штуку, установила высокие стандарты типографии
и дизайна обложек. Их книги к тому же часто
были иллюстрированы. К 1937 году было
продано 25 миллионов экземпляров 500 различных
книг.
В Англии массовые издания по низкой цене
появились в 1935 году, когда Аллен Лейн
основал свою серию "Пингвин" в бумажных
обложках. Его успех заставил других издателей тоже
заняться выпуском популярной литературы в
бумажных обложках. В 20 веке
совершенствование изданий в бумажных обложках является
наиболее значительным достижением в
книгопечатании.
БИБЛИИ
В средние века единственным
действительно доступным текстом был латинский вариант
Библии. Из-за многочисленных переводов и
переписывания он изобиловал ошибками. В 1514
году глава испанской церкви кардинал Хименес
заказал первую Библию с параллельным текстом
на нескольких языках. Эта книга получила
название Комплутенсианский Полиглот по месту
издания (Комплутум - латинское наименование
Алькала в Испании). В нее должны были войти
тексты Ветхого завета на еврейском, арамейс-
597

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
БИБЛИЯ
Лондон
1611
БИБЛИЯ
Лондон
1630
Эта страница второго издания
официального варианта
Библии ин-фолио украшена
гравированным бордюром,
типичным для книг во времена
Елизаветы и Якова. Аналогичные
мотивы встречаются на
обложках книг и в архитектуре того
времени. (Внизу)
Метод гравировки на
деревянных клише использовался в то
время для создания двойных
иллюстраций. На этой
представлено генеалогическое дерево Ноя.
(Справа)
ком, греческом и латинском языках, а также
первое издание Нового завета на греческом и
латинском.
Однако выход Нового завета откладывался,
что позволило голландскому ученому Эразму в
1516 году первым издать греческий Новый
завет, который пользовался особыми
привилегиями в течение четырех лет. Издание Эразма с
параллельными текстами на греческом и
латинском языках было первым, с критической точки
зрения подошедшим к переводу латинской
Библии. Оно пользовалось огромным влиянием, и
именно на его основе в 1522 году Лютер сделал
перевод на немецкий язык.
Идеи передовых мыслителей Реформации
возбудили у простых людей желание читать
Библию на родном языке, чему яростно
сопротивлялись служители Католической церкви.
Первый перевод Библии на английский язык был
сделан Вильямом Тиндейлом (ок. 1494 - 1536).
Из-за протестов против его работы он был
вынужден покинуть Англию. Издание его книги
начато было в Кельне в 1525 году, однако
местный магистрат заставил его прекратить работу,
которую пришлось продолжать в Вормсе. Он
опубликовал лишь часть Старого Завета,
прежде чем был схвачен поблизости от Брюсселя и
казнен.
Первым законченным вариантом Библии на
английском языке является издание Майлза Ко-
вердейла (1535). Как и Тиндейлу, ему пришлось
печатать свой труд за границей. Первой же
официально одобренной Библией на английском
языке стала так называемая Большая Библия,
начатая в Париже, но законченная в Лондоне в
1539 году. На титульном листе Господь
благословляет короля Генриха VIII. Специальный
эдикт приказывал иметь экземпляр этой
библии в каждой приходской церкви.
Женевская (или "брючная") Библия (1560),
названная так по строчке в книге Бытия 3,7
598

КНИГИ И РУКОПИСИ
Все три основных типа шрифтов
появились в первые 50 лет эпохи
книгопечатания: готический (или черные
буквы, названные так по кажущейся
сплошной черноте при взгляде на
страницу целиком), латинский (прямые не
готические буквы) и курсив. Все первые
книги в Северной Европе набирались
готическими шрифтами, но к 1570 - 80
стал использоваться латинский шрифт
для большинства книг, за исключением
теологических и юридических. Только в
Германии готический шрифт оставался в
повседневном использовании для всех
случаев жизни до конца Второй мировой
войны.
Латинский шрифт базировался на
| формальных почерках ученых Ренессанса,
которые подражали французским копиям
8 века с классических рукописей, которые
они изучали. Латинские шрифты сначала
использовались в Италии, затем были
усовершенствованы во Франции. Клод
Гарамонд (ок. 1480 - 1561) стал одним из
первых специалистов по моделированию,
вырезанию и литью шрифтов. Созданные
им шрифты, называемые Гарамонд,
особенно хороши, и ими пользуются и по
сей день.
Курсивные шрифты основывались на
стиле писания от руки, которым
пользовались ученые Возрождения для
частной переписки в
противоположность стилю, которым они
переписывали рукописи. Венецианский
печатник Альдус Манутиус (1450 -
1515), ученый, преклонявшийся перед
греческими и римскими классиками,
первым стал пользоваться курсивами.
Такими шрифтами он напечатал
карманное издание классических
текстов, называемое Альдинес. Однако
вскоре курсивом перестали печатать
тексты полностью, им стали
пользоваться для выделения отдельных
основных или вспомогательных
участков в тексте, напечатанном
латинским шрифтом.
В то время как готические шрифты и
курсивы используются лишь
фрагментарно, латинский шрифт
продолжает развиваться и по сей день.
Главными позднейшими добавлениями к
разнообразию латинских шрифтов были
прямой шрифт нового стиля,
разработанный в конце 19-го - начале 20
века дизайнерами англичанином Джоном
Баскервиллем (1706 - 1775) и итальянцем
Джамбатистой Бодони (1740 - 1813), и
сансериф. Последний был
усовершенствован в 20 веке английским
дизайнером Эриком Гиллом (1882 -
1940).
ВИДЫ ШРИФТОВ
lirfi unim man
«гатп-шшшиШ
nwroi*attuiro
» f *
fVicui tut:
о
una не
•(■аситлшлс
.im
дГ ^
и.
лАчулгяА lirr\
[озо.сЬсЪмймсь
tz qud Utogo tntcri
cbe la loro tnterpn
cbe t greet dieono a
\parte, babbtam но
.!Mp. ;"(f!
IcnftatsyuSfe site
Щ ttttcmc jjtoaaus:
t ашйтаи; <fcs mama
to ruts ujbmuo.ntftira.ctc
■tattfcno гршг паШишие
;ш*шшшиигр
Humanistic Minuscule,
15 век. (Вверху)
Humanistic Italic (курсив),
16 век. (Вверху)
Готические черные буквы,
13-15 веко. (В самом
верху слева и вверху)
ABCDEFGHIJKLMN
OPQRSTUVW
XY&Z
abcdefghijklmnopqrstuvwxyz
Латинский Баскевилля.
Л Б С D E F G H IJ
KLMNOPQR S
Т U VWX Y & Z
тпо
ipqrst
Курсив Гарамонда.
599

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
("они ... сделали себе штаны", тогда как в
более позднем официальном варианте
употреблено слово "передники"), была напечатана в
относительно небольшом формате, и в
последующие 50 лет именно это издание было наиболее
популярным среди частных лиц. Это была
первая библия, набранная латинским шрифтом и
первая английская библия с нумерованными
стихами.
Между 1560 и 1640 было опубликовано 140
изданий. Официальный вариант (1611) писали
54 ученых, и работе покровительствовал сам
Джеймс I. Являясь скорее переработкой
предыдущих трудов Тиндейла, Ковердейла и других,
чем новым переводом, это издание вскоре
вытеснило все более ранние английские версии.
Первой напечатанной в Америке была
индейская Библия Джона Эллиота (Кембридж,
Массачусетс, 1663), а первая библия на
английском языке была напечатана в Филадельфии
в 1782 году.
ИЗДАНИЯ ПО ЕСТЕСТВЕННОЙ
ИСТОРИИ
Первым напечатанным травником
(описанием растений с лечебными свойствами) в Англии
был Тербал (Травник)" Джона Джерарда
(1597). В нем содержалось 2200 иллюстраций.
Как и "Комплит Гербал (Исчерпывающий
травник)" Николаса Кулперера, он, наряду с
научными сведениями, пересказывал много
народных поверий. Обе книги иллюстрировались
гравюрами. Для более поздних работ по ботанике,
например "Истории земной и одушевленной
природы Оливера Голдсмита" (1711),
использовались медные клише.
"Ботанический журнал", основанный в 1787
году Вильямом Куртисом, славился как
прекрасным текстом, так и замечательными
иллюстрациями. Другой тип изданий представлен
"Храмом Флоры" Торнтона (1799 - 1807) с
изумительными акватинтой и меццо-тинто, в котором
цветы изображались в романтической и
эффектной обстановке.
Некоторые из наиболее замечательных
ботанических иллюстраций были сделаны в 19 веке
во Франции Пьером Жозефом Редутом, который
пользовался гравировкой в пунктирной манере.
Среди его шедевров "Лилии" (8 томов, 1802 -
1816), "Розы" (1817 - 1824) и "Избранные
прекрасные цветы" (Choix des Plus Belles Fleurs,
1827 - 1833).
Такое же разнообразие методов
употреблялось при печатании трудов по орнитологии.
Среди лучших примеров искусно раскрашенных от
руки медных печатных форм была
"Естественная история британских птиц" Эдуарда Донова-
на (1794 - 1819). В "Птицах Северной
Америки" американского натуралиста Джона Джейм-
Fia:19
—-
са Одубона (1827 - 1838) прекрасные рисунки
автора были от руки выполнены акватинтой
лондонским гравером Робертом Гавелом. Было
издано менее 200 экземпляров, и эта книга
остается одной из наиболее дорогих работ в мире по
естественной истории.
Для этой науки 19 век был временем
расцвета. Развитие техники давало возможность
массового производства цветных книг, например
40-томной "Библиотеки натуралиста" Вильяма
Джардина, предназначенной для широкого
круга читателей. Однако контактная теневая печать
(печать прямо с натурального объекта,
например с папоротника или водоросли) получила
относительно ограниченное применение, так как
с каждого экземпляра можно было сделать лишь
малое число копий.
КНИГИ
О ПУТЕШЕСТВИЯХ
До 1500 года треть издававшихся в Европе
книг были иллюстрированными. Однако многие
из этих иллюстраций были небрежными,
универсальными гравюрами, использовавшимися
много раз в различных книгах. Это особенно
относится к ранним видам городов и населен-
НЕХЕМИЯ ГРЮ:
АНАТОМИЯ РАСТЕНИЙ
Лондон
1682 г.
Этой книгой Грю открыл новый
этап в изучении физиологии и
морфологии растений. С
помощью микроскопа он имел
возможность сравнивать разные
растения и изучать одно и то же
растение в различные стадии его
развития. Он также сделал
первое научное обоснование
значения годовых колец на
деревьях и был одним из первых
ученых, развивших теорию
полового размножения растений.
600

КНИГИ И РУКОПИСИ
ДЕВИД РОБЕРТС:
СВЯТАЯ ЗЕМЛЯ,
СИРИЯ, ИДУМЕЯ,
АРАВИЯ И т.д.
Лондон
1842- 1845 гг.
Давид Роберте зарисовывал
памятники архитектуры. Его
путешествия по Среднему Востоку
нашли отражение в сериях цветных
литографий. (Вверху)
ДЖОН ХАННИНГ СПИК:
ЖУРНАЛ ОТКРЫТИЯ
ИСТОКОВ НИЛА
1863 г.
Спик опубликовал отчет о своем
путешествии через
экваториальную Восточную Африку, которое
завершилось открытием истока
Нила. (Справа)
ных пунктов. С конца 17 века книги о
путешествиях стимулировали совершенствование
техники иллюстрации, поскольку было необходимо
изображать точные карты и правдивые виды,
свидетельствующие о географических
открытиях их авторов.
18 век был временем экспедиций, которые
увековечены в таких трудах, как "Описание
путешествия вокруг света капитана Кука" (1773),
"Естественная история Каролины, Флориды и
Багамских островов" Марка Кейтсби (1731 -
1743) и "Кругосветное путешествие лорда Эн-
сона" (1748).
Об исследованиях Африканского
континента повествуют "Путешествия по внутренним
областям Африки" Мунго Парка (1799), Первые
шаги по Восточной Африке Ричарда Бертона
(1856), "Журнал открытия истоков Нила"
Джона Спика (1863), "Путешествия миссионера в
Южной Африке" Давида Ливингстона (1857).
Отчет Льюиса и Кларка об их переходе
через земли Северной Америки с востока на
запад были впервые опубликованы в пиратском
лондонском издании в 1809 году. Первая
официальная версия вышла в 1814 году в
Филадельфии. Книга австралийского первопроходца
Чарльза Стерта "Две экспедиции во внутренние
601

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
СОЗДАНИЕ ИЛЛЮСТРАЦИЙ
В процессе создания иллюстраций
можно выделить три стадии: рельеф,
например резьба деревянных клише;
глубокая печать на медных печатных
формах, травление, акватинта и
гравирование на стали, когда контуры
рисунка вырезаются на тонкой пластине;
плоская печать, например литография,
когда рисунок наносится на плоскую
печатающую поверхность. Для
книгопечатания разница имеет значение,
так как рельеф можно делать
одновременно с текстом, а глубокая и
плоская печать делаются на станках
другого типа и добавляется к тексту на
последней стадии, тем самым
увеличивая себестоимость книги.
Деревянные клише использовались
до изобретения наборного шрифта и
продолжали применяться первыми
печатниками как для создания
иллюстраций, так и узоров. Но к концу
16 века для иллюстрирования особо
ценных книг стали использовать
глубокую печать на медных печатных
формах. Деревянные клише
продолжали применяться в книгах для
массового читателя до конца 18 века. В
Англии Томас Бивик (1753 - 1828),
знаменитый своими иллюстрациями к
естественной истории, произвел
переворот в технике печатания с
деревянных клише. Он воспользовался
острым резцом на прочном самшите
для гравирования рисунков на
древесине, соединив таким образом
легкость и дешевизну резьбы по дереву
с большей тонкостью глубокой печати.
Этим методом в начале 19 века
выпускались многие издания, например
Лондонские иллюстрированные
новости.
Глубокая печать. Глубокая печать на
медной пластине позволяла добиваться
создания полутонов и теней техникой
перекрестной гравировки, которая
невозможна при резьбе по дереву. Этот
метод достиг расцвета в Нидерландах в
16 и 17 веках. Травление заключалось в
покрытии медной пластины воском, в
котором рисунок процарапывался
иголкой. В этом случае рука художника
была менее скована и линии получались
более свободными, чем при
непосредственном гравировании на
меди. Затем пластина помещалась в
емкость с кислотой, который разъедал
металл в местах, где слой воска был
процарапан художником. Некоторые
контуры могли затем вновь покрываться
воском для предотвращения
дальнейшего разъедания, затем
пластина опять опускалась в кислоту.
Результат получался мягче, чем при
гравировке.
Другим вариантом была точечная
гравировка, при которой линию заменял
ряд маленьких черточек или точек,
создавая большую изящность. Меццо-
тинто - еще одна разновидность:
пластина обрабатывалась вращающимся
инструментом для создания тысяч
крошечных впадин. Эта грубая
поверхность покрывалась краской (таким
образом, что при печати без дальнейшей
обработки получился бы абсолютно
черный отпечаток) и затем очищалась в
ДЕРЕВЯННАЯ ГРАВЮРА
Из "Общей истории
четвероногих' Томаса Бивика
1740 г. (Вверху)
ЛИТОГРАФИЯ
Давид Роберт: Святая земля.
Сирия, Идумея, Арабия и тм-
1842- 1845. (Вверху)
ДЕРЕВЯННЫЕ КЛИШЕ
Святой Кристофер. Печать
с деревянных клише
1423. (Вверху справа)
602

КНИГИ И РУКОПИСИ
nftofim fancm mr quaminr? turns flhUcnmo rr t с'
Зилптфгтгтомгтл1ашм1пниш13 mno:^-
местах, где нужны были полутона или
светлые участки.
Гравирование акватинта было
придумано Ле Принсом в 1787 году.
Медная пластина сначала покрывалась
смолой, потом сильно нагревалась.
Рисунок процарапывался сквозь смолу и
смачивался кислотой. При этом способе
протравливались не только
процарапанные линии, но и крошечные
зазоры между пластиной и смолой.
Получался эффект, похожий на рисунок
акварельными красками. Акватинта
широко использовалась примерно с 1790
до 1830 года для иллюстраций в книгах о
путешествиях и топографии.
В литографии, изобретенной в 1798
году немецким гравером Алоизом
Сенефельдером (1771 - 1834) в Мюнхене,
рисунок наносится жирной восковой
пастелью прямо на плиту известняка.
Последний затем увлажняется, но
намокает лишь та часть поверхности,
которая не обработана. Когда на
поверхность наносится краска,
увлажненные области не удерживают ее,
а на обработанных местах она остается.
После изобретения фотографии в начале
19 века принцип литографии
использовался в различных механических
процессах для прямого печатания
иллюстрации художника в книгу.
ОФОРМИТЕЛИ КНИГ 19-ГО
И НАЧАЛА
20 ВЕКА
Бердсли, Обри
1872-1898
Оформлял Желтую Книгу»
Бивик, Томас
1753 - 1828
Гравер по дереву.
Блейк, Вильям
1757-1827
Оформитель и гравер
собственных стихов.
Браун, Халбот.
Рыцарь "Фиц"
1815 - 1882
Иллюстратор Диккенса.
Кальдекотт,
Рандольф
1846-1886
Оформитель книг для детей,
Крейн, Уолтер
1845-1915
Дизайнер и оформитель книг.
Круикшенк, Джордж 1792 - 1878
Карикатурист.
Доре, Густав
1832-1883
Оформлял книги: Библия,
Древние моряки, Дон Кихот и т.д.
«VC»
Дойл, Джон "ХБ
1797-1868
Политический сатирик.
Дойл, Ричард
1824-1883
Замечательный оформитель и
юморист.
Дюлак, Эдмунд
1882-1953
Оформитель книг в стиле Ар
деко.
Гилрей, Джеймс
1757-1815
Политический сатирик.
Гриневей, Кейт
1846 - 1901
Оформитель книг для детей.
Хит Робинсон,
Вильям
1872-1944
Изображал сумасшедшие
изобретения.
Кинг, Джесси М
1876 - 1949
Оформитель в стиле модерн
Глазго.
Лич, Джон
1817-64
Комические иллюстрации,
особенно охотничьи сцены.
Николсон
Вильям
и Прайд, Джеймс
1872 - 1949
1866 - 1941
"Нищие братья". Плакаты и
оформление книг.
Пеллегрини, Карло 183в _ flg
'Обезьяна
Карикатурист "Ярмарки
тщеславия".
Поттер, Беатрикс
1866 - 1946
Писательница и оформительница
собственных рассказов для детей,
Рекхем, Артур
1867-1939
Оформитель книг для детей.
Роберте, Давид
1796 - 1864
Художник "Святой земли".
Тенниел, Джон
1820 - 1914
Наиболее известен за
иллюстрации к "Алисе в стране
чудес".
Вард, Лесли Метью 1Mi ю9о
Шпион
Карикатурист "Ярмарки
тщеславия".
603

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
Ошп eii«k* Щ^^г near Dublin.
*^^» ^ * ■'- -* * — - - -
Ar —..W..V.. „^,(
> Г4А-4-.А U,
районы Южной Австралии" была впервые
издана в 1833 году.
Увеличивающийся интерес к антропологии
туземного населения нашел отражение в
трудах первых исследователей новых земель,
например, в серии книг Джорджа Сатлина о его
путешествиях среди индейцев Северной
Америки: "Манеры, обычаи и образ жизни
североамериканских индейцев" (1841),
"Североамериканский портфель" (1844), "Последние прогулки
среди индейцев Скалистых гор и Анд" (1868).
В конце 19-го и начале 20 века стали
популярны путеводители для обычных
путешественников. Издательства Бедекера, Мюррея и А. и
К. Блека выпустили обширные серии
путеводителей. Они были щедро снабжены
иллюстрациями - гравюрами с дерева и стали или
полутоновыми цветными вкладышами. В области
путешествий были выпущены два отчета о
полярных экспедициях: "Северный полюс адмирала
Роберта Е. Пири" (1910) и издание Леонарда
Хаксли "Последняя экспедиция Скотта" (1922).
ТОПОГРАФИЧЕСКИЕ
КНИГИ
Хотя любители старины всегда
интересовались местной историей, архитектурными
памятниками и древностями, до конца 18 века лишь
узкий круг людей увлекался подобными
вещами. Ситуация изменилась, когда, в частности,
возрос интерес к живописным пейзажам.
Чтобы удовлетворить спрос, стали выпускаться
серии соответствующих книг. Например, два
английских издателя, Джеймс Мальтон (ум. 1803)
и Рудольф Эккерман (1764 - 1834) заказывали
акварельные рисунки местных пейзажей,
некоторые у таких известных художников, как Дж.
М. В. Тернер и Джон Селл Котман, которые
воспроизводились способом акватинта. Среди
лучших изданий Мальтона были "Живописный
тур по Лондону и Вестминстеру" (1792) и
"Живописное и описательное путешествие по
городу Дублину" (1794 - 1795). Эккерман
координировал работу художников, граверов и
колористов и организовал обширный рынок сбыта
для выпускавшихся его издательством гравюр.
Среди многих успешных его книг были
"Микромир Лондона" (1808 - 1810) со 104 цветными
иллюстрациями А. К. Пугина и Томаса Раулан-
дсона, "Оксфордский университет" (1814) с 82
цветными иллюстрациями, "Кембриджский
университет" (1815) с 79 цветными
иллюстрациями и "История колледжей (частных школ)"
(1816) с 79 цветными иллюстрациями.
Великий английский карикатурист и
иллюстратор жизни Регентства Томас Рауландсон (1756 -
1827) обычно протравливал и применял
акватинту для создания собственных клише. Его наибо-
ДЖЕЙМС МАЛЬТОН:
ЖИВОПИСНОЕ
И ОПИСАТЕЛЬНОЕ
ПУТЕШЕСТВИЕ
ПО ГОРОДУ ДУБЛИНУ
1794 - 1795
Печатные формы акватинты
изображают стиль архитектуры
конца 18 в. (Вверху)
РУДОЛЬФ ЭККЕРМАН:
МИКРОМИР ЛОНДОНА
1808 - 1810
Иллюстрации Пугина и Рауланд-
сона. (Вверху)
604

