/
Текст
МИРОВАЯ
ЖИВОПИСЬ
В ШЕДЕВРАХ
Издательство АСТ
Москва
УДК 75(031)
ББК 85.14 я 2
Б16
Б16
Баженов, Владимир Михайлович.
Мировая живопись в шедеврах / Владимир Баженов. – Москва: Издательство АСТ, 2026. – 192 с.: ил. –
(МиниАрт. Мастера и шедевры)
ISBN 978-5-17-134748-2
Перед вами – собрание самых значимых произведений
искусства от мастеров всех времён. От величественных полотен
Джотто до революционных работ модернистов и экспрессионистов – каждый шедевр раскрывает тайны своего времени
и рассказывает уникальную историю.
Более 100 великолепных иллюстраций позволят вам
насладиться творениями великих художников. Вы узнаете
секреты их мастерства, познакомитесь с тайными символами
и откроете для себя скрытые смыслы, заложенные в произведениях искусства.
Эта книга станет вашим проводником в мир прекрасного,
где каждый найдёт что-то особенное для себя. Подарите себе
возможность прикоснуться к вечному и прекрасному. Откройте
для себя магию искусства, которая веками восхищает миллионы людей по всему миру.
УДК 75(031)
ББК 85.14 я 2
ISBN: 978-5-17-134748-2
© Баженов, В.М., 2026
© ООО «Издательство АСТ», 2026
В
о все времена, любуясь красотой природы, человек, мечтая остановить прекрасное мгновение,
пытался отразить на камне, бумаге, холсте или
иной поверхности свои впечатления от окружающего
мира. Рисуя, люди передавали свое отношение, чувства,
эмоции произведению, таким образом наделяя его душой.
Так постепенно зародилось изобразительное искусство.
Остановить короткий отрезок жизни во всей его полноте
и свежести, сделать его достоянием людей на все времена – это волшебство искусства доступно только живописи.
Именно она в самой прекрасной форме хранит наши
переживания и впечатления, помогает вспомнить и вновь
как бы воскресить перед глазами ушедший миг. Но кроме
того, и это, может быть, самое главное, она помогает нам
в самой действительности находить прекрасное, учит
в преходящем открывать вечное.
На протяжении всей истории человек и изобразительное
искусство были неразрывно связаны. Осознание людьми
самих себя отражается в каменных фигурках, в наскальных
изображениях. Человеческие эмоции запечатлены в произведениях живописи и скульптуры. Проблемы бытия, религии,
мироощущения нашли свое отражение в произведениях
искусства.
3
Обращение человечества к художественному творчеству,
может быть, является величайшим открытием, не имеющим
себе равного в истории по тем возможностям, которые в нем
заложены. Искусство не существует вне времени и общества,
по своему содержанию оно социально и неразрывно связано
с национальной традицией и эпохой.
Художник, переосмыслив увиденное, по-своему разгадав тайны бытия, с помощью системы художественных
образов старается передать свое мироощущение, вовлекая
нас в сложный процесс самопознания, заставляя работать
не только наши глаза, но и воображение, мобилизующее
к действию наши духовные силы.
История живописи как часть истории человечества
представляет собой сложную картину развития различных
национальных школ, течений, стилей, взаимопроникновения
форм и традиций, не знающих временны΄х и географических
границ. Это множество порой трагичных биографий великих мастеров и галерея знаменитых шедевров, каждый из
которых сквозь века несет огромный эмоциональный заряд
и эстетическое наслаждение.
Истоки изобразительного искусства уходят в глубокую
древность. Многочисленные произведения изобразительного искусства (наскальные росписи, скульптурные
изображения из камня и кости) появились значительно
раньше, чем сформировалось сознательное представление человека о художественном творчестве. Зарождение
искусства восходит к первобытной эпохе, когда человек
впервые попытался отразить свои представления об
окружающем мире в искусстве, что способствовало закреплению и передаче знаний и навыков, возникновению еще
одной формы общения между людьми. Согласно данным
археологов, уже в эпоху палеолита (древнекаменного века),
около 35–10 тыс. до н. э., появились основные виды изо4
бразительного искусства (скульптура, живопись, графика).
Ранние рисунки примитивны: это контурное изображение
голов животных, оттиски человеческой руки, волнистые
линии, выдавленные в сырой глине пальцами руки. Более
поздние изображения эпохи палеолита – это рисунки
животных того времени (оленей, лошадей, бизонов, мамонтов), выполненные на стенах и потолках пещер. Первые
скульптурные изображения человека очень схематичны,
условны. Таковы первобытные «венеры», простейшие
женские фигуры с непропорциональными конечностями,
гипертрофированными материнскими чертами и отсутствием черт человеческого лица.
Искусство древних цивилизаций унаследовало черты
первобытной культуры, открывая и новые формы художественного творчества. На смену родовым отношениям
приходит классовое общество, более прогрессивная форма
социального устройства. Труд разделяется на физический
и умственный, появляется почва для развития различных
форм творчества. Из среды ремесленников выделяются
зодчие, скульпторы, живописцы. Усложнение общественной
жизни способствовало расширению образного диапазона
искусства.
Художественное творчество древнейших цивилизаций
тесно связано с религией, бо΄льшая часть памятников культуры носят культовый характер. Важнейшие завоеванием
художественной культуры древнего мира можно считать
синтез искусств.
Тысячелетний период мировой истории с V по XV век
принято называть эпохой Средневековья. Наследие античного мира – искусство, философские взгляды, основы права,
политические взгляды, политические идеи, – стало одним
из фундаментов, на которых выросла европейская культура
Средневековья.
5
Средневековое мироощущение предполагало иной взгляд
на человека, который существенно отличался от античных
представлений. Человек в сознании людей перестал быть
центром мироздания, мерой всех вещей. Он становится лишь
мельчайшей частицей Вселенной, подвластной ее космической энергии, ее могучим неведомым силам. В соответствии
с этим и образ человека в искусстве утратил разумную
ясность, одноплановость, внутреннее равновесие античных
идеальных героев, становясь более многообразным, глубоким,
противоречивым.
При этом сфера явлений, отображаемых в искусстве,
значительно расширилась. Получили широкое развитие
темы страданий во имя веры, стоического мужества, стал
разрабатываться идеал материнства. Готика – следующая
ступень в развитии средневекового искусства. Современники
называли новый стиль, появившийся в XII веке во Франции,
«французской манерой». Этот период явился переходным
к живописи Проторенессанса. Готическое искусство поражает
разнообразием форм, единством и целостностью во всех
своих проявлениях.
Искусство готики глубоко религиозно, но оно тяготеет
к жизни, природе, человеку. Мастеров нового стиля интересуют конкретный человек с его чувствами, красота природы.
Высокая одухотворенность образов готики, свойственная
им удивительная гармония подготовили приход искусства
Возрождения. Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления
элементов стиля в архитектуре и скульптуре. Одним из
основных направлений готической живописи стал витраж,
который постепенно вытеснил фресковую живопись. На
период готики пришелся расцвет книжной миниатюры.
С появлением светской литературы (рыцарские романы
и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей,
6
также создавались богато иллюстрированные часословы
и псалтыри для домашнего употребления. Художники стали
стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной
миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый «Великолепный часослов герцога Беррийского» (ок. 1411–1490).
В этот период начал развиваться и новый жанр – портрет, вместо условно-отвлеченного изображения модели
художники создавали образ, наделенный индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами.
В XV веке, в эпоху Проторенессанса, завершилось почти
тысячелетнее господство византийских канонов в изобразительном искусстве. В истории европейской живописи творчество Амброджо ди Бондоне, известного как
Джотто (1276–1337), прошедшего обучение в мастерской
флорентийца Чимабуэ, ознаменовало поворот к новому,
реалистическому восприятию мира. С именем Джотто
в искусстве связывается освобождение от золотых фонов и стремление к отображению окружающего мира.
В византийском искусстве на первое место выдвигался
духовный человеческий образ, Джотто, наоборот, вовлекал
персонажей в реальные обстоятельства, что предполагало
особое внимание к окружающей природе, к конкретным
деталям, выражению чувств. Он ввел в свои произведения
категории человеческого и психологического измерений,
и по прошествии времени историки увидели в нем родоначальника современной живописи: изображенные люди
страдали, сочувствовали друг другу. Новаторство Джотто
проявляется и в его обращении к человеческим эмоциям.
Еще один выдающийся мастер Раннего Возрождения – Ян
ван Эйк (ок. 1390–1441). Для его живописи характерен
мистический реализм, гармонично сочетающийся с вос7
хищением предметной красотой материального мира. Во
всех своих религиозных композициях мастер виртуозно
пользуется принципом «скрытого символизма», сочетая богословские аллегории с безукоризненной верностью натуре.
Образы его заказчиков свидетельствуют и о выдающемся
даровании портретиста – Ян ван Эйк явился одним из
первых в Европе мастеров портрета, выделив его в самостоятельный жанр.
Самым необычным и загадочным мастером Раннего
Возрождения, бесспорно, является Ерун Антонисон ван
Акен, известный как Босх (1450–1516). Его живопись
отличают фантастическое остроумие, острое чувство гротеска, огромное число персонажей, среди которых реальные объединены с воображаемыми созданиями. Кажется,
каждый образ, каждая деталь его картин содержит в себе
сложнейшие аллегории. Основной темой его творчества
является борьба добра со злом и попытка обнажить внутренний мир человека.
Искусство Босха поражает глубиной постижения сущности человека в сочетании с меткостью наблюдений,
интригующей многоплановостью, допускающей множество
толкований. Каждая из деталей на его картинах значима,
и можно изучать их бесконечно. Босх тщательно фиксирует
все людские недостатки, но в его насмешке чувствуется не
только осуждение, но и сочувствие. Мечта, фантазии, воображение – вот пути, которые выбирает художник, чтобы
выразить драму человеческого существования. Этой же
линии в искусстве придерживается и другой выдающийся
нидерландский живописец – Питер Брейгель Старший
(1525–1569). Вдохновлённый творчеством земляка Босха,
художник перенял у него мотив суетящегося человечества,
однако в отличие от своего предшественника, чей талант
заключался в создании фантастических образов, Брейгель
8
оставался верен более прямолинейному и реалистичному
стилю. Творчески переработав уроки итальянской живописи эпохи Высокого Возрождения и одновременно черпая
многие свои темы из народных пословиц и притч, лубочных
гравюр и листовок, Брейгель создавал глубоко народное
искусство, опирающееся на местные традиции и фольклор.
В творчестве Питера Брейгеля органично сплавились грубоватый народный юмор и сложное иносказание, лиризм
и трагичность, острая жизненная наблюдательность и фантастический гротеск, интерес к бытовым деталям, подробной
повествовательности и стремление к широкому обобщению,
к созданию гармоничной картины мира.
В Германии и на берегах Рейна готика дольше всего
сохраняла свои позиции. В творчестве Альбрехта Дюрера
(1471–1528) соединились нидерландская и итальянская
живописные традиции и искусство поздней немецкой готики, а скульптурная пластика его фигур, напоминающих
изваяния, предвосхищает монументальный стиль образов
Возрождения. Его гениальные портреты – синтез античного
идеала красоты с готической строгостью и созерцательностью. Другой не менее гениальный живописец, в творчестве
которого также синтезированы нидерландские и итальянские
влияния, – Лукас Кранах Старший (1472–1553). Образы
Кранаха исполнены в утонченной и изысканной манере, но
истинным призванием художника, в котором раскрылся его
дар внимательного наблюдателя, стал портрет. В творчестве
Кранаха воплощено возращение к личности, к сокровенному,
к психологизму, это основополагающие принципы, характеризующие его искусство.
Период Проторенессанса подготовил появление эпохи
Возрождения – одной из самых впечатляющих страниц
в истории мирового искусства. Она охватывает около трех
столетий (XIV–XVI вв.), являясь, по сути, очень кратким пери9
одом времени. Однако по количеству гениальных произведений искусства, новизне и смелости поисков мастеров той
эпохи художественное наследие Возрождения не уступает
предшествовавшим этапам развития мирового искусства.
Родиной Возрождения стала Италия. Уже в XIV веке в сочинениях великого итальянского поэта-гуманиста Франческо
Петрарки появилось понятие «Возрождение» (по-французски «Ренессанс»).
Мировоззренческой основой ренессанской культуры
становится философское направление гуманизма (от латинского «гуманус» – «человек»). Человек вновь становится
«мерой всех вещей». В отличие от романской и готической
культуры средневековая культура Возрождения носила
светский характер, хотя основной круг сюжетов оставался
связан с мифологической и библейской тематикой. Одной
из основ искусства Возрождения становится по-новому
понятое наследие античности. Возрождение – это не только
процесс, развившийся из пластической революции, начатой
еще в период Проторенессанса, но и радикальное обновление сюжетов искусства, стремление к реалистическому
познанию человека и мира, вера в творческие возможности
и силу разума. Истинным основоположником Высокого
Возрождения в изобразительном искусстве был гениальный
флорентиец Леонардо да Винчи (1452–1519).
Рукописи Леонардо свидетельствуют, что он был не только великим живописцем и скульптором, но и архитектором,
механиком, инженером, ботаником, анатомом.
В основе стиля Леонардо – ослабление власти линии
и новое использование светотени – сфумато. Эта техника,
определяющая мягкое перетекание тонов в живописи,
при которой воздушная, легкая дымка словно окутывает предметы и смягчает очертания предметов и сами
предметы до мягкой гаммы тонов. Сфумато чаще всего
10
применяется живописцами для передачи воздушной среды
и атмосферы.
В эпоху Возрождения царили и другие гениальные мастера, такие как Микеланджело, Рафаэль, Боттичелли. Парадокс
Сандро Боттичелли (1445–1510) заключался в том, что он,
отказываясь от требований реалистического отображения
мира и законов перспективы, неожиданно вернулся к традициям готического искусства, поставив на первое место
линию, стилизацию, предпочитал ритм глубине пространства,
разрабатывал усложненные композиции, декоративные и вычурные. Творчество Рафаэля Санти (1483-1520) является
глубочайшим синтезом достижений Высокого Возрождения.
Он создал искусство, которое, являясь плодом чистого воображения, сохраняло жизненную убедительность. В своих произведениях он впервые утверждал единство линии, объема
и цвета. Рафаэль был не просто творцом, а универсальным
гением, соединив в своих полотнах гармонию Перуджино,
загадочность Леонардо, патетику Микеланджело.
Микеланджело Буонарроти (1475–1564) – один из
самых удивительных мастеров Высокого и Позднего Возрождения. Так же, как и Леонардо, по масштабу своей
деятельности он был подлинным универсалом – гениальным
скульптором, великим живописцем, архитектором, поэтом,
мыслителем, воплотив в себе идеал ренессансного творца-гуманиста. Однако по мировоззрению Микеланджело
уходит далеко за пределы ясного и построенного по законам совершенного мира антропоцентризма. Мир Микеланджело противоречив и разнообразен. В его искусстве
соединены трагическое осознание несовершенства бытия
и вера в гармонию мироздания, одиночество человека
и радость его победы в борьбе со стихиями. Этим, возможно, он и близок современному зрителю – многосторонним
восприятием жизни. Он создал множество гениальных
11
произведений, среди которых и Сикстинская капелла. На
ее сводах Микеланджело создал фреску, подарившую ему
славу великого живописца и ставшую одним из самых
известных произведений Ренессанса.
Если в XV веке преобладающее в художественной жизни
имела Флоренция, то XVI век стал веком Венеции. Одним
из выдающихся мастеров венецианской школы считается
Тициан Вечеллио (ок. 1488–1576) – один из величайших
художников всех времен и народов, являющийся наряду
с Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело одним из четырех
титанов итальянского Возрождения. Тициана еще при жизни называли «отцом живописи», а его открытия в области
изобразительного искусства оказали огромное влияние
на творчество художников в последующем. Велика роль
Тициана в развитии мифологического жанра, пейзажа, он
был крупнейшим портретистом, оказаться запечатленным
кистью которого являлось высшей наградой. Его манера
написания фигур, будто тающих в воздухе, отличается
большим драматизмом и световыми эффектами.
Вторая четверть XVI века до начала XVII века отмечен
подражанием мастерам Высокого Возрождения и поиском
наибольшей утонченности и элегантности форм и линий,
сложности композиции, контрастными сочетаниями цвета. Именно к этому периоду относится появление нового
течения в европейском искусстве – маньеризма. Мастера
маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся
во власти иррациональных сил, стремились не столько
следовать природе, сколько выражать «внутреннюю идею»
образа, рожденного в душе художника. Одним из известных
представителей маньеризма был Франческо Моццола,
прозванный Пармиджанино (1503–1540). Для его манеры
характерны драматическая острота образов, преувеличен12
ная экспрессия поз и движений, удлиненность пропорций
фигур, колористические и световые диссонансы, виртуозная
нервная линеарность рисунка.
Вслед за примерно трехсотлетним периодом эпохи Возрождения наступает XVII век, ставший одним из наиболее
значительных этапов в развитии мировой художественной
культуры. Начинают творить Караваджо, Диего Веласкес,
Хусепе де Рибера, Франсиско де Сурбаран, Рембрандт, Питер
Пауль Рубенс, Франс Хальс, Якоб ван Рёйсдал – таков далеко
не полный перечень великих имен, которые дал человечеству
XVII век. Для изобразительного искусства этого времени
в целом характерны расширение тематики, углубление во
внутренний мир человека, обогащение старых жанров и появление новых. В искусстве XVII века выделяют три основных
стилевых направления: барокко, классицизм, реализм.
Часто рациональное начало, свойственное классицизму,
и изменчивые динамические формы барокко переплетаются в творчестве мастеров того времени, а черты реализма
существуют как бы внутри двух основных стилей.
Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610)
жил в эпоху стилистического перелома в искусстве, что
повлияло на его творчество. Приверженность к контрастам
и игре света (люминизм), стремление к натуралистическому
образу человека и мира составляют основу его живописной
манеры. В ранних его работах заметно влияние Тициана, но
даже в этих произведениях уже видны характерные черты
стиля Караваждо: изображение одной фигуры и связанных
с ней атрибутов, яркий колорит и реалистическая манера
передача модели, отказ от композиций на исторические
темы. В поздний период своего творчества Караваджо освободился от влияния маньеризма, стиль его стал подчеркнуто
реалистичным. Влиянием искусства Караваджо отмечено все
европейское искусство XVII века.
13
В отличие от многих других последователей Караваджо,
Жорж де Латур (1593–1652) не просто копировал приемы Караваджо, а создал собственную уникальную манеру,
сохранив при этом ключевые принципы караваджизма. Его
работы отличаются особой духовной глубиной и философским подтекстом, что не всегда присутствовало у прямых
последователей Караваджо.
Он создавал картины на религиозные сюжеты, писал
бытовые сцены и особенно прославился своими ночными
композициями.