КНИГИ И РУКОПИСИ
ПЕРЕПЛЕТЫ
В античном мире книга представляла
собой свиток пергамента или папируса,
который получался, если листы
рукописи последовательно скрепляли краями.
Неудобство перехода к разным частям
текста при таком виде книги привели к
появлению в 400 году н.э. кодекса -
современной формы. Теперь все листы
скреплялись у одного края.
В типичной рукописи листы
соединялись вкладкой: один лист вставлялся в
согнутый другой. Пары сшивались через
сгиб, затем все вместе простегивались
по его краю. Наконец, все сжималось
деревянными дощечками, которые
обтягивались кожей. В основном такая
технология сохранилась и по сей день,
хотя бумага заменила пергамент,
картон - дерево, а материя - кожу.
Украшение переплета - тонкое
искусство. За века оно вобрало в себя
мотивы и даже материалы из различных
видов искусства, включая ювелирное
дело, текстиль и архитектуру. Наиболее
великолепные обложки манускриптов
украшались драгоценными камнями,
эмалями и хранились в футлярах. Менее
ценные ранние печатные книги
украшались бескрасочным тиснением (без
золота). Тиснение золотом не
применялось до середины 15 века. При этом
способе нагретые бронзовые
инструменты прижимались к листу бумаги с
нужным рисунком, положенному на
обложку для получения бескрасочного
Швейный станок
отпечатка. Затем рельеф заполнялся
яичным белком и уксусом, на него
накладывался лист золотой фольги, и
процедура повторялась вновь.
Каждый период европейского
книгопечатания имеет свои отличительные
особенности украшения с типичными
региональными вариациями. У каждого
переплетчика были собственные
неповторимые инструменты, так что возможно не
только определить время и страну, где
делался переплет, но часто и мастера.
ШВЕЙНЫЙ СТАНОК
Вертикальные шнуры прижимают
книгу к доскам, образуя
рельефные выпуклости на переплете.
(Вверху слева)
МАТЕРЧАТЫЙ
ПЕРЕПЛЕТ
Издатели стали переплетать книги
в матерчатые обложки в начале
19 в. (Вверху)
лее известной работой были серии иллюстраций
к путешествиям доктора Синтакса. Вначале он
делал две иллюстрации в месяц для
"Поэтического журнала" Эккермана. Текст писал Вильям Коум.
Затем вышел трехтомник под названием
Путешествие доктора Синтакса в поисках живописного
(1812), "Путешествие доктора Синтакса в
поисках утешения" (1820) и "Путешествие доктора
Синтакса в поисках спутницы жизни" (1821).
К концу 1820-х годов топографические
книги стали в основном иллюстрироваться с
помощью гравюр по стали. Среди наиболее
впечатляющих изданий этого типа можно назвать
многочисленные книги чертежника Вильяма Генри
Барлетта (1809 - 1854), который изъездил
Британские острова, Европу, Северную Америку и
Ближний Восток.
КНИГИ ДЛЯ ДЕТЕЙ
До середины 18 века книги, изданные
специально для детей, были редкостью. Те, что все-
таки выходили, отличались чрезмерной
"полезностью" и нравоучительностью. Некоторые из
них были небольшими иллюстрированными
изданиями, которые продавали странствующие
торговцы.
В 1744 году Джон Ньюберри начал издавать
книги для детей, которые избегали угнетающей
нравоучительности первых текстов. Его
деревянные гравированные клише значительно
улучшили качество иллюстраций. В некоторых его
книгах применялась даже глубокая печать на
медных пластинах.
В 19 веке количество книг для детей резко
возросло. Многие из них были написаны в основ-
605

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
ном с целью развлечения, хотя зачастую несли не
слишком замаскированную мораль. Большое
значение имели переводы, например, немецких
народных сказок братьев Гримм, впервые
опубликованных в Англии в 1824 году с иллюстрациями
Джорджа Крукшенка, и "Чудесные истории для
детей" Ганса Христиана Андерсена, первый
английский перевод которого вышел в 1846 году.
Пожалуй, наиболее знаменитая книга для
детей 19 века - это "Алиса в стране чудес"
Льюиса Кэрролла (1865). Иллюстрации для нее и
для продолжения "Алиса в Зазеркалье" (1872)
сделал сэр Джон Тенниел. Многие
американские книги для детей также приобрели мировую
известность: "Книга эскизов Вашингтона
Ирвинга" (1819), "Сказки Питера Парли об Америке"
Самюэля Грисволда Гудрича (1827), "Чудесная
книга для мальчиков и девочек" и "Сказки из
чащи" (1853) Натаниеля Хоторна (1852),
"Маленькие женщины" Луизы Алкотт (1868),
"Приключения Тома Сойера" (1876) и
"Приключения Гекльберри Финна" (1885) Марка Твена,
"Сказки дядюшки Римуса" Джоэля Чандлера
Харриса (1880).
Для детских книг всегда были важны
иллюстрации. Цветная печать для таких изданий
впервые была успешно применена Эдмундом Эван-
сом. Он напечатал иллюстрации Уолтера Крей-
на в "Детской опере" (1877), Кейт Гриневей в
"Под окном" (1878) и Рендольфа Кальдекотта в
"Джоне Гилпине" (1878).
Золотым веком цветных книг для детей в
Англии было начало 20 столетия. Большое их
разнообразие включает в себя прекрасные книги от
"Сказки о Кролике Питере" Беатрис Поттер (1901)
до великолепно оформленных изданий для более
старших возрастов, например "Питер Пен в
Кенсингтон гарденс" (1906) с иллюстрациями
Артура Рекхема и "Волшебные сказки" (1910),
оформленные Эдмундом Дюлаком.
КНИГИ ЧАСТНЫХ ТИПОГРАФИЙ
Появление частных типографий в конце 19
века было следствием протеста против низких
стандартов качества современных тогда
коммерческих изданий. Первопроходцем в этой
области был английский дизайнер и эссеист Вильям
Моррис (1834 - 1896), лидер движения
"Прикладное искусство". Когда Моррис решил
самостоятельно издать собственную книгу, его
задачей было создание гармонии шрифта,
иллюстраций, красок и бумаги. Он придавал также
важность развороту (двум смежным страницам
книги в ее открытом состоянии), считая его, а не
одну страницу, единицей типографского
дизайна. Чтобы удовлетворить свои эстетические тре-
ЛЬЮИС КЭРРОЛЛ:
АЛИСА В СТРАНЕ
ЧУДЕС
1865 г.
Эта сказка-нонсенс
оксфордского академика, написанная для
маленькой девочки, была
опубликована через десять лет с
черно-белыми иллюстрациями Тен-
ниела. Популярность этой книги
и продолжения 'Алиса в
Зазеркалье" (1872) была основана как
на столь же искусном
изображении персонажей Тенниелом,
как и на мастерском их
описании Кэрроллом
606

КНИГИ И РУКОПИСИ
ШЕКСПИР: СОН
В ЛЕТНЮЮ НОЧЬ
Артур Р&юшм
1908 г.
Рекхем начал свою карьеру в
конце 19 в., создавая
черно-белые иллюстрации для книг.
Однако славу ему принесли
цветные иллюстрации для многих
детских книг в первые три
десятилетия 20 в. Лучше всего ему
удавались гротескные создания и
лесные сцены (многие взрослые
коллекционеры его работ живо
представляют детские страхи, которые
навевали его иллюстрации).
Удобный формат ин-кварто, высокое
качество бумаги и красивый
матерчатый переплет напоминают
о золотом веке в издании книг
для детей.
607

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
~г>
т
ы
.5*
KJ
®й
2
2$
л-..
С7
• Я.-Т.
'•*«.
,*:■
^**".
а
/»^
fir**
А1
rhefcnrtrecr. uh<Yonjeoonn«
П ith и» the Плт h»o Нл1Гс coirr* угоппг.
»mnic fcwclco m.itim mctectrr.
I olcpoi it the nrpht with open «тс.
MhctbbcmnA-
•me lonacn folh со goon on p»lgrim.i<jff,
•crcefortoe<»icnotwun(icetrondci,
Co feme h* Iwte. howtbc In nondrr lond<oi
Hnd op«<UltY, from evenr »Mr«d ende
eiwtlond.ioCauntcrbWfTfbn ••»•€«
Th< booty t-hof w. m irtlf for to 0<Hc.
ChAt htm bath holpm whan ikit ibct wire
"llflL that in that o«oon on я иду,.
In ftoulhw<rh it theСдЬдп! *•
IUY.
R*dY to wtndcn on mY р*ЦПгТп-
|& Canterbury with fulrfetaut
• • • i </, »
v
ГПЧГ 'frT.ucwtihbieohowcoioelc
Jrooht с of March tuth pm<d to th< rootc.
Hnd bJibed every YCYnc in ow«b ikour.
I Of «Heh vcrtu «Hundred ♦• the По
mh »n lechimo eek wttb Me ewete br eetb
.red h»th Ы every ho4t*ndh<eth
ш:
cornet*
Hi nrobt weft comt Into that hoOKtrrt
Ш(1 n»nt .mil tw«ni» м *<ompaipnT<>
Ofoondryfcill<.bit«»<nti/rtTWt
lnf«U»<oblcr<wdpll<rrlm>:i>wf>tllHy»l<<.
Crxt loirmlOunKfbunrwoirttnnKlt.
*■
*i4
ДЖЕФФРИ ЧОСЕР:
ТРУДЫ
Квлмскотт Пресс
1896 г.
Бордюры с деревянных клише и
узоры Эдварда Берна-Джонса
составляют великолепное и
изобильное украшение книги. Каждый
разворот (или пара страниц)
считался одной единицей.
бования, он разработал собственные шрифты:
Золотой, основанный на латинских буквах
французского печатника 15 века Николаса Йенсона,
и Трои и Чосер - оба представлявшие из себя
несколько упрощенную готику.
В период с 1890 по 1898 год Моррис издал
53 книги в своей типографии Келмскотт Пресс.
Они демонстрируют высокие образцы
типографского искусства, но на вкус некоторых Моррис
зря старался возродить средневековые
стандарты: готические буквы иногда трудно было
читать, толстая, выделанная вручную бумага
делала переплетенную книгу слишком тяжелой,
массивной и дорогой по себестоимости.
Заслуга Морриса в большей степени состоит в том,
что он вдохновил современных ему энтузиастов
на основание собственных типографий. Среди
них были: Мерримаунт Пресс (основана в 1893 г.
в Бостоне, штат Массачусетс), Эшендин Пресс
(1894 - 1935), Эрагни Пресс (1894 - 1914),
Вейл Пресс (1896 - 1904), Эссекс Хаус Пресс
(1898 - 1909), Давз Пресс (1900 - 1916), Греб-
хорн Пресс (основана в 1919 г. в Сан Францис-
ко), Грегиног Пресс в Уэльсе (1922 - 1940).
Издательство Нансач Пресс Френсиса Мей-
нелла'(с 1923 г.) показала, что идеалы
энтузиастов частных типографий вполне можно
приспособить к ограничениям коммерческих изданий:
красивые книги необязательно делать лишь
вручную; чтобы достичь высоких стандартов,
достаточно следить за адекватностью оформления и
давать четкие указания рабочим. Клуб
Нумерованных Изданий (основанный в Нью-Йорке в
1929 г.) следовал тем же принципам.
608

КНИГИ И РУКОПИСИ
я
• •I ••\
■ • II
• t II
• • •.
L> —
i/Л
4s
.... х
V».
. • '<
v..
Л»
• *0*V«
jiFTHIS IS THE PICTURE OF THE OLD
HOUSE BY THE THAMES TO WHICH
THE PEOPLE OF THIS STORY WENT,*?
HEREAFTER FOLLOWS THE BOOK ITV
SELF WHICH IS CALLED NEWS FROM
NOWHERE OR AN EPOCH OF REST &
IS WRITTEN BY WILLIAM MORRIS/JM*
*>•
&
vn
ВИЛЬЯМ МОРРИС:
НОВОСТИ НИОТКУДА
Келмскотт Пресс
1893 г.
Помимо дизайна книг, Моррис
увлекался социальными
теориями. Он хотел возродить
ремесленные технологии, которые
вернули бы достоинство и
творческую составляющую ручного
труда. (Вверху)
БИБЛИЯ
Давз Пресс
1903- 1905 гг.
Книги, издававшиеся Уокером
и Кобден-Сандерсоном в Давэ
Пресс противостоят увлечению
средневековьем типографии
Келмскотт. Первая строка и
длинная палочка буквы
добавлены от руки Эдвардом Джон-
стоном. (Вверху справа)
РОЙКРОФТСКАЯ
АНТОЛОГИЯ
Ок. 1905 г.
Одним из американских
последователей английского
движения частных типографий был
Элберт Хабборд и его Ройкрофт
Пресс. Известный также под
именем Фра Элбертус, он
вернулся к итальянским моделям
15 в. для создания этой
антологии. (Справа)
IN THE BEGINNING
GOD CREATED THI: H\ N AND IHl I ARTH IT AND
ТНК ЬАКГН WAS WITHOUT |чФМ. AND VOID. AND
DARKNESS WAS UPON TH! I I Hi DEEP. Я I HI
SPIRITOh GOD MOVLD UPON TH Mi WATERS
f[ AnJ God sail Let t here he light & tinu \t flight And Godiawt height,
that it • < J :&Ge*Jdivided the light tnwi the datknew AndGodtalled
the Italic Djv. and the darknev* he tailed Night. And clvc мши and tlie
morning were tlie 6m Ллу. d AnJ God vitd. Lrt there Ы a hrmamenc ш the
midst of m water v ft In it divide the «ия Ьм the water*. AndGcxJ made
the firmament, and JivulvJ tlie water* u hk h were unJer the ЬямИЙ (root
the water* wh I jIvvc the f innanunt: ДГ it wa\ m\ An J GcJ talkJ the
firmament Heaven. And the evening Л' tlie nuinm^ were the lexond day.
([AndGevJ vuJ. Let the water* unJer the heaven he gathered ttv«her u»
one г1ке. anJkt tlic drv land appear: and it WMW /\nJC*\l called the dry
land Earth: and the gatlx ' the water>t ailed he Sea*: and < i
«aw that к watjjtxxT And God %mJ. Let the earth hong- forth grass, the hob
yielding ved. and the fruit tree vieLling fruit alter lu\ kind, wlw *eed n vt
Kscit. upon the earth: & tt was *o. AikI the earth brought forth gra*v Л ru
yielding ч\ J after hn kind. &' the tree vtcLiing fnnt. who*e wed Mim itself,
after hi* kind jiuii кч!%а\\ ilut л v. -J the evening & the morning
were the third day. f[ And OioJ ind Let there be lights in rl»e tumamenr
the heaven !e the Jay horn the night rhemb rvvandl
seavmv and lor J I J let duui К lot bolit<» in the firmament
the ht-iwi to £ive light upon thee irth X it v I i «od made two great
light*, the greater light to rule the Jiv. and the lewt light tt* rule the night :he
tntdethe \tar\ uldGodstl tlum in the hnnauunt of the heaven I
light upon tlie earth. лпА to rule over the day and t>ver the night. : . ide
light from the dbffatOB and t'tod viw that tt ШМЙ/юЛ And tIk evening
an.l м n..initio were the fminh day. fi And(**od .tig
fiXth ainindantlv the movm. tt tlut luth lile. and I»•%%•! that nuv fly
tbm the earth in the orvn Itrnununt of heaven. And l^xi .1 great
whalo ... rear ure that in««\4'fh. u lik htlu U»mght f»4th
abundanf rv. after their kind. &' every wmgeJ i«n\ 1 after hn ke J vrw
that it wa\ g.чч1. AnJ G»>J biewd them, vjvrng. Be trtarJul. *' mufcipK'. JtnJ
fifl the waters in the vrav AnJ let t»tv* I mukipfv m the earth And tlie rvrnmc
&' tlie mocnmg were the fifth day. fj And 1 a\I vakl. Let the earth bring l«*Tn
the Inrvy ireature after hn lunJ. vat tie. inJ * reeptng Hang, and Ьеам «4 the
earth a* Jikvlmavk rhe beau «4 the earth after
ho kmJ. AnJ tattle after the* kmJ. AnJ arrv thing true creepeth wpon die
-7
The Day of the Lord
Cbarkt KiAgsUy
THE Do* of the Lord is Ы ka*d. Ы bmi I
It» Mtorwu гойшрйш *ку;
TkimatiomsdsspdaniMgomheopeo/foU;
AH drmwurs (ом am
The nxfki u darbd bejor* As mom,
Whm 0» eUmi$ an hm*t tkm brooks ths ioscn;
And U* Dot of ths Lord is Ы hsmdl
Ths Dot of ths Lord is at hand!
Goiksr f<m, father you, angsls of Qod—
mdtndkt
OK Corns! for tim sartk is ortmm ooward and old!
Come dowrn, and rsmsw us ksw mouth.
Wisdomu SJf-SmcnJU*, Darin* and Loss,
Haass to the botAsfistd, stoop from
To ths Do* of ths Lord at hand!
m
609

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
За развитием ГЕОгрдфии лучшЕ всего следить по различным
КАРТАМ. С ТЕЧЕНИЕМ ВрЕМЕНИ КАЖДАЯ ПОСЛЕДУЮЩАЯ СТАНОВИТСЯ
бОЛЕЕ ТОЧНОЙ.
ДРЕВНИЕ КАРТЫ
История напечатанных за последние пять
веков карт показывает распространение
европейской науки и ее влияние на весь мир за
этот период. Возникший в эпоху Возрождения
интерес к античности выразился в почтении
перед "Географией" александрийского
астронома и географа Птолемея (2 век н.э.) и
трудами других античных ученых. Однако всего за
несколько лет великие экспедиции
португальского исследователя Бартоломео Диаса (прим.
1481 - 1500) и Васко да Гамы (ок. 1460- 1524),
родившегося в Италии Христофора Колумба
(1451 - 1506) и других путешественников
показали несостоятельность античной
картографии. С начала 16 века до 1850-х годов карты
демонстрируют все более совершенное
сочетание научной точности с художественностью
иллюстрации.
С течением времени улучшались способы
передачи информации. Процесс создания карт
претерпел значительные изменения, и на
сегодняшний день коллекционера ожидает
завораживающее разнообразие очертаний суши,
моря и звездного неба. Сделанные с
деревянных клише карты 16 века имеют яркий,
выразительный вид, который контрастирует с
изящными художественными произведениями
столетием позже; они, в свою очередь, в 18 веке
сменились точными и строгими
картографическими работами.
Хотя карты существовали и до первых
напечатанных атласов, их рукописные экземпляры
слишком редки, чтобы служить подходящим
объектом для коллекционирования. Собирают
либо напечатанные карты из атласов, либо чуть
более ранние, издававшиеся на одном или
нескольких отдельных листах.
ПЕРВАЯ СОТНЯ ЛЕТ
Самые ранние напечатанные карты издавались
в конце 15 века в главных европейских центрах
науки и культуры - в основном в Северной
Италии и Центральной Европе. Они основывались на
"Географии" Птолемея, в которую были занесены
почти 8000 тысяч названий и координат.
(Рукописные копии "Географии" с содержащими
информацию из нее картами зачастую превосходно
иллюстрировались, но в наше время они не
попадают в продажу.) Эти ранние карты, хотя порой
искусно гравированные, вряд ли могут быть
рекомендованы как имеющие художественную
ценность за исключением издания "Географии" Уль-
мом в 1482 году.
В 1487 году Диас обогнул западное
побережье Африки и мыс Доброй Надежды; в 1492
году состоялась первая экспедиция Колумба; в
1496 году итальянский мореплаватель Джон
Кабот (1450 - 1498) открыл Ньюфаундленд; в
1499 году да Гама достиг западного побережья
Индии; в 1520 году португальский
исследователь Магеллан (ок. 1480 - 1521) обогнул Юж-
КАРТА МИРА, 1493
Хартман Швдвль
Прим. 52 х 38 см
(21 х 15 дюймов).
Эта опубликованная Шедвлем в
'Нюрнбергской хронике' карта
с фантастическими обитателями
мира иллюстрирует
традиционные птолемеевские
представления о форме земли.
Появившиеся через несколько лет карты,
основанные на данных экспедиций
Колумба, выглядели уже
совершенно по-другому. (Вверху)
БРИТАНСКИЕ
ОСТРОВА, 1482
Прим. 46 х 39 см (18 х 16
дюймов)
Эта карта из 'Географии'
иллюстрирует представление о
Британии во времена Птолемея.
Выдающаяся на восток Шотландия
и слишком северное положение
Ирландии бросаются в глаза.
Яркие краски типичны для этого
издания. (Справа)
610

ДРЕВНИЕ КАРТЫ
М \ I .
ную Америку; через два года один из его
кораблей вернулся в Испанию, совершив первое в
мире кругосветное путешествие.
В результате этих великих путешествий
античные представления о мире оказались
устаревшими: теперь выяснилось, что Индийский океан
не ограничен сушей, а Атлантический не
безбрежен, что ранее неизвестный "Новый Свет"
расположен между Европой и Востоком, что
существует огромный Тихий океан и что Земля
совершенно определенно не плоская. Однако картография
находилась еще в зачаточном состоянии и
соответственно не спешила отражать новые знания. В
действительности до 1570 года, когда вышел
"Театр Мира" фламандского картографа Абрахама
Ортелиуса (1527 - 1598), все карты продолжали
основываться на географии Птолемея.
Наиболее значительные ранние карты.
Несмотря на зависимость от Птолемея в первые
сто лет печатания карт, прогресс все-таки
наблюдался, о чем свидетельствует следующий
список наиболее значительных
картографических изданий:
1472 Первая карта напечатана в
Болонье, Италия: гравюра по дереву, изображающая
мир.
1477 Первое издание "Географии"
Птолемея с картами.
1482 Первое издание "Географии" с
включением "современных" карт.
1492 Карта Мира Франческо Россели,
первая, в которой Индийский океан не окружен
сушей.
1506 - 7 Три имевшие огромное значение
карты Мира Джованни Контарини, Иоганна
Руича и немца Мартина Вальдсимюллера (ок.
1470 - ок. 1518); на этих картах впервые
обозначен Новый Свет.
1513 Издание Мартином Вальдсимюлле-
ром Птолемея с включением первых карт
Северо-западной и Южной Африки, и первый атлас
с картой Центральной Америки.
СОВРЕМЕННАЯ КАРТА
ИСПАНИИ, 1507/08
Прим. 50 х 39 см (20 х 16
дюймов)
Эта одна из первых
'современных', в противоположность
классическим, карт Иберийского
полуострова была опубликована в
римском издании 'Географии*.
Группа Азорских островов -
одного из главных пунктов захода
для кораблей, отправлявшихся в
Новый Свет, - ошибочно
нанесена севернее.
611