Художник мастерски работал со светом, создавая драматические эффекты освещения, особенно в ночных сценах
с искусственным светом. Теплые рефлексы на лицах персонажей и караваджистские приемы в изображении свечей
и светильников стали его визитной карточкой.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) во многом
сформировался под влиянием караваджистов. Творчество
этого гениального мастера не укладывается в рамки
стилевых течений его времени – барокко и классицизма.
Рембрандт не ограничивался внешним, видимым, но стремился воплотить в искусстве нечто большее. Настойчиво
изучая игру теней и мельчайшие вибрации цвета, он хотел
добиться некой высшей, духовной правды. Его волновало
то, что разыгрывается за пределами изображения, по
ту сторону внешней видимости. Его автопортреты – это
своеобразная летопись его собственной внутренней жизни. Светотень у Рембрандта – это средство выявления
духовной сути его персонажей.
Наследие Яна Вермеера (1632–1675), знакомого
с творчеством Рембрандта и караваджистов, насчитывает не
более сорока картин. В отличие от Рембрандта, он тяготел
к жанровым сценам. Свет и цвет – основное в картинах
Вермеера. Тяготение к изображению солнечного света,
14
воздушной среды, гармония и ясность видения мира, мастерство обобщения в сочетании с поразительным чутьем
детали и красочного нюанса, созерцательное спокойствие
и поэтизация действительности – все эти черты выдвигают
Вермеера в число самых больших живописцев поэтического
склада в мировой живописи.
Гениальная простота и правдивость произведений Диего
Веласкеса (1599–1660) делают его истинным наследником
Караваджо, но стремление к холодной объективности и некой отстраненности в трактовке портретных образов выдает
в нем мастера новой эпохи. Смелый испанский живописец,
которого от всех отличало то, что он как никто другой мог
проникнуть в характер модели, обладая при этом обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. Творчество Диего Веласкеса – вершина испанского
искусства эпохи расцвета.
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) – плодовитый фламандский живописец, уникально воплотивший подвижность,
безудержную жизненность и чувственность европейской
живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса – органичный
сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями
венецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его
масштабных работ на мифологические и религиозные темы,
Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа.
Известный фламандский живописец Антонис Ван Дейк
(1599–1641) принадлежал к знаменитой художественной
школе Антверпена XVII века. Работы Ван Дейка исполнены
в разных жанрах и имеют разную тематику. Его картины – это
сюжеты из Ветхого и Нового завета, мифология и портреты.
В истории искусства он отмечен как замечательный портретист. Именно Антониса Ван Дейка считают родоначальником
европейского портретного жанра. Он также основатель английской школы портрета, которая неизменно сохраняла его
15
традиции в течение нескольких веков. Используя реализм,
характерный для фламандской школы живописи, он создает официальный парадный портрет, в котором на первом
плане не столько парадные одежды и весь декоративный,
пафосный антураж, сколько благородство, утонченность,
рафинированность и интеллект человека вне зависимости
от его социального статуса.
В начале XVIII века во Франции в искусстве и архитектуре зародился и распространился по всей Европе стиль рококо. Он отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко,
рококо явился одновременно и логическим результатом его
развития, и его художественным антиподом. С барочным
стилем рококо объединяет стремление к завершенности
форм, однако если барокко тяготеет к монументальной
торжественности, то рококо – это изящество и легкость.
Более темные цвета и пышная, тяжелая позолота барочного
декора сменяются светлыми тонами – розовыми, голубыми,
зелеными, с большим количеством белых деталей. Рококо
имеет в основном орнаментальную направленность; само
название происходит от сочетания двух слов – «барокко»
и «рокайль» (мотив орнамента, затейливая декоративная
отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов).
Для живописи, скульптуры и графики характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты.
Первым значительным мастером живописи в стиле рококо
стал Жан-Антуан Ватто (1684–1721), а дальнейшее развитие он получил в творчестве таких художников, как Франсуа
Буше (1703–1770) и Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806).
XVIII век в Западной Европе стал последним этапом
длительного перехода от феодализма к капитализму. На
протяжении этого века продолжалась грандиозная ломка
всех существовавших ранее общественных и государственных
16
устоев. Искусство, сфера которого значительно расширилась,
становится общенациональным, обращается не только к узкому кругу ценителей, но и к широкой демократической среде.
XVIII век – это эпоха, когда жили и творили Хогарт, Рейнольдс, Гейнсборо, Шарден, Грез. Острая наблюдательность,
утонченная манера воспроизведения действительности
отличают художественную культуру XVIII столетия.
В первой половине XVIII века развитие английского изобразительного искусства происходит весьма противоречиво.
На фоне огромного множества безликих подражателей,
работающих в жанре парадного портрета, можно выделить
лишь малое число истинных мастеров. Среди них в первую
очередь следует назвать имя Уильяма Хогарта (1697–
1764), основателя и крупного представителя национальной
школы живописи, иллюстратора, автора сатирических гравюр, открывателя новых жанров в живописи и графике.
Хогарт является одним из первых в британской живописи,
на чьих полотнах оживают не библейские сцены, не полные
символичности этюды, а повседневная английская жизнь –
такая, какова она в действительности, без прикрас, исполненная радостных и трагических событий.
Еще одним крупным английским художником XVIII века
был Томас Гейнсборо (1727–1788) – выдающийся мастер
портрета и пейзажа. Гейнсборо виртуозно соединил в своем
творчестве реализм голландской школы с элегантностью
французского рококо, а его новаторский подход к изображению света и тени предвосхитил приемы будущих импрессионистов. Особенно примечательно его умение создавать
портретные пейзажи, где фигуры гармонично вплетаются
в природный ландшафт.
Среди крупнейших мастеров британского портрета XVIII века можно назвать и Джошуа Рейнольдса (1723–1792) –
выдающегося английского художника и теоретика искусства.
17
Рейнольдс считается основателем настоящей английской
школы живописи. Его стиль характеризовался глубиной тона,
сочностью письма и гармоничным сочетанием элементов
работ разных мастеров. Он умело соединял качества нескольких излюбленных им художников, подражая Тициану,
Рубенсу, Рембрандту и Корреджо.
Главным направлением творчества Рейнольдса стало
портретное искусство. Его портреты отличались высоким
сходством с моделями, выразительностью, изящной постановкой фигур и умением подбирать аксессуары.
Жан-Батист Симеон Шарден (1699–1779) и Жан-Батист Грез (1725–1805) представляли новое направление
в живописи эпохи Просвещения во Франции XVIII века, которое противопоставлялось аристократическому искусству
барокко и рококо.
Шарден стал основоположником этого направления.
Он начал с натюрмортов, вдохновленных голландской
и фламандской школой, а затем обратился к изображению
буржуазного быта. В его работах отразилась новая эстетика
эпохи – художник показывал размеренность, порядок и уют
обычной жизни простых людей. Его картины отличались
искренностью, простотой и мастерством исполнения, в них
не было излишнего морализирования.
Грез развил идеи Шардена, но пошел дальше в сторону
сентиментализма и морали. На его творчество сильно повлияли идеи Жан-Жака Руссо о патриархальной идиллии
и семейных добродетелях. В отличие от Шардена, Грез
создавал более назидательные работы, где каждый сюжет
нес определенный моральный посыл. Его картины часто
имели дидактические названия, например, «Плоды хорошего
воспитания» (изображающая заботу детей о паралитике) или
«Балованное дитя».
18
Искусству XVIII века по сравнению со смежными эпохами свойственно большее стилевое единство. Нет того
разнообразия направлений, какое наблюдалось в предшествующее столетие, когда рядом с классицизмом Пуссена существовало творчество последователей Рубенса,
а барочные картины итальянских художников уживались
рядом с голландскими жанровыми произведениями. Не
свойственна XVIII веку и быстрая смена стилей, характерная
для XIX столетия, – от классицизма до постимпрессионизма.
В искусстве XVIII века амплитуда колебаний значительно
у΄же: на смену зрелым формам стиля барокко приходит
классицизм.
Главной причиной стилистического единства стала общность судеб европейских государств, переживших на рубеже
XVII–XVIII веков кризис абсолютистских систем.
Одновременно с классицизмом и под его воздействием
продолжает развиваться реалистическое направление в искусстве, наблюдается стремление уйти от «возвышенного»,
надуманного к «простому», естественному, соразмерному
человеку. Аллегорически надуманной идеальности противопоставлена личность с ее правами и достоинствами, мыслями
и чувствами, частная жизнь человека. Парадный барочный
портрет с его борьбой света и тени, движения и покоя
уступает место портрету интимному с его осторожным, но
глубоким интересом к частной жизни человека. Пейзажная
живопись порождает «пейзаж настроения». Меняется отношение к цветовой гамме картины. Декоративно-салонный
стиль рококо требует от живописных произведений не только
заинтересовать зрителя, но и украсить помещение, не выбиваясь из его основной цветовой гаммы.
Около 1760 года в искусстве западного мира возник
живой интерес к греческой и римской античности. Это возрождение классицизма проявилось, как и прежде, не только
19
в живописи и породило такое развитие стилей и форм, что
довольно трудно дать точное определение этому явлению.
Однако в нем можно видеть один из аспектов более общего
исторического феномена, который побуждал художников
XVIII и XIX веков с возрастающей археологической точностью
восстанавливать костюмы и декор древности. Это касается
не только греко-римской античности, но и древности вообще,
будь то Средневековье или Возрождение.
В 1760-е годы неоклассическая живопись была тесно
связана с реформаторскими эстетическими течениями, которые выступали против господствовавшего в то время стиля
рококо и высказывались за уважение и изучение классического искусства. Их символом стали археологические раскопки античных городов Геркуланума и Помпеи и новейшие
исторические и эстетические работы немца Иоганна Иоахима
Винкельмана. Строгая школа неоклассической живописи
сформировалась во Франции в 1780-е годы под руководством Жака-Луи Давида (1748–1825). В связи с началом
Французской революции Жак-Луи Давид и другие художники
стали заимствовать сюжеты из римской республиканской
истории и римского искусства. Наибольшими ценностями
были простота, строгость, стоицизм, прославление личности
героя. Эти темы были центральными в условиях французской
борьбы за свободу. Давид создал серию шедевров, принесших ему всемирную славу проповедника новой эстетической
и нравственной веры в античность.
Ученик Давида Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780–1867)
в своем творчестве использовал, а затем и превзошел принципы Давида, абстракции и реализма. Двойной гений Энгра,
проявившийся в скрупулезном описании поверхностей, достиг
своего наивысшего расцвета в портретах, которые, подобно портретам Давида, зачастую отсылали к классическим
прототипам. Став наследником идеалистической доктрины
20
Давида, Энгр был одним из самых стойких защитников
принципов неоклассицизма и на протяжении первых двух
третей XIX века упорно противостоял силам романтизма. Сам
Энгр считал себя историческим живописцем, последователем Давида. Однако в своих программных мифологических
и исторических композициях Энгр отступал от требований
учителя, внося больше живых наблюдений натуры, религиозного чувства, расширив тематику, обратившись, в частности,
подобно романтикам, к эпохе Античности и Средневековья.
Если историческая живопись Энгра представляется традиционной, то его великолепные портреты и зарисовки с натуры
составляют ценную часть французской художественной
культуры XIX века. Одним из первых в своих портретах Энгр
сумел почувствовать и передать не только своеобразный
облик многих людей того времени, но и черты их характеров – эгоистический расчет, черствость, прозаизм личности
у одних и доброту и одухотворенность – у других.
В отношении стиля неоклассическая живопись была не
менее разнообразной, поскольку черпала из обширнейшего
классического репертуара (от древних греческих ваз до
скульптур императорского Рима) и не меньшего количества
постклассических стилей, от Микеланджело, итальянских
маньеристов и Сальватора Розы до Пуссена, Лебрена и болонской школы.
Хотя традиционно принято рассматривать неоклассицизм
как антитезу романтизма, новейшие интерпретации этого
ностальгического воспоминания о погибшей цивилизации
видят его скорее как фазу романтического движения, а не
как оппозицию ему. Впрочем, и многие художники конца
XVIII и начала XIX века использовали неоклассические средства в романтических целях. Уже с 1770 года большинство
художников северной Европы обращались к классическим
литературным и художественным источникам для создания
21
картин и рисунков, страстный и причудливый характер которых доходил до экстравагантности. Эта тенденция особенно
хорошо прослеживается в творчестве англо-швейцарского
художника Иоганна Генриха Фюсли (1741–1825), который одинаково хорошо ориентировался в романтическом
мире Шекспира и северной мифологии. Фюсли выбирал
классические сюжеты, очень далекие от рококо или героического репертуара большинства французских и итальянских
неоклассицистов; художник отдавал предпочтение темам,
взывающим к безумному воображению или эротизму. Его интерпретация классической живописи и скульптуры выявляет
сверхчеловеческую энергию и извращенное сладострастие,
напоминающие итальянских маньеристов.
Таким образом, с 1780-х годов устанавливаются различные формы и стили неоклассической живописи. Греко-римская история и литература предоставили огромное
разнообразие сюжетов: греческие и римские морализаторские легенды, оцененные реформаторами; мифологический
эротизм у художников, остававшихся верными рокаильной
традиции; фантомы, монстры, жестокие драмы романтиков.
В западном искусстве, однако, неоклассицизм полностью
исчерпал себя уже после 1840 года, и позднейшие интерпретации классического стиля и сюжета стали достоянием
академических и консервативных художников, сохранивших
большую дистанцию с реализмом и импрессионизмом второй
половины XIX века.
На смену неоклассицизму в искусство постепенно
приходит романтизм, расцвет которого приходится на период после 1820 года, когда на художественной авансцене
появился молодой Эжен Делакруа (1798–1863). В своих
взволнованно-напряженных, проникнутых гуманистическим
пафосом, динамичных по композиции, экспрессивных, звучных
по колориту произведениях он выразил дух свободолюбия,
22
активного действия и борьбы. Творческая фантазия, страстный темперамент выразились в исторических композициях,
в произведениях на темы Востока, классической и современной литературы: иллюстрациях к произведениям Уильяма
Шекспира, Иоганна Вольфганга Гёте.
Путешествуя в 1824 году по Испании, Эжен Делакруа
записал в своем дневнике «Вокруг меня трепетал Гойя».
Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусиентос (1746–1828) – не
только самый национальный художник Испании, с его именем
связано становление искусства Нового времени. Творчество
Гойи сочетало передовую мысль эпохи и отзвуки устойчивых
народных представлений, широту общественных позиций
и сильнейший отпечаток его субъективных переживаний,
огненного темперамента, импульсивной натуры, безграничного воображения. Его художественный язык остро обнажен,
беспощадно резок и в то же время усложнен, зашифрован,
изменчиво подвижен, подчас трудно объясним. Гойя проложил путь художникам следующего поколения – эпохи
романтизма.
А из английских художников, несомненно, самое существенное влияние на живопись XIX столетия оказал Джон
Констебл (1776–1837) со своими великолепными пейзажами:
готическими соборами, видами городка Солсбери, морским
берегом в Брайтоне, холмами, долинами и мельницами.
Констебл достигал искусной передачи быстро сменяющихся
эффектов освещения, ощущения свежести зелени, жизни
каждого предмета как бы на глазах зрителя благодаря
тому, что одним из первых стал писать этюды на пленэре,
на открытом воздухе, опередив таким образом в поисках
необычайной свежести колорита и непосредственности
впечатления художников французской школы.
Типичным романтиком можно назвать другого английского пейзажиста – Джозефа Мэллорда Уильяма Тёрнера
23
(1775–1851) с его гигантскими красочными полотнами, полными световых эффектов. Любимым жанром Тернера была
марина: насыщенный влагой морской воздух, движение туч,
взлет парусов, бушующие природные силы от феерических
снежных ураганов до яростных морских бурь. Его интересовали воздушная атмосфера, мгновенные изменения в природе, то impression – впечатление от света и воздуха, поиск
передачи которого через несколько десятков лет захватит
целое поколение живописцев. Неслучайно он стал мастером
акварели – техники, столь любимой английскими художниками (виды Венеции, швейцарские пейзажи).
Романтическое направление в английской графике нашло
выражение в творчестве Уильяма Блейка (1757–1827), не
только крупнейшего поэта, но и оригинального художника,
в основном гравера и рисовальщика. Иллюстрации к Данте,
Мильтону, к Библии, к собственным поэтическим произведениям – это мрачные фантазии со сложными аллегориями,
религиозно-мистическими символами, отражающие философию творчества художника, его трагическое мироощущение.
Как могучее художественное движение реализм, пришедший на смену романтизму, начал складываться в середине
XIX столетия. Говоря о реализме середины XIX века, имеют
в виду определенную художественную систему. Во Франции
реализм связывается, прежде всего, с именем Гюстава
Курбе (1819–1877).
В отличие от своих предшественников, он отвергал
любые проявления фантазии и требовал от искусства абсолютной правдивости. Курбе считал, что живопись должна
изображать только реальные вещи, которые можно увидеть и потрогать, полностью отказываясь от идеализации
и романтизации действительности. Его работы отличались
смелостью и подчеркнутой реалистичностью сюжетов, что
часто вызывало неприятие современников, но определило
24
дальнейшее развитие европейского искусства. Курбе оказал
значительное влияние на формирование импрессионизма
и других направлений в живописи.
Реалисты заговорили четким, ясным языком, который
пришел на смену «музыкальному», но зыбкому и смутному
языку романтиков. В искусстве начинаются поиски обобщенного, монументального образа, а не анекдотически-жанрового, как это имело место до сих пор. Быт, жизнь, труд
современного героя станут новой темой в искусстве. Во
французской живописи реализм заявил о себе ранее всего
в пейзаже, начавшись с барбизонской школы, с художников,
получивших в истории искусства такое название по имени
деревушки Барбизон недалеко от Парижа. Барбизонцы –
это группа молодых живописцев: Теодор Руссо, Диас де ла
Пенья, Жюль Дюпре, Констан Тройон, – которые приехали
в Барбизон писать этюды с натуры. Картины они завершали в мастерской на основе этюдов, отсюда законченность
и обобщенность в композиции и колорите. Но живое ощущение натуры в них оставалось всегда. Всех их объединяло
желание внимательно изучать природу и правдиво ее изображать, однако это не мешало каждому из них сохранять
свою творческую индивидуальность. Из более молодых
художников барбизонской школы особого внимания заслуживает Шарль Франсуа Добиньи (1817–1878), который
вообще не приезжал в Барбизон, но принадлежал к их
группе по своему интересу к национальному французскому
пейзажу. Его картины всегда выдержаны в высветленной
палитре, что сближает его с импрессионистами: спокойные
долины, тихие реки, высокие травы; его пейзажи наполнены
большим лирическим чувством.
Одно время работал в Барбизоне Жан-Франсуа Милле
(1814–1875). Родившийся в крестьянской среде, Милле навсегда сохранил связь с землей. Крестьянский мир – основ25
ной жанр Милле. Для почерка Милле характерен предельный
лаконизм, отбор главного, позволяющий передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни. Большинство произведений Милле пронизаны чувством высокой человечности, покоя, умиротворения.