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
ЛОНДОН, 1572
Прим. 48 х 32 см
(19 х 13 дюймов)
Эта впервые изданная в 1572 г.
карта с планом Лондона и
Вестминстера похожа по стилю и
формату на карты 'Населенных
пунктов" Мира Брауна и Годен-
берга. В шести томах оказались
собраны карты большинства
главных европейских городов, планы
многих были выпущены впервые.
Среди указанных британских
городов были Бристоль, Кембридж,
Кентербери, Честер, Эдинбург,
Эксетер, Норвич, Оксфорд и
Виндзор (на одной вкладной
иллюстрации). Йорк, Шрусбери,
Ланкастер и Ричмонд-но-Темзе
были на одной гравюре, как и
ирландские города Дублин, Го-
лоуэй, Лимерик и Корк.
1540 Издание Птолемея немцем
Себастианом Мюнстером (1489 - 1552), затем его
собственной "Космографии" со многими
новыми картами, впервые включая карты каждого
континента в качестве отдельного
географического объекта.
1548 "География" Джакомо Гастальди,
первый "карманный" атлас.
1570 Абрахам Ортелиус издает "Театр
Земли", который считается первым
современным атласом и содержит карты на 53 листах.
ПОЯВЛЕНИЕ
МЕСТНОЙ КАРТОГРАФИИ,
1570 - 1600
"Театр Земли" Ортелиуса был первым из
нескольких основополагающих атласов, изданных
в конце 16 века. Многие карты в этих атласах
основывались на отдельно выпущенных
оригиналах, из которых до нас в большинстве
случаев дошла лишь одна или в лучшем случае
несколько копий. В результате атласы -
единственный доступный объект для коллекционирования
в этой области. В "Театре" содержались карты
всех частей света. Несколько из них были
вычерчены лично Ортелиусом, также как и карты
в "Парергоне", дополнении к его атласу. Его
связи с европейскими картографами служили
причиной постоянного совершенствования
атласа. По сравнению с первым изданием и
изданием в 1595 году, когда Ортелиус умер,
количество карт в атласе удвоилось, и их
насчитывалось уже более 100. Хотя многие региональные
карты остались без изменений, карты Мира и
Америк значительно уточнились по сравнению
с 1570 годом.
Среди коллег Ортелиуса был фламандский
географ и картограф Герхард Кремер (1512 -
1594), более известный под именем Меркатор.
Являясь самым авторитетным картографом
своего времени, Меркатор издал собственный
Атлас (впервые использовав это слово в качестве
названия подборки карт). Первая часть вышла
в 1585 году, третью и последнюю опубликовал
уже его сын в 1595 году. Карты Меркатора
точнее и гравированы тщательнее, чем работы
Ортелиуса, однако уступают им в
художественности.
Наверное, наибольшую известность Мерка-
тору принесло составление и издание карты
Мира в 1569 году. Несмотря на ее
превосходство над всеми прочими картами того времени
(например, мореходы впервые получили
возможность намечать прямые маршруты), прошло
много времени, прежде чем ею стали
пользоваться повсеместно.
Изданный в 1578 году Жераром де Жоде
атлас "Спекулум Орбис Террарум" соперничал с
"Театром" по своей концепции и также вобрал
в себя работы многих авторитетных
картографов. Однако два его издания (второе вышло в
1593 году) не смогли конкурировать с работой
Ортелиуса. Красиво спроектированные и
тщательно вычерченные карты де Жоде встречают-
612

ДРЕВНИЕ КАРТЫ
ЗНАМЕНИТЫЕ СОСТАВИТЕЛИ КАРТ
Птолемей, К.
приблизительно 2 век н.э., Алексан
дрия; карты, издававшиеся во мно
гих городах (1477 - 1730).
Блау, семья
Ок. 1600 - 1672. Амстердам.
Изготавливали карты, атласы и глобусы.
Мюнстер, С.
1489 - 1552. Базель. Издавал
карты с деревянных клише.
Спид, Дж.
1552 - 1629. Лондон. Карты английс
ких графств (1610 - ок. 1770) и кар
ты Мира (1627 - 1676).
Меркатор, семья Ок. 1537 - 1595. Дуйсберг. Многие
авторитетные карты.
Сансон, Н.
1600 - 1667. Париж. Различные ат
ласы с 1650 года.
Ортелиус, А.
1527 - 1598. Антверпен. Издавал кар
ты из первого "современного" атла
са. (1570 - 1612).
Коронелли,В
1650 - 1718. Венеция. Изготавливал
атласы и глобусы.
Гондиус, семья
Ок. 1588 - ок. 1640. Лондон и
Амстердам. Составители и издатели карт.
Де Лиль, Г.
1675 - 1726. Париж. Авторитетные
карты большой точности.
ся гораздо реже, чем издания Ортелиуса и Мер-
катора, и пользуются особенным спросом среди
коллекционеров.
Шесть томов "Цивитатес Орбис Террарум"
было издано двумя немцами: Георгом Брауном,
каноником Кельнского собора, и Францем Го-
денбергом в период с 1572 по 1617 год. В это
собрание из более 450 планов, видов и панорам
были включены все важнейшие города и порты
Европы, многие африканские и азиатские
населенные пункты и два города Нового Света -
Мехико и Куско.
Изданный в 1579 году атлас Кристофера Сек-
стона включал в себя 34 карты английских и
валлийских графств. Он считается первым
атласом отдельного государства. Многие свои
карты Секстон составил, основываясь на
собственных наблюдениях. Он заказывал их гравюры
лучшим английским и фламандским мастерам.
На многих листах графства сгруппированы
вместе. Лишь в переиздании карт Секстона в
"Британии" английского историка Вильяма Кемдена
(1551 - 1623) появляются карты отдельных
графств. Из оригиналов все, кроме одного,
датированы временем между 1574 и 1578 годами -
периодом их выхода, и на каждом стоят гербы
короля и Томаса Секфорда, под чьим
покровительством осуществлялось это издание.
Изданный Лукасом Янзооном Вагхенаером
"Шпигель дер Зеевардт" (1584) был первым
атласом с подробными морскими картами
северного и западного побережий Европы.
Голландская картография. В 16 веке
центр морского могущества переместился с
Иберийского полуострова и Испанских
Нидерландов на север, в Амстердам. Голландские купцы
и мореходы создали спрос на подробные
морские карты и таблицы. "Итинерарио " (1594)
голландского картографа Гуго ван Линсшотена
(1563 - 1611) было одним из наиболее
авторитетных изданий того периода. Туда были
включены тщательно выполненные подробные и
красивые карты побережий Африки к югу от
Сьерра-Леоне, Индийского океана и Азии до Японии
и Новой Гвинеи; и карта колоний в Южной и
Латинской Америке. В наши дни эти карты (как
оригиналы, так и английское переиздание 1598
года) пользуются большим спросом среди
коллекционеров.
В переиздание включена дополнительная
карта Молуккских островов (островов Пряностей)
и диаграммы, иллюстрирующие местную
продукцию.
Достойная внимания карта Мира, одна из
первых использовавшая проекцию Меркатора,
была сделана английским картографом
Эдвардом Райтом. В Германии, главным образом в
Кельне, Матиас Квад, Иоганн Буссемахер и
другие издавали копии работ современных тогда кар-
КОРНУОЛЛ, 1579
Кристофер Секстон
Прим. 51 х 38 см
(20 х 15 дюймов).
Это одна из наиболее известных
и красивых карт из атласа
английских и валлийских графств,
выпущенного Секстаном. Землю
окружают декоративные
элементы - морские чудовища,
корабли и картуши. Карта подписана
голландским гравером Леонар-
том Тервоортом. Карты
Секстона переиздавались в 1645,1689/
93 и 1720 годах.
613

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
тографов из Нидерландов. Однако лидерство
голландцев в этой области было таким, что
большинство значительных публикаций еще более
ста лет издавалось в Амстердаме.
НАЧАЛО 17 СТОЛЕТИЯ:
ЗОЛОТОЙ ВЕК
КАРТОГРАФИИ
В первую половину 17 века публиковались
лучшие картографические работы за всю
историю этой науки. Амстердамские составители
карт, граверы и печатники создавали наиболее
художественные произведения. В 1590-е годы
Биллем Янсзоон Блау (1571 - 1638) основал в
городе семейный клан картографов. Сначала он
делал рукописные и напечатанные морские
карты, лоцманские карты, навигационные приборы
и глобусы. В 1630 году был издан его первый
мировой атлас, затем в 1662 году вышел
Большой Атлас, самый великолепный атлас того
времени. В своем законченном виде - 12 томов с
600 картами, нередко раскрашенными от руки и
украшенными золотом, в роскошных
переплетах из вельвета или сафьяна - этот атлас мог
играть роль почетного подарка власть
предержащим. Карты Блау все еще встречаются, но
очень редко, так как спрос на них во всем мире,
включая обе Америки, особенно велик.
С 1606 года все в том же Амстердаме Йодо-
кус и Хенрикус Гондиус начали переиздание
Атласа Меркатора, добавив в него несколько
новых карт. С 1638 года в этом направлении
стал работать Ян Янссон. Он добился того, что
его 10-томный Большой Атлас (как он тогда
назывался) 1658 года соперничал - хотя и без
особого коммерческого успеха - с изданием
Блау.
Кроме создателей больших атласов среди
остальных известных голландских картографов
того времени были: Петрус Планциус, Клаас
Янсзоон Висхер и Питер ван ден Кеере.
Последний, наверное, наиболее известен своей
серией карт английских графств. Они обычно
называются "миниатюрные спиды" в память о
заслугах английского картографа Джона Спида.
Морские карты. В результате торговой
активности голландцев на морях, Амстердам в
17 веке стал центром издания морских карт.
АФРИКА, 1630
биллем Блау
Прим. 52 х 41 см
(21 х1в дюймов)
Составленная Блау серия карт
континентов с фигурами была
гравирована к 1620 г., но не
входила в атлас до 1630 г., когда был
опубликован его первый атлас
суши - Атлантис Аппендикс.
Затем они стали включаться во все
атласы Мира Блау. В течение 17
в. этот дизайн с видами городов,
портов, гаваней и портретами
местных жителей переняли
другие голландские и некоторые
английские составители карт.
614

ДРЕВНИЕ КАРТЫ
ДЕКОРАТИВНЫЕ КАРТЫ
ОРБИС ТЕРРАРУМ
ТИПУС, 1594
Пвтрус Пламциус
Прим. 57 х 40 см
(23 х 10 дюймов).
Во многие карты 17 века включаются
виды городов и иллюстрации с
портретами местных жителей,
жилищами, флорой и фауной. Первая
проиллюстрированная таким образом
карта была издана Петрусом
Планциусом в 1594 году. Она
представляла из себя два полушария;
в четырех углах располагались фигуры
небожителей, представляющих каждый
континент. Обычно в такого рода
украшениях континенты представлялись
женщинами. Например, Европа могла
быть изображена пышно одетой дамой,
окруженной научными приборами на
фоне сельского пейзажа. Азия - в фате
и с драгоценными украшениями, среди
ящиков с безделушками и специями и
на фоне минаретов и пагод. Африка -
обнаженной женщиной верхом на
экзотическом животном на фоне
туземных хижин и пирамид. Америка -
в виде вооруженной для охоты
амазонки на фоне сцен работы
на золотых или серебряных
рудниках и, возможно, даже
каннибализма.
На картах Мира часто
изображались также классические
персонажи и сцены, символизирующие
времена года или стихии. Карты
континентов или отдельных областей
нередко делались в стиле "карты с
фигурами". По бокам рисовались
"окошки", в которых изображались
жители разных областей или горожане
разных классов, а в окошках наверху и
иногда внизу рисовались планы или
панорамы главных городов или портов
области. Таким образом, европейцы,
зачастую впервые в жизни, могли
получить не только данные о форме и
физических особенностях других
земель, но и увидеть внешность и
жилища их обитателей.
МИДДЛСЕКС,
Ок. 1850 г.
Томас Маул
Прим. 26 х 20 см
(10 х 8 дюймов).
615

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
Отдельные карты, иногда напечатанные на
пергаменте для большей долговечности, и атласы с
картами издавались в 1600-е годы Вагхенаером,
Блау и Виллемом Баренцем. К середине века
большим спросом пользовались издававшиеся
Якобом Коломом сборники морских карт на
голландском, французском и английском языках.
Лучшими создателями карт с точки зрения
дизайна, качества бумаги и изложения были "Зее-
Шпигель" и "Зее Атлас" Питера Гооса.
Многие собрания морских карт были
гравированы очень искусно и часто украшались
большими картушами (орнаментальными
перевитыми дощечками или щитами), а также сценами
морских сражений. Такие работы пользуются
спросом среди коллекционеров. Предпочтение
отдается картам Гооса и Фредерика де Вита,
вышедшим около 1675 года. С некоторыми
исправлениями в 1717 и 1730 годах их
переиздавал Луи Ренард. Однако самые значительные и
многочисленные карты выпускались в
Нидерландах на протяжении более ста лет, начиная
примерно с 1680 года семьей ван Кеулен. Их 6
томный "Зее-Факкел" включал в себя
крупномасштабные карты всех известных побережий мира.
ОТ СЕРЕДИНЫ 17-ГО
ДО СЕРЕДИНЫ 18 ВЕКА:
ВЛИЯНИЕ ФРАНЦИИ
К началу 17 века во Франции,
преимущественно в Париже, был издан целый ряд карт и
атласов. Однако большей частью это были
копии голландских оригиналов. Если не считать
атласа Французских провинций Жана Ле
Клерка, в них появилось немного нового. Но к
середине века европейская картография сделала шаг
вперед благодаря работе Николаса Сансона, чьи
карты, особенно Северной Америки,
продемонстрировали более точный, документальный
подход к составлению карт.
В 1667 году Сансон умер, но его сыновья
Гильом и Адриан вместе с Алексисом Губертом
Жайлотом переделали его карты в большем
масштабе и оформили в пышном декоративном
стиле. Эти одни из самых великолепных карт
издавались в Париже в 1681 году и в Амстердаме
примерно до 1730 года.
В результате активности французских
исследователей, миссионеров-иезуитов и купцов
Париж становился все более важным
картографическим центром. В 1700 году Гильом де Лиль
издал свой первый атлас - точную научную
работу. Благодаря ей картография стала из
области искусства превращаться в науку. Атлас де
Лиля переиздавался в течение последующих
десятилетий. После смерти автора в 1726 году в
него часто вносились изменения и дополнения,
сделанные его последователями Филиппом и
Жаном Николасом Буше и Жаном Дезуше. Ин-
. к к
т
j—ттг-
л л
Г
Г с?-
"У .
7
X к > »Ц ii> I* >ш к
A R
■ I * ■ ■■ « I
йв .1.ъч ,Ъг*ф,ьШк i <Д|- м|Щ ВВЦ
терес Филиппа Буше к научной картографии
привел его к изданию физических и
геологических карт, среди которых были самые первые
минералогические обозрения. Однако в его
работы включались несколько странные
картографические теории.
"Исторический Атлас" (ок. 1720 г.) Анри
Абрахама Шателайна включает в себя одну из
наиболее зрелищных карт всех времен, на
которой изображен Новый Свет и береговые линии
ИНДИЙСКИЙ ОКЕАН,
Ок. 1680
Прим. 61 х 37 см (24 х 15
дюймов)
Голландская морская карта ярко
иллюстрирует увеличение в 17 в.
знаний европейцев о береговой
линии Австралии. (Вверху)
"НОВАЯ КАРТА МИРА",
Ок. 1720
Анри Абрахам Шаталайн
Прим. 61 х 40 см
(24 х 18 дюймов).
Эта карта из 'Исторического
Атласа" Шателайна более
точно изображает мир, чем многие
другие того же периода.
616

ДРЕВНИЕ КАРТЫ
ют*, t охйаш I.otteki Сед .» чип „(или <><лл1чп Луу.у*тл vutokT
Восточной Азии, Западной Европы и Африки.
Будучи очень крупномасштабной, она несет в
себе множество иллюстраций и информации.
КОНЕЦ 18 ВЕКА:
БРИТАНСКИЕ КАРТЫ
До 18 века в Британии составлялись
большей частью атласы карт графств, которые
основывались главным образом на работах
Кристофера Секстона. Труд Джона Спида Панорама
самых известных частей мира (1627) был
задуман как дополнение к его уже успешно
изданному атласу карт графств и стал первым
атласом Мира, опубликованным англичанином. Его
картография большей частью демонстрировала
влияние голландских мастеров, но карты
Спида, особенно Нового Света, были
собственными. В последующие издания атласа (1676)
вошли карты России, Палестины, Новой Англии,
Виргинии, Мериленда и обеих Каролин. Теперь
они пользуются спросом среди коллекционеров.
Интересной особенностью карт Спида является
то, что на их обратной стороне всегда
напечатан английский текст об изображенном районе.
До середины 18 века вклад Британии в
картографию нельзя назвать значительным. Но
постепенно возрастающая морская и военная мощь
страны и усиление ее влияния во всем мире
создали острую потребность в крупномасштабных
картах и точных морских картах практически
всего земного шара. Этот спрос
удовлетворялся опробованными методами изучения
собственной территории.
Кроме того, составленное и изданное в 1693
году капитаном Гринвиллом Коллинзом
обозрение британских прибрежных вод привело к
созданию Гидрографического отдела в
Адмиралтействе и выпуску лоцманских карт, изданием
МЕКСИКА И ФЛОРИДА
Т. С. Логтвр по дв Лилю
Прим. 58 х 48 см
(23x19 дюймов)
Эта немецкая версия Т. С Лот-
тера карты француза де Лиля
отличается характерной
французской точностью. Германский стиль
привнес сюда более четкое
гравирование, украшение
большими виньетками и несколько
крупных планов внутренних районов,
чтобы рациональнее
использовать свободное пространство.
617

КНИГИ, РУКОПИСИ И КАРТЫ
которых занимались Ричард и Вильям Маунт и
Томас Пейдж, стремясь охватить побережья
всего мира.
Интересы Британии в то время были
сосредоточены на колониях в Северной Америке и
Южной Азии. В обоих этих регионах
соперником Британии была Франция. Подробная и
точная карта 1755 года Джона Митчелла
использовалась при подписании соглашения в Париже,
урегулировавшего территориальные споры
обеих стран. Береговые линии Атлантического и
Индийского океанов, а также востока были
впервые тщательно исследованы опытными
гидрографами, включая Вильяма Герберта, Джозефа Спи-
ра, Александра Далримпла, Вильяма Хизера,
Фредерика Валлета дес Баррес и Джеймса Кука
(1728 - 1779). К 1780 году под руководством
главного наблюдателя Ост-Индской компании
капитана Джеймса Ренелла была составлена
карта Индийского полуострова. Многие из
исследований прибрежных районов того времени
составляют основу для современных морских карт
Адмиралтейства.
В конце 18 века картографы Лондона и
Эдинбурга, используя данные экспедиций Кука и
других исследователей, в основном заполнили
белые пятна на карте Мира. Издания Эрроусми-
тов в Лондоне и Вильяма и Александра Кита
Джонстона в Эдинбурге заложили основу для
современных атласов.
КОЛЛЕКЦИОНИРОВАНИЕ
КАРТ
Объектами коллекционирования могут
являться работы определенного картографа;
карты отдельного периода; особый способ
производства, например с деревянных клише или
методом глубокой печати с медных пластин. Но
наиболее популярной разновидностью
коллекционирования можно назвать собирание
последовательно издававшихся карт определенной
местности. При такой специализации
коллекционер может видеть увеличение знаний о
районе, развитие поселений и дорог, а также смену
картографических стилей, изображающих эти
особенности.
Карты Британских островов.
Коллекционер карт Британии может порадоваться
обилию изданных атласов графств, начиная с
публикации Секстона в 1579 году, чему нет
аналогов ни в какой другой стране. Соответственно
можно собрать коллекцию карт английских
БРИТАНИЯ, 17 в.
Джон Спид
Прим. 51 х 38 см
(20x15 дюймов)
Знаменитая карта Спида,
изданная в 1612 г. и скопированная
затем Блау и Янссоном,
изображает Британию времен
Саксонских Королевств. Портреты и
сцены на бордюрах показывают
людей и события того времени.
(Справа)
НЕБЕСНЫЕ СФЕРЫ,
Ок. 1690
Прим. 92 х 53см
(37 х 25 дюймов)
Это изданное де Витом
замечательное двойное полушарие
окружено шестью меньшими
диаграммами, иллюстрирующими
представления о планетах, Луне
и Солнце. (Внизу)
618

ДРЕВНИЕ КАРТ
ТЕРРАРУМ ОРБИС,
Ок. 1670
Прим. 55 х 48 см (22 х 19
дюймов)
Искусно гравированные де
Витом два полушария
примечательны не только тем, что
Калифорния изображена островом, но и
использованием мифологических
персонажей в качестве
декоративного элемента. (Вверху)
графств начиная с времен Елизаветы до
середины Викторианской эпохи, когда подробные
секционные карты Картографического управления
вытеснили планы отдельных графств.
Теоретически возможно собрать до 100 карт одного
отдельного графства, причем каждая будет
заметно отличаться от других. Лучшие атласы
графств: "Британния" Вильяма Кемдена (1607);
"Панорама Британской империи" Джона Спида
с 1610 года и позднее; так называемые
"миниатюрные спиды" - карты из карманного атласа
1627 года и позднее; искусно гравированные
Блау и Янссоном карты каждого графства с 1645
года; подробные, информативные карты Т.
Кичина и Е. Боуена середины 18 века.
Можно найти многие карты Британских
островов, Англии или Уэльса. Очень большим
спросом пользуются в наше время
определенные карты 16 века, иллюстрирующие
постепенное расхождение с птолемеевскими
представлениями о береговой линии Британии, и
некоторые художественные карты 17 века. Хотя
многие из них довольно редки, некоторые,
имеющие значение и представляющие
художественную ценность, можно найти без особых
хлопот.
В отличие от Англии и Уэльса, Шотландия
и Ирландия не могут похвастать таким
разнообразием карт, которые поэтому менее подходят в
качестве объекта коллекционирования. Первый
атлас отдельных шотландских графств был
издан Блау в 1654 году, а ирландских - сэром
Вильямом Петти в 1685-м. Однако до этого
времени уже существовали некоторые неплохие
карты каждой страны и нескольких графств,
включая секционные карты обеих стран,
изданные Меркатором; карты четырех отдельных
провинций Ирландии, составленные Спидом и
затем скопированные Блау и Янссоном; карта
Оркнейских островов и окрестностей
Эдинбурга, составленные Гондиусом. В 18 веке
появился ряд атласов отдельных графств, хотя их
число не может сравниться с количеством атласов
Англии.
Карты Мира. За всю историю картографии
карт Мира было издано больше, чем карт
какой-либо отдельной местности. Кроме того,
карты Мира отличает большая художественность
и декоративность оформления по сравнению с
любыми другими картами. Поэтому
неудивительно, что они пользуются наибольшей
популярностью среди коллекционеров и тех, кто просто
хочет приобрести одно впечатляющее и
оригинальное произведение искусства. Несмотря на
высокий спрос, все еще можно найти редкие
интересные карты Мира начиная с 16 века.
Карты 18 века достать несколько проще. Они, хотя
и менее декоративны, представляют больший
интерес с точки зрения картографии.
Карты Европы. Можно достать многие
карты стран Западной Европы, опубликованные
начиная с середины 16 века. За исключением
Скандинавии, где издание местных карт началось
только в 1630-е годы, европейские страны
постоянно выпускали более крупномасштабные и
точные, чем карты целого государства, карты
своих провинций.
В стоящую коллекцию старинных
европейских карт было бы правильно включить также
издания стандартных французских и голландских
619