Правдивое и честное искусство Милле, прославляющее человека труда, проложило пути для дальнейшего развития этой
темы в искусстве второй половины XIX века и в XX столетии.
Говоря о пейзажистах первой половины – середины XIX века,
нельзя не вспомнить одного из самых тонких мастеров французского пейзажа – Камиля Коро (1796–1875). Он много
путешествовал по Франции, некоторое время следил за развитием живописи барбизонцев, но нашел свой собственный
«Барбизон»: маленький городок под Парижем – Виль-д’Авре,
где обрел постоянный источник своего вдохновения, создал
лучшие пейзажи, которые часто населял нимфами или другими мифологическими существами, свои лучшие портреты.
Но что бы он ни писал, Коро следовал непосредственному
впечатлению и всегда оставался предельно искренним. Наряду с пейзажами Коро часто писал портреты. Коро не был
прямым предшественником импрессионизма, но его способ
передавать световую среду, его отношение к непосредственному впечатлению от природы и человека имели большое
значение для утверждения живописи импрессионистов и во
многом созвучны их искусству.
В России традиции реалистического направления,
заложенные европейскими художниками, развивали
Иван Шишкин и Исаак Левитан. При этом они создали собственный уникальный стиль. Творчество Ивана
Шишкина и Исаака Левитана вписывается в историю
мировой живописи как логическое продолжение развития
пейзажного жанра, начатого западноевропейскими мастерами середины XIX века в частности представителей
26
барбизонской школы во главе с Шарлем-Франсуа Добиньи. Иван Шишкин, как представитель старшего поколения
передвижников, довел до совершенства традиции точного,
почти научного изображения природы, особенно в изображении русского леса. Левитан же пошел дальше, развивая направление «пейзажа настроения» и предвосхищая
некоторые приемы будущих импрессионистов в передаче
эмоционального состояния природы.
Их творчество стало важным этапом в развитии пейзажной живописи, расположившись между классическим
пейзажем XIX века и новыми художественными течениями
конца столетия – импрессионизмом и постимпрессионизмом. Таким образом, Шишкин и Левитан не просто продолжили традиции европейского пейзажа, но и создали
самобытную русскую школу, оказавшую значительное
влияние на дальнейшее развитие пейзажной живописи
как в России, так и за ее пределами. Их работы стали
своеобразным мостом между традициями европейского
пейзажа и новым этапом развития русской пейзажной
школы.
Художники-импрессионисты были настроены на максимальное приближение изображения к самой действительности. Истоком импрессионизма стали творческие
искания и реалистов, и романтиков. Однако, в отличие
от реализма, сосредоточенного на передаче типического,
импрессионистов интересовало непосредственное, мимолетное впечатление от окружающей среды в его субъективном ви΄дении художником. Импрессионисты стремились
выразить не столько то, что видят (сюжет произведения
отходит в импрессионизме на второй план), сколько то,
как видят, а новое ви΄дение обращалось непосредственно
к «зрительной сущности» вещей. Живописными средствами
художники пытались отобразить неповторимость и иллю27
зию света, воздуха, воды, цвет во всей его чистоте, тонкие
нюансы световоздушной среды в ее мимолетных изменениях. Изображаемый импрессионистами мир как бы «поплыл»,
вибрируя, теряя устойчивость и определенность форм.
Один из основоположников импрессионизма, Эдуар
Мане (1832–1883), резко выступал против академических
форм творчества, но тем не менее на протяжении почти
всей своей жизни испытывал глубокое уважение к традициям некоторых великих мастеров, непосредственное или
опосредованное влияние которых проявляется во многих его
произведениях. Импрессионисты считали Мане своим идейным вождем и предшественником. Но его искусство гораздо
шире и не укладывается в рамки одного направления, хотя
художник всегда поддерживал импрессионистов в основополагающих взглядах на искусство, касающихся работы на
пленэре и отражения мимолетного впечатления от реально
существующего мира.
Название течению импрессионизма (от франц. impression – «впечатление») дала одна из картин художника Клода
Моне (1840–1926) – «Впечатление. Восход солнца» (1872).
Клод Моне известен как непревзойденный пейзажист. Он
работал на природе, и главной задачей для него было не
просто точно запечатлеть пейзаж или какую-то сценку
на лоне природы, а передать свежее непосредственное
впечатление от наблюдения за происходящими вокруг метаморфозами. Его вдохновляли те ежеминутные изменения
в природе, где от состояния атмосферы, от угла падения
солнечных лучей, от погоды, от колебания ветра, от соседства других предметов происходят волшебные превращения.
В творчестве другого импрессиониста – Пьера Огюста Ренуара (1841–1919) жизнерадостное и ясное восприятие мира, присущее импрессионизму, проявилось
с особой яркостью. Его искусство радостно и лучезарно,
28
наполнено ощущением подлинного счастья и гармонии.
Ренуар писал в основном женские образы – портреты
и обнаженную натуру, и эта живопись полна радостной
гармонии и чистых, мажорно звучащих сочетаний красок.
Не стремясь к психологической глубине, неповторимое очарование каждой из моделей Ренуар передавал через едва
уловимые оттенки настроений.
Живопись импрессиониста Камиля Писсарро (1830–
1903) отличается особым вниманием к изображению света
и воздуха в пейзажной живописи. Художник мастерски передавал взаимодействие света с предметами, при этом с 1866
года его палитра становилась все светлее, нейтральные
оттенки исчезали, а на первый план выходило пространство,
пронизанное солнечным светом. Писсарро использовал
плотные мазки и уделял особое внимание физическому
ощущению света. В отличие от других импрессионистов,
он предпочитал более законченное построение полотен
и избегал фрагментарности в композиции. Художник очень
реалистично работал на пленэре, стремясь запечатлеть
повседневную жизнь без идеализации.
Творчество Эдгара Дега (1834–1917) существенно
отличалось от традиционного импрессионизма. В отличие
от других импрессионистов, он не стремился работать на
открытом воздухе и отвергал пленэр, предпочитая студийную работу. Дега не интересовался пейзажами и не
пытался запечатлеть игру света и тени, что было характерно
для других представителей импрессионизма, предпочитая изображать современную жизнь: театр, балет, кафе,
скачки, сцены труда. Он мастерски передавал движение
и характерные позы, используя неожиданные ракурсы
и крупные планы. В отличие от других импрессионистов,
Дега стремился к максимальной реалистичности, уделяя
большое внимание точному рисунку и линии. Дега обладал
29
отличались особой наблюдательностью и способностью
улавливать мимолетные моменты жизни. Его можно назвать «независимым» художником – он сохранял верность
классическим традициям, но при этом вносил новаторские
элементы в свое творчество, создавая уникальный художественный язык.
В России импрессионизм не был так распространен, как
во Франции, но некоторые художники адаптировали его
техники.
Константин Коровин (1861–1939) считается первым русским импрессионистом. Более того, он пришел
к импрессионистической манере письма самостоятельно,
еще до знакомства с работами французских мастеров.
Интересно, что Коровин начал писать в этой манере еще
в студенческие годы, не зная о существовании французского
импрессионизма. После поездки во Францию в 1885 году
Коровин познакомился с работами импрессионистов и был
поражен, обнаружив, что использует похожие техники.
В своих воспоминаниях он писал: «Париж был для меня
шоком… в импрессионистах я нашел все, за что меня ругали
дома, в Москве».
Коровин создавал импрессионистические пейзажи, натюрморты и портреты, экспериментируя со светом, цветом
и настроением. Особенно известны его парижские серии,
где он изображал бульвары в разное время суток, а также
знаменитые работы с изображением ночного города.
Важно отметить, что термин «русский импрессионизм» до
сих пор вызывает споры среди искусствоведов, но творчество
Коровина однозначно относят к этому направлению, хотя он
работал и в других жанрах. Его вклад в развитие русского
импрессионизма признан значительным, а сам художник
стал одним из самых ярких представителей этого течения
в русской живописи.
30
Постимпрессионизм, пришедший во французскую живопись в конце XIX – начале XX века, не единое художественное
течение, а собирательное понятие. Это термин, объединяющий различные направления французского искусства,
которые возникли как реакция на импрессионизм. Постимпрессионисты не были объединены ни общей школой, ни
единым методом работы, ни единой программой творчества.
Постимпрессионисты – Винсент Ван Гог, Поль Гоген,
Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Сезанн – так или иначе прошли
«школу» импрессионизма. Но живопись импрессионистов
казалась им чересчур беззаботной и умиротворенной,
слишком настаивавшей на точности воспроизведения
увиденного. Для постимпрессионистов живопись их предшественников была ориентированной на изображение
гармонии линий, света и цвета, живописной гармоничности
мира. Постимпрессионисты сделали акцент скорее на его
дисгармоничности, диссонансах живописных и социальных
и выражали свою неудовлетворенность жизнью такой,
«как она есть». Их картины пронизаны ощущением драматизма, чувствами ярости, боли, тоски. Они изображали
гнусность буржуазной «прозы жизни» и «бежали» от нее
к естественности природы и не тронутых цивилизацией
человеческих сообществ. Импрессионизм стремился
уловить случайное и мимолетное, а постимпрессионизм
искал философский смысл бытия. И если импрессионисты
«размыли» формы окружающего мира, то постимпрессионисты начали процесс их утрирования и в то же время
акцентирования цвета.