книги
РУКОПИСИ И КАРТЫ
ИТАЛИЯ, 1631
Йодокус Гондиус
Эта украшенная и тщательно
гравированная карта входила
в серию начатых Меркатором
атласов. В конце концов они
были опубликованы Янссоном.
(Вверху)
ЯПОНИЯ, 17 В.
Прим. 48 х 35 см
(19 х 14 дюймов)
Использовавшаяся Ортелиусом в
его 'Театре* с 1595 г., это была
первая карта Запада,
относительно точно изображавшая
положение Японских островов. Карту
составил португальский иезуит
Луис Тексера, картограф
Испанской короны. Она издавалась в
различных форматах до 1655 г.,
когда Блау издал работу
другого иезуита, отца Мартино
Мартини. Его карта считалась лучшей
до 19 столетия, когда
европейцы получили доступ в пределы
Японского государства. (Вверху
справа)
атласов и кроме них, наверное, издававшиеся
отдельно крупномасштабные карты.
Карты Азии. Карты Южной Азии
появились в издании Птолемея Мартином Вальдси-
мюллером в 1513 году. Оно переиздавалось до
1541 года, когда была опубликована карта
Азиатского континента Себастиана Мюнстера. С
итальянской карты Джакомо Гастальди,
изданной около 1560 года, много информации
использовали Ортелиус и Меркатор. Их атласы в
конечном итоге стали включать в себя отдельные
карты Святой земли, Турецкой империи,
Персии, Юго-Восточной Азии, Китая, Японии,
Цейлона и Татарии. Существует хороший выбор
доступных коллекционеру карт этих областей.
Карты Африки. До издания атласа
Мартина Вальдсимюллера в 1513 году Африка
изображалась только на редких теперь картах Мира того
времени и на картах Птолемея (Северная
Африка). До появления в конце 16 века атласов Орте-
лиуса и Меркатора существовало лишь малое
количество карт некоторых районов. Первый атлас
Африканского континента был издан в 1588 году
в Венеции Ливио и Гулио Санито, которые
выпустили комплект из 12 точно гравированных карт.
Примерно в это же время вышли красивые
карты большей части континента и Конго. Их
автором является Филиппо Пигафетта.
В 17 веке все главные издатели карт
опубликовали точные карты континента.
Наибольшей популярностью среди коллекционеров
пользуются издания Блау, Гондиуса, Спида,
Джона Овертона и Винченцо Коронелли.
Карты Северной Америки. 500-летнюю
историю никакого континента, за исключением
Северной Америки, невозможно с такой
ясностью проследить по картам. Коллекционер
может найти доколумбовы карты, в которых нет
ни малейшего намека на Новый Свет, карты 16
века с нечетким указанием на земли севера и
юга Америки, и затем последовательность все
более точных и подробных карт.
Лучшие карты и атласы, которые с
наибольшей вероятностью могут встретиться
коллекционеру, были составлены: Вальдсимюллером,
Ортелиусом, Меркатором, Спидом, Сансоном,
Коронелли и Митчеллом.
Карты Вест-Индии и Южной Америки.
Эти районы, естественно, были хорошо
исследованы и использованы испанцами и
португальцами. В изданный в 1548 году атлас Гастальди
впервые вошли отдельные карты Южной
Америки, Кубы и Эспаньолы. Эффектные карты
Южной Америки были выпущены де Бру в 1592
году и Линскотеном в 1596-м. В 1606 году в
изданной Гондиусом версии Атласа Меркатора
была улучшенная карта Южной Америки с
Магеллановым проливом и главными островами
Вест-Индии. К 1630 году Де Лает и Гондиус
опубликовали карты Колумбии, Венесуэлы,
Гвианы, Бразилии, Чили и Перу.
В 18 веке усилившееся внимание Франции
и Англии к этому регионы привело к
подробному изучению большинства Вест-Индских
островов, так что теперь можно найти несколько
точных карт того периода.
Карты Австралазии и Океании. Точных
карт южных и северо-западных районов Тихого
океана не существовало до экспедиций Кука и
других исследователей, начавшихся с 1768 года.
Однако с начала 1600-х годов все же
составлялись отдельные карты Японии, многих других
районов Южной и Восточной Азии и
Южноамериканского побережья. Но лишь очень малое
число карт до 1770 года показывают
местоположение Австралии и Новой Зеландии, и почти
все они сообщают малое количество сведений,
зачастую неточных.
Только в результате экспедиций Кука были
получены относительно точные очертания
побережий Новой Зеландии, Восточной Австралии
и многочисленных тихоокеанских архипелагов.
620

ДРЕВНИЕ КАРТЫ
С начала 1800-х годов в большинстве
атласов стали появляться карты Австралии как
единого целого. Примерно с 1830 годов
выпускались карты отдельных областей, особенно юга,
востока, Тасмании и Западной Австралии.
Обширные внутренние районы Австралии
оставались практически не исследованными еще в 19
веке, однако существует немало увлекательных
карт, которые показывают маршруты
экспедиций в глубь страны.
АФРИКА,
НАЧАЛО 18 в.
Герман Молл
Прим. 97 х 58 см
(30 х 23 дюйма)
Издававшийся в Лондоне пример-
но с 1715 г. Атлас Молл а
включал в себя большие подробные
карты каждого континента. На
этом экземпляре картуш окружен
сценами из жизни обитателей
'Черного континента*. (Вверху)
ЮЖНАЯ АМЕРИКА,
1598
Линскотвн
Прим. 53 х 37 см
(21 х 15 дюймов)
Эта эффектная карта изображает
континент *на боку*. Терра дель
Фуэго занимает всю южную часть,
а большие картуши в стиле
рококо с информацией об
изображенной земле расположены по
углам. (Слева)
РЕКОМЕНДУЕМАЯ
ЛИТЕРАТУРА
0 Ш W Ш Ш fcet^ i^% Ш ш ш ^^
Приводится список
литературы, как
специальной, так и
общеобразовательного
характера. Хотя мы
постарались указать
литературу последнего
года издания, после
выхода нашей книги
могли появиться новые
работы.
Бленд, Дэвид
История оформления
книг:
иллюстрированные
рукописи и печатные
книги
Лондон, 1958
Браунригг, Л. Л. (ред.)
Создание
средневековых книг:
Оценивая факты
Лос Альтос Хиллз,
Калифорния, 1990
Дарнтон, Ф. Дж. Гарви.
Книги для детей
в Англии (3-е
издание).
Кембридж, 1982
Дей, Кеннет (ред.)
Книжные типографии
1815 - 1965 в Европе
и Соединенных
Штатах Америки
Лондон, 1966
Дайл, Эдит
Переплетные работы:
Их происхождение
и технология
Нью-Йорк, 1980
Хантер, Дард
Производство бумаги:
История и технология
древнего ремесла
Нью-Йорк, 1978
Моран, Джеймс
Печатные станки:
История и развитие
с 15 века до Нового
времени
Лондон, 1973
Нидхем, Пол
Двенадцать веков
переплетного
ремесла:
400 - 1600
Нью-Йорк, 1979
Слит, Р. Маргарет
Искусство
иллюстрации
1750- 1900
Лондон, 1970
Штейнберг, С. Г.
Пять веков
печатания.
(2-е издание)
Гармонсворс, 1961
Алдайк, Дэниел Беркли,
Печатные шрифты:
их история, формы
и применение.
(2 тома -
3-е издание)
Кембридж,
Массачусетс, 1962
621

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
Bobbin-turning Украшение ножек мебели и
подставок, состоящее из ряда свор или бобин.
Turning означает обработку на токарном
станке.
В от be Термин для выгнутой наружу формы
предмета мебели.
Breaker Термин, которым коллекционеры
называют мебель, представляющую большую
ценность своим материалом.
Bright-cut Технология использования
специального инструмента для создания
блестящих фасок.
Caqueteuse Французы дали имя "кресло для
сплетен" изделиям с высокой спинкой и
сильно вывернутыми наружу ручками. Они
предназначались для широких платьев
женщин 16 века.
Cire Perdue См. Литье по выплавляемым
восковым моделям.
Commedia dell'arte (Итальянская
комедия) Традиция народного итальянского
театра, часто комедийного, в период с 16 по
18 век. Персонажи, например, Петрушка
(Панч) или Арлекин, были излюбленными
темами для дизайнеров и художников по
фарфору.
Cup-and-cover Стиль украшения
елизаветинских столовых и кроватных ножек.
Луковицеобразная, выточенная на станке
ножка дополнялась резными украшениями.
Cut-card Украшение, вырезанное из тонкого
серебряного листа и припаянное на нужное
место.
En camaieu Способ окраски фарфора
оттенками одного цвета.
Laub- und bandelwerk Лиственный
и переплетающийся орнамент.
Разновидность орнамента барокко, обычно
используемого в позолоченных или
эмалированных бордюрах или картушах,
заключающих рисунки.
Linenfold Резьба на мебели, подражающая
складкам скатерти.
Maidenhead knop Флерон на ложке в виде
бюста женщины, поднимающейся с чашечки
цветка. Ложки такого типа делались в Англии
примерно между 1450 - 1650 годами.
Manierblum Натуралистичный стиль росписи
цветами, принятый в Мейсене и в других
местах в 1750-е годы.
Moulding Длина обработанного дерева, часто
622

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
имитировавшего лепное украшение и
накладываемого на поверхность мебели.
Mudejar Стиль испанской мебели с ярко
выраженными мавританскими элементами,
например с декоративной геометрической
инкрустацией.
Objets de vertu (произведения искусства)
Маленькие декоративные предметы,
сделанные с высочайшим мастерством.
Petit point Род вышивки канвы одной нитью.
Pietre dure (Pietra dura) Декоративная
работа с инкрустацией полудрагоценных
камней для изображения сцен, гербов,
геометрических орнаментов и т. д.
Роирее Кукла женского пола.
Reeding Орнамент в виде параллельных
валиков.
Rocaille Стилизованный узор рококо из
камней и раковин, наносящийся на мебель.
Romayne heads Декоративные резные
профили голов, установленные круглые ниши,
возможно, с дополнительным орнаментом
(например в виде завитков).
Scrimshaw Резьба на ракушках, слоновой
кости и т.д.
Splat Плоская поддерживающая доска в
середине спинки стула.
Thumbpiece Выступ на кружке, нажатием
большого пальца на который поднимается
крышка.
Toleware Оловянная посуда, украшенная
черным лаком.
Тгееп Небольшие предметы домашнего
обихода из дерева.
Turkeywork Английская вязаная шерстяная
материя, использующаяся для покрывал на
сиденья и драпировок.
Туре Изображение на монете.
Underglaze Цвет или узор, нанесенный на
керамику под слой глазури.
Verre eglomise Способ украшения зеркал,
популярный около 1700 года. Золотая или
серебряная фольга сзади зеркала
гравировалась иглой. Затем за фольгу
помещался материал контрастного цвета и
покрывался листом стекла или слоем лака.
X-chair Стул, который поддерживается
ножками крестообразной формы. Такую
форму обычно имеют складные стулья.
Zinnfigure Оловянный солдатик по-немецки.
Аверс Лицевая сторона монеты или медали с
главным изображением, в большинстве
случаев с "головой".
Акант Стилизованный орнамент из резных
листьев аканта, обычно используемый для
украшения мебели.
Акватинта Метод обработки медной
пластины перед травлением, заключающийся
в придании шероховатости всей поверхности.
Широко использовался в конце 18-го - начале
19 века.
Антений Радиальный орнамент из цветов
жимолости.
Апостол Обобщающий термин для
обозначения фигуры Христа или одного из
апостолов, припаянной к концу ложки.
Арабески Замысловатый переплетающийся
узор из скрученных листьев и цветов.
Атласное дерево Плотная, желтоватая
древесина, популярная в Британии примерно с
1750 года.
Бакаут Прочное и чрезвычайно тяжелое
дерево, импортировавшееся из Вест-Индии.
Имеет темно-коричневый цвет с черными
пятнами.
Балюстер (1) Округлая форма, которая
выдавалась на дне ваз и на ножках мебели.
(2) Слегка грушевидная форма,
использовавшаяся для флеронов, рукояток
ножей и прочих серебряных изделий. (3). Тип
стеклянной ножки, которая напоминает
балясину (перила).
Бебе Французская кукла-ребенок.
Бескрасочное тиснение Украшение
переплета способом вдавливания узора в
обложку без использования позолоты.
Бетгерская глазурь Розовато-коричневый
623

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
цвет с легким металлическим оттенком.
Использовался Мейсенской фабрикой и
назван так по имени своего изобретателя.
Бетгерская обливная керамика Очень
прочные, красновато-коричневые изделия,
выпускавшиеся Мейсенской фабрикой. Часто
они тщательно отполированы и огранены по
технологии, применявшейся при обработке
стекла.
Бетгерский фарфор Первый твердый
фарфор, изготовленный в Европе,
изобретенный Бетгером в Мейсене в 1708 -
1709 годах. Изделия из него слегка кремового,
дымчатого цвета и покрыты толстым слоем
мутной глазури.
Бидермейер (1) Стиль украшения мебели и
интерьера, популярный в Германии в 19 веке.
(2) Фарфоровые куклы, сделанные в период
примерно с 1805 по 1840 годы; а также куклы
с черным пятном на макушке.
Бисквит Неглазурованный фарфор.
Боковые бруски Вертикальные
поддерживающие столбики или ножки мебели.
Босс Небольшое круглое или овальное
украшение для маскировки шва между
формами.
Британский стандарт Сплав из 958 частей
серебра на 1000 частей металла, принятый в
Англии в 1697 году. В 1720 году был
восстановлен старый стерлинговый стандарт.
Подробнее см. стр. 355.
Булле (Boulle) Разновидность инкрустации
с использованием панциря черепахи и металла
(обычно бронзы). Подробнее см. стр. 76.
Бумага верже Бумага, сделанная в формах
вертикальных или горизонтальных полос,
которые оставляют характерные следы на
окончательном продукте.
Бусы Орнамент из серии полусфер,
припаянных к поверхности.
Верхний слой Внешний слой стекла, часто
гравированный таким образом, чтобы
обнажить предыдущий слой другого цвета.
Витая ножка Дважды изогнутая и
конусообразная ножка мебели, часто
оканчивающаяся стилизованной задней лапой
животного.
Витрувианские завитки Разновидность
бордюрного орнамента, состоящего из
повторяющегося узора из свитков. Он
наносился на классические подлинники и был
популярен в 18 веке.
Волнистая изложница Форма украшения,
состоящего из волнистых отформованных
линий на рамах картин и зеркал и на
мебельных панелях.
Выемчатая эмаль Способ покрытия эмалью,
при котором перед обжигом толченым стеклом
заполняют специально сделанные выемки в
поверхности.
Вытачивание (1) Изготовление предметов из
дерева на токарном станке. (2) Придание
формы ножкам, перекладинами и поперечным
балкам на токарном станке. С его помощью
можно получить большое разнообразие форм.
Выходные данные Дизайн или торговая
марка на титульном листе, или колофон с
указанием издателя данной книги.
Вышивание на пяльцах Вышивание в
круглой раме из двух обручей, один внутри
другого, в которых растянута материя.
Вышивка крестом Вид стежка в вышивании,
при котором получается канва из двух
скрещивающихся нитей.
Галерея Вертикальный ободок с отверстиями
по краю серебряных изделий.
Геральдический Объект, украшенный
гербами.
Гипсовая грунтовка Ею покрывали мебель
или кукол перед покраской или золочением.
Глазурь из кремневой эмали Глазурь, к
которой добавлялся кремний для получения
стеклоподобного эффекта. Запатентованный в
1849 году в США метод заключался в
смешивании глазури перед обжигом с
металлическим порошком, содержащим
марганец.
Глубокая посуда Солонки, миски, чашки.
Глянец Блестящее металлическое украшение,
применяющееся на стекле, керамике и иногда
на фарфоре.
Глянцевая посуда Керамика, окрашенная
металлическим пигментом перед обжигом, что
624

СЛОВАРЬ
придает изделию металлический, часто
переливающийся блеск.
Головы с плечами Куклы с головами и
плечами, сделанными из одного цельного
куска.
Гравирование (1) Способ изготовления
книжных иллюстраций, при котором рисунок
вырезается в виде негатива на печатной
поверхности (дерева, меди, стали). (2) Резное
украшение поверхности металла, например на
серебряных изделиях.
Гравирование на круге Метод украшения
стекла и ювелирных изделий гравировкой с
помощью абразивной пасты и набора
маленьких металлических колесиков.
Гравирование по дереву Создание
иллюстрации в книгопечатании путем
гравирования рисунка на твердое поперечное
сечение деревянного блока.
Грань (фаска) Небольшая полированная
плоскость на граненом драгоценном камне или
такая же небольшая полированная плоскость
на граненом стекле.
Гротеск Фантастический узор или рисунок,
состоящий из мифологических существ
(сатиров, кентавров), несуществующих
растений и причудливых лиц.
Гурчение Бороздчатость или буквы на ребре
монеты для предотвращения обрезки краев.
Делфтская керамика Глазурованная оловом
керамика из Нидерландов.
Деревянные клише Создание иллюстраций
в книгопечатании путем вырезания
рельефного рисунка на деревянной дощечке.
Дешевые Игрушечные солдатики,
продававшиеся в американских магазинах
между Первой и Второй Мировыми войнами.
Диск для чеканки монеты Плоский кусок
металла, из которого получается монета
путем двухстороннего тиснения.
Дойче Бдумен (Немецкие цветы).
Декоративный цветочный узор,
применявшийся германскими гончарами в 18
веке. Высоко ценился за тщательность
нанесения.
Древние британцы Термин, которым
ТЕРМИНОВ
коллекционеры обозначают солдатиков
Вильяма Бритэна, выпущенных в период с
1893 по 1914 год.
Дуодецимо см. Формат.
Желтые обложки Название дешевых
изданий фантастики, выпускавшихся в
середине 19 века с иллюстрированными
глянцевыми бумажными обложками, как
правило, с желтым фоном.
Жирандоль (1) Первый тип зеркал, обычно с
сильно украшенной рамой, которые можно
было вешать на стену. (2) Тип сережки с
тремя подвесками на дугообразной основе.
Замок Часть огнестрельного оружия,
приводящаяся в действие курком для
производства выстрела.
Зеленая семья Палитра цветов китайского
фарфора, характерная использованием ярко-
зеленой эмали.
Индийские цветы Вид росписи вытянутыми
стилизованными цветами ярких красок,
придуманный в Мейсене в 1720-е годы.
Инкрустация Украшение, заключающееся в
контрастности цвета, материала или металла,
врезающееся в дерево или металл. Наиболее
часто использовалась для украшения мебели.
Инкунабула Книга, напечатанная до 1500
года.
Инталия Украшение, вырезавшееся в
поверхности, в противоположность рельефу.
Интарсия Вид инкрустации, создающий
искусно исполненный рисунок или узор.
Историато Стиль красочных
повествовательных сюжетов на итальянской
майолике. Лучшие экземпляры датируются 16
веком.
Как есть Термин для обозначения объектов,
происхождение и возраст которых установить
невозможно.
Как найден Термин для обозначения
поврежденных объектов.
Каолин Белая глина, необходимая для
изготовления твердого фарфора.
Карат (1) Единица веса драгоценных камней.
625

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
(2) Степень чистоты золота. 24 карата -
золото без примесей.
Кариатида Фигура стоящей женщины,
использовавшаяся с целью украшения или
поддержки сооружения вместо колонны.
Каркас Основная часть или рама мебели, к
которой приклеивалась фанера.
Картуш Деталь орнамента, обычно
овальной формы с изогнутыми или
скрученными краями, напоминающими
свиток. Внутрь него часто помещали герб
или надпись.
Квадратно-вырезанные Мебельные ножки,
боковые бруски или перекладины квадратной
или прямоугольной формы, в
противоположность круглым.
Кварто см. Формат.
Керамика Изделия, обжигаемые при более
низкой температуре, чем обливная керамика.
Китайский камень Минерал семейства
полевых шпатов, который сплавлялся с
каолином при температуре 1300 - 1400 °С для
получения твердого фарфора.
Китайский стиль Европейский стиль
украшения, иногда причудливый,
подражающий китайским изделиям и особенно
популярный в 18 веке.
Клен Древесина псевдоплатанового клена,
окрашенная в зеленый цвет.
Клин Треугольный кусок бумаги или материи
для составления глобуса или для расширения
платья.
Кодекс Текст в форме прямоугольной книги
со страницами, сшитыми вместе по одному
общему краю.
Колофон Приложение к рукописи или
ранней книге с датой создания, местом
напечатания или написания и часто с именем
переписчика или печатника.
Компендарио (краткий) Отрывочный стиль
украшения на итальянской майолике с 16 и
17 века, в котором использовалась
ограниченная палитра и большая часть белой
поверхности оставалась нерасписанной.
Контрмарка Дополнительное клеймо на
монете для возвращения ее в обращение или
для изменения стоимости.
Кракле Упорядоченные крошечные трещинки
на керамических изделиях.
Красная керамика Ранняя американская
керамика сочного коричнево-красного оттенка,
который получался при добавлении в глину
оксида железа.
Красное дерево Красно-коричневая с
черными прожилками древесина тропических
пород.
Кремовая керамика Белая или кремовая
керамика с прозрачной глазурью,
имитирующая фарфор. Появилась в Британии
в 1750-е годы.
Круглые ниши Тип круглой выемки для
помещения внутрь дополнительного
украшения, например Romayne heads.
Лакировка Европейская альтернатива
восточным лакированным изделиям. Дерево
покрывалось гипсовой грунтовкой, затем
большим количеством слоев смолистого лака
или лаковой глазури для получения прочной,
гладкой поверхности, которая затем
полировалась. Цвета фона были различными,
а контуры узоров обычно выделялись золотом
и серебром.
Лакка Разновидность лака, изобретенная в
Италии и широко использовавшаяся при
украшении мебели в 18 веке.
Лапа Вид мебельной ножки в форме
звериной лапы.
Легенда Надпись на монете.
Литье по выплавляемым восковым
моделям Способ литья металла. Покрытая
глиной восковая модель обжигается в печи.
Расплавившийся от жары воск вытекает,
оставляя пустую глиняную форму, в которую
можно заливать расплавленный металл.
Майолика Глазурованная оловом керамика,
обычно итальянского происхождения.
Маджолика - искаженная версия этого же
слова, принятая гончарами 19 века для
названия их изделий.
Маркетри Мозаика из дерева и других
материалов, инкрустирующихся в дереве для
создания узоров, цветов и пейзажей.
626

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
Маятник Шишкообразный груз,
прикрепленный цепью к главной пружине для
компенсации потери ей упругости.
Меццо-тинто Способ нанесения краски на
медную пластину до гравирования.
Поверхность делалась шероховатой, затем
полировалась для получения полутонов и
светлых областей.
Монета нестандартной толщины Монета,
отчеканенная на диске большей толщины, чем
уже вышедшие экземпляры.
Мягкий фарфор Вид фарфора, состоящего
из глины и измельченного стекла или фритты.
Он более песчаный и пористый, чем твердый
фарфор. Изделия из него обычно более
толстые и украшаются меньшим количеством
рельефных деталей.
Надглазурный рисунок Украшение уже
обожженного керамического изделия
росписью или переводной печатью перед
повторным обжигом.
Наложенное украшение (рельеф,
орнамент) Украшение, сделанное отдельно и
прикрепленное к корпусу объекта.
Насечка Орнаментальная инкрустация
тонкими золотыми или серебряными нитями
металлической поверхности.
Натяжное устройство Распорка,
соединяющая ножки предмета мебели.
Ножка "плюшка" Округлая, выточенная на
станке ножка для мебели в конце 17 века.
Ножка с подставкой Тип мебельной ножки,
которая окружена цельным круглым диском и
стоит на нем.
Нюрнбергский масштаб Размер 30 мм для
плоских (солдатиков), популяризованный
Эрнстом Хейнрихсеном в середине 19 века.
Обливная керамика Керамика из глины с
примесью измельченной каменной породы,
которая превращается в стекло при
температуре между 1200 и 1400 °С. Не
требует глазуровки, чтобы стать
непроницаемой для жидкостей.
Октаво см. Формат.
Оловянная глазурь Применявшаяся в
майолике, делфтской керамике и фаянсе
глазурь, к которой добавлялся оксид олова,
создавая белую, опаловую поверхность,
идеально подходившую для росписи.
Оловянная посуда Утварь из
расплющенного и спаянного олова. Дешевле и
непритязательнее сплава олова со свинцом.
Оловянный солдатик Народное название
плоского солдатика, сделанного из сплава
олова, свинца, висмута и сурьмы.
Остаток Лишний металл, оставшийся после
изготовления жестянщиком посуды.
Паркет Мозаика из кусков дерева или
другого материала определенной формы,
уложенная таким образом, чтобы составить
декоративный геометрический узор.
Паросский фарфор Разновидность
бисквитного фарфора очень белого цвета,
напоминающего паросский мрамор. Обычно
использовался для повторения
классических и изготовления
неоклассических статуэток.
Патера Круглый или овальный орнамент,
часто включающий в себя лиственное
украшение. Применялся на серебре и мебели.
Пергамент Белый материал из недубленой
кожи ягненка, используемый в качестве
материала для письма или переплета.
Пергамент особо тонкий Качественная
белая кожа, используемая в качестве
материала для письма, печатания или
переплетения книг; выделывается из кожи
телят или козлят.
Перегородчатая эмаль Тип покрытия
эмалью, при котором емкости,
перегороженные тонкими металлическими
полосками, заполняются толченым стеклом
перед обжигом.
Передник см. Юбка.
Перекладина Горизонтальный брус в
мебельной раме для поддержки вертикальных
элементов.
Переплетающийся орнамент
Декоративный элемент из переплетающихся
полос, которым украшают серебро и мебель.
Переплетенная бумага Бумага без узора из
линий в отличие от бумаги верже.
627