Поль Сезанн (1839–1906) был не только великим мастером композиции, но и великим колористом, сравнимым
с Тицианом, Рубенсом и Делакруа. В его зрелом творчестве романтическая напряженность чувств соединяется
с классической ясностью и строгостью. Сезанн занимался
31
поиском не изменчивости цветов, а устойчивых структурных
закономерностей, его рисунок очень лаконичен, а цветовая
палитра небогата: в ней преобладают три цвета – зеленый,
голубой и желтый. Взяв за основу традиции классицизма
и романтизма, Сезанн привел их к окончательному единству
и тем самым завершил целую эпоху. Но вместе с тем открыл
новую: его зрелые произведения оказали огромное влияние
на формирование художественного видения в современной
живописи.
Поль Гоген (1848–1903) – один из главных представителей постимпрессионизма, в своих картинах изображает
жизнь таитян среди тропической природы, в праздном покое,
идеализируя ее. Стремясь приблизиться к художественным
традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришел
к примитивизации формы. Обобщенный рисунок, контрастные
сочетания цветовых пятен выражают красоту естественной
природы, не тронутой цивилизацией.
Творчество Ван Гога (1853–1890) отразило сложнейший переломный момент в художественной культуре конца
XIX века, мучительные поиски художником духовных, нравственных ценностей, определившие порывистую экспрессию
и трагический пафос его работ, особое место Ван Гога
в искусстве постимпрессионизма. Оно проникнуто горячей
любовью к жизни, к простому трудовому человеку. Вместе
с тем оно выразило с огромной искренностью кризис буржуазного гуманизма и реализма XIX века. Творчество двух
последних лет жизни художника отмечено экстатической
одержимостью, предельно обостренной экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения – от полного
отчаяния и мрака до трепетного чувства просветления
и умиротворения.
К постимпрессионизму относится и творчество Анри
де Тулуз-Лотрека (1864–1901), который изображал на
32
своих полотнах жизнь актеров, циркачей, певиц, танцовщиц, завсегдатаев кафе и баров. Французский живописец
и график, блестящий портретист, один из крупнейших мастеров постимпрессионизма. Автор более чем 600 картин,
сотен литографий, тысяч рисунков и набросков. Главная
тема творчества Тулуз-Лотрека – развлечения и быт богемы,
парижского «дна», которые художник показывает без тени
морализирования, с присущей ему остротой наблюдений
и едкой иронией. Важнейшее место в творчестве Лотрека
занимает печатная графика. За короткий период с 1891 по
1899 год он создал около 350 эстампов и афиш, оказавших
значительное влияние на формирование графического языка
последнего десятилетия XIX века.
Картины Жоржа Сёра (1859–1891) и Поля Синьяка
(1863–1935), написанные раздельными мазками, в технике пуантилизма (направление живописи, при котором
изображение создается отдельными мазками (точками),
при этом оттенки Оттенки не смешиваются на холсте, создаётся визуальный эффект смешения), также причисляют
к постимпрессионизму. Техника живописи Сёра и Синьяка
различалась следующим образом: Сёра использовал равномерное расположение точек на холсте, создавая эффект
плавного движения и гармоничного цветового перехода,
тогда как Синьяк экспериментировал с расстоянием
между точками – они то сближались, то удалялись друг
от друга, что придавало его работам особую динамику
и объемность. Кроме того, у Синьяка цветовая рябь была более заметной, что создавало эффект движущегося
света, в то время как работы Сёра отличались большей
плавностью и спокойствием композиции.
Импрессионисты и постимпрессионисты положили начало
новому восприятию окружающего мира, открыли новые приемы и средства художественного выражения, акцентировали
33
внимание на субъективном отражении мира в художественных образах и оказали огромное влияние на появление новых
направлений в искусстве начала ХХ века.
Новое время характеризуется становлением искусства как самостоятельной сферы культуры, появлением
художника-профессионала, утверждением классических
образцов и норм художественного творчества, расцветом
разнообразных видов и жанров искусства, формированием
художественной критики и художественного вкуса публики.
Прерафаэлиты – первое авангардное движение в Европе, возникшее в Англии в 1848 году как протест против
академического искусства. Основателями стали молодые
художники Данте Габриэль Россетти (1828–1882), Джон
Эверетт Милле (1829–1896) и Уильям Холман Хант
(1827–1910), которые стремились возродить чистоту и искренность искусства дорафаэлевского периода.
Главные особенности их творчества заключались в отказе от академических канонов, использовании ярких чистых
цветов, тщательной проработке деталей и работе на пленэре.
Тематика работ была тесно связана с литературой, библейскими сюжетами и средневековыми легендами. Художники
создавали сложные символические полотна, где каждый
элемент нес определенный смысл. Они воспевали культ
женской красоты, изображая героинь с длинными рыжими
волосами и большими глазами, часто использовали образы
из произведений Шекспира.
Позднее к движению присоединились Уильям Моррис
(1834–1896), Эдвард Бёрн-Джонс (1833–1898) и другие
художники. Прерафаэлиты также внесли вклад в декоративно-прикладное искусство и стали первыми, кто признал
женщин не только моделями, но и творцами искусства.
Их идеи предвосхитили появление символизма, эстетизма
и стиля модерн.
34
Символизм – движение в искусстве конца XIX – начала
XX столетия. На всей территории Европы в период между
1886 и 1900 годами символизм доминировал практически
во всех областях искусства.
Художники-символисты были вдохновлены литературой
и поэзией, историей, легендами, мифами, библейскими историями. Создавая картины, символисты наделяли предметы,
изображенные на полотне, мифологическим, мистическим,
эзотерическим смыслом. Черты мировоззрения авторов
передают картины – наиболее популярными темами были
чувства и эмоции, религия, оккультизм, любовь, смерть, болезнь и грех. Символизм является интеллектуальной формой
экспрессионизма. Именно содержание, а не цвет и форма
делают работы художников этого направления уникальными и узнаваемыми. Стремление передать не буквальный
образ, а крик души, переживания, настроение, впечатления
было главным смыслом символизма в творчестве Одилона
Редона (1840–1916), Гюстава Моро (1826–1898), Пьера
Сесиля Пюви де Шаванна (1824–1898).
Одним из главных течений искусства конца XIX – начала
XX века является экспрессионизм, особенности которого
можно выразить в трех словах: субъективность, яркость,
эмоциональность.
Экспрессионизм возник в Германии в начале XX века,
примерно с 1905 года по 1920-е годы.
Основная идея экспрессионизма заключается в стремлении художника выразить свои внутренние чувства, эмоции
и переживания, а не объективную реальность. Экспрессионисты считали, что искусство должно быть отражением
души художника, его реакции на мир, часто наполненной
тревогой, страхом, отчаянием или, наоборот, экстазом.
Наиболее ощутимым было влияние на экспрессионизм
творчества Винсента Ван Гога, Эдварда Мунка, Джеймса
35
Энсора, Поля Гогена, Анри Матисса и Робера Делоне – художники переняли методику использования цвета и света,
искаженную передачу форм и линий для усиления впечатления от картины.
Экспрессионисты часто изображали фигуры искаженными, гротескными, чтобы передать внутреннее состояние, а не
внешнее сходство, и использовали цвета не для реалистичного отображения, а для выражения эмоций. Художники часто
упрощали формы, отказываясь от деталей, чтобы сосредоточиться на главном – эмоциональном посыле.
Экспрессионизм не был единым стилем, а, скорее, был
общим настроением и подходом, который проявлялся в разных группах и у разных художников.
Группа «Мост» (Die Brücke, 1905–1913) была одной из
первых и наиболее влиятельных групп немецких экспрессионистов. В группу входили Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–
1938), Эрих Хеккель (1883–1970), Карл Шмидт-Ротлуф
(1884–1976). Их искусство было резким, угловатым, часто
затрагивало темы отчуждения и городской жизни.
Другая группа экспрессионистов – Новое мюнхенское
художественное объединение» («НМХО») – была основана
в 1909 году и считается прямой предшественницей группы художников-экспрессионистов «Синий всадник». Идея
создания объединения родилась в прославленном салоне
искусств русской художницы Марианны Верёвкиной
(1860–1938). Помимо нее в создании «НМХО» принимали участие Алексей Явленский (1864–1941), Василий
Кандинский (1866– 1944), Адольф Эрбслёх и композитор
Оскар Виттенштейн.
Еще одна группа экспрессионистов – «Синий всадник»
(Der Blaue Reiter, 1911–1914), основанная в Мюнхене, отличалась большей склонностью к духовности, символизму
и абстракции. Ее основателями стали пионер абстрактного
36
искусства, теоретик экспрессионизма Василий Кандинский
и Франц Марк, известный своими яркими символическими
изображениями животных. Помимо них в группе состояли
Август Макке, Марианна Верёвкина, Алексей Явленский,
Пауль Клее, Альфред Кубин, Генрих Кампендонк и Лионель
Фейнингер.
Яркими фигурами экспрессионизма стали норвежский
художник Эдвард Мунк (1863–1944), чье творчество
пронизано темами страха, одиночества и смерти, а также
австрийские живописцы Оскар Кокошка (1886–1980), известный своими психологическими портретами и пейзажами,
и Эгон Шиле (1890–1918), отличавшийся пронзительными
автопортретами и изображениями человеческого тела, часто
искаженными и болезненными.