СЛОВАРЬ
Пилястр Плоская декоративная (не
поддерживающая) колонна, выдающаяся с
фасада. Применялся также на мебели
(комоды).
Плоская посуда Ложки, вилки и мелкие
тарелки (но не ножи).
Плоский Первый тип практически
двухмерных солдатиков, толщина которых
была около 1,5 мм.
Подрамник Остов, поддерживающий мебель.
В него входят ножки, натяжное устройство и
прочие скрепы.
Позолота Украшение предмета тонким слоем
золота, золотой фольгой или листовым
золотом.
Позолоченный только изнутри Частично
позолоченное дерево.
Позумент (Галун) Декоративное
текстильное украшение из тесьмы, шнуров,
бисера и аналогичных материалов.
Полуобъемный Переходный тип солдатика
между плоским и полностью объемным.
Понтия Палочка, которой стеклодувы
отделяют завершенный предмет от трубки.
Порошкообразное золото Термин
относится к позолоченной бронзе или
бронзовым ножкам мебели.
Причудливые сплетения Замысловатый
декоративный бордюрный узор из линий на
дереве или серебре.
Проба Штампованное клеймо,
удостоверяющее качество серебра, из
которого изготовлен предмет.
Пробные монеты Специальная партия
монет, выпущенная с использованием
особенным образом полированных форм.
Такие монеты не предназначались для
обращения.
Прошлое Предметы, устаревшие
из-за появления новых технологий.
Термин в основном используется для
кухонной посуды и сельскохозяйственных
орудий.
Прунт Цветной стеклянный выступ
для украшения стеклянных изделий.
ТЕРМИНОВ
Иногда прунтам придавалась определенная
форма.
Пустотелая отливка Способ изготовления
полых солдатиков, впервые примененный
Вильямом Бритэном.
Путти Купидон или ангел в качестве
декоративного элемента.
Рамовая конструкция Технология
изготовления мебели путем создания рамы
из вертикальных и горизонтальных брусов.
Характерна для работ столяров
15 и 16 века.
Резерв Термин для обозначения на
керамических изделиях области, отделенной в
цветном фоне от остальных украшений.
Рельеф Украшение, которое выдается над
поверхностью.
Рельефное тиснение Украшение серебра
путем выдавливания рельефа тиснением с
обратной стороны с помощью тупого
пробойника.
Рифление Серия рубцов на поверхности части
или всего объекта. Они могут быть прямыми
или спиральными. Рифление применялось для
украшения стекла, серебра и мебели.
Розовая семья Палитра цветов,
использовавшаяся китайцами для росписи
фарфора в 18 веке. Наиболее
распространенными были опалово-розовый и
карминовый.
Ролик Небольшое колесико на ножке мебели
для более легкого ее передвижения.
Романский орнамент (1) Нанесение цепи
повторяющихся небольших вертикальных,
диагональных или извилистых желобков
обычно в качестве бордюрного орнамента на
серебряных изделиях. (2) Нанесение цепи
выпуклых овалов или повторяющихся
спиралей в качестве декоративного бордюра
на мебели.
Ромбовидный орнамент Узор из
повторяющихся фигур в форме бриллианта
или косоугольника с рисунком внутри.
Использовался для украшения серебряных
изделий.
Саблевидная ножка Мебельная ножка,
изогнутая и конусообразная, как сабля.
628

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
Свинцовая глазурь Самый первый тип
прозрачной глазури в европейской керамике.
Свинцовый солдатик Общее название
солдатиков, сделанных из сплава свинца и
сурьмы.
Сводный гарнитур Группа стульев,
сделанных в одном стиле, но не составлявших
один набор.
Сграффито (сграффиато) Технология
украшения керамики, при котором узор
процарапывается в слое глазури и открывает
цвет корпуса под ним.
Серпантин Украшение мебели в форме
волнистой кривой с выпуклым центром и
вогнутыми сторонами.
Сертосина Популярный в Венеции в 16 и 17
веках стиль инкрустации перламутром,
появившийся под влиянием мавров.
Сидящий лев Вид флерона в форме
сидящего льва с прямыми передними лапами,
встречающийся на серебряных ложках. Они
делались в Британии между 15 и 17 веками.
Синус Последовательность двух кривых, одна
из которых выпуклая, а другая вогнутая типа
плоской S. Синус часто использовался в
качестве орнамента на мебели и серебре 18
века. Он также назывался "Линия красоты".
Скальол Искусственный мрамор, делавшийся
из гипса и мраморной крошки, применялся
для изготовления столешниц в 18 веке.
Слоистая древесина Деревянные предметы,
составленные из тонких слоев, часто согнутые
или отформованные для получения
искривленных форм, например для изголовья
кроватей.
Солид Объемный, в противоположность
плоскому, солдатик.
Стерлинговый стандарт Сплав 925 частей
серебра и 75 частей меди
Стол на козлах Стол, состоящий из
горизонтальных досок на перевернутых V-
образных ножках.
Tube-lined slip Жидкая глина, наносимая
прямо на керамическую поверхность из
пипетки для создания линий, окружностей и
прочих контролируемых форм.
Твердый фарфор Фарфор, состоящий из
каолина и полевых шпатов. Настоящий фарфор
противопоставляется мягкому фарфору.
Тело с гнущимися конечностями Тело
куклы с соединениями в плечах и бедрах.
Технический цинк Цинк, которому в
процессе обработки придан вид бронзы.
Использовался в качестве заменителя более
дорогой бронзы в изделиях стиля модерн и ар
деко.
Тончайший фарфор Японцы создали первые
изделия из фарфора со стенками толщиной
чуть ли не в бумажный лист в 19 веке, чтобы
нажиться на огромной популярности
восточной керамики на Западе.
Травление Технология украшения или
печати, при которой кислота "выедает" узор
на медной печатной плате или на поверхности
металлического изделия.
Трещинообразование Тончайшие, обычно
непреднамеренные трещины на керамических
изделиях.
Трилистник Популярный декоративный
элемент из трех симметричных листьев.
Украшение парчой Форма текстильного
украшения, когда нити сплетаются в ткань.
Фаянс Термин, обычно обозначающий
глазурованную оловом керамику,
произведенную во Франции, Германии,
Швейцарии и Скандинавии.
Флерон (1) Декоративная шишечка на ручке
ложки. (2) Декоративная шишечка или
стрелка на верхушке любой вертикальной
конструкции.
Фолио см. Формат.
Формат Количество страниц, напечатанных
на каждой стороне листа бумаги, которое при
сгибе определяет размер книги: ин-фолио (2
листа), кварто (4 листа), октаво (8 листов),
дуодецимо (12 листов).
Хольбейнские узоры Термин,
относящийся к некоторым турецким коврам
15 и 16 века, которые характеризуются
шестиугольным и другим геометрическим
орнаментом с бордюрами из запутанных
переплетающихся орнаментов. Узор имеет
сходство с работами европейских мастеров,
629

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ
особенно Хольбейна Младшего (1497? —
1543).
Цвета grand feu Ограниченная палитра
основных цветов, использовавшаяся на
изделиях, которые обжигались только один
раз при высокой температуре.
Цвета petit feu Разнообразная палитра
цветов (включая пастельные), которыми
расписывался фарфор или фаянс после
первичного обжига предмета.
Чеканка Наиболее распространенный способ
изготовления монет способом прессовки с
двух сторон монетного диска.
Чернение Инкрустация черным
измельченным металлическим сплавом для
украшения серебра. На предмете
гравировался узор, который заполнялся
чернью. Затем изделие нагревалось, и
наполнитель сплавлялся с серебром. Потом
изделие очищалось и полировалось, и
черный узор создавал резкий контраст с
серебром.
Шагрень Недубленая кожа с зернистой
поверхностью, сделанная из кожи акул, рыб,
лошадей и т.д.
Шварцлот Линейный стиль украшения
керамики оттенками черного цвета.
Шея на шарнире Подвижная шея куклы в
противоположность бисквитной разновидности
голова и плечи.
Шишечка (рельефное украшение)
Небольшая округлая выпуклость в ножке бокала.
Шпон Очень тонкий слой, как правило,
древесины, накладываемый на мебель для с
декоративной целью и для маскировки более
дешевого материала под ним.
Штампование Метод украшения серебра
при помощи штампа для создания
изображения на металле. Штампованный
рисунок получается рельефным.
Штырьковое соединение Тип
присоединения конечностей у куклы.
Эбонирование Морение дерева или рисунка
на гипсовой грунтовке черным цветом для
подражания эбонитовой облицовке.
Эбонист Французское название столяра-
краснодеревщика, появившееся в 17 веке. Оно
образовалось вследствие моды на широкое
использование облицовки мебели эбеновым
деревом. См. стр. 78.
Эмалирование (1) Покрытие металлической
поверхности тонким слоем полупрозрачной
цветной глазури. (2) Украшение керамики,
при котором краски наносятся на глазурь.
Юбка (передник) Часть передней нижней
грани предмета мебели.
Яо Суффикс, означающий посуду, иногда
добавляется к названиям типов китайской
керамики (например, Юньяо или Руяо).
630

УКАЗАТЕЛЬ
УКАЗАТЕЛЬ
А
Август Сильный 97, 431
Австрия: мебель 122-3,
стекло 495-6, ювелирное
ремесло 384-5, фарфор
432-3, серебро 384*5
Адам, Роберт 50-1, 164,
серебро 359
Адама стиль, США 132
Адаме, Джордж 282
Адаме, Е. и А. 562
Адамса керамика 452
Адамса револьверы 546
Айвз, В. и СБ. 572, 573
Айвз. Эдвард 581, 584, 586,
587
Айкат 186
акватинта 603
алмазы 346, 347
Алтаре стекло 477
альбарелли 424
Альгарди, Алессандро 244
Альдус Манитиус 593, 594,
599
Альменредер, Карл 326
Альт, Бек и Готшальк 560
Альтоф, Бергман и Ко. 564
аманитские лоскутные
одеяла 179
Амати семья 317
Амербах, Иоганн 593
Американская гончарная
компания 460
Американская Гражданская
война 533
американская керамика 459
-63
американская мебель 126-37
американская миниатюрная
мебель 565
американские гончарные
изделия 459 - 60
американские игрушки 570-
1,581
американские куклы 558 - 9
американские кукольные
домики 565
американские монеты 519 -
20
американские солдатики 574
американские часы 204 - 5,
215
американский фарфор 463
американское серебро 376 -
81,386-7
Амстель, керамика 436
анаморфоскопы 296
Анатолийские коврики 150
Ангиер, Мишель 244
английская мебель 32*3, 34-
43, 44-53, 56-7
английские гобелены 178
английские изделия из
дерева 256-63
английские ковры 163-5
английские кружева 188
английские часы 203-4
английские часы 221
английский рожок 324
английский фарфор 453-5
английское стекло 478-9,
486-8
англо-голландская мебель
106-7
Андерсен, Дэвид 384
анемометры 289
анималисты, французские
мастера по бронзе 245
антверпенская керамика 436
Антико, скульптор 242
Антиноя группа ковров 148-9
антисептический аппарат
298
античность, влияние на
мебель Регентства 61
Апдайк, Даниель Беркли 597
Аполлонио ди Джованни 27
Ар деко: европейская
керамика 456-8
Арасские гобелены 175
Арита керамика 410-11
Арсениус, Галтериус 299
Артель, организация 458
арфы 320-1
астролябии 275,283,299
Атвуд, Джордж 302
Аттика, древняя керамика
393
Аубуссон, ковры 163, 178
Аувера, Й.В.ван дер 96
Аугсбург 31
Б
баварская мебель рококо 97
Базель, К.П.С. де 124
Базиль, Эрнесто 124
Бакелье, Жан-Жак 429
баккара стекло 493, 494, 500
балансовые пружины: часов
203-4, наручных часов
218-19
балюстер, бокал для вина
486-7
банджо 320
банджо, часы 215
Бандинелли, Баччио 242
Банневилль и Аулейнер 564,
565
барабаны 334-5
Барадел
ь, братья 276
Барбаро, Даниеле 309
Бари, Антуан-Луи 245
Барклай 575
Барнсли, Сидней 112
барографы 288
барокко: бронза 244, мебель
94-5, 107, ювелирные
изделия 344-6,
музыкальные инструменты 313-15,
серебро 356
барометр-анероид 287-8
барометры 284-9
Барр, Мартин 449
Барроис, Е. 559
Барроу, Эдвард 197
Бартенштейн, Фриц 561
Бартлем, Джон 460, 462
Барум, керамика 456
Баскервилль, Джон 595, 599
бассет, рога 325
Бассет-Лоук, В.Дж. 584, 587
Баттерфилд, Майкл 291
Баттон и Лоунинг 568
Баулсовер, Томас 354
Баултон, Метью 103
Бауман 326
бебе 559
Бегль, Филипп 177
Бейлби, семья 488
Бейли, Бэнкс и Биддл 387
Бейли, Саймон 378, 380
Бейли, Скотт, MX 112, 121
Бейнбридж, Генрих 323
Бейт, Роберт Бреттель 304
Бейтман, семья, серебро 359
Белл, Ванесса 114
Белл, семья 462
Беллано 241
Белли, Пьетро 372
Белтер, Джон Генри 136
бельгийская мебель 119-20
бельгийское серебро и
ювелирные украшения
384
Бенкер, Адриан 378
Беннет, Джеймс 462
Беннет, Самюэль 45, 47-8
Беннет, Эдвин 461, 462
Беннингтонская керамика
461,463
Бенсон, А.С. 112
Бергман, Альтоф 581, 584
Бергнер, Карл 561
Бергстен, Карл 125
Берджес, Вильям 69, 114
Бердсли, Обри 603
Верен. Жан 76, 177-8, 188.
369,374
Беренс, Петер 121-2, 385
Берлинг, Томас 130
берлинская керамика 453
берлинский фарфор 433.
435-6
берлинское вязание 173
Бернини, Джанлоренцо 244
Берт, Бенджамин 378
Бертольдо ди Джованни 240
Бертхевин, Пьер 437
Бертч, Карл 121, 122
Берхем, Бенджамин 131
Бестельмейер, Г.Х. 564, 572
Бетгер, Иоганн 391, 431
Беттенгрубер, Игнац 435
Беттс. Дж. 579
Библии, напечатанные 593-4,
631

УКАЗАТЕЛЬ
20
голландские карты 613, 614,
616
голландские маркетри 109
голландские печатники 596
голландские часы 205, 207
голландский фарфор 436-7
голландское серебро 370-1
голландское стекло 488-9
Голль, Пьер 75, 76, 79
головные уборы, военные
551-2
Гольбейн, Ганс 342, 343
Гонделах, Франц 490
Гондиус, Й. и X. 614
гончарные изделия, Америка
459-60
гончарные изделия, Европа
422-6
Гоос, Питер 616
горного хрусталя стиль 500
Горрикс, братья 109
Горэма Производственная
Компания 381, 386
Готро П.Л. 326
Готцовски, Иоганн Эрнст
435
гравирование на медной
пластине 602
гравирование по дереву 602
гравированное серебро 365-6
гравированное стекло 483-5,
487-8,490-1
Гравло, Губер 48
гравюры 602-3
граненое стекло 492-3, 494-5
Грант, Дункан 114
Грассе, Эжен 115
Грегори, Джеймс 293
Греднерталь, куклы 558
Грейнджер, Хью 48
Грейнер, Людвиг 562
Грейтбач, Вильям 443, 446
Грейфер, В. 570
Гренди, Жиль 45, 48, 92
Гренсер, Август 323, 326
Гренсер. Генрих 323. 326
греческая керамика 392-3
греческие монеты 508-11
греческое стекло 470-1
Грин, Дж.К. 572
Грин, Чарльз Саммер и
Генри Мейтер 136, 137
Гринвуд, Франс 488
Гриневей, Кейт 603
Гринли, Генри 587
Гриффин, Смит и Хилл 461
Грицци, Джузеппе 438
Грубер, Жак 116
Грундман, Якоб 326
Грэхем, Георг 203, 283
Гуауд, семья 219
гугеноты 366: американское
серебро 377, британское
серебро 357-8
Гуд, Томас 455
Гудисон, Бенджамин 45, 48
Гук. Роберт 284, 285, 286,
294
Гульм, Джон 463
Гунье Фрере 118
Гутенберг 593
Гутман, братья 96
Гюйгенс. Кристиан 203, 209
Гюнтер, Эдмунд 300
Гюнтермана игрушки 583
Д'Анджерс, Дэвид 245
д'Оссимонт, Ле Вассер 485
Да Сало, Гаспаро 317
да Форли, Джованни
Джардини 365
Давид, Жак-Луи 349-50
Дагер, Доминик 80-1
Дагер, Луис 309
Дали, Жерар 95, 96
Далоу, А.Й. 245
Далримпл, Александр 618
Даммер, Джереми 376, 377
Да не ль 559
Даниеля, фарфор 452
Данлеп, Самюэль 127
Данхаузер, Йозеф 96
дармштадская мебель 121*2
датский фарфор 437
датское серебро 384
Даултон, фарфор 458
Даума стекло 502
Двайт, Джереми 377
Двайт, Тимоти 376
Де Вриз, Адриан 244
Де Морган, Вильям 455-6
Дедхемская керамика 461
дейвенпортский фарфор
452
Деймон и Колин 118
Дек, Теодор 455
Декарт, Рене 284
Делла Робиа керамика 456
Де ЛильГ. 613
делфтская керамика 424-5,
436, британская 442
дендрохронология 228
Деннер, Иоганн Кристоф
323. 325
Деннер, Якоб 326
Деннис, Томас 127
Дент, Эдвард Дж. 205
денье 517-18
Дерби, фарфор 446, 447,
449-50, 452
деревянные духовые
инструменты 322-6
деревянные игрушки 571
Десмальтер, Якоб 103
Джамболонья 242
Джардини, Джованни 372
Джек, Джордж 112
Джером, Шонси 215
Джиаджинг, фарфор 402-3
Джиллингем, Джеймс 127,
130
Джиллоу 52, 57, 60
Джингдежен, керамика 400*1
Джонсон, Томас 21, 48
Джонстон, В. и А.К. 618
Джорджо, Франческо ди 240
Джоунс, Вильям и Самюэль
294
Джоунс, Оуэн 498
Джоунс, Роберт 64, 183*4
Джохилко 575, 578
Джун, обливная керамика
396
Дигге, Леонард 299
Дидо, семья 595
Дийсельхоф, Г.В. 125
Дин и Сыновья 573
Дина Компания Детских
Книжек в Коленкоровом
Переплете 568, 569
Динг, керамика 395
Динки игрушки 585
Динглингер, Иоганн
Мельхиор 374
Директории стиль:
американский 132-3, французский
81
Дирл, Й.Х. 175
Дисброу, Николас 127, 128
дневные кушетки и кровати
38-9
доисторическое стекло 470
Дойл, Джон и Ричард 603
Доккиа, фарфор 438, 439,
458
Доллонд, Джон 293, 295
Дол-Той Продактс 564
домашняя металлическая
утварь 266-9
Доминик и Хафф 381
Донателло, влияние 240-1
Доре, Густав 603
доспехи 532-6
Доусон, Нельсон и Эдит 383
древесина: китайская 140,
английского Регентства
58-9, европейская резьба
по дереву 230-1, для
мебели 26, небольшие
изделия из дерева 261-3,
викторианское
возрождение 68
древние карты 610-21
Древний мир:
керамика 392 - 3
Дрезденская фабрика 121
Дрессель, Куко и Ото 354,
560,561.562
Дрессер, Кристофер 111, 456
Дуаст Бразерс 564, 565, 585
дублинская мебель 55
Дудсбери, Вильям 447, 449-
50
духовность в японской
керамике 409*10
Дэмпт, Жан 117
дю Пакуэр, Клод 432*3
Дюлак, Эдмунд 603
Дюплесси, Жан-Клод 429
Дюпре, Августин 520
Дюрер, Альбрехт 230, 281,
526
Дю Серсо, Жак Андриа 79,
369
Дюффопругкар, Гаспар 321
европейская бронза 240-5
европейская керамика 433,
451*8
европейская мебель 112*25
европейская резьба по
дереву 228-31
европейская резьба по кости
236-7
европейские гончарные
изделия 422*6
европейские ковры 160*5
европейские часы 202-3
европейский фарфор 427-39
европейское серебро 364*75
европейское стекло 474-85,
495*9
египетские ковры 148-9
египетское влияние: стиль
ампир 82
египетское стекло 470
елизаветинское
возрождение, мебель 68-9
Жакар, кружева 190
Жако, Понс 242
Жакоб, Жорж 79
Жалло, Леон 118
Железного века стекло 470
железнодорожные издания
596
железные изделия 269
жемчуг в ювелирных
украшениях 346
женский костюм 191*3
Жерар 244
Жермен, Тома и Франсуа-
Тома 365, 369
жестяные игрушки 557,
580*4
Жоде, Жерар де 613
Жуварра, Филиппо 88
Жульен, Йне 559
Жумо 559
записывающие устройства
322*3
заряжающиеся с казенной
части ружья 546, 548
Зен, Карло 124
Зенгде, фарфор 402
зеркала: английские 43,
европейские 30,
итальянские 87
Зильберман, Готфрид 331
знаки, рыцарские 507
значки, военные 549, 551
золото см. серебро
Зоммер Х.Д. 94
зонтики 265
зонты 265
Зумпе, Иоганнес 321, 331
Ибарра, Иохим 595
Иверссон, Готлоб 105
Иган, Джон 321
Игерман, Фридрих 496
игольные кружева 187
игрушечные медвежата и
мягкая игрушка 566-9
игрушечные поезда
игрушки 556-85
игрушки на колесиках 571
игрушки оптические 296
игры, головоломки и
книжные новинки 572-3
Идеал Той и Новелти Ко.
567,568, 569
изделия в китайском стиле:
мебель Регентства 62*3,
серебро 358, текстиль
184*5
изделия из дерева 256*65
изделия из пактонг 264
измерительные машины 306-8
измерительные приборы 286
Изник, керамика 420-1
изящные письменные
столики 57
иконоборцы, Византия 516
Имари стиль 410, 413
индийские ковры 156-7
индийские монеты 523
индийские цветы 432
индустриализация в
керамике 455-6
инкрустация бронзой, мебель
67
инкунабула 594
Инс, Вильям 21, 45, 49, 50
Инсель-Бюхерей 597
инструменты рудокопов 299-
300
интарсия 27
Иран см. Персия
Ирландия, карты 619
ирландская мебель 54-5
ирландское граненое стекло
492
Ирмингер, Иоганн Якоб 374
исламские монеты 521-2
Испано-мавританская
керамика 423*4
испанская мебель 32, 92-3,
124
испанские ковры 160-2
испанский юго-западный
стиль мебели 136-7
испанское серебро 372-3
испанское стекло 479-80
Иссмайер, производитель
игрушек 586
Иствуд, Нью-Йорк, мебель
137
Истлейк, Чарльз 69, 111
итальянская бронза 241-2,
244
итальянская мебель 31, 86-
91,123-4
итальянские гончарные
изделия 424
итальянские кружева 188
итальянские ювелирные
изделия 352-3
итальянский лак 87-8
итальянский фарфор 437-9
итальянское серебро 371-2
Йайои, изделия 408
Йенсен, Георг 384
Йенсен, Геррит 45, 46
Йенсон, Николас 593
Йомон, керамика 408
Йонгл, фарфор 401
Кавальер, Жан 237
Кавказ, ковры и коврики
158*9
Какиэмон, стиль 411-13
калейдоскопы 296
калейдоскопы 296
калифорнийская мебель 136
Калпепер, Эдмунд 294, 305
Кальдекотт, Рендольф 603,
606
Камбли, Иоганн Мельхиор
98
камеи 342-3
камейное стекло 497-8
633

УКАЗАТЕЛЬ
Камерон, Чарльз 102
каминные часы 214, 216
Каммер и Рейнхардт 560,
561
Кападемонтский фарфор 438,
439
Карабин, Руперт 115
Кардю, Майкл 458
Каретте, игрушки 583, 586,
587
Кари, Джон и Вильям 294
каркасные часы 217
Карлтонская керамика 458
Кармелитов стекло 497, 499
Карр и Моррисон 461
Карре. Жан 479
картельные часы 212, 214
картинная вышивка 174-5
картинные рамы 43
Картлидж, Чарльз 462, 463
картография 610-21
карты игральные 572
карты, древние 610-21
Каслон, Вильям 595
Каспер (СБ.) и Экгер Сон 565
Кассель, Жорж 574
касури 186
Катберсон, Джон 305
Каусек, Томас 326
Кафф, Джон 294
Каше, Лион 125
Кашмир и Пейсли, шали
196-9
квадранты 276
Кванц, Иохим 323
Кваре, Даниель 203, 285
квартетто столы 57
Квинбай, изделия 399-400
Квинг. фарфор 405, 406
Кей. Томас 323, 325
Кекстон, Вильям 593, 594
Келлер,стекло 500
Келмскотт Пресс 606, 608
Кельнская керамика 423, 433
Кельтские монеты 513
Кемден, Вильям 613, 619
Кендлер. Й.Й. 432
Кент, Вильям 47
Кентон и Ко. 112
керамика, британская 452
керамика: американская 459-
61, древнего мира 392-3,
британская 440-50,
китайская 394-6,
европейская (1820-1920)
451-8. европейский
фарфор (до 1820) 427-37,
европейское гончарное
искусство 422-6,
мусульманская 418-21,
японская 407-15,
корейская 408-9
Керин 249
Керр, Вильям Б. и Ко. 387
Кестнер. Й.Д. 560,561
Кешан, керамика 419
Килланд, Габриель 125
Килларни, изделия 55
Кинг. Джесси М. 383, 603
кинжалы и ножи 539-40
Кинкодзан 416
Кип, Джесс 377
Киркман, Якоб 331
Кирстед, Корнелиус 377
Китай, влияние на
корейскую керамику 408
китайская бронза 238-9
китайская керамика 394-406,
411
китайская керамика со
свинцовой глазурью 394
китайская мебель 138-41
китайская резьба по дереву
226-7
китайская резьба по кости
232-4. 235
китайские монеты 522-3
китайский лак 248
китайский нефрит 246-7
китайский стиль, мебель
Регентства 62, 64
китайский экспорт фарфора
405. 424
Китчин, Т. и Е. Боуэн 619
клавесины 330
клавикорды 331-2
клавишные инструменты
330-3
кларнеты 325
классический мир, стекло
471-3
Клей, Генри 254-5
клейма, британское серебро
355
клейма: британское серебро
355, американское
серебро 376, европейский
фарфор 439, Вексенн/
Севр 430-1
Кленце, Лео фон 96, 100
Кликг 560
Клинт, Кааре 125
Клифф, Кларис 458
Кличи, стекло 493
Клуб Нумерованных Изданий
608
книги для детей 605-6
книги и рукописи 592-609
книги о путешествиях 601,
604
книги по естественной
истории 600
книги узоров, мебель 20-1
книжки с полосками 573
книжные шкафы 39, 130
Кнобельсдорф, Георг
Венцеслаус фон 97
Кобб, Джон 23, 45, 49, 50
Кобергер, Антон 593
Кобурн, Джон 379
Ковердейл, Майлз 598
коврики см. ковры и коврики
ковры и коврики 145-65,
европейские 160-5,
восточные 148-59
ковчеги Ноя 571
Когсуэлл, Джон 130
Кокерелл, К.Р. 69
Кокс, Адриан 425
Кокс, Джеймс 447
Кокет и Вустер 48
коленкор 184
Колер, Иоганн 96
Колинье, Энгельберт 478
Коллинз, капитан Грннвилль
618
Колонна, Эдвард 116, 384
колумбийские куклы 569
Кольмар, Тома де 303
Кольсон 321
Кольт, Самюэль 546
кольца, Ренессанс 344
комод 76, 77, 79
комодики на низких ножках
128
комоды 77, 79, 84
Компания Новая Англия,
стекло 494
Компания Продавцов Стекла
486
Компания производителей
душевых кабинок 113
компасы, навигационные 274
Кон, Якоб и Йозеф 123
Конверс, Мортон Е. 564,
565, 570-1
Кони, Джон 376, 377, 379
Контарини, Джованни 611
Конте, Николас 287
Копенгагенский фарфор 437
Корги, игрушки 585
Кордано, Гиллорамо 309
корейская мебель 142
корейские гончарные
изделия 408-9
Коринф, древняя керамика
393
Королевская Венская
Фабрика 452
Королевская Фарфоровая
Фабрика 451-2, 561
Королевский Копенгаген 458
Королевы Анны возрождение
мебели 71, 112
Королевы Анны куклы 558
Королевы Анны стиль 44-6:
Америка 131, 133
Королевы Анны стиль в
серебре: в Америке 378, в
Британии 356-7
Королевы Анны стиль
мебели: в Америке 129-
131, в Британии 111-12
Коронелли, Винченцо 620
Коррадини, Антонио 86, 88
Корселиус (Кролиус) семья
460, 462
Кортеллаццо, Антонио, 372
Костер, Соломон 203
костюм 191-5
ко-сумецуке 405
Котгассер, Антон 496
Коул, Хэмфри 299
Коулпорт, фарфор 449, 450
Коупер, Ганс 458
Коупленд, фарфор 452
Коупленд, Элизабет Е. 387
Кохли, фарфор 447, 449
Коцу Хон Ами 410
Коцци, Д. 438, 439
Кошен, Николас 368
Краафт, Ганс 526
кракле, фарфор 402, 405,
411
Кранах, Лукас 525
Крейн, сэр Фрэнсис 178
Крейн, Уолтер 603, 606
Кремер, Герхард см.
Меркатор
кремневые замки 544-5, 546
кремовая керамика,
американская 460
кресла 77
кресла, Англия 38
Креспин, Пол 358
Крессан, Шарль 79
крестьянские коврики 165
Кретан, керамика 392
Крисп, Николас 448
кристалло, стекло 475
Кристиан, А. 571
Кристиан, Ричард 450
Кристиансен, Ханс 122
Кристофль, Шарльи Поль
370
Кристофори, Бартоломео 331
кровати: американские 128-
9, английские 33, 35, 41-2,
европейские 27-8,
королевы Анны 46
Крог, Арнольд 456
кружева 187-90
кружева point de France 188
кружева фабрики Лонрей
188
Круэ, Кэт 562
Крукшенк, Джордж 603
Круспе, Франц Карл 329
ксилография на хлопке 183
ксилофоны 336
Ксуанд, фарфор 401
Кувилье, Франсуа 19, 97
Кузинау, Джордж 321
Кук, Джеймс 618
Кукворси, Вильям 440, 447,
450
куклы 557-62
кукольные домики 563-5
кукольные домики Мак*
Лохлин 565
кунсткамера 31-2, 231
Купер, Джон Пол 382
Купер, Сюзи 458
Курто, Августин 358
Кутани, керамика 413-14,
416
Кутахья, керамика 421
Куччи, Доменико 75
кушетки, Англия 37-9
Куэл, Джозеф 109
Кюхлер, Кристофер 378, 380
л
Лабхардт, Кристоф 490
Л а грене, Жан-Жак 430
Ладатте, Франческо 88
Лазар-Дюво 80
Лаймхаузский фарфор 447,
448
Лайнз Бразерс 564. 570, 571,
584,585
Лайонел, Компания 584, 587
Лайт, Эдвард 321
лак: английский 40-1,
итальянский 87-8,
восточный 248-9
Лакайль, Луи Никола де 281
Лалик, Рене 250, 383-4, 503
Ламери, Поль де 358
Ланеоль 575
Ланнуйе, Шарль-Оноре 133,
136
латная рукавица 536
латтимо, стекло 475
латы 533-4
Лауверикс, Дж.Л.М. 124
Лаудон, Дж.К. 68, 71
Лаустофтский фарфор 447,
450
Лебрен, Шарль 75, 79, 163,
177,244.368
ЛеЖен. Франсуа 317
Ле Маршан, Давид 237
Ле Массон, Луи 430
Ле Потр, Жан 366
Ле Принс, Жан-Батист 603
Ле Рой, Жюльен 204, 205
Ле Ру, Бартоломео 377
Леболт и Ко. 387
Левенгук, Антоний ван 294
Лейбниц, Готфрид фон 287
Лейн, Аллен 597
Лейнек, Рене 298
Лейстлер, Карл 96, 101
Лейтон, Фредерик, лорд 245
Ленчи (Е. и Е. Скавини)
562,569
Лепин, Жан-Антуан 204, 205
Лесни игрушки 585
лесное стекло 473
Лефлер 120
Лехман, Каспар 484-5
Лехмана игрушки 583
Либерти и Ко. 113, 195
Либерти стиль, серебро 382-
3
ливерпульский фарфор 446-7,
450,452
Лиланд, Питер 295
Лиль, Гильом де 613, 616
Лиможский фарфор 453
Линвуд, Мери 175
Линдлер и Сыновья 568, 571
Линнелль, Вильям 45, 49
Линнелль, Джон 45, 49, 50
Линсшотен, Гуго ван 613
Лион: керамика 425, шали
198, текстиль 171
Листер, Джозеф 298
Листер, Джозеф Джексон
295
литография 603
Литтлер, Вильям 450
литье, серебро 366-7
Лич, Бернард 458
Лич, Джон 603
Лобмейр, Людвиг 498
Лоец, стекло 503
Локк, Матиас 21, 48
Лонг, Вильям 463
лонгкванский селадон 399
Лонгтон-Холл, фарфор 446,
447,450
Лондонские фарфоровые
фабрики 447-8
Лоос. Адольф 122*3
Лоран. Клод 323. 324
лоскутные одеяла 179*81
Лот, Луи 323
Лот, Томас 323
лотосная посуда 463
Лофт. Метью 294
лошадки-качалки 570
Луве, Пьер 321
Лунд, Бенджамин 448
Лутма, Иоганнес 365, 371
Луц, Людвиг 581, 584
Льюис, Уиндем 114
Людвиг, Ричард 123
Людвигсбургский фарфор
433, 435
Людовика XIV мебель 75
Людовика XIV стиль 84,
Британия 69-70
Людовика XV мебель 77
Людовика XVI мебель 78*81
Люк, К.Г. 435
Люкотт 575. 577
Л юпо 321
лютни 318
лютни 319
м
Мавританская культура и
Испания 160-2. 165
Маджини, Джованни Паоло
317
Маджолини, Джузеппе 88,
90
Мажорель, Луи 111, 115-116
Майерс, А.Н. 572
Майерс, Майер 378
Майнц, мебель 98
Майнотт, Самюэль 379
майолика 423-4:
американская 461, английская 454,
461
Макдональд, Маргарет 383
Мак-Интайр, Сзмюэль 127,
130
634

УКАЗАТЕЛЬ
Макинтош, Чарльз Рени 111,
112-13,383
Мак-Лин, Джон 60
Мак-Лафлин, Мари Луиза
463
Макмердо Артур Хейгейт 111
Мак-Нейр, Френсис и
Джеймс Герберт 383
Макс Хандверк 561
Макудзу Кодзан 414
Малер, Локс 321
Малкин, Самюэль 443
малые шпаги 538
Мальмстен, Карл 125
Мальтой, Джеймс 604
мандолины, 319
Манойл 575
Мансель, Жан 237
Мансфилд, Джон 376, 377
маньеризм, бронза 242
маньеризм,серебро 371
маньеризм, стекло 475-6
Мардерстейг, Ганс 597
Маре, Андре 118-19
Марелье, Луи Адриан и Жан
Батист Эдуард 105
Мариебергский фарфор 437
Марк. А. 559
маркетри: Булло 76,
голландские 109,
английские 35, 68,
французские 77, 80
Марклин 565, 581, 582-3,
586, 587
Маркс, Луи 584
Маро. Даниель 46, 107, 368,
371
Марсель, Арманд 560, 561
Мартин, Фернанд581, 584
Марш и Тейтем 60
Маршалл, Джон 294
Мартин, Бенджамин 294
массовое издание 596-7
материя для платья 192
Маттерк, Карл Максимилиан
96
Матчбокс Тойз 585
Маунт, Ричард и Вильям
167,618
Мача, Альфонс 384
машинки, игрушечные 583-4
маятники-монахини 213
мебель Готического
возрождения 69
мебель из гнутой древесины
101
мебель эпохи первых
поселенцев 126-9
мебель, миниатюрная 563-5
мебель: американская 126-
37, британское
викторианское возрождение 68-71,
британская (1860-1920),
110-25, голландская 106-9,
английская, 17 век 34-43,
Английское Регентство
56-67, европейская,
ранняя 26-33, европейская
1600-1900 94-101,
европейская 1860-1920
110-25, французская 72-
85, восточная 138-43,
российская 102-3,
скандинавская 104-5,
испанская и
португальская 92-3
мебельный ситец 182
медали 524*6, за доблесть и
службу 526-7, военные
552-3
медицинские инструменты
297-8
Медичи, фарфор 439
медные духовые
музыкальные инструменты 327-9
медные изделия 266
Международная выставка
1862 110.499
Мезоньер, Жюст-Орель 365,
369
Мейдзан, Яби 416
Мейер, Джордж Вашингтон
136.137
Мейер, Кристиан 102
Мейер, Ф.Ф. 432, 436
Мейнел, Френсис 608
Мейрхафер, А. 326
Мейсенский фарфор 431-2,
433, 453, копии 464,
куклы 561, французские
копии 429
Мейсон и Тейлор 558
Мейсон, Жумо 559
Мейсон, Хурет 559, 564
Мейхью, Джон 21, 45, 49, 50
Мекерен, Ян ван 106
Меккано 583, 585
мелкая посуда, британское
серебро 362
Мельхиор, Иоганн Питер
434
мементо мори, ювелирные
изделия 346, 348
Мене, П.Ж. 245
Менкеси, фарфор 428
Ментона пистолеты 544
Менцель, Иоганн 492
Меркатор, Герардус 278,
612,613,614.620
меркуриевые барометры 284-
7
Меррисота игрушки 567-8,
569
Мертонское аббатство 164,
175
Месопотамское стекло 470
Метайер 559
металлическая домашняя
утварь 266-9
металлофоны 335
метеорологические
инструменты 284-9
метеорологические приборы
284-9
Метсис, Квентин 526
Метч, Й.Ф. 435
механические инструменты
297-8
мечи 537, 538-9. 542
Миао 239
Мигнот 577
Микеланджело 242
микроскопы 294-5
Милднер. Иоганн 493
миллефиори 493, 499
Миллхаус, Вильям 326
Минг, керамика 399, 401
миниатюрная мебель 563-5
Минтонский фарфор 452,
453-4,455,456
Митчелл, Джон 618, 620
Митчом, Моррис 566
Мич, Герберт 562
модерн: американское
серебро 381, европейская
керамика 456-8.
французская мебель 115-17,
итальянская мебель 124,
шотландское серебро и
ювелирные изделия 383
Моэер, Коломан 111, 121,
123, 384-5
Моксон, Джозеф 279
Молинье 194
Мои, Самюэль и Готтлоб 496
монеты и медали 506-26
Монтанари. семья 562
Морган (Метт),
Художественная Керамика 463
Морган и Сандерс 60, 64
Морелль 564
Морель и Хьюз 65
Морисок, Стенли 597
Морланд, Сэмюэль 285
Морлок и Ко. 455
Моррис, Уильям 69, 119,
382, 455; ковры 164,
частная типография 597,
606-7, текстиль 175
Моррис, Джордж Энтони
463
Моррис, Мей 175
морские карты 616
морские сабли 539
Мортлейкские гобелены 178
Мортон, У.Т.Г. 298
Мотчман, К. 562
Муди библиотека 596
мужская работа, вышивка
174
музыкальные инструменты
311-35
Мур, Бернард 455
Мур, Вильям 55
Мур, Джеймс 45, 46-7
Мур. Томас 164
Мур, Эдвард К. 381
Мурано, стекло 474-6, 491,
499
Муркрофт, Вильям 456. 458
Мурфилдские ковры 164
мусульманская керамика
418-21
мусульманские ковры 149-50
Мюллер, Ф.Х. 437
Мюллера стекло 485
Мюнстер, Себастиан 612,
613, 620
мягкие игрушки см.
игрушечные медвежата
мягкий стул с высокой
спинкой и
подлокотниками 77
н
Набешима, керамика 414
набивной хлопок 182-5
набивные текстильные шали
198
навигационные приборы 274-
7
нагрудники 534
Надерман, Генри 321
Най, Фредерик Е. 500
найонский фарфор 433, 436
Найпс, Найсфор 309
Наль, Иоганн Август 96, 98
Нангавара 413
Нансач Пресс 608
Нантгарвский фарфор 452
напечатанные книги, первые
593-4
напольные часы: голландские
207, английские 208-9,
французские 214
Нара.керамика 408-9
наручные и другие часы 201-
21
настенные циферблаты,
Англия 212, 217
настольные игры 572
настольные часы 208, 209,
211-12.214
научные приборы 271-309
неапльский фарфор 439
неверская керамика 428
Нейрн, Эдвард 286. 305
немецкие цветы 426
неоготический стиль, мебель
111
неоклассическая мебель:
голландская 108-9.
английская 50-2, 56-61.
французская 78,
германская 99-100, итальянская
89-90, 91, российская 102-
3, скандинавская 104-5
неоклассические часы 220-1
неоклассические ювелирные
изделия 346-9
неоклассический фарфор 430
неоклассическое
возрождение 122
неоклассическое серебро:
британское 359-60,
французское 369
неоклассическое стекло 492-
3
неолитическая керамика 407
неорококо: американская
мебель 133, английская
мебель 69, европейская
керамика 452-3
Непьер, Джон 303
Нери, Антокио 485
Нестфель, Иоганн Георг 96
Несфилд,Иден 71
Неу, Венцель 436
нефрит 246-7
нефы, стекло 478
Нибб, Джозеф 203
нидерландская мебель 30
нидерландские гобелены 176
нидерландское стекло 478,
488-9
нидерланские кружева 188-9
Ниймейер, Адельберт 121,
122
Никербокер Ко. 573
Николе. Мария Лонгворт
461-3
Николсон, Вильям 603
нимфенбергский фарфор
433,434
Нис, Иоганн 378
Нишапур, керамика 419
ножи и кинжалы 539-40, 542
ножка мебельная 24
ножки мебели 24, 44-5
Нока пистолеты 544
Нокс, Арчибальд 383
Норвегия, см. Скандинавия
норвежское серебро 384
Норитакский фарфор 416
Норман, Барак 317
Норман, Самуэль 23,45,49,50
Нортвуд, Джон 497-8
Нортон, Джон 461
Ноулз, Исаак В. 462
Ноулз, Тейлор и Ноулз 463
Ноя ковчеги 571
нью-йоркская мебель 132
нью-йоркское серебро 377
Ньюбери, Джесси Р. 175
Ньюберн, Джон 605
Ньюбери, Е. 573
Ньювенгуис, Тео 124-5
Ньюкасл под Лаймом,
фарфор 446
Ньютон, сэр Исаак 293, 295,
302
нэцкэ 227, 234,235
Нэш, Артур 503
Нэш, Джозеф 69
Нэш, Джон 64
о
О'Коннор, Джереми 55
обезболивающий аппарат
298
Оберкампф, Кристоф 184
обивка 21-3
обливная глиняная посуда,
Британия 442-3
обливная керамика:
американская 459-60,
европейская 423
облицовка, Англия 40-1
образцы 173-4
Обрист, Герман 120
Объединенные Фарфоровые
Фабрики 463
объемные солдатики
(солиды) 576-8
Огайо, гончарные изделия
463
огнестрельное оружие 543-8
Опост, Робер-Жозеф и Анри
365.369
одежда, вышивка 170, см.
также костюм
одеяла см. лоскутные одеяла
Одиот, Жан-Батист-Клод
365, 369
окопные ножи 540
Олбрих, Йозеф Мария 111,
122,385,386
олово (изделия)269
оловянные солдатики 575-6
Омега Фабрика 114
оперный бинокль 293-4
оптические игрушки 296
оптические приборы 292-6
органы 332-3
ордена см. рыцарские знаки
Орибе, Фурита 410
оррери 283
Орта, Виктор 111, 117, 119
Ортелиус, Абрахам 611, 612,
613,620
Ортлинг, Людвиг 305
оружие 531
оружие, доспехи и военное
снаряжение 529-49
осадные монеты 520
Ост, Готфрид, Брат 462
Оттетер, Жан 323
от кутюр 194
отлитые под давлением
игрушки 557, 585
Отред, Вильям 303
оттоманская пряжа 151-2
Оуде Лоосдрехт 436
Оудри, Жан-Батист 178
Оукли, Джордж 60, 64
Оусиус, М. 564
Оуэне, Дж.В. 463
офиклеиды 329
Очель, Алоиз 575, 576
п
Паладжи, Пеладжо 88, 91
Палисси, Бернар 422-3
палладиевый стиль в мебели
48,50
635