Творчество Амедео Модильяни (1884–1920) относят
к экспрессионизму, однако некоторые исследователи говорят о том, что его нельзя привязывать к определенному
течению. В его искусстве присутствуют отголоски примитивизма и абстракции, а скульптурные работы Модильяни
демонстрируют влияние модной в то время африканской
пластики. Экспрессионизм в творчестве Модильяни проявляется в выразительной чувственности его картин, в большой их
эмоциональности. В работах Модильяни сочетаются чистота
и утонченность стиля, символизм и гуманизм, языческое чувство полноты и безудержной радости жизни и патетическое
страдание. Амедео Модильяни по праву считается певцом
красоты обнаженного женского тела.
Экспрессионизм оказал огромное влияние на дальнейшее
развитие искусства XX века, проложив путь к абстракции
и другим авангардным течениям.
В 90-е годы XIX века в европейском искусстве сложился новый стиль – модерн. Художники, представлявшие
этот стиль, своей главной задачей объявили переустрой37
ство окружающей человека среды по законам красоты,
причем понятие красоты здесь проявляется в сложных
асимметричных переплетениях четких контурных линий
и практически монохромных плоскостей. Во всех элементах композиции прослеживаются единый орнаментальный стилизованный ритм, свободная планировка.
Новый стиль породили декадентские умонастроения конца
века, разочарование в разумности человеческой деятельности и техническом прогрессе, уверенность в отвратительности действительности и ее опасности для думающего
и чувствующего человека.
Для живописи модерна характерны плоскостность,
орнаментальность, включение в ткань произведения иллюзионистических и даже натуралистических деталей. Яркий
декоративный эффект создается из соединений цветовых,
иногда почти монохромных плоскостей и извивающихся
контурных линий, создающих замысловатое переплетение,
схожее с изящным ажурным кружевом.
Стиль модерн развивался под разными названиями в разных странах: ар-нуво (Art Nouveau) во Франции и Бельгии,
югендстиль (Jugendstil
(
) в Германии и Скандинавии, Венский
сецессион (Sezessionstil) в Австрии, Modern Style в Англии,
стиль либерти (Stile Liberty) в Италии.
Густав Климт (1862–1918) – один из самых известных
художников Венского сецессиона. Его работы отличаются
богатым орнаментом, использованием золота, символизмом
и чувственностью. Лучшими картинами Густава Климта
считаются более поздние работы художника, с их плоскими,
незатененными поверхностями, прозрачными, мозаичными
цветами и формами и извилистыми, витиеватыми линиями
и образцами. Климт написал большое количество портретов,
в основном женских, а также мифологические и аллегорические композиции.
38
Творчество Альфонса Мухи (1860–1939) представляет
собой уникальное явление в истории искусства конца XIX –
начала XX века. Его художественный стиль отличается особой
декоративностью и орнаментальностью, где человеческие
фигуры часто превращаются в изысканные узоры. Муха
стал первым художником, успешно объединившим искусство
и дизайн, создав собственный узнаваемый стиль ар-нуво.
Характерной чертой его работ является паттерн «удар бича» – изящные зигзагообразные линии, напоминающие взмах
кнута, а также искусное сплетение складок одежды, локонов
и цветочных мотивов.
Муха виртуозно сочетал различные виды искусства, мастерски работая как в живописи, так и в графике. Он умело
применял различные техники для решения конкретных творческих задач, создавая произведения, одинаково успешные
в разных художественных форматах. Его новаторство проявилось в том, что он первым превратил рекламу и афиши
в настоящее высокое искусство, сделав их доступными
широкой публике.
Творчество Обри Бердслея (1872–1898) представляет
собой уникальное явление в истории искусства, оказавшее
огромное влияние на развитие стиля модерн и символизма.
Его художественный язык строился на виртуозном владении
графическими средствами, где главным выразительным
инструментом выступала линия. Художник работал преимущественно в чёрно-белой гамме, создавая поразительные
контрасты и иллюзию объёма исключительно с помощью
линий и штриховки. Бердслей мастерски использовал
символику и аллегории, создавая провокационные образы
с элементами эротики.
Михаил Врубель (1856–1910) – русский художник, чье
творчество имеет много общего с модерном, особенно в его
декоративности, символизме и использовании византийских
39
и фольклорных мотивов. Художник стал первым русским
символистом, создавшим собственный неповторимый стиль,
который оказал огромное влияние на развитие отечественного искусства.
Главной особенностью творчества Врубеля стала его
кристаллическая техника письма. Его картины словно собраны из острых граненых мазков, напоминающих осколки
кристаллов или горного хрусталя. Художник создавал свои
произведения, будто собирая витраж – с характерной
мозаичностью, яркими цветовыми акцентами и четкими
контурами. Свет, форма и цвет в его работах не просто
сосуществовали, а взаимодействовали, создавая особую
игру преломлений.
В начале XX века возникло еще одно новое направление
в живописи, явившее собой своеобразное перевоплощение
символизма, – сюрреализм. Предметы, фигуры людей
и животных на картинах представителей этого направления
предстают в необычном, порой пугающем виде. В сюрреалистических композициях нет порядка, в них все случайно.
Появление подобного направления связано с существовавшей в начале XX века медицинской теорией, утверждавшей,
что в подсознании человека присутствуют темные силы,
стремящиеся подчинить себе сознание. Картины сюрреалистов отразили увлечение художников этой идей. Своей
живописью сюрреалисты пытались доказать публике, что
в создании их произведений участвует неведомая сила,
скрытая в глубинах мозга.
Предшественниками сюрреализма можно считать Иеронима Босха и Франсиско Гойю с их причудливыми и странными образами. Большую роль в появлении сюрреализма
сыграл дадаизм (литературно-художественное движение,
сформировавшееся в Цюрихе в годы Первой мировой войны в среде эмигрантов). Еще до появления дадаизма
40
черты сюрреализма появились в творчестве итальянца
Джорджо Де Кирико и жившего во Франции выходца из
Белоруссии Марка Шагала (1887–1985). Как направление
сюрреализм сформировался в начале 1920-х годов. Крупнейшим представителем этого искусства стал испанский
художник Сальвадор Дали (1904–1989). Не одно столетие
великие мастера прошлого создавали произведения, которые до сих пор восхищают блеском живописи и полетом
духа. Эпохи сменяли друг друга, новые поколения художников искали новые изобразительные средства и способы
отражения меняющейся действительности. Икону сменила
картина, появилась светская живопись, начали развиваться портретный, исторический и бытовой жанры, пейзаж.
В течение веков менялись школы живописи, направления
в искусстве: ренессанс и барокко, рококо и классицизм,
романтизм и реализм, импрессионизм и символизм, экспрессионизм и сюрреализм…
Но от Джотто до Дали основной задачей художника было
вдохнуть жизнь в созданный образ, линию, цвет.
Произведения тех, кому это удалось, стали шедеврами
мировой живописи. Художники, чьи бессмертные произведения представлены в этой книге, словно приоткрывают
нам дверь в свою эпоху, в созданный ими чудесный мир
волшебных красок.
Портрет женщины в оранжевом хитоне. I–II вв. до нашей эры
42
Братья Лимбурги. Великолепный часослов герцога
Берийского. V в.
43
Чимабуэ. Маэста (Величание Мадонны) Алтарный образ
церкви Санта-Тринита. Ок. 1290. Уффици, Флоренция
44
Джотто. Поцелуй Иуды. Ок. 1305
45
Ян ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. 1435
46
Ян ван Эйк. Портрет четы Арнольфини. 1434
47
Филиппо Липпи. Мадонна с младенцем и двумя ангелами.
Ок. 1465
48
Иероним Босх. Увенчание терновым венцом. 1508–1509
49
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. Ок. 1484
50
Сандро Боттичелли. Весна. 1482
51
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1490
52
Леонардо да Винчи. Мона Лиза (Джоконда). 1510
53
Леонардо да Винчи. Тайная Вечеря. 1495–1498
54
55
Леонардо да Винчи. Мадонна с гвоздикой. 1478
56
Леонардо да Винчи. Святая Анна с Мадонной и младенцем
Христом. 1508–1510
57
Рафаэль. Сикстинская Мадонна. Ок. 1512–1514
58
Рафаэль. Донна Велата (Дама с покрывалом). Ок. 1514–1515
59
Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. Около 1514–1515
60
Рафаэль. Триумф Галатеи. 1511
61
Микеланджело. Сотворение Адама. Фрагмент фрески
Сикстинской капеллы. 1411
62
63
Тициан. Любовь небесная и земная. Ок. 1514
64
65
Тициан. Юноша с перчаткой. Ок. 1523
66
Бронзино. Портрет Элеоноры ди Толедо с сыном Джованни
де Медичи. Между 1544 и 1545
67
Джорджоне. Спящая Венера. Ок. 1509
68
Паоло Веронезе. Брак в Кане. 1563
69
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Ок. 1510–1515
70
71
Питер Брейгель Старший. Охотники на снегу. 1565
72
Питер Брейгель Старший. Жатва. 1565
73
Питер Брейгель Старший. Крестьянская свадьба. 1568
74
Питер Брейгель Старший. Нидерландские пословицы. 1559
75
Питер Брейгель Старший. Игры детей. 1560
76
77
Питер Брейгель Старший. Страна лентяев. 1567
78
Альбрехт Дюрер. Автопортрет в одежде, отделанной мехом.
1500
Альбрехт Дюрер. Праздник четок. 1506 (см. стр. 80–81)
79
80
Пармиджанино. Мадонна с длинной шеей. Ок. 1535–1540
82
Лукас Кранах. Юдифь с головой Олоферна. Ок. 1530
83
Жан Клуэ. Портрет Франциска I. Ок.1525
84
Ганс Гольбейн. Послы. 1533
85
Караваджо. Вакх. 1595
86
Караваджо. Шулеры. 1594
87
Караваджо. Отдых на пути в Египет. Между 1594 и 1596
88
Эль Греко. Погребение графа Оргаса. 1586–1588
89
90
Диего Веласкес. Менины. 1656. Прадо, Мадрид
Франсиско де Сурбаран. Святая Касильда. Между 1630
и 1635
91
Диего Веласкес. Портрет папы Иннокентия X. 1650
92
Бароломео Эстебан Мурильо. Святое семейство с птицей.
1640-е
93
Питер Пауль Рубенс. В жимолостной беседке. 1609
94
Питер Пауль Рубенс. Портрет Елены Фоурмен в свадебном
платье. 1630–1631
95
Антонис ван Дейк. Карл I на охоте. Ок. 1635
96
Якоб Йорданс. Бобовый король. Между 1640 и 1645
97
98
Адриан ван Остаде. Скрипач. 1673
Питер Клас. Натюрморт «Vanitas» с автопортретом
в стеклянном шаре. Ок. 1628
99
Франс Хальс. Шут с лютней. Между 1628 и 1630
100
Ян Вермеер Делфтский. Девушка с жемчужной сережкой.
Ок. 1665
101
Ян Вермеер Делфтский. Аллегория Живописи (Мастерская
художника). 1666–1668
102
Ян Вермеер Делфтский. Девушка, читающая письмо
у открытого окна. 1657
103
Рембрандт. Рембрандт и Саския (Блудный сын в таверне).
1635
104
Рембрандт. Саския в красной шляпе. 1633–1634
105
Рембрандт. Пир Валтасара. 1635
106
Рембрандт. Ночной дозор. 1642
107
Жорж де Латур. Кающаяся Мария Магдалина. 1640
108
Жорж де Латур. Шулер с бубновым тузом. 1633–1639
109
Антуан Ватто. Пьеро (Жиль). Ок. 1718–1719
110
Антуан Ватто. Меццетен. 1717–1719
111
Франсуа Буше. Портрет мадам де Помпадур. 1759
112
Жан-Оноре Фрагонар. Качели (Счастливые возможности
качелей). Ок. 1768
113
Уильям Хогарт. Модный брак. Вскоре после свадьбы.
1743–1745
114
Уильям Хогарт. Модный брак. Будуар графини. 1743–1745
115
Уильям Хогарт. Модный брак. Брачный контракт. 1743–1745
116
Уильям Хогарт. Модный брак. Визит к шарлатану. 1743–1745
117
Джошуа Рейнольдс. Баронет Банастр Тарлетон. 1782
118
Томас Гейнсборо. Портрет Сары Сиддонс. 1785
119
Жан-Батист Симеон Шарден. Мыльные пузыри. Ок. 1734
120
Жан-Батист Грёз. Разбитые яйца. 1756
121
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 1784
122
123
Жак-Луи Давид. Бонапарт на перевале Сен-Бернар. 1801
Жан-Огюст-Доминик Энгр. Наполеон на императорском
троне. 1806
124
125
Иоганн Генрих Фюсли. Ночной кошмар. 1790–1791
126
Эжен Делакруа. Свобода, ведущая народ. 1830
127
Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800–1801
128
Джон Констебл. Вид на собор в Солсбери из епископского
сада. 1823
129
Уильям Тёрнер. Последний рейс корабля «Отважный». 1839
130
Уильям Блейк. Ньютон. 1795
131
Гюстав Курбе. Веяльщицы. 1854
132
Теодор Руссо. Сена в Вильнёв-Сен-Жорж. XIX в.
133
Диас де ла Пенья. Дорога в лесу. 1850
134
Шарль-Франсуа Добиньи. Жатва. 1851
135
Жан-Франсуа Милле. Сборщицы колосьев. 1857
136
Камиль Коро. Виль-д’Авре. 1867
137
Иван Шишкин. Опушка леса. 1884
138
Исаак Левитан. Солнечный день. Весна. 1876–1877
139
Эдуар Мане. Бар в «Фоли-Бержер». 1882
140
Эдуар Мане. Олимпия. 1863
141
Эдуар Мане. Лола из Валенсии. 1862
142
Клод Моне. Женщины в саду. 1866–1867
143
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872
144
Клод Моне. Маки. 1872
145
Пьер Огюст Ренуар. Бал в Мулен де ла Галетт. 1876
146
Пьер Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. Ок. 1880
147
Пьер Огюст Ренуар. Ложа. 1874
148
Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр в Париже. 1897
149
Эдгар Дега. Семейство Беллели. 1858–1867
150
Эдгар Дега. Абсент. 1876
151
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876–1878
152
Константин Коровин. На веранде. 1922
153
Константин Коровин. Кафе Д’Англетер. Париж. 1913
Данте Габриэль Россетти. Сон наяву. Портрет Джейн Бёрден
(Моррис). 1880
154
155
Данте Габриэль Россетти. La Ghirlandata (Увенчанная
гирляндой или Дама венца). 1873
Данте Габриэль Россетти. Благовещение. 1849
156
157
158
Уильям Холман Хант. Светоч мира. 1854
Джон Эверетт Милле. Христос в родительском доме. 1850
159
Поль Сезанн. Дом повешенного. 1873
160
Поль Сезанн. Гора Сент-Виктуар с большой сосной. Около
1886
161
Поль Сезанн. Посуда, корзина и фрукты (Кухонный стол).
1888–1890
162
Поль Гоген. Желтый Христос. 1889
163
Поль Гоген. Таитянские женщины на побережье. 1891
164
Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888
165
Винсент Ван Гог. Ночная терраса кафе. 1888
166
Винсент Ван Гог. Звездная ночь. 1889
167
Винсент Ван Гог. Ирисы. 1889
168
Винсент Ван Гог. Цветущие ветки миндаля. 1890
169
Анри де Тулуз-Лотрек. В «Мулен Руж». Танец. 1890
170
Анри де Тулуз-Лотрек. Жанна Авриль. 1893
171
Жорж Сёра. Воскресный день на острове Гранд-Жатт.
1884–1886
172
Жорж Сёра. Пудрящаяся женщина. 1888–1890
173
Поль Синьяк. Портрет Феликса Фенеона. 1890
Гюстав Моро. Эдип и сфинкс. 1864
174
175
Пьер Пюви де Шаванн. Девушки у моря. 1879
176
Эрнст Людвиг Кирхнер. Групповой портрет участников
группы «Мост». 1926–1927
177
Василий Кандинский. Эскиз к Композиции II.
178
Август Макке. Женщина с зонтиком перед шляпным
магазином. 1914
179
Марианна Верёвкина. Аве Мария. 1927
180
Марианна Верёвкина. Красное дерево. 1910
181
Алексей Явленский. Одиночество. 1912
182
Франц Марк. Франц Марк. Синяя лошадь I. 1911
183
Эдвард Мунк. Крик. 1893
184
Эдвард Мунк. Вампир. 1893
185
Эгон Шиле. Автопортрет с физалисом. 1912
Амедео Модильяни. Алиса. 1917–1918
186
187
Густав Климт. Поцелуй. 1908–1909
Альфонс Муха. Серия «Времена года». Весна. 1896
188
189
Обри Бёрдслей. Павлинья юбка. 1893
190
Михаил Врубель. Девочка на фоне персидского ковра. 1886
12+
18+
16+
6-
Издание для досуга
6+ Мастера и шедевры
МиниАрт.
Владимир Баженов
МИРОВАЯ ЖИВОПИСЬ
0+
В ШЕДЕВРАХ
Заведующая редакцией Ю. Данник, ответственный редактор В. Гусовская,
дизайн обложки О. Беспаловой, подготовка иллюстраций С. Русаков,
технический редактор М. Караматозян,
компьютерная верстка Ю. Анищенко, корректор Е. Перфильева
Общероссийский классификатор продукции:
ОК-034-2014 (КПЕС 2008): 58.11.1 — книги и брошюры
Подписано в печать 07.11.2025 г.
Формат 70×90 1/32. Усл. печ. л. 7,02. Печать офсетная.
Бумага мелованная. Гарнитура PF Centro Sans Pro.
Тираж
экз. Заказ №
.
Произведено в Российской Федерации. Изготовлено в 2025 г.
Изготовитель: ООО «Издательство АСТ»
129085, РФ, г. Москва, Звездный бульвар, дом 21, строение 1,
комната 705, пом. I, 7 этаж.
Электронный адрес: www.ast.ru
E-mail: ogiz@ast.ru
«Баспа Аста» деген ООО
129085, Мәскеу қ., Звёздный бульвары, 21-үй, 1-құрылыс,
705-бөлме, I жай, 7-қабат.
Біздің электрондық мекенжайымыз: www.ast.ru
Интернет-магазин: www.book24.kz
Интернет-дүкен: www.book24.kz
Импортер в Республику Казахстан ТОО «РДЦ-Алматы».
Қазақстан Республикасындағы импорттаушы «РДЦ-Алматы» ЖШС.
Дистрибьютор и представитель по приему претензий на продукцию
в республике Казахстан: ТОО «РДЦ-Алматы»
Қазақстан Республикасында дистрибьютор және өнім бойынша
арыз-талаптарды қабылдаушының өкілі
«РДЦ-Алматы» ЖШС, Алматы қ., Домбровский көш., 3«а», литер Б, офис 1.
Тел.: 8 (727) 2 51 59 89,90,91,92; Факс: 8 (727) 251 58 12, вн. 107;
E-mail: RDC-Almaty@eksmo.kz
Өнімнің жарамдылық мерзімі шектелмеген. Өндірген мемлекет:
Ресей Сертификация қарастырылмаған