УКАЗАТЕЛЬ
палочка с лошадиной
головой 570
памятные драгоценности 346,
348
Панормо, Луи 321
Пантин, стекло 500
папье-маше 254-5; куклы
562, мебель 68
Паре, Амбруаз 297
Пари, д-р Джон 296
Парижская выставка 1867 499
Паризо, Пьер 164, 178
Паркер Бразерс 572, 573
Паркер, Томас 67
Пароди, Доменико 86, 88
паросский фарфор 454-5;
американский 463,
кукольные головы 561*2
Паскаль. Блез 303
пассажирские часы 205, 213,
214
Пауэлл, Гарри 499
Пауэлл, Хью 295
Пашмина, коврики 157
Пейдж, Джозеф 321
Пейдж, Томас 618
Пейс, Чарльз 329
Пейсли сосна 192
Пейсли узоры 185
Пейсли шали 196-9
Пек, Люси 562
Пеллегрики, Карло 603
Пеллерин 572
Пельтцер, Захариас 484
Пенкок, Бернард 120, 385
Пеннигтонский фарфор 450
пенсильванская мебель 134
переплеты 605
переходный фарфор, Китай
402. 405
Перинье, Франсуа-Этьен 329
период Английской
республики,серебро 356
период Реставрации,
французская мебель 82*4
Перляйн и Верной 565
Пероль Фрер 118
Перро, Бернар 485
персидская керамика 419-20
персидские коврики 152-6
Персье, Шарль и Пьер-
Франсуа-Леонард Фонтен
103. 109.364.370
Пети, Жак 452-3
Петти, сэр Вильям 619
Печ, Дагоберт 385
печатники 593. 595, 597
пианино 332
пианолы 333
Пигафетта, Филиппо 620
Пикок, Вильям 573
Пил. Дж. 254
Пилкингтнская Королевская
Ланкастрианская
Керамика 456
Пингвин книги 597
Пино, Николас 19, 102
Пинтель и Годшо 559
Пиранези, Джамбаттиста 50
пистоны 546
Пиструччи, Бенедетто 514
письменные столы с
секретами 86-7
письменные столы: Англия
40, Франция 73-4
письменный стол 44
Питтсбургская керамика 460
Питч, Карл 498
Пифетти, Пьетро 88
Пиффо 323
Плактин, Кристофер 595,
596
Планциус, Петрус 613, 615,
616
Планше. Эндрю 449
Платель, Пьер 357
племенные коврики, Персия
155-6
Плицнер, Фердинанд 95, 96
Плюме, Шарль 116
пневматические
инструменты 305
подделки, в керамике 464-5
подделки, часов 219-20
покал 490, 492
покрытие стекла тонким
слоем эмали 482-3
Поллайоло 240
Поллок, Бенджамин 572
полые солдатики 578
Поль, Бруно 120, 121
польские коврики 165
Портлендская ваза 498
Портуа и Фикс 123
Портуа, Доминик 326
португальская мебель 32, 92-
3
португальское серебро 372-3
Поттер, Беатрикс 603, 606
Поттер, Вильям Генри 323
Поттер, Ричард 323
пояса, ренессанс 344
Прайд, Джеймс 603
праксиноскопы 296
Праттовская керамика 441,
444. 452
Прауз, Томас 323, 324
предметы одежды с
вышивкой 170-1
Пресблер, Франциско 321
пресс (мебель) 39
Пресслер, семья, стекло 480
пресс-папье, стекло 493
Престон, Джон 321
Приер, Бартелеми 242
прикладное искусство:
американская мебель 137,
ковры 164-5, вышивка 175
прикроватные столики 57
Приматиччо, Франческо 242
Принс, Самюэль 130
прихотливые часы 220-1
провансальские одеяла 180
провинциальная мебель:
английская 53,
французская 85
произведения искусства 223-
69
производители письменных
столов, Англия 45, 49
производство бумаги 594
промышленные методы,
серебро 367-8
промышленные часы 217
Прудент, Тиссье 326
Прутшер. Отто 123, 385
Птолемея География 610,
611
Пуаре, Поль 194
Пуджин, А.У.Н. 69. 110,352
Пуджин, А.К. 65, 604
путеводители, напечатанные
602
Пьеротти, семья 562
р
Рааб, Иоганн Валентин 100
Рабери и Дельфи 559
рабочие столы 57
Равенскрофт, Джордж 486
Ради гует 581, 586
разноцветное стекло, Англия
488
Рай, Люси 458
Райгель, Эрнст 385
Римершмид, Ричард 120-1,
385
Райт и Мансфилд 71
Райт, Джон 442
Райт, Фрэнк Ллойд 136, 137
Райтвелд, Геррит 125
раку, изделия 410
рама, мебельная 41-2
Ран дел л, Бридж и Рунделл
349
Ранделл, Филипп 361
раннее плетение 37
Рао 329
рапиры 537-8
Раскин, Джон 382
Раскина керамика 455
раста-на-пасте, Севр 455
Растрелли, граф Бартоломео
Франческо 102
Ревелли, Игнацио и Луиджи
90
Ревер, Поль Младший 378,
379, 380
Ревер, Поль Старший 378
револьверы 546
Регентства керамика 56-67
Регентства серебро 360
региональная мебель: Англия
53, Франция 85, Италия
91
резные игрушки на
колесиках 570-1
резьба по дереву:
европейская 229-31, восточная 226-
7
резьба по кости: европейская
236-7, восточная 232-5
Рейд, Вильям 446,450
Рейерз, Якоб 279
Рейно, Эмиль 296
Рейшль 244
Рекхем, Артур 603
религиозная резьба 226-7
религия и ювелирные
изделия 343, 346
рельеф, вышивка 172
рельефное тиснение серебра
365-6
Ремсден, Джесс 294, 305
Рёмерс, Анна 488
Рендольф, Бенджамин 127,
130
Ренессанса бронза 240-4
Ренессанса мебель:
британская 70,
французская 84
Ренессанса музыкальные
инструменты 313
Ренессанса стекло 474-85
Ренессанса ювелирные
изделия 342-4
Реннелл, капитан Джеймс
618
Рерон, обливная керамика
Ретьер, Жак и Жак-Никола
369
реставрация китайской
мебели 140-1
реформа платья 194-5
Рид и Бартон 380, 387
Регентства стиль, мебель 77
Риджвей, фарфор 452
Риенер, Жан-Анри 59, 79
римские монеты 512*14
римское стекло 471-3
Ритсуо 249
Ричардсон, Джозеф 378
Ричардсон, Джозеф
Младший 380
Ричардсон, Френсис 377
Ричардсона стекло 498
Риччо, Андреа 241
Роберте, Вильям 603
Робине, Томас 42
Роджерс, Брюс 597
рожки 327
рожки 327-8
Розенбургская Фабрика 456
Ройкрофтерская мебель 137
Рок и Грейнер 564, 565, 584
Рокингемские изделия 450
рококо мебель: голландская
107-8, английская 48,
европейская 20, 95-9,
германская 97-8,
итальянская 88-9,
российская 102
рококо серебро:
американское 378, 381, британское
358-9
рококо часы 219-20
рококо ювелирные изделия
346-7
Романо, Джулио 342
романтизм и ювелирные
украшения 349-52
Ромер, мадам 559
Ронтген, Абрахам 96, 99
Ронтген, Дэвид 96, 99, 102
роспись эмалью 250-1
Росс, Эндрю 295
Росселли, Францеско 611
Росси, Карло 103
российская мебель 102-3
российский фарфор 452
российское серебро 375, 386
российское стекло 494
Роттенбург, Жан 323
Роуенская керамика 425-6,
427,428
Роуз, Джон Митчел 323
Роузвильская
Художественная керамика 463
Роул, М. 109
Роуландсон, Томас 604-5
Роули, Джон 283
ру изделия 396
Руд. Франсуа 245
Руделл, Джордж 323
ружья 543-8
ружья с колесным замком
543-4
Руич, Иоганн 611
Руквудская керамика 461-3
Рукерс, семья 331
рукописи см. книги и
рукописи
Рульман, Жак Эмиль 119
Руссингер, Лаурентиус 434
Руссо, Ф.Е. 456
рыцарские знаки 507
рыцарские цепи 343
с
Сааринен, Элиель 125
Савари, Жан-Никола 326
Савафидов керамика 420
Савафидов ковры 152-4, 155
Савино, Гвидо да 442
Савоньерские ковры 162-3
Саймон и Холбиг 560, 561
Сакс, Адольф 326
саксофоны 325-6
салемская мебель 132
Сали, Жак-Франсуа 104
Сальвати, Антонио 499
Сальвин, Энтони 69
самаркандская керамика 419
Самсон, Эмиль 464
Санг, Якоб 489
Сандерс, Джон 448
Сандерсон, Роберт 376, 377
Сансовино, Джакопо 242
Сансон, Николас и Сыновья
613,616
Саутвелл, Вильям 331
Сацума, фарфор 416
Свонси, фарфор 450, 452
Север да Равенна 241-2
Севр, фарфор 429-31, куклы
562, клейма 430-1
Седдон, Джон Полард 110
Седдон, Джордж 52, 57, 60
Седлер, Джон и Гай Грин
251
Сейвори, Уильям 127, 130
Сейер, 573
секретеры 41
секретеры, американские
130
секретный стиль, серебро
370-1
Секстой, Кристофер 613,
617,619
Селлас, Маттео 321
Селмерсгейм, Пьер и Токи
116-17
Селчау и Рихтер 572
семья розовая /зеленая 405*
6,411
Сенефельдер, Алоиз 603
Сен-Клу, фарфор 427, 428
сентиментальные ювелирные
изделия 348, 35-2
Сент-Луис, стекло 493, 494
серебро, золото и ювелирные
изделия 337-87
серебро: американское 376-
81, британское 354-63,
европейское 364-75
Серена, братья 476
серпенты (музык. инстр.)
326
Серурье-Бови, Густав 111,
119
Сигбургская керамика 423,
433
Сикс, лес, мебель 116-17
Силлет, Ж. 564
Сильбер и Флеминг 564
Сильвер, Рекс 383
Симон и Риволе 585
Симонн 559
Симпсон, Джон 323
Симпсон, Ральф 442
Сингер, Й.Х. 572
Синж, семья 377
Синж, Филип Младший 378
сирийские гончарные
изделия 419
скальола 31
скандинавская мебель 104-5,
125
скандинавские коврики 165
скандинавские ювелирные
изделия 384
скандинавский фарфор 437
скандинавское серебро 384
Скотт и Ко. 572
Скотт, М.Х.Бейли 112, 121
скрипки 316-17
Скьяпарелли, Элза 194
Слокум, Л.Дж. 565
Слотт-Меллер, Харальд 384
Смит, Джордж 62, 63
636

УКАЗАТЕЛЬ
смычки для струнных
инструментов 316*17
Снелл, Вильям и Эдвард 65
соединенные табуретки 37
создание иллюстраций 602-3
Сокки. Джованни 88, 90
Солдани, Массимилиано 244
солдатики 574-9
солнечные часы 290-1
Солон, Л.М.Е. 455
Сондерс, Пол 178
Сонье, Клод-Шарль 59
Сорренто, изделия 263
составная картинка-загадка
572-3
Сосюр, барон Орас Бенедикт
де288
Соумейн, Симеон 377
Сохо. гобелены 170
Спарре, Луи 125
Спеер, Йозеф 618
Спид, Джон 617, 619
Спиллер, Готфрид 490
Спилсбери, Дж. 572
Спиндлер, Иоганн Фридрих
и Генрих Вильгельм 96, 98
Спинелли. Никколо 526
спинеты 331
спинная часть кирасы 534
спирта уровни 300
сплав олова со свинцом 267-
9
Споуд. Джошуа 450, 452
Споуд, Джошуа Второй 441
Спраймонт, Николас 447
Спунер, Вильям 572
Стаббс, Джордж 445
Стаблер, Гарольд и Феба 383
Сталь, Иоганн Людвиг 576
стальная тульская мебель
103
Стар Производственная
Компания 570
Стаурбридж. стекло 497,
498, 500
стаффордширские гончарные
изделия 443-6, 452, 460
Стейнсби, Томас 323
стекло "Фавриль" 503
стекло 467-503: граненое
492-3, 494-5,
гравированное 483-5. 490-1.
происхождение 470
стетоскопы 298
Стивене и Браун 564, 581
Стивене и Вильяме 498, 500
Стикли, Густав 136, 137
стиль ампир, керамика 451-2
стиль ампир, мебель 81-2, 90-
1
стиль ампир, серебро 369-70,
380
стиль ампир, ювелирные
изделия 349-50
стиль Второй Империи 84
Стоке, сэр Джордж 289
столик под зеркалом 37
столы, американские 127-8
столы: американские 129-30,
английские 33, 36-7,
ранние европейские 29,
французские 78, королевы
Анны 46
Столь, часы 207
Сторр, Пол 361
Стоун, Николас 37
Страдивари, Антонио 317,
321
Страсбургская керамика 426,
428
строчевышитые изделия 170-
8
струнные инструменты 316-21
студийная керамика,
британская 458
стулья: американские 126,
129, английские 33, 37-9,
европейские 28-9, спинки
рококо 48-9, типы 23-5
Стюарт, Джеймс "афинский"
20,50
Сун, изделия 395-6, 397
суррасофоны 325-6
Сузини, Антонио 242
Сю, изделия 408
т
табуретки, европейские 29
Тайксон, Джозеф 459, 462
Тайни Тойз 564
Так (Рафаэль) и Сыновья
573
Тальберт, Брюс 69, 111
Тальбот, В.Г.Фокс 309
Тан, керамика 394, 397
Таскин. Паскаль 331
Таулер и Кемпин 198
Таунсенд, Джон 127
Таунсенд, семья 131
Таухница. издания 596
Тауэр, Гильдия 565
Тафт, Джеймс 461
Тафт, Томас 127, 130
твердый фарфор, 430, 450
Тевено, Ж.М. 300
Тейбери, Джеймс 54
Тейлор, В. Хаусон 455
Тейлор, Вильям 442
Тейлор, Джон 64
Тейтем, Чарльз Хиткоут 61
текстиль и костюм, 166-99
текстиль с валиковой
печатью 185
телескопы 292-3
Телотт, Иоганн Андреас 365,
374
Тенниел, Джон 603, 606
теодолиты 299-300
теорбы 318
Терлинкс, Корнель Жан
Жозеф 326
Терри, Эли 205, 215
Тессельшейд, Мария 488
Тилке, Иохим 317
Тиллар, Жан-Батист 79
тимпаны 334-5
Тиндейл, Вильям 598
типография 606-9
Тифенбрюннер, Георг 321
Тиффани и Ко., серебро 381,
386
Тиффани, Луи Комфорт 501-
3
Тиффекбрукер, Be н дел и н
321
ткань для обивки сидений:
французская 19 века 83,
ранняя европейская 28-9
Тоби, Мебельная Компания
137
Томайр, Пьер-Филипп 245
Томон, Томас де 103
Томпион, Томас 203, 211
Тонет, братья 122
Тонет, Михаэль 96, 101
топографические книги 604-5
Тори, Жоффруа 593
Торникрофт, Гамо и Томас
245
Торрес, Антонио 321
Торричелли, Евангелиста
284
Тоурнаи гобелены 177
Тофт, Ральф и Томас 441,
442
Траквейр, Феб 382
Трантера револьверы 546
Третьего Рейха мундиры 551
Трианг, игрушки 564, 570,
585
Трибер, Гийоме 326
тримминг, ювелирные
изделия 348*9
тромбоны 328-9
трости 264-5
трубы 327-8
трюмо 43
"Тудрик", серебро 383
турецкая керамика 420-1
турецкие коврики 150*2
туркоманская пряжа 157-8
Тюрингский фарфор 436
Тюре, Исаак 203
У
Уайт.Дж.П. 112
Уайтинг Мэньюфэкчаринг
Ко. 381
углеродный анализ 229
ударные инструменты 334-5
У и ттл, Джеймс 45, 49
Уитти, Томас 164
украшенные рукописи 592
Унгер, братья 387
Унтеуш, Фридрих 95
Уокер, Эмери 597
Уорт, Чарлз Фредерик 104
Урбан, Йозеф 123
Уэбб, Джон 71
Уэбб, Томас и Сыновья 447,
498, 500, 501
Уэбб, Филипп 111
Уэллс, Клара Барк 387
ф
Фаберже, Густав и Питер
Карл 375, 386
фаготы 324-5
Файф, Дункан 130, 136
фальсификации, керамика
464-5
Фантастичи, Агостино 91
Фарнелл, Дж.К. 567
Фарнер, Теодор 386
фарфор, расписанный под
слоем глазури, китайский
400-1
фарфор: американский 463,
европейский 427-39,
европейское повторное
открытие 391, 440
фарфоровая посуда,
китайская 394-5
фаянс 425-6
Фегели, Вильгельм Каспар
435
Федеральный стиль, мебель
132
Федеральный стиль, серебро
380
Фейлнер, Саймон 434
Феникс 559
Фера, Жорж де 116
Ферстенберг, фарфор 433,
434
филадельфийская мебель 130
Филадельфия Той
Мэньюфэкчаринг Ко. 565
Филарет Антонио Аверлино
240
Филд, Джон 331
филигрань 341
Филипс и Ко. 455
философские инструменты
302-5
фитильные замки 543
Фицрой, Леут 287
Фишер, Александр 382
флажолет 323
Флайт, Томас 449
фламандские гобелены 176
Фландрия, Фламандия см.
Нидерланды
флейты 324
Флейшман и Блодель 559
Флейшман, Адольф 560, 562,
584
Флексман, Джон 361, 445
Флетнер, Питер 31
флорентийский фарфор 427
флорианские изделия 456
Флорио, Пьетро 323
Фогельберг, Эндрю 361
Фоджини, Джованни
Баттиста 87, 88, 244
Фолкнер, К.В. и Сыновья
572
Фолло, Поль 118
Фоллоуз, Джеймс 581
Фолуэл, Джон 127, 130
фон Айзенверт, Фриц Шмоль
385
фонарные часы 209
Форбс, Вильям 378, 380
Форвилл, 323
Фординуа, А.Ж. и А.О. 79
форма, военная 549, 551
Форсит, Александр 546
фотографические приборы
309
Фрай, Лаура Л. 463
Фрай, Роджер 114
Фрай, Томас 448
Фрайдел, Клеменс 387
Франкентальский фарфор
434-5
Франклин, Гарри 587
Франкфурт, керамика 425,
433
Франция, влияние:
английское Регентство,
мебель 59-60, российская
мебель 102
французская бронза 242,
244-5
французская полировка 68
французские гобелены 177-8
французские игрушки 581,
583
французские карты 616-17
французские ковры 162-3
французские кружева 188-9
французские маркетри 77, 80
французские солдатики 576
французские часы 219, 221
французский фарфор 427-31
французское 369
французское серебро 368*70,
383-4, 386
Франчини, братья 499
Френсис, Филд и Мак-
Лохлин 564
Фридрих Великий 97
Фризиус, Гемма 278
фрисландские часы 207
Фрицше, стекло 500
Фробен, Иоганн 593
Фромантил, Ахазуер и
Иоганн 203
Фромен-Мерис, Франсуа-
Дезире 350-2, 370
Фуиллатре, Юджин 384
Фуке, Жорж 384
Фуко, Жан 302
Фукугава, изделия 414
Фулви, Орри де 429
Фулда, фарфор 433, 436
Фуллер, С. и Дж. 573
Фулхем, гобелены 178
Фулхем, ковры 164
Фурнье, Луи 437
Фурнье, семья 595
Фуст, Иоганн 593, 594
футляры для часов,
эмалированные 251
Фуэтер, Даниель Кристиан
378
Фэри, Джон 301
х
Хаббард, Элберт 136, 137
Хайд и Гудрич 380
Хакер, Кристиан 563, 564
Халберт, Филипп 378
Халл, Джон 376, 377
Хамада, Шодзи 458
Хамфри, Ричард 378
Хан, керамика 394
Хангер, К.К. 437
Ханнонг, семья 426
Хант. Т.Ф. 69
хаусмалеры 435
Хедли, Джеймс 276
Хеемскерк, Биллем ван 488
Хейд, Джордж 575. 577-8
Хейзелтайн, Герберт 245
Хелери, Жан 329
Хемпхилл, Александр 463
Хемпхилл, Джозеф 462
Хендрикс, Ахазуер 377
Хенчман, Даниель 378
Хеппельуайт, Джордж 50-2
Хеппельуайт, стиль! 32
Херинг, Артур 576
Хеубах Гебрудер 561
Хехст, фарфор 433, 434
Хехшнит, бокалы 490
Хизер, Вильям 618
Хил и Сын 113-14
Хил, Амброз 113
Хилл, С.Л. 573
Хименес, кардинал 597
химические инструменты
305
Хинц, Фредерик 321
хирургические инструменты
297-8
Хит Робинсон, Вильям 603
Хиткоута машины 190
Хичкок, Ламберт 136
Хичкок, Томас 331
хлопок 168
хлопок, набивной 182-5
Хоксби, Фрэнсис 305
Холл, стекло 476
Холланд, Генри 52, 59, 64,
265
Холлет, Вильям 45, 49
Холлидей, Джозеф 329
холодное оружие 537-42
637

Хонитон, кружева
Хоппенаут, Иоганн Михаель
и Иоганн Кристиан 96, 97-
8
Хорнби, игрушки 584, 585,
587
Хорнер, В.Г. 296
Хорсман и Ко. 562
Хоуп, Томас 58, 61
Хофман, Влатислав 458
Хоффман, Йозеф 111, 121,
123,384-5
Хохбрукер, Якоб 321
хронометры 277
Хубер, Патриц 385
художественное серебро,
Америка 381
художественные гончары,
Англия 455-6
Хумпен 482
Хурд, Натаниэль 379
Хурд, Джакоб 378, 380
ц
Цейсе, Карл 295
целадок, керамика 397-9
церковная мебель 137
цимбалы 319-20
Цинциннати
Художественная керамика 463
Ципелиус, Джордж 185
цитры 318-19
цитры 319-20
цюрихский фарфор 433, 436
ч
чайная посуда, японская
керамика 409-10
частные типографии 606-9
часы 218-21
часы для полок,
американские 215
часы для таверн 212
часы с кукушкой 217
часы с маятником 203-4
часы с фокусом 216
часы с четырьмя стеклами
216
Чафферс, Ричард 450
Чед Велли, игрушки 567,
569,571,584
Чейз, Марта Дженкс 562
Челлини, Бенвенуто 242,
342, 343, 344, 526
Челси, Керамические
Художественные Изделия
461
Челси, Массачусетс,
керамика 461
Челси, фарфор 446, 447-8
Чемберлен, Роберт 449
Чемберс, Вильям 50
Чемпион, Ричард 450
Ченьхуа фарфор 401-2
Ченнон, Джон 45, 49
черепаховый панцирь 252-3
черная глазурованная
посуда, Япония 410
чертежные инструменты 301
Чешка, Карл Отто 385
Чикаго, серебро и
драгоценности 387
Чилтерн Тойз 567, 568
Чиппендейл стиль, американ
ской мебели 130-2
Чиппендейл, Томас 21, 23,
45, 48-9, 50
Чирнгаузен, граф Эренфред
Вальтер фон 431
Чичолд, Ян 597
ш
шали 196-9
Шанель, Габриель ("Коко")
194
Шантильи, фарфор 427-8
шарманки 320
Шарпантье, Александр 117
Шванхардт, Георг 485
Шварц, Ганс 526
шведский фарфор 437
Швейнгейм и Паннарц 593
швейцарские часы 204, 214,
220
швейцарский фарфор 436
Швейцер 565
Шевалье 295
шейкер, стиль мебели 134-6
Шейфер, Иоганн 483
Шелдон, Вильям 178
шелк 168-9
Шенг, бронза 238-9
Шенг, керамика 394
Шенк, Джеррит 378, 380
Шепланд и Петтер 113
Шератон, стиль,
американский 130
Шератон, Томас 52, 56, 57,
66, 67, 103
Шервин, Вильям 182
Шеффер, Питер 593, 594
Шеффилдское серебро 354
Шиккель, Карл Фридрих 96,
100
Шино Сошин 410
Ширайамадани, Куитаро 463
шишечки 486
шкафы: английские 39,
французские 75, 79, 83
шлемы 534-6
Шлотт, Франц Антон 96
Шмидт, Иоганн Вольфганг
485
Шмидт, Карл 121
Шмидт, Эрнст 533
Шмитт и Филе 559
Шнайдер, Кристиан
Готтфрид 491
Шнеегасс 564
Шнелль, Мартин 96
Шоннер, игрушки 583
Шонцуи, изделия 405
Шотландия, карты 619
шотландская вышивка 175
шотландское серебро 383
шотландское серебро и
ювелирные изделия в
стиле модерн 383
Шоу, Вильям 329
Шоу, Генри 69
Шрайбер, Й.Ф. 572, 573
Шрейер и Ко. 567, 568
Шрив, братья 380, 387
шрифтов дизайн 599
Штейн, Иоганн Андреас 331
Штейнер, Жюль 559
Штейнер, Якоб 317
Штейф, Маргарет и Ричард
562, 566, 567, 568
УКАЗАТЕЛ
Штобвассер Георг Зигмунд
254
Штольцель, Генрих 329
штыки 540, 542, 544
Шуди, Биркат 331
Шуко см. Шрейер и Ко.
Шуман, Эрт 489
Шумахер, Мартин 96
Шунау и Гоффмейстер 561
Шунхат, А. 558, 565, 571
Шурер, семья, 480
Шусс, Питер стекло
Шустер 329
Шюблер, Иоганн Якоб 95
э
Эбен, Жан-Франсуа 79
Эберлейн, Й.Ф. 432
эбонисты 78, 213
Эгг, изготовитель
пистолетов 544
Эдварде и Роберте 71
Эдварде, Джон 377
Эйвери, В. и Сыновья 564
Эйвонская керамика 463
Эйк, Кеонрает Тен 377
Экке, Дж.А.Г. 125
Эккерман, Рудольф 604,
Repository 63-5
эксминстерские ковры 164
экспортные керамические
изделия: китайские 405,
японские 410-14
экю, монеты 517
Эластолин 575
Элвард, Марш и Тейтем 59,
64
электрогенераторы 305
Элерс, Джон и Дэвид 441,
443
Эльзевиер, семья 595, 596
Эллиот, Джон 205
Эллиот, Джон 600
Элкингтон, Джордж Ричарде
и Генри 354
Элвуд Джордж Монтагью
113
Эллис, Джо 558
Эллис, Джон 127, 128
Элмсли, Джордж Грант 136,
137
Элф, Томас 127
эмали 250-1
эмалированное стекло 480-1
эмалированные ювелирные
изделия 348
эмалированный фарфор 411
Эмилия Общество Искусств
190
Эмслер, Якоб 301
Эндель, Август 111, 120
Эразм, Дезидериус 598
Эрар, Пьер 321
Эрар, Себастьян 321
Эссер и Вольфгауер 94
Эстейн, семья 593
Эстетическое Движение:
Ткань 195, Мебель 111
этажерки 83
Эффлек, Томас 127, 130
Эхе, Иоганн Леонард 329
Эффнер, Джозеф 97
638
ю
Ю, изделия 397
ювелирные изделия 342-53,
382-7
юго-восточная азиатская
мебель 142-3
южный селадон 398-9
Юэ, Жан-Батист 177, 184
я
Якишемето, изделия 409
Ямнитцер, Венцель 365
Янек, Павел 458
Янсен, Якоб 442
Янссен, Захариас 294
Япония: китайский экспорт
фарфора 405, влияние на
европейскую керамику
456
японская бронза 239
японская керамика 407-17
японская мебель 142
японская резьба по дереву
227
японская резьба по кости
234-5
японские доспехи 536
японские мечи 542
японский лак 248-9
японский текстиль 186
Ярви, Роберт Риддл 387
ящики, Англия 39-40
ящики: американские 128,
европейские 26-7, 31
Arnold Print Works 569
Art Fabric Mills 569
back-staff 275-6
battalia 321
caqueteuses 33
cassapanca 31
cassoni 31
chitarones 318
Chretien 329
Deutche Werkstatten 121. 122
Erste Schweizerische
SpieHabrik 570. Б71
Jouets en Paris 584, 586
jugenstil мебель 120
kilimsl51, 154, 165
marchands-merciers 80-1
menuisiers и эбонисты 78
mudejar стиль 32
Nachet 295
oignon часы 218
papeleira 32
pietre dure 31, 80, 87
pommiers 83
Rheinische glasshutten 498
SFBJ 559, 560-1
sgabelto, стулья 38
stumpwork 172
thaumatropes 296
tie-dyeing 186
toleware 269
varguenos 32, 92
Vereinigte Werkstatten fur
Kunst im Handwerk 120
wunderkammer 32
zwischengold 493

БЛАГОДАРНОСТЬ
БЛАГОДАРНОСТЬ
Quarto would like to thank the following for their help with this publication
and for permission to reproduce copyright material.
ABBREVIATIONS USED:
CCL - Christie's Colour Library.
5 - Sotheby's.
FAAP - Phillip de Bay, Fine Art & Archival Photography.
АТС - Antique Textile Company.
BM - British Museum, London.
V & A - Victoria & Albert Museum, London.
KEY:
a -above
b - below
с -centre
1 -left
r -right
p.2 CCL; p.3 Barry Davies Oriental Art; p. 10 al American Clock and Watch
Museum, b CCL, p.l 1 al S, br CCL; p. 12 al S, br Ian Bennett; p. 13 a CCL, cr
CCL; p. 14 ac CCL, cl S, be Quarto/Arthur Middleton of Covent Garden, cr
Phillips Fine Art Auctioneers; p. 15 с Ian Bennett, br CCL; p. 16-17 Phillips Fine
Art Auctioneers; p. 18 a Phillips Fine Art Auctioneers, с Angelo Hornak; p. 19 a
S, b Angelo Hornak; p.20 a Christie's, New York, b FAAP; p.21 Pilgrim Press;
p.22 al Angelo Hornak, ar CCL; p.23 cr FAAP, b Angelo Hornak; p.24
Sotheby's, New York; p.25 FAAP; p.26 a V & A, b Martin Saunders; p.27
Private Collection; p.28 Musee de Cluny, Paris; p.29 a National Museum of
Ancient Art, Lisbon, b Private Collection; p.30 bl Accademia, Venice, ar
Metropolitan Museum of Art, New York, br Musee des Beaux Arts, Lille; p.31
Phillips Fine Art Auctioneers; p.32 a V & A; p.33 a S; p.36 b Pilgrim
Press/Newbury Smith Associates; p.37 Angelo Hornak; p.38 & 39 CCL; p.40 a
6 b CCL; p.41 a CCL, b V & A; p.42 a & b CCL; p.44 CCL; p.46 a CCL; p.46
b CCL; p.47 a Trustees of the Chatsworth Settlement; p.49 t National Trust
Waddesdon Manor; p.50 CCL; p.51 al, ar, al, с & bl Angelo Hornak, br Phillips
Fine Art Auctioneers; p.52 S; p.531 CCL, bl Country Antiques Dyfed, br Noel
Riley; p.54 Gerald Kenyon; p.55 a Gerald Kenyon, cr Robin Butler, с & b Peter
Apraharmian; p.56 ar & bl Blairman's; p.57 br CCL; p.58 al Temple Newsam
House/Christopher Hutchinson, br Blairman's; p.59 a & b CCL; p.61 a
Blairman's, с & b CCL; p.62 ar Blairman's, br CCL; p.63 al Quarto/Blairman's,
br CCL; p.64 a FAAP, b Quarto/Blairman's; p.65 ar Quarto/Blairman's, bl
Quarto/Blairman's, br Blairman's; p.66 ac Quarto, ar Blairman's, bl CCL br
Blairman's; p.67 a & b Blairman's; p.68 S; p.69 a S, b Blairman's; p.70 a FAAP,
b S; p71 a FAAP; p.72 bl S, r Louvre, Paris; p.73 a Bresset, b Prudence
Cumming; p.74 al CCL, b Raymond Fortt; p.75 Jonathan Harris; p.76 CCL;
p.77 a Christie's, Monaco, b Jonathan Harris; p.78 b Minneapolis Institute of
Arts; p.80 a CCL; p.81 a CCL, b FAAP; p.82 a CCL, b FAAP; p.83 CCL; p.84
Musees des Nationaux, Paris; p.85 a & b Gloucester House Antiques; p.86 ar
S, bl Angelo Hornak; p.87 a CCL, b S; p.88 ar Christie's, Rome; p.89 a & b
Angelo Hornak; p.90 CCL; p.91 Christie's, Rome; p.93 al CCL, cr S, br S; p.94
Partridge Fine Art; p.95 a CCL; p.97 a & b Angelo Hornak; p.98 Partridge Fine
Art; p.99 a CCL, b FAAP; p. 100 FAAP; p. 101 a FAAP, b S; p. 103 al Mallett &
Son (Antiques) Ltd., br Partridge Fine Art; p. 104 Wallace Collection; p. 105 b
Bukowskis Sweden; p. 106 S; p. 107 a & b CCL; p. 108 Christie's, Amsterdam;
p.109 S; p.l 10 r S, b Bridgeman; p.l 11 r S, 1 Angelo Hornak; p.l 12 a V & A, b
S, b Paul Reeves, с S, b Haslam & Whiteaway; p.l 14 S; p.l 15 Angelo Hornak,
bl V & A; p. 116 S; p. 117 г & 1 Musee des Arts Decoratifs; p. 118 г Hubert Josse,
Paris; p. 119 John Vaughan; p. 120 S, Musee des Arts Decoratifs; p. 122 a & b V
& A, a S, b Design Council; p.l 23 a S, b Wittmann; p. 124 CCL; p.l 25 Museum
of Applied Arts, Helsinki; p. 126 Colonial Williamsburg Foundation; p. 127
American Museum Bath/Derek Balmer; p. 128 bl Bernard and S.Dean Levy,
Inc, New York, tr Robert O. Stuart; p. 129 tr American Museum, Bath, br
Quarto; p. 130 bl Wayne Pratt and Company; p. 131 a Metropolitan Museum of
Art, New York, br American Museum, Bath; p. 133 Quarto; p. 134 Metropolitan
Museum of Art, New York, b. American Museum, Bath; p. 135 Abby Aldrich
Rockerfeller Folk Art Centre; p. 138 Barlings of Mount St, p. 139 al Barlings of
Mount St, ar S; b Quarto/Barlings of Mount St; p. 140 al Barlings of Mount St,
ar Quarto/Gregg Baker; p.l41 al Quarto/Barlings of Mount St, bl Barlings of
Mount St; p. 142 bl Barlings of Mount St; p. 144-145 Ian Bennett; p. 146 al Ian
Bennett, b Quarto; p. 147 a, 1 & r Ian Bennett; p. 148 Novosti Press Agency;
p.149 Hispanic Society of America; p.150-161 Ian Bennett; p.162 C. John;
p. 163 Ian Bennett; p. 164 a & b Ian Bennett; p. 165 Ian Bennett; p. 166-167
Angelo Hornak; p. 168 с FAAP; p. 169 cl Paul Reeves, г АТС; р. 170 АТС, t
Mayorcas Ltd, St. James's, b Quarto; p. 171 a & b Quarto; p. 172 a Mayorcas Ltd,
St. James's, b Quarto; p. 173 Quarto; p. 174 a Quarto, b Mayorcas Ltd, St.
James's; p. 175 a & b Mayorcas Ltd, St. James's; p. 176 t Quarto, b Mayorcas
Ltd, St. James's; p. 178 a Quarto, b Mayorcas Ltd, St. James's; p. 179 АТС;
p.180-188 АТС; p.189 FAAP; p.190 a & b АТС; p.191 al, ar, & br FAAP;
p.192-193 FAAP; p.194 FAAP; p.195 1 АТС, г V & A; p.196-199 АТС;
p.200-201 CCL; p.202 с R. Gamier; p.203 a CCL, b Derek Roberts; p.204 tl
CCL; bl CCL, br CCL; p.205 Derek Roberts; p.206 R. Gamier; p.207 bl, br &
ar Derek Roberts; p.209 Strike One Ltd, Islington; p.210 1 Strike One Ltd,
Islington, tr & br Derek Roberts; p.211 al & r John Charlton Smith; bl CCL;
p.212 Derek Roberts; p.214 ar & bl Derek Roberts, с CCL; p.215 a, cr & cl
Derek Roberts; p.216 a & bl Derek Roberts, br CCL: p.217 bl & br Derek
639

Б Л А Г О Д
Roberts; р.218-221 CCL; р.222-223 Robert Brandt Oriental Antiques; p.224
Spink & Son Ltd; p.225 a Barry Davies Oriental Art, b Wartski; p.226 1 Spink
& Son Ltd, b Barry Davies Oriental Art; p.227 I & г Spink & Son Ltd; p.228 &
229 CCL; p.230 a & b S; p.231 CCL; p.232-233 Spink & Son Ltd; p.234 a Barry
Davies Oriental Art, bl & br Spink & Sons Ltd; p.235 г Spink & Son Ltd, 1 Barry
Davies Oriental Art; p.236 S; p.237 I & г CCL; p.238 & 239 S; p.241 a & b Dr
Charles Avery, r Cyril Humphris; p.242 1 Dr Charles Avery, г Cyril Humphris;
p.243 CCL; p.244 al, ac, ar & b CCL, al The Sladmore Gallery; p.245 a A.L.
Barye; p.246 & 247 Bluett & Sons; p.248 Ы & ar Barry Davies Oriental Art;
p.249 a Spink & Son Ltd, b Robert Brandt Oriental Antiques; p.250 Wartski;
p.251 a CCL, bl Wartski, br CCL; p. 252-254 Christie's South Kensington;
p.255 a & b Claire Ayres; p.256-259 Quarto/Simon Castle; p,260 a
Quarto/Simon Castle, b Quarto/Peter Hornsby; p.261 a & b Quarto/Simon
Castle; p.262-263 Quarto/Simon Castle; p.264-265 Quarto/Michael
German; p.266-267 Peter Hornsby; p.266-295 Quarto/Arthur Middleton of
Covent Garden; p.296 cl & cr Quarto/Arthur Middleton of Covent Garden, a
Quarto; p.297 & 298 Quarto/Arthur Middleton of Covent Garden; p.299 1c
Christie's, South Kensington, r Quarto/Arthur Middleton of Covent Garden;
p.300-305 Quarto/ Arthur Middleton of Covent Garden; p.308 Quarto/Arthur
Middleton of Covent Garden; p.309 Christie's South Kensington; p.310-311
Mick O'Shea; p.312 a Mick O'Shea, p.313 Mick O'Shea; p.314 Bingham; 315
a & b David Miles; p.316 ar CCL, br Bingham; p.317 bl CCL; p.318 ar, bl, & br
Mick O'Shea; p.319 с & b Mick O'Shea; p.320-328 Bingham; p.330 a & г S;
p.331-334 Bingham; p.335 David Miles; p.336-338 S; p.339 Quarto; p.340 a
CCL, b Stephen Helliwell; p.341 a Bentley & Co, b Stephen Helliwell;
p.342-353 Diana Scarisbrick; p. 354 CCL; p.356 Stephen Helliwell; p.360
CCL; p.361 a CCL, b S; p.362 a Quarto, b CCL; p.363 CCL; p.364 a & b CCL;
p.365 S; p.366 a CCL, p.367 ar CCL, Ы S; p.368 ar S, br CCL, p.369 a & b S;
p.370 al & br CCL; p.371 a & b S; p.372 al CCL, br S; p.373 S; p.374 a & b S;
p.375 CCL; p.379 al Mabel Brady Garvan Collection, Yale University Art
Gallery, be Christie's, New York, cr American Museum, Bath; p.380
Metropolitan Museum of Art, New York; p.381 b Design Council; p.382
Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon, b Royal Copenhagen; p.383 a Virginia
Museum of Fine Arts, Richmond, с S, b Design Council; p.384 b Royal
Copenhagen; p.385 с S, b Design Council; p.388-389 S; p.390 a S, cl & br
British Museum; p.391 al British Museum, br Quarto; p.392 a & b S; p.393 a S,
b Bridgeman Art Library; p.394 S; p.395 bl S; p.396 a & b CCL; p.397 S; p.398
a Percival David Foundation, b S; p.399 Ы S, ar CCL; p.400 al Percival David
Foundation, brCCL; p.401 a CCL, b S; p.402 Percival David Foundation; p.403
а, с & b S; p.404 a&bS; p.405 a & b Percival David Foundation; p.406 S;
p.407- 408 I Tokyo National Museum/International Society for Educational
Information Inc., ar V & A, br S; p.409 bl Tokyo National Museum/Society for
Educational Information Inc.; br Bridgeman Art Library; p.410-413 S; p.414
CCL; p.415 a & b S; p.416 CCL; p.417 al CCL, r Sotheby's Billingshurst, b S;
p.418-421 BM; p.422 bl Quarto, г S; p.423 a & b S; p.424 bl CCL, ar S;
p.425 CCL; p.426 b S, a CCL; p.427-428 a S; p.429 CCL; p.430 al CCL, br S;
p.431 al S, b S; p.432 a CCL; b S; p.433-437 S; p.438 a & b CCL; p.440 S;
p.441 Bridgeman Art Library; p.442 a S, b S; p.443 CCL; p.444 tr CCL, с & b
S; p.445 S; p.446 1 S; r Quarto; p.447 S; p.448 a Quarto; b S; p.449 a Quarto;
b S; p.450 S; p.451-454 S; p.455 CCL; p.456 a CCL, b Quarto; p.455 Quarto;
p.456 Ы Musee de Sevres, ar CCL; p.457 Quarto/Musee de Sevres; p.458 a &
b CCL; p.459 ar American Museum, Bath; br Metropolitan Museum of Art,
New York; p.460 American Museum, Bath; p.461 al Dedham Historical
p н о с т ь
Society, r Bennington Museum; bl Dedham Historical Society; p.462 Everson
Museum of Art; p.463 Henry Francis du Pont Winterthur Museum; p.464 S;
p.465 1 & г S; p.466-467 Sheppard & Cooper Ltd; p.468 ca Angelo Hornak,
b CCL; p.470 bl, p.469 a Delamouse Ltd, b Angelo Hornak; ar CCL; p.471 t
Sheppard and Cooper Ltd, London; b В М; p.472 Sheppard and Cooper Ltd,
London; p.473 I The Corning Museum of Glass, New York; г В М; р.474 В М;
p.475 t CCL, b S; p.476 t&bS; p.477 Sheppard and Cooper Ltd, London;
p.478 S; p.479 В M; p.480 1 The Corning Museum of Glass, New York, г S;
p.4821 & r S; p.483 S; p.484 al & r S; bl CCL; p.485 Sheppard and Cooper Ltd,
London; p.486 1 The Corning Museum of Glass, New York, r S; p.487 Phillips
Fine Art Auctioneers; p.4881V & A, r CCL; p.489 S; p.4901 & b S; p.491 tl &
г S, b В M; p.492 V & A; p.493 a V & A; b Phillips Fine Art Auctioneers; p.494
t The Corning Museum of Glass, New York; b S; p.495 a The Corning Museum
of Glass, New York; b S; p.496 The Corning Museum of Glass, New York;
p.497 b Delamosne; t S; p.498 Phillips Fine Art Auctioneers; p.499 1 The
Bridgeman Art Library; r S; p.5001 The Corning Museum of Glass, New York;
г CCL; p.501 CCL; p.502 S; p.504-505 Quarto; p.506 br Quarto others S;
p.507 -508 Quarto, p.5091 & г Quarto; p.510 Quarto; p.511-512 Phillips Fine
Art Auctioneers; p.513 a & b Quarto; p.514 Quarto; p.515 a S, b Quarto; p.516
a & b Quarto; p.517 a Sotheby's, b Quarto; p.518 Quarto; p.519 a Quarto, b
Phillips Fine Art Auctioneers; p.520 & p.521 Quarto; p.522-523 Quarto; p.524
Quarto; p.525 Quarto; p.526 a & b Quarto; p.527 1 & r Phillips Fine Art
Auctioneers; p.528-529 Quarto/Michael German; p.530 a & cl Quarto/
Michael German; b Imperial War Museum, London; p.531 a Gunshots; с
Quarto/Michael German; p.532 Gunshots; p.533 a, bl & br Quarto/Michael
German; p.534 a & b Gunshots; p. 535 a Gunshots, b Quarto/Michael German;
p.536 a & с Quarto/Michael German; p.537 с & ar Gunshots, b Sotheby's;
p.538 Quarto/Michael German; p.539 a Sotheby's, b Imperial War Museurti;
p.540-541 Gunshots; p.542 1 & r Quarto/Michael German; p.543 a & b
Gunshots; p.544 Quarto/Michael German; p.545 a Gunshots, b Peter
Newark's Historical Pictures; p.546 a Quarto/Michael German, b Gunshots;
p.547 a & b Quarto/Michael German; p.548 Peter Newark's Historical
Pictures; p.549 Quarto/Michael German; p.550 Gunshots; p.551 1 & r
Quarto/Michael German; p.552 a Quarto/Michael German; b Peter Newark's
Historical Pictures; p.553 Peter Newark's Historical Pictures; p.554-555 The
Dunk Collection; p.556 b S; p.5571 Mint & Boxed, r Peter Johnson; p.558-567
Phillips Fine Art Auctioneers; p.569-572 Phillips Fine Art Auctioneers; p.573
bl & r Robert Opie; p.574-579 Peter Johnson; p.580 Mint & Boxed; p.581 a
Mint & Boxed, с & b S; p.582 Mint & Boxed; p.583 a Mint & Boxed, b S; p.584
a S, b Mint & Boxed; p.585 al Robert Opie, ar & b S; p.586 S; p.587 S;
p.588-589 Jonathan Potter Ltd, Mayfair; p.590 a Quarto, b Jonathan Potter
Ltd, Mayfair; p.591 a Phillips Fine Art Auctioneers; p.592 a The Board of
Trinity College, Dublin, b V & A; p.594-597 Quarto; p.600 Quarto; p.601 a
Quarto, b S; p.602 Quarto; p.603 John Rylands Library, Manchester; p.604 a &
b FAAP; p.605 al & ar Quarto; p.606-608 Quarto, p.609 al William Morris
Gallery, ar Angelo Hornak, br Lenswork; p.610-621 Jonathan Potter Ltd,
Mayfair.
Every effort has been made to trace and acknowledge all copyright holders.
Quarto would like to apologise if any omissions have been made.
